Бэкон картины: Знаменитые гротескные картины Фрэнсиса Бэкона

Знаменитые гротескные картины Фрэнсиса Бэкона

Знаменитые гротескные картины Фрэнсиса Бэкона…

ArtWizard, 16.09.2019

 

«Мне бы хотелось, чтобы моя картина выглядела так, как будто между ними прошел человек, как улитка, покидающая след человеческого присутствия… как улитка покидает свою слизь».

Фрэнсис Бэкон

 

Фрэнсис Бэкон родился в Дублине в честь своего знаменитого предка, английского философа и ученого. Его отец, Эдвард, служил в армии, а затем устроился на работу в военное министерство во время Первой мировой войны. В интервью с критиком Дэвидом Сильвестром Бэкон приписал коннотации насилия в своих картинах бурным обстоятельствам его ранней жизни. Положение его отца в Военном министерстве предупредило его об угрозе насилия в раннем возрасте. Вернувшись в Дублин после войны, он достиг совершеннолетия среди первых кампаний ирландского националистического движения.

 

Francis Bacon, Figure at a wash basin from, 1976

 

Фрэнсис Бэкон создал некоторые из самых знаковых изображений раненых и травмированных людей в послевоенном искусстве. Занимаясь вдохновением от сюрреализма, кино, фотографии и старых мастеров, он создал особый стиль, который сделал его одним из наиболее широко признанных представителей изобразительного искусства в 1940-х и 1950-х годах. Бэкон сосредоточил свои силы на портретной живописи, часто изображая завсегдатаев баров и клубов лондонского района Сохо. Его подданные всегда изображались как сильно искаженные, почти куски сырого мяса, которые являются изолированными душами, заключенными в тюрьму и измученными экзистенциальными дилеммами. Один из самых успешных британских художников 20-го века, репутация Бэкона еще более возросла во время повсеместного возвращения «искусства мира» к живописи в 1980-х годах, и после его смерти он стал считаться одним из самых важных художников в мире.

Многие считают, что на искусство Бэкона во многом повлияла его личная жизнь.

В начале 1960-х годов Бэкон встретил Джорджа Дайера, в которого он влюбился. Обезумевший, Бэкон выбрал Дайера как постоянный предмет его работ в 1960-х. Смерть его любовника привела Бэкона к другому подходу, который в конечном итоге привел бы к более редуцирующему художественному подходу, кульминацией которого стал в 1980-х годах. Многие из его картин были проданы за огромные деньги.

Это было 12 ноября 2013 года, когда одна из картин Фрэнсиса Бэкона была продана на аукционе в Нью-Йорке, установив мировой рекорд как самое дорогое произведение искусства, проданное на аукционе, когда Бэкон стал звездой. Эта немного неожиданная распродажа побила все рекорды и поместила Фрэнсиса Бэкона в список самых популярных современных художников нашей эпохи. Потребовалось семь сверхбогатых претендентов, чтобы продвинуть «Триптих» Фрэнсиса Бэкона 1969 года до 142,4 миллиона долларов США на Christie’s, что сделало его самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе. Считается, что нью-йоркский дилер Уильям Аквавелла купил картину от имени неопознанного клиента в одном из скайбоксов Christie с видом на аукцион.

 

Francis Bacon, Triptych Three Studies of Lucian Freud, 1969

 

Цена за картину, на которой изображен Люсьен Фрейд, друг и соперник Бэкона, сидевший на деревянном стуле, превысила 85 миллионов долларов, которые оценила Christie’s. Это также свергло предыдущий рекорд, установленный в мае 2012 года, когда легендарная пастель Эдварда Мунка «Крик» была продана на Sotheby’s за 119,9 млн долларов США, и побила предыдущий рекорд для художника на аукционе, установленном на пике рынка в мае 2008 года, когда Sotheby’s продал триптих с 1976 года российскому олигарху Роману Абрамовичу за 86,2 миллиона долларов США.

Другая картина Фрэнсиса Бэкона была продана также очень дорого — «Автопортрет», 1978 год — не только автопортрет Фрэнсиса Бэкона, но и очень значительная работа, поскольку она была создана во время восстановления после депрессии, вызванной смертью Любовник художника Джордж Дайер в 1971 году. На нем изображен художник, одетый в сапоги и расстегнутую рубашку, в лавандовой комнате. Произведение было выставлено на продажу в 2007 году в Sotheby’s London по ориентировочной цене 15’924’800 долларов США — 23’887’200 долларов США. Наконец, он был продан за довольно удивительные 43’015’400 долларов США.

 

Francis Bacon, Self Portrai,t 1978

 

Полотна Бэкона передают мощные эмоции, поскольку, кажется, кричат все его работы, а не только люди, изображенные на них. Эта способность создавать такие мощные высказывания была основой для уникального достижения Бэкона в живописи.

Некоторые эксперты говорят, что сюрреализм сформировал стиль «Три исследования для фигур у основания распятия» (1944), работы, которая положила начало репутации Бэкона, когда она была выставлена в Лондоне в последние недели Второй мировой войны. В этой работе были определены многие темы, которые будут занимать оставшуюся часть его карьеры, а именно способность человечества к самоуничтожению и его судьба в эпоху глобальной войны.

 

Francis Bacon, Head with Raised Arm, 1955

 

Бекон утвердил свой зрелый стиль в конце 1940-х годов, когда он позаимствовал некоторые свои идеи из исследований фигур в действии, созданных очень провокационными работами британо-американского фотографа Эдбреда Мюйбриджа, где художник узнал новые способы, как предложить движение в своем картины.

Другим важным источником вдохновения были некоторые из старых мастеров, такие как Диего Веласкес, и, в частности, его картина «Портрет папы Иннокентия X», которую он использовал в качестве основы своих собственных картин, изображающих кричащих пап.

 

Francis Bacon, Screaming Pope, 1952

 

Интересно отметить, что во времена, когда многие художники теряли веру в живопись, Бэкон поддерживал свою веру и свое стремление создавать великое искусство, говоря, что его работы «заслуживают либо Национальной галереи, либо мусорной корзины, между которыми нет ничего».

 

Francis Bacon, Study of Red Pope from, 1962

Как Фрэнсис Бэкон стал самым несокрушимым титаном британской живописи?

Как ни крути, но Бэкон и почти через 20 лет после смерти кажется живее всех живых художников. Может, дело в том, что последующие поколения совсем разленились рисовать, а мазок Бэкона до сих пор всасывает в себя взгляд посетителя музея, словно сверхмощная адская воронка.

А может, это потому, что Бэкон, родившийся в 1909 году, стал первым по-настоящему современным художником, увернувшимся от «арт-обстрела» бесконечных измов и объявившим себя равным только ­самому себе и той единственно важной секунде, за которую краска перетекает с кисти на холст? Или виноват художественный язык Бэкона – распятые свиные каркасы, скрученные в дугу двуногие, испускающие дух на унитазе, орущие благим матом католические священники со снесенными черепами? Весь этот беспрерывный апокалипсис плоти, давно ставший азбукой визуальной культуры, на которой выучилось не только современное искусство, но и дизайн, и кинематограф, и вся виртуальная реальность с ее пиксельными потрохами. Или все-таки дело в том, что этот демонический коротышка-макроцефал с циничной ухмылкой на неестественно круглом лице слыхом не слыхивал ни о какой башне из слоновой кости и жил, переползая из одного питейного заведения в другое и от одного интимного ­партнера к другому?

Главное, однако, вот в чем: Бэкон был и остается самым физиологичным художником всех времен.

Приключения плоти стали не только основным сюжетом его картин, но и лейтмотивом биографии. Он и рисовал на грубой, необработанной изнанке холста – проиграв однажды все деньги в Монте-Карло и не имея больше холстов для работы, ­Бэкон принялся заполнять обратную сторону уже нарисованных картин. «Это было откровение, – говорил художник. – Изнанка холста подошла мне куда больше – с нее ничего нельзя стереть; попав на холст, мазок остается на нем навсегда. Только такую картину я считаю произведением искусства». Кроме грубой фактуры полотна, не менее важным для Бэкона было и ощущение своего тела внутри мастерской – всю жизнь художник рисовал в крошечных студиях-чуланах, посреди неописуемого хаоса и беспорядка. «В детстве, когда я плохо себя вел, нянька часто запирала меня в шкаф на несколько часов. Ощущение скомканного пространства стало определяющим для меня – я могу работать только в таких условиях». Сидение в шкафу было не единственным телесным наказанием, которому близкие подвергли юного Бэкона.

Отец, застукав однажды Фрэнсиса перед зеркалом в нижнем белье своей благоверной, снарядил кучера еженедельно производить над Бэконом-младшим сеанс элегантной порки кнутом. Ко всему прочему у будущего художника рано обнаружилась астма (вкупе с аллергией на шерсть животных), которую в то невинное время лечили морфином.

«Набросок головы Джорджа Даера» (1967), выставленный на Sotheby̓s в 2008-м за восемь миллионов фунтов.

Пропавшие картины Фрэнсиса Бэкона будут выставлены на аукцион :: Впечатления :: РБК Стиль

© AP

Автор Текст: Анастасия Новикова

27 апреля 2015

В Лондоне на аукцион Sotheby’s выставят два автопортрета Фрэнсиса Бэкона, местонахождение которых на протяжении нескольких десятилетий оставалось неизвестным.

Об этом сообщает BBC. Речь идет о картинах «Автопортрет 1975 года» и «Три эскиза к автопортрету» (1980 год). О существовании картин было известно лишь по фотографиям из архива галереи Marlborough Fine Art. Но кто приобрел полотна и где они хранились, искусствоведы не знали. Теперь родственники анонимного коллекционера решили продать картины Бэкона на аукционе Sotheby’s. Торги современного и послевоенного искусства состоятся 1 июля. Ожидается, что цена каждого из этих полотен может достичь $15 млн.

