Стиль энди уорхол: Из чего состояла униформа Энди Уорхола (и чему мы можем у него научиться)

Картины в стиле Энди Уорхола на заказ

Стиль поп-арт сегодня на пике популярности. Изображения в данном стилевом направлении одинаково гармонично смотрятся в интерьерах квартир, обставленных в стиле лофт, и в фотостудиях и в дорогих бутиках. Уникальная обработка картин в данном стиле придает им самобытности, утонченности и креатива. Ярким представителем данного направления считается Энди Уорхол. Он популяризовал данный стиль еще в 50-70х годах. Произведения автора продаются по всему миру за миллионы долларов, но с нами у вас есть уникальная возможность сделать картины в стиле Энди Уорхола по максимально доступной цене и в короткие сроки.

Компания «Арт-холст» предлагает вам не только купить шедевры стиля поп-арт, но и сделать эксклюзивные изделия. Мы предлагаем инновационную услугу – загрузите собственное фото и вы можете получить готовый вариант в автоматически обработанном виде и наглядно увидеть предварительный результат.

Почему именно поп-арт так популярен в наши дни:

• Огромные возможности по оригинальному оформлению интерьера. Можно легко сделать печать на холсте под индивидуальный размер, что позволяет выполнить дизайн в единой концепции, не нарушая общей гармонии.
• Креативные решения для оформления торговых точек. Современные интерьеры требуют поистине творческого подхода для умелого привлечения клиентов. Картины в стиле поп-арт идеальное для этого решение. Такими фото можно создать бренд вашей торговой точке и выгодно выделить ее среди конкурентов.
• Можно использовать печать на холсте в качестве рекламы. Большое и яркое фото, размещенное в местах интенсивной проходимости, позволит ненавязчиво обратить внимание на ваши услуги.
• Интересный подарок друзьям и знакомым. Можно сделать портрет или тематический фотоколлаж, чтобы вы не выбрали, это станет настоящим произведением искусства в стиле поп-арт и надолго останется в памяти дарителя.
• Картины в стиле Энди Уорхола отлично подойдут в качестве стильного презента для деловых партнеров и позволят скрепить вашу дружбу, способствуя долгосрочному и продуктивному сотрудничеству.

Основные этапы выполнения печати на холсте в стиле поп-арт

Портрет в стиле Энди Уорхола выполняется без рамок методом галерейной натяжки. Скобы и фиксирующие элементы расположены с обратной части полотна, поэтому нет необходимости дополнительно использовать багет. Инновационное оборудование компании «Арт-холст» позволяет предлагать своим клиентам сервис европейского уровня. Холст будет полностью имитировать настоящую картину, выполненную руками истинного мастера, а креативная обработка придаст полотну не только яркости, но и незабываемое настроение.

Преимущества обращения в компанию «Арт-холст»

• Богатый ассортимент и широкие возможности. Мы работаем с фото любой сложности, конечно, мы можем выполнить и другие полиграфические услуги, но интерьерная печать наш основной профиль.
• Помощь дизайнера. Наши сотрудники всегда рады подсказать вам творческую идею для оформления вашего интерьера, чтобы заказанная вами фотопечать на полотне органично вписалась в общую дизайнерскую концепцию.
• Оперативность. С нами вам не придется томиться в ожидании. Мы принимаем заказы, и обрабатывает их в течение нескольких дней. Все зависит от сложности и объема работы. В среднем весь цикл занимает от 1 до 2 рабочих дней.
• Доступная цена. Мы предоставляем недорогой сервис, наши душевные работы обойдутся вам по максимально выгодной цене.

Сотрудники компании «Арт-холст» постоянно в творческом поиске, в своих работах мы сохраняем ваше вдохновение, любовь и восторг. Обращайтесь к нам, и ваш интерьер наполниться яркими красками!

ЭНДИ УОРХОЛ+МОДА=ИДЕАЛЬНАЯ ГАРМОНИЯ

Уорхолу понадобился не один год чтобы получить признание как в сфере искусства, так и моды. До того, как он стал иконой стиля, Энди Уорхол был рядовым иллюстратором в журнале, и кто знал, что, спустя время, целая эпоха будет немыслима без его имени.

 

Модная История

 

В 50-х, работая в журнале Harper’s Bazaar, Энди Уорхол не покладая рук трудился над фэшн-иллюстрациями: рисовал туфли и коллажи из флаконов косметики. На работе его знали как замкнутого, необщительного молодого человека, и даже дали ему шутливое прозвище: «Энди бумажный сверток», по аналогии с тем, как он носил свои работы.

 

Феномен Банки с Супом

 

Энди Уорхол ворвался на арт-сцену в 1962 году со своей персональной выставкой, включавшей в себя 32 живописных полотна с изображением банок с супом Campbell. В своих работах художник обратился к теме потребительства, и именно предметы повседневного спроса стали фокусом его будущих работ и вдохновением для его последователей. Принт банок с супом Уорхол напечатал на бумажных платьях, изображение било все рекорды популярности, и в 1965 году компания Campbell самостоятельно начала выпускать так называемые ‘Souper Dresses’, которые мог получить каждый, кто пошлет им один доллар и две этикетки от супа.

 

Уорхол и Высокая Мода

 

До начала 80-х были только те самые бумажные платья, но после — Жан-Шарль де Кастельбажак упрочил имя Уорхола на модном поприще, показав миру платье, которое по форме и рисунку напоминало банку супа Campbell, на показе весна-лето 1984. Влияние Энди Уорхола этим безусловно не ограничилось: в 1991 году супермодель Линда Евангелиста вышла на подиум в платье от Versace, которое пестрило принтами Уорхола с Мэрилин Монро. После такого грандиозного успеха практически все дизайнеры начали так или иначе намекать на его работы в своих релизах. Спустя год после смерти художника его друг Стивен Спраус получил разрешение от фонда Энди Уорхола на использование камуфляжных принтов художника для своей коллекции.

 

Джереми Скотт и Moschino

 

Пожалуй самое большое воздействие личность и работы Энди Уорхола оказали на Джереми Скотта, как в его сольных творениях, так и для Moschino. В его коллекции сезона осень-зима 2011 было представлено платье с пайетками и логотипом, напоминающим лого кока-колы, а в 2013 году на весеннем показе Moschino — логотип Budweiser и чистящего средства на мужских пиджаках, брюках и объемных накидках. Спустя год, бренд Moschino пошел в том же направлении: осенний показ эпатировал публику нарядами в стилистике Макдональдса: этим Джереми Скотт отдал дань уважения Уорхолу и его увлечению идеологией потребления.

 

Вдохновляющая Персона

 

Не только творчество сделало Энди Уорхола фэшн-иконой, но и его собственный гардероб. В 2014 году на показе круизной коллекции от Peter Jensen дефилировали всего две модели разных полов. Девушка была одета в стиле Полетт Годдар, музы художника, а парень с серебристо-седыми волосами и в темных очках походил на самого Энди Уорхола. Еще одним последователем стал бренд Tom Ford, а именно его весеннее шоу 2016 года. Модели прошли по подиуму в джинсах и полосатых свитерах в сочетании с кожаными куртками —  любимый наряд Уорхола на каждый день.

 

Interview

 

Уорхол всегда восхищался знаменитостями и Голливудом, поэтому в 1969 году он начал издавать Interview — журнал нового формата. Interview печатали статьи об известных дизайнерах и брендах, таких как Saint Laurent, Karl Lagerfeld и Halston. В журнале и по сей день освещаются самые важные темы искусства: живопись, кинематограф, музыка, культура, ночная жизнь и мода, особенно если в коллекциях есть намек на непревзойденного мастера поп-арта.

Дом для Энди, или «Фабрика звезд» Уорхола

Энди Уорхол – художник, фотограф, режиссер, дизайнер, основатель направления поп-арт, создатель «Фабрики»… Человек-легенда. Он заставил мир по-новому посмотреть на мир искусства. И его по праву считают открывателем стиля лофт. Мы уже публиковали материал, полностью посвященный лофту, и в этот раз перед нами стоит задача как можно более полно рассказать о студии Энди Уорхола и его взглядах на дизайн интерьера.

Пожалуй, при упоминании стиля лофт сразу возникают ассоциации «большое пространство», «голые стены», «кирпич», «искусство», «оригинальная мебель» и… «Энди Уорхол». Все, кто хотя бы немного интересуется дизайном и архитектурой, знает, что первый лофт – это «Фабрика» культового художника Энди Уорхола. Несмотря на то, что лофт как стиль сформировался относительно недавно – в середине XX века – сегодня его уже, пожалуй, можно назвать классикой современного дизайна.

Рождение «Фабрики»

Чтобы понять, как появился стиль лофт, давайте посмотрим, какими были 40-е годы XX века в Нью-Йорке. Прежде всего, это время, когда город стал чувствовать себя спрессованным, и возникла острая необходимость расширять его границы. Для того, чтобы решить проблему, власти вывели промышленные и производственные предприятия в спальные районы и в сельскую местность. Теперь старые здания на Манхэттене, в которых располагались фабрики и заводы, стали пустовать, но это было не долго. Высокая плотность населения и ограниченность города привели к тому, что недвижимость в центральных районах стремительно дорожала, однако при этом огромные пустующие заводы и фабрики сдавали в аренду практически за бесценок, потому что они были никому не нужны. Художники, музыканты и архитекторы воспользовались сложившейся ситуацией, чтобы организовать собственные студии. Как вы понимаете, жили и творили художники в одном месте.

По словам американского кинематографиста, поэта и ценителя современного искусства Жерара Маланги, Энди Уорхол тоже подыскивал себе помещение для мастерской. На поиск ушло около 6 недель, и он случайно наткнулся на огромное промышленное пространство с деревянными полами и окнами во всю стену. Это было неподходящее на первый взгляд место для художественной студии, но обшарпанность и холод бетона, огромные потолки придавали будущей мастерской особую, богемную ауру. Уорхол был очень доволен своим выбором. Таким образом и появилась «Фабрика» («The Factory») – арт-студия Уорхола, где чуть ли ни в буквальном смысле рабочие штамповали картины, снимали копии и проявляли фотографии.

