Картины и портреты в стиле поп арт на заказ
Картины и портреты в стиле поп-арт от Photostena.ru
Поп-арт – это направление в искусстве, которое возникло в 50-60-х годах, но на сегодняшний день пользуется большой популярностью. Поп-арт портреты и картины на холсте – это отличное стильное решение, которое позволит сделать интерьер индивидуальным, ярким, выразительным. Студия дизайна стен Photostena в Москве предлагает возможность создания уникальных поп-арт картин по вашим фотографиям.
Мы в течение одного дня после получения заказа выполним печать на холсте в технике поп-арт. Прислав нам свои фотографии, вы получите в итоге роскошную картину, в которой ваш облик будет показан стилизованно в соответствии с популярным направлением. В чем особенности стиля поп-арт?
- Поп-арт – это стиль, который призван удивлять. Портреты и картины на холсте, выполненные в технике поп-арта, выглядят экспрессивно, выразительно, ярко.
- Поп-арт – это настоящее буйство эмоций и энергии. В картинах этого стиля активно используются всевозможные яркие, радужные оттенки, неоновые цвета.
- Можно выбрать преобладающий цвет изображения, который будет выступать основой картины.
- Еще одна черта стиля – повторяющиеся одинаковые изображения. Вы можете заказать у нас такую картину, составленную из размноженной одной фотографии. Такая картина-коллаж будет выглядеть эффектно, если грамотно подобрать ее под интерьер.
Стиль поп-арт в современности представляется нам как некая стилизация, позволяющая придать картинам и фотографиям необычный колорит. Простое фото становится эксклюзивным, загадочным и очень выразительным.
Недорогие Поп-Арт картины и портреты на заказ в Москве
Наша студия дизайна оказывает услуги печати картин и постеров в стиле поп-арт на заказ. Оформите предварительную заявку у нас на сайте, и в течение 15 минут наш дизайнер позвонит вам, чтобы определиться с деталями и рассчитать цену. Стоимость создания уникальной картины по вашим фотографиям очень доступна.
- Напечатаем картину за 1 день после получения заказа.
- Используем натуральный холст высокого качества и современное высокоточное оборудование для печати.
- Собственная производственная база позволяет сделать цену доступной
Поп-арт портрет по фото на заказ
Поп-арт портрет, автор: Лилия. По заказу Кати Гершуни — эксперта по стилю, Первый канал
Потяните за вертикальную линию, чтобы сравнить «До» и «После»
Создайте портрет в стиле поп-арт, дайте волю своей творческой фантазии, проявите свой яркий характер или просто сделайте подарок своему близкому человеку, коллеги в котором по вашему мнению есть «изюминка».
Muse (греч. Μούσα) Муза — это вдохновение
О стиле поп-арт
У каждого, конечно, свой ответ на этот вопрос. Но если вам близки такие прилагательные как — популярный, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный, дерзкий – то этот портрет для вас.
Стиль «Че»Портрет Че Гевары был создан в 1968 году. Его авторство иногда приписывают Уорхолу, но в реальности его нарисовал Джим Фитцпатрик по фотографии 1960 года кубинца Альберто Корды. Фитцпатрик прикрепил фото к стеклу, наложил на него белый лист бумаги и обвел черным карандашом контуры. Затем он просто сделал копию, но уже на красной бумаге и в итоге получил портрет, который знаком людям во всех уголках Земли. Ни Корда, ни Фитцпатрик сначала не зарабатывали деньги на своих безумно популярных изображениях. Только после использования образа Че в рекламе водки они закрепили за собой авторство, выиграв в суде у производителя Smirnoff. Причем Корда на полученные деньги построил больницу в Гаване и сказал, что так бы сделал Че.
Стиль «Монро»Одним из самых знаменитых портретов Энди Уорхола стал портрет Мэрилин Монро. Впервые он написал его в 1962 году. Закрасил холст золотой краской и в центре через трафарет напечатал лицо кинозвезды по мотивам ее рекламной фотографии к фильму «Ниагара». Позже появилось множество вариаций этой картины. Одна из них «Бирюзовая Мэрилин» была продана за 80 млн. долларов в 2007 году.
Уорхол также создал множество портретов и других известных людей: Брижит Бордо, Элизабет Тейлор, Жаклин Кеннеди, Елизаветы II, Мао Цзэдуна, Ленина и Элвиса Пресли.
Многие называют Уорхола королем поп-арта. Мама называла его Андрей. Он был четвертым ребенком русинской семьи эмигрантов из Словакии.
Cтиль «Уорхол» – это композиция. Квадратное полотно, которое разделено на четыре равные части.Каждая из таких частей представляет из себя квадрат, залитый своим цветом. На его фоне размещается поп-арт портрет в любом стиле (Че, Монро или из Интернета). На каждом из маленьких квадратов может быть одинаковый портрет, только с измененной под фон тональностью; могут быть четыре разных портрета; может быть два и два одинаковых по диагонали портрета. В итоге получается квадратная картина, составленная из четырех маленьких квадратных картин.
Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения
Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.
Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.
История развития Поп-арта
Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.
В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.
Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.
Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.
Художники
Самые известные мастера поп-арта:
Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.
Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.
Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.
Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.
Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.
Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.
Присущие особенности стилю поп-арт
В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.
Критика и значение стиля в искусстве
Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.
К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.
Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.
Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.
В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков
150 картин, 30 художников, история жанра в искусстве, идеи, черты, определение
Кратко, поп-арт — это стиль искусства, наиболее популярный в 60-х годах 20-ого века. Сюжеты картин строятся на известных всем объектах: знаменитостях, комиксах, еде, бытовых предметах. Ему присущи яркие цвета, плоскость, ирония и отсутствие глубокого смысла.
Родина поп-арта
Считается, что движение «поп-арт» зародилось в Лондоне в 1952 году в сообществе молодых художников, критиков, архитекторов и писателей «Независимая группа» (объединение, чьи члены исследовали влияние технологий, массовой культуры и рекламы на современное искусство), куда входили Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл, которые затем провели выставки с первыми образцами поп-арта. Их работы оказали сильное влияние на последующее развитие движения.
Независимая группа (1956)
The Independent Group
История появления термина
Кто именно изобрел название термина, неизвестно, но обычно его авторство приписывают британскому искусствоведу Лоуренсу Аллоуэю, который в 1958 году опубликовал эссе под заголовком «Искусство и средства массовой информации», где он впервые употребил слова «популярная массовая культура», что было близко к укоренившееся затем названию «поп-арт».
Lawrence Alloway
Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших поп-арт как законную форму искусства.
Первое изображение
Хотя еще в 1952 году на лекции был показан коллаж Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача», официально первым образцом современного поп-арта считается коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Он был показан на новаторской выставке «Независимой группы» под название «Это завтра» в 1956 году в Галерее Уайтчепел в Лондоне.
Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача»
I was a Rich Man’s Plaything — Eduardo Paolozzi, 1952
Коллаж размером 26×24.8 см был склеен из изображений, вырезанных из журналов массового тиража. На нем в соблазнительных позах изображены полуобнаженные герои: культурист и девушка на диване с абажуром на голове.
Ричард Гамильтон «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? Richard Hamilton, 1956
Действие происходит в гостиной, заполненной образцами и эмблемами послевоенной хорошей жизни в американском стиле.
На столе стоит консервированная ветчина. На стене в рамке висит обложка американского комикса «Young Romance». Мужчина держит в руках гигантский леденец на палочке. Центр коллажа на уровне глаз занимает надпись «поп».
Успех изображения был ошеломительным. Многие до сих пор придерживаются мнения, что именно Ричард Гамильтон в одиночку стал пионером поп-арта и что именно он определил условия, которых должно было придерживаться течение.
Ричард Гамильтон — портрет
Richard Hamilton
В то же время появление стиля поп-арт можно считать почти случайным, коллаж Гамильтона изначально был иллюстрацией к афише выставки и лишь через несколько был показан и продан как произведение искусства.
История возникновения поп-арта
Далекие предшественники
Слияние изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные щиты, упаковка и печатная реклама) началась еще задолго до 1950-х гг.
Почти столетие назад, в 1855 году французский художник-реалист Гюстав Курбе символически посодействовал развитию популярного вида искусства, взяв для своей картины позу из недорогой серии печатных изданий под названием Imagerie d’Épinal (Имажери д’Эпиналь). Эта чрезвычайно популярная серия включала в себя ярко окрашенные морализаторские сцены, придуманные французским иллюстратором (и соперником Курбе) Жаном-Шарлем Пеллерином (1756-1836). Каждый школьник знал эти изображения с уличной жизнью, военных и легендарных персонажей. Неужели средний класс понял намек Курбе? Может быть и нет, но Курбе было все равно. Он знал, что низкой формой живописи вторгся в высокое.
Au Bon Marché — Pablo Picasso, 1913
Бон Марше — Пабло Пикассо
Связь с дадаизмом
Первопроходец дада Марсель Дюшан продвинул потребительскую уловку Пикассо дальше, используя в своих экспозициях реальные продукты массового потребления: стеллаж для бутылок, лопату для снега, писсуар (перевернутый). Он называл эти предметы реди-мейдами, то есть техникой «использования в искусстве вещей из магазина».
Нео-дада, или ранний поп-арт
Ранние поп-арт художники последовали примеру Дюшана в 1950-х годах, вернувшись к фигурам в разгар абстрактного экспрессионизма и намеренно использовав «низкопробные» популярные образы. Они также воспроизводили трехмерные объекты.
Пивные банки Джаспера Джонса (1960) и кровать Роберта Раушенберга (1955) — это одни из примеров. В годы своего становления эти работы причислялись к нео-дада. Сегодня мы можем назвать это ранним поп-артом.
Цели и причины течения
Некоторые молодые британские художники 50-х годов, выросшие в военных условиях жесткого ограничения в рационе питания и утилитарного дизайна, смотрели на Америку с ее соблазнительной поп-культурой и потребительским образом жизни с долей романтической иронии и зависти.
Они рассматривали США как страну свободных — свободную от уродливых условностей классовой власти, которая могла задушить ту культуру, которую они представляли: более инклюзивную, молодую, охватывающую социальное влияние средств массовой информации и массового производства.
Поп-арт стал их способом выражения в этом поиске перемен, и его язык был адаптирован из коллажей дада. Дадаисты создали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию со стороны властей своего времени.
Поп-арт и минимализм — самые новые жанры искусства.
Британские же деятели искусств переняли подобную визуальную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах популярной культуры, которыми они размахивали перед лицом власти.
Поп-арт был способом выражения желания перемен, реакцией против существующего положения вещей.
Он также был реакцией молодых деятелей искусств на послевоенный потребительский бум, когда все больше и больше товаров рекламировалось и продавалось.
Поп-арт в США
В США поп-арт появился в конце 1950-х годов и развивался он иначе, чем в Великобритании. Тогда как в Англии на потребительскую культуру и идеализированную картину жизни смотрели со стороны, американцы находились в ее самой гуще, что не могло не повлиять на развитие стиля.
После Второй мировой войны экономический бум привел к повышению заработной платы и увеличению количества свободного времени, а массовое производство привело к созданию телевизоров, посудомоечных машин и автомобилей в беспрецедентных масштабах. Наряду с новыми технологиями в печатном производстве, распространилась и развилась рекламная индустрия брендов, каждый из которых продавал товар с обещанием доставить удовольствие.
Поп-арт в США был обезличенным и отстраненным от личности художника, тогда как в Великобритании он был более субъективным и метафоричным.
Благодаря вновь обретенному богатству, мобильности и свободному времени многие американцы переехали в пригороды (так как дома стали легкодоступными), а телевидение стало доминирующим средством массовой информации в 1950-х годах.
Но в 60-е годы многие увидели, что этот доминирующий социальный порядок и его бесконечное шаблонное повторение подавляют и восстали против этого заранее предусмотренного образа жизни, бросив вызов политическому истеблишменту, протестуя, например, против войны во Вьетнаме.
Процветали общественные движения, стремящиеся обеспечить равенство и гражданские права афроамериканцев и женщин. Этот бунтарский дух укоренился и в мире искусства, поскольку многие молодые художники в то время чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и что они видели в музеях, не имело никакого отношения к жизни и культуре, которая их окружала. В знак протеста они обратились к таким источникам, как поп-музыка, упаковка продуктов, комиксы и голливудские фильмы, используя образы массового производства для создания искусства, которое критиковало и подрывало его. Так и родилось это направление живописи, скульптуры и моды.
Пока британцы создавали юмористические или романтизированные произведения, американцы рисовали агрессивные, более смелые, драматичные и менее беззаботные картины.
Окруженные продуктами потребительской культуры, американские поп-авторы вдохновлялись тем, что они видели и испытывали, живя в рамках этой культуры. В США это новое движение рассматривалось как возвращение к репрезентативному искусству, то есть тому, что изображало визуальный мир узнаваемым образом.
Почти все поп-арт художниками были дизайнерами, занимавшимися печатью.
В предыдущие десятилетия в Америке доминировали абстрактные экспрессионисты, которые (как следует из их названия) использовали выразительные жесты и абстрактные, не изображающие реальных предметов образы. Столкнувшись с миром потребительских вещей, поп-арт авторы отвернулись от этой абстракции, вместо этого используя жесткие грани и узнаваемые формы для создания типа искусства о видимом мире вокруг них. Используя безличные, приземленные образы, поп-арт авторы также хотели отойти от акцента на личные чувства и символику, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.
Американский поп-арт был ответом на культуру того времени, которая погрязла в рекламе и коммерциализме. Хотя этот стиль не склонен открыто критиковать такое положение вещей, он находился под сильным влиянием СМИ, точно так же, как художники прошлого находились под влиянием природы и религии.
В результате он очень глубоко противоречил массе, поскольку, в отличие от многих авангардных движений до этого, он включал в себя тематику и методы, с которыми широкая аудитория была уже очень хорошо знакома.
Идеи
Поп-арт отличался тем, что не идеализировал культурные объекты, а изображал их такими, какие они есть. Основная идея этого движения состояла в том, что искусство не является элитарным, оно может быть связано с простыми людьми или повседневными вещами. Оно должно быть понятным каждому, а не быть привилегией ограниченного круга лиц.
Ключевые идеи:
- Размытие понятия между «высоким» и «низким» искусством. Фундаментом жанра служила идея об отсутствии иерархии в культуре. Вдохновение могло черпаться из любых источников.
- Эмоциональная отстраненность. Хотя подходы и работы были очень разными, всех их объединяло холодное дистанцирование в эмоциях. Одни считают это принятием популярного мира, другие шокированным отступлением.
- Отсутствие глубокого смысла. Простота — это одновременно и сильная сторона, и то, за что направление подвергалось жесткой критике. Смысл поп-арта лежит на поверхности.
Характерные черты
Поп-арт легко узнаваем благодаря своей живости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих знаковых произведениях этого движения.
К его особенностям относятся:
- Узнаваемые образы. Поп-арт использовал изображения и символы популярных медиа и продуктов. В них входили коммерческие товары, такие как банки из-под супа, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты, фирменные названия, логотипы и прочее.
- Отсутствие выдуманных сюжетов и предметов. Поп-арт всегда основывается на то, что есть. Авторы не выдумывают новых героев и объектов.
- Яркие цвета. Стиль характеризуется сочными, яркими цветами, к основным относится красный, желтый и синий.
- Ирония и сатира. Юмор — один из основных компонентов поп-арта. Мастера используют их, чтобы сделать заявление о текущих событиях, посмеяться над причудами и бросить вызов существующему положению вещей.
- Инновационные методы. Многие поп-арт художники были дизайнерами или занимались печатью, что позволяло им создавать изображения быстро и в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, с помощью которого через сетчатый экран с трафаретом чернила переносятся на бумагу или холст. Рой Лихтенштейн, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля, использовал литографию. Авторы картин часто брали образы из других областей массовой культуры и включали их в свои произведения, либо измененными, либо в своей первоначальной форме. Этот тип присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высокой и низкой культурой, которое делало различие между рекламой, средствами массовой информации и изобразительным искусством.
- Смешение медиа и коллажа. Художники часто смешивали материалы и использовали множество различных типов журналов и газет. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили развитие жанра, Том Вессельман и Ричард Гамильтон объединили кажущиеся несопоставимыми образы в единое полотно, чтобы создать совершенно современную форму. Точно так же Марисоль известна своими скульптурами, которые для изображения фигур используют множество различных материалов.
- Плоские образы под влиянием комиксов и газетных фотографий.
Самые известные британские поп-арт художники
Питер Блейк
Портрет Питера Блейка, дата рождения — 1932
Питер Блейк — известный английский представитель направления, наибольшую славу которому принесла его обложка для альбома группы Биттлз «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». На ней изображена сама группа в окружении картонных знаменитостей. Это культовая обложка, которая, по опросам, считается одной из лучших в мире.
Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера — Питер Блейк, 1967
Peter Blake — Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
Блейк известен своими красочными графическими работами, использовавшими образы массовой культуры.
«Я хотел создать искусство, которое было бы визуальным эквивалентом поп-музыки», — говорил он.
Патрик Колфилд
Patrick Caulfield, 1936 — 2005
Колфилд писал полотна, в которых использовал повседневные сюжеты, натюрморты, домашние интерьеры, взятые из рекламы и дешевых иллюстраций, чтобы передать живую яркость и юмор.
Его изображениям характерна толстая черная обводка и яркие, насыщенные цвета.
Дэвид Хокни
Дэвид Хокни — один из самых выдающихся художников Англии 20 века и яркий представитель поп-арта Великобритании. В 1961 году его работы были выставлены в Лондоне на Young Contemporaries.
В 1963 году он познакомился с Энди Уорхолом, а затем посетил Лос-Анджелес, который вдохновил его на написание потрясающе реалистичных картин с плавательными бассейнами. Эти работы были выполнены в плоском стиле яркими красками акрила.
В 2011 году Хокни был признан самым влиятельным британским художником всех времен.
Аллен Джонс
Один из основоположников британского поп-арта. Джонс использует в своих работах простые образы в сочетании с ярким, смелым цветом. Наиболее известен своими эротическими скульптурами и изображениями женщин в натуральную величину с фетишистским и садомазохистским подтекстом.
Влиятельные американские поп-арт художники
Джим Дайн
Джим Дайн был представителем нео-дада и поп-арта, специализируясь на коллажах, «реди-мейдах» (найденных объектах повседневного потребления, помещенных в арт-среду) и хеппенингах (вид искусства, напоминающие перфоманс, но артист полностью не контролирует происходящее).
Jim Dine — портрет
Впервые он привлек к себе внимание своими хеппенингами в 1959 году, которые ставил в сотрудничестве со скульптуром Класом Олденбургом, художником Алланом Капроу и авангардным композитором и концептуалистом Джоном Кейджем.
В 1962 году его работы, наряду с другими значимыми авторами, были показаны на важной выставке поп-арта в Пасадене. В 60-х годах Дайн создал целый ряд произведений искусства, используя предметы и образы поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности дадаизма, например, в своей эротической инсталляцией, которая была закрыта полицией Лондона за непристойность.
В сюжеты его произведений входят повседневные предметы и символы: сердца, инструменты, одежда, черепа, наполненные личным смыслом.
Центральную часть его творчества занимают гравюры. За свою жизнь он создал свыше 1000 гравюр, некоторые из них поистине масштабны.
Джим Дайн смело экспериментировал с материалами и техниками: шлифовал пластинами, тер и скреб бумагу; импровизировал, «атакуя» работы серией спонтанных действий.
Многие его произведения автобиографичны. Например, его серия работ с инструментами восходит к детству, когда он играл в скобяной лавке своего деда. Серия «Халат» была вдохновлена рекламой в журнале, которую он увидел в 1963 году. Как рассказывал Дин
Я искал способ делать автопортреты, не рисуя свое лицо. Я увидел этот халат в рекламе. В ней не участвовал человек, но форма халата выглядела как моя, так что он стал для меня своего рода метафорой.