«Автопортрет 1975 года» Фрэнсис Бэкон написал вскоре после самоубийства своего бывшего возлюбленного Джорджа Дайера в 1971 году. На картине художник, которому на тот момент было за 60, изобразил себя гораздо более молодым. Что касается триптиха «Три эскиза к автопортрету», то он, по мнению специалиста по современному искусству Sotheby’s Оливера Баркера, напоминает кадры киносъемки.

Работы английского художника-экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона считаются одними из самых дорогих в мире. На прошедших в феврале 2015 года торгах Sotheby’s картина художника «Два эскиза к портрету» была продана за £14,7 млн. 

На изнанке картин художника-любителя нашли эскизы Френсиса Бэкона: Искусство: Культура: Lenta.ru

Фрагменты картин британского художника Френсиса Бэкона были обнаружены в Кембридже на оборотных сторонах работ карикатуриста местной газеты. 20 марта их продадут на аукционе; общая стоимость оценивается более чем в 100 тысяч фунтов. Об этом сообщает агентство Bloomberg.

Изображения предположительно являются эскизами картин из серии «Кричащие папы». Они были обнаружены в кембриджской галерее Хеффера на изнанке картин художника Льюиса Тодда, который зарабатывал на жизнь рисованием карикатур в газету The Cambridge Daily News.

Галерея Хеффера поставляла материалы для работы и Тодду, и Бэкону. Последний любил писать на изнаночной, незагрунтованной стороне холста.«Очевидно, дом Хеффера предлагал Тодду холсты, которые Бэкону оказывались не нужны, — считает представитель аукционного дома Ewbank’s, организатора будущих торгов. — Льюис резал их на куски и писал свои импрессионистские картины на передней, загрунтованной части».

Всего на торги будет выставлено шесть картин Тодда, на каждой из которой сзади видна работа Бэкона. Подлинность пяти из них подтвердили Комитет аутентификации Френсиса Бекона и специалисты Нотумберлендского университета, анализировавшие использованную краску.

Эстимейт картин разный. Натюрморт Льюиса 1958 года, на оборотной части которого рукой Бэкона изображена ножка стула и фрагмент одежды, оценивается в сумму порядка 25-35 тысяч фунтов. Такая высокая стоимость есть у еще одного полотна, остальные оценены ниже. Шестая картина, чья подлинность еще не подтверждена, пока имеет эстимейт в пять-десять тысяч. По словам лондонского арт-дилера Ричарда Нэги, цена в пять тысяч — достаточная для подобного произведения, однако он понимает, что в данном случае цену диктует имя художника: «Люди любят знаменитостей, и готовы переплачивать за все, на чем осталась хоть толика ДНК известного человека».

Френсис Бэкон — английский художник-экспрессионист XX века, один из самых известных представителей своего направления. Его живопись передает трагедию и тщету бытия, которое кажется бесконечным воплем, издаваемым героями картин Бэкона, скорчившимися в муке уродами. Несмотря на это, «человек, который рисовал эти ужасающие картины», как однажды описала художника Маргарет Тэтчер, на сегодняшний день является одним из самых дорогих художников в мире. Его картина «Триптих» была продана в 2008 году за 86,3 миллиона долларов. В 2012 году «Портрет Генриетты Мораес» и «Отражение пишущего человека» ушли с молотка за 33,7 и 44,9 миллиона долларов соответственно.В феврале 2013 года картина «Три этюда для автопортрета» была продана на аукционе Sotheby’s за 13,8 миллиона фунтов стерлингов.

В 2007 году на аукционе Ewbank’s были проданы 45 эскизов и документов Бэкона, выброшенных в середине 1970-х художником из своей мастерской, вернее, отданных за ненадобностью электрику Мэку Робертсону, его случайному собутыльнику. Спустя тридцать лет электрик предоставил аукционному дому эти вещи, сумев разбогатеть на подарке. При номинале в 50 тысяч фунтов коллекция была продана за 1,1 миллиона фунтов.

5 триптихов Фрэнсиса Бэкона | BURO.

Сегодня 105-й день рождения Фрэнсиса Бэкона. Деформированные, гротескные работы сделали его одним из главных живописцев ХХ века. Мы решили вспомнить знаковые произведения художника

Фрэнсис Бэкон, пожалуй, один из самых мрачных художников ХХ века. При этом его полотна неизменно хочется рассматривать. Человеческие фигуры кисти Бэкона в лучшем случае напоминают странные, «размазанные» фантомы, в худшем — хаотичные куски мяса (художник действительно не раз попадал под воздействие снимков боен и разделанного мяса). При этом однажды Бэкон умудрился сказать, что считает «мрачноватыми» полотна абстрактных экспрессионистов, безобидные на фоне его собственных работ. Неудивительно, что одним из главных поклонников художника стал Дэмиен Херст, известный своими расчлененными акулами и коровами.

Впрочем, творчество живописца вовсе не о деформации плоти или уродстве. Бэкон изображает трагичность существования, метания души, боль утраты, а порой просто экспериментирует с формой, пытаясь одновременно изобразить различные состояния и восприятия окружающего мира. Один из излюбленных жанров британца — триптих. К 105-летию Фрэнсиса Бэкона мы решили вспомнить его знаковые работы.

«Три этюда к фигурам у основания распятия». 1944

«Три этюда…» — первый и, пожалуй, самый известный триптих Фрэнсиса Бэкона. Художник избирает библейский сюжет и форму, традиционную для церковной живописи, будучи убежденным атеистом. Его герои — гротескные, пугающие фигуры, аморфные сероватые монстры с острыми зубками. Каждый из них выражает плач, вопль, тоску. Отказавшись от изображения людей, Бэкон максимально обобщает тему. На это рассчитан и оранжевый фон, который избавляет полотно от конкретных декораций и контекста. Сам сюжет распятия тоже условен: картина была написана в 1944 году, когда мир был потрясен ужасами войны. Получилась работа о страдании и ответственности человека за него вне времени и пространства. Триптих оказался очень оригинальной формой — в последующие годы Бэкон взял этот формат на заметку.

В 40-е: в начале 40-х молодой Бэкон, освобожденный от военной службы из-за хронической астмы, был призван в отряд гражданской обороны. В эту эпоху художник всерьез увлекается живописью. «Три этюда…», выставленные в 1945 году в галерее Лефевр, производят настоящую сенсацию. С 1946 года Бэкон участвует в крупных групповых выставках, продает свои первые картины. В 1949 году нью-йоркский МоМА приобретает для своей коллекции «Картину 1946». До 1950 года Бэкон живет в Монте-Карло, предаваясь страсти к азартным играм.

«Три этюда головы человека». 1953

Бэкон понимает, что триптих — отличный формат не только для абстрактных сюжетов, но и портретных работ. Впрочем, даже изображая конкретных людей (Люсьена Фрейда, Изабель Росторн, Джорджа Дайера и других), художник старается передать переживания человека вообще. Вплотную портретами Бэкон начнет заниматься с 60-х годов. «Три этюда головы человека» — предтеча будущих шедевров Бэкона-портретиста. Работа 1953 года напоминает раскадровку киноленты, скриншоты самых выразительных моментов какого-то фильма или «испорченные» смазанные снимки, которые делают в полицейском участке. Перед нами предстает один и тот же человек в разных ракурсах, позах, состояниях. Бэкон пытается отойти от статичного, фотографического представления о человеке, изобразить впечатление, возникающее при живом общении, когда люди говорят, выражают эмоции мимикой и жестами.

В 50-е: Бэкон возвращается в Лондон, несколько месяцев преподает в Королевском колледже искусств, начинает работать над знаменитой серией полотен по мотивам «Портрета папы Иннокентия Х» кисти Веласкеса. В 1954 художник представляет Великобританию на 27-й Венецианской биеннале. В 1957 году в Париже проходит первая персональная выставка Бэкона. А в 1959 живописец принимает участие в Documenta II и 5-й биеннале в Сан-Паулу.

«Три фигуры в комнате». 1964

На этот раз в центре внимания художника — пластика человеческого тела. Бэкон сталкивает вечные переживания человека и повседневность: его герои праздно лежат на кушетке, сидят на унитазе. Даже в столь прозаичной обстановке художнику удается передать трагичное состояние души: на это работают приглушенный, болезненно-зеленоватый фон, пустое пространство, в котором люди кажутся маленькими и беззащитными, изломы обнаженных тел, выполненных в несколько трупных, синюшных тонах.

В 60-е: Бэкон обзаводится постоянной мастерской, в которой десятилетиями будут рождаться его шедевры. Tate Gallery устраивает в 1962 году первую ретроспективу художника, а в 1963 в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке открылась его первая американская выставка. В том же году Бэкон знакомится со своим возлюбленным и источником вдохновения Джорджем Дайером. В 1968 году художник впервые побывал в Нью-Йорке.

Триптих «Май-июнь 1973». 1973

Этот триптих — одна из немногих сюжетных работ Бэкона, основанных на реальных событиях. Она посвящена смерти Джорджа Дайера, любовника художника. В октябре 1971 года в Гран-Пале в Париже открылась большая ретроспектива, представившая более 100 полотен Бэкона. Дайера нашли мертвым в номере отеля накануне вернисажа. Его смерть стала большой трагедией для Бэкона и не раз возникала в последующих работах художника. Для того чтобы покончить с собой, Дайер выбрал очень «бэконовское» место — уборную. На первой «створке» триптиха умирающий мужчина сидит на фаянцевом стульчаке, подобно первой из «Трех фигур в комнате», на втором полотне в свете тусклой лампочки Дайер отбрасывает жутковатую инфернальную тень, а на правой части работы — нависает над раковиной, на месте которой два «кадра» назад располагался унитаз (очередная фирменная условность художника). Абсурдность подобных декораций лишь подчеркивает трагический финал жизни человека.

В 70-е: Бэкон теряет Джорджа Дайера, но в 1974 году встречает Джона Эдвардса, нового спутника жизни и впоследствии своего наследника. В 1975 художник знакомится с Энди Уорхолом. Работы Бэкона выставляются в Мадриде, Барселоне, Мехико.