Первый адрес этой богемной мастерской – Манхэттен, 47-я улица, дом 231, 5 этаж. Стены, пол, потолок, мебель – все было выкрашено серебряной краской, отсюда появилось название «Серебряная фабрика» («Silver Factory»). Она активно функционировала с 1964 года. Затем за годы своего существования студия сменила множество адресов.

Так, в течение следующих 11 лет детище Уорхола располагалось в огромном помещении на Бродвее, 860. На этот раз «Фабрика» занимала целый этаж, имела собственный выход к грузовому лифту и второй лестнице. Энди пережил покушение на свою жизнь и теперь по-другому относился к вопросам безопасности: несколько выходов позволяли ему незаметно покинуть помещение в случае происшествий.

Закат «Фабрики» произошел в 1984 году, когда она переехала в обычный офис на 33-й улице.

«Серебряная эра»

Пожалуй, наиболее ярко дух эпохи и атмосферу в студиях Уорхола передает «Фабрика», располагающаяся по первому адресу. По отношению к ее оформлению актуальны слова самого художника:

«Украшения не делают человека красивее, но помогают ему чувствовать себя красивее. Если на красивого человека надеть украшения и красивую одежду и поместить его в красивый дом с красивой мебелью и красивыми картинами, человек останется таким же, но будет думать, что стал красивее. А вот если красивого человека одеть в тряпье, он станет уродливым. Всегда можно сделать человека менее красивым. Красота, которой грозит опасность, становится более красивой, но красота в грязи становится уродливой» [1].

Идея создания «Серебряной фабрики» («Silver Factory») пришла к Уорхолу, когда он увидел квартиру своего друга фотографа, режиссера и дизайнера Билли Нейма. Она была вся покрашена в серебряный цвет. Нейм оформил «Фабрику» и лифт в том же духе: разбитые зеркала, фольга, серебряная краска. Уорхол и Нейм задекорировали фольгой практически все: трубы, воздуховоды и даже унитаз. Под потолком парили серебряные воздушные шары. Художники экспериментировали с освещением «Фабрики», устанавливали в разных местах зеркала, украшенные бисером и перьями. На некоторых стенах двери были нарисованными. «Фабрика» стала действительно сказочным местом.

Обстановка студии поражала своим богемным, небрежным шиком. Так, гости «Фабрики» находили на свалках интересные вещи и приносили их в мастерскую. Например, Билли Нейм нашел на улице во время одной из своих ночных прогулок красный изогнутый диван. Этот диван очень хорошо вписался в серебряный интерьер и быстро стал любимым местом отдыха гостей Уорхола.

Энди часто использовал его и в качестве декораций для съемок своих андеграундных фильмов. К сожалению, во время переезда в 1968 году диван был утерян.

Let’s dance

О «Фабрике» Уорхола действительно можно сказать, что там штамповалось искусство. Это было место, где обитала американская богема. Сюда можно было прийти без приглашения и стать частью мира искусства. На «Фабрике» собирались актеры, режиссеры, фотографы, дизайнеры, художники, тусовщики и свободные мыслители. Расцвет детища Уорхола по-другому называют «Серебряная эра», это связано не только со специфическим цветовым решением лофта, но и с особой декадентской атмосферой нескончаемых вечеринок, «моря» денег, наркотиков и «звезд».

Среди «звезд», которых выпустила «Фабрика» можно назвать актрису и светскую львицу Эди Седжвик, певицу и композитора Нико (Криста Пэффген), актрису и художницу Ультрафиолет (Изабель Коллин Дюфрен), актрису Кэнди Дарлинг, актера Пола Америка и других.

Часто тусовки Уорхола посещали Мик Джаггер (The Rolling Stones), Боб Дилан, Джим Моррисон (The Doors), Сальвадор Дали и другие. Многие из них принимали участие в различных проектах Уорхола.

В середине XX века лофт был синонимом чего неординарного, супермодного и невероятно современного. Сегодня принципиально ничего не изменилось, лофт – это свобода, скандал, неформат. Посмотрим, что будет дальше. WoodInteria

---

[1] Э. Уорхол Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот) = The philosophy of Andy Warhol (From A to B and back again), М.: Аронов, 2002.

Немцы, которых рисовал Энди Уорхол | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

В 1960-е годы его знаковые, неподражаемые работы произвели во всем мире настоящий фурор — в том числе, в общественном сознании. А сегодня Энди Уорхол входит в число самых популярных и самых продаваемых художников, хотя многие его творения стоят целое состояние. 6 августа 2018 года исполнилось 90 лет со дня рождения выдающегося американского художника, скульптора, продюсера, режиссера, писателя, издателя журналов, которого называют одним из главных фантазеров XX века и королем поп-арта. В расцвете своего творчества он часто бывал в Германии и даже создал тут целый ряд своих произведений. Что влекло его в эту страну?

(Не)удачная премьера Уорхола в Кельне

Вообще-то Энди Уорхол терпеть не мог путешествия: безнадежный ипохондрик, он патологически боялся инфекций, всячески избегал посещения общественных туалетов, а если и решался на какую-то дальнюю поездку, то обязательно брал с собой в дорогу полчемодана всевозможных витаминов и лекарств. Но в Европе — и в особенности в Западной Германии — Уорхол бывать любил. Возможно, в определенной мере тут сказывалось то, что он был выходцем из семьи австро-венгерских эмигрантов и его тянуло на европейский континент — в края предков. Но главное было в другом: в ФРГ, которая в 1960-е являла собой образец глубоких общественных изменений, он видел настоящее раздолье для творчества.

Первая выставка Уорхола в Германии, которую 24 января 1967 года организовал известный кельнский галерист, один из основателей знаменитой художественной ярмарки Art Cologne Рудольф Цвирнер (Rudolf Zwirner), потерпела фиаско. Дело в том, что вместо картин Уорхола был показан его перформанс. А выглядело все так: художник явился в экспозицию с толстым рулоном обоев, на которых были изображены коровы, передал его в руки специально приглашенных мастеров, и они стали оклеивать обоями стены арт-галереи. В это время над головами собравшихся в залах зрителей парили около полусотни наполненных гелием подушек, стоимость каждой из которых составляла, к слову, ни много ни мало 100 немецких марок.

Тем самым Уорхол хотел, чтобы его перформанс перекликался с прошедшим в рамках международной выставки сюрреализма в 1938 году в Париже представлением французского и американского художника Марселя Дюшана, когда тот подвесил к потолку мешки с углем, из которых на посетителей сыпалась черная пыль. В результате красовавшиеся на стенах экспозиционных залов творения Дали, Миро и Макса Эрнста (Max Ernst) воспринимались больше как унылые обои, нежели шедевры изобразительного искусства. Тем самым выставка не только объединяла работы в одно высказывание, но и разоблачала то, как институциональный контекст конструирует зрение в качестве единственного способа восприятия изобразительного искусства. Такого же эффекта добивался и Уорхол, для которого в творчестве всегда был важен интеллектуальный бэкграунд. Немцы восприняли устроенное им в Кельне шоу без восторга, зато бурно его обсуждали. А Цвирнер как раз внимания публики и добивался.

Фотосессия с Вилли Брандтом

Во время фотосессии с Вилли Брандтом

Эта встреча прошла быстро и по-деловому. В один из холодных февральских дней 1976 года знаменитый американский мастер поп-арта Энди Уорхол прибыл из Нью-Йорка в Бонн специально для того, чтобы провести фотосессию с бывшим канцлером ФРГ Вилли Брандтом (Willy Brandt), а потом с этих фотографий написать серию портретов человека, входившего в число кумиров немецкого общества.

Брандт согласился позировать при одном условии — что один из портретов будет потом продан на Дюссельдорфской художественной ярмарке с аукциона, а вырученные деньги будут перечислены ЮНИСЕФ. Шесть недель спустя портреты, выполненные методом шелкографии, были готовы. Сегодня их называют классикой поп-арта.

Взрыв по милости Йозефа Бойса

В Германии Энди Уорхол подружился со знаменитым немецким художником Йозефом Бойсом (Joseph Beuys), большим поклонником творчества которого король поп-арта был. Уорхол любил приезжать в мастерскую Бойса, завтракать с ним, наблюдать, как он работает над своими инсталляциями. Они сошлись очень запросто — эти два мастера, определившие пути искусства второй половины XX века.

Энди Уорхол и Йозеф Бойс (1979)

Бойс подарил Уорхолу инсталляцию из двух бутылок газировки. Как вспоминал потом американский художник, в дороге они взорвались у него в чемодане и испортили все, что было внутри. «Я до сих пор не открыл чемодан, потому что не знаю теперь, что это — все еще произведение искусства или просто чемодан с осколками бутылок. Поэтому в следующий визит Бойса в Нью-Йорк я попрошу его этот чемодан подписать — иначе от него не будет никакой пользы», — написал Уорхол в своем дневнике.

Уорхол в Европе: зашкаливающая популярность и недоуменные натурщики

В конце 1970-х — начале 1980-х годов Уорхол был в Европе еще популярнее, чем в США. Спрос на его картины здесь зашкаливал. Особенно он полюбился немцам. Они просто обожали созданные им растиражированные портреты поп-звезд и других знаменитостей — «Диптих Мэрилин», «Восемь Элвисов», «Че Гевара». Не говоря о таких масштабных и близких немцам картинах, как «Иоганн Вольфганг фон Гете» и «Кельнский собор».

Ряд портретов Уорхол написал и в Германии. Так, весной 1980 года ему позировал колоритный немецкий «мясной король», владелец мясоперерабатывающей фабрики Herta в западногерманском Хертене Карл Людвиг Швайсфурт (Karl Ludwig Schweisfurth), с которым художника свел дюссельдорфский галерист Ханс Майер (Hans Mayer). Правда, полгода спустя, в марте 1981 года, на устроенной Майером вечеринке, куда тот пригласил всех немцев, портреты которых написал Уорхол, художник никого из них не узнал — зато, приветствуя гостей, сказал буквально каждому, что с удовольствием написал бы его портрет. Бывшим натурщикам оставалось только недоуменно развести руками.