Роберт Индиана
Роберт Индиана (настоящее имя Роберт Кларк), прежде чем присоединиться к движению в Нью-Йорке в 1954 году, начинал как абстрактный художник и резчик по дереву. Отброшенные трафареты побудили его исследовать искусство надписей, он стал помещать буквы и слова (например, Love, Eat, Die) на свои картины, основанные на форме пинбольных автоматов.
Роберт Индиана — портрет
Роберт Индиана называл себя «американским художником вывесок». Самую большую славу ему принесло графическое изображение «Love», которое в 60-х годах впервые появилось на рождественских открытках и марках. Марка с его графикой считается самым широко распространенным поп-арт изображением (было продано более 300 миллионов).
Позже он создал скульптурную версию, которую воспроизвел в разных стилях и на разных языках, включая стальную еврейскую со словом «Ahava».
В 2008 году он создал новое произведение со словом «Hope», все доходы от которого (удалось собрать 1 млн. долларов) были пожертвованы в фонд предвыборной кампании Барака Обамы.
Джаспер Джонс
Вместе с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта в 1950-х гг. Впервые его узнали благодаря полотнам с изображением американского флага, а также графике с мишенями и цифрами.
Портрет Джаспера Джонса
Он также был известен тем, что использовал в своих масляных картинах краски с воском и гипс.
После успеха изображений с флагом Джонс начал использовать в сюжетах своих произведений реальные предметы, а также занялся скульптурой (например, скульптура «Банки супа», 1964).
Его использование образов и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его назвали поп-арт художником, но его работы (включая большое количество пародий на Дюшана, парадоксы и противоречия) также привели к тому, что его стали относить к нео-дадаистам.
Ранние работы Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы рассматриваем, воспринимаем и создаем искусство. Он не делает различия между субъектом и объектом в своей работе, или искусством и жизнью. В его глазах это одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.
Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг также использовал «найденные образы» в своем творчестве, но, в отличие от образов Джонса, они были объединены в отношении друг с друга или с реальными объектами. Работы обоих этих художников часто называют нео-дада, поскольку они опираются на «найденные образы», впервые изученные такими дадаистами, как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.
Роберт Раушенберг — портрет
Вдохновленный Швиттерсом, который создавал коллажи из отбросов, подобранных им на улице, Раушенберг объединял реальные предметы, найденные им в своем нью-йоркском районе, с коллажными и живописными техниками.
«Вообще-то у меня было правило. Если я обошел весь квартал и мне не хватило материала для работы, я мог пройти еще один квартал в любом направлении».
Он считал, что его работы «должны были выглядеть по меньшей мере так же интересно, как и все то, что происходило за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она сделана из реального мира».
Работы автора стирали границы между живописью и скульптурой, смешиваю между собой методы и того, и другого.
Алекс Кац
Алекс Кац — уникальный фигуративный художник, известный своими масштабными упрощенными изображениями семьи и друзей. Кац создавал культовые картины, документирующие американскую сцену, а затем и американский пейзаж.
Алекс Кац — портрет
Он рисовал свою жену Аду и других людей множество раз в плоском стиле на ярком фоне одного тона.
Он также создавал коллажи, а в 90х годах рисовал природу, использовав простые образы листьев, света, теней и цветов.
Рой Лихтенштейн
Рой Лихтенштейн — один из ведущих и узнаваемых авторов в этом жанре.
Он сделал комиксы центром своего творчества, что до него еще не делал никто. Лихтенштейн брал комиксы, увеличивал их, обрезал, заменял пузыри с репликами на другие, иногда смешивал героев одних серий комиксов с другими и создавал картины.
Рой Лихтенштейн — портрет
Несмотря на то, что полотна кажутся просто распечатанными страницами, Лихтенштейн рисовал их маслом и синтетической полимерной краской, имитируя газетную печать. Для своей культовой точечной техники он использовал трафареты с кругами, так как рисовать их вручную, учитывая большой размер работ, было сложно.
Рой Лихтенштейн восхищался яркими красками и смелыми линиями комиксов, ему нравились реплики героев. Разница работ Лихтенштейна в сравнении с другими художниками, которые использовали подобный китчевый материал, заключалась в том, что он сделал сам комикс произведением искусства.
Ричард Гамильтон однажды назвал Роя Лихтенштейна самым «изумительно экстремальным» из американских поп-арт художников. Больше всего Гамильтона поразила чистота творчества Лихтенштейна, поразило то, как его картины-комиксы были «верны средствам массовой информации».
Поначалу его картины шокировали и критиковали за копирование и отсутствие оригинальности, но коллекционеры и владельцы галерей быстро приняли их.
«Трудно было достать картину, которая была настолько отвратительной, чтобы ее никто бы не повесил… Все вешали все подряд. Повесить мокрую тряпку с краской было почти приемлемо, к этому все привыкли. Единственное, что все ненавидели, — это коммерческое искусство; очевидно, и его они ненавидели недостаточно», — говорил он.
Жесткий коммерческий стиль полотен из комиксов Лихтенштейна был противоядием от бессвязных всплесков позднего абстрактного экспрессионизма, но он не противопоставлял поп-арт дадаизму: «Я не думаю, что поп-арт существовал бы, если бы до него не существовало дадаизма, но я и не думаю, что поп-арт — это тоже самое, что и дада. Я не рассматриваю свою работу как антиискусство или что-то, что отличается от основного направления живописи со времен Ренессанса».
Хотя в стиле Роя Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его работа лежит в рамках классической живописи: в использовании линии, формы, тона и цвета в качестве композиционных элементов.
Клас Олденбург
Олденбург был одним из главных скульпторов поп-арта, а также художником-перформансом. Он хотел показать всю пошлость американской культуры, особенно Нью-Йоркской.
Клас Олденбург — портрет
Его работа была сосредоточена на превращении привычного в нечто странное. Для этого он увеличивал обычные, повседневные объекты и помещал их в общественные места, тем самым побуждая зрителя по-другому рассматривать окружающую их среду.
Работа Олденбурга полна юмористической иронии и противоречия: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой — мягкие, такие как чизбургер, из твердой крашеной штукатурки.
Его главным вкладом в поп-арт было превращение банальных предметов в искусство.
Джеймс Розенквист
Благодаря сложному переплетению таких мотивов, как бутылки из-под Кока-Колы, кухонные приборы, упакованные продукты питания, женские накрашенные губы и наманикюренные руки, большие полотна и гравюры Розенквиста воплощают головокружительную вездесущность потребительского мира.
Розенквист использовал рекламный стиль живописи на небольших холстах, где изображения становились мягко размытыми, а их качество терялось при ориентации крупным планом и обрезке изображения.
Он создавал ошеломляюще грандиозные произведения, казалось бы, не связанные друг с другом. Часто эти работы заполняли целые стены галереи.
Чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества перед его нездоровой одержимостью не только материальным потреблением, но и политической славой и славой знаменитостей.
Самая известная работа Джеймса Розенквиста — массивная, откровенно политическая картина «F-111». Созданная в 1964-65 годах, она стала своего рода протестом против милитаризма в Америке.
F-111, 1964-1965
Поперек 26-метровой работы, состоящей из 51 панели, изображен военный истребитель-бомбардировщик, перемежающийся множеством изображений, таких как пляжный зонт, грибовидное облако, спагетти и молодую девушку под феном, очень похожим на боеголовку.
Эд Рушей
Рушей стал известен в конце 1950-х годов, когда он начал делать небольшие коллажи, используя изображения и слова, взятые из повседневных источников, таких как реклама. Этот интерес к повседневности привел его к использованию пейзажа его родного города Лос-Анджелеса как источника вдохновения, к которому он возвращался снова и снова.
Эд Рушей — Портрет
Рушей часто сочетает образы города со словами и фразами из повседневной речи, чтобы передать определенный опыт. Он также исследует банальность современной городской жизни и шквал образов и информации, поступающих из средств массовой информации, с которыми мы ежедневно сталкиваемся.
Рушей играет с языком в своих работах, используя такие приемы, как звукоподражание, каламбуры, аллитерация и оксюморон. Многие из его ранних работ изображают отдельные слова в типографском формате или шрифте.
Предложения и фразы наводят на мысль о повседневном американском языке и сленге, а также привлекают внимание к определенному опыту или напоминают об излишествах голливудской культуры.
Энди Уорхол
Энди Уорхол — самый знаменитый художник, икона поп-арта.
Сначала он успешно работал как «коммерческий художник», тематика его картин была заимствована из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.
Уорхол воплотил дух американской массовой культуры и возвысил ее образность до статуса музейного искусства. Он использовал изображения знаменитостей и потребительских товаров, у которых, по его мнению, была банальность, что делало их более интересными.
Энди Уорхол — Портрет
Он чувствовал, что такие изображения были лишены своего смысла и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия на публику. Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в ряде сюжетов, начиная от суповых банок, заканчивая знаменитостями.
Будь то изображение с лапшой или портрет Элизабет Тейлор, Уорхол всегда придерживался одного и того же подхода: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера и цвета, чтобы все они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него есть лучшая или худшая картина».
Уорхол рассматривал эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры:
«Самое замечательное в этой стране то, что Америка положила начало традиции, когда самые богатые потребители покупают в основном то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и увидеть Кока-колу, и вы знаете, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, просто подумайте, вы тоже можете пить ее.
Кока-кола есть Кока-кола, и никакие деньги не дадут вам лучшей кока-колы, чем та, которую пьет бродяга на углу. Вся Кока-Кола одинакова, и вся Кока-кола хороша. Лиз Тейлор знает это, президент знает это, бродяга знает это, и вы знаете это». Очевидная ирония этого утверждения заключается в том, что цена этой бутылки на картине взлетает в стратосферу, как только Уорхол подписывает ее.
Его многочисленные причудливые заявления были намеренно загадочны и противоречивы, избегая разъяснений и заставляя публику размышлять об их значении. Уклончивая позиция Уорхола была стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал свой собственный имидж как бизнес-модель, которая была неотделима от его искусства. Он говорил:
Я начинал как коммерческий, и хочу закончить как бизнес-художник. Быть преуспевающим в бизнесе — это самый увлекательный вид искусства.
Важные поп-арт картины
Натюрморт № 20 — Том Вессельман, 1962
Still Life #20, 1962 Tom Wesselmann
Натюрморт № 20 — Том Вессельман
Натюрморт Still Life #20 — это часть серии скульптурных натюрмортов, которые Том Вессельман начал создавать в начале 1960-х годов.
На левой стороне изображены некогда функциональные предметы, которые он собрал, а затем поместил в настоящем шкафу над частью реальной раковины. Свет над краном можно включить или выключить, а шкафчик можно открыть или закрыть.
Справа автор собрал в композицию двумерные изображения разных видов продуктов и напитков. Над ними висит репродукция картины художника Пита Мондриана, который использовал элементы искусства в их самых чистых формах—прямые линии, прямые углы и основные цвета — в попытке представить будущее утопическое общество.
Вессельман часто включал репродукции работ других художников в свои конструкции, чтобы продемонстрировать, как искусство интегрировалось в повседневную жизнь и присоединилось к коммерческому миру.
На балконе — Питер Блейк, 1955 – 1957
On the Balcony, 1955 – 1957, Peter Blake
На балконе — Питер Блейк
Несмотря на то, что изображение выглядит коллажем, это полотно, написанное маслом. На ней изображена группа подростков, как олицетворение современного мира, восприимчивого к поп-арту, разрушающего традиционные представления об арт-объектах. Вокруг них множество картин и фото на тему «Балконы». Например, слева репродукция Мане, а справа журнал «Лайф». Всего на работе насчитывается 32 варианта балконов.
Как и на многих полотнах Блейка, подростки изображены с короткими стрижками и прямыми, более естественными взглядами, чем их черты лица, которые считаются более утонченными.
Флаг — Джаспер Джонс, 1954 – 1955
Flag, 1954 – 1955 Jasper Johns
Флаг — Джаспер Джонс
Эта картина имеет большое значение для поп-арта. Джонс написал ее поверх коллажа из газет — которые определяли этот символ страны в тот момент.
Художник не стал выдумывать какой-либо сюжет, он нарисовал узнаваемый всеми флаг. Он также не стал вкладывать в изображение свой смысл, он отдал эту привилегию зрителям. Кто-то видит в картине флага национальную гордость и свободу, а кто-то только империализм или угнетение.
Сам автор нарисовал изображение в контексте «охоты на ведьм» 1950‑х годов, когда началось устранение коммунистов в Правительстве США.
Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн, 1963
Drowning Girl, 1963 Roy Lichtenstein
Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн
Одна из знаковых работ поп-арта. Сюжет работы взят из комикса DC «Run for Love!», где был изображен парень и тонущая девушка. Художник обрезал изображение, увеличив девушку и изменив ее слова на «Мне наплевать. Я лучше утону, чем попрошу Бреда о помощи».
Это, вероятно, о том, что бойфренд девушки разбил ей сердце, что вызвало ее страдание и утрату доверия к нему. Эти болезненные эмоции, которые могут длится долго, откликнулись в сердцах людей. Возможно именно поэтому эта картина так популярна.
Синий цвет подчеркивает печаль и отчаяние.
Большой всплеск — Дэвид Хокни, 1967
David Hockney, A Bigger Splash , 1967
Большой всплеск — Дэвид Хокни
Хокни написал эту работу еще в Калифорнийском университете в Беркли. Большой всплеск был создан как конечный результат двух меньших картин, в которых он развивал свои идеи, — «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). A Bigger Splash — значительно более крупная работа.
Хокни был одним из первых художников, широко использовавших акриловую краску, которая была тогда довольно новым художественным средством. Он чувствовал, что как быстросохнущая субстанция она больше подходит для изображения жарких, сухих пейзажей Калифорнии, чем традиционные масляные краски.
В картине Хокни исследует, как изобразить постоянно движущуюся поверхность воды. Всплеск был основан на фотографии плавательного бассейна, которую Хокни видел ранее. Он был заинтригован идеей того, что фотография может запечатлеть это событие на долю секунды, и стремился воссоздать его в живописи.
Динамизм всплеска сильно контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, краем бассейна, пальмами и желтой доской для прыжков в воду. Это придает изображению несвязный эффект, абсолютно преднамеренный, что фактически является одним из отличительных признаков стиля Хокни.
Мне очень понравилась идея нарисовать этот момент, длящийся две секунды: мне нужно две недели, чтобы нарисовать то, что длится две секунды.
Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол, 1962
Campbell’s Soup Cans, 1962 Andy Warhol
Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол
Картина с банками супа любимая у Энди Уорхола.
В поиске идей для сюжетов изображений он любил расспрашивать своих друзей и знакомых. Один из них посоветовал ему нарисовать что-то простое, узнаваемое, что-то, что есть у каждого дома, например, эти банки супа.
Уорхол скупил все вкусы и нарисовал их на 32 картинах. Они были выставлены по всей длине галереи и произвели фурор. Молодые художники считали это чем-то новым интересным, но большинство же проходили мимо с безразличием и даже с откровенным презрением.
Владелец соседней галереи спародировал выставку, выставив реальные банки этого супа на витрине, указав, что в соседнем здании их можно купить дешевле.
Затем мастер продолжает экспериментировать, рисуя эти же банки и складывать их в подобие стопок в магазине.
Все работы за 3000 долларов владелец галереи выкупил у художника, продав их за 15 млн долларов после смерти Уорхола.
Картины Лихтенштейна не поддаются легкому политическому прочтению. Празднует ли он Whaam! действия войны, острые ощущения погони, славу убийства? Или он комментирует этот праздник как бесчеловечный как для врага, так и для самих себя? Или это просто комикс для маленьких мальчиков? Эти вопросы (даже если Лихтенштейн никогда не собирался их поднимать) висят над нами полвека спустя.
Американский истребитель выпускает струю огня, которая взрывает вражеский самолет, не давая пилоту ни единого шанса спастись. Это картина насилия, но насилие переживается из третьих рук. Картина скрупулезно создана из военного комикса DC, точки и смелые цвета оригинала воссозданы вручную в огромном масштабе.
После ее внезапной смерти от передозировки снотворного в августе 1962 года жизнь, карьера и трагедия суперзвезды Мэрилин Монро стали всемирной одержимостью. Уорхол, увлеченный славой и поп-культурой, использовал ее черно-белую рекламную фотографию из фильма «Ниагара» для создания нескольких серий изображений.
Общая идея всех работ Мэрилин заключалась в том, что ее образ воспроизводился снова и снова, как это можно было увидеть в газетах и журналах того времени. После просмотра десятков или сотен таких изображений зритель перестает видеть изображенного человека, но остается с иконой популярной, потребительской культуры. Образ (и человек) становится еще одной коробкой из-под хлопьев на полке супермаркета, одной из сотен коробок — и все они абсолютно одинаковы.
В картине «Золотая Мэрилин Монро» Уорхол играет на идее иконографии, помещая лицо Мэрилин на очень большой золотистый фон.
На заднем плане сохранились византийские религиозные иконы, которые и по сей день занимают центральное место в православных верованиях. Только вместо Бога мы смотрим на изображение (которое становится немного кричащим при ближайшем рассмотрении) женщины, которая поднялась до славы и умерла в ужасной трагедии.
Уорхол тонко комментирует наше общество и его прославление знаменитостей до уровня божества. Художник указывает на ценности и окружение своих современников.
Напольный бургер —Клас Олденбург, 1962
Floor Burger, 1962 Claes Oldenburg
Напольный бургер —Клас Олденбург
Это очень спорное произведение, которое не все считают искусством. Мягкая скульптура — к такому жанру относится бургер, было чем-то новаторским, сюрреалистичным.
Его мягкое, податливое и красочное тело бросало вызов условности, которое говорило, что скульптура должна быть жесткой и строгой, а ее тематика и колоссальный масштаб привносили юмор и причудливость в часто трезвое пространство изобразительного искусства.
Избранный президент — Джеймс Розенквист, 1960–61
President Elect, 1960–61 James Rosenquist
Избранный президент — Джеймс Розенквист
Как и многие поп-арт художники, Розенквист был увлечен популяризацией политических и культурных деятелей в средствах массовой информации. В своей картине в стиле рекламного щита «Избранный президент» мастер смешивает рекламу калибра Мэдисон-авеню с политическими амбициями, изображая улыбающееся лицо Джона Ф. Кеннеди рядом с потребительскими товарами, а именно желтым Шевроле и куском торта из рекламы.
Розенквист создал коллаж, используя изображения, вырезанные из их первоначального контекста, который он адаптировал для того, чтобы соответствовать монументальному масштабу в фотореалистичном стиле. Как объясняет Розенквист, «Это лицо с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, которые сами себя рекламировали. Почему они поместили объявление о себе? Так вот какое у него было лицо. А его обещание — это половина Шевроле и кусок черствого пирога».
Работа говорит об увлечении Розенквиста подсознательным убеждением через рекламу.
Витрина с
пирожными, I — Клас Олденбург, 1961–62Pastry Case, I, 1961–62 Claes Oldenburg
Витрина с пирожными, I — Клас Олденбург
Тарелка глазированного печенья, два сандея, торт, огромная стойка ребрышек и наполовину съеденное карамельное яблоко соперничают за наше внимание внутри витрины. Грубо говоря, эти неаппетитные модели классической американской закусочной тянутся к нам, скорее, как неловкие родственники.
Подобно портретам, но без человеческой фигуры, магия скульптуры Ольденбурга — это выразительный элемент, который он ей придает. Это самый эмоциональный (и веселый) из поп-арт художников, его гениальность заключается в балансе между иронией и серьезностью в ссылках на американскую культуру.
Зайки — Зигмар Польке, 1966Bunnies, 1966 Sigmar Polke
Зайки — Зигмар Польке
В «Bunnies» объект полотна — группа женщин, вызывающе одетых в стиле кроликов Плейбоя. Хотя издали женщины кажутся привлекательными, при ближайшем рассмотрении их черты лица распадаются на множество цветных кругов, которые выглядят более чудовищными, чем человеческие. Полька-дот стирает индивидуальную идентичность женщин, тем самым указывая на их объективацию, присущую таким образам.