«Этюд к автопортрету». 1985—1986

Героями триптихов Фрэнсиса Бэкона становились абстрактные эмоции, обобщенные человеческие лица, его близкие друзья. Наконец, в триптихе 1985—1986 годов художник изображает самого себя. Он и раньше создавал автопортреты, однако эта работа, одна из поздних, служит своеобразной кульминацией творческого пути Бэкона. Если сравнить триптих 1944 года с «Этюдом к автопортрету», становится видно, как изменился «почерк» художника: на смену жестким, несколько рваным мазкам оранжевого фона первой работы приходит монохромное, гладкое исполнение второй. Как и монстры с «Трех этюдов. ..», художник устроился на стуле, безуспешно пытаясь занять удобное положение. Тело все же не самый удачный сосуд для мятежной души.

В 80—90-е: В 1988 году работы Бэкона выставляют в Третьяковской галерее. В 1990 художник посещает выставку обожаемого Веласкеса в мадридском Музее Прадо. Фрэнсис Бэкон ушел из жизни в 1992 году.

Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.

Купить билет

Бэкон, Фрейд и сотни миллионов долларов

13 марта 2019

Рассказ о самых дорогих художниках Лондонской школы 

В этой статье мы собрали несколько дорогих и очень дорогих картин художников, которых принято причислять к Лондонской школе живописи — самого успешного с финансовой точки зрения сообщества художников новейшей эпохи. Полотна мастеров этого творческого объединения до 19 мая вы можете увидеть в Пушкинском музее — на выставке «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа».

 

Фрэнсис Бэкон
«Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» (1969 год) — 142,4 млн долларов

Фрэнсис Бэкон — один из самых дорогих художников современности, его картины неизменно входят в топ-10, топ-20, топ-100 и далее работ, за которые отдают немыслимые суммы. «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда» — флагман бэконовского списка оцененных шедевров. 

В 2013 году три этих картины, составляющие единое целое, были проданы за 142,4 млн долларов на торгах аукционного дома Christie’s. Полотна купила американка Элейн Уинн, владелица сети казино, а сами торги продолжались всего шесть минут.  Сумма сделки на момент продажи картины стала рекордной — до этого лидером по этому показателю был «Крик» Мунка, годом ранее ушедший на аукционе Sotheby’s за 119,9 млн. 

Триптих был создан Бэконом в 1969 году. На каждой работе из трех — изображение Люсьена Фрейда, человека, с которым Фрэнсис Бэкон дружил тридцать лет начиная с 1945-го. Потом приятели разошлись, но, пока оставались близкими друзьями, регулярно рисовали друг друга. 

Бэкон часто создавал триптихи и так же часто уничтожал их. До наших дней их «дожило» всего 28 штук. Почти все известные работы Фрэнсиса Бэкона, в том числе и «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда», отличает деформация: чтобы передать дыхание жизни, «факт личности» (Бэкон часто использовал эту формулировку) и собственное отношение к ней, художник искажал человеческое тело. Задачу живописи Бэкон видел в создании образа совокупности ощущений, которые вызывает видимый объект — в «непосредственной атаке на нервную систему». 

 

Люсьен Фрейд 
«Отдых социальной работницы» (1994 год) — 56,2 млн долларов

Люсьен Фрейд рисовал людей, да так, что становилось страшно. Его работы часто называют неприглядными. Но они завораживают: изображая людей без всякой жалости и сентиментальности, Фрейд словно пытался проникнуть вглубь, за телесную оболочку. Сам художник как-то сказал, что «рисует людей не как они есть, а какими они могли бы быть».

Работы Фрейда часто покупают богатые ценители искусства. Так, в 2015 году на торгах Christieʼs за 56,2 млн долларов была продана картина «Отдых социальной работницы» (1994). Это одна из четырех картин серии, на которых Фрейд изобразил социальную работницу из Лондона Сью Тилли, известную еще как Большая Сью. 

До этого — в 2008 году — изображение спящей Сью («Спящая социальная работница») ушло на Christie’s за 33,6 млн долларов. В тот момент это была рекордно высокая цена, которая была уплачена за картину еще живущего художника. Полотно, кстати, купил наш соотечественник — Роман Абрамович. 

Фрейд называл свое творчество автобиографическим — многие из его натурщиков были друзьями, любимыми людьми и членами семьи. Люсьен Фрейд всегда писал с натуры, в присутствии модели. Он говорил: «Я хочу, чтобы краска работала, как плоть. Если не слишком управлять моделями, а сосредоточить внимание на их физическом присутствии, могут произойти интересные вещи. Вы обнаружите, что схватили в них нечто, чего никто из нас не знал». 

 

Юэн Аглоу 
«Шагающая обнаженная, синее платье» (1972 год) — 900 тыс. долларов

«Искусство — это обман, не правда ли? Оно не имеет ничего общего с правдивым изображением жизни — что такое жизнь, в самом деле? Ты просто пытаешься создать новый мир так, чтобы он мог существовать», — сказал как-то в интервью Юэн Аглоу. История, связанная с одной из его работ, оцененной в 600 тыс. фунтов стерлингов (приблизительно 900 тыс. долларов), точно иллюстрирует эти слова. 

Юэн Аглоу писал обнаженную натуру, и однажды, в 1972 году, ему позировала будущая супруга британского премьер-министра Тони Блэра, 22-летняя Чери Бут. Говорят, что тело шагающей было «взято» с нее, а вот голова принадлежала другой модели. Почему так? Чери Блэр была занята, а Аглоу, как пишут критики, всегда работал небыстро: в год он создавал не более двух полотен.  

Долгое время картина нигде не экспонировалась и лежала в архиве лондонской галереи Mayfair: по желанию Аглоу полотно не выставлялось до того момента, пока Блэр занимал высокий государственный пост (с 1997 по 2007 год он был премьер-министром Великобритании). В 2009 году Mayfair все-таки выставила картину на продажу. Чуть раньше был продан этюд к ней — всего за 4 тысячи фунтов стерлингов. Говорят, зарисовку могла купить чета Блэров (галеристы Mayfair отказались назвать имя покупателя рисунка). 

 

Паула Регу 
«Кадет и его сестра» (1988 год) — 1,8 млн долларов

Паула Регу родилась в 1935 году в Лиссабоне, в Лондоне она впервые оказалась в начале 1950-х: в 16 лет родители отправили ее в Англию за образованием. Все свое детство Паула усердно рисовала, поэтому ее выбор никого не удивил — она стала художницей. 

Характерная художественная манера Паулы Регу — сплетение сна и реальности, воображения и действительности: так она обдумывает и преломляет все, что происходит вокруг и внутри нее. Иногда картины Регу напоминают иллюстрации к сказкам, но это не просто иллюстрации, это использование сказочных мотивов, в том числе довольно жутких, в создании собственной вселенной.

В 2015 году на аукционе Sotheby’s была продана ее картина «Кадет и его сестра» за 1,8 млн долларов. О чем она рассказывает зрителю? О детстве, которое часто появляется в работах Паулы. О необходимости взрослеть и нежелании этого делать, хотя близкие говорят тебе: «Пора». Впрочем, смысл, который вкладывала сама Регу в эту работу, мог быть совершенно другой, но особенность ее картин заключается в том, что по ним любой сможет сконструировать собственную историю. Возможно, именно в этом и заключается главная фишка творчества этой художницы, за которую многие коллекционеры готовы платить сумасшедшие деньги.

 

Леон Коссоф 
«Станция Уиллесден. Осенний полдень» (1971 год) — 1,8 млн долларов 

«С двенадцати лет я рисовал и писал Лондон: странный, постоянно меняющийся свет, бесконечные улицы и вибрирующее ощущение огромного города присутствуют в моих мыслях, подобно слабо мерцающему воспоминанию о давно забытом, может, никогда и не пережитом детстве, которое, если его вновь открыть и высветить, могло бы облегчить боль от настоящего», — говорил в 70-х Леон Коссоф, еще один яркий представитель Лондонской школы живописи.  

Леон родился в Лондоне в 1926 году в семье иммигрантов из России — и всей душой он любит этот город, в котором живет сам, где жили и живут его родственники и друзья. Он рисует именно их — близких и Лондон, тем самым выражая эту любовь.  

«Коссоф часто возвращается писать наиболее близкие ему места Лондона, — говорил о художнике историк искусства Кеннет Кларк, — такие как железнодорожная станция Уиллесден на севере Лондона, где в начале 1960-х годов была его мастерская, местный бассейн и внушительную Церковь Христа в Спиталфилдс». 

Именно одно из изображений Уиллесдена, вышедшее из-под кисти Коссофа, было продано в 2018 году на аукционе Sotheby’s за 1,8 млн долларов. 

Для справки

Увидеть вживую картины Люсьена Фрейда, Фрэнсиса Бэкона и других представителей Лондонской школы живописи можно будет на одноименной выставке, которая стартовала 5 марта в ГМИИ имени А.С. Пушкина (продлится до 19 мая 2019 года). Генеральным спонсором проекта выступил банк ВТБ.

Благодарим вас за участие в улучшении нашего контента!

Картины Фрэнсиса Бэкона. Фрэнсис Бэкон: краткая биография

У кого-то картины Фрэнсиса Бэкона ассоциируются с «кровоточащими» полотнами Эдварда Мунка. Другие, наблюдая причудливую игру образов, сразу вспомнят шедевры Дали и других сюрреалистов. В конце концов соотнесение работ английского художника с определенным стилевым течением не так уж важно, этим займутся (или уже занялись) искусствоведы. Зрителю же уготована иная участь – созерцать картины Фрэнсиса Бэкона и разделять ощущения «ада, сошедшего на землю».