Смотрите также:

• Йозеф Бойс: главное

  В авангарде столетия

  Пожалуй, ни один деятель культуры в Германии после Второй мировой войны не будоражил общественное мнение так сильно, как этот харизматичный художник в фетровой шляпе и жилете со множеством карманов, ставшими знаковыми атрибутами его имиджа. Яркий оратор и прирожденный лидер, он считал своим долгом учить демократии массы людей, провоцируя вкусы и сотрясая существующий порядок.

• Йозеф Бойс: главное

  Художник в каждом человеке

  Традиционному делению изобразительного искусства на живопись, графику и скульптуру Бойс противопоставил концепцию «расширенного понятия искусства». Исходя из того, что всему живому присуще творческое начало, Бойс сформулировал свой знаменитый тезис: «Каждый человек — художник». Его постулат: в любой профессии необходим творческий подход и в каждом человеке заложен творческий потенциал.

• Йозеф Бойс: главное

  Сбитый над Крымом

  Один эпизод своей биографии Бойс называл моментом рождения в нем художника: в годы Второй мировой войны, он, стрелок-радист «люфтваффе», был сбит над Крымом. Подобрали его и спасли местные жители, татары, намазав жиром и закутав в войлок. И поэтому в его творчестве такие нетрадиционные материалы, как войлок и жир, занимают центральное место. Но эта история — лишь легенда.

• Йозеф Бойс: главное

  Прилежный ученик

  С 1947 по 1951 годы Бойс учился в Академии художеств в Дюссельдорфе, где главным его наставником был скульптор Эвальд Матаре. Бойс имел репутацию способного и прилежного ученика и ваял в классических традициях. На фото: фигура отца в композиции «Скорбящие родители» 1954 года (копия скульптуры Кете Кольвиц). Изготовлена Бойсом.

• Йозеф Бойс: главное

  Новые объекты творчества

  В начале 1960-х профессор класса монументальной скульптуры в Дюссельдорфе, к тому времени уже внутренне распрощавшийся с классическими представлениями об искусстве, заставил говорить о себе как о бунтаре и авангардисте: работы Бойса не имели ничего общего с традиционной скульптурой, а перформансы порой даже нарушали закон. Объектом его творчества был уже не камень, а человек и общество.

• Йозеф Бойс: главное

  От Касселя до России

  Бывший профессор, не пожелавший возвращаться в академию после одной из своих скандальных акций, стал участником крупных международных выставок. Его наиболее масштабный проект «7000 дубов» был осуществлен на «Документе» в Касселе в 1982-м: огромная куча базальтовых блоков постепенно разбиралась по мере того, как высаживались деревца, которые Бойс намеревался посадить от Касселя до России.

• Йозеф Бойс: главное

  Доказательство делом

  Распространив понятие искусства на все и объявив своей целью преобразование общества, Бойс развил бурную активность. Его студентом мог стать любой желающий, независимо от возраста, профессии, образования и способностей. Он выступал в защиту природы, отстаивал права женщин, требовал реформировать систему образования и пел за мир с немецким бардом Удо Линденбергом перед многотысячной аудиторией.

• Йозеф Бойс: главное

  Политика как искусство

  Политика была не только темой его инсталляций и перформансов. Он принимал самое деятельное участие в создании и становлении «партии зеленых» и баллотировался от этой партии на выборах в Европарламент и бундестаг (впрочем, без большого успеха). Политика была частью творчества Бойса.

• Йозеф Бойс: главное

  Новый гуру

  Признание и слава не заставили себя ждать. Йозеф Бойс стал известным художником, участником крупных международных выставок. В начале 1980-х он уже — один из лидеров мирового художественного авангарда. Энди Уорхол включил его в свою галерею культовых супер-звезд.

  Автор: Элла Володина

появление коммерческого поп-арта. Интересно знать

Энди Уорхол (6 августа 1928 — 22 февраля 1987) стал культовой персоной в истории поп-арта. Стиль Энди Уорхола является одним из самых узнаваемых в мире. После смерти художника цены на его работы выросли на 3400%, что вдвое превышает рост цен на произведения искусства того же периода. Больше о его работах, технике и идеологии расскажет AnyDayLife.

Американский художник, дизайнер, продюсер, кинорежиссер, писатель, коллекционер и издатель Энди Уорхол (настоящее имя — Эндрю Вархола) имел словацкое происхождение. Он родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), но его родители были родом из Словакии. Этот человек с непростой судьбой создал новое направление в искусстве, которое стало коммерческим поп-артом.

Художественный стиль Энди Уорхола, по его признанию, сформировался у него в детстве. В третьем классе он заболел хореей Сиденгама (синдром, характеризующийся отрывистыми, беспорядочными, нерегулярными гротескными и вычурными движениями и мимикой), большую часть времени был прикован к постели и стал изгоем среди сверстников. Именно в этот период он коротал часы в постели, рисуя, собирая фотографии кинозвезд и делая из них коллажи.

После получения образования в качестве графического дизайнера Уорхол работал оформителем витрин и рекламных плакатов, стал художником в модных изданиях Vogue, Harper’s Bazaar и некоторых других, а в 1950 году испытал первый успех, нарисовав рекламные плакаты для обувной компании.

В 1952 году состоялась первая крупная выставка Уорхола в Нью-Йорке, принесшая ему популярность. В начале 1960-х годов он начал рисовать цикл произведений из серии изображений банок Coca-Cola и супа Campbell’s. Изображение банки с рисово-томатным супом Кэмпбелл сегодня одно из самых узнаваемых произведений Уорхола, оно стало его своеобразной визитной карточкой.

Энди Уорхол был новатором, так как один из первых применил трафаретную печать для создания своих произведений искусства. В своих ранних шелкографиях он использовал собственноручно нарисованные изображения, но со временем художник стал стремиться к массовому тиражированию работ.

Уорхол внедрил инновационные технологии в процесс создания художественных образов и поставил искусство на коммерческую основу. Именно поэтому он и считается основателем коммерческого поп-арта. Для создания работ Энди Уорхол использовал свой уникальный на то время способ. На нейлоновую сетку, пропитанную фотоэмульсией, накладывался диапозитив, изображение засвечивалось и фотоэмульсия на сетке становилась нерастворимой пленкой. Так получалась матрица, которую накладывали на ткань или бумагу и наносили краски.

Таким способом Уорхол создал многие свои известные шедевры, в том числе яркие портреты Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Мохаммеда Али, участников The Beatles, Эрнесто Че Гевары, Джейн Фонды, Ингрид Бергман, Майкла Джексона и многих других знаменитостей.

Энди Уорхол изображал на своих работах все, что в то время было популярным, да и он сам стал человеком-брендом. На его выставках посетители при виде художника разражались истериками и наперебой просили у него автографы, как будто он был не художником, а всемирно известной рок-звездой.

Стиль Энди Уорхола перевернул искусство того времени с ног на голову. Кто-то считал этого худощавого и задумчивого человека прагматиком и циником, кто-то был уверен, что для него нет ничего святого, кроме денег, кто-то с пристрастием искал ироничный подтекст в его картинах, книгах и фильмах, но никого его работы не оставляли равнодушным. Поставив творчество на конвейер производства и внедряя в жизнь свои революционные идеи, Уорхол и сегодня является одной из самых ярких персон в современном искусстве, прочно заняв почетное место в списке самых продаваемых художников в истории.

Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Поп-арт

Диптих Мэрилин Монро. Энди Уорхол «Лучшие работы Екатерины Рождественской». Выставочный зал-музей «Загорье». Artefact

Окончив школу, под видом экскурсионной поездки в столицу она подала документы в несколько московских вузов. Выбирая между ВГИК и Школой-студией МХАТ, отдала предпочтение последнему. Когда родители узнали о произошедшем, отец приехал в Москву с целью забрать дочь домой. Но в вузе его убедили разрешить Татьяне учиться. В 1969 году она окончила курс В. Маркова
Сразу после учебы Татьяна приступила к работе в Театре сатиры в Москве, где служила в течение 14 лет. Ее театральным дебютом стала пьеса «У времени в плену», где она сыграла комиссара. Среди постановок с участием Васильевой были «Ремонт», «Баня», «Ревизор», «Самоубийца»
Впервые на экране актриса появилась в 1972 году в фильме для детей. В 70-х годах девушка сыграла немало киноролей, но среди них заметных и ярких практически не было. Запоминающейся стала работа в картине 1978 года «Дуэнья». В следующем десятилетии актриса принимала участие в киносъемках еще активнее, и настоящая популярность все-таки настигла Васильеву. Кинофильм Г. Бежанова «Самая обаятельная и привлекательная» вышел на экраны в 1985 году и имел оглушительный успех. Образ Сусанны полюбился советским зрителям не меньше главной героини, подарив Васильевой немало поклонников.
С 1983 года в течение пяти лет Васильева служила в театре им. Маяковского. Здесь она играла в постановках «Бег», «Плоды посвящения», «Закат» и др. Ушла из театра из-за большой занятости в киносъемках. Примечательно, что в 90-х годах, оказавшихся сложными для большинства актеров, Татьяна была востребована в кино. В основном это были фильмы комедийного жанра, но не обошлось и без серьезных работ. За участие в картине «Увидеть Париж и умереть» ей были присуждены награды «Ники» и «Кинотавра». Также в 1992 году Васильева была представлена к званию Народной артистки.

С 1997 года актриса играет в «Школе современной пьесы». В этом театре она задействована в постановках «Чайка», «Русское варенье», «С приветом, Дон Кихот». С началом нового тысячелетия ролей у Васильевой не убавилось, причем ее теперь можно увидеть и в российских сериалах. Фильмография актрисы насчитывает 90 кинолент. Помимо работы в театре и кино, участвует и в телепроектах. На Первом канале вела передачи «Между нами, девочками» и «Дело Ваше». Также участвует в дубляже фильмов.
В 2013 году была награждена Орденом Почета.

Энди Уорхол — Смерть, искусство и факты

Энди Уорхол был одним из самых плодовитых и популярных художников своего времени, проявляя как авангардизм, так и высокую коммерческую чувствительность.

Кем был Энди Уорхол?