Такие журналы, как Playboy, представляют женщин как физически привлекательные сексуальные объекты, соблазняя зрителя внимательно разглядывать фотографии высокой четкости.
Помещая свое большое изображение на стену галереи и привлекая зрителя к тщательному изучению женских тел в общественном пространстве музея, художник принуждает зрителя чувствовать себя некомфортно и заставляет его противостоять привычным способам рассматривания.
Стандартная станция — Эд Рушей, 1966
Standard Station, 1966 Ed Ruscha
Стандартная станция — Эд Рушей
Эта картина превращает банальный образ бензоколонки в символический символ американской потребительской культуры. Здесь, с помощью трафаретной печати, Рушей сглаживает перспективу в единую плоскость, чтобы создать образ, который вызывает эстетику коммерческой рекламы.
Мягкий туалет — Клас Олденбург, 1966
Soft Toilet, 1966 Claes Oldenburg
Мягкий туалет — Клас Олденбург
В 1961 году Клас Олденбург написал манифест, утверждающий его радикальную художественную позицию: «Я за искусство политико-эротико-мистическое, которое не сидит на заднице в музее, а делает что-то другое».
Мягкий туалет — работа, которая избегает обычных свойств арт-объекта, не стоит ни на чем — даже на пьедестале, как многие скульптуры, — а скорее висит на металлической подставке.
Он превратил туалет — фабричный, жесткий фарфоровый символ современной гигиены — в сшитый вручную податливый предмет из набитого винила. Вялый и обвисший, как стареющее человеческое тело, мягкий туалет наделен собственной индивидуальностью и чувством драмы.
Электрическое кресло — Энди Уорхол, 1965
Electric Chair, 1965 Andy Warhol
Электрическое кресло — Энди Уорхол
Эта картина, написанная серебряной краской — часть серии Энди Уорхола «Смерть и катастрофы», где он запечатлел все ужасы суицидов, аварий и массовых беспорядков.
Картину описывают как «примечательна своей визуальной трезвостью и эмоциональной сдержанностью», а пустота и тишина комнаты «представляют смерть как отсутствие и тишину».
Изображение основано на фото 13 января 1953 года, когда на таком стуле были казнены супруги Розенберг — за то, что передали СССР информацию об атомной бомбе во время второй мировой войны.
Интересно, что это единственная картина из серии, где нет человека.
Обед — Джордж Сигал, 1964-66
The Diner, 1964-66 George Segal
Обед — Джордж Сигал
Освещенные сверху люминесцентной лампой у реалистичного обеденного прилавка находятся две фигуры. Сцену создают знакомые предметы: кофейные чашки, сахар, диспенсеры для салфеток.
Объекты реальны, а белые монохромные фигуры — нет. Они застыли в движении, один сидит, а другая работает за прилавком.
Закусочные — квинтэссенция среднего класса Америки — появились в работах многих художников. Сигал воссоздал повседневную сцену в натуральную величину, момент выглядит таинственно, почти магически открыто. Это мог бы быть кто угодно, в любой забегаловке любой части страны.
Театральность произведения усиливается тем, что мы стоим с ним в одном пространстве.
210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол, 1962
210 Coca-Cola Bottles, 1962 Andy Warhol
210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол
На картине изображена икона американской потребительской культуры с характерным для Уорхола механическим стилем. Строгий порядок бутылок отражает сам производственный процесс, в то время как повторяемость отражает его повсеместность.
Эволюция направления, или нео-поп-арт
В 1980-е годы возродился интерес к творчеству Энди Уорхола и его современников. Уорхол умер в 1987 году, но задолго до этого он вдохновил новое поколение художников. Следует отметить, что нео-поп-арт (или новый поп-арт) на самом деле не новое движение в искусстве, а скорее эволюция старой версии. Этим термином было удобно классифицировать череду новых художников, которые сочетали в себе элементы поп-арта, авангарда, минимализма, концептуализма и инсталляции.
Иногда его еще называют «шок поп-артом» из-за его провокационности и противоречивости. Авторы не стеснялись использовать средства массовой информации для привлечения внимания и раскрутки своих работ.
Пост-поп — это переработанная версия поп-арта, адаптированная под новое время: с новыми знаменитостями, с изображением актуальных проблем. Он критикует западную культуру, как когда-то запад критиковал Америку; часто высмеивает публичных персон.
Прекрасные примеры этого стиля — скульптура Катарины Фрич 1993 года «Крысиный Король» и скульптура Джеффа Кунса 1988 года: «Майкл Джексон и Бабблз».
Одна из черт этого направления — игра на чувствах людей, депрессивность, пессимизм, попытка вызвать страх, тревогу. Это было отражением того времени, критикой всеобщих навязчивых идей.
Наряду со звездами, массово использовались образы животных, таких как мультяшные собаки Кита Харинга, надувные пластиковые кролики Джеффа Кунса, гигантские угрожающие крысы Катарины Фрич или мертвые акулы, коровы и овцы в формальдегида Дэмьена Херста.
Как стиль развивался в других странах
Был ли в СССР?
Считается, что в СССР поп-арта не было. Хотя некоторые картины с натяжкой причисляют к советскому поп-арту.
«В стране тотального дефицита и очередей поп-арта не может быть».
В 70-ые годы в СССР появилась некая разновидность жанра, основанная на политической агитации и социалистических идеях. Назывался такой вид искусства «соц-арт».
Одной из известных российских (уже после распада СССР в 1991 году) поп-арт картин считается граффити Врубеля «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви».
Дмитрий Врубель — Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви, 1990
Mein Gott, hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben
Сейчас нео-поп-арт в России есть: на картинах, в архитектуре и дизайне.
Традиционно в российским поп-арт художника причисляют Александра Шабурова и Вячеслава Мизина; Дубоссарского и Виноградова, Алексея Каллима, Ростана Тавасиева, Диану Мачулину, Рошаль-Федорова Михаила.
В Китае
В Китае, как и в СССР, стиль получил иное развитие. Смесь западного поп-арта и китайского социалистического реализма получило название политический поп.
Оно возникло в Китае в 1980-х годах для того, чтобы создать вид искусства, которое ставило под сомнение политический и социальный климат быстро меняющегося Китая
Политический поп был отчасти реакцией на безудержную модернизацию страны, но также и способом примириться с культурной революцией.
Wang Guangyi Great Criticism – Coca Cola, 1994
С банальностью попа и полуироничным подходом к капитализму, в сочетании с пропагандистскими образами эпохи Мао, художники бросили вызов преобладающему отношению к искусству в Китае.
В Японии
Два самых известных японских художников.
Tadanori Yokoo (Ёкоо Таданори)
Takashi Murakami (Такаши Мураками) — хотя его относят и к пост-модерну.
Критика
«Это просто мусор, а не вид искусства», — говорят одни. «Он не заслуживает внимания, это чепуха», — говорят другие.
Владельцам музеев и выставок запрещали покупать произведения в этом жанре, считая это напрасной тратой денег.
Однако сейчас поп-арт картины одни из самых дорогих в мире. Так, полотно Энди Уорхола, написанная в 1962 году «Авария серебряной машины», в 2013 году была продана за 105,4 миллионов долларов, «Восемь Элвисов» за 100 млн; «Шедевр» Роя Лихтенштейна в 2017 году был продан за 165 миллионов долларов.
Поп-арт в XXI веке
Поп-арт в наше время можно встретить везде: в дизайне одежды (от массмаркета до высокой моды), полиграфии, эффектах и обработке фото, музыкальных обложках, дизайне интерьера, картинах.
Примеры современного в архитектуре
В моде
Если приглядеться, поп-арт печатают везде: на футболках, пижамах, платьях.
А вам нравится это направление? Считаете ли вы его искусством? Какие эмоции он вызывает? Расскажите об этом в комментариях!Показать еще 31 картину
Источники
https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/pop-art/think-you-know-pop-art
https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/pop-art/
https://www.theartstory.org/movement/pop-art/
поп-арт в интерьере, поп-арт картины, поп-арт портреты, заказать поп-арт портрет в Самаре, Тольятти, Казани, поп-арт по фотографии
Логика потребления в поп-арте определена манипулированием знаками. В поп-арте нет никакой ценности созидания. Поп-арт целиком и полностью ориентирован на внешнее. Любой предмет, который становится частью поп-арта, теряет свою функцию и становится частью чего-то более широкого, становится свободным и ирреальным, он становится частью совокупности предметов, где ценность этого предмета увеличивается. Но с другой стороны этот предмет, становясь частью поп-культуры, теряет весь смысл среди других таких же бессмысленных.
Когда мы смотрим на предметы, мы анализируем их. На предметы поп-арта же нужно смотреть не с точки рационализма, а как на иррацианальное произведение искусства. Важно отметить, что в 20 веке в контексте поп-арта предметы перестали рассматриваться соответственно моральным и психологическим ценностям, предметы вышли из тени человека и стали преобретать важность и привлекать к себе небывалое внимание. Именно поэтому предметы поп-арта превратились в своеобразные абстракции.
Образ, который несет в себе объект поп-арта, уже не является истиной объекта. Поп-арт искусство зародилось как массовое искусство, поэтому в предметах поп-арта наблюдается стремление к ощущению сфабрикованности и тиражности.
1. Очень важен цвет в интерьере в стиле поп-артСтандартное цветовое решение
поп-арт интерьера: белые покрашенные стены, контрастные к ним постеры, граффити, трафареты, поп-арт портреты или поп-арт картины. Другой вариант: абсолютно все стены разные по цвету и фактуре (одна может быть окрашена белой краской, вторая отделана штукатуркой, третья оклеена обоями, а четвертая вся в газетных и журнальных вырезках).2. Мебель для поп-арт интерьераВ интерьере поп-арт мебель должна быть яркой и причудливой формы в стиле футуризма. Желательно с блестящей поверхностью. В стиле поп-арт приветствуются все же больше ненатуральные синтетические материалы, поэтому и мебель должна быть соответствующей. В интерьере в стиле поп-арт лучше не использовать шкаф, который только занимает пространстранство. Органично в поп-арт впишутся встроенные шкафы и различные ниши. Отлично подойдут яркие глянцевые поверхности.
3. Какие материалы можно использовать в интерьере в стиле поп-арт?В поп-арте используются как натуральные так и искуственные материалы. Поп-арт стиль имеет относительно невысокую цену, потому как в основе лежат такие материалы как: пластик, бумага различной плотности, металл, стекло, паралон, пенопласт, синтетические ткани и т. д. Однако возможно применение натуральной либо искуственной кожи.
4. Пол и потолок в интерьере в стиле поп-артГлавное в интерьере в стиле поп-арт избежать перебора с цветовым безумством. Именно поэтому рекомендуется пол делать лаконичным. Это может быть наливной пол или же ламинат, ковролин, паркет и т. д. Для поддержании концепции поп-арта возможно использование соответсвующих ковров. Потолок же может быть как одноуровневый, так и многоуровневый. Но также нейтральный. Потолок может быть подвесной, натяжной или просто окрашенный.
5. Декор-главный элемент поп-артаБольше всего внимания в стиле поп-арт уделяется деталям. Отличным продолжением стиля поп-арт будет использование пестрого текстиля, необычных статуэток или скульптур, замысловатых или попросту ярких, возможно самодельных рамок для фотографий, ваз, светильников, часов. Характерной чертой поп-арт интерьера являются поп-арт картины и портреты. Как правило в одном блоке изображение дублируется в разных цветовых сочетаниях. Особенно актуальными в поп-арт интерьере будут различные аксессуары из пластика, а также хромированные изделия или кожанные. Также преветствуютя handmade элементы декора, которые станут вашими личными произведениями искусства.
Примеры работ посмотреть в галерее работ или же в группе ВконактеЗаказать поп-арт портрет легко по телефону 8 927 893 39 37 или по почте: [email protected]
Узнать больше о различных материалах и их преимуществах можно прочитав статьи:
Также вас могут заинтересовать статьи:
Заказать поп-арт портрет или картину в Самаре, вы сможете по телефону: 8-927-893-39-37
попарт Самара, поп-арт портрет Самара, поп-арт портрет Тольятти, поп-арт Москва, Казань.
Поп-арт в интерьере, интерьер в стиле поп-арт.
живопись с фото, примеры, описание
Поп-арт — молодой стиль. Его рождение случилось в середине прошлого века случайно, как эксперимент. Несколько парней из лондонского института современного искусства решили раздвинуть грани творчества. Соединив разные стили (живопись, фотографию, рекламу, граффити) и взяв за основу американскую культуру, они сотворили то, что многие называли антиискусством. Однако этот смелый творческий винегрет пришелся по вкусу народу, а значит был обречен на успех.
Арт-эпидемия
Несмотря на яростную критику, поп-арт быстро распространился по миру, стал узнаваемым и прибыльным. Такой славы не видели картины известных художников средневековья и эпохи Ренессанса. Коллажи, картины, живописные полотна и даже комиксы стали раскупаться обычными и богатыми людьми, коммерческими заведениями.
Что же так привлекло людей в новом направлении?- Доступность. Каждый мог приобщиться к искусству поп-арта, стать творцом или потребителем. Ведь произведения в этом стиле не несут особой смысловой нагрузки, в них просто изменена подача уже знакомых объектов.
- Красота, понятная всем. Можно просто сказать: «Это красиво», – не выискивая сложных определений и формулировок. Красиво, потому что броско, ярко, многоцветно, празднично, необычно.
- Отражает реальность. Люди устали от глубоких идей, намеков, полета фантазии. Им понравилось видеть то, что знакомо и близко.
У поп-арта прямолинейный характер, без подтекстов. Это и делает его уникальным, ведь для оформления комнаты или кафе не нужны глубинные смыслы, достаточно просто эффектного изображения.
Я тоже так могу
Банальность и простота в нестандартном воплощении – вот что такое поп-арт. Заняться им может каждый, кому не лень. Так, например, одним из самых известных художников, кому поп-арт принес громкую славу, стал Энди Уорхол. Его картины вы могли видеть в каком-нибудь фастфуде или кинотеатре. Наиболее известные его работы – портреты Мерилин Монро и других голливудских звезд в технике шелкографии. Это цветные контрастные изображения, напоминающие негатив.
Еще один гений поп-арта, Рой Лихтенштейн, прославился комиксами, выполненными в формате масляной живописи. Для художников большим преимуществом стиля стала возможность творить из любых подручных материалов. Да хоть из мусора, как это делал американский автор уличных инсталляций Роберт Раушенберг.
Материалом для творчества в поп-арте могут служить фотографии, газетные обрывки, диски, наклейки. Каждый пробовал себя в этом жанре и даже не догадывался, то приобщался к к творчеству целого направления в искусстве. Например, если вы в детстве обводили свою руку на листе бумаги, это уже был поп-арт. Принесли маме новогоднюю аппликацию из детского сада — тоже поп-арт. Разукрасили кетчупом яичницу и выложили это фото в инстаграм — радуйтесь, вы сподвижник Энди Уорхола!
В поп-арте можно и нужно хулиганить, провоцировать, возмущать. Это коммерческое искусство, которое можно тиражировать, как открытки. И это никак не ударит по его самолюбию. Если вам хочется попробовать себя в картинах по номерам стиль поп-арт, выбирайте реалистичные сюжеты с выраженным цветовым контрастом.
Поп-арт: 8 художников, которых должен знать каждый дизайнер
Они бросили вызов традициям, соединив искусство и поп культуру. Представляем вам самых известных художников движения поп-арт!
Поп-арт как направление визуального искусства возник в середине 1950-х. Особенности того времени — массовое производство, известность и быстроразвивающаяся отрасль рекламы на телевидении, радио и в печатных изданиях — оставили свой след и в сфере искусства и дизайна.
Характеризуемый дерзкими, смелыми, яркими и комичными работами, поп-арт проявился во многих аспектах дизайна, включая различные типы живописи, скульптуры, коллажа и уличного искусства.
01.Кейт Харинг
Кейт Харринг обрел международный успех в 1980-х.
Выросший в Пенсильвании Кейт Харринг начал рисовать в стиле поп-арт после окончания колледжа в 1978. Между 1980 и 1989 Харринг достиг международного признания, устраивая одиночные и совместные выставки. Кейт умер в Январе 1990, но его работы по-прежнему считаются одними наиболее влиятельных в мире поп-арта.
02. Клас Олденбург и Кузи ван Брюгген
Этот дуэт внес поп-арт в массы.
Клас Олденбург и Кузи ван Бругген хорошо известны тем, что внесли Поп-арт в массы, увеличивая некоторые бытовые вещи и размещая их на крышах зданий, в парках, офисах. «Мы хотим взаимодействовать с публикой, но на своих собственных условиях, даже если наши работы абсолютно шаблонны»- объясняет Олденбург.«Наше обсуждение проекта, которое в итоге и приводит к его осуществлению, может происходить где угодно, но обычно мы предпочитаем принимать решения в нашей студии, окруженные моделями, недавними заметками и набросками, где мы способны при необходимости собрать материал воедино.
03. Роберт Раушенберг
В 1993 году Роберт Раушенберг был награжден Национальной Медали США в области Искусств.
Роберт Раушенберг хорошо известен созданием «Комбинированных картин» (1950), в которых он невообразимо сочетает нетрадиционные материалы и объекты. Работая в сфере фотографии, печати и перфоманса, Раушенберг даже удостоился Национальной медали США в сфере Искусств. К сожалению, он умер в 2008 году
04. Ричард Гамильтон
Гамильтон создал коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» в стиле поп-арт для выставки «Это- завтрашний день» в 1956 году.
Ричард Гамильтон считается отцом британского поп-арта благодаря знаменитой серии работ 1950- 1960 годов. Наиболее известная из его работ – коллаж 1956 года «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Изначально созданный для выставки «Это — завтрашний день», он представляет собой абсолютный справочник образов поп-арта, таких как отсылки к газетам, комиксам, рекламе, бытовым приборам, еде, упаковке, телевидению и кино.
Whaam! -один из наиболее известных примеров поп-арта, основанный на изображении из серии комиксов DC «All American Men of War»
Картина поп-арт художника Роя Лихтенштейна Whaam!, основанная на серии комиксов DC «All American Men of War», считается его самым значимым и влиятельным творением. Энергичный диптих изображает боевой самолет, выпускающий снаряд в противника, с красно-желтым взрывом на заднем плане.
Рожденный в Нью Йорке в 1923 годах, Лихтенштейн стал одной из главнейших фигур в движении поп-арта. Его картины в стиле комиксов, «Стиральная машина» и «Печеный картофель» считаются классикой эры поп-арта.
06. Питер Блейк
В своей картине «На балконе» Питер Блейк использовал смешанную технику с элементами поп-арта.
«На Балконе» — знаковая картина для Британского поп-арта. С первого взгляда кажется что это коллаж, но на самом деле- живописная картина с оригинальной композицией одного из известнейших Британских поп художников 1950х.
Первопроходец в сфере поп-арта, Блейк часто использует в своих картинах образы из рекламы и элементы коллажа. В частности, картина «На балконе» отражает заинтересованность Блека в совмещении традиционного искусства с элементами поп -атра.
07.Энди Уорхол
Изображения Мэрилин Монро (1962) от маэстро поп-арта Энди Уорхола
Энди Уорхол, вероятно, самая узнаваемая фигура в движении поп-арта. В 1960х он начал экспериментировать с массово распространяемыми изображениями (например, банки супа Кэмпбелл и бутылки Кока Колы)
В 1962 г., когда прошло 4 месяца после смерти Мэрилин Монро, Уорхол представил миру несколько размноженных изображений Мэрилин Монро, взяв за основу одну из известных фотографий со съемок фильма Ниагара (1953) . Являясь его самой известной работой, эта серия изображала частоту появления Мэрилин в СМИ. Диптих совмещает портреты в ярких цветах с одной стороны, и угасающей черно-белой гамме — с другой, что соответственно обозначает ее культ как звезды и ее смерть. Он продолжил свою идею, создав аналогичные работы с такими звездами как Джеки Кеннеди и Элвис Пресли.