Ранние годы художника окрашены тревожными событиями Первой мировой войны, из-за которой его семье пришлось покинуть Ирландию и отправиться в Лондон. Однако 1918 год, принесший человечеству облегчение, чувство тревоги Фрэнсиса не уменьшил. Для будущего художника театр военных действий перенесся в его собственный дом, а главным противником стал тиран-отец. Однажды тот застал мальчика за несколько пикантным занятиям: он примерял на себя женскую одежду. Отец не принял гомосексуальность сына и выгнал его из дома. Целый год 17-летнему Бэкону пришлось довольствоваться случайными подработками и деньгами, которые присылала мать. Затем жесткий родитель сменил гнев на милость и отправил Фрэнсиса в путешествие с близким другом семьи. Там юноши стали любовниками…

Стилевые искания

В 1927 году молодой человек оказывается в Париже, где наблюдает выставку Пикассо, и твердо для себя решает: он, Фрэнсис Бэкон, – художник, картины которого когда-нибудь удостоятся подобной славы. На юношу произвело большое впечатление не только модернистское искусство, но и классическое. «Избиение младенцев» Пуссена поразило художника своей эмоциональностью, ему казалось, что полотно – один сплошной крик.

Последнее заявление очень характерно для экспрессионистов. Забегая вперед, скажем, что Бэкон Фрэнсис (картины и биография художника подтверждают это) разделял их понимание мира как жестокой среды, в которой человек чрезвычайно хрупок и несчастен. А творчество под таким углом зрения превращается в вопль из-за ощущения онтологического одиночества.

Вернувшись в Лондон, Бэкон осваивает профессию декоратора интерьеров. Создаваемые им гобелены, мебель снискали популярность у публики, чего не скажешь безоговорочно о произведениях изобразительного искусства. В 1933 году одна из репродукций Бэкона удостоилась чести находиться рядом с полотном Пикассо (в книге известного критика Герберта Рида). Это несколько приободрило художника, но ненадолго. Организованная им в 1934 году экспозиция не вызвала, мягко говоря, большого фурора. Через два года – снова неудача. Международная выставка сюрреалистов, куда предложил Фрэнсис Бэкон картины, отказала ему, ответив в типично авангардистской манере: мол, полотна недостаточно сюрреалистичны.

Творческая зрелость

Военные годы не были самыми легкими для Фрэнсиса. Сначала его приписали к резерву Гражданской обороны, однако затем отказались от этой идеи из-за состояния здоровья художника (он страдал астмой). Где-то между 1943 и 1944 годами на Бэкона снизошло озарение. Он уничтожил большинство своих ранних работ, а вместо них предложил миру «Три стадии образа на основе распятия». Именно тогда вторично появился на свет художник Фрэнсис Бэкон, картины, биография которого станут предметом обсуждения половины мира.

Триптих был выставлен в галерее Лефевр, вызвав большой скандал. Последнее, однако, только поспособствовало увеличению интереса к творчеству художника. Осенью 1953 года в Нью-Йорке проходит персональная выставка Бэкона, а через год он удостоился чести представлять Великобританию на XXVII Биеннале в Венеции.

«Штудия человеческого тела» по Майбриджу

В начале 60-х Бэкон в последний раз переезжает. Он решает поселиться в помещении, где когда-то держали лошадей. Конюшня-студия стала легендой еще при жизни художника, ведь именно здесь создавал Фрэнсис Бэкон картины с названиями, которые впоследствии стали известны любому поклоннику современного искусства. И точно таким же легендарным стал хаос, царивший в мастерской, которая вмещала эскизы, открытки, необходимые Фрэнсису отрывки газет. В общей куче находились и работы фотографа Майбриджа, послужившие источником для создания «Штудии человеческого тела». Изображенные Бэконом женщина и ребенок «происходят» из ранних творений мастера. Однако заимствованный сюжет художник наделяет трагическим колоритом. Запечатленная женщина является, по сути, куском израненной плоти, недалеко от которой находится ребенок-паралитик. Чрезвычайно мрачная атмосфера картины Фрэнсиса Бэкона дополняется кричаще алым тоном полностью обесчеловеченного пространства.

«Лежащая фигура»

На протяжении двух десятилетий художник с приятелями становился завсегдатаем бара «Комната с колоннами». Там он находил себе натурщиц, одна из которых, Генриэтта Мораес, изображена в качестве «Лежащей фигуры». Это полотно, как ни одно другое, полно реалистических деталей: вглядевшись, можно обнаружить шприц, воткнутый в плечо девушки, а также кровать с полосками, пепельницу, лампочки. В то же время сама фигура Генриэтты прорисована более слабо.

В сюжете картины явно просматриваются аналогии с полотнами других мастеров, например «Герникой» и «Авиньонскими девицами» Пикассо. Подобные переклички не случайны: Фрэнсис Бэкон, картины которого создавались с оглядкой на творчество испанского сюрреалиста, стремился «освободить» табуированную веками ханжества человеческую наготу.

Автопортреты

Начало 70-х было отмечено для художника рядом драматических событий. В 1971 году умирает любовник Фрэнсиса Джордж Дайер, с которым тот прожил около семи лет. Вслед за ним уходит из жизни Джон Дикин, фотограф, тесно сотрудничавший с художником (известно, что Бэкон никогда не писал свои произведения с натуры). Такие потери заставили мастера все чаще запечатлевать себя самого. «Мне уже некого рисовать», – с грустью замечает он.

Как и остальные картины Фрэнсиса Бэкона, его автопортреты стремятся запечатлеть истинную сущность модели. Отсюда непреодолимое отвращение художника к застывшей мимике или выгодным позам. Напротив, изображение у Бэкона динамично, оно меняется под кистью мастера. Некоторые черты прорисовываются более детально, в то время как другие и вовсе исчезают.

Вечная слава

В 1988 году в тогда еще советской Москве прошла выставка работ Фрэнсиса, пусть даже в ограниченном количестве, что послужило верным доказательством признания художника за пределами западного мира.

Порой картины Бэкона вызывают противоречивые отзывы, однако абсолютное большинство критиков все же соглашаются, что трагические, экспрессионистические зарисовки никого не оставляют равнодушным. Они актуальны и сейчас, спустя 23 лет после смерти Бэкона.

Кто такой Фрэнсис Бэкон? | Тейт

Фото: Майкл Хольц / Фото12

Кто он?

Фрэнсис Бэкон (1909–92) был индивидуалистом, отказавшимся от предпочтительного художественного стиля абстракции той эпохи в пользу характерного и тревожного реализма. В детстве у Бэкона были сложные и неоднозначные отношения со своими родителями, особенно с отцом, который боролся с зарождающейся гомосексуальностью сына.

Этому способствовало тяжелое детство; он сбежал из школы, а затем в конце 1920-х — начале 30-х годов дрейфовал в Лондоне, Берлине и Париже, живя на пособие и случайную работу, уклоняясь от квартплаты. Находясь в Лондоне, он жил в эпицентре богемной сцены; завсегдатай Сохо, он вел гедонистический образ жизни.

С середины 1940-х годов его работы пользовались успехом у критиков, что укрепило его репутацию. Сегодня он признан одним из самых значительных художников ХХ века.

Фрэнсис Бэкон Живопись 1978
Холст, масло
1980 x 1475 мм каждое
© Поместье Фрэнсиса Бэкона / DACS 2008
Частная коллекция, Лондон Prudence Cuming Associates Limited

Как Бэкон стал художником?

Бэкон не стал художником никаким традиционным путем: он не учился, например, в художественной школе или проходил обычное ученичество. В начале своей профессиональной деятельности он работал в сфере дизайна интерьеров, но решил отказаться от этого и заняться живописью после того, как в конце 20-х годов увидел выставку Пикассо в парижской галерее Поля Розенберга. Представления Пикассо о теле как костеподобных биоморфных структурах открыли Бэкону «возможности живописи». Позже он признал Пикассо ключевым фактором влияния и ориентиром.

У меня было желание создавать формы, как когда я изначально делал три формы у основания распятия.На них повлияли вещи Пикассо, созданные в конце двадцатых годов. И я думаю, что есть целая область, предложенная Пикассо, которая в некотором роде не исследована, органической формы, которая относится к человеческому образу, но является полным его искажением.

Какие его ключевые работы?

Фрэнсис Бэкон
Три этюда для фигур у основания распятия c. 1944
© Тейт

Когда триптих « Три этюда для фигур у основания распятия 1944» был впервые выставлен в конце войны в 1945 году, он обеспечил Бэкону репутацию. Крис Стивенс, руководитель экспозиции и ведущий куратор отдела современного британского искусства галереи Tate Britain, назвал эту работу «поворотным моментом в истории британского искусства. Это один из шедевров коллекции Тейт … Это произведение сразу же было воспринято как откровенный и ужасающе пессимистический ответ Второй мировой войне.Впервые она была выставлена ​​в апреле 1945 года, и, хотя эти двое не имели прямого отношения, тот факт, что эта картина была представлена ​​в тот месяц, когда концлагеря были открыты миру, неизбежно привел к тому, что она была воспринята как утверждение человеческого жестокость и страдания ».

Бэкон предположил, что намеревался нарисовать распятие большего размера, под которым они должны были появиться. Говоря об этой работе в интервью в 1955 году, художник сказал: «У меня нет религиозных чувств, но в то же время я [собирался] сделать распятие и положить эти фигуры вокруг его основания.И единственной причиной, по которой я когда-либо использовал распятие, [было] то, что это была арматура, на которую я мог повесить определенные ощущения ».

Фрэнсис Бэкон, Этюд для портрета 1952, масло и песок, холст, 66,1 x 56,1 см
© Estate of Francis Bacon, все права защищены, DACS 2016

Этюд для портрета 1952 год относится к решающему моменту в увлечении Бэкона портретной живописью; Бэкон нарисовал свою первую голову изолированно в 1948 году, а его современник Люсьен Фрейд, его близкий друг, участвовал в создании первого идентифицируемого портрета Бэкона в 1951 году. Как и в случае с другими примерами работ художника, в которых он использовал кубическое архитектурное обрамление или пространственную рамку, в этой картине неявно присутствует ощущение того, что центральная фигура оказалась в ловушке прозрачной клетки, которая его окружает. Отвечая на вопрос критика и куратора Дэвида Сильвестра о стойкости этой техники, Бэкон объяснил, что устройство использовалось просто для «концентрации изображения вниз».