Энди Уорхол был успешным журналом и иллюстратором рекламы, который стал ведущим художником движений поп-арта 1960-х годов. Он отважился заняться широким спектром видов искусства, включая перформанс, кинопроизводство, видеоинсталляции и письмо, и спорно размыл границы между изобразительным искусством и основной эстетикой.Уорхол умер 22 февраля 1987 года в Нью-Йорке.

Ранняя жизнь

Эндрю Уорхола родился 6 августа 1928 года в окрестностях Окленда в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Родители Уорхола были иммигрантами из Словакии. Его отец, Андрей Уорхола, был строителем, а мать, Джулия Уорхола, была вышивальщицей. Они были набожными византийскими католиками, которые регулярно посещали мессу и сохранили большую часть своей словацкой культуры и наследия, живя в одном из этнических анклавов Питтсбурга в Восточной Европе.

В возрасте восьми лет Уорхол заболел Хореей — также известной как Танец Святого Вита — редкой и иногда смертельной болезнью нервной системы, из-за которой он был прикован к постели на несколько месяцев. Именно в эти месяцы, когда Уорхол лежал в постели, его мать, искусная художница, дала ему первые уроки рисования. Вскоре рисование стало любимым развлечением Уорхола в детстве. Он также был заядлым фанатом фильмов, и когда его мать купила ему фотоаппарат в возрасте девяти лет, он тоже занялся фотографией, проявив пленку в импровизированной темной комнате, которую он устроил в их подвале.

Уорхол учился в начальной школе Холмса и посещал бесплатные уроки рисования в Институте Карнеги (ныне Художественный музей Карнеги) в Питтсбурге. В 1942 году в возрасте 14 лет Уорхол снова пережил трагедию, когда его отец скончался от желтухи печени. Уорхол был так расстроен, что не смог присутствовать на похоронах своего отца, и все время прятался под кроватью. Отец Уорхола признал артистические таланты своего сына и в своем завещании предписал, чтобы все его сбережения пошли на обучение Уорхола в колледже.В том же году Уорхол поступил в среднюю школу Шенли, а после ее окончания в 1945 году поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги-Меллона), чтобы изучать графический дизайн.

Поп-арт

Окончив колледж со степенью бакалавра изящных искусств в 1949 году, Уорхол переехал в Нью-Йорк, чтобы продолжить карьеру коммерческого художника. Также в это время он уронил букву «а» в конце своей фамилии и стал Энди Уорхолом. В сентябре он устроился на работу в журнал Glamour и стал одним из самых успешных коммерческих художников 1950-х годов.Он неоднократно получал награды за свой неповторимый причудливый стиль, используя свою собственную технику промокших линий и резиновые штампы для создания своих рисунков.

Банки для супа Кэмпбелла

В конце 1950-х годов Уорхол начал уделять больше внимания живописи, а в 1961 году он дебютировал с концепцией «поп-арта» — картин, ориентированных на массовые коммерческие товары. В 1962 году он выставил культовые изображения консервных банок Кэмпбелла. Эти небольшие холщовые произведения повседневных потребительских товаров вызвали большой переполох в мире искусства, впервые привлекая внимание как Уорхола, так и поп-арта к национальному центру внимания.

Британский художник Ричард Гамильтон описал поп-арт как «популярный, преходящий, расходный, недорогой, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес». Как выразился сам Уорхол: «Как только у вас появится« популярность », вы больше никогда не сможете увидеть знак таким же.

На других известных поп-картинах Уорхола были изображены бутылки из-под кока-колы, пылесосы и гамбургеры.

Портреты

Он также рисовал портреты знаменитостей в ярких и ярких цветах; его самые известные предметы — Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Мик Джаггер и Мао Цзэ-дун.Когда эти портреты приобрели известность и известность, Уорхол начал получать сотни заказов на создание портретов от светских людей и знаменитостей. Его портрет «Восемь эльфов» в конце концов был перепродан за 100 миллионов долларов в 2008 году, что сделало его одной из самых ценных картин в мировой истории.

Фабрика

В 1964 году Уорхол открыл свою собственную художественную студию, большой склад, расписанный серебром, известный просто как «Фабрика». Фабрика быстро стала одним из главных культурных центров Нью-Йорка, местом проведения роскошных вечеринок, на которых присутствуют самые богатые светские люди и знаменитости города, в том числе музыкант Лу Рид, который воздал должное дельцам и трансвеститам, которых встретил на Фабрике своим хитом. песня «Walk on the Wild Side», стихи которой содержат описания людей, которые работали в легендарной студии / складе в 60-х, в том числе Холли Вудлон, Кэнди Дарлинг, «Маленький Джо» Даллесандро, «Фея сахарной сливы» Джо Кэмпбелл и Джеки Кертис.(Уорхол был другом Рида и руководил его группой, Velvet Underground.)

Уорхол, который явно наслаждался своей знаменитостью, стал постоянным участником печально известных ночных клубов Нью-Йорка, таких как Studio 54 и Max’s Kansas City. Комментируя пристрастие к знаменитостям — как его собственное, так и общественное, — Уорхол заметил: «Больше всего на свете людям просто нужны звезды». Он также начал развивать новые направления, опубликовав свою первую книгу Andy Warhol’s Index в 1967 году.

ПОДРОБНЕЕ: Как Энди Уорхол и Халстон преобразовали искусство, моду и студию 54

В 1968 году, однако, успешная карьера Уорхола почти закончилась. закончился.3 июня он был застрелен Валери Соланас, начинающей писательницей и радикальной феминисткой. Уорхол был серьезно ранен в результате этого нападения. Соланас появилась в одном из фильмов Уорхола и, как сообщается, была расстроена им из-за его отказа использовать сценарий, который она написала. После стрельбы Соланас был арестован и позже признал себя виновным в преступлении. Уорхол провел недели в больнице Нью-Йорка, восстанавливаясь после травм, и перенес несколько последующих операций. В результате полученных травм ему всю оставшуюся жизнь пришлось носить хирургический корсет.

ПОДРОБНЕЕ: Узнайте о Валери Соланас, женщине, которая стреляла в Энди Уорхола

Книги и фильмы Уорхола

В 1970-х годах Уорхол продолжал исследовать другие формы СМИ. Он опубликовал такие книги, как The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again) и Exposures . Уорхол также активно экспериментировал с видеоартом, сняв более 60 фильмов за свою карьеру. Среди его самых известных фильмов — « сна », в котором поэт Джон Джорно спит шесть часов, и « есть », в котором человек ест гриб в течение 45 минут.

Уорхол также работал в области скульптуры и фотографии, а в 1980-х годах он перешел на телевидение, где транслировал телеканал Энди Уорхола «» и «Пятнадцать минут » Энди Уорхола на MTV.

Смерть

В более поздние годы Уорхол страдал от хронических заболеваний желчного пузыря. 20 февраля 1987 года он был госпитализирован в Нью-Йоркскую больницу, где ему успешно удалили желчный пузырь и, похоже, он выздоравливал. Однако через несколько дней у него возникли осложнения, которые привели к внезапной остановке сердца, и он умер 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет.Тысячи людей посетили памятник художнику в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке.

Наследие

Загадочная личная жизнь Уорхола была предметом множества споров. Широко распространено мнение, что он был геем, и его искусство часто было пронизано гомоэротическими образами и мотивами. Однако он утверждал, что оставался девственником всю свою жизнь.

Жизнь и творчество Уорхола одновременно высмеивали и прославляли материальность и знаменитость. С одной стороны, его картины с искаженными изображениями брендов и лицами знаменитостей можно рассматривать как критику того, что он считал культурой, одержимой деньгами и знаменитостями.С другой стороны, сосредоточенность Уорхола на потребительских товарах и иконах поп-культуры, а также его собственная тяга к деньгам и славе наводит на мысль о жизни в прославлении тех самых аспектов американской культуры, которые критиковались в его работах. Уорхол говорил об этом очевидном противоречии между своей жизнью и работой в своей книге Философия Энди Уорхола , написав, что «зарабатывание денег — это искусство, а работа — это искусство, а хороший бизнес — лучшее искусство».

«Модный, бунтарский, даже немного зловещий»: как Энди Уорхол сделал моду в стиле поп-арт | Fashion

«Художники не должны одеваться, и я все равно буду выглядеть правильно», — произносит Энди Уорхол в фантастической биографической книге Боба Коласелло «Священный террор».Это иронично, учитывая, что, когда кто-то говорит о мужчинах в портняжной форме, я всегда думаю об Уорхоле. В частности, пиджак, рубашка, галстук и джинсы эпохи. У него также часто был пластиковый пакет в руке с экземплярами своего журнала «Интервью» внутри, чтобы раздать потенциальным рекламодателям. Уорхол никогда не работал. Он был его искусством.

Приверженность Уорхола джинсам также является чем-то вроде личной одержимости; Недавно я купил три пары винтажных Levi’s — его любимого джинсового бренда. Пожалуй, одна из лучших историй, связанных с джинсовой тканью, — это то, как Уорхол держал свои Levi’s 501 под смокингом — он собирался в Белый дом впервые — потому что брюки чесались.Затем есть фотография, на которой он катается на коньках в джинсах и пиджаке или с круглым вырезом с кроссовками New Balance, Баския на переднем плане, топлес и силовые тренировки.

Поскольку Тейт Модерн собирается открыть новое шоу Уорхола, внимание к его стилю кажется более уместным, чем когда-либо. Во время недели мужской моды в Милане в прошлом месяце я заметил фотографию Уорхола Антонио Лопеса на выставке на Корсо Комо, 10 (до апреля) в пиджаке, полосатом галстуке, очках в прозрачной оправе и печально известном серебристо-сером парике.

Энди Уорхол и Кейт Харинг в ночном клубе The Tunnel в 1986 году. Фотография: Рон Галелла / WireImage.

Он также носил Comme des Garçons, в последний раз носил обувь в Берлути, а в 1974 году его сфотографировал Хельмут Ньютон, лежа в черный кожаный тренч. Совсем недавно Uniqlo продал футболки с Уорхолом, а Saint Laurent сотрудничает с Everlast над коллекцией боксерских капсул, вдохновленной фотографиями Уорхола и Баскии из Everlast, сделанными Майклом Халсбандом.

