Марк ротко оранжевое желтое смысл. В чем состоит художественная ценность картины Марка Ротко «Orange, Red, Yellow» (1961)? Синий и серый
Сегодня мы поговорим о прекрасном — о художественном искусстве в денежном эквиваленте: о самых дорогих картинах. Часто самые дорогие предметы искусства либо не столь красивы на первый взгляд, сколько дороги, либо на них изображено что то такое… непонятное простому смертному.
Также стоит учесть такой момент — самые дорогие картины в мире не продаются, они находятся в государственных музеях.
На фото картина Леонардо Да Винчи «Мона Лиза» (1503 год)
Например, полотна Леонардо Да Винчи отсутствуют в частных собраниях, однако если бы их выставили на продажу — цена была бы выше чем у перечисленных в рейтинге картин из частных коллекций.
Итак, «список самых дорогих картин включает лишь работы, выставленные на продажу в ХХ-ХХI вв».
По данным закрытых продаж самая дорогая картина — «Когда свадьба?», 1892 года, Поль Гоген, принадлежала семейству Рудольфа Штехлина и в 2015 году была продана музейному ведомству Катара за (!!!) 300 млн долларов!
На фото картина Поля Гогена «Когда свадьба?»
У Поля Гогена одна картина представлена в списке самых дорогих, но зато она на первом месте.
Картина написана автором на острове Таити, где Гоген поселился, уходя от мирской суеты и бывшей семьи, женился на юной темнокожей девочке тринадцати лет из местного племени — по официальным версиям на картине на переднем плане изображена как раз эта девочка. Слава пришла к художнику только после смерти…
Пабло Пикассо, пожалуй, самый популярный художник самых дорогих ныне картин. В списке самых дорогих картин (на 2016 год) его произведений — 6.
По данным открытых продаж самая дорогая картина — «Алжирские женщины» (версия О) Пабло Пикассо. 1-е место по результатам открытых продаж. Продана за 179,3 млн долларов в мае 2015 года. «Такую сумму за неё выложил бывший премьер-министр Катара Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани». Вообще в серии «Алжирские женщины» 15 картин.
На фото картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины» (версия О)
Пабло Пикассо называют еще самым дорогим художником, поскольку еще по меркам 2006 года и только по данным официальных продаж фонд его работ составил 262 млн долларов. Но сегодня даже 6 его картин, представленных в списке — имеют общий фонд более 650 млн долларов.
Пикассо — «Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грисом), в котором трёхмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист и т.д.» . Пикассо создал за свою жизнь больше 20 тысяч работ.
Еще одна его работа занимает одно из первых мест в списке самых дорогих картин — «Обнажённая, зелёные листья и бюст», 1932 год, Пабло Пикассо, продана за $106.5 в мае 2010-го года.
На фото картина Пабло Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст»
На картине изображена любовница Пикассо, которую он рисовал втайне от жены (правда если честно любовницу или не любовницу не совсем легко узнать на этой работе, как впрочем и на всех работах художника сложно узнать кого именно он рисовал).
4-е место по результатам закрытых продаж:
Сон, 1932, Пабло Пикассо. Картина продана в 2013 году за 155 млн долларов.
На фото картина Пабло Пикассо «Сон»
«Мальчик с трубкой», 1905, Пабло Пикассо — продана в 2004 году за 104 млн долларов.
На фото картина Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой»
«Дора Маар с кошкой», 1941, Пабло Пикассо — продана за 95 млн долларов в 2006 году
на фото картина Пабло Пикассо «Дора Маар с кошкой»
«Бюст женщины (женщина в сеточке для волос)», 1938, Пабло Пикассо — продана в конце 2015 года за 67 млн долларов
На фото картина Пабло Пикассо «Бюст женщины»
Следующий художник, занявший почетное место в списке творцов самых дорогих картин — Поль Сезанн
Его картина «Игроки в карты» (3-я картина из 5-картинной серии) была куплена властями Карата для национального музея в 2011 году за 250 млн долларов. На тот момент это была самая дорогая картина. Второе место по итогам закрытых продаж на 2016 год.
На фото 3-я картина серии «Игроки в карты» (1892-1893 гг) Поля Сезанна
«Поль Сеза́нн (фр. Paul Cézanne; 1839-1906) — французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма».
Еще в списке самых дорогих картин представлены следующие картины Сезана:
«Гора Сент-Виктуар, вид из рощи в Шато-Нуар», 1904, Поль Сезанн, продана в 2012 году за 100 млн долларов
На фото картина Поля Сезана «Гора Сент-Виктуар, вид из рощи в Шато-Нуар»
На фото картина Поля Сезана
«Натюрморт с кувшином и драпировкой (англ.)», картина продана за 60.5 млн долларов в 1999-м году.
Еще один выдающийся художник, чьи картины пополнили список самых дорогих — это Марк Ротко. Марк Ротко — американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля. «Марк Ротко является одним из самых известных и влиятельных американских художников второй половины XX века и ключевой фигурой послевоенного абстрактного экспрессионизма».
В России выставка работ Ротко впервые состоялась в 2003 году в Государственном Эрмитаже, и была приурочена к 100-летию со дня рождения художника.
В августе 2014 года за 186 млн долларов была продана картина Марка Ротко «№ 6 (Фиолетовое, зелёное и красное)».
На фото картина Марка Ротко «Фиолетовое, зелёное и красное» (№6)
Также на 10-м месте по результатам открытых торгов картина Ротко «Оранжевое, красное, жёлтое», 1961, продана за 87,6 млн долларов в 2012 году.
На фото картина Марка Ротко «Оранжевое, красное, жёлтое»
Картина «№ 10» (1961 год) Марко Ротко продана за 81.9 млн долларов в 2015 году.
На фото картина Марка Ротко «№ 10»
На фото картина Ротко «№ 1 (королевский красный и синий)», 1954 — продана за 75.1 млн долларов в 2012 году.
На фото картина «Белый центр (жёлтое, розовое и лиловое на розовом)», 1950, продана за 72.8 в 2007 году.
На фото картина Ротко «Без названия», 1952, продана за 66.2 млн долларов в 2012 году.
В основном художник создавал работы абстрактной живописи цветового поля, хотя есть и портреты. Как заверяют знатоки искусства: «Экспрессивные полотна Марка Ротко обладают мистической особенностью – по словам многих зрителей, картины, когда наблюдаешь их с близкого расстояния (а именно на этом настаивал сам художник), вызывают сильные эмоции – обостренное чувство одиночества или страха, вплоть до того, что стоя перед ними, особо чувствительные люди могут расплакаться».
Еще один знаменитый художник — Амедео Модильяни. Он нарисовал несколько картин, считающихся одними из самых дорогих в мире.
«Амеде́о (Иеди́дия) Клеме́нте Модилья́ни, 12 июля 1884, Ливорно, Королевство Италия — 24 января 1920, Париж, Третья французская республика — итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века, представитель экспрессионизма».
На фото картина «Лежащая обнаженная»
Вторая в списке самых дорогих картин по версиям открытых торгов: «Лежащая обнажённая», 1917-1918, продана за 170.4 в конце 2015 года.
Картина «Обнажённая, сидящая на диване», 1917 была продана за 69 млн долларов в конце 2010 года.
Картина «Лежащая обнажённая с голубой подушкой», 1917 была продана за 118 млн долларов в 2012 году.
Следующий знаменитый художник, чьи картины пополнили списки самых дорогих картин: Винсент ван Гог
«Винсе́нт Ви́ллем Ван Гог (30 марта 1853, Грот-Зюндерт, около Бреды, Нидерланды — 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция) — нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись 20 века».