Фрэнсис Бэкон, 1909–1992 гг.
Триптих 1967 г.
© Поместье Фрэнсиса Бэкона.Все права защищены. DACS 2016. Дар Фонда Джозефа Х. Хиршхорна, 1972 год. Предоставлено Хиршхорнским музеем и садом скульптур, Смитсоновский институт, Вашингтон, округ Колумбия. Фото: Ли Сталсворт

Для Бэкона формат Триптих 1967 был тактикой, в некотором роде схожей с кубическими клетками, чтобы изолировать изображения друг от друга, чтобы «избежать рассказывания историй». Ссылки на поэзию и драму стали центральным элементом в творчестве Бэкона в этот период.Ранее называвшаяся Триптих Эта работа, вдохновленная произведением Т.С. Элиота «Суини Агонистес» , а не иллюстрацией стихотворной драмы (впервые опубликованной в 1926 году), может быть понята как пробуждающая опыт чтения тем насилия и жизненной тщетности в поэзии Элиота.

Фрэнсис Бэкон Триптих — Памяти Джорджа Дайера 1971
Холст, масло
1980 x 1475 мм каждый
© The Estate of Francis Bacon / DACS 2008 Fondation Beyeler, Riehen / Basel

Что говорят критики…

[Бэкон] попросту самый необычный, могущественный и убедительный из художников . .. Его изображения замыкают наши процессы оценки.Они проникают прямо через нервную систему и захватывают душу.

Рэйчел Кэмпбелл-Джонстон, искусствовед

Я думаю, что Бэкон сам по себе. Я имею в виду, у него был очень, очень мрачный взгляд на мир … И, вероятно, поэтому я люблю картины Бэкона, потому что, когда я впервые увидел их, они напомнили мне какие-то пространства, которые я представлял в кошмарах, поэтому он великолепен .

Дэмиен Херст, художник

Его жизнь была довольно хаотичной, и он просто делал все, что хотел, пил все, что хотел, спал с тем, с кем хотел спать; он был индивидуалистом в обществе … Картины Фрэнсиса Бэкона не статичны, в них есть полное движение …

Трейси Эмин, художник

Никто не нашел более злой энергии в созерцании клетки, чем Фрэнсис Бэкон … Клетки предоставляют Бэкону площадки для проведения его свирепых медитаций на человеческие страдания и дикость, но они также принимают более искаженные формы, перемещаясь, как пространства в дурном сне.

Чарли Фокс, писатель

Фрэнсис Бэкон, Этюд для обнаженной натуры 1951
Холст, масло
1980 x 1370 мм
© Поместье Фрэнсиса Бэкона / DACS 2008
Коллекция Сэмюэля и Ронни Хейман

Бекон в кавычках…

Вы знаете, что в моем случае вся живопись — и чем старше я становлюсь, тем больше становится — случайность.Так что я предвижу это в уме, я предвижу это, и все же я почти никогда не выполняю это так, как я предвижу. Он трансформируется под действием самой краски. Я использую очень большие кисти, и в своей работе я фактически не очень часто знаю, что будет делать краска, и она делает много вещей, которые намного лучше, чем я мог бы сделать. Это случайность? Возможно, можно было бы сказать, что это не случайность, потому что это становится выборочным процессом, какую часть этой случайности человек выбирает для сохранения. Конечно, пытаются сохранить жизнеспособность аварии и при этом сохранить ее непрерывность.

Я использую рамку, чтобы увидеть изображение — ни по какой другой причине. Я знаю, что это интерпретировалось как многое другое … Я уменьшил масштаб холста, нарисовав эти прямоугольники, которые концентрируют изображение вниз. Просто чтобы лучше увидеть.

Я думаю, что великие художники не пытались выразить себя. Они пытались уловить этот факт, потому что, в конце концов, артисты одержимы жизнью и определенными вещами, которые их одолевают, и которые они хотят записать.И они пытались найти системы и построить клетки, в которые эти штуки можно поймать.