На протяжении всей своей карьеры Уорхол был тесно связан с модой: в 50-е годы в молодости он создавал иллюстрации для Vogue и Harper’s Bazaar.Позже он подружился и создал портреты дизайнеров, в том числе Дайан фон Фюрстенберг, Джорджио Армани, Джанни Версаче, Хальстона и Ива Сен-Лорана. Он тусовался с легендарным модным редактором Vogue Дайаной Вриланд, некоторое время руководил культовой группой Velvet Underground, и быстро понял дух времени — увидел его поддержку новичков, таких как Кит Харинг и Баския.

Однако Уорхол был не просто художником-новатором; он также был звездой с соответствующим имиджем. «Он действительно понимал идею публичного образа», — говорит Фионтан Моран, помощник куратора галереи Тейт Модерн.«Поп-арт создавался из знакомых предметов, он был доступным и являлся выигрышной комбинацией с его отличительной визуальной идентичностью».

Колачелло, много лет проработавший в Interview и входивший в ближайшее окружение Уорхола, говорит, что его образ 60-х: «серебристо-белый парик, темные солнцезащитные очки с запахом, черная водолазка под черной кожаной курткой, черные ботинки и, да, синие джинсы» — был рассчитан на создать крутой, модный, бунтарский, даже немного зловещий образ. И это удалось ». К тому времени, когда Колачелло встретил его в 1970 году, остались только джинсы.Остальное было заменено оксфордскими рубашками, консервативными галстуками, очками в прозрачной оправе и жакетами с шнурком. «Стиль пиджака и джинсов превратился в стиль Factory, элегантный и деловой, но более резкий, чем корпоративный», — говорит он. «Мы все нашли эту комбинацию удобной, потому что мы могли перейти от званого обеда в центре города к вечеринке в лофте в центре города и вписаться в нее, но при этом быть немного другими».

В выставке Тейт более 100 произведений искусства, которые рассматривают работы Уорхола с разных точек зрения, говорит Моран: значение того, что он был сыном родителей-иммигрантов из современной Словакии, и то, как это могло повлиять на его взгляд на Америку. , его воспитание в византийско-русинской католической церкви, его увлечение знаменитостями и одержимость смертью, а также взгляд на работу с необычной точки зрения.«У него был очень открытый подход к творчеству. Он работал до того, как гомосексуальность был узаконен, и на Фабрике жили деятели контркультуры », — говорит Моран. «Он извлекает выгоду из этого, но всегда интересовался новым, что, по сути, является делом моды».

Наоми Кэмпбелл в платье Уорхола Мэрилин от Джанни Версаче, 1991.

«Энди Уорхол и мода созданы друг для друга», — говорит Алекс Билмес, главный редактор британского Esquire. «Знаменитости, шоппинг, деньги, новизна, поверхности, цвет, черное и белое, массовое производство, неподлинность, молодежь, ночные клубы, скука, фильмы, Евротэш, бросившие школу, поп, будущее: все, что он прославлял, высмеивал, фетишировал и высмеивал. это то же самое, что мода одержима, фантазирует, сдирает.Он не столько предсказывал будущее, сколько создавал его. Уорхол был модой, но Уорхол был больше и лучше моды: в его поверхности была его глубина ».

Не то чтобы Уорхол когда-либо сознательно преувеличивал свою глубину — это намек на одно из его величайших заявлений за все время: «Я глубоко поверхностный человек».

Его идеи часто видели на подиумах. На выставке Calvin Klein в 2017 году Раф Симонс разместил произведения Уорхола в рекламных кампаниях и на одежде, используя художника как призму, через которую он исследует американскую культуру.В 80-х Стивен Спроус был вдохновлен картинами «Камуфляж», а коллекция SS84 Жана-Шарля де Кастельбажака включала консервную банку Кэмпбелла для супа.

В супер-модной коллекции Versace 1991 года в стиле Pop было множество уорхолийских кивков, в том числе платье Мэрилин Наоми Кэмпбелл. Портрет Джанни был написан Уорхолом, а Донателла вернулась в 2018 году для юбилейной коллекции, посвященной Джанни. Тем временем Moschino Джереми Скотта шипит с Уорхолизмами — посмотрите шоу AW 2014, в котором рифф на McDonald’s включал сумку с логотипом M сети бургеров на передней стороне.И когда Карл Лагерфельд превратил Большой дворец в супермаркет Chanel, тоже в 2014 году, от него пахло Уорхолом.

Сам Уорхол был поклонником модных показов, он ходил на подиумные показы таких художников, как Холстон и Сен-Лоран. Колачелло вспоминает, что художник поворачивался к нему и каждый раз говорил одно и то же: «Ну и дела, Боб, мы должны превратить это в пьесу». Он смеется. «Уорхол вышел из мира моды и никогда не покидал его».

Энди Уорхол находится в галерее Тейт Модерн, Лондон, SE1, с 12 марта по 6 сентября.

Почему важно помнить, что Энди Уорхол был рабочим

Автор Ананда Пеллерин, CNNLondon

От Мэрилин Монро до Мухаммеда Али, портреты богатых и знаменитых Энди Уорхола — одни из самых узнаваемых произведений 20-го века. Американское искусство.

Считавшийся лидером движения поп-арт, Уорхол также был известен тем, что общался со знаменитостями. Сальвадор Дали, Боб Дилан, Грейс Джонс и Дэвид Боуи были связаны с ним и его знаменитой фабрикой, украшенной серебром студией, где тусовались творческие личности всех полов и сексуальных ориентаций.

Но помимо гламура центра города, начало рабочего класса Уорхола оказало глубокое влияние на его искусство и мировоззрение, и этот факт исследуется на недавно открытой выставке «Энди Уорхол» в галерее Тейт Модерн в Лондоне.

Успех Уорхола как художника часто связывают с его способностью привносить в мир галерей рекламные мотивы — бутылки с газировкой, коробки Brillo, лица знаменитостей. На выставке представлены некоторые из его самых известных работ, посвященных потребительским товарам, в том числе картины «Зеленые бутылки кока-колы» и «100 банок для супа Кэмпбелла», созданные в 1962 году.

«100 банок с супом Кэмпбелла», 1962 год, Энди Уорхол. Предоставлено: Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Лицензия DACS / Tate

Но, как и в случае со многими другими рекламными объявлениями, призванными пробудить желание, было нечто большее в том, почему Уорхол решил изобразить, казалось бы, банальный предмет. Эта выставка проливает новый свет на то, как детство, проведенное в бедности, повлияло на его восприятие мира, все более насыщенного средствами массовой информации, и убедительно показывает, что обновление наследия выдающегося художника давно назрело.

«Это парень, чья форма супа выросла из соли и перца с небольшим количеством кетчупа. Я не думаю, что он вырос в роскоши супа Кэмпбелла», — сказал сокуратор шоу Грегор Мьюир по телефону. . «Я начал понимать, насколько история Уорхола связана с иммигрантами».

Стальные корни

Эндрю Уорхола родился в семье бедных словацких иммигрантов в сталелитейном городе Питтсбурге в 1928 году. Шансы Уорхола преуспеть в мире искусства были невелики.Как и некоторые из известных людей, которых он изображал — Монро, Али и Элвис Пресли — он пережил годы нестабильности, прежде чем достиг статуса суперзвезды.

Во времена Уорхола некоторым было легче стать прекрасным художником, поскольку «более обеспеченные белые гетеросексуальные студенты-мужчины» имели «огромное преимущество» перед другими, сказал историк искусства Энтони Э. Грудин, автор книги «Рабочий класс Уорхола». Книга 2017 года, в которой подробно исследуются многие темы, затронутые выставкой Тейт.

«Думай богато.Выгляди бедно ».

Энди Уорхол

И хотя Уорхол имел преимущество быть белым и мужчиной, Грудин в серии электронных писем и телефонных звонков с CNN указал, что его« ярко выраженный квир-стиль и его явно «этническое» происхождение смягчают ( эти преимущества). По подсчетам социолога Ричарда Сеннета, Грудин сказал, что в Америке середины века менее 1% мужчин, «выращенных физическим трудом», стали бы «самозанятыми профессионалами» — а стать прекрасным художником было даже реже.

Эти шансы, несомненно, увеличивались тем фактом, что с ранних лет отец Уорсхола, рабочий-строитель, и мать-вышивальщица, поддерживали таланты молодого художника. Он специализировался в области графического дизайна в Технологическом институте Карнеги и продолжил успешную карьеру в качестве коммерческого художника, переехав в Нью-Йорк, отказавшись от своей фамилии и создав рекламу для компаний, начиная от Tiffany & Co. в Mobilgas.

Но у него были свои взгляды на мир изобразительного искусства — и чтобы произвести фурор, ему нужно было разработать уникальный стиль.

Это все искусство

До Уорхола обычные предметы не считались достаточно хорошими для искусства, сказал Грудин. Но для художника «все может быть искусством, для кого угодно и о чем угодно». И этот визуальный мир был напрямую связан с его фоном. Товары народного потребления, фотографии в таблоидах и голливудские лица представляют собой «иконографию, закодированную в коде рабочего класса, которую часто ошибочно принимают за« американскую »».

Примерно в середине 1950-х годов рекламодатели начали нацеливать брендовые продукты на потребителей из рабочего класса », многообещая им доступ в мир социальной мобильности, где фиксированные классы устарели, а статус было легко получить, как банку супа… »Грудин пишет в« Рабочий класс Уорхола ».

« Мэрилин Диптих », 1962, Энди Уорхол. Фото: Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc./ Лицензия DACS / Tate

Воспроизведение этих амбициозных потребителей Продукты в его работах означали, что люди, не принадлежащие к миру искусства, могли сразу же познакомиться с картинами Уорхола. И хотя Уорхол не был активным сторонником рабочего движения, Грудин говорит, что художник делал это намеренно.