08. Дэвид Хокни
Стиль Дэвида Хокни быстро завоевал ему славу «путеводного огня» Поп-арта
Британский художник Дэвид Хокни чаще всего ассоциируется с пропитанными солнечным светом пейзажами, которые он создавал, живя и работая в Лос Анжелесе с 1963 по 2005.Его ранние работы навевают определенное смешливое чувство, а яркие цвета и использование изображений в стиле глянцевых журналов помогли ему быстро приобрести репутации одного из лидирующих активистов в движения поп-арт.
С развитием своего стиля Хокни начал делать фотоколлажи, изначально составляя их из фотокарточек, а позже -из 35-миллиметровых цветных изображений. Он и сегодня продолжает работать в различных областях: в создании принтов, живописи, рисунке, режиссуре и театральном дизайне.
Картины в стиле поп-арт на продажу
Поп-арт происходит от термина «популярное искусство» и относится к художественному движению, которое впервые появилось в Великобритании в 1950-х годах, а затем распространилось по всему миру. Поп-арт повлиял не только на изобразительное искусство (коллаж, скульптура …), но и также оказал влияние на музыку и моду.
Среди множества технологических революций, которые коснулись истории живописи, одной из самых значительных, безусловно, является акриловая живопись, краска, сделанная из комбинации пигментов, смолы и скипидара.По сравнению с традиционной масляной краской акрил имеет ряд преимуществ: он невероятно быстро сохнет, не требует лака и отличается высокой прочностью. Несколько художников поп-арта предпочли использовать эту более современную краску.
Популяризация трафаретной печати, техники трафаретной печати, также способствовала успеху поп-арта. Примеры американского поп-арта часто печатаются сериями (с использованием шелкографии или других методов) и создаются с использованием ряда инновационных промышленных процессов. Эти нововведения изначально были в значительной степени дискредитированы и даже подвергались пренебрежению, пока не появились две ключевые фигуры движения поп-арта, которые помогли продвинуть эти методы.
Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн были среди пионеров, открыто выразивших свое предпочтение этим новым методам. Присвоив эти методы, которые когда-то использовались исключительно в промышленном контексте, две главные фигуры поп-арта произвели революцию в мире искусства. С тех пор современная живопись стала популярной, и ценность произведения искусства больше не измеряется его редкостью или изображенным предметом.
Американский поп-арт отвернулся от давних художественных традиций и проложил дорогу постмодернистскому современному искусству, взяв в качестве своих предметов повседневные предметы из массовой культуры (суп Кэмпбелла, кока-кола).Сюжеты были выбраны намеренно, потому что они были банальными, популярными и обыденными.
Чтобы усилить резкий разрыв движения с изящными искусствами и его традиционными предметами, художники работали с яркой цветовой палитрой, в основном используя основные цвета: красный, желтый и синий. Яркие цвета можно найти в десятках, если не сотнях китчевых картин в стиле поп-арт.
Движение критиковало общество потребления и часто с иронией использовало известных деятелей популярной культуры для выражения своей критики (Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Микки Маус, Одри Хепберн).Эти иллюстрации, напоминающие рекламу или комиксы, характеризуются использованием очень простых линий и минималистичных деталей.
Стремление десакрализовать искусство также напоминает идеи дадаизма или авангардизм Марселя Дюшана. Однако для американского и британского поп-арта их главная цель заключалась в том, чтобы сделать культуру доступной как можно большему количеству людей. Поп-стиль очень быстро произвел впечатление и одновременно создал новый стиль живописи.Философия поп-арта подчеркивает силу образов, новый фетиш индустриального общества потребления. Тем не менее, начиная с 1970-х годов, многие художники движения решили отказаться от поп-арта в пользу других протестных художественных движений.
На Artsper вы можете изучить ряд картин в стиле поп-арт как известных художников современного поп-арта, так и начинающих художников. Среди величайших художников поп-арта: Джеймс Розенквист, Дэвид Салле, Джаспер Джонс, Энди Уорхол, Том Вессельман и Дэвид Хокни.
Руководство для коллекционера: коллекционирование картин
💥35 + Самые известные исполнители поп-арта и их лучшие работы
Поп-арт — это художественное движение с середины 1950-х до 1960-х годов в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах . Художники поп-арта создавали произведения, вдохновленные реалиями повседневной жизни и культурой pop ular.Основные темы поп-арта включают иронию и сатиру, юмор, оптимизм, изобилие, материализм , досуг и потребление послевоенного общества.
Известные художники поп-арта, такие как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Ричард Гамильтон, подвергли сомнению элитарную культуру и традиции изобразительного искусства. Вместо этого они использовали образы и методы, почерпнутые из средств массовой информации и массовой культуры.
Это всего лишь список самых известных художников поп-арта и немного информации об их самых известных работах.
Дизайн, выполненный с использованием шрифта MockoFun Pop ArtЕсли вы действительно серьезно относитесь к искусству в целом и, в частности, к поп-арту, существует множество литературы по этой теме. Pop Art: A Critical History , изданная Калифорнийским университетом, вероятно, одна из лучших книг по этой теме. Если вы купите эту книгу, я действительно получу очень небольшую комиссию, но вы также получите самую выгодную цену за эту книгу.
Плюс, New York Times назвала эту книгу «незаменимым компендиумом» для поп-арта, так что я думаю, можно с уверенностью предположить, что это просто необходимо, если вы действительно увлекаетесь поп-артом.
Итак, движение Pop art началось в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием Independent Group .
Независимая группа (Институт современного искусства)
- Ричард Гамильтон
- Эдуардо Паолоцци
- Питер Блейк
- Джон Макхейл
- Лоуренс Аллоуэй
- Питер Рейнер Бэнхэм
- Ричард Смит
- Джон Томпсон
Вся группа независимых участвовала в групповой выставке 1956 года в галерее Уайтчепел, This is Tomorrow , представив то, что они назвали «Новым Эдемом».«Новый рай был послевоенной Америкой с ее богатой культурой потребления, где казалось возможным все, от космических путешествий до легкодоступного секса.
Молодые современники (Королевский колледж искусств)
- RB Kitaj
- Peter Philips
- Billy Apple (Barrie Bates)
- Derek Boshier
- Patrick Canfield
- David Hockney
- Allen Jones
- Norman Toynton
Движение поп-арта вскоре распространилось на США .Многие корни движения были вызваны культурной революцией, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом.
- Рой Лихтенштейн
- Энди Уорхол
- Роберт Индиана
- Джордж Брехт
- Марисол (Эскобар)
- Том Вессельманн
- Марджори Страйдер
- Аллан Д’Арканджело Олден65 Аллан Д’Арканджело Олден65
- Джордж Сигал
- Джеймс Розенквист
- Розалин Дрекслер
- Билли Аль Бенгстон
- Эдвард Кинхольц
- Уоллес Берман
- Джон Уэсли
- Джесс Коллинз
- Ричард Петтибон
- Мелодша Уэйн
- Эдвард Русан
- Joe GoodeVon Dutch Holland
- Джим Эллер
- Энтони Берлант
- Виктор Дебрей
- Филип Хеффертон
- Роберт О’Дауд
- Джеймс Гилл
- Роберт Кунц
После того, как движение ворвалось в США , он быстро распространился Росси по всему миру и продолжает влиять на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.
- Яёи Кусама
- Такаши Мураками
- Ёситомо Нара
- Таданори Йоку
- Марио Скифано
- Тано Феста
- Ренато Мамбор
- Тано Феста
- Ренато Мамбор
- Тано Феста Ренато Мамбор Роузет Анхель
- Марио Сеоли
- Энрико Бай
- Чезаре Такки
Движение Поп-арт бросило вызов традициям изобразительного искусства, включив в него образы популярной и массовой культуры, такие как реклама, комиксы и массовые предметы культуры.
Одна из его целей — использовать в искусстве образы популярной (в отличие от элитарной) культуры, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой культуры, чаще всего с помощью иронии. Это лишь некоторые из фактов о поп-арте, которые вам нужно знать, чтобы лучше понять это направление в искусстве.
Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:
- Узнаваемые образы : Художники поп-арта использовали изображения и значки из популярных СМИ и товаров. Эти графические изображения включают фотографий знаменитостей , частей тела, предметов повседневного обихода, таких как банок для супа ( банок для супа Кэмпбелла от Энди Уорхола), бутылок с водой, маркировки продуктов, мобильных телефонов, сигарет, мебели, дорожных знаков и других предметов, популярных в коммерческий мир.
- Яркие цвета: Для поп-арта характерны живые, яркие и насыщенные цвета. Используя эти яркие цвета и смелые очертания, произведения поп-арта мгновенно привлекают внимание аудитории.
- Ирония и сатира: Это были некоторые из основных компонентов поп-арта. Художники поп-арта используют юмор и иронию, чтобы заявить о текущих событиях.
- Инновационные методы: Чтобы быстро воспроизводить изображения в больших количествах, многие художники поп-арта использовали процессы гравюры. Энди Уорхол использовал процесс шелкографии (чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом). Roy Lichtenstein использовал технику литографии (печать с камня или металлической пластины с гладкой поверхностью).
- Смешанная техника и коллаж: Художники поп-арта часто комбинируют разные материалы и используют различные типы средств массовой информации. Некоторые из поп-художников, которые использовали коллаж в своих работах, — это Роберт Раушенберг, Ричард Гамильтон, и Питер Блейк.Они объединили разрозненные изображения, газетные отпечатки и вырезки из бумаги на одном холсте, чтобы создать новое целое. Для создания коллажей в стиле поп-арт были добавлены даже названия брендов и логотипы.
Среди известных произведений поп-арта: «Банки супа Кэмпбелла» (1962) Энди Уорхола, Whaam! (1963) Роя Лихтенштейна, Мэрилин Диптих (1962) Энди Уорхола, Я был игрушкой для богатых (1947) Эдуардо Паолоцци, Флаг (1955) Джаспера Джонса, Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными (1956) Ричард Гамильтон.
Чтобы увидеть больше примеров поп-арта, прочтите каждый раздел, посвященный лучшим художникам поп-арта со всего мира.
История поп-арта началась с первых художников, которые сформировали движение поп-арта. Среди этих первых художников поп-арта были Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон в Великобритании, а также Ларри Риверс, Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс в Соединенных Штатах.
В американском искусстве среди известных представителей Pop Art были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (р.1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87).
Среди лучших британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2005), Ричард Гамильтон (р. 1922), Дэвид Хокни (р. 1937) и Аллен Джонс (р. 1937).
Веб-сайт Энди Уорхола 🚀При представлении поп-арта необходимо обязательно процитировать Энди Уорхола как, вероятно, наиболее влиятельного и полного представителя этой культуры и движения. Обладая самобытным и очень индивидуальным стилем, Уорхол, как никто другой, озвучил звездную систему .Его субъекты были возведены в роли икон современного поп-арт-сообщества, а его студия, также известная как Factory, стала ульем, где многие другие влиятельные личности реализовали свой язык.
Энди Уорхол Мэрилин Диптих , 1962
Для этой картины использовалась техника шелкографии. Работа содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.
Веб-сайт Роя Лихтенштейна 🚀Роя Фокса Лихтенштейна также можно рассматривать как одного из отцов современного движения поп-арт, стиль которого находился под влиянием высших уровней художественного выражения прошлого века, таких как пуантилизм, кубизм и т. Д. экспрессионизм. В его работе мы можем увидеть, как воображаемое, принадлежавшее рекламе и комиксам, переносится в другой масштаб и используется для создания значков, тесно связанных с массой.
Роя Лихтенштейна Whaam! , 1963
Роя Лихтенштейна Whaam! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полосу комиксов о взрыве ракеты в небе.Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.
Веб-сайт Кита Харинга 🚀Уличный художник, сначала стиль Кита Харинга тесно связан с его детством и теми простыми карикатурными фигурками, которые его отец делал для него. Как он сказал: «Мой отец делал для меня героев мультфильмов, и они были очень похожи на то, как я начал рисовать — с одной линией и контуром мультфильма». Его художественный отпечаток позже проявился в Питтсбурге, а затем освоен, когда он поехал в Нью-Йорк и встретил Жана-Мишеля Баския, с которым он стал близким другом.
Кейт Харинг « Сияющий младенец» , 1982
Кит Харинг, серия картин. Музей Альбертина, Вена
В 1980-х годах в Нью-Йорке Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он выгравировал на стенах свои авторские рисунки. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов. На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.
Сайт Ричарда Гамильтона 🚀Родившийся в 1922 году в Пимлико, Лондон, Гамильтон был частью очень сильного британского поколения художников поп-арта. Его коллаж «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), гарантировал ему попадание в категорию известных художников поп-арта и считается некоторыми критиками первым произведением поп-арта, когда-либо созданным.
Ричард Гамильтон Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956
Коллаж Ричарда Гамильтона представляет собой пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились в послевоенном сознании.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.
Веб-сайт Роберта Индианы 🚀Роберт Индиана, крупная фигура в американском искусстве с 1960-х годов, сыграл центральную роль в развитии искусства сборки, живописи с резкими краями и поп-арта. Индиана, самопровозглашенный «американский художник знаков», создал весьма оригинальную коллекцию работ, исследующих американскую идентичность, личную историю, а также силу абстракции и языка.
1966 год стал поворотным в карьере Индианы с созданием его первой скульптуры LOVE, ставшей иконой искусства 20 века. Монументальные образцы были установлены и выставлены по всему миру.
ЛЮБОВЬ Роберта Индианы, 1967.
Роберт Эрл Кларк родился в Ньюкасле, штат Индиана. Роберт Индиана получил название своего штата в 1958 году, когда он жил в Нью-Йорке на Coenties Slip. Революционный образ Индианы LOVE стал одним из самых известных образов, связанных с движением поп-арта.Изображение было выбрано Музеем современного искусства для своей ежегодной рождественской открытки и быстро проникло в более широкую популярную культуру.
Эдуардо Паолоцци Веб-сайт 🚀Эдуардо Паолоцци родился 7 марта 1924 года в Лейте на севере Эдинбурга, Шотландия, и был старшим сыном итальянских иммигрантов.
Паолоцци учился в Эдинбургском художественном колледже в 1943 году, непродолжительное время в Художественной школе Святого Мартина в 1944 году, а затем в Школе изящных искусств Слейда при Университетском колледже Лондона с 1944 по 1947 год, после чего работал в Париже.Находясь в Париже с 1947 по 1949 год, Паолоцци познакомился с Альберто Джакометти, Жаном Арпом, Константином Бранкузи, Жоржем Браком и Фернаном Леже.
Паолоцци привлек внимание общественности в 1950-х годах, создав ряд ярких трафаретов и скульптур Art brut. Он был основателем Independent Group в 1952 году, которая считается предшественницей британского поп-арта середины 1950-х и американского поп-арта конца 1950-х.
Паолоцци «Я был игрушкой для богатых» (1947) считается первым носителем поп-арта и первым, в котором появилось слово «поп».
Другие примечательные работы: мозаичные стены станции метро Tottenham Court Road, обложка альбома Пола Маккартни Red Rose Speedway , потолочные панели и оконные гобелены в Cleish Castle, скульптура Piscator за пределами Euston Station, London Relief алюминиевые двери для Хантерской галереи Университета Глазго, бронзовая скульптура Ньютон после Блейка , 1995, на площади Британской библиотеки и т. д.
Веб-сайт Роберта РаушенбергаРоберт Раушенберг был американским фотографом и художником, который был очень близок к поп-арту, но никогда не зацикливался на движении.Его также часто называли неодадаистом, и он разделял этот ярлык с Джаспером Джонсом. Его работа стала очень своеобразной в 1960-х, когда он начал вводить найденные изображения в свои картины, используя шелкографию, чтобы перенести их на холст; процесс, который приблизил его к работе Энди Уорхола.
Роберт Раушенберг, Estate (1963), холст, масло, шелкография.
Веб-сайт Джаспера Джонса 🚀Родился в Южной Каролине, в Аллендейле, Джаспер Джонс переехал в Нью-Йорк в 1949 году, когда решил проучиться несколько семестров в школе дизайна Парсона.Но ему не потребовалось много времени, чтобы выйти на арт-сцену с некоторыми работами, которые выявили неотредактированную связь между реальными изображениями и нарисованными изображениями. Из-за его близости к бытовым потребительским символам его можно определить как художника поп-арта, что мы видим по его работе «Три флага» (1958).
Джаспер Джонс, Три флага (1958), холст, масло. Музей американского искусства Уитни
Веб-сайт Джима ДайнаЕще один невероятно известный художник современного поп-арта — Джим Дайн , один из самых активных художников поп-арта Америки, за плечами у которого 60 лет карьеры и очень много выступлений на международной арене. важные ярмарки, такие как DOCUMENTA Kassel и Венецианская биеннале.Так же, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, он был частью нового дадаистского движения, а также сценаристом, фотографом и скульптором.
Джим Дайн, Признак его бледного цвета, нежности (2015)
Веб-сайт Рэя Джонсона 🚀Раймонд Эдвард «Рэй» Джонсон был американским художником. Известный прежде всего как коллажист и художник-корреспондент, он был выдающейся фигурой в истории нео-дада и раннего поп-арта и был назван «самым известным неизвестным художником Нью-Йорка». Джонсон также организовывал и принимал участие в ранних мероприятиях по искусству перформанса в качестве основателя обширной сети мэйл-арта — Нью-Йоркской заочной школы, которая набрала обороты в 1960-х годах и действует до сих пор.Иногда он связан с членами движения Fluxus, но никогда не был его членом. Он жил в Нью-Йорке с 1949 по 1968 год, когда переехал в небольшой городок на Лонг-Айленде и оставался там до самоубийства.
Рэй Джонсон, История видеоарта (1960)
Веб-сайт Алекса Каца 🚀Невероятный художник. Одна из тех личностей, которых сложно обозначить и категоризировать. Алекс Кац , который все еще жив и рисует в возрасте 92 лет, разработал стиль, в котором мы можем найти связь как с абстрактным экспрессионизмом, так и с поп-артом.Несмотря на свою известность, он не переставал создавать свежие и влиятельные картины, которые сегодня можно увидеть на самых престижных выставках и в музеях.
Алекс Кац, Black Hat
Клас Ольденбург Веб-сайт 🚀Клас Ольденбург — американский скульптор, наиболее известный своими инсталляциями в стиле паблик-арт, в которых обычно представлены большие копии повседневных предметов. Еще одна тема в его творчестве — мягкие скульптурные версии повседневных предметов. Многие из его работ были созданы в сотрудничестве с его женой Кусье ван Брюгген, которая умерла в 2009 году; они были женаты 32 года.Ольденбург живет и работает в Нью-Йорке.
Спунбридж и вишня , скульптура Класа Ольденбурга и Кусье ван Брюггена, 1985–88; в Миннеаполисском саду скульптур Центра искусств Уокера, Миннеаполис, Миннесота.
Эдвард Руша Веб-сайт 🚀Эдвард Руша — американский художник в стиле поп-арт, чьей средой была фотография, и на него наибольшее влияние оказали Джаспер Джонс, Марсель Дюшан и Эдвард Хоппер. Его карьера привела его к сотрудничеству со многими различными реальностями, но вершиной его творчества является участие во всемирно известной выставке «Новая картина общих предметов» в 1962 году, в которой участвовали Уорхол, Лихтенштейн и другие известные художники поп-арта.
Эдвард Руша, товарный знак № 7, (20th Century Fox), 1962 г.