История искусства: Фрэнсис Бэкон

	Искусство ХХ века
	Художественные стили в Карте ХХ века
	Фрэнсис Бэкон (Британская энциклопедия) родился окт. 28, 1909, Дублин, Ирландия. умер 28 апреля 1992 г., Мадрид, Испания Британский художник, чьи мощные, преимущественно фигуральные образы выражают изоляция, жестокость и террор. Сын дрессировщика скаковых лошадей, Бэкон получил образование в основном в частных наставником дома, пока родители не изгнали его в возрасте 16 лет якобы за преследуя свои гомосексуальные наклонности. Художник-самоучка, он дрейфовал в Берлине и Париже, прежде чем обосноваться в Лондоне в 1928 году, после чего он работал декоратором интерьера.Он тоже начал рисовать, хотя и рисовал. так оставался без признания до 1945 года, когда были оригинальные и мощные стиль, отраженный в таких работах, как «Три этюда для фигур в основе Распятие »(1944) принесло ему почти мгновенную известность. Его зрелый стиль полностью вышла из цикла произведений, известных как «Кричащие Папы». (1949 — середина 1950-х), в которой он преобразовал знаменитый «Портрет» Диего Вельскеса. Папы Иннокентия X »в кошмарную икону истерического террора. Многие из ранних картин Бэкона основаны на изображениях других художников, которые он искажает в своих выразительных целях. Примеры таких тем кричащая няня из фильма Сергея Эйзенштейна «Потемкин» и этюд человеческой фигуры в движении фотографа XIX века Эдверда. Мейбридж. На большинстве картин Бэкона изображены изолированные фигуры, часто обрамленные геометрическими конструкциями и переданными в размытых ярких цветах. Он восхищались его умением использовать масла, текучесть и загадки которых он подвиги, чтобы выразить образы гнева, ужаса и унижения.Его более поздние портреты и фигурные картины выполнены в более светлых тонах и обработаны человеческое лицо и тело в стиле крайних искажений и искажений. Преданность Бэкона своему искусству резко контрастировала с его предметом. материя и эксцентричная убогость его личной жизни. Потому что он уничтожил многие из его ранних работ, можно найти лишь несколько примеров, в основном в американских и европейских музеях.
	БЕКОН
	Реализм Фрэнсиса Бэкона
Джордж Дайер, самая частая модель в картинах Бэкона до 1971 года, год смерти Дайера. __ Художник Люсьен Фрейд, друг и натурщица Бэкона, работами которого он определенная близость. __ Изабель Роусторн, еще один частый персонаж полотен Бэкона, особенно в 1960-е гг. Медицинские фотографии, которые вдохновили многих на создание фигуры Бэкона. картины; от К.С. Кларка, 1929	Фрэнсис Бэкон (1909-1992), возможно, выдающийся британский художник. двадцатого века, также в течение сорока лет была самой противоречивой.Искусство Бэкона часто кажется заведомо тревожным. Его предметом был человеческая форма. Бэкон переосмыслил физическое строение тела с помощью новая тревожная интенсивность. Для него это было то, что нужно было разобрать проницательным взглядом художника, а затем снова сложить на холст. Он заставляет нас, возможно, впервые увидеть отдельные формы и акценты, скрытые в знакомой человеческой фигуре. Обработка лица Бэконом может быть особенно сложной задачей.В его портреты, в основном людей, хорошо знакомых художнику, сюжеты иногда показывают кричащим. Даже в покое черты лица меняются и меняются перед нашими глазами, но они никогда не становятся неузнаваемыми, несмотря на кружащаяся краска. Сам Бэкон, которого часто называют экспрессионистом или даже сюрреалистом категорически отверг обе этикетки. Он настаивал на том, что его работа по-своему был близок к миру, который мы видим каждый день, оставаясь верным тому, что он называл «жестокость факта.»
	Нередко можно услышать картины Фрэнсиса Бэкона, описанные как Экспрессионист. Но этот ярлык сильно раздражал британского художника, вызывая у него недовольство даже больше, чем другие, весьма нелестные характеристики его работы. Большинство художников, связанных с экспрессионизмом, стремились спроектировать свои эмоции на мир, деформируя или искажая видимость в сторону этот выразительный конец.Следовательно, такое искусство можно считать идеалистическим; преувеличенные черты лица, например, могут выставлять напоказ расстояние до объекта от воображаемого идеала. Работы Бэкона имеют общие черты с некоторыми моделями экспрессионизма в современном мире. искусство жестокость изобразительного жеста и немедленный эффект шок, но их можно было считать экспрессионистами только в самом общем смысл. Сам художник охарактеризовал свое творчество как попытку запечатлеть, через нарисованное изображение тела ощущения, что его физическое реальность зашевелилась внутри него.Для Бэкона абстрактное искусство мало привлекало; человеческая фигура была основным и почти единственным предметом. В фигура подвергается искажению в работе Бэкона по разным причинам. от экспрессионистов: он пытается высмеять рутину, поверхностный способ, которым мы обычно смотрим на себя и мир. Он стремится опрокинуть условности, связанные с повседневным восприятием, чтобы принести зритель ближе к сырому факту телесной жизни.Цель состоит в том, чтобы нарушить стабильность обычной точки зрения, разрушив защитные барьеры, отделяющие нас от непосредственности опыта.
	Театр тела Возможно, термин, который лучше всего описывает работы Бэкона, — это «реализм», классификация, которая часто используется слишком широко, но которая здесь подразумевается в особом смысле. В данном случае реализм не означает прямой, прямое представление — то, что Бэкон отклонил как простое «иллюстрацией», от которой он чувствовал себя столь же далекой, как и от абстрактной рисование.Вместо этого это означает верность жизненному опыту жизни. внутри тела, что для него является основной темой искусства. Словно реалистами девятнадцатого века, Бэкон скрупулезно записал подвижная, изменяющаяся реальность человеческого тела с помощью средств, которые рисуют предоставлен в его распоряжение. Разница в том, что ко времени Бэкона столетие позже арсенал средств для рисования намного больше; натуралистических, подражательных критериев уже недостаточно.Реализм Бэкона поэтому радикально современен, и его отправная точка, поскольку он свободно по признанию, это была работа Пабло Пикассо конца 20-х годов прошлого века, что иногда считается сюрреалистом, хотя и необычайно трезвомыслящим. Драма в картине Бэкона проистекает из того факта, что неизбежно зритель не может не идентифицировать до некоторой степени, с чем картина показывает. Искажение обычного облика тела на картине может заставляют нас съеживаться от нового и неприятного ощущения того, как человеческая плоть и кости состоят.У Бэкона фигура часто появляется на краю растворение, как раз перед тем, как стать неузнаваемым. Художник концентрирует всю жестокость мазка в человеческой форме, используя взволнованный живописный материал, изображающий судороги плоти. К Чтобы добиться такого эффекта, Бэкон временами бросает горсть краски в холст, формируя его впоследствии руками, кистью или другим прямые средства. Таким образом он подтверждает свое присутствие во всей его «жестокости». на самом деле.«
	Закрытое пространство Напротив, пространство вокруг фигур строго ортодоксально: пространственные рамки вокруг фигур или изгибающиеся за ними кривые расширения собственного пространства зрителя. Критики часто пытались увидеть эти коробки как экзистенциалистская метафора анонимных, пустынных мест, как убогие комнаты в дешевых гостиницах или тюремные камеры; однако, Бэкона живопись сопротивляется любой символической интерпретации.Вместо этого пробелы он создает окружение зрителя вместе с фигурой; они бросают зрителя в роль вуайериста, наблюдающего за каким-то непонятным частным ритуалом. В настройки окрашены плоскими яркими цветами, на фоне которых мебели и банальных предметов — лампочки, выключателя — размещаются как реальные объекты в кубистском коллаже. Для Бэкона эти предметы «уверенность»: это легко узнаваемые кусочки знакомой реальности, которые, своим подтверждающим присутствием заставляют ужас искаженных фигур правда жизни.
	Изображение и зритель Способ, которым живописное пространство привлекает зрителя, подчеркивается в триптихи — формат, фактически заново изобретенный Бэконом для современного искусства. В отличие от традиционных триптихов, где последовательность панно часто рассказывает историю, Бэкон сделал из них захватывающее пространство, простирающееся вокруг зритель, заставивший нас вступить в интимный контакт с фигурами, подтолкнул к нас из их голых вольеров. «Настоящее воображение … это то, как вы придумываете, чтобы довести событие до снова жизнь. Он находится в поиске техники захвата объекта в данный момент ». Так Бэкон резюмирует свою графическую стратегию, которая отказывается любой вид символики. Его холсты не выражают абстрактных идей, порождают ни значки, ни эмблемы, а только изображения, толкование которых в в строгом смысле слова неуместен. Мы находимся на них как на происшествие.Их влияние ошеломляет, как какой-то непристойный фрагмент существование, перед которым невозможно оставаться далеким и отчужденным.
	Фрэнсис Бэкон / 1909-1992 /
	Фрэнсис Бэкон в своей студии
	Хотя он родился в Дублине и большую часть детства провел в Ирландию, Фрэнсис Бэкон должен считаться английским художником, поскольку это было происхождение его семьи.Его отец тренировал скаковых лошадей в Дублине, пока он поступил в военное министерство и переехал со своей семьей в Лондон во время вспышки болезни. Первой мировой войны. До 1925 года семья Бэконов часто переезжала между Англия и Ирландия. Непрерывные движения, наряду с тем, что он страдал астмой, мешал юному Бэкону посещать школу регулярно, и он получал образование в основном у наставников. Стать художником В 1925 году Бэкон оставил семью и поселился в Лондоне.После краткого живя в Берлине, он провел два года во Франции, часть времени недалеко от Шантильи. Там он часто бывал в Musee Conde и видел Николаса. Пуссен «Избиение младенцев» (1630–31). Фигура мать кричит, когда ее ребенка вырывают из ее очень впечатленного Бэкона, вплоть до того, что он стал повторяющимся изображением в его первых картинах. Так сделал еще один знаменитый крик, крик раненой медсестры с разбитыми очками в сцена на Одесской лестнице с линкора Потемкин (1925 г.) известный фильм Сергея Эйзенштейна. Выставка Пикассо в галерее Поля Розенберга в Париже в 1927 году. Решил Бэкон на карьеру в живописи. Работа старшего художника открыл ему, что внутри человеческого тела был новый неизведанный мир чья внутренняя драма могла быть вынесена на поверхность. Это станет Живописный мир Бэкона.
	Фрэнсис Бэкон и Люсьен Фрейд в Сохо, 1974
	Начало карьеры Окончательно обосновавшись в Лондоне в 1928 году, Бэкон вскоре заработал определенное репутация декоратора интерьера и дизайнера мебели.Рисование, которую он начал как ученик-самоучка, постепенно приобретал все больше и больше важность, пока это не стало его единственной деятельностью. Мало что известно о его работах с 1930-х годов, поскольку большинство из них уничтожил сам Бэкон. В 1936 году он представил картину на «Международную выставку сюрреалистов», но она был отвергнут, возможно, из-за предчувствия, что его работа не принадлежит мир мечтаний и фантазий, но к опыту материальный Мир. В 1945 году он зарекомендовал себя с выставкой Трех Этюд фигур у основания распятия , в котором исследуется формат триптиха, Фигура в пейзаже .Он был связанные в то время с другими современными английскими фигуративными художников, таких как Грэм Сазерленд и Мэтью Смит, а также с скульптора Генри Мура, и показывал с ними на нескольких выставках. Однако его неисправимая индивидуальность проявлялась уже в полотнах. представляя его характерные проблемы. Первобытный крик, который он обнаружил в творчестве Николя Пуссена и в сцене из Эйзенштейна породили к таким работам, как Голова VI , Этюд по портрету Веласкеса Папа Иннокентий X (пластина 3) и Этюд для портрета .Это были среди самых выдающихся произведений, написанных им к раннему 1950-е годы.
Фотография борцов Эдварда Мейбриджа, положившая начало несколько картин Бэкона. Фотография борцов Эдверда Мейбриджа, 1887 год Кадр из фильма Сергея Эйзенштейна «Поемкин», 1925 г., а источник визжащих фигур на ранних картинах Бэкона.
	Портреты и рисунки Бэкон начал использовать рентгеновские снимки в своих работах, чтобы Реализм из плоти и крови в его портретах и ​​рисунках. Как часть свой квазинаучный поиск реальности тела он также использовал фотографических исследований движущихся фигур и животных, выполненных Ид-уорд Мейбридж в конце девятнадцатого века.Эти источники стали отправной точкой для многих полотен Бэкона. Еще один крупный Беспокойство вызывало соотношение между фигурой и живописным пространством, отношение, которое стало более четким; появились линейные кубы Который изолировал фигуры от их окружения, как прозрачные клетки. Международная карьера Бэкона началась с его первой персональной выставки в г. Нью-Йорк в 1953 году и его выбор в следующем году вместе с Беном Николсон и Люсьен Фрейд для Венецианской биеннале.В 1960-х Бэкон вышла на новый уровень художественных достижений. Возвращаясь к формату триптих, он создал Три этюда к распятию в 1962 году (пластина 5), трансформируя одну из центральных тем его творческой карьеры. Кроме того, влияние его картины стало более непосредственным, как и можно увидеть на его портретах. Бэкон рисовал людей из своего круга друзья: их лица и имена теперь знакомы всем приверженцам картины художника, в том числе Изабель Русторн, Генриетта Мораес, Люсьен Фрейд и Джордж Дайер.Бэкон сказал, что никогда не писал портретов никого, кроме близких ему людей, поскольку «если бы они не были моими друзьями, я не могли совершить с ними такое насилие ». Дайер была самой частой моделью в полотна 1960-х, и его смерть в 1971 году сильно повлияла на Исполнитель. Поразительный эффект картин Бэкона и плотские коннотации многие из них расширили его известность в этот период за рамки чисто художественного круги. Множество выставок по всему миру, посвященных творчеству Бэкона. укрепил его репутацию, особенно ретроспективы в Тейт Галерея, Лондон, 1962 г. (вторая выставка будет проходить там в 1985), и Соломон Р.Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк, 1963 год. Одиночный путь Фрэнсис Бэкон был одним из самых влиятельных фигуративных художников этого век. Его достижение тем более примечательно, что он вышел из художественная обстановка, в которой в 1940-х и 1950-х годах доминировали абстрактное искусство. Хотя послевоенное британское искусство произвело ряд важных создатели — Грэм Сазерленд, Люсьен Фрейд, Р. Б. Китадж, Дэвид Хокни — непримиримая независимость работы Бэкона противостоит всем академическим классификация.Как и в случае с другими великими фигураторами своего времени — Француз Бальтюс, испанец Антонио Лопес или друг Бэкона Люсьен Фрейд — это был одинокий путь, по которому подражателям трудно было идти, но ведущий к уникальному представлению о духе эпохи. Фрэнсис Бэкон остался активен до последнего года своей жизни. Умер во время визита в Мадрид. в 1992 г.
Фрэнсис Бэкон — Д.Кастерин, 1979 Фрэнсис Бэкон
Миф и трагедия
В развитии искусства Фрэнсиса Бэкона, особенно на начальных этапах часто повторяются несколько мотивов.Некоторые из они взяты из определенных картин прошлого, таких как портрет Папа Иннокентий X от Веласкеса, алтарь Эйзенхайма от Матиаса Гртиневальд, или Распятие Чимабуэ. Другие пришли из мифов рассказывается в литературе, как и на темы, взятые из греческих трагических поэт Эсхил или от Т.С. Элиота. Когда Бэкон использует такие материалы, не вопрос пересказа их историй или дословного воссоздания из более ранних изображений, а вместо того, чтобы удалить эти оригинальные структуры вплоть до их основного человеческого содержания.Если бы Бэкон использовал темы из тех источников, чтобы окружить его работы аурой трагедии, он сделал это для того, чтобы чтобы предположить, что вызвало первобытный крик, изображенный на его ранних полотнах, — интимное насилие над реальными вещами. Поэтому эти повторяющиеся мотивы функционируют как точки встречи между индивидуальным жизненным опытом и больший смысл мифа — это наследственное хранилище, которое сумело сохранять формы представления, соответствующие сложным, трудным предметы на протяжении веков.Распятия, сцены корриды, и ссылки на трагическую литературу, выбранную Бэконом, таким образом, имеют обычное стремление иметь дело с противоречивыми чувствами и неизвестными силами — действительно стремление к катарсису. Помимо индивидуальных интересов каждого работы, эти полотна дают ключ к типу отношений Бэкона стремился установить между зрителем и его картинами нечто подобное к отношению, которое мы можем принять перед ритуалом, значение которого неизвестно нам.