«Наряду с творениями Пабло Пикассо работы ван Гога являются одними из первых в списке самых дорогих картин, когда-либо проданных в мире, согласно оценкам с аукционов и частных продаж. В число проданных за более чем 100 миллионов (в эквиваленте 2011 года) входят: «Портрет доктора Гаше», «Портрет почтальона Жозефа Рулена» и «Ирисы»».
Портрет доктора Гаше, 1890, картина продана за 82,5 млн долларов в 1990 году.
Портрет художника без бороды, 1889, картина продана за 71.5 в 1998 году.
Аликамп, 1888, картина продана за 66.3 млн долларов в 2015 году.
Ван Гог прожил короткую, довольно несчастливую жизнь, маневрируя между желанием стать пастором, устроить личную жизнь, крайностью сойти с ума, жить с бедными… Его жизнь сама по себе предмет исследования для многих. В его картинах дорого не столько техническое исполнение, сколько имя автора, слава к которому, как и полагается настоящим гениям, пришла после смерти.
«Фрэ́нсис Бэ́кон (англ. Francis Bacon; 28 октября 1909, Дублин — 28 апреля 1992, Мадрид) — английский художник-экспрессионист, мастер фигуративной живописи. Основной темой его работ является человеческое тело — искажённое, вытянутое, заключённое в геометрические фигуры, на лишённом предметов фоне».
У Френсиса Бэкона 3 картины в списке самых дорогих:
3-е место по результатам открытых торгов: «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда — триптих, 1969, продана за 142.4 в 2013-м году.
На фото картина «Триптих», 1976, продана за 86.281 млн долларов в 2008 году.
На фото картина «Три этюда к портрету Джона Эдвардса — триптих», 1984, продана за 80.8 млн долларов в 2014 году.
Конечно, нельзя нельзя о таких художниках как Эдвард Мунк, Клод Моне, Виллем де Кунинг.
На фото картина Мунка «Крик» (1893-1910) — 4-я по стоимости ныне и самая дорогая по меркам 2012 года (открытые продажи), продана за 119 млн долларов.
Есть 4 версии картины «Крик», сам художник воспроизводил ее несколько раз… Отчаявшийся человек в позе эмбриона, закрывший лицо руками на фоне сгущающихся туч и залитых заревом и депрессией волн — был по душе многим за точность передачи эмоций через образ. Крик повсюду — в повторяющихся по подобию головы, закрытой руками кричащего, контурах неба, в искаженных линиях тела, в мрачных тонах окружающей обстановки, в мирно идущих поодаль людях, не замечающих отчаянности и ужаса кричащего…
Картины Мунка часто воровали злоумышленники.
На фото картина «Пруд с кувшинками» Клода Моне была продана за 80,5 млн долларов в 2008 году.
Картина Виллема Де Кунинга «Женщина III», 1953 продана за 137.5 млн долларов в 2006 году.
Куниг как любитель экстравагантности, абстрактности создавал воистину творения, в красоте своей не всегда понятные людям со стороны. Все его картины из серии Женщины.., как впрочем и другие картины, — не передают не столько реалистичность, сколько индивидуалистичность понимания мира самим художником.
Из Википедии: «Одинокая женская фигура под действием неистовых, пастозных «мазков-ударов» на холстах де Кунинга превращается в некий живописный тотем, открытый для радикальных фрейдистских прочтений».
Скульптура Кунинга столь экспрессивна и абстрактна как и картины, например, «Фигура, сидящая на скамье» из бронзы (1972 год) оставляет огромное поле для размышлений и догадок, кто же сидит на скамье..
Вообще, у вас никогда не возникало чувства, когда вы лицезрели картины Кунинга, Пикассо и художников, рисовавших в подобном стиле, что сии творения, мягко, скажем, бесталанны? Но стоящие рядом облаком, воздыхающие от глубины и славы картин не дают этого сделать, поскольку можно прослыть невежей с дурным вкусом и т. д. Уверяю вас — такие мысли посещали почти всех, кто не слишком погружен в искусство, и это нормально.
На самом деле — я признаюсь честно: Кунинга я не понимаю… Пикассо — не поверю, что всем понятен. Или вот цветовые поля Ротко по сотни миллионов долларов… Это вообще невозможно понять сразу, и оценить с разбегу. Просто цвет на холсте и все, но люди восхищаются.. Сальвадор Дали скорее философский художник. Если смотреть на картины последнего с точки зрения эстетического наслаждения — в них его мало, но в них огромная суть, а вот сути в картинах Кунинга я не нашла. Конечно, это не значит, что ее там нет. Вообще этих художников сложно понять..
У многих из них сложные судьбы, то суициды, то сумасшествие… Тот же Ротко, рисовавшие полотна с идеальными королевскими цветами, вблизи которых люди плакали от особой энергетики, покончил с собой, будучи в сильной депрессии.
Но Ротко — это чистый, «королевский» цвет, о котором глупо судить по фото его картин на мониторе ноутбука. Но все же мне больше всего из того, с чем я познакомилась в творчестве Ротко понравилось творение «Светло-красный на черном», 1957 года. Суть картины по задумке самого автора — «простое выражение сложной мысли». С философской точки зрения — глубокомысленно и лаконично.. Главное — понятно.
На фото картина М.Ротко «Светло-красное на черном», 1957
Есть версии намного краше версии «Пруда с кувшинками» Клода Моне, написанные неизвестными художниками. Но есть одно НО: не цепляет, а вот какая-нибудь сумбурная версия в виде пятен на холсте, написанная гением — цепляет.
При этом картины дорогие и красивые, красивые не в сложности, а в простоте есть, они, бывает, не намного краше написанных рукой какого-нибудь неизвестного автора, но стоят миллионы долларов. Почему так бывает: картины мало известных, но талантливых авторов стоят мало, а три пятна или мазок кисти красным цветом на белом фоне известного художника — в тысячи раз больше.
Дело в имени (как в случае вещей — в бренде, фирме), иногда дело только в имени. Оценивают не саму картину, а ее автора. Потом.. что такое аукционы? Богатые мира сего соревнуются в праве владеть эксклюзивным шедевром творчества.. кто-то соревнуется на уровне у кого машина круче, кто-то у кого картина Пикассо..
Ротко. Белый центр (желтое, розовое и лиловое на розовом)
Написала владелица моей любимой Кладовки Левконои http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe :
«Все вы тут ничего не понимаете в искусстве!
И я меньше всех:
РИА «Новости»:
в мае прошлого года работа Ротко под названием «Белый центр (желтое, розовое и лиловое на розовом)» ушла на торгах Sotheby»s за 72,8 млн долларов.
Что на Сотби все идиоты — я не верю. Наверное, это застиранное полотенечко в самом деле стоит 73 миллиона…
Упдате:
Вовсе не для того тут это поместила, чтобы шумно буйствовать на тему «жулики, дурят народ» и т.д. — я и сама этого не утверждаю, и другим не советую.
Писала тут неоднократно, что для меня помимо таланта живописца и прочих достоинств картины важным вопросом бывает «хочу ли я туда». Поэтому тут не появляется ничего вроде Гойи и многого другого, гениального и так далее. Потому что лично я туда не хочу.
Так вот, в полотенечко Ротко я тоже как-то не хочу (разве что «Флатландию» обчитавшись).
Почитала о нем. Как водится, был беден, сначала писал портреты и пейзажи. Расписывал какие-то экуменические капеллы. Прославился. Стал богат и знаменит. И вдруг начал писать квадраты и полосы. Сначала разными цветами. Потом только черным и белым. Потом перерезал себе вены.
Упдате2
Видимо, в этой картине все же есть какая-то негативная энергия или нечистая сила, если все те, кто мирно перебрасывался комментариями про лужайки, тут озверели или насупились. Хорошего, прямо скажем, обсуждение не принесло ничего. Если кто-то и пытался искренне понять, в чем же дело и чего мы не понимаем — кроме щелчков по носу и тычков в невежество не получили ничего. Никто из сторонников ничего внятного ЗА не сказал.