Веб-сайт Джеймса Розенквиста 🚀Еще одним чрезвычайно важным и известным художником поп-арта, без сомнения, является Джеймс Розенквист , которого можно рассматривать, как и Уорхол и Лихтенштейн, как одни из самых сильных и влиятельных художников современного поп-арта. Его работа глубоко погружается в кинематографию и рекламу и создает фрагментированный образ этих линий и их значков.
Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960–61 / 1964, холст, масло.Центр Помпиду, Париж
Веб-сайт Тома Вессельмана 🚀Очень близкий к исследованиям Джима Дайн, Том Вессельманн дал сильный поэтический поворот темам, которые в основном использовались другими известными художниками поп-арта. В его работах реалистичные объекты сочетаются с сюрреалистическими, мечтательными и иллюзионистскими пространствами, сделанными с использованием сильных хроматических поверхностей.
Том Вессельманн, «Синица в спальне» (1968–1970). Предоставлено Almine Rech Gallery
Веб-сайт сэра Питера БлейкаСэр Питер Томас Блейк — английский поп-исполнитель, наиболее известный как соавтор дизайна обложки для альбома Sgt.Группа Pepper’s Lonely Hearts Club и для двух альбомов Who’s. Среди других его наиболее известных работ — кавер сингла Band Aid «Do They Know It’s Christmas?» И афиша концерта Live Aid. Блейк также разработал статуэтку британской премии 2012 года.
Один из самых известных британских поп-исполнителей, Блейк считается заметной фигурой в движении поп-арта. Центральное место в его картинах занимает его интерес к изображениям из популярной культуры, которые вошли в его коллажи. В 2002 году он был посвящен в рыцари Букингемского дворца за заслуги перед искусством.
Питер Блейк, Источники поп-арта 7
Веб-сайт Мэла Рамоса 🚀Мелвин Джон Рамос был американским фигуративным художником, чаще всего специализирующимся на картинах обнаженных женщин, в чьих работах присутствуют элементы реалистического и абстрактного искусства. Он родился в Сакраменто, Калифорния, в семье португальско-азорских иммигрантов в первом поколении. Он приобрел популярность как часть движения поп-арта 1960-х годов. Рамос «наиболее известен своими картинами супергероев и роскошных обнаженных женщин, появляющихся из стеблей кукурузы или бананов Chiquita, выскакивающих из фантиков или развалившихся в бокалах для мартини».
Рамос изначально начинал с абстрактного экспрессионизма, но отказался от него, взяв на себя задачу изображать американских супергероев, таких как Супермен и Бэтмен. Это ознаменовало его дебют на пути к тому, чтобы стать одной из важных фигур движения поп-арт.
Мел Рамос, Чикита Банана (1969), полихромная эмаль
Как известно, Мела Рамоса можно рассматривать как одного из последних художников поп-арта, хотя ирония, которую можно найти в его работах, считается дистанцировать его от этого конкретного движения.Его символы и сюжеты на самом деле отличаются по значению от тех, которые аналогичным образом приняты другими известными художниками поп-арта, что делает его работы более тонкими.
Патрик Джозеф Колфилд был английским художником и гравером, известным своими смелыми полотнами, которые часто включали элементы фотореализма в урезанную сцену. Примеры его работ — керамика и ингредиенты для натюрморта.
Веб-сайт Патрика Колфилда 🚀Патрик Колфилд, Pottery
Веб-сайт Дэвида Хокни 🚀Оставаясь в панораме британских художников поп-арта, мы легко можем встретить работы Дэвида Хокни.Художник, рисовальщик, гравер, сценограф и фотограф, Хокни, вероятно, является самым влиятельным среди британских художников поп-арта, а также самым ценным живым художником после его недавней продажи картины «Двойной портрет» за 90 миллионов долларов на Christie’s. Его стиль живописи сочетает образную идею с популярной цветовой палитрой, создавая чрезвычайно выразительные декорации, которые остаются легко узнаваемыми.
Дэвид Хокни, Портрет художника (Пул с двумя фигурами), 1972 г.
Веб-сайт Марджори Страйдер 🚀Марджори Вирджиния Страйдер (26 января 1931 г. — 27 августа 2014 г.) была американским художником, скульптором и перформансом Наиболее известна своими трехмерными картинами и инсталляциями мягкой скульптуры для конкретных мест.
Страйдер изучал искусство в Художественном институте Канзас-Сити, прежде чем переехать в Нью-Йорк в начале 1960-х годов. Трехмерные картины Страйдера с пляжными девушками с «выстроенными» изгибами были заметно представлены в «Международном девичьем шоу» в Pace Gallery 1964 года наряду с другими вдохновленными «пин-ап» поп-артами Розалин Дрекслер, Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола и Тома. Вессельманн.
«Девушка с редисом» Марджори Страйдер 1963 года
Ее комично порнографическая «Женщина с редисом» была использована в качестве баннера для шоу, одной из первых успешных выставок тогда еще новой галереи.Ее смелые образные работы этой эпохи были направлены на то, чтобы ниспровергнуть сексистские образы женщин в массовой культуре, превратив объективированные женские тела в угрожающие формы, которые буквально попали «вам в лицо».
Веб-сайт Аллена Джонса 🚀Аллен Джонс — британский поп-художник, наиболее известный своими картинами, скульптурами и литографией. На Парижской биеннале 1963 года он был награжден премией «Prix des Jeunes Artistes». Он старший академик Королевской академии художеств.
В 2017 году он вернулся в свой родной город, чтобы получить награду Почетного доктора искусств Саутгемптонского университета Солент.
Джонс преподавал в Hochschule für bildende Künste Hamburg, Университете Южной Флориды, Калифорнийском университете, Школе изящных искусств Banff Center в Канаде и Берлинском университете искусств.
Его работы находятся в нескольких коллекциях; включая Тейт, Музей Людвига, Центр искусств Уорика и Музей Хиршхорна.
Стол и стул с манекенами «фетиш» из стекловолокна, 1970 г.
Веб-сайт Джорджа Кондо 🚀 & WorksДжордж Кондо — современный американский художник-визуалист.Он занимается живописью, рисунком, скульптурой и гравюрой, а также живет и работает в Нью-Йорке.
Как только что было сказано, « Factory » Уорхола была местом, где многие другие интересные поп-художники разработали свой подход к живописи и современным символам поп-арта. Так было и с Джорджем Кондо, очень уважаемым художником, который использовал поп-нарратив для создания собственного стиля, который позже был обозначен как искусственный реализм . Картины Кондо дают ошеломляющую интерпретацию того, как реализм ощущается и переживается в киберсообществе, и до сих пор доминируют на сцене современного искусства, в чем мы можем убедиться сами, посетив одни из самых влиятельных художественных ярмарок и музеев.
Джордж Кондо, Треснувший кардинал (2001), холст, масло
Веб-сайт Розалин Дрекслер 🚀Розалин Дрекслер (родилась 25 ноября 1926 года) — американский художник, писатель, драматург, лауреат премии Оби и обладатель премии Эмми Сценарист-победитель, бывший профессиональный рестлер. Несмотря на то, что у нее была эрудитическая карьера, Дрекслер, пожалуй, наиболее известна своими картинами в стиле поп-арт и как автор новеллизации фильма «Рокки» под псевдонимом Джулия Сорел.В настоящее время Дрекслер живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.
К 1961 году Дрекслер начала менять свои работы с ассамбляжа на поп-арт. Она просматривала старые журналы, плакаты и газеты в поисках изображений для своих картин. Ее самоучка заключалась в том, чтобы взорвать изображения из журналов и газет, собрать их на холст, а затем закрасить их яркими, насыщенными цветами.
Дрекслер подписала контракт с Kornblee Gallery, где в 1964–1966 годах проводила персональные выставки.В январе 1964 года ее работы были включены в «Первую международную выставку девушек» в галерее Pace, Нью-Йорк. Она и Марджори Страйдер были единственными женщинами-поп-артистами, включенными в эту выставку, в которой также участвовали Уорхол, Лихтенштейн и Том Вессельманн. Дрекслер выставлял коллажи, вырезанные и наклеенные из журналов для девочек. Кого-то эта работа возмутила, но ее картины в основном были хорошо приняты.
Защитники, 1963, Художественный музей Колби-колледжа, Уотервилл, Мэн
Картины Дрекслера продолжали пользоваться положительными отзывами и выставлялись на крупных выставках поп-арта на протяжении 1960-х годов.Она не достигла уровня признания многих своих сверстников-мужчин; Основные темы ее картин — насилие над женщинами, расизм, социальное отчуждение — были спорными темами в жанре, известном своей «крутой» и отстраненной.
Веб-сайт Джеймса Гилла 🚀Джеймс Фрэнсис Гилл — американский художник и один из главных героев движения поп-арт. В 1962 году Музей современного искусства включил его Триптих Мэрилин в свою постоянную коллекцию. На пике карьеры Гилл ушел на пенсию. Он вернулся на сцену искусства около 30 лет спустя.
В качестве доказательства важности и повторяемости сюжетов в большинстве работ известных художников поп-арта мы можем взглянуть на постановку Джеймса Фрэнсиса Гилла; американский художник, известность которого возросла с тех пор, как его «Триптих Мэрилин» был включен в коллекцию MOMA в 1962 году. Его впечатляющая карьера достигла пика, когда он решил уйти на пенсию в 1972 году из-за своего недоверия к социальной и политической ситуации. Но его изгнание было прервано примерно через 30 лет, когда он решил вернуться на сцену искусства с выставкой в Музее изящных искусств Сан-Анджело.
Джеймс Фрэнсис Гилл, Три лица Мэрилин (2014), холст, акрил. Galerie Urs Reichlin
Марисоль (Эскобар) Веб-сайт 🚀Марисоль Эскобар , иначе известная просто как Марисоль, была французским скульптором венесуэльского происхождения, работавшим в Нью-Йорке.
В следующем десятилетии 1960-х на Марисоль начали оказывать влияние такие поп-исполнители, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. Она снялась в двух фильмах Уорхола: «Поцелуй» и «13 самых красивых девушек».
Одна из ее самых известных работ этого периода — «Партия», групповая инсталляция фигур в натуральную величину из Художественного музея Толедо. Ее предрасположенность к формам поп-арта частично проистекает из ее самого раннего художественного образования, восходящего к временам ее правления Говарда Уоршоу в Институте искусств Джепсона.
Автор Альберт Боймс отмечает глубокое влияние, которое Искусство комиксов оказало на поп-артистов, в том числе и на саму Марисоль. Он пишет, что комиксы и комиксы, а также мультфильмы были особенно привлекательны для целого поколения художников, родившихся около 1930 года, включая Класа Ольденбурга, Мэла Рамоса, Энди Уорхола, Тома Вессельмана, Джеймса Розенквиста и, конечно же, Роя Лихтенштейна. , самый старый из этой группы.
Марисоль, «Женщины и собака» (1963–64), на выставке Музея Уитни «Америка трудно увидеть»
Веб-сайт Джеффа Кунса 🚀Джеффри Л. Кунс — американский художник, признанный за его работа, посвященная массовой культуре, и его скульптуры, изображающие предметы повседневного обихода, в том числе животных-воздушных шаров, — сделанные из нержавеющей стали с зеркальной поверхностью. Он живет и работает как в Нью-Йорке, так и в своем родном городе Йорк, штат Пенсильвания. Его работы были проданы за солидные суммы, включая как минимум две рекордные аукционные цены за работу живого художника, в том числе 91 доллар.1 миллион с комиссией в мае 2019 года за своего Кролика, купленного Робертом Э. Мнучиным, согласно статье New York Times.
Говоря о массовом потреблении и коллективной культовой эстетике, мы не можем забыть о Джеффе Кунсе. Его китчевые и красочные скульптуры уникальным образом соприкасаются с полным позитивным обществом, для которого они были созданы, делая его неопопские формы близкими родственниками культового поп-арта Энди Уорхола не только из-за их красочности, но и из-за их монументальности и монументальности. влиятельная власть.
Джефф Кунс, Попай (2009–2011), нержавеющая сталь с зеркальной полировкой и прозрачным цветным покрытием. Галерея Соннабенд, Нью-Йорк
Веб-сайт Бэнкси №Бэнкси — анонимный уличный художник из Англии, политический активист и кинорежиссер, работающий с 1990-х годов. Его сатирическое уличное искусство и подрывные эпиграммы сочетают мрачный юмор с граффити, выполненными в оригинальной технике трафарета. Его произведения, содержащие политические и социальные комментарии, украшали улицы, стены и мосты по всему миру.Творчество Бэнкси выросло из бристольского андеграунда, который предполагал сотрудничество художников и музыкантов. Бэнкси говорит, что его вдохновил 3D, художник граффити и один из основателей музыкальной группы Massive Attack.
Бэнкси, Девушка с воздушным шаром (2006)
Анонимный уличный художник «Бэнкси», наверное, самый известный художник поп-арта в наши дни. Его всемирная известность обусловлена его публичным вмешательством и провокационным подходом, из-за которого его часто называли преступником и разыскивал Интерпол.Его стиль имеет сильное происхождение от уличного искусства, а его среда — это в основном трафарет с распыляемой краской, в то время как его символы в основном связаны с совпадающей политической ситуацией и медиатической целью; как всемирно известный случай «Растрепанная живопись».
Stik Website 🚀Stik — британский граффити-художник из Лондона. Он известен рисованием больших фигурок из палочек. Его работа была продана на аукционе более чем 150 000 фунтов стерлингов.
Сегодня, гуляя по Лондону, мы встречаем серию чрезвычайно выразительных, но упрощенных фигур, нарисованных на стенах улиц.Это работы британского художника-граффити Стика, художника, который приезжал из квартала в лучшие галереи мира и видел, как его работы выставлены на аукционе Christie’s за внушительную сумму в 150 000 фунтов стерлингов. Его стиль уникален по цвету и форме и показывает очень современное происхождение от лучших современных художников поп-арта.
Граффити Стика на ставне витрины магазина в Шордич, Лондон.
Веб-сайт Дэмиена Херста 🚀Дэмиен Стивен Херст — английский художник, предприниматель и коллекционер произведений искусства.Он один из молодых британских художников (YBA), доминировавших на арт-сцене Великобритании в 1990-е годы. Сообщается, что он самый богатый из ныне живущих художников Соединенного Королевства, его состояние оценивается в 215 миллионов фунтов стерлингов в списке богатых людей Sunday Times за 2010 год.
Смерть — центральная тема в творчестве Херста. Он прославился серией работ, в которых мертвые животные (в том числе акула, овца и корова) сохраняются — иногда после вскрытия — в формальдегиде. Самым известным из них был 14-футовый (4.3 м) тигровая акула, погруженная в формальдегид в прозрачной витрине. Он также создал «вращающиеся рисунки», созданные на вращающейся круговой поверхности, и «точечные рисунки», которые представляют собой ряды случайно окрашенных кругов, созданных его помощниками.
Дэмиен Херст, Череп с часами в глазах (2008), холст, бытовой глянец.
Damien Hirst and Science Ltd.
Переходя к европейскому пейзажу, важно понять, насколько великими были британские художники поп-арта за последние несколько десятилетий.Одним из этих титанов, безусловно, является Дэмиен Херст, чья карьера в концептуальном искусстве и путь, пройденный коллективом YBA, не лишили его времени также поговорить с массой. Его работы часто перенимали эстетику поп-арта и использовали ее для создания символов немедленного потребления, таких как его всемирно известные картины черепа и картины вращения .
Веб-сайт Яёи Кусамы 🚀Яёи Кусама — современный японский художник, который в основном занимается скульптурой и инсталляцией, но также занимается живописью, перформансом, кино, модой, поэзией, художественной литературой и другими видами искусства.Ее работы основаны на концептуальном искусстве и демонстрируют некоторые атрибуты феминизма, минимализма, сюрреализма, Art Brut, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, а также наполнены автобиографическим, психологическим и сексуальным содержанием. Она была признана одним из самых важных ныне живущих художников Японии.
Яёи Кусама, художница со своей работой «Щупальца» (2012–2015)
Яёи Кусама переезжает в Нью-Йорк, имея другой фон, например, один из чрезвычайно формальных методов рисования под названием « нихонга ». Город в 1958 году, в возрасте 29 лет.Ее привлекла мощная и яркая сцена американского поп-арта, и она идеально вписалась в нее своими перформансами и картинами Infinity Net . С тех пор, как она вернулась в Японию как известный художник поп-арта, она реализовала свои исследования бесконечности с помощью своих универсальных скульптур, которые создают обстановку усиленной реальности.
Сайт Такаши Мураками 🚀Такаши Мураками — современный японский художник. Он работает в средствах массовой информации изобразительного искусства (таких как живопись и скульптура), а также в коммерческих средствах массовой информации (таких как мода, товары и анимация) и известен тем, что стирает грань между высоким и низким искусством.Он ввел термин «суперплоскость», который описывает как эстетические характеристики японской художественной традиции, так и характер послевоенной японской культуры и общества, а также используется для художественного стиля Мураками и других японских художников, на которых он оказал влияние.
Такеши Мураками, Мистер Дуб и Банни, цифровое искусство (2019)
В то время как самых известных художников поп-арта часто считают американцами, в последнее время Япония также была признана родиной некоторых великих современных поп-артов. художников, таких как Такеши Мураками, который считался наиболее влиятельной фигурой современной японской культуры.Живописец и скульптор, Мураками создал произведения искусства, вдохновленные иконографией его страны, которые оказали огромное влияние на современную сцену.
Nara Yoshimoto Website 🚀Yoshitomo Nara — японский художник. Он живет и работает в Насусиобара, префектура Тотиги, хотя его работы выставлялись по всему миру. С 1984 года у Нары было около 40 персональных выставок. Его работы размещены в MoMA и Музее современного искусства в Лос-Анджелесе (MOCA). Его самый известный и часто повторяемый объект — молодая девушка с проницательными глазами.
Нара Ёсимото, «Нож за спиной» (2000), холст, масло
Его работа представляет собой несколько простых фигур, которые часто выглядят безобидно, как дети или домашние животные, с мультяшными чертами лица, но которые при определенном внимании проявляют враждебность. такие предметы, как оружие, которые держат эти «милые» субъекты, и очень резкие выражения лиц, которые вызывают у наблюдателя чувство ненависти.
Mimmo Rotella Website 🚀Доменико «Миммо» Ротелла был итальянским художником, который считался важной фигурой в послевоенном европейском искусстве.Наиболее известен своими работами в области декора и психогеографии, сделанными из разорванных рекламных плакатов. Он был связан с ультра-леттристами, ответвлением леттризма, а позже был членом «Реалистического модерна», основанного в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани.
Mimmo Rotella, Semper lei Marilyn (2002), декор на холсте
Доменико Ротелла, также известный как Mimmo Rotella, был невероятно активным художником второй половины 20-го века, близким как к модному реализму, так и к поп-арту движения.Этот невероятно тонкий художник в стиле поп-арт использовал технику серидеколлажа, чтобы создать серию сорванных картин с плакатов и сборок потрясающей выразительной силы и эстетической изысканности.
Веб-сайт Харитон Пушвагнер 🚀Терье Брофос, имя художника Харитон Пушвагнер , был норвежским графиком и художником, который много лет пытался найти свой личный стиль, прежде чем прославился своими ярко выраженными повествовательными и карикатурными изображениями, частично полученными его привязанность к Акселю Дженсену.
Харитон Пушвагнер, Re Traversa (Мягкий город) (1969), печать на бумаге
Веб-сайт Уэйна Тибо 🚀Уэйн Тибо — американский художник, известный своими красочными работами, изображающими обычные предметы — пироги, помады, банки с красками и т. Д. рожки для мороженого, пирожные и хот-доги, а также для его пейзажей и фигурных картин. Тибо связан с движением поп-арта из-за его интереса к объектам массовой культуры, хотя его ранние работы, выполненные в пятидесятые и шестидесятые годы, немного предшествуют работам классических поп-художников.Тибо использует тяжелый пигмент и преувеличенные цвета для изображения своих предметов, а четко определенные тени, характерные для рекламы, почти всегда присутствуют в его работах.