Фрэнсис Бэкон и искусство темного портрета | Али Питарг

Три этюда к портрету Джорджа Дайера (1963)

Первой картиной Фрэнсиса Бэкона, которую я когда-либо видел, была картина Три этюда к портрету Джорджа Дайера (1963). На самом деле это был его первый портрет Дайера, написанный через несколько месяцев после их знакомства. Мы находим черты лица Дайера искаженными, как если бы его лицо было поглощено темным фоном.Это было адаптировано из фотографий, сделанных Джоном Дикином, одним из близких друзей Бэкона из района Сохо. Помню, я подумал, что он имеет сходство с «« Портрет Дориана Грея »» — романом Оскара Уайльда о молодом человеке, который добивается вечной молодости, но взамен должен содержать портрет самого себя, иллюстрирующий уродство его души. Конечно, душа Джорджа Дайера не такая, как душа развратного вымышленного персонажа, такого как Дориан Грей, но мне показалось интересным, как и Фрэнсис Бэкон, и Оскар Уайльд скрывали первозданную манеру поведения своих юных подданных.

Я до сих пор восхищаюсь тем, как он смог исказить образ своей возлюбленной и превратить его в довольно демоническую фигуру. Я сразу почувствовал, насколько сложна их динамика. Фактически, все портреты Дайера излучают смешанные чувства боли и удовольствия. И это заставило меня понять, что такой портрет может родиться только из близкого знакомства.

Это заставило меня задуматься о том, как я воспринимаю окружающих меня людей. Я спрашиваю, насколько мы готовы смотреть дальше человека за пределы того, что кажется им на самом деле.Особенно, если это означает раскрытие нелестных и устрашающих сторон их личности. Когда Фрэнсис Бэкон рисовал Джорджа Дайера, особенно в работах после его смерти, мы можем только ошеломить множество возможных уровней сложности, которые развивались на протяжении их отношений.

Триптих, август 1972 г.

Многие утверждают, что работы Бэкона после смерти Дайера относятся к повествованию о том, как он смирился со своей утратой. Однако, несмотря на то, что он сам признал, что это было самое близкое, что он когда-либо подходил к созданию повествования в своих произведениях искусства, он никогда не был из тех, кто заставляет все идти по кругу.Когда я смотрю, например, на Триптих , август 1972 г., , я вижу статичную историю. На левой панели изображен Дайер, на правой — Бэкон, а на центральной панели показаны их две абстрактные фигуры, занимающиеся агрессивной любовью. Правая панель показывает Дайера с высоко поднятой головой, исчезающего в темноте на заднем плане, в то время как левая панель показывает Бэкона в торжественном созерцании в союзе с духом за его спиной. Его не покидают любовные и нежные воспоминания о Дайере, его голова опущена, а его разваливающаяся фигура остается на переднем плане сцены.Он показывает, как потеря не имеет конца, и как вам остается вспомнить, что позади вас.

Гений Фрэнсиса Бэкона — его отвращение к откровенности повествования. Он подавляет открытое повествование, даже используя свою методологию использования триптихов (трехпанельных картин) и диптихов (двухпанельных картин). Вместо этого он изображал своих подопечных как переживающих длительные периоды, не имевшие смыслового значения для повествования. К чему приводит исследование предмета, которого он, по иронии судьбы, добивается, искажая их истинное сходство.В интервью 1980 года Дэвиду Сильвестру он говорит, что стремился «исказить вещь, выходящую далеко за пределы внешнего вида, но в искажении, чтобы вернуть его к записи внешнего вида». Так он и поступает. Хотя ничтожно мало того, что его портреты могут служить зеркалом для души, они позволяют ему экзистенциально соединяться со своими предметами, что делает его художественное видение межличностным и гуманным.

Знаменитые гротескные картины Фрэнсиса Бэкона

Знаменитые гротескные картины Фрэнсиса Бэкона…

ArtWizard, 16.09.2019

«Я бы хотел, чтобы моя фотография выглядела так, будто между ними прошел человек, как улитка, оставляющая след человеческого присутствия … как улитка оставляет свою слизь».

Фрэнсис Бэкон

Фрэнсис Бэкон родился в Дублине и был назван в честь своего знаменитого предка, английского философа и ученого. Его отец, Эдвард, служил в армии, а позже устроился на работу в военное министерство во время Первой мировой войны.В интервью с критиком Дэвидом Сильвестром Бэкон объяснил, что насилие в своих картинах связано с бурными обстоятельствами своей ранней жизни. Положение его отца в военном министерстве предупредило его об угрозе насилия в раннем возрасте. Вернувшись в Дублин после войны, он достиг совершеннолетия в ходе первых кампаний ирландского националистического движения.

Фрэнсис Бэкон, Фигура у умывальника из, 1976 г.

Фрэнсис Бэкон создал одни из самых знаковых изображений раненого и травмированного человечества в послевоенном искусстве.Заимствуя вдохновение у сюрреализма, кино, фотографии и старых мастеров, он создал особый стиль, который сделал его одним из наиболее широко известных представителей фигуративного искусства 1940-х и 1950-х годов. Бэкон сосредоточил свои силы на портретной живописи, часто изображая завсегдатаев баров и клубов лондонского квартала Сохо. Его предметы всегда изображались как сильно искаженные, почти куски сырого мяса, которые представляют собой изолированные души, заключенные в тюрьму и мучающиеся экзистенциальными дилеммами. Один из самых успешных британских художников 20-го века, репутация Бэкона еще больше повысилась во время повсеместного возвращения к живописи в «мире искусства» в 1980-х годах, а после его смерти он стал считаться одним из самых важных художников мира.

Многие считают, что на искусство Бэкона во многом повлияла его личная жизнь. В начале 1960-х Бэкон познакомился с Джорджем Дайером, в которого влюбился. Взволнованный, Бэкон выбрал Дайера в качестве повторяющегося предмета своих работ в 1960-х годах. Смерть его возлюбленной привела к новому подходу Бэкона, который в конечном итоге привел к более редукционному художественному подходу, кульминацией которого стали 1980-е. Многие его картины были проданы за огромные деньги.

12 ноября 2013 года, когда одна из картин Фрэнсиса Бэкона была продана на аукционе в Нью-Йорке, установив мировой рекорд как самое дорогое произведение искусства, проданное на аукционе, Бэкон стал звездой.Эта несколько неожиданная распродажа побила все рекорды и поместила Фрэнсиса Бэкона в список самых популярных современных художников нашей эпохи. Семь супербогатых участников торгов продвинули на Christie’s «Триптих» Фрэнсиса Бэкона 1969 года до 142,4 миллиона долларов, что сделало его самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе. Считается, что Уильям Аквавелла, нью-йоркский дилер, купил картину от имени неизвестного клиента в одном из скайбоксов Christie’s, выходящих на аукцион.

Фрэнсис Бэкон, Триптих Три исследования Люсьена Фрейда, 1969

Цена за картину, на которой Люсьен Фрейд, друг и соперник Бэкона, сидит на деревянном стуле, была больше, чем оценила Christie’s в 85 миллионов долларов.Это также побило предыдущий рекорд, установленный в мае 2012 года, когда легендарная пастель Эдварда Мунка «Крик» была продана на Sotheby’s за 119,9 миллиона долларов США, и побила предыдущий рекорд для художника на аукционе, установленном на пике рынка в мае 2008 года, когда Сотбис продал триптих 1976 года российскому олигарху Роману Абрамовичу за 86,2 миллиона долларов.

Еще одна картина Фрэнсиса Бэкона была продана очень дорого — «Автопортрет» 1978 года — не только автопортрет Фрэнсиса Бэкона, но и очень значимое произведение искусства, поскольку оно было создано во время выхода из депрессии, вызванной смертью Бэкона. возлюбленный художника Джордж Дайер в 1971 году.На нем изображен художник в сапогах и расстегнутой рубашке в лавандовой комнате. Произведение было выставлено на продажу в 2007 году на аукционе Sotheby’s в Лондоне по ориентировочной цене от 15 924 800 долларов до 23 887 200 долларов. Наконец, он был продан за довольно внушительную сумму в 43 015 400 долларов США.

Фрэнсис Бэкон, Автопортрет, т. 1978

Полотна Бэкона передают сильные эмоции, поскольку кажется, что кричат ​​все его работы, а не только люди, изображенные на них. Эта способность создавать такие сильные утверждения была основой уникального достижения Бэкона в живописи.

Некоторые эксперты говорят, что сюрреализм сформировал стиль «Трех этюдов фигур у основания распятия» (1944), работы, которая положила начало репутации Бэкона, когда она была выставлена ​​в Лондоне в последние недели Второй мировой войны. Работа установила многие темы, которые будут занимать оставшуюся часть его карьеры, а именно способность человечества к самоуничтожению и его судьбу в эпоху глобальной войны.