* Может эту картинку повесили неправильно (вверх ногами, например). Вот мы и не поняли;
*Нельзя вверх ногами. Это же торт. Внизу пастила, а наверху варенье, абрикосовое. Оно мягкое. Размажется.
Кроме того, все объясняет диагноз художника. Сначала он был в маниакальной фазе МДП, и писал торты. На картинке это оранжевое варенье, и совершенно закономерно, что его меньше, чем пастилы. Пастила — это депрессивная фаза. Из глубины пастилы художник перестал различать многоцветность мира, его накрыло, и он повесился.
Однако когда художник писал именно эту картину, он еще не знал, каково там в пастиле, а только предчувствовал. Иначе бы он не нарисовал ее такой розавинькой. И назвал он картину «белый центр» потому, что надеялся, бедняга, что нейтральный белый центр действительно в середине, и сбалансированный МДП не даст ему утонуть в нецветном мире депрессии.
Но чутье художника заставило его все-таки зафиксировать истинное положение дел, а именно: депрессивная фаза превалирует. Кстати, это согласуется с данными врачей о течении типичного МДП. Я еще предлагаю посмотреть на белую прослойку: она выглядит в торте несколько ненатурально, несъедобно, я бы сказала, особенно черный штрих между нею и вареньем.
Несомненно, художник тем самым подчеркнул свою надежду на непроницаемость этой границы, надежду на то, что несъедобная непроницаемая белая прослойка, «белый центр», создаст преграду ему в его падении из варенья в депрессивную пастилу, и позволит избежать неизбежного…
*Когда вижу подобные полотна, мне кажется всегда, что это провокация со стороны художника….
Как — то две девочки из дизайнеров наших на работе смотрели на иллюстрацию каких то пятен и восхищались, я спросила что в этом такого и чем эти пятна отличаются от пятен 5-летнего ребенка, они сказали: чтобы это понять — 5 лет учиться надо.
Levkonoe: Возможно, что и надо. Я не верю в слишком простые версии: провокация (такое сходило бы один раз), отмывание денег, эффект «голого короля» и т.д. Все это слишком просто и давно перестало бы работать еще на Малевиче;
*Так в чем проблема? По дороге с работы покупаем несколько пастельных красок, ватман, кисточки и рисуем такое полотенешко. Вешаем на стеночку и пытаемся ощутить себя миллионерами, только что потратившими 70 лямов зеленых;
* Я понимаю, что миллионы может стоить автограф Леонардо, хотя на нем ничего особенного не нарисовано. Но мы-то знаем, за что его любим. А про этого Ротко я ничего не знала, и сейчас только прочитала. Кстати, последовательность событий не радует: нормальные картины — мистические картины — цветные полосы — черные полосы — самоубийство. Возникают сомнения…;
Chris Chapman
* Мне кажется, что это что-то сломалось в мире и в людях. В начале прошлого века. Стремительная НТР, революции, войны. Что-то такое деструктивное витало в воздухе. И не могло не попасть на картины. Может быть от всего этого хаоса хотелось уйти в предельную пустоту? Спрятаться, закрыться или наоборот- пусть это все к себе в душу а потом перерезать себе вены.
Я не думаю что эти картины «нравятся», они просто могут задеть что-то внутри. Это скорее психология, чем искусство. И хорошо если к добру, если удастся спрятаться, а если потом захочется вены перерезать, наглядевшись на эту пустоту на стене?
Нет, я вовсе не считаю что все кому это нравится — сумасшедшие. Просто у каждого свои проблемы и возможно для кого-то уход в это ничто — решение проблемы.
Ну и ладно. Пусть нравится. Хотя я не думаю что все это к добру. Слишком сильно деструктивное начало. Мир сумасшедший, но законы гармонии в нем никто не отменял. И цветы — это красиво!
Меня злит другое — когда только это называют искусством, а все остальное — пошлостью. И ведь некоторые начинают прислушиваться и стыдиться, что коврики нравятся. То есть начинают уходить от того, что действительно красиво, к этому хаосу и пустоте. Они ведь даже самого слова «красиво» начинают бояться. Словно оно может нарушить их расчерченный на полоски мир. И начинают навязывать этот свой снобизм. Делать из него норму!
Все-же явно что-то сломалось в людях;
*У меня эта тряпка вызывает депру и клаустрофобию.
В ней есть что-то от коридора в советской поликлинике. Желтое — стена, лиловое — пол, посредине — банкетка;
Chris Chapman
* Уважаемая Levkonoe, я сама сейчас учусь по художественной специальности и еще когда была студентом-психологом.
И заметила в быту такую вещь: люди по отношению к искусству бывают двух типов — те, кто не воспринимают абстрактное искусство и очень любят реалистичность («чтобы туда хотелось») и те, кто млеют от абстракции, а реализм, хоть и уважают за мастерство, не считают пиком Искусства.
Наблюдая это четкое деление и вспоминая смутно занятия о строении мозга, я начала подозревать, что это что-то связано с работой разных полушарий и их соотношением (не совсем левша/правша, а там все более запутано). Или же это особенности строения какой-нибудь области восприятия в мозге. Потому что эти две категории людей отличаются не только отношением к искусству, но и рядом других ценностей.
Это, конечно, не строгая классификация, но что-то такое, по-моему, точно есть.
Написала все это, потому что Ротко очень люблю и уважаю.
Levkonoe: Наверное, у меня ВООБЩЕ нет нужного полушария, потому что даже после всех проработок, которые мне тут устроили знатоки, я вижу в этой картине не больше смысла и эмоций, чем в стене советской поликлиники, выкрашенной масляной краской.
И не могу отделаться от ощущения, что если бы искусствоведы не знали, где Ротко, а где стена, то перлись бы одинаково от обоих;
Chris Chapman
* Ирина, прошу прощения за вторжение на чужую территорию… но этот вопрос давно меня занимает: Вы правда верите, что если человеку напрочь не нравятся «коврики» или он не способен читать Донцову — это непременно из снобизма? Или все-таки допускаете возможность другого варианта?
На полях дискуссии: я живопись воспринимаю что называется животом, по принципу «нравится — не нравится», Дали терпеть не могу (как и ЛНТ:), но люблю Кандинского, Клее и Миро; Ротко видела в музеях и присоединяюсь к свидетельствам о невероятной его энергетике; так называемое актуальное искусство включает в себя вовсе не только «непонятное», но и все что угодно, в том числе ненавидимые мной гиперреализм и поп-арт; можно плохо относиться к вектору развития современной музыки и современной живописи, но сужение их аудитории — это данность; никто Вас не склоняет к тому чтобы ходить на неблизкие Вам выставки и слушать не нравящуюся Вам музыку, но поверьте, то, что вызывало у меня мурашки восторга в галерее Гуггенхайма (и полное недоумение у моей спутницы), или то, что заставляет меня каждый год с нетерпением ждать «Двух дней и двух ночей новой музыки», не имеет ничего общего со снобизмом.
Рейтинг аукционных результатов произведений русского искусства
- К участию принимались только публичные аукционные результаты.
- Принадлежность к русским художникам определялась по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР — значит, русский художник, без оглядок на этническое происхождение и скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский.
- Правило: один художник — одна картина. То есть ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко , разрешается так: оставляем только самую дорогую работу, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируем.
За основу рейтинга взяты результаты с учетом премии покупателя (Buyers Premium), выраженные в долларах (цифры, показанные на европейских аукционах, т. е. в фунтах или евро, конвертированы в доллары по курсу на день торгов). Поэтому в рейтинг не попали ни «Испанка» Гончаровой, проданная 2 февраля 2010 года за £6,43 млн, ни картина «Вид Константинополя и пролива Босфор» Айвазовского, за которую 24 апреля 2012-го заплатили £3,23 млн. Да, в валюте сделки, т.е. в фунтах, они дороже картин, занявших место в рейтинге, а вот с курсом доллара им не повезло.