Он «преследовал поистине универсальное и эгалитарное искусство, способное воспроизвести что угодно (независимо от того, насколько деградировано или «вульгарно») кому угодно (независимо от того, насколько обездоленным), используя любые средства и стили (независимо от того, насколько они распространены или механичны).«Средство, которое популяризировал художник, поднимает этот вопрос: шелкография — недорогой и доступный вид искусства.

Несмотря на свой статус одного из пионеров поп-арта, Уорхол не был поклонником этого термина, как утверждает Мьюир, имеющего свои корни. Мьюир пишет в каталоге выставки. возможность для «культурных трущоб», сказал Грудин.«Это культурный эквивалент ношения синих джинсов для маскировки власти … Принятие голоса рабочего класса и притворство, что это голос« Америки »».

«Зеленые бутылки кока-колы», 1962, Энди Уорхол . Предоставлено: Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Лицензия DACS / Tate

Сам Уорхол, казалось, олицетворял противоречие между стремлением и достатком. Хотя он имел репутацию неграмотного, на самом деле он мог цитировать Шекспира и однажды подписался на оперу.Грудин отмечает, что, формируя свою публичную личность, он «делал вид, что заботится только о жевательной резинке, телевидении, фильмах и поп-пластинках. Он мог проецировать иную классовую восприимчивость в зависимости от того, что он думал, что ему нравилось, как он себя вел».

Даже то, как Уорхол иногда одевался, в пиджак и джинсы (вид, который, как он утверждает, популяризировал), указывал на слияние двух миров, высокого и низкого. Или, как он сказал: «Думайте богатыми. Выглядите бедными».

Почему забыли?

Но если работа и личность Уорхола пропитаны отсылками к культуре рабочего класса, почему этот аспект его жизни редко выходит на первый план?

«Сокрытие — это почти карьерный шаг Уорхола», — сказал Мьюир, имея в виду репутацию художника в области фабрикации историй и уклонения от правды.«Я думаю, он бы очень не хотел говорить об этом на протяжении всей своей жизни».

Но в то время как Мьюир считает, что Уорхол намеренно скрывал свое воспитание, Грудин не считает, что такая интерпретация верна. «Хотя он часто лгал о своем происхождении — о том, в каком году он родился, чем его отец зарабатывал на жизнь, где он родился — он, насколько мне известно, не делал вид, что его происхождение было более благоприятным, чем оно было на самом деле.

«Энди носил свое крестьянское наследие как почетный знак»

Бетти Эш Дуглас, одноклассница Уорхола

«Конечно, он был социальным альпинистом, — продолжил Грудин.«Но когда он говорил о своем происхождении, он был довольно ясен … что его отец был рабочим, который умер от тяжелой работы, и что он вырос в бедности, и что его мать продавала консервированные двери произведений искусства … до двери «.

Цитируя Бетти Аше Дуглас, одну из одноклассниц Уорхола в Carnegie Tech, он добавил: «Энди носил свое крестьянское наследие как знак чести». как предположил Мьюир: «С точки зрения коммерческого мира, это не считается аргументом в пользу продажи.«

« Дамы и господа (Ирис) »1975 года — это один из нескольких портретов транс-женщин, нарисованных Уорхолом. Авторы и права: Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Лицензия DACS / Tate

СМИ также были «остро осознавая, как он может редактировать Энди», — сказал он, упомянув интервью 1960-х годов, в котором любые ссылки на квир-идентичность, сделанные Уорхолом, были удалены до того, как оно было напечатано. Он добавил, что с годами образ Уорхола как « «асексуальный робот».

В то же время, по словам Грудина, американцев все чаще поощряли не говорить и не думать о классе каким-либо критическим образом, отчасти благодаря рекламодателям, которым было выгоднее убеждать людей в том, что они покупают правильные вещи. продукты помогли бы им добиться успеха.Эффект от отношения к «классу» как к ругательному слову сохраняется и по сей день.

«Американцы ненавидят говорить о классе — это шокирует», — сказал Грудин. «Это очень неудобная тема, которая часто подвергается цензуре (и) считается устаревшей».

Whitewashing Уорхол

В рекламе Суперкубка Burger King в перерывах между играми в 2019 году Уорхол ел гамбургер рядом с хэштегом #EatlikeAndy. Но это видение его как всеамериканской иконы нелегко проглотить.

Действительно, выставка Тейт, которая продлится до 15 ноября, заставляет посетителей понять работу Уорхола не только как ребенка бедности, но и как пересечение его странной, иммигрантской идентичности и того, как его пожизненное увлечение смертью и религией повлияло на то, на что он сделал.

«Американцы ненавидят говорить о классе — это шокирует».

Энтони Э. Грудин

В его смешанной серии «Смерть и катастрофа» представлены ужасные таблоидные фотографии — от самоубийств до расовых беспорядков — в то время как его интимные портреты транс-женщин — это рекорд людей, живущих на маргиналах.Его огромная картина 1986 года «Шестьдесят тайных вечеров», изображающая Иисуса и его учеников, намекает на воспитание Уорхола в Русинской греко-католической церкви и на тот факт, что даже после того, как он переехал в Нью-Йорк, Уорхол регулярно посещал мессу.

«Автопортрет», 1986, Энди Уорхол Предоставлено: Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Лицензия DACS / Tate

Мьюир считает, что контролируемый образ Уорхола только начинает отступать в пользу более тонкого взгляда на его жизнь и работу.«Мы можем начать говорить об Уорхоле по-новому и способами, которые в то время в значительной степени игнорировались», — сказал он.

Есть ли какая-то ирония в том, что то, что делает искусство Уорхола таким интересным — тот факт, что он использовал свои переживания стремлений и желаний, — также является частью его жизни, которая так часто приукрашивается? «Совершенно верно, — сказал Грудин. «Это глубоко иронично, и я думаю, что побелка — отличный способ описать это».

«Энди Уорхол» идет в галерее Тейт Модерн до 15 ноября 2020 года.Верхнее изображение: Семья Уорхола 1946-47 гг.

Энди Уорхол и его творческое влияние

Золото Мэрилин — Уорхол | © Эндрю Мур / Flickr

Американский поп-художник Энди Уорхол был одной из самых значительных и плодовитых фигур своего времени, его работы исследуют связь между культурой знаменитостей и художественным самовыражением. Уорхол уже закрепил свое место в художественном сообществе в начале своей карьеры и завещал международной аудитории эксцентричную коллекцию некоторых из самых ярких работ в истории после своей безвременной кончины в 1987 году.Мы ближе познакомимся с загадочным человеком, который стоит за одними из самых знаковых произведений искусства в мире.

Энди Уорхол родился в словацкой семье в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Когда ему было восемь лет, он заболел хореей (неврологическим заболеванием), из-за чего он был прикован к постели. Чтобы развлечь его во время выздоровления, мать дала ему уроки рисования. Уорхол полюбил медиум и продолжал рисовать в свободное время, когда поправил свое здоровье. В 1942 году Уорхол поступил в среднюю школу Шенли, а после ее окончания в 1945 году изучал коммерческое искусство в Технологическом институте Карнеги — ныне Университет Карнеги-Меллона.В 1949 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна.

Энди Уорхол — Мэрилин 1967 | © Ian Burt / Flickr

Уорхол впоследствии стал иллюстратором журнала Glamour , что сделало его ведущей фигурой в движении поп-арта 1950-х годов. Его эстетика представляла собой уникальное слияние средств изобразительного искусства, таких как фотография и рисунок, с высоко коммерциализированными компонентами, вращающимися вокруг домашних брендов и имен знаменитостей. Привлекая международное внимание своими уникальными постановками, Уорхол любил сохранять элемент личной и профессиональной тайны, признавая, что никогда не обсуждал свое прошлое и каждый раз придумывал новую личность, когда его спрашивали.

Работы Уорхола открыли новую захватывающую форму художественного самовыражения. В 1961 году он представил концепцию поп-арта и продемонстрировал коллекцию картин, посвященных коммерческим товарам массового производства. В 1962 году он выставил свои культовые картины консервных банок Кэмпбелла. Затем он продемонстрировал работы с изображением гамбургеров и бутылок кока-колы, а также портреты необычных знаменитостей, таких как Мик Джаггер, Элизабет Тейлор и Мэрилин Монро. Для создания своих работ он использовал несколько средств массовой информации, в том числе фотографию, шелкографию и эстамп.В 1964 году Уорхол открыл свою собственную художественную студию под названием «Фабрика», где он работал и поддерживал связи с элитой общества.

Нью-Йорк. МоМА. Энди Уорхол | © Tomás Fano / Flickr

Мир был очарован Энди Уорхолом — его внешностью, эстетикой и позицией его движения поп-арта. Однако внимание, которое он привлекал, не всегда было положительным. 3 июня 1968 года радикальная феминистка Валери Соланас застрелила Энди Уорхола и Марио Амайя — куратора студии Уорхола. Амайя получила лишь незначительные травмы, но Уорхол был серьезно ранен и чуть не умер.Соланас был приговорен к трем годам тюремного заключения по дисциплинарной ответственности Департамента исправительных учреждений Нью-Йорка. Уорхол был процитирован: «До того, как меня застрелили, я всегда думал, что я больше наполовину там, чем все там — я всегда подозревал, что смотрю телевизор, а не живу жизнью. Иногда люди говорят, что то, что происходит в кино, нереально, но на самом деле нереально то, как все происходит в жизни ».

Однако это нападение не остановило творческих усилий Уорхола. Он был первым художником, который использовал компьютеры Amiga, представленные в 1984 году, для создания новых форм искусства в цифровом виде.Уорхол также пробовал свои силы в скульптуре и даже работал на телевидении, ведя телеканал Энди Уорхола «» и «Пятнадцать минут » Энди Уорхола на MTV. В более поздние годы он основал журнал Interview Magazine и написал несколько книг, в том числе Философия Энди Уорхола .