Фрэнсис Бэкон, голова с поднятой рукой, 1955

Бэкон утвердился в своем зрелом стиле в конце 1940-х годов, когда он позаимствовал некоторые свои идеи из исследований фигур в действии, произведенных в очень провокационных работах британско-американского фотографа Эдварда Мейбриджа, где художник научился новым способам того, как предлагать движение в движении. его картины.Другим важным источником вдохновения были некоторые из старых мастеров, такие как Диего Веласкес, и в частности его картина «Портрет Папы Иннокентия X», которую он использовал в качестве основы для своих собственных картин, изображающих кричащих пап.

Фрэнсис Бэкон, Кричащий Папа, 1952 год

Интересно отметить, что временами, когда многие художники теряли веру в живопись, Бэкон сохранял свою веру и стремление создавать великое искусство, говоря, что его работы «заслуживают либо Национальной галереи, либо мусорного бака, и ничего между ними нет. .«

Фрэнсис Бэкон, Кабинет Красного Папы, 1962 г.

Понимание грубых эмоций послевоенного художника

Как художник, появившийся после Второй мировой войны, Фрэнсис Бэкон исследовал в своих картинах такие чувства, как боль, страх и гнев. Он намеревался создать искусство, отражающее чистые и честные эмоции. Его напряженный, гротескный стиль изображал звероподобные формы, которые поворачивались к инопланетянину, а также подавленные человеческие фигуры, часто кричащие от боли или ужаса.

Хотя Бэкон дебютировал как художник, когда ему было уже за тридцать, он быстро приобрел известность. Использование им тревожных образов, таких как сырое мясо, распятие, кровь и биоморфы, привлекло смешанное внимание и укрепило Бэкона как ведущего послевоенного художника. Плодовитый художник часто сосредотачивался на одном предмете в течение длительного времени и регулярно использовал форматы триптиха и диптиха для своих картин — часто для изображения множества меняющихся мотивов. Среди его серий были изображения распятия и кричащих пап.

Британский художник приобрел значительную известность и богатство еще при жизни. Его выдающиеся экзистенциалистские картины перекликались с болью, которую испытывали представители послевоенных поколений, и даже сегодня они приобрели большое количество поклонников. Фактически, наряду с такими иконами истории искусства, как Леонардо да Винчи и Эдвард Мунк, картины Бэкона являются одними из самых популярных в мире.

Здесь мы исследуем отличительные черты художественного стиля Фрэнсиса Бэкона.

Вставить из Getty Images

Кто такой Фрэнсис Бэкон?

Бэкон родился в Дублине, Ирландия, 28 октября 1909 года.Его детство было разделено между Ирландией и Англией, в течение которых он проявлял интерес к моде и рисованию. В детстве у Бэкона были непростые отношения со своим строгим отцом, а в 1926 году, когда Бэкону было 17 лет, они поссорились, и ирландский художник был изгнан из семейного дома в Лондоне.

В последующие годы Бэкон работал в разных профессиях, включая дизайнера интерьеров и телефониста. В то время как он работал, он также начал рисовать, находя вдохновение в искусстве Пикассо , медицинских фотографий и сюрреализма .После войны и лет экспериментов в живописи Бэкон появился на лондонской художественной сцене с выставкой Три этюда для фигур у подножия распятия в 1945 году. Этот триптих считается кульминацией ранних работ художника. и предшественник его пожизненного интереса к эмоциональной и экзистенциальной послевоенной живописи .

Темы и мотивы в творчестве Бэкона

Биоморфизм

Бэкон познакомился с биоморфизмом через картины Пикассо.Термин «современное искусство» относится к сюрреализму и описывает расплывчатые органические и естественные формы, которые чем-то напоминают настоящую биологию.

Распятие

В нескольких картинах Бэкона исследуется изображение распятия , которое также использовалось в искусстве многих его вдохновителей, включая Пикассо и Веласкеса. Для художника распятие казалось олицетворением глубокого эмоционального потрясения, испытанного человечеством после Второй мировой войны.

Кричащий рот

Бэкон обычно работал в периоды глубокого художественного погружения в различные предметы, и «кричащий рот» остается одним из его самых знаковых мотивов.

В 20 с лишним лет художник обливал графическими медицинскими фотографиями больных ртов, а позже, в 1935 году, увидел немой фильм Сергея Эйзенштейна « Броненосец« Потемкин »», в котором была запечатлена кричащая в ужасе медсестра, залитая кровью. Эти образы слились в идею, которая преследовала Бэкона на протяжении большей части его творческой карьеры.

Студия Фрэнсиса Бэкона в городской галерее Хью-Лейн, Дублин, Ирландия
Фото: Антоморо через Wikimedia Commons

Наследие

После его смерти лондонская студия Бэкона была переведена в Дублин.Теперь посетители этого пространства могут просматривать каждую бумагу, фотографию, книгу и предмет мебели, как это было при жизни художника.

Благодаря своей очень эмоциональной тематике и ультрасовременному стилю, искусство Бэкона остается очень влиятельным и сегодня. Его портфолио драматических, экзистенциалистских картин по-прежнему считается краеугольным камнем послевоенного искусства, отражающим травму, которую многие люди пережили в ту эпоху.

Статьи по теме:

7 фактов об уличном художнике-пионере Ките Харинге

Как «Прекрасная эпоха» превратила Париж в город, который мы знаем и любим сегодня

Точность: современный американский стиль, порожденный индустриализацией

15 величайших художников всех времен, чье влияние живет сегодня

выставок | Художественный музей Милуоки

27 января — 15 апреля 2007 г.
Baker / Rowland Exhibition Galleries

Фрэнсис Бэкон: Картины 1950-х годов — первая выставка, которая подробно рассматривает это чрезвычайно плодотворное десятилетие жизни Бэкона и дает зрителю беспрецедентное представление о творческих силах художника, а также о его постоянно развивающихся источниках и методах.Хотя это были самые плодотворные годы в карьере Бэкона, они также были самыми бурными и мучительными в беспокойном существовании художника; Бэкон регулярно оставался без постоянного адреса, с ошеломляющей частотой снимая комнаты и переодевшись в студии.

К 1950-м годам Бэкон приобрел достаточное техническое мастерство, чтобы убедительно выразить свое видение, но он все еще не полностью владел своими тревожными образами, которые, казалось, возникали из темного колодца бессознательного.

Тем не менее, грубость и неотложность, проявленные в этих картинах, превосходят любые графические проблемы, которые Бэкон в конечном итоге смог решить с помощью опыта и технических способностей.От кричащих голов и рычащих шимпанзе конца 1940-х годов, первых пап и портретов Ван Гога до анонимных фигур, запертых в мучительной изоляции примерно десятью годами позже, Бэкон создал многие из самых центральных и запоминающихся образов за всю свою карьеру. время. Также появились собаки, совы и слоны; сфинксы, дети и обнаженные женщины; головы Уильяма Блейка, автопортреты и портреты друзей. Для этого художника, чье воображение так редко выходило за пределы стен темного, клаустрофобного интерьера, были даже проблески африканского и французского пейзажа.

Выставка будет представлена ​​в Центре визуальных искусств Сейнсбери, Норидж, октябрь – декабрь 2006 г. Из Нориджа выставка отправится в Художественный музей Милуоки, 27 января – 15 апреля 2007 г .; затем — в Художественную галерею Олбрайт – Нокс, 5 мая — 30 июля 2007 г.

---

Изображение:

• Фрэнсис Бэкон, Три этюда портретов , Джон Хьюитт, 1966. Холст, масло. Частная коллекция.
• Фрэнсис Бэкон, Три этюда портретов , Люсьен Фрейд, 1966.Масло на холсте. Частная коллекция.
• Фрэнсис Бэкон, Три этюда портретов , Изабель Росторн, 1966. Холст, масло. Частная коллекция.
• Фрэнсис Бэкон, Фигура с мясом , 1954. Холст, масло. Чикагский институт искусств, Фонд Харриотта А. Фокса. Фотография © Чикагский институт искусств. © 2006 Поместье Фрэнсиса Бэкона / ARS, Нью-Йорк / DACS, Лондон

Фрэнсис Бэкон | Искусство | Магазин Phaidon

На модели Phaidon Focus серии

«Прекрасные введения в серию современных мастеров.»- The Observer Magazine

«Удовлетворительно в твердом переплете, но не слишком массивно. Со вкусом простые, заключенные в пластиковую оболочку, чтобы защитить их от всех тех мелков и красок, которые вы обязательно вытащите в безумном вдохновении после просмотра этих страниц. Каждая из них содержит множество изображений художественных работ и образовательных глав по темам и методам »- Это хорошо, что

«Краткое, но энергичное введение … Множество цветных пластин делают его чрезвычайно полезным в качестве справочного пособия.»- The Sunday Telegraph

«Избегая тяжелого формата дверных упоров, который используется во многих книгах по искусству, эти красивые и компактные монографии художников Phaidon Focus маленькие, изящные и удивительно доступные … Разработаны Джулией Хастинг, директором по дизайну из Цюриха в Phaidon Press, которой удается создавать чистый, свежий вид, который — как и должно быть в дизайне артбука — ставит работу художников в центр внимания … Покрытая полупрозрачным серым пластиком с прозрачным окном, урезанный подход книги продолжается с чистой черной типографикой на белом фоне.Никогда не загроможденный, но решительно углубленный, серия умудряется сжать работы некоторых из самых известных художников 20-го века в небольшие, но ни в коем случае не миниатюрные вступления ». — DesignWeek.co.uk

«Красиво оформленный … Самые знаковые художники современности … В лаконичной форме преподнесут вам самое необходимое». — Это хорошо, что

«Phaidon умеют объединять ключевых художников и движений в современном искусстве, обеспечивая каждому поколению знакомый и дальновидный способ погрузиться в визуальную культуру.Новейший выпуск вводных монографий — Phaidon Focus. […] Серия Focus — это расширенный букварь в красивом твердом переплете, созданный для того, чтобы дать подробный обзор жизни художника, а также более концентрированный акцент на ключевых работах, начиная с карьеры художника на сегодняшний день.