Десертный поднос, 1963, холст, масло
Уэйн Тибо — широко известный художник поп-арта. Его работы действительно соответствуют высочайшим стандартам живописи благодаря качеству цвета и техники. В своем исследовании он изучает предметы повседневного обихода, которые, по его мнению, художники оставили особняком, возможно, потому, что они выглядели отталкивающе, например, сладости, такие как леденцы, которые, возможно, рассматривались как поверхностные предметы.Хотя его часто называют известным художником поп-арта, иногда говорят, что он отличается от поп-культуры из-за другой техники рисования, которую он перенял.
Веб-сайт Питера Макса 🚀Питер Макс (урожденный Питер Макс Финкельштейн) — немецко-американский художник, известный тем, что использует яркие цвета в своих работах. Работы Макса связаны с изобразительным искусством и культурой 1960-х годов, особенно с психоделическим искусством и поп-артом.
Почтовая марка США с изображением Макса, посвященного выставке 74
Питер Макс, Мэрилин, из ретроспективы «Собрание сочинений 1960–2017»
Работы Питера Макса узнаваемы по галлюцинационному эффекту, создаваемому его цветами.Его сюжеты связаны с арт-сценой 1960-х годов и воплощены в особом и расчетливом подходе художника к пространству.
Никлас Кастелло Веб-сайт 🚀Никлас Кастелло (настоящее имя Норберт Зербс) — немецкий современный художник, вдохновленный поп-артом, неоэкспрессионизмом и уличным искусством. Он хорошо известен своими скульптурами, такими как «Поцелуй», но также занимается живописью.
Никлас Кастелло, Поцелуй (блестящий красный) (2013–2015). Предоставлено Гаем Хепнером
Никлас Кастелло , безусловно, очень талантливый художник нашего поколения.Он прославился благодаря таким работам, как «Поцелуй», в которых мы можем найти нео-поп-вариации на темы других известных художников поп-арта, а также некоторые влияния неоэкспрессионизма и стрит-арта.
Это направление в искусстве дало нам столько талантливых художников поп-арта, каждый со своим неповторимым стилем. Типы поп-арта и техники варьируются от скрупулезно буквальных картин до шелкографии, коллажей и трехмерных произведений искусства.
«Поп-культура — это не глубина. Речь идет о маркетинге, спросе и предложении, консьюмеризме.«- Тревор Данн
Если вам нравится стиль поп-арт, вот несколько полезных ресурсов, которые помогут вам создать идеальный дизайн в стиле поп-арт. Также не забывайте, что Интернет — огромный источник идей поп-арта.
Если вам нравится поп-арт, вы можете легко создать цифровой эффект поп-арта с помощью Photoshop или другого программного обеспечения для графического дизайна, такого как MockoFun .
Ознакомьтесь с этим уроком в стиле поп-арт в Photoshop, чтобы узнать, как добиться эффекта Уорхола в Photoshop .Вы можете превратить свою фотографию в плакат в стиле поп-арт.
Если вы не хотите выполнять все эти шаги вручную, вы можете попробовать эти быстрые и простые в использовании Экшены Photoshop :
Если у вас нет Photoshop, но вы хотите превратить свою фотографию в поп-арт, установите флажок из этого поп-арт портрета от Etsy.
Вам не нужно программное обеспечение для графического дизайна, такое как Photoshop . Вы просто отправляете фотографию и получаете обратно изображение в стиле поп-арт.
«В поп-музыке говорят на всех языках.Образы и иконография мы узнаем сразу. Когда ты можешь полагаться на то, что уже известно публике, ты имеешь дело с Попом «. — Нуно Роке
30 лучших исполнителей поп-арта!
Как большинство из нас должно знать, говоря о поп-арте, мы имеем в виду чрезвычайно влиятельное движение, имевшее место между 1950-ми и 1960-ми годами и направленное на обращение к массам, к коллективу, а не к отдельным людям. Его основная цель — создание упрощенного языка, который позволял поп-артистам общаться с множеством людей, используя символы и ссылки, которые связывали людей с культурой
звездной системы , в которой они жили.Множество символов, которые использовались на протяжении многих лет, открывают нам доступ к различным типам общества, в котором родились эти известные поп-исполнители, показывая нам многостороннюю эволюцию первоначальной основной линии и множество различных личных поворотов в подходе к поп-тема.
Статьи по теме: 4 самых дорогих произведения современных художников-51 Самые популярные современные художники- Топ 10 самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах
Энди УорхолПредставляя поп-арт, обязательно процитируйте Энди Уорхола как, вероятно, самого влиятельного и полного представителя этой культуры и движения.Обладая характерным и очень индивидуальным стилем, Уорхол как никто другой озвучил звездную систему . Его предметы были возведены в роли икон современного поп-арт-сообщества, а его студия, также известная как «Фабрика », «» стала ульем, где многие другие влиятельные личности реализовали свой язык. Статьи по теме: Тысяча лиц Уорхола
Энди Уорхол, Мэрилин 29 (1967), трафарет на бумаге Джордж КондоКак только что было сказано, « Factory » Уорхола была местом, где многие другие интересные поп-художники выработали свой подход к живописи и символам современного поп-арта.Так было и с Джорджем Кондо, очень уважаемым художником, который использовал поп-нарратив для создания собственного стиля, который позже был обозначен как искусственный реализм . Картины Condo дают потрясающую интерпретацию того, как реализм ощущается и переживается в киберсообществе, и все еще доминируют на сцене современного искусства в наши дни, в чем мы можем убедиться сами, посетив некоторые из самых влиятельных художественных ярмарок и музеев.
Джордж Кондо, Треснувший кардинал (2001), холст, масло Джеймс ГиллВ качестве доказательства важности и повторяемости сюжетов в большинстве работ известных художников поп-арта мы можем взглянуть на постановку Джеймса Фрэнсиса Гилла; Американский художник, получивший известность с тех пор, как его «Триптих Мэрилин» был включен в коллекцию MOMA в 1962 году.Его впечатляющая карьера была на пике, когда он решил уйти на пенсию в 1972 году из-за своего недоверия к социальной и политической ситуации, в которой он жил. Но его изгнание было прервано примерно через 30 лет, когда он решил вернуться на художественную сцену с выставка в Музее изящных искусств Сан-Анджело.
Джеймс Фрэнсис Гилл, Три лица Мэрилин (2014), холст, акрил. Предоставлено Galerie Urs Reichlin Рой ЛихтенштейнРоя Фокса Лихтенштейна также можно рассматривать как одного из отцов современного движения поп-арт, стиль которого находился под влиянием высших уровней художественного самовыражения прошлого века, таких как пуантилизм, кубизм и экспрессионизм.В его работе мы можем увидеть, как воображаемое, принадлежавшее рекламе и комиксам, переносится в другой масштаб и используется для создания значков, тесно связанных с массой.
Рой Лихтенштейн, я знаю … Брэд (1963) Джеймс РозенквистЕще одним чрезвычайно важным и известным художником поп-арта, без сомнения, является Джеймс Розенквист, которого можно считать, наряду с Уорхолом и Лихтенштейном, одним из самых сильных и влиятельных художников современного поп-арта.Его работа глубоко погружается в кинематографию и рекламу и создает фрагментированный образ этих линий и их значков.
Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960-61 / 1964, холст, масло. Центр Помпиду, Париж Джефф КунсГоворя о массовом потреблении и коллективной культовой эстетике, мы не можем забыть о Джеффе Кунсе. Его китчевые и красочные скульптуры уникальным образом соприкасаются с полным позитивным обществом, для которого они были созданы, делая его неопопские формы близкими родственниками культового поп-арта Энди Уорхола не только из-за их красочности, но и из-за их монументальности и монументальности. влиятельная власть. Статьи по теме: Джефф Кунс и эпоха пост-поп-арта
Джефф Кунс, Попай (2009-2011), нержавеющая сталь с зеркальной полировкой и прозрачным цветным покрытием.Предоставлено галереей Sonnabend, Нью-Йорк Кейт Харинг
Уличный художник, сначала стиль Кита Харинга тесно связан с его детством и теми простыми карикатурными фигурками, которые его отец делал для него. Как он сказал: «Мой отец делал для меня мультяшных персонажей, и они были очень похожи на то, как я начал рисовать — с одной линией и карикатурным контуром».Его художественный отпечаток позже проявился в Питтсбурге, а затем освоен, когда он поехал в Нью-Йорк и встретил Жана-Мишеля Баския, с которым он стал близким другом. Статьи по теме: Крупнейшая фреска Кита Харинга в Европе — последний случай фрески Кита Харинга — Well Beyond Lines. Кит Харинг и Жан Мишель Баския
Кит Харинг, серия картин. Предоставлено Музеем Альбертина, Вена. Яёи КусамаЯёи Кусама переехал в Нью-Йорк в 1958 году в возрасте 29 лет, имея другой опыт, например, один из чрезвычайно формальных методов рисования под названием « нихонга ».Ее привлекла мощная и яркая сцена американского поп-арта, и она идеально вписалась в нее своими выступлениями и картинами Infinity Net . С тех пор, как она вернулась в Японию как известный художник поп-арта, она реализовала свои исследования бесконечности с помощью своих универсальных скульптур, которые создают обстановку усиленной реальности. Статьи по теме: Мания Яёи Кусама!
Художница Яёи Кусама со своей работой «Щупальца» (2012-2015) Такаши МуракамиВ то время как самых известных художников поп-арта часто считают американцами, в последнее время Япония была признана родиной некоторых великих художников современного поп-арта, таких как Такеши Мураками, который был определен как самая влиятельная фигура современного японского искусства. культура.Живописец и скульптор, Мураками создал произведения искусства, вдохновленные иконографией его страны, которые оказали огромное влияние на современную сцену. Статьи по теме: Глобальное племя Такаши Мураками
Такеши Мураками, Мистер Дуб и Банни, цифровое искусство (2019) Нара ЙошимотоЁсимото — активный японский художник поп-арта, живущий в Токио. Его работа представляет собой несколько простых фигур, которые часто выглядят безобидными, как дети или домашние животные, с мультяшными чертами лица, но которые при определенной степени внимания обнаруживают враждебные объекты, такие как оружие, которое держит эти «милые» субъекты, и очень резкие выражения лиц, наполняющие наблюдателя. с ненавистью.
Нара Ёсимото, Нож за спиной (2000), холст, масло Дэмиен ХерстПереходя теперь к европейскому пейзажу, важно понять, насколько великими были британские художники поп-арта за последние несколько десятилетий. Одним из этих титанов, безусловно, является Дэмиен Херст, чья карьера в концептуальном искусстве и путь, пройденный коллективом YBA, не лишили его времени также поговорить с массой. Его работы часто перенимали эстетику поп-арта и использовали ее для создания символов немедленного употребления, таких как его всемирно известные черепа и спиннинг . Статьи по теме: Говоря «мусор» в современном искусстве — когда еда и мода становятся изящным искусством
Дэмиен Херст, Череп с часами в глазах (2008), холст, бытовой глянец.Предоставлено Damien Hirst and Science Ltd. Дэвид Хокни
Оставаясь в панораме британских художников поп-арта, мы легко можем столкнуться с творчеством Дэвида Хокни. Художник, рисовальщик, гравер, сценограф и фотограф, Хокни, вероятно, является самым влиятельным среди британских художников поп-арта, а также самым ценным живым художником после его недавней продажи картины «Двойной портрет» за 90 миллионов долларов на Christie’s.Его стиль живописи сочетает образную идею с популярной цветовой палитрой, создавая чрезвычайно выразительные декорации, которые остаются легко узнаваемыми. Статьи по теме: Отличное начало для Sotheby’s London — Коллекция Гастона Леви
Дэвид Хокни, Портрет художника (Пул с двумя фигурами), 1972 г. Питер БлейкПитер Блейк — известный британский художник поп-арта, прославившийся созданием группы Beatles «Sgt. Обложка альбома Pepper’s Lonely Harts Club Band ».В его работах использовались элементы рекламы и часто использовался коллаж, включающий различные типы общеизвестных символов. В 1990 и 1991 годах Блейк также рисовал произведения искусства на концерте Эрика Клэптона.
Питер Блейк, 100 источников поп-арта Ричард ГамильтонГамильтон родился в 1922 году в Пимлико, Лондон. Он принадлежал к очень сильному поколению британских художников поп-арта. Его коллаж «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), гарантировал ему попадание в категорию известных художников поп-арта и считается некоторыми критиками первым произведением поп-арта, когда-либо созданным.
Ричард Гамильтон, что именно сделало вчерашние дома такими разными, такими привлекательными? (1956), коллаж.Предоставлено коллекцией Тейт. Клас Ольденбург
Родом из Швеции, Клас Ольденбург был невероятно активным скульптором в 1960-х годах и оказал огромное влияние на Энди Уорхола, который очень любил красочные и потребительские сюжеты Ольденбурга. Его основное внимание было сосредоточено на продуктах питания и на том, как они обесценились после того, как их предполагаемая роль была перенесена с первой необходимости на коммерческий продукт.Выбор анализа символов массового потребления в качестве сюжетов для его скульптур делает Класа Ольденбурга прекрасным примером современного художника поп-арта.
Клас Ольденбург, Флор Бургер (1962). Предоставлено MOMA, Нью-Йорк. Роберт РаушенбергРоберт Раушенберг был американским фотографом и художником, который был очень близок к поп-арту, но никогда полностью не придерживался этого движения. Его также часто называли неодадаистом, и он разделял этот ярлык с Джаспером Джонсом.Его работа стала очень своеобразной в 1960-х, когда он начал вводить найденные изображения в свои картины, используя шелкографию, чтобы перенести их на холст; процесс, который приблизил его к работе Энди Уорхола. Статьи по теме:
Роберт Раушенберг, Estate (1963), холст, масло, шелкография. Предоставлено Художественным музеем Филадельфии. Джаспер ДжонсДжаспер Джонс родился в Южной Каролине, в городе Аллендейл. Он переехал в Нью-Йорк в 1949 году, когда решил проучиться несколько семестров в школе дизайна Parson’s Design School.Но ему не потребовалось много времени, чтобы выйти на арт-сцену с некоторыми работами, которые выявили неотредактированную связь между реальными изображениями и нарисованными изображениями. Из-за его близости к бытовым потребительским символам его можно определить как художника поп-арта, что мы видим по его работе «Три флага» (1958).
Джаспер Джонс, Три флага (1958), холст, масло. Музей американского искусства Уитни Джим ДайнДругой невероятно известный художник современного поп-арта — Джим Дайн, один из самых активных художников поп-арта Америки, за плечами которого 60 лет карьеры и выступления на международной арене на очень важных выставках, таких как DOCUMENTA Kassel и Биеннале в Венеции.Так же, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, он был частью нового дадаистского движения, а также сценаристом, фотографом и скульптором.
Джим Дайн, Признак его бледного цвета, Нежность (2015). Предоставлено Artribune Том ВессельманнОчень близок к исследованиям Джима Дайна, Том Вессельманн дал сильный поэтический поворот темам, которые в основном использовались другими известными художниками поп-арта. В его работах реалистичные объекты сочетаются с сюрреалистическими, мечтательными и иллюзионистскими пространствами, сделанными с использованием сильных хроматических поверхностей.
Том Вессельманн, Синица в спальне (1968-1970). Предоставлено галереей Almine Rech Алекс КацНевероятный художник. Одна из тех личностей, которых сложно обозначить и категоризировать. Алекс Кац, который все еще жив и рисует в возрасте 92 лет, разработал стиль, в котором мы можем найти связь как с абстрактным экспрессионизмом, так и с поп-артом. Несмотря на свою известность, он не переставал создавать свежие и влиятельные картины, которые сегодня можно увидеть на самых престижных выставках и в музеях.Статьи по теме:
Алекс Кац, Coca-Cola Girls (2018), архивные пигментные чернила на белой бумаге. Предоставлено Тимоти Тейлор БэнксиАнонимный уличный художник «Бэнкси», наверное, самый известный художник поп-арта в наши дни. Его всемирная известность обусловлена его публичным вмешательством и провокационным подходом, из-за которого его часто называли преступником и разыскивал Интерпол. Его стиль имеет сильное происхождение от уличного искусства, и его среда — это в основном трафарет с распыляемой краской, в то время как его символы в основном связаны с совпадающей политической ситуацией и медиатической целью; как всемирно известный случай «Растрепанная живопись». Статьи по теме: Blek le Rat все еще влияет на Бэнкси? — Загадочная история украденного Бэнкси
Бэнкси, Девушка с воздушным шаром (2006). Предоставлено Sotheby’s СтикСегодня, гуляя по Лондону, мы встречаем серию чрезвычайно выразительных, но упрощенных фигур, нарисованных на стенах улиц. Это работы британского художника-граффити Стика, художника, который приезжал из квартала в лучшие галереи мира и видел, как его работы выставлены на аукционе Christie’s за впечатляющую сумму в 150.000 £. Его стиль уникален по цвету и форме и показывает очень современное происхождение от лучших современных художников поп-арта.
Стик, Танцовщица (2011), цифровая печать в черно-красном цвете. Предоставлено Christie’s Mimmo RotellaИтальянский художник поп-арта Доменико Ротелла, также известный как Миммо Ротелла, был невероятно активным художником второй половины 20-го века, близким как к модному реализму, так и к движениям поп-арта. Этот невероятно тонкий художник в стиле поп-арт использовал технику серидеколлажа, чтобы создать серию сорванных картин с плакатов и сборок потрясающей выразительной силы и эстетической изысканности. Статьи по теме: Жизнь и творчество Миммо Ротеллы — Истоки итальянского поп-арта
Mimmo Rotella, Semper lei Marilyn (2002), холст, декор Харитон ПушвагнерТерье Брофос, художника звали Харитон Пушвагнер, был норвежским графиком и художником, который много лет пытался найти свой личный стиль, прежде чем прославился своими ярко выраженными повествовательными и карикатурными изображениями, частично вызванными его привязанностью к Акселю Йенсену.
Харитон Пушвагнер, Re Traversa (Мягкий город) (1969), печать на бумаге Уэйн ТибоУэйн Тибо, которому исполнилось 99 лет, — широко признанный художник поп-арта. Его работы действительно соответствуют высочайшим стандартам живописи благодаря качеству цвета и техники. В своем исследовании он изучает предметы повседневного обихода, которые, по его мнению, художники оставили особняком, возможно, потому, что они выглядели отталкивающе, например, сладости, такие как леденцы, которые, возможно, рассматривались как поверхностные предметы.Хотя его часто называют известным художником поп-арта, иногда говорят, что он отличается от поп-культуры из-за другой техники рисования, которую он перенял.
Уэйн Тибо, Панкакский завтрак (2008), холст, масло Эдвард РушаРуша — американский художник в стиле поп-арт, чьей средой была фотография, и на него наибольшее влияние оказали Джаспер Джонс, Марсель Дюшан и Эдвард Хоппер. Его карьера привела его к сотрудничеству со многими различными реальностями, но вершиной его творчества является участие во всемирно известной выставке «Новая картина общих предметов» в 1962 году, в которой участвовали Уорхол, Лихтенштейн и другие известные художники поп-арта.
Эдвард Руша, торговая марка № 5 (20th Century Fox), 1999 г. Роберт ИндианаВсемирно известный художник поп-арта, сценограф и дизайнер костюмов Роберт Индиана сделал невероятно интересную карьеру. В его работах используются яркие и привлекающие внимание короткие слова, которые также имеют коммерческий аспект и используются для общения со зрителями, например, «ЕСТЬ», «ЛЮБОВЬ». Из всех его работ наиболее знаковой является скульптура «ЛЮБОВЬ» (1970), произведение, получившее широкую известность и воспринятое грядущими поколениями.
Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ, гравюра со знаменитой скульптуры «ЛЮБОВЬ» (Нью-Йорк). Питер МаксПитер Макс — немецко-американский художник поп-арта, работы которого узнаваемы по галлюцинационному эффекту, создаваемому его цветами. Его сюжеты связаны с арт-сценой 1960-х годов и воплощены в особом и расчетливом подходе художника к пространству.
Питер Макс, Мэрилин, из ретроспективы «Собрание сочинений 1960-2017 гг. Мел РамосКак хорошо известно, Мела Рамоса можно рассматривать как одного из последних художников поп-арта, хотя ирония, которую можно найти в его работах, как говорят, отдаляет его от этого конкретного движения.Его символы и сюжеты на самом деле отличаются по значению от тех, которые аналогичным образом приняты другими известными художниками поп-арта, что делает его работы более тонкими и менее знаковыми.
Мел Рамос, Chiquita Banana (1969), полихромная эмаль Никлас КастеллоПрисмотревшись к нашему поколению, мы можем найти Никласа Кастелло, немецкого художника поп-арта, который прославился благодаря таким работам, как «Поцелуй», в которых мы можем найти нео-поп-вариации на темы других известных художников поп-арта. , а также некоторые влияния неоэкспрессионизма и стрит-арта.
Никлас Кастелло, Поцелуй (блестящий красный) (2013-2015). Предоставлено Гаем ХепнеромИзображение на обложке: Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960–61 / 1964, холст, масло. Предоставлено Центром Помпиду, Париж.
S tay Журнал Kooness узнает больше интересных новостей из мира искусства.POP-художников и их знаменитые произведения
«Когда я открыл огонь» Роя Лихтенштейна, 1964, Stedelijk Museum
POP Art — это движение, появившееся в середине 20 века.Он использовал элементы популярной культуры, включая рекламу, журналы, логотипы продуктов и средства массовой информации, чтобы бросить вызов традиционным представлениям об искусстве. Он также использовал сатиру, чтобы поставить под сомнение потребительский подход и индустриализм американской культуры. Ниже приведены некоторые из самых знаковых участников движения POP Art и их самые известные работы, которые охватывают целый ряд средств и влияний.
POP Art Художник Энди Уорхолс «Суп Кэмпбелла», Мэрилин Монро и популярная культураЭнди Уорхол был американским художником и режиссером, который был ведущим членом движения POP Art.Его работы известны тем, что они используют популярные СМИ, культуру знаменитостей и рекламу. Он создавал искусство в различных средах, включая живопись, трафаретную печать, пленку, скульптуру и фотографию. Его помнят как одного из самых плодовитых художников 20-го века, и его искусство всемирно признано благодаря ярким краскам и упрощенному характеру.
Банки для супа Campbell’s (1962)Банки для супа Кэмпбелла Энди Уорхола, 1962, MoMA
Продолжение статьи под объявлением
Банки для супа Campbell’s состоит из нескольких полотен, выровненных линейно, как на полке продуктового магазина.В каждом из них есть банка супа Кэмпбелла разного вкуса. Хотя каждое полотно расписано вручную, все они одинаково воспроизведены, неотличимы друг от друга, за исключением их разных ароматов. Таким образом, произведение демонстрирует использование POP Art стиля рекламы массового производства.
Мэрилин Диптих (1962)Мэрилин Диптих Энди Уорхола, 1962, Тейт
Продолжение статьи под объявлением
Мэрилин Диптих — это портретная композиция из нескольких холстов, изображающая Мэрилин Монро.Каждый холст визуализирован в неоновых цветах блоков с перекрывающимся эффектом шелкографии. Одна половина композиции выполнена в цвете, а другая половина — монохромная черно-белая с эффектом выцветшей печати. Он иллюстрирует возросшую материальность середины 20-го века, утверждая, что даже люди могут быть объективированы и превращены в товар.
Коробки Brillo (1964)Коробка для мыльниц Brillo Энди Уорхола, 1964, МоМА
Продолжение статьи под объявлением
Brillo Soap Pads Box представляет собой эксперименты Уорхола со скульптурой в стиле продукта.Он поручил нескольким плотникам создать копии коробок для супермаркетов из фанеры, а затем нарисовал на них информацию о продуктах и логотипы. Эти коробки были почти идентичны своим функциональным аналогам. Логотип «Brillo Soap Pads» стал наиболее распространенным из них из-за своей приземленности, которая поставила под вопрос то, что считается искусством, и то, как общество с ним взаимодействует.
Рой Лихтенштейн: комиксы и поп-артРой Лихтенштейн был американским художником, который был важным членом движения POP Art.Его работа широко известна тем, что использует пародию, имитируя материалы СМИ. В частности, он связан с коммерческим искусством в стиле комиксов и его фирменным использованием точек Бен-Дей. За свою карьеру он подвергался серьезной критике за свои сатирические комиксы, но посмертно его вспомнили как революционера в искусстве 20-го века.
Whaam! (1963)Whaam! Рой Лихтенштейн, 1963, Тейт
Продолжение статьи под объявлением
Whaam! — это композиция из двух полотен, на которых один истребитель поражает другой ракетой.Вся работа выполнена в стиле комиксов с ограниченной основной цветовой палитрой и цветовым дизайном блока. Он также имеет характерные пузыри комических слов и звуковые эффекты букв. Работа основана на комиксе из комикса DC Comics « All-American Men of War », нарисованном Ирвом Новиком и опубликованном в 1962 году.
Тонущая девушка (1963)Тонущая девушка Роя Лихтенштейна, 1963, МоМА
Продолжение статьи под объявлением
Drowning Girl изображает тонущую девушку в характерном для Лихтенштейна стиле комиксов.Ее лицо занимает центральное место в картине, окруженное водой. На нем также есть мысленный пузырь с фразой: «Я НЕ ВНИМАТЕЛЬНО! Я СКОЛЬКО ТЫКУ — ЧЕМ ПОЗВОНИТЬ БРЭДА ЗА ПОМОЩЬЮ! » Диалог на панели, явно отделенный от остальной части сюжета рассказа, добавляет к произведению элемент сатиры. Он скопирован из книги DC Comics «Run For Love!» Из серии комиксов Secret Love .
Искусство Кита Харинга: уличные фрески и активизмКейт Харинг был американским художником, связанным с движением POP Art и известным своим уличным искусством.На него сильно повлиял политический климат Нью-Йорка 1980-х годов. Его работа отражает это через использование сексуальных и часто шокирующих образов для стимулирования социальной активности. В то время он затронул несколько социальных и политических тем, включая эпидемию СПИДа и апартеид. Он считается революционером, который использовал доступность уличного искусства для распространения информации о социальных проблемах.
Crack is Wack (1986)Crack is Wack Кейт Харинг, 1986, Нью-Йорк,
нашей эрыПродолжение статьи под объявлением
Crack is Wack — это уличная фреска, расположенная на 128-й Ист-стрит и 2-й авеню в Нью-Йорке.Это произведение является реакцией на эпидемию крэка в Нью-Йорке и служит предупреждением против употребления наркотиков. На нем большие печатные буквы в стиле комиксов, окруженные видимым облаком дыма. Под буквами появляется хаотичная толпа людей. Их затмевает скелет, держащий трубку и горящую долларовую купюру, символизирующие опасность наркотиков. Изначально фреска была сделана без разрешения города, но впоследствии была защищена городом как памятник антинаркотической активности.
Картины Дэвида Хокни: поп-арт и модернизм ХХ векаДэвид Хокни — британский художник, фотограф и рисовальщик, который остается одним из самых важных участников движения POP Art.Его творчество очень эклектично, охватывая различные среды и движения, включая кубистическую живопись, фотоколлаж, рекламные плакаты и пейзажи. Именно эта вариация оказала ему непреходящее влияние на искусство ХХ века. Во время учебы он общался с художником-экспрессионистом Фрэнсисом Бэконом, а также находился под влиянием работ иконы кубизма Пабло Пикассо и ведущего импрессиониста Анри Матисса.
Большой всплеск (1967)A Bigger Splash Дэвид Хокни, 1967, Тейт
Продолжение статьи под объявлением
Большой всплеск изображает бассейн за пределами дома в Калифорнии.Это моментальный снимок всплеска в бассейне сразу после того, как кто-то в него прыгнул. Он был вдохновлен фотографией из книги, с которой Хокни столкнулся, о том, как строить бассейны. Картина является частью серии, которую Хокни создал с бассейнами возле домов в период с 1964 по 1971 год. Сериал представляет собой более расслабленный калифорнийский образ жизни, который Хокни испытал по сравнению с быстро развивающимся и напряженным в Нью-Йорке.
Американские коллекционеры (Фред и Марси Вайсман; 1968)Американские коллекционеры (Фред и Марси Вейсман) Дэвида Хокни, 1968, Институт искусств Чикаго
Продолжение статьи под объявлением
Американские коллекционеры — двойной портрет пары коллекционеров произведений искусства Фреда и Марси Вайсман.Пара изображена рядом друг с другом, Фред смотрит в сторону, а Марси смотрит вперед. Они обрамлены двумя комплектами раздвижных дверей и окружены четырьмя объектами: тремя скульптурными произведениями искусства и деревом. Произведение ставит под сомнение отношения между объектом и субъектом, добавляя легкую нотку ироничного юмора.
Ричард Гамильтон: Генезис поп-артаРичард Гамильтон был английским коллажистом и художником, который был одним из первых участников движения POP Art.Его коллажные работы были особенно плодотворными в развитии поп-арта, вдохновленного приземленностью жизни и бессодержательной продукцией средств массовой информации. В 1950-х годах он был наставником нескольких выдающихся художников, в том числе Дэвида Хокни и Питера Блейка, что укрепило его позицию в качестве ведущего участника модернизма середины 20-го века. Он также разработал обложку белого альбома группы Beatles (1968).
Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956)
Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Ричард Гамильтон, 1956, Кунстхалле Тюбинген
Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? считается первой выдающейся работой движения POP Art.Коллаж из вырезок из журналов, изображающий интерьер дома. Он включает в себя современных Адама и Еву, окруженных многочисленными элементами послевоенного потребительства и культуры средств массовой информации. В нем много ироничного юмора, в том числе Адам, покрывающий свои гениталии массивным леденцом, а не традиционным фиговым листом. Этот юмор пародирует консьюмеризм периода промышленного и рекламного бума середины 20-го века.
Художник поп-арта Клас Ольденбург: скульптура и предметы бытаКлас Ольденбург — шведско-американский скульптор, известный своими копиями обычных предметов.Он цитировал, что его искусство заметно «бессмысленно» по своей природе, что позволяет зрителям иметь свои интерпретации его. Его ранние работы были сосредоточены на мягких скульптурах повседневных предметов, которые превратились в более реалистичные изображения. Он продюсировал несколько работ в сотрудничестве со своей женой Кусье ван Брюгген, пока она не умерла в 2009 году.
Коробка для кондитерских изделий, I Класа Ольденбурга, 1961-62, МоМА
Pastry Case, I — это копия скульптуры витрины, полной еды.Он изготовлен из кисеи, пластика и эмали. В витрине — торт, полка с ребрышками, надкушенное карамельное яблоко, банановый сплит и различные другие десерты. Это одновременно и аппетитно, и отталкивающе, подчеркивая противопоставление продуктов и очевидную фальшь рекламы. Ольденбург называет это «разочаровывающими ожиданиями», поскольку предметы в ящике нельзя съесть.
Продолжение статьи под объявлением
картин в стиле поп-арт — Carré d’artistes
Carré d’artistes отобрал для вас широкий выбор картин в стиле поп-арт. Стиль поп-арт , истинная мода шестидесятых, приглашает вас в тонизирующую и красочную вселенную на фоне поп-культуры.
Что такое
картина поп-арт ?Красочный стиль, зеркало нового потребительского общества
Поп-арт возник в 1960-х годах. Это больше, чем художественное направление, это настоящая тенденция, которая продолжается и по сей день. В обществе, которое трансформируется и поворачивается к потреблению, индустриализации и капитализму, некоторые художники решают демократизировать искусство и обратиться к популярной культуре.Холст взрывается цветом, линии упрощаются, а изображения звезд или рекламных объектов занимают особое место.
Пересмотр методов в соответствии с промышленным прогрессом
В 1960-х годах технологии развивались, и художники обращали внимание на новые продукты, появившиеся на рынке: они предпочитали акрил, потому что это краска, которая очень быстро сохнет, и для растекания. печать, дающая много места для трафарета. Теперь это больше промышленные методы.Это вызвало критику со стороны тех, кто не считал эти техники благородным материалом искусства. Результат динамичный: ярких основных цветов, не совпадающих с реальностью , простые линии, а иногда и грубые линии, лишенные деталей.
Почему стиль поп-арт по-прежнему актуален в 21 веке?
Краткая история живописи в стиле поп-арт
Именно в Великобритании живопись в стиле поп-арт возникает в 1950-х годах, в разгаре индустриального и капиталистического общества, а затем экспортируется для всех жителей Запада.Стиль поп-арт быстро стал известен в США. Тем не менее, художников поп-арта, воплощают свое видение общества: если мы увидим, что англичане или французы, в частности Сезар, критически относятся к высокопотребляющему обществу, которое возникает с культом изображения, мы также видно, что американцы используют его, чтобы навязать идею о необходимости массового производства для постоянно растущей аудитории потребителей.
Поп-арт происходит от «Popular art» на английском языке, что переводится на французский язык с помощью «art populaire» .Действительно, цель pop-art — осквернить произведение ради демократизации искусства: произведение искусства перестает быть уникальным, холст дублируется (мы помним Уорхола, который писал свои картины десятками). Это уже не благородные или редкие предметы, художники черпают вдохновение из общества потребления своего времени: Микки Маус или Мэрилин Монро — самые известные предметы. Они также черпают свои предметы из рекламной компании .Мы помним картины Уорхола, который использовал предметы повседневного обихода, такие как банка супа Кэмпбелла. Это тонизирующее искусство шестидесятых — настоящий разрыв с искусством в том виде, в каком оно задумывалось! Китч, тебе не кажется? «Это картина, которая снова в моде», — говорит Умберто Эко: «» «В поп-арте Китч искуплен и возведен в новое состояние эстетического достоинства» .
Два известных художника поп-арта
Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн считаются пионерами поп-арта:
Уорхол, публицист своей профессии, возводит массовую культуру в ранг искусства, его называют «The High Priest of Pop» , потому что мы признаем его мастером в этом вопросе.Все знают его серию Мэрилин Монро, которую теперь можно найти во всех магазинах декора, так как она была индустриализирована и остается таковой. Он сделает трафаретную фотографию на холсте своей торговой маркой.
Что касается Роя Лихтенштейна, то именно в комиксах он рисует сюжеты своих картин. Его миссия — достичь «Стиль как можно более поверхностный» . Однако мы увидим в его работах взволнованных персонажей, плаксивых женщин, что придает его картинам в стиле поп-арт очень выразительное измерение.
Картины в стиле поп-арт в Carré d’artistes
В Carré d’artistes заново откройте для себя ностальгию по поп-арту и привнесите современность в свой дом!
Если вы любите Энди Уорхола, вы не будете застрахованы от очарования , фантастического мира Кикаю , который не сдерживается в использовании коллажей, аэрозольных баллончиков для улучшения Счастливого Люка или Розовой Пантеры!
В вашем сердце особое место занимает Лихтенштейн и его комиксы? Найдите эту вселенную поп-арта с современным художником Франком Ламболей, который своими акриловыми бомбами и иконами в коробках, такими как «Звездные войны», «Бэтмен» и «», привлекает внимание всех супергероев вашей юности, а сегодня — .
10 картин в стиле поп-арт, признанных культурными артефактами 20-го века
Да, мы знаем об этом. В тех 10 «картинах» поп-арта, которые вы найдете ниже, есть два произведения, которые не являются картинами. Ну и что? Они тоже важны, и они также сформировали 20-й век, как и картины. Не придирайся. Итак, когда мы это прояснили, давайте перейдем к сути: мы выбрали для вас 10 работ из известного движения поп-арта, которое потрясло мир и оставило глубокий след в искусстве 20-го века.
Поп-арт возник как неотъемлемый ответ господствовавшему в то время абстрактному экспрессионизму. Это был 1950-й год, бушевала холодная война, и некоторые из художников, о которых мы упомянем ниже, хотели бросить вызов традициям и старому мышлению об искусстве. Поп-арт зародился в середине 1950-х годов в Великобритании и распространился в США в конце пятидесятых. Конечно, как и любое другое движение, поп-арт имеет корни в предыдущие годы и предыдущее искусство — из-за использования повседневных предметов в качестве вдохновения, поп-арт можно связать с дадаизмом и реди-мейдами.Цель поп-арта — приблизить искусство к широкой публике — создать искусство с элементами массовой культуры, которые всем известны. Для него характерно много юмора, иронии и сарказма по отношению к собственным достижениям и интересующим предметам. Часто говорят, что Ричард Гамильтон был одним из первых художников, которые начали формировать движение в Великобритании, поэтому мы начнем с его работы.
Ричард Гамильтон — Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?, 1956
Ричард Гамильтон — Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?, 1956
Номер один в нашем списке, построенном в хронологическом порядке, — это коллаж. Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? английского художника Ричарда Гамильтона.Этот коллаж сделан из изображений, взятых из различных американских журналов — гостиная взята из Ladies Home Journal или, если быть точным, из рекламы Armstrong Floors, которая также давала название всей работе: «Что это что делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Разумеется, открытая планировка — и смелое использование цвета ». Таким образом, гостиная наполнена современной домашней техникой — телевизором, магнитофоном, пылесосом — а также прототипами желаемого внешнего вида, как для мужчин, так и для женщин.Однако, хотя для многих семей это была «ситуация мечты», Ричард Гамильтон заметил, что за всем этим стоит ужасная пустота — влияние американской массовой культуры и потребительства начало разрушать здравый смысл. Созданный в 1956 году, он стал первым произведением в стиле поп-арт, имевшим огромный успех.
Джаспер Джонс — Три флага, 1958
Джаспер Джонс — Три флага, 1958
Когда Джаспер Джонс создал свой первый флаг (в 1954-55), это был символический разрыв с абстрактным экспрессионизмом и его беспредметным стилем.Джонс выбрал флаг как узнаваемый и повседневный объект, как нечто, что «ум уже знает». Середина и конец 1950-х были временем безумия Маккарти и охоты на ведьм по всей территории Соединенных Штатов, и это причина, по которой некоторые видят двойственность в его «Флажках» — были ли они символом угнетения или символом гордости. а патриотизм? Однако Джонс не хотел интерпретировать свои работы — он называл свои картины «фактами», а значение было тем, что каждый зритель определил для себя.Эта работа Джонса Three Flags даже более поразительна, чем его первый Flag, поскольку она создает своего рода трехмерный эффект с самым маленьким флагом наверху.
Обязательно посмотрите работы Джаспера Джонса на нашей торговой площадке!
Энди Уорхол — Голубой выстрел Мэрилин
Энди Уорхол — Мэрилин Монро, 1962 год
Энди Уорхол всего за несколько месяцев создал более 20 шелкографических картин Мэрилин Монро после ее смерти в августе 1962 года. Уорхол сделал фотографию Мэрилин из ее фильма «Ниагара» 1953 года и создал, возможно, самое известное произведение поп-арта.В этом произведении Уорхол соединил два очень важных для себя мотива — смерть и знаменитость. Однако мы решили представить вам не модель Marilyn Monroe 1962 года, а так называемую модель Shot Marilyn 1964 года. Всего Уорхол создал пять Мэрилин: красный, оранжевый, голубой, синий и бирюзовый, а также сложил четыре. из них у стены его студии «Фабрика» на Манхэттене. Но затем пришла Дороти Подбер, подруга одного из фотографов Factory, и спросила Уорхола, может ли она снять его сложенные картины.Уорхол подумал, что под «выстрелом» она имела в виду их сфотографировать, и сказал «да», но Подбер на самом деле вынул револьвер из ее сумочки и выстрелил в картины. Пуля прошла через все четыре картины, которые с тех пор были известны как « The Shot Marilyns ».