1. $86,88 млн. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое (1961)
Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий — в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и, безусловно, ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, он однажды демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он не раз отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру. Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный, за $65 млн, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о признании массовым зрителем, стал в итоге создателем картин, по-настоящему понятных до сих пор лишь кругу интеллектуалов и ценителей. Наконец, художник, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, чьи работы стали центральным элементом оформления церкви всех религий , закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…
Ротко, помнивший черту оседлости и казаков, возможно, удивился бы, что им гордятся еще и как русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке 1930-х — не случайно художник «урезал» родовую фамилию Роткович. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала — по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича — это часть России и будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революции Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, заметим, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. И даже пороки, которым Ротко предавался, в мире ассоциируются почему-то именно с русскими. Депрессию на Западе называют почему-то «русской болезнью». Что не аргумент, конечно, но еще один штрих к цельности натуры русского художника.
К новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х он предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими композицию. Интеллектуальная основа его работ — это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Единственное, на что он определенно рассчитывал, — на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие — двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля — это метафорические изображения бога.
Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам — максимум тоненькие плашки-кромки в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов — это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно мерцания света электрических ламп. Это мягкое растворение цвета в цвете особенно удавалось маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.
Сегодня картины Ротко — гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании — производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти $3 млн — весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в то время уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.
Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым — с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.
Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.
Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.
8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за $86,88 млн с учетом комиссии. Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 × 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем надолго отдали ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
2. $60,00 млн. Казимир Малевич. Супрематическая композиция (1916)
За свою долгую жизнь сначала вместе с Робером, а после его смерти в 1941 в одиночку Соня сумела опробовать множество жанров в искусстве. Она занималась живописью, книжной иллюстрацией, театральными эскизами (в частности, оформляла декорации дягилевского балета «Клеопатра»), дизайном одежды, интерьера, узоров на текстиле и даже тюнингом автомобилей.
Ранние портреты и абстракции Сони Делоне 1900–10-х годов, а также работы серии «Цветовые ритмы» 1950–60-х пользуются большой популярностью на международных и национальных французских аукционах. Их цены нередко доходят до нескольких сотен тысяч долларов. Главный рекорд художницы был установлен больше 10 лет назад — 14 июня 2002 года на парижских торгах Calmels Cohen Paris. Тогда за €4,6 млн была продана абстрактная работа «Рынок в Миньо», написанная в 1915 году, в период жизни четы Делоне в Испании (1914–1920).
32. $4,30 млн. Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею (1922)
Если оценивать наших художников по своеобразной шкале «русскости», то Михаила Васильевича Нестерова (1862–1942) смело можно ставить где-то в начале списка. Его картины с изображением святых, иноков, монахинь в лирическом «нестеровском» пейзаже, полностью созвучном с высокодуховным настроением героев, стали уникальным явлением в истории отечественного искусства. В своих полотнах Нестеров рассказывал о Святой Руси, о ее особом духовном пути. Художник, по собственному выражению, «избегал изображать сильные страсти, предпочитая им скромный пейзаж, человека, живущего внутренней духовной жизнью в объятиях нашей матушки-природы». А по оценке Александра Бенуа , Нестеров, наряду с Суриковым , был единственным русским художником, хоть отчасти приблизившимся к высоким божественным словам «Идиота» и «Карамазовых».
Особый стиль и религиозность живописи Нестерова сложились из множества факторов. Повлияло и воспитание в патриархальной, набожной купеческой семье в городе Уфе с ее типично русскими пейзажами, и годы обучения у передвижников Перова , Саврасова и Прянишникова в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (от них он перенял идею искусства, трогающего ум и сердце) и у Павла Чистякова в Академии художеств (здесь он взял технику академического рисунка), и поездки за вдохновением в Европу, и глубокая личная драма (смерть горячо любимой жены Марии через день после рождения их дочери Ольги).
В итоге к концу 1880-х — началу 1890-х Нестеров уже нащупал свою тему, и как раз в это время он написал «Видение отроку Варфоломею» (1889–1890). Сюжет картины взят из Жития преподобного Сергия. Отрок Варфоломей (будущий Сергий Радонежский) встретил ангела в облике инока и получил от него Божье благословение на то, чтобы уразуметь Святое Писание и превзойти своих братьев и сверстников. Картина проникнута ощущением чудесного — оно не только и не столько в фигурах Варфоломея и Святого старца, но и в окружающем пейзаже, по-особенному праздничном и одухотворенном.
На склоне лет художник не раз называл «Варфоломея» главным своим произведением: «…если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я». Картина стала сенсацией XVIII выставки передвижников и вмиг сделала известным молодого уфимского художника (Нестерову тогда не исполнилось и тридцати). «Видение…» приобрел в свою коллекцию П. М. Третьяков, несмотря на попытки его отговорить со стороны, по выражению Нестерова, «правоверных передвижников», верно заметивших в работе подрыв «рационалистических» устоев движения. Однако художник уже взял свой собственный курс в искусстве, в итоге и сделавший ему славу.
С приходом советской власти для Нестерова с его религиозной живописью настали не лучшие времена. Художник перешел на портреты (благо имел возможность писать только глубоко симпатичных ему людей), а о прежних сюжетах не смел и думать. Однако, когда в начале 1920-х прошел слух о подготовке большой выставки русского искусства в Америке, Нестеров быстро решился участвовать в надежде на новую аудиторию. Им были написаны для выставки несколько работ, в том числе и авторское повторение «Видения отроку Варфоломею» (1922), в американской прессе названное «Видение святому Сергию в отрочестве». Новая версия меньше форматом (91 × 109) по сравнению с третьяковской (160 × 211), на небе появилась луна, краски пейзажа несколько более темные, а в лице отрока Варфоломея больше серьезности. Нестеров как бы подводит этой картиной итог большим переменам, произошедшим со времен написания первого «Видения…».
Картины Нестерова были среди немногих на выставке русского искусства в Нью-Йорке в 1924 году, которые были куплены. «Видение отроку Варфоломею» попало в коллекцию известных коллекционеров и покровителей Николая Рериха — Луиса и Нетти Хорш. С тех пор вплоть до 2007 года работа передавалась в этой семье по наследству. И наконец, 17 апреля 2007 года на русских торгах Sotheby’s полотно было выставлено с эстимейтом $2–3 млн и с легкостью его превысило. Итоговая цена молотка, ставшая рекордной для Нестерова, составила $4,30 млн. С этим результатом он и вошел в наш рейтинг.
33. $4,05 млн. Вера Рохлина. Картежники (1919)
Вера Николаевна Рохлина (Шлезингер) — еще одна замечательная художница русской эмиграции, попавшая в наш рейтинг наряду с Наталией Гончаровой, Тамарой Лемпицкой и Соней Делоне. Сведения о жизни художницы очень скудны, ее биография еще точно ждет своего исследователя. Известно, что родилась Вера Шлезингер в 1896 году в Москве в семье русского и француженки из Бургундии. Училась в Москве у Ильи Машкова и была чуть ли не любимой его ученицей, а после брала уроки в Киеве у Александры Экстер. В 1918 году вышла замуж за адвоката С. З. Рохлина и уехала с ним в Тифлис. Оттуда в начале 1920-х чета переехала во Францию, где Вера начала активно выставляться на «Осеннем салоне», «Салоне Независимых» и «Салоне Тюильри». В живописной манере сначала следовала идеям кубизма и постимпрессионизма, но к началу 1930-х уже выработала собственную манеру, которую один французский журнал назвал «художественным равновесием между Курбе и Ренуаром». В те годы Вера жила уже отдельно от мужа, на Монпарнасе, имела среди поклонников кутюрье Поля Пуаре, главной темой в живописи избрала женские портреты и ню, чему, возможно, способствовало ее знакомство с Зинаидой Серебряковой (сохранился даже портрет обнаженной Серебряковой кисти Рохлиной), а в парижских галереях проходили персональные выставки художницы. Но в апреле 1934 года 38-летняя Вера Рохлина покончила с собой. Что заставило женщину в расцвете лет, уже много чего добившуюся на творческом поприще, свести счеты с жизнью, остается загадкой. Ее преждевременную смерть называли крупнейшей потерей на арт-сцене Парижа в те годы.