Энди Уорхол и Эди Седжвик | © Jeff Tidwell / Flickr

Уорхол неожиданно скончался в Нью-Йорке в 1987 году после операции на желчном пузыре, и в том же году по воле художника был основан Фонд Энди Уорхола.Он хотел, чтобы все его поместье (за исключением нескольких вещей, переданных членам семьи) составляло новый фонд, посвященный «развитию изобразительного искусства». Фонд по сей день поддерживает создание и презентацию современного изобразительного искусства. В 1994 году музей Энди Уорхола открылся как один из четырех музеев Карнеги в Питтсбурге. Здание датируется 1911 годом, первоначально использовалось как распределительный центр. Он был переработан архитектором Ричардом Глюкманом, и сегодня в нем хранится часть наследия Уорхола, содержащая 900 картин, а также скульптурные работы, работы на бумаге и фотографии со всех этапов жизни и карьеры художника.

Энди Уорхол | Американский художник

Энди Уорхол , оригинальное имя Эндрю Уорхола , (родился 6 августа 1928 года, Питтсбург, Пенсильвания, США — умер 22 февраля 1987 года, Нью-Йорк, Нью-Йорк), американский художник и режиссер, инициатор и ведущий представитель движения поп-арта 1960-х годов, чье массовое искусство апофеозом предполагаемой банальности коммерческой культуры Соединенных Штатов. Искусный публицист, он представил художника как безличную, даже пустую фигуру, которая, тем не менее, является успешной знаменитостью, бизнесменом и социальным альпинистом.

Сын русинов (русинов) иммигрантов из современной восточной Словакии, Уорхол окончил в 1949 году Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги-Меллона) в Питтсбурге по специальности «графический дизайн». Затем он отправился в Нью-Йорк, где около десяти лет работал коммерческим иллюстратором.

Британская викторина

Художники, художники и архитекторы

Кто взял кисть, долото или кусок глины, чтобы создать самые известные в мире произведения искусства? Чтобы узнать это, воспользуйтесь своими знаниями известных художников.

Уорхол начал рисовать в конце 1950-х годов и получил внезапную известность в 1962 году, когда он выставил картины с банками для супа Кэмпбелла, бутылками из-под кока-колы и деревянными копиями ящиков для мыла Brillo. К 1963 году он начал массовое производство этих нарочито банальных изображений потребительских товаров с помощью фотографической шелкографии, а затем начал печатать бесконечные вариации портретов знаменитостей в ярких цветах. Техника шелкографии идеально подходила Уорхолу, поскольку повторяющееся изображение было сведено к безвкусному и бесчеловечному культурному значку, отражающему как предполагаемую пустоту американской материальной культуры, так и эмоциональное невмешательство художника в практику своего искусства.Работы Уорхола поставили его в авангарде зарождающегося в Америке движения поп-арта.

Энди Уорхол: Банки для супа Кэмпбелла

Банки для супа Кэмпбелла , полимерная краска на холсте, Энди Уорхол, 1962 г .; выбор из пяти экспонатов, выставленных в Музейном квартале в Вене.

© Ален Лакруа / Dreamstime.com

В течение 1960-х Уорхол все больше и больше уделял кинопроизводству. Обычно относящиеся к андеграундным фильмам, такие его фильмы, как Девочки из Челси (1966), Ешь (1963), Мой хастлер (1965) и Голубое кино (1969), известны своим изобретательным эротизмом. , бессюжетная скука и непомерная продолжительность (до 25 часов).Среди других фильмов — Бедная маленькая богатая девочка (1965) и Лупе (1966), в обоих из которых фигурировала Эди Седжвик.

Flesh

Джо Даллесандро (в центре) в фильме « Flesh » (1968), режиссер Пол Моррисси и продюсер Энди Уорхол.

© Фабрика Фильмов; фотография из частной коллекции Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

В 1968 году Уорхола застрелила и чуть не убила Валери Соланас, одна из множества звезд андеграундного кино и рок-музыки, различных прихлебателей и светских диковинок, которые часто посещали его студию, известную как Фабрика.(Этот инцидент изображен в фильме 1996 года « Я застрелил Энди Уорхола ».) Уорхол к этому времени стал широко известным приверженцем моды и авангардного искусства и сам по себе стал влиятельной знаменитостью. На протяжении 1970-х годов и до самой своей смерти он продолжал выпускать гравюры с изображением политических и голливудских знаменитостей, а также участвовал в широком спектре рекламных иллюстраций и других коммерческих художественных проектов. За его «Философия Энди Уорхола » (1975) последовали « портретов семидесятых» и «Экспозиции Энди Уорхола » (оба 1979 года).

Энди Уорхол (второй слева) и Теннесси Уильямс (крайний справа), 1967.

Джеймс Каваллинес — World Journal Tribune / Библиотека Конгресса, Вашингтон, округ Колумбия (LC-USZ62-121294)

Работа Уорхола представлена ​​в Музей Энди Уорхола в Питтсбурге. В своем завещании художник постановил, что все его поместье будет использовано для создания основы для «развития изобразительного искусства». Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств был основан в 1987 году.

Характеристики Уорхола

Характеристики Уорхола

Характеристики Уорхола

Многие художники обладают отличительными качествами, которые помогают установить их отдельно от других художников, и Энди Уорхол демонстрирует свои собственные отличительное качество.Это качество для Уорхола заключалось в том, чтобы выйти за рамки мейнстрим и выйти за установленные рамки в современном общество искусства. Энди Уорхол изобразил свое абстрактное и нетрадиционное идеи с использованием различных средств массовой информации. Представитель авангарда в стиле поп-арта 1960-х годов Уорхол стремился изобразить повседневной жизни, используя методы коммерческого искусства через его рисунки, картины и даже его фильмы.Уорхол представил концепция шелкографии, открывшая новую форму искусства, которая установила тенденция на долгие годы вперед. В интересе к спорным поп-арт, Уорхол превращал свои вариации различных популярных массовых медиа-изображения в совершенно новую сферу мира искусства, позволяя искусству взглянуть на совершенно новую перспективу, открыв много разных интерпретации американской культуры. Индивидуальность и склонность не соответствовать — ключевые элементы работ Уорхола, хотя Уорхол позже обратил свое внимание на основной мир повествовательного кино путем создания серии спорных экспериментальных фильмов, в которых с такими понятиями, как время и скука, которые представляют собой атаку на элитарность в современном обществе.Нетрадиционные темы и противоречивые темы часто характеризовали большую часть рисунков Уорхола, картины и фильмы, которые помогли ему получить признание на протяжении всей своей карьеры.
— Криста Олсен

---

Дата: Чт, 8 апреля 1999 г., 13:18:44 EDT
От: [email protected]
Тема: Re: more warhol / boredom

Спасибо, Скотт, за то, что нашел мои программные заметки достаточно интересными, чтобы их можно было перепечатать для список.Во вторую ночь Pop Resurrection мои записи для Horse был своего рода вывод, который мог бы послужить дополнением — особенно с тех пор, как он имеет более прямое отношение к вопросу скуки.

> Если продолжающиеся исследования Уорхола культуры знаменитостей часто многим зрителям показались однообразными или бессмысленными, потому что эти фильмы на первый план что-то присущее нашей культуре, что мы все бы предпочли игнорировать: создание звезд и коммодифицированных драм, которые поддерживать и усиливать их привлекательность, предназначена для нас только в той степени, в которой мы поддерживаем дальнейшее существование самого оборудования.В рамках логика крупнобюджетного спектакля — вне зависимости от того, Голливуд или Вашингтон — отдельный зритель считается только шифром, статистика в абстрактном расчете потенциальных прибылей и убытков. Где Уорхол прямо сталкивает нас с машинным безразличием, он приносит нам на шаг ближе к осознанию того, что это безразличие стало фундаментальное условие позднекапиталистической общественной жизни. Я лежал на Франкфуртской школе с более тяжелой рукой, чем обычно бы…. но если нам когда-нибудь понадобилась сильная доза Адорно, то именно во время этого все дело с Клинтоном.
Последнее небольшое исправление: где в первой транскрипции появилось слово «Коран». В своих заметках я написал гораздо менее интересное слово «форма».

ура,

Дэвид Коннер
История сознания
Калифорнийский университет в Санта-Круз

Энди Уорхол

Почему Энди Уорхол нарисовал Мэрилин Монро? — Public Delivery

Энди Уорхол — Мэрилин Монро , 1967, трафарет, 36 x 36 (91.5 x 91,5 см), издание 250 г.

Введение

При жизни Энди Уорхол всегда был приверженцем представления о знаменитостях. Часто говорят, что Энди Уорхол понимал привлекательность мировой знаменитости и ее влияние на современное общество задолго до того, как блоги сплетен стали чем-то вроде того. Еще более явным было его увлечение старлетками, it-girls и известными актрисами того времени, которых он часто увековечивал в своих теперь вневременных произведениях.

Хотя ранние работы Уорхола были сосредоточены на послевоенной любви Америки к потреблению (что объясняет его одержимость консервными банками Кэмпбелла и бутылками кока-колы), в самых дорогих произведениях Уорхола фигурировали женщины-знаменитости.Опираясь на свою фирменную технику трафаретной печати, чтобы нацарапать знаковые черты известных женских лиц, Уорхол был ответственен за то, чтобы сделать этих знаменитостей еще более популярными даже после смерти.

Самыми заметными и очевидными поклонниками публики, несомненно, являются портреты Мэрилин Монро. Тем не менее, Уорхол также изображал в своих работах других женщин, таких как Лайза Минелли, Лиз Тейлор, Дебби Гарри и Джоан Коллинз. Именно в Studio 54, самом популярном ночном клубе Манхэттена, о котором много писали в газетах в 1970-е годы, Уорхол нашел многих своих знаменитостей.Тем не менее, ни один из них не был так знаменит и важен для Энди Уорхола и его карьеры, как Мэрилин Монро. Экраны Энди Уорхола с изображением Мэрилин Монро в Музее современного искусства в Нью-Йорке, фото: CC BY-ND 2.0 Джона Вишневски

Уорхол и поп-арт

«Диптих Мэрилин» Уорхола олицетворяет все, чем был поп-арт, благодаря его явной отсылке к Мэрилин Монро, которая была иконой поп-культуры. Поп-арт начал свое движение в Лондоне благодаря независимой группе художников, которых привлекала реклама, изображающая американскую массовую культуру и материализм.В связи с этим вся массовая культура, будь то музыка, реклама или танцы, стала основным предметом британского поп-арта. Следовательно, Мэрилин Диптих Уорхола не существовало бы без британского поп-арта, который вдохновлял бы его.