Клас Ольденбург — Бургер на полу, 1962 г.
Клас Ольденбург — Бургер на полу, 1962
Движение Дада смело заявило, что даже самые обычные предметы могут стать искусством (Марсель Дюшан и его реди-мейды). Клаас Ольденбург хотел пойти еще дальше.Он заново присвоил себе обычную нездоровую пищу — бургер — сделал его огромным и выставил как произведение искусства. Ольденбург писал в одном из своих очерков, что все можно и нужно считать искусством. Этот Floor Burger был одной из первых мягких скульптур Ольденбурга, и с ним было связано множество городских легенд — одна из них говорит, что первые посетители выставки Ольденбурга в Художественной галерее Онтарио на самом деле набросились на его Burger, как если бы это был ленивый мешок или что-то в этом роде. Некоторые студенты-художники создали бутылку из-под кетчупа высотой девять футов и вышли из галереи, говорит другой.Однако сегодня Floor Burger — одно из самых популярных произведений в Художественной галерее Онтарио.
Том Вессельманн — Ванна 3, 1963 г.
Том Вессельманн — Ванна 3, 1963
Итак, посмотрите: вы художник, который появился всего пару лет назад с серией Great American Nude . У вас есть прекрасная девушка, на которой вы хотите жениться, но вы все еще не женаты. Она ваша муза и ваше вдохновение: она позирует для вас, а вы делаете свое искусство по образцу ее.Затем вы устраиваете выставку, и ее мама приходит на нее, не зная, что вы с ней вместе. Итак, этой матери было на что посмотреть: обнаженная дочь позирует для какого-то незнакомца! Ага, это история о модели Bathtub 3 Тома Вессельманна 1963 года выпуска. Однако Вессельманн женился на этой девушке в том же году. Мы не знаем, была ли счастлива ее мать.
Рой Лихтенштейн — M-Может быть, 1965
Рой Лихтенштейн — M-Maybe (A Girl’s Picture), 1965
По некоторым причинам Лихтенштейну хотелось, чтобы его картины выглядели полностью механическими и жесткими.В качестве источников для своих произведений он обычно выбирал комиксы — боевики и подростковые комиксы. M-Может быть, — типичный Лихтенштейн: красивая белокурая девушка, которая выглядит встревоженной и явно ждет мужчину, который для нее важен. Она говорит: М-может он заболел и не мог покинуть студию, и все мы с первого момента знаем, что «он» не заболел и что «он» забыл о ней. M-Может быть, относится к периоду после 1963 года, когда Лихтенштейн начал рисовать своих комиксов-женщин единообразно, с похожей внешностью.Эта конкретная работа была продана в том же году, когда она была закончена, в 1965 году. Цены на работы Лихтенштейна росли и продавались за несколько тысяч долларов. Тогда владелец оценил M-Maybe в 12 000 долларов и продал его за 30 000 долларов немецкому коллекционеру Питеру Людвигу. Мужчина просто знал, что покупает.
Дэвид Хокни — Большой всплеск, 1967
Дэвид Хокни — Большой всплеск, 1967, Тейт, Лондон
Дэвид Хокни был шокирован, когда узнал, что практически у всех в Лос-Анджелесе есть бассейн.Родом из пасмурной, влажной и холодной Англии, ему очень понравился климат Лос-Анджелеса, а также его спокойный образ жизни. А потом повсюду были бассейны. С 1964 по 1971 год Хокни нарисовал множество бассейнов, и A Bigger Splash был его самым успешным. По иронии судьбы, со всеми этими бассейнами вокруг него на этой картине Хокни была фотография бассейна для вдохновения. A Bigger Splash — это часть трех картин «всплеск», из которых The Splash и A Little Splash являются двумя другими, обе закончились за год до A Bigger Splash .По словам Хокни, фотография всплеска останавливает момент и изображает всплеск так, как его нельзя увидеть в реальной жизни, потому что это происходит слишком быстро. «Меня это позабавило, поэтому я нарисовал это очень, очень медленно», — сказал Хокни о своей картине.
Сэр Питер Блейк — Обложка альбома «Битлз» Sgt. Оркестр клуба одиноких сердец Пеппера, 1967
Сэр Питер Блейк — Обложка альбома Битлз Sgt. Группа клуба одиноких сердец Пеппера, 1967
Многие думают, что альбом Beatles Sgt.Группа Pepper’s Lonely Hearts Club Band — один из важнейших рок-альбомов. Тем не менее, вероятно, все единодушны в том, что обложка Sgt. Группа Pepper’s Lonely Hearts Club Band — самая известная обложка рок-альбома всех времен. Без сомнения, это произведение искусства, и нам не нужно, чтобы его подтверждал сэр Питер Блейк («На мой взгляд, я делал произведение искусства, а не обложку альбома. Это было почти театральное оформление» — Блейк слова об этом чехле). Сержант. Обложка Pepper получила премию Грэмми 1967 года за лучшую обложку альбома в графическом дизайне.И музыка тоже была потрясающей.
Энди Уорхол — Суп Кэмпбелла, могу я, 1968
Энди Уорхол — Суп Кэмпбелла, можно я, 1968
Есть хорошо известная история о том, что Энди Уорхол был вдохновлен вещами, которые он любил. Он любил деньги, он любил знаменитостей, он любил кока-колу, он любил суп Кэмпбелла — и он создавал свое искусство из каждой из них. Уорхола Банки для супа Кэмпбелла — это, вероятно, одна из двух вещей, о которых большинство людей сначала думают, когда упоминают его имя, — вторая вещь — это его Мэрилин. Банки для супа Кэмпбелла были среди его первых шелкографий, но не самой первой — долларовые банкноты имели честь быть первыми. Другая история, которая существует, заключается в том, что Энди Уорхол создавал работы, вдохновленные комиксами, и что его работы были похожи на работы Роя Лихтенштейна — из-за этого, как гласит история, Уорхол обратился к консервным банкам, чтобы отличать свои работы от Лихтенштейна. И, о боже, он определенно выделил себя и свою работу!
Аллен Джонс — Стол, 1969 г.
Аллен Джонс — Стол, 1969
Феминистки были в ярости.Серия скульптур Аллена Джонса состояла из Hatstand , Table и Chair , и общими для всех были — женщины, что феминистки считали полностью женоненавистническими. Полуобнаженные, в неволе, женщины были показаны как часть мебели! Эта работа Джонса вызвала возмущение и породила заявления о том, что она была следствием комплекса кастрации Джонса. Некоторые протестующие бросили жгуты на выставку Джонса в 1978 году, а 8 марта 1986 года один из демонстрантов пролил средство для удаления краски на стул Джонса.Джонс категорически отверг обвинения в женоненавистничестве, заявив, что не имеет ничего общего с его работой. «Как художник, я несу ответственность перед искусством. Как человек, я несу ответственность перед обществом. Я выросла социалистом и считаю себя феминисткой, и мне не нужно защищать свою политическую позицию» — однажды сказал Джонс.
10 известных художников поп-арта, которых вы должны знать
Как бы вы определили, что такое поп-арт, и что он представляет для вас? Международный феномен Pop Art возник в середине 1950-х — начале 1960-х годов.Примерно шесть десятилетий спустя влияние и след художников поп-арта можно увидеть почти во всех аспектах нашего современного общества. Поп-арт, которого некоторые считают прямым потомком дадаизма, с точки зрения того, как он издевался над устоявшимся миром искусства, присваивая изображения с улиц, супермаркетов, средств массовой информации и представляя это как искусство само по себе, поп-арт был сосредоточен на массовом производстве, знаменитостях и расширяющихся отраслях. рекламы, телевидения, радио и печатных СМИ. В конечном итоге сформировал совершенно новую культурную идентичность в области искусства и дизайна.Движение в искусстве было направлено на то, чтобы поднять массовую культуру на уровень изящного искусства, стирая тем самым границы между высоким и низким искусствами. С одним из ключевых принципов, что не существует иерархии культуры и что искусство должно иметь возможность заимствовать из любого источника, поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, поставил под сомнение установленные рамки творчества и представил совершенно новый мир эстетики. Итак, давайте посмотрим на десять самых известных художников поп-арта, чьи работы сформировали, развили, повлияли и сформировали красочный и яркий мир поп-арта.Своими картинами, скульптурами и изображениями эти художники поп-арта оставили значительный след в мире искусства и захватили воображение грядущих поколений, переопределяя наш визуальный взгляд на популярную культуру вокруг нас.
Рой Лихтенштейн
Рой Лихтенштейн — Революция в современном искусстве
Одно из первых имен в поп-арте, получивших широкую известность, Рой Лихтенштейн быстро стал ведущей фигурой этого движения. Его работы были в основном вдохновлены комиксами , и хотя они часто встречались с негативной критикой банальности и отсутствия оригинальности, они определяли основную предпосылку поп-арта через пародию.Эффектные культовые изображения Лихтенштейна произвели революцию в поп-арте и современном искусстве. Устранив себя от доминирующего абстрактного экспрессионизма, сосредоточенного на трагических темах душ художников, Рой черпал вдохновение в окружающей культуре, а не в исследовании индивидуальных чувств художника. Он создал значительный объем работ из массово воспроизводимых изображений, которые вызвали бесконечные споры по поводу понятий оригинальности, потребительства и исследовали тонкую грань между искусством и развлечением.Это был как раз один из основных принципов поп-арта, основанный на исследовании всех форм коммуникации и сообщений через коды или язык.
Смотрите больше работ Роя Лихтенштейна на нашей торговой площадке!
Кейт Харинг
Кейт Харинг — вневременной визуальный язык
Один из наиболее широко известных визуальных языков 20-го века возник прямо из поп-арта, за его создание отвечал Кейт Харинг. Когда вы видите его работу, в ней нет ошибок, вы сразу понимаете, Харинг это или нет, не нужно повторять догадки.Его знаковые персонажи и фирменный стиль до сих пор очень популярны в современном обществе. Харинг был еще одной ведущей фигурой в усилиях по разрушению барьеров между высоким и низким искусством и созданию искусства для всех. Стремясь сделать свое искусство еще более доступным для людей, он открыл розничный магазин под названием Pop Shop, где продавал плакаты, футболки и другие доступные изображения в стиле поп-арт с его фирменным дизайном. Несмотря на то, что его жизнь внезапно оборвалась из-за осложнений, связанных со СПИДом, Харинг оставил после себя очень плодотворную карьеру новаторского художника, чьи работы десятилетиями спустя находят отклик в современной культуре.
Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг — Захват визуального шума в рамках иронической аллегории
Радикальное смешение материалов и методов вывело Роберта Раушенберга на передний план нескольких направлений в искусстве, включая поп-арт. Будучи одним из первых новаторов шелкографии, Раушенберг воспользовался преимуществами новых коммерческих процессов печати того времени, перенося фотографии и изображения на холст. Многократная воспроизводимость изображений, которая до этого момента использовалась только в коммерческих приложениях, стала инновационным инструментом в творческих руках Роберта Раушенберга.Объединив масляную живопись с фотографической шелкографией, он отразил наш опыт СМИ , уловив визуальный шум в рамках иронической аллегории. Наряду с Джаспером Джонсом Раушенберг заложил основы моста между абстрактным экспрессионизмом и тем, что впоследствии стало американским поп-артом.
Не забудьте проверить доступные работы Роберта Раушенберга на нашей торговой площадке!
Ричард Гамильтон
Ричард Гамильтон — игривый и смелый, делая все, что ему казалось
Мы переходим к еще одному известному исполнителю поп-арта.Вдохновленный пошлостью и повседневностью, игривый и влиятельный Ричард Гамильтон был назван отцом движения поп-арта . По некоторым данным, Гамильтон был даже оригинальным создателем самого термина, заявив, что он впервые использовал Pop Art в письме архитекторам Элисон и Питеру Смитсонам относительно одной из выставок. В любом случае, Гамильтон, безусловно, остается одним из первых и самых влиятельных художников этого движения. Его коллаж 1956 года под названием . Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? представлял собой жилое пространство, загроможденное множеством объектов желаний, таких как пылесос, телевизор, консервная банка, магнитофон, мускулы для бодибилдинга и т. Д.Хотя каталог этого потребителя демонстрировал определенный уровень игривости, он также отражал подчеркнутый уровень ужасного беспокойства того возраста. Фаллические леденцы, всплывающие тостеры, переработанные изображения из популярных американских журналов … это лишь некоторые из символов, которые Гамильтон смело использовал в своих новаторских произведениях искусства и которые лучше всего описывают его карьеру и, возможно, даже весь принцип создания искусства в мире. В общем, оставим вам одну из цитат Ричарда Гамильтона:
Люди, кажется, не понимают, что художник волен делать все, что хочет, и мне всегда нравилась такая возможность.Я делаю все, что хочу.
Энди Уорхол
Энди Уорхол — Новаторский маяк поп-арта
Конечно, обсуждение поп-арта невозможно без включения одного из самых плодовитых и популярных художников своего времени, Энди Уорхола. Суперзвезда поп-арта, Уорхол прославился на весь мир своими уже легендарными банками для супа Кэмпбелла и золотыми банками Мэрилин Монро . Среди многих новаторских вещей, которые связаны с этим плодовитым художником поп-арта, он также был одним из первых художников, когда-либо выставлявших видео в качестве произведения искусства.В наши дни это может показаться обычным и нормальным, но в 1960-х годах, когда движение поп-арта процветало, его считали почти революционным. Обычно в окружении знаменитостей Энди Уорхол был заметной фигурой в ночной жизни Нью-Йорка. Знаменитая фраза, которую использовали многие в то время, гласила, что вы знали, что были на хорошей вечеринке в Нью-Йорке, если бы Уорхол появился. Поскольку поп-арт сыграл важную роль в разделении между высокими и низкими формами искусства, работы Уорхола послужили новаторским маяком в этом развитии, и в конечном итоге его карьера повлияла на бесчисленное количество других художников и остается важным фактором даже сегодня.
Хотите получить гравюру Энди Уорхола? Вы можете сделать это, посетив нашу торговую площадку!
Дэвид Хокни
Дэвид Хокни — Плейбой современного искусства и пионер поп-арта в Великобритании
Переняв его из США в Великобританию, Дэвид Хокни считается первопроходцем в области поп-арта в Великобритании . Несмотря на то, что Хокни лично отвергает обозначение своего искусства как поп-арта, его разносторонняя работа охватывает живопись, фотографию, эстамп, сценическое оформление и другие области, на которые повлияло множество влияний, некоторые из которых происходят от популярного искусства и культуры.Из-за похотливых отношений, которого часто называют плейбоем современного искусства, Хокни был самоотверженным творцом на протяжении всей своей карьеры. В 1963 году британский художник влюбился в Лос-Анджелес, в результате чего он разработал залитую солнцем палитру, с которой началась его серия картин, основанная на его фантазиях о гомоэротической жизни в Калифорнии. Эти картины калифорнийских бассейнов, несомненно, связывают его с движением поп-арта, зародившимся как в Великобритании, так и в США в 1960-х годах.
Роберт Индиана
Роберт Индиана — Американская идентичность и сила языка
Самопровозглашенный «художник знаков», наиболее известный своим поп-артом, Роберт Индиана использовал уникальный словарь дорожных знаков и рекламных работ , чтобы изобразить культуру Америки 1960-х годов.Сногсшибательные рисунки с текстом, числами и символами, которые отражали абстракцию времени, также содержали политический и социальный подтекст и несли подчеркнутую идею. Немногие произведения поп-арта получили более широкое признание, чем ЛЮБОВЬ Индианы. Сделанное в 1966 году его фирменное изображение, которое довольно просто написано буквами L O V E , было воспроизведено в бесчисленном множестве различных материалов и цветов, став иконой поп-арта. Роберт Индиана сосредоточился на реальности американского общества с помощью простых, но визуально смелых композиций и фигурных полотен, которые сделали его одним из самых известных художников американского поп-арта.
Джеймс Розенквист
Джеймс Розенквист — художник рекламного щита
Ранние описания Джеймса Розенквиста часто включают тег «Поп-арт», который художнику не нравился. Увы, Розенквист определенно был одной из основополагающих фигур движения. За счет сложного наслоения популярных мотивов, таких как бутылки кока-колы, упакованные продукты, кухонная техника, губы с помадой женщин и ухоженные руки, работы Розенквиста воплощали головокружительную вездесущность потребительского мира. Его крупномасштабные фрагментированные картины в стиле поп-арт трансформировали визуальный язык коммерческих работ на холст. Работая художником по рекламе рекламных щитов, он часто использовал остатки краски для создания небольших абстрактных картин. Розенквист исследовал эффекты использования стиля рисования на рекламных щитах на меньших холстах, создавая произведения, которые играли бы с изменениями в масштабе и технике. В его творчестве вошли различные поп-образы и символы рекламного языка и поп-культуры. Фирменные произведения Розенквиста включают в себя фрагментированные, странные изображения, объединенные и наложенные друг на друга, чтобы сформировать визуальную историю на холсте.Его ссылки на товары массового производства, журналы, фильмы и другие аспекты средств массовой информации сделали его одной из ключевых фигур в развитии поп-арта в Соединенных Штатах.
Щелкните, чтобы увидеть подборку изображений Джеймса Розенквиста на нашей торговой площадке!
Алекс Кац
Алекс Кац — В предвкушении поп-арта
Еще один создатель, который не назвал бы себя художником поп-арта, но несомненно оказал влияние и развил движение поп-арта, — это Алекс Кац. Конечно, Кац начинал раньше и продолжал развиваться после этого, и в целом его искусство кажется более тонким, спокойным и дружелюбным , чем другие произведения известных поп-художников.Его стилизованная, упрощенная техника была вырезана, чтобы радовать глаз, но в то же время она никогда не становилась тривиальной. Кац, казалось, нашел определенный уровень между поп-музыкой и глубиной, где он использовал свой фирменный стиль для создания простых, но впечатляющих произведений искусства. Вначале он выбрал монохромный фон, который позже стал определяющей характеристикой его стиля и предвосхитил поп-арт. Работы Каца ликвидировали разрыв между традициями абстракции и фигурации. Сам художник утверждал, что его искусство «поверхностное», возможно, имея в виду то, что его образы не имели явной психологической сложности.Взяв реплики из фильмов и рекламных щитов Cinemascope, можно с уверенностью сказать, что его стилизованные картины предвосхитили поп-арт.
Такаши Мураками
Такаши Мураками — современный наследник движения поп-арт
Всемирно известный современный японский художник Такаши Мураками однажды сказал, что художник — это тот, кто понимает границы между мирами и старается их познать. Мураками — творец, который полностью осознает современную эпоху, в которой он работает и живет, принимая тот факт, что все искусство сегодня продается.Он откровенно отказывается обманывать себя по поводу внутренней глубины и подчеркнутых сообщений, он даже отрицает их наличие. Хорошо известно, что стирает грань между высоким и низким искусством, творчество Мураками включает в себя широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоский — термин, который он ввел в употребление. Используя мотивы традиционной и популярной японской культуры и используя плоские / глянцевые поверхности, Мураками успешно создал свой собственный стиль. С повторяющимися мотивами и знаковыми персонажами, такими как улыбающиеся цветы, грибы и черепа, он даже затрагивает буддийскую иконографию и сексуальные комплексы культуры отаку .Яркие цвета, сверкающие цвета и эстетика в стиле аниме делают стиль Мураками мгновенно узнаваемым. Вдохновленный поп-артом, художник считается наследником Уорхола в его способности превращать популярные коммерческие изображения в высококачественные произведения изобразительного искусства.
Смотрите другие работы Такаши Мураками на нашей торговой площадке!
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Избранные изображения:
Роберт Индиана — Любовная скульптура; Ричард Гамильтон, Джон Макхейл — Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Кейт Харинг — Ромеро