Наследие Рохлиной находится преимущественно за рубежом, где Вера провела последние 13 лет жизни и где в полной мере раскрылся ее талант. В 1990-х — начале 2000-х французские музеи и галереи начали проводить персональные выставки Рохлиной и включать ее работы в групповые выставки художников Парижской школы. О ней узнали коллекционеры, ее работы стали продаваться на аукционах, причем довольно хорошо. Пик продаж и цен пришелся на 2007–2008 годы, когда около сотни тысяч долларов за хорошего формата живопись Рохлиной стали обычным явлением. И вот 24 июня 2008 года на вечерних торгах импрессионистов и модернистов Christie’s в Лондоне кубистическая картина Веры Рохлиной «Картежники», написанная до эмиграции, в 1919 году, неожиданно была продана в 8 раз дороже эстимейта — за £2,057 млн ($4,05 млн) при оценке £250–350 тыс.
34. $4,02 млн. Михаил Клодт. Ночь в Нормандии (1861)
35. $3,97 млн. Павел Кузнецов. Восточный город. Бухара (1912)
Для Павла Варфоломеевича Кузнецова (1878–1968), сына иконописца из города Саратова, выпускника Московского училища живописи, ваяния и зодчества (где он учился у Архипова , Серова и Коровина), одного из организаторов объединения «Голубая роза» , одной из главных и, определенно, самой признанной у публики темой творчества стал Восток. Когда первый символистский период 1900-х годов у Павла Кузнецова с полуфантастическими изображениями «Фонтанов», «Пробуждений» и «Рождений» исчерпал себя, художник отправился за вдохновением на Восток. Он вспомнил, как в детстве гостил у деда в заволжских степях и наблюдал за бытом кочевников. «Вдруг вспомнил про степи и поехал к киргизам», — писал Кузнецов. С 1909 по 1914 год Кузнецов проводил в киргизских степях, у кочевников, по несколько месяцев, проникаясь их образом жизни и принимая их своей родственной, «скифской» душой. В 1912–1913 годах художник проехал по городам Средней Азии, пожил в Бухаре, Самарканде, предгорьях Памира. В 1920-е исследование Востока продолжилось уже в Закавказье и Крыму.
Итогом этих восточных путешествий стали серии потрясающих картин, в которых чувствуется и «голуборозовская» любовь к синей гамме, и символика близких художнику с детства икон и храмовых фресок, и воспринятый опыт таких художников, как Гоген, Андре Дерен и Жорж Брак, ну и, конечно, вся магия Востока. Восточные картины Кузнецова были тепло приняты не только в России, но и на выставках в Париже и Нью-Йорке.
Крупной творческой удачей стал написанный в Бухаре в 1912 году цикл картин «Восточный город». Одно из самых масштабных полотен в серии «Восточный город. Бухара» в июне 2014 года попало на торги MacDougall’s с эстимейтом £1,9–3 млн. Работа с безупречным провенансом и выставочной историей: была куплена напрямую у художника; не меняла места бытования с середины 1950-х; участвовала в выставках «Мира искусства», выставке советского искусства в Японии, а также во всех основных прижизненных и посмертных ретроспективах художника. В итоге за полотно заплатили рекордные для Кузнецова £2,37 млн ($3,97 млн).
36. $3,82 млн. Александр Дейнека. Герои первой пятилетки (1936)
37. $3,72 млн. Борис Григорьев. Пастух с холмов (1920)
Борис Дмитриевич Григорьев (1886–1939) эмигрировал из России в 1919 году. За рубежом он стал одним из самых известных русских художников, но при этом на родине его забыли на долгие десятилетия, и первые его выставки в СССР состоялись только в конце 1980-х. Зато сегодня это один из самых востребованных и высоко оцененных авторов на рынке русского искусства, его работы, как живописные, так и графические, продаются за сотни тысяч и миллионы долларов.
Художник был чрезвычайно работоспособен, в 1926 году он писал поэту Каменскому: «Сейчас я первый мастер на свете. Я не извиняюсь за эти фразы. Надо знать самому, кто ты, иначе не будешь знать, что и делать. Да и жизнь моя святая от труда сверх и чувства сверх, и 40 лет моих это доказывают. Я не боюсь любого конкурса, любого заказа, любой темы, любой величины и любой скорости».
Вероятно, наиболее известны его циклы «Расея» и «Лики России» — очень близкие по духу и отличающиеся лишь тем, что первый был создан до эмиграции, а второй уже в Париже. В этих циклах перед нами предстает галерея типажей («ликов») русского крестьянства: угрюмо глядят прямо на зрителя старики, бабы, дети, они притягивают взгляд и одновременно отталкивают его. Григорьев отнюдь не склонен был идеализировать или приукрашивать тех, кого он писал, напротив, иногда он доводит образы до гротеска. В числе «ликов», написанных уже в эмиграции, к крестьянским портретам прибавляются портреты современников Григорьева — поэтов, актеров Художественного театра, а также автопортреты. Образ крестьянской «Расеи» расширился до обобщающего образа покинутой, но не забытой Родины.
Один из таких портретов — поэта Николая Клюева в образе пастуха — стал самой дорогой картиной Бориса Григорьева. На торгах Sotheby’s 3 ноября 2008 года работа «Пастух с холмов» 1920 года была продана за $3,72 млн при эстимейте $2,5–3,5 млн. Портрет является авторской копией с утерянного портрета 1918 года.
Редакция сайт
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов сайт, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. сайт не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
Марк Ро́тко (англ. Mark Rothko, имя при рождении — Ма́ркус Я́ковлевич Ротко́вич; 25 сентября 1903, Двинск, Витебская губерния — Дата смерти: 25 февраля 1970, Нью-Йорк) — американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля.
Родился и вырос в образованной еврейской семье, где говорили как на идише, так и на русском языке. Глава семейства, Яков (Я́нкель-Бе́ндет Ио́селевич) Роткович, работал аптекарским помощником, но, несмотря на скромный доход, много внимания уделял образованию детей; мать, Хая Мо́рдуховна Роткович (урожд. Гольдина), была домохозяйкой. В возрасте 5 лет Маркус поступил в хедер, где изучал Пятикнижие и Талмуд, в то время как остальные дети продолжали получать светское образование.
В 1913 году Маркус поступил в общеобразовательную школу, и его перевели из третьего в пятый класс. В 17 лет он с отличием закончил школу Lincoln High School. Он в совершенстве овладел английским (четвертый язык Марка) и стал активно участвовать в жизни местного еврейского сообщества, особенно в политических дискуссиях.
Марк поступил в Йельский университет, где первый год учился благодаря полученному за отличный аттестат гранту, а позднее, когда дотация закончилась, работал, чтобы оплачивать учебу. В университете Марк, вместе с товарищем Аароном Директором, выпускал сатирический журнал, направленный на разоблачения пороков университетского общества WASP («Белых англо-саксонских протестантов»). Вскоре Марк бросил университет, и вернулся туда только 46 лет спустя, получать почетную степень доктора.
Картина Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое», написанная в 1961 году, ушла с аукциона за рекордную сумму, когда-либо предложенную за произведение современного искусства. $86,9 млн – таков итог торгов на аукционе Christie`s в Нью-Йорке.
До этого рекорд стоимости среди картин, написанных после Второй мировой войны, принадлежал «Триптиху» Фрэнсиса Бэкона, проданного в 2008 году за $86,3 млн.
Общие сборы по итогам торгов составили $388,5 млн — этот показатель также превышает предыдущий рекорд, установленный на аукционе современного искусства в 2007 году, сообщает Русская служба BBC.
Напомним, на прошлой неделе картина «Крик» норвежского художника Эдварда Мунка побила на торгах Sotheby`s в Нью-Йорке абсолютный рекорд – она была продана за $119 922 500, став самым дорогим шедевром в истории живописи.
В среду в аукционном доме Sotheby`s в Нью-Йорке состоятся еще одни торги, на которых будут выставлены произведения современных художников, в том числе «Спящая девушка» Роя Лихтенштейна.
Марк Ротко — урожденный Маркус Роткович — родился в 1903 в городе Двинске, ныне Даугавпилсе, на территории современной Латвии. В 1913 году семья будущего художника эмигрировала в Портленд. Самые знаменитые полотна Ротко — это абстрактные картины, которые состоят из полос, представляющих несколько цветовых зон.
Марк Ротко: Простое выражение сложной мыслиВ старших классах, Ротко работал продавцом газет и на складе компании N & S Weinstein, 1920-е. © Oregon Jewish Museum
Дальше — небогатый, но очень активный Маркус, подрабатывающий разносчиком газет, выиграл грант на учебу в престижном Йельском университете, собираясь стать юристом или инженером. Да вот только университет бросил и сбежал в Нью-Йорк — рисовать.
Марк Ротко, ученик Lincoln High School, 1921.
© Multnomah County Library.
Последовали долгие годы безденежья, творческой свободы и активного поиска собственного стиля. Годы богемного братства с людьми искусства и годы счастья.
В 1940-м году Ротко наконец нашел себя в парящих в пространстве цветовых плоскостях. Именно эти прямоугольные полотна большого размера принесли художнику известность и финансовую свободу. Его поняли, его почувствовали. Однако слава не принесла счастья. Наоборот. Ухудшилось здоровье. Распался брак с супругой…
Марк Ротко с женой и сыном Кристофером приблизительно за год до развода, 1968г.
Холсты этого периода — темные, горькие, мрачные. Художник переехал в собственную студию на East 69th Street, продолжал много пить и курить. А через год, напичканный антидепрессантами, решил, что больше жить незачем, и ушел, оставив за собой более 800 работ, общей стоимостью свыше 20 миллионов долларов, на которые будут претендовать дети, фонды, друзья…
Марк Ротко «Без названия», 1969
«Вряд ли это можно объяснить… — сказал один из героев сериала. — Может быть, в ней [ПП: картине Ротко] и нет никакого смысла. Может быть, мы просто должны почувствовать её. Когда смотришь, ты что-то ощущаешь. Будто смотришь вглубь. Можно и упасть…»
Вконтакте
| Марк Ротко | |
| Марк Ротко | |
Новый рекорд Ротко и еще 15 самых дорогих арт-объектов — Look At Me
На этой неделе на аукционе Christie’s в Нью-Йорке был поставлен новый рекорд для произведения современного искусства. Холст американского художника Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1956) был продан за $86,9 миллиона долларов. Вот еще 15 произведений художников 19-20 века, проданных на открытых аукционах и в ходе частных продаж: от «Пруда с кувшинками» Клода Моне до «Игроков в карты» Поля Сезанна.
Эдвард Мунк «Крик», $119,900,000
В мае 2012 года на аукционе Sotheby’s картина норвежского художника Эдварда Мунка «Крик», одно из самых узнаваемых произведений искусства, ушла с молотка за рекордную цену — 119,9 миллиона долларов. Её выставил на аукцион сын друга художника Петтер Олсен — единственный частный владелец одного из четырех существующих вариантов картины (остальные три находятся во владении государственных музеев — Национальной галерее Норвегии и Музее Мунка). Над серией «Крик» Эдвард Мунк работал 17 лет — с 1893 по 1910 года. Данная версия картины уникальна тем, что на раме, сделанной самим художником, красной краской написано его стихотворение, раскрывающее истинный смысл картины: «Мои друзья проследовали дальше, / А я остался позади, / Дрожа от тревоги: / Я ощущал оглушительный Крик Природы. Э.М.»
Пабло Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст», $106,500,000
В 2010 году на аукционе Christie’s картина главного модерниста ХХ века и основоположника кубизма Пабло Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст» была продана за 106,5 миллиона долларов. На огромном холсте высотой 1,6 метр изображена юная возлюбленная художника Мари-Терез Вальтер, с которой он начал встречаться, когда ей было 17 лет, а ему — 45. Картина была написана всего лишь за один день в 1932 году и стала одним из многочисленных полотен, которые Пикассо нарисовал специально для персональной выставки в галерее Жоржа Пети. Говорят, что темпераментный испанский художник решил организовать ретроспективу своих работ после того, как увидел выставку своего соперника Анри Матисса.
Альберто Джакометти » Шагающий человек I», $104,300,000
В 2010 году впервые в десятку самых дорогостоящих произведений искусства попала скульптура, захватившая сразу же пальму первенства. Работа высотой 1, 83 метр известного швейцарского скультптора-модерниста Альберто Джакометти была продана на торгах за 104, 3 миллиона долларов. Созданная в 1961 году, она является одной из первых статуй из этой серии и считается одной из самых важных работ Джакометти. Скульптура «Шагающий человек I» стала первым экземпляром своей отливки, появившимся на открытых торгах и находящимся в частных руках. Статуи Джакометти с иссохшими, практически эфирмеными человеческими телами символизируют одиночество и беззащитность человека, потерявшего всякую опору, но уверенно державшегося на собственных ногах и взявшего жизнь в свои руки
Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой», $104,100,000
Пабло Пикассо стал первым художником в истории, кому удалось преодолеть ценовой рубеж в 100 миллионов долларов на открытых торгах. В 2004 году на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел работу картину «Мальчик с трубкой», написанную им в 1905 году в Париже, за 104,1 иллиона долларов. Это полотно представляет особую ценность для коллекционеров, так как оно знаменует переход художника от «голубого» периода к «розовому» и принадлежит к наиболее ценному периоду творчества Пабло Пикассо — докубистскому.
Пабло Пикассо «Дора Маар с кошкой», $95,200,000
В 2006 году на аукционе Sotheby’s ы Нью-Йорке была продана картина Пабло Пикассо «Дора Маар с кошкой» за 95,2 миллионов долларов, написанная художником в 1941 году в оккупированном Париже. Фотограф, поэт и художник, Дора Маар была одной из самых любимых моделей испанского художника и оставалась его музой на протяжении более чем 15 лет. В начале 1940-х годов отношения между Пикассо и Маар начали постепенно ухудшаться, поэтому её образ в этот период — с острыми когтями как у кошки и пронзительным взглядом — стал для художника «персонификацией войны».
Густав Климт «Портрет Адели Блох-Бауэр II», $87,900,000
В 2006 году на аукционе Christie’s картина Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) была продана за 87,9 миллиона долларов коллекционеру, пожелавшему остаться неизвестным. Австрийский художник был востребован при жизни и многие его картины становились украшением интерьеров самых роскошных домов начала двадцатого века. Так он оказался постоянным гостей салона богатого семейста Блох-Бауэр и нарисовал несколько потретов хозяйки дома — Адели Блох-Буаэр. Наследники мужа Адели, Фердинанда Блох-Бауэра, которые лишь недавно возрватили себе картины, утраченные в результате немецкой оккупации, редко выставляют произведения Климта на продажу, поэтому всегда ожидается высокий спрос на них.
Марк Ротко «Оранжевое, красное, желтое» $86.900,000
8 мая 2012 на торгах аукционного дома Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, ушло за 86,9 миллиона долларов с учетом комиссии. Картина стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим призведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах. Прежде всего Ротко известен своими абстрактными картинами, состоящими из нескольких цветовых сегментов. В течение 15 лет он доводил до совершенства свой собственный стиль, работая над нечеткостью границ и растворением цвета в цвете и создавая мощный эффект пульсации цветовых пятен.
Фрэнсис Бэкон «Триптих», $86,000,000
«Триптих 1976» английского экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона, проданный в 2008 году на аукционе Sotheby’s, в течение нескольких лет считался самой дорогой картиной, написанной после Второй мировой войны. Причем, картина попала не только в список самых дорогостоящих произведений искусства в мире, но и побила ценовой рекорд для работы художника. Она состоит из трех равных мрачных панелей, на каждой из которых изображены гипертрофированные человеческие фигуры — льется розовая кровь, кружат вороны и внутренние органы выставлены наружу. Специалисты объясняют высокую цену редкостью появления работ Бэкона на рынке — например, данное полотно не меняло владельца более 30 лет — и называют картину «Триптих 1976» пиком творческого гения экспрессиониста, в которой он максимально раскрывает свои собственные внутренние переживания и изображает трагедию существования.
Винсент ван Гог «Портрет доктора Гаше», $82,500,000
Очень долгое время — с 1990 по 2004 год — картина «Портрет доктора Гаше» голландского постимпрессиониста Винсента ван Гога, написанная в 1896 году незадолго до смерти художника и изображающая врача из клиники для душевнобольных, считалась самым дорогим произведением искусства по результатам аукционных торгов. С момента своего создания полотно постоянно переходило из рук в руки, оказавшись в 1990 году в руках японского миллионера Реэи Сато, который завещал похоронить себя вместе с шедевром. После смерти Саито в 1996 году точное местонахождение «Портрета доктора Гаше» остается неизвестным, что породило массу предположений о судьбе картины.
Клод Моне «Пруд с кувшинками», $80,500,000
Практически никто из коллекционеров и журналистов не удивился, когда в 2008 году на торгах Christie’s в Лондоне картина Клода Моне «Пруд с кувшинками» была продана за рекордные для французского художника 80,5 миллиона долларов. Традиционный для Моне сюжет — кувшинки — всегда пользовался популярностью среди коллекционеров. Хотя сами организаторы торгов из аукционного дома не ожидали столь высокого результата, так как картина не относится к более ранним или всемирно известным работам, а является лишь одним из многочисленных полотен с изображением кувшинок на водной глади. Эта картина, написанная в 1920 году в эпоху распространения в мире искусства модернизма и кубизма, интересна тем, что она написана всё еще в соответствии с канонами импрессионистов 1870-х годов.
5 картин, купленных в ходе закрытых сделок
Поль Сезанн «Игроки в карты», $250,000,000
Купленная картина «Игроки в карты» является последней из серий работ, написанных французским художником в период 1890 — 1895, и единственной, находящейся в частных руках. Специалисты называют её самой мрачной работой этой серии, а поэтому самой интересной и наиболее ценной. В этом году полотно за рекордные 250 миллионов долларов купила семья эмира Катара для национальной галереи страны, которая сейчас активно пополняется произведениями искусства.
Джексон Поллок «№5», $140,000.000
В 2006 году за 140 миллионов долларов была продана картина американского абстракицониста Джексона Поллока «Номер 5, 1948». По сообщениям прессы её приобрел крупный мексиканский финансист Дэвид Мартинес. Джексон Поллок стал основателем так называемой «капельковой, или льющейся, живописи», когда художник создает картину, даже не прикаясаясь к холсту. Его новаторский подход получил признание еще при жизни самого художника — в 1949 году журнал Life Magazine назвал его величайшим американским художником, — а после смерти Поллока коллекционеры раскупили все его холсты, даже не законченные.
Виллем де Кунинг «Женщина III», $137,500,000
В 2006 году американский миллионер и коллекционер Стивен Коэн заплатил за картину абстрактного экспрессиониста Виллема де Кунинга «Женщина III» 137 миллионов долларов. Американский художник голландского происхождения написал её в 1953 году в рамках серии работ, где центральной темой выступала женщина. В течение долгого времени картина находилась в Тегеранском музее современного искусства, но в 1994 году её продали и вывезли из страны.
Густав Климт «Адель Блох-Бауэр I» $135,000,000
В 2006 году картина Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр», известная также как «Золотая Адель» или «Австрийская Мона Лиза» была куплена в 2006 году американским предпринимателем и наследником косметической империи Рональдом Лаудером для основанной им Новой галереи в Нью-Йорке. Данное полотно является одним из самых значимых работ австрийского художника, так как оно было написано в 1907 году — в золотой период творчества Климта, когда он черпал вдохновение в богато украшенных золотом церковных мозаиках в Италии. Высокая цена картин Густава Климта из коллекции Фердинанда Блох-Бауэра объясняется редким появлением их на рынке, поэтому продажа сразу двух полотен в 2006 году вызвала большой ажиотаж в арт-кругах.
Энди Уорхол «Восемь Элвисов», $100,000,000
Уникальная работа Энди Уорхола «Восемь Элвисов» длиной в 3,7 метра была продана за 100 миллионов долларов после 40-летнего нахождения в доме римского коллекционера Аннибале Берлингьери. Картина выполнена в серебряном цвете — любимом у художника — и написана в 1963 году, в наиболее ценный период творчества Уорхола по меркам специалистов. Уорхола часто называют не только королем поп-арта, но и арт-рынка, так как за 26 лет своего творчества он и его помощники создали около 10 тысяч произведений искусства, что не уменьшает ценность его работ.
Абстракционист Марк Ротко тоже рисовал котиков. Вполне «конкретных» | Арт с котом
Усы, лапы, хвост – вот наши доказательства
Огромные картины Марка Ротко с цветными прямоугольниками, продающиеся на аукционах за огромные деньги, знают все.
Марк Ротко. Белый центр (жёлтое, розовое и лиловое на розовом). 205.8×141 см.1950. Частная коллекция. В 2007 году эта картина продана на аукционе Sotheby’s за 72,8 млн долларов.Марк Ротко. Белый центр (жёлтое, розовое и лиловое на розовом). 205.8×141 см.1950. Частная коллекция. В 2007 году эта картина продана на аукционе Sotheby’s за 72,8 млн долларов.
Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое. 236.2×206.4 см. 1961. Частная коллекция. В 2012 году это полотно на аукционе Christie’s было продано за 86,9 млн долларов, став самым дорогим произведением послевоенного искусства на тот момент.Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое. 236.2×206.4 см. 1961. Частная коллекция. В 2012 году это полотно на аукционе Christie’s было продано за 86,9 млн долларов, став самым дорогим произведением послевоенного искусства на тот момент.
Марк Ротко. № 6 (Фиолетовое, зелёное и красное). 1951. Частная коллекция. Это самая дорогая картина Ротко – в 2014-м в результате закрытой частной сделки полотно было продано за 186 млн долларов.Марк Ротко. № 6 (Фиолетовое, зелёное и красное). 1951. Частная коллекция. Это самая дорогая картина Ротко – в 2014-м в результате закрытой частной сделки полотно было продано за 186 млн долларов.
Но к абстрактному экспрессионизму Марк Ротко пришел только в конце 1940-х. А до этого были эксперименты с разными стилями – среди ранних работ Ротко можно найти пейзажи в духе импрессионистов, натюрморты в стиле Сезанна, портреты — как у Мунка. И даже котиков!
Марк Ротко. Белый кот (рисунок). Без даты. Национальная галерея искусств в Вашингтоне.Марк Ротко. Белый кот (рисунок). Без даты. Национальная галерея искусств в Вашингтоне.
В авторстве сомневаться не приходится – эта и все остальные работы Ротко из собрания Нацгалереи в Вашингтоне, приведенные в этом материале, попали в музей из семьи художника – от его детей Кейт Ротко-Прицел и Кристофера Ротко.
Марк Ротко. Женщина и кот. Холст, масло. 80.6 x 61 см. 1933. Национальная галерея искусств в Вашингтоне.Марк Ротко. Женщина и кот. Холст, масло. 80.6 x 61 см. 1933. Национальная галерея искусств в Вашингтоне.
От шутки о том, что в полосатых хвостах этих котиков Ротко уже содержится намек на его фирменные абстрактные картины, удержаться решительно невозможно.
Картины Марка Ротко.Картины Марка Ротко.
Немного теории: Искусство, в котором изображения сохраняют сходство предметов, объектов и явлений с реальным миром, называется фигуративным. Пока на картине можно узнать кота (пусть он даже ярко-синий или с восемью лапами) – это фигуративное искусство. Фигуративное искусство – это не только работы мастеров Возрождения, барокко или реализм художников-передвижников, но также импрессионизм (ведь в размытых, с неправдоподобными цветами картинах Клода Моне мы все же узнаем кувшинки, пруд, мост) и сюрреализм (обнаженная Гала и парящие над ней тигры с картины Дали вполне реалистичны). А вот экспрессионизм может быть фигуративным (как у Мунка – на картине «Крик» различимы человек, мост, небо) или нефигуративным (как абстрактный экспрессионизм Марка Ротко и Джексона Поллока). Кстати, ранние картины Ротко с котиками можно отнести к фигуративному экспрессионизму.Еще несколько фигуративных работ Марка Ротко из собрания Национальной галереи искусств в Вашингтоне: «Натюрморт с кувшином» (1926), «Эскиз. Пейзаж в тени» (1925), «Натюрморт с вазой и бутылкой» (1937-38).
Еще несколько фигуративных работ Марка Ротко из собрания Национальной галереи искусств в Вашингтоне: «Натюрморт с кувшином» (1926), «Эскиз. Пейзаж в тени» (1925), «Натюрморт с вазой и бутылкой» (1937-38).
Иллюстрации: nga.gov, artchive.ru
Подписывайтесь на канал «Арт с котом» в Яндекс. Дзен и в Telegram! Нам с котиками будет приятно:)
Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» : all_collector — LiveJournal
Продолжаю тему о коллекционерах живописи, покупающих картины на аукционах.
Самые дорогие картины русских художников ARTinvestment.RU 16 ноября 2017г.
МАРК РОТКО «Оранжевое, красное, желтое». 1961г.8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за $86,88 млн с учетом комиссии. Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 × 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем надолго отдали ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.
Рейтинг аукционных результатов произведений русского искусства. Составление рейтинга производилось по трем критериям:
1. К участию принимались только публичные аукционные результаты.
2. Принадлежность к русским художникам определялась по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР — значит, русский художник, без оглядок на этническое происхождение и скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский.
3. Правило: один художник — одна картина. То есть ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко, разрешается так: оставляем только самую дорогую работу, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируем.
За основу рейтинга взяты результаты с учетом премии покупателя (Buyers Premium), выраженные в долларах (цифры, показанные на европейских аукционах, т. е. в фунтах или евро, конвертированы в доллары по курсу на день торгов). Поэтому в рейтинг не попали ни «Испанка» Гончаровой, проданная 2 февраля 2010 года за £6,43 млн, ни картина «Вид Константинополя и пролива Босфор» Айвазовского, за которую 24 апреля 2012-го заплатили £3,23 млн. Да, в валюте сделки, т.е. в фунтах, они дороже картин, занявших место в рейтинге, а вот с курсом доллара им не повезло.
Источник: https://artinvestment.ru/invest/rating/top_russian_artists_auction_prices_rating.html#a1
Статья проиллюстрирована изображениями картин из Интернета.
Марк Ротко. Дорого. Очень дорого. Гораздо дороже. Дорого как только возможно. Еще дороже | Публикации
«Меня интересует единственно выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, отчаяния и так далее. То, что многие люди вдруг теряются и разражаются рыданиями перед моими картинами, означает, что я способен передавать эти основные человеческие эмоции. Если вас трогают только цветовые соотношения, вы упускаете суть».
Ох, и трудно же писать про абстракционистов. Про нормальных-то художников хорошо писать. У них-то в картинах сюжет есть. Дядьки, тетьки там, дворец какой-нибудь, лужок, на нем коровки, бычок (бык). Есть о чем поговорить. А тут о чем писать?
Оранжевый, красный, жёлтый
А писать надо. Во-первых, Ротко (MCMIII-MCMLXX) – столп. Во-вторых, за эту вот его работу в прошлом году было заплочено аж почти 80 000 000 долларов, и она стала самым дорогим произведением послевоенного искусства, когда-либо проданным на аукционах. А ведь, наверное, не дурак ее купил, раз такие деньги имеет. За что тогда такие бабки, когда, как добрые люди пишут в комментах к этой новости, у них дети не хуже намазюкают. А ведь за несколько лет до этого вот эту картинку Ротко продали почти за 73 000 000 долларов.
Белый центр
Понятно, если бы он изобразил доступными средствами какой-нибудь лужок с коровками и бычком (бык), пусть даже кривенько, как тот же Ван Гог. Глаз бы там нашел чего знакомое и отдохнул, а тут ему и остановиться не на чем. Нехорошая картина. Главное, вообще ни на что не похоже. И самое противное, так и должно быть в крепкой, качественной абстракции.
Придется, чтобы понять, в чем тут цимес, обратить пристальный взор на факты ротковской жизни. Может, там что есть. Может, удастся там найти объяснения его живописным выкрутасам. Это я так хитростью занимаюсь – раз картинки описать не получается, надо по биографии ударить. Мне же за количество знаков плотят.
В общем, на самом деле он — Маркус Яковлевич Роткович, опять же из наших отечественных евреев. Родился в Двинске, в семье работника фармацевтического прилавка. Ходил в хедер. Изучал Талмуд. Все, как положено. В 1910-1913 его многочисленная семья двумя порциями переехала в США, подальше от погромов и армии, в которую должны были по очереди попадать младшие Ротковичи и которая для еврея тогда была лишь ненамного лучше среднего погрома. В США папа, видимо, посчитав, что все полезное он уже сделал и семье больше не нужен, вскоре умер. Теперь Маркусу приходилось не только учиться, но и работать – об этом папа не подумал. В общем, закончил он школу с отличием, и поступил в Йельский университет… Надоело мне что-то его биографию рассказывать.
Короче, самое главное – универ он бросил, уехал в Нью-Йорк, там увидел, как его приятель в школе искусств рисует раздетую натуру, и тут его реально проперло от искусства. Ротко поступил в школу дизайна, где учился у Аршиля Горки – одного из ключевых в будущем абстрактных экспрессионистов, в ряды которых вступил со временем и сам. Еще он ходил на лекции художника Макса Вебера, где узнал, что искусство может выражать религиозные и политические идеи. Во, страна, ну все наоборот. Если бы он не уехал из России и стал бы тут тоже увлекаться искусством, то открытием для него было бы как раз то, что искусство может НЕ выражать никаких религиозных или политических идей. У нас же без идеи нельзя. Учился Ротко недолго.
Поучившись, он бурно занялся искусством. Выставлялся, писал манифесты, входил в объединение «Группа десяти», где, впрочем, никогда