В изображениях женщин и звездочек Уорхол исследовал взаимосвязь между обществом потребления, модой, славой, сенсационностью и смертью. Также говорят, что своим отличительным стилем работы Уорхол говорил об обществе, в котором люди рассматривались как простые продукты, а не как человеческие существа.Энди Уорхол — Мэрилин Монро, 1967, цветной трафарет на плетеной бумаге, 36 x 36 (91,5 x 91,5 см), тираж 250, опубликовано Factory Additions, Нью-Йорк

Энди Уорхол и трафаретная печать

Энди Уорхол был крупная фигура в искусстве. Именно благодаря Энди Уорхолу и его вкладу в искусство мир по-прежнему очарован стилями поп-музыки и современного искусства. Энди Уорхол стал такой опорой современного искусства, что в 2013 году одно из его произведений было продано на аукционе Sotheby’s за 105 миллионов долларов.

Энди родился в семье словацких иммигрантов. У него не было нормального детства. Он страдал от хореи Сиденхэма, которая вызвала множество медицинских проблем, из-за которых Уорхол часто пропускал школу. В детстве Энди часто бывал вдали от друзей, поэтому на него сильно влияли его стилистические предпочтения и личность. На его стиль еще больше повлияли люди, которых он видел по телевизору. Тем не менее, только когда он присоединился к Технологическому институту Карнеги, коммерческое искусство (продвижение и реклама) стало направлять его работу.

Трафаретная печать была неотъемлемой чертой стиля Уорхола. В основном это было связано с использованием сетчатых экранов для переноса чернил на холст, оставляя области, которые были нанесены по трафарету, без чернил. Он повторял этот процесс, используя разные цвета и трафареты несколько раз, пока полностью не пропитал холст.

Энди Уорхол, наряду с другими коммерческими художниками, любил использовать эту технику, поскольку это был наиболее эффективный способ производства массовой печати задолго до появления лазерных принтеров.Трафаретная печать определила стиль и карьеру Уорхола; он редко использовал какие-либо другие средства в своей работе. Он также применил этот стиль к узнаваемым принтам «Мэрилин», которые он создал как интенсивное отражение его мыслей о знаменитостях и других общественных деятелях.

Подобно тому, как фетишистское использование Уорхолом упаковки, производимой потребителями, часто было источником множества дебатов и дискуссий, так же и его навязчивое представление об известных женщинах. Уорхол любил женщин. Как гей, он, похоже, ценил их форму больше, чем другие художники в его кругах, и он решил ценить этих женщин, превращая их в иконы красоты и изысканности.

Поскольку в таких знаменитостях, как Лиза и Мэрилин, было что-то потустороннее, Уорхол всегда хотел, чтобы его женщины выглядели как настоящие красавицы. Таким образом, у его красавиц никогда не было кругов под глазами, прыщей или морщин на лбу, так как он должен был представить их такими, какими их видит общество (в совершенстве) на своих шелкографиях. Энди Уорхол — Мэрилин Монро , 1967, screenprint, 36 x 36 (91,5 x 91,5 см), издание 250 Энди Уорхол — Мэрилин Монро , 1967, трафарет, 36 x 36 (91.5 x 91,5 см), выпуск 250 Энди Уорхол — Мэрилин Монро , 1967, трафарет, 36 x 36 (91,5 x 91,5 см), выпуск 250

Портрет Мэрилин Монро Уорхола

Мэрилин Монро была и остается одной из самые большие секс-символы всех времен. При жизни ее личная жизнь была интереснее профессиональной. Она уже была замужем несколько раз. Как и многие ее поклонники, Уорхол был очарован идеей популярных фигур, таких как Монро, которые вели невообразимо гламурный образ жизни и которые достигли почти мифического статуса голливудских икон.

Это было чистое совпадение, что Уорхол выбрал Монро для работы над своими самыми ранними и, возможно, самыми известными произведениями поп-арта. Хотя на момент написания картины она уже закончила свою жизнь, ее лицо и слава предоставили Уорхолу отличную основу для его повторяющихся печатных и анимационных работ в будущем.

Как указывалось выше, к 1962 году фотографическая шелкография Уорхола достигла совершеннолетия и даже стала его определяющим стилем. Уорхол даже подумывал о том, чтобы вообще уйти из живописи.В своем портрете Мэрилин Уорхол изобразил знаменитую кинозвезду по рекламной фотографии, которую, как он знал, почти никто не узнает из фильма «Ниагара», вышедшего в 1953 году, вместо того, чтобы нарисовать изображение ее лица или раскрасить его. «Диптих Мэрилин» Уорхола был создан из двух серебряных полотен, на которых Уорхол 50 раз перенес изображение Монро методом шелкографии.

В своей серии о Мэрилин Монро, вопреки обычным ожиданиям, Уорхол создал диптих Монро, сначала раскрасив холст разными цветами, а затем отобразил теперь знаменитое изображение Мэрилин поверх холста.Несовпадение трафаретной печати и живописи привело к получению динамической поверхности, которую он затем улучшил, используя спектр цветов.

Этот акт печати и раскраски в нескольких вариациях позволил Уорхолу поиграть и исследовать диапазон графических возможностей, которые может дать одно изображение Мэрилин. Уорхол продемонстрировал свое экстраординарное использование цвета, добавив сияющие днем ​​цвета и металлические краски, которые обычно не встречаются в современном искусстве, что еще больше помогло ему выделиться.Энди Уорхол — Мэрилин Диптих , 1962, акрил, шелкография и графит на холсте, две панели, 205,4 x 289,6 см (80 7/8 x 114 дюймов), Тейт, Лондон Энди Уорхол — Мэрилин Монро , 1967, портфель снимков экрана на бумаге из 10 частей, каждая 91,4 x 91,4 см

Удивительный смысл портрета женщин-суперзвезд Уорхола

Пять рядов диптиха напоминают киноленты, подтверждающие ее статус иконы. Повторение ее образа символизировало массовое производство, а стиль диптиха, использованный в портрете, был вдохновлен византийскими иконами христианских святых.Помещая портреты Мэрилин Монро в диптих, Уорхол комментировал святую природу, которую фанаты приписывают знаменитостям, что, в свою очередь, заставляет публику относиться к знаменитостям с некоторым чувством святости и бессмертия.

Конечно, изображения его натурщиц — одни из самых ярких у Уорхола, и они составляют значительную часть его работ. Многие назвали его серию портретов знаменитостей-женщин упрощенными и антифеминистскими из-за того, что он акцентировал внимание на губах, волосах и тенях своих героев, заставляя их казаться одномерными и поверхностными, как люди, даже когда они совсем не такие.

Хотя Уорхол был глубоко очарован своей профессиональной жизнью, он не менее интересовался борьбой и страданиями, которые эти женщины вынесли за своими нарисованными улыбками. Показательный пример: Уорхол нарисовал Мэрилин всего через две недели после того, как она покончила жизнь самоубийством. В другом его произведении Лиз Тейлор была создана, когда она была тяжело больна. С другой стороны, Red Jackie был нарисован после смерти Джона Кеннеди, а другой, Blue Jackie , использовал изображение с похорон.

Искусство Уорхола было создано, чтобы напомнить публике и поклонникам, что на самом деле за всей славой и гламуром стоит реальный человек.Возможно, он хотел изобразить, что эти знаменитые женщины были обычными людьми, которые испытывали боль и страдания, несмотря на свою знаменитость.

Этот диптих также можно назвать праздником, а также сатирой одержимости мира материальностью и славой. И поклонение, и анализ критиковали и поощряли культуру, одержимую деньгами и славой. В то же время Уорхол также использовал Мэрилин, чтобы критиковать себя, так как он также стремился к той же славе и знаменитостям, что и его знаменитые подданные.

Хотя он старался скрывать свою веру на протяжении всей своей карьеры, считается, что диптих Мэрилин Монро также был явно религиозным: Мэрилин Монро появляется на полотне как сверхчеловек и почти как святая. Таким образом, Мэрилин использовалась для обозначения мученика, который до сих пор остается неизменным и непорочным, несмотря на то, что остальное современное общество продолжает разлагаться и разлагаться. Энди Уорхол — Оранжевая Мэрилин , 1964 г. Энди Уорхол — Белая Мэрилин , 1962 г. подпись, дата и начертание «Элеоноре Уорд, Энди Уорхол / 62» (на оборотной стороне), акрил и тушь для шелкографии на льняной ткани, 20 x 16 дюймов.(50,8 x 40,6 см.)

Видео

Зак Майнер из Филлипса около

Четыре Мэрилин , 1962

2 мин

Christie’s около

Четыре Мэрилинс , 1962

2 мин 20 сек

Энди Уорхолс

Мэрилин Диптих в галерее Тейт Модерн

2 мин 7 сек

Первоначальная цена, стоимость и сведения об аукционах

Уорхол создал 13 почти идентичных портретов Мэрилин Монро, каждый с разноцветным фоном для своей первой персональной выставки.В ноябре 1962 года, через три месяца после смерти Мэрилин Монро, эти работы были проданы за 250 долларов.

14 мая 1998 года Orange Marilyn был продан на вечерней распродаже современного искусства Sotheby’s. При оценке в 4-6 миллионов долларов он установил новый рекорд в 17,3 миллиона долларов — это самая высокая цена, заплаченная за Уорхола.

16 мая 2007 года Lemon Marilyn были проданы на Christie’s за 28 040 000 долларов США, что в 112 160 раз больше первоначальной цены.

13 мая 2014 года модель White Marilyn , 1962 была продана на Christie’s

за 41 миллион долларов в честном представлении и оценке.Действительно, одержимость мира Мэрилин Монро никогда не ослабевала, и похоже, что Уорхол мог заглянуть в будущее. Если бы он был здесь сегодня, кто знает, на ком бы он решил сосредоточиться? Когда сегодня правят светские люди, такие люди, как Ким Кардашьян, стали бы отличными предметами для Уорхола.

Все изображения: Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк, если не указано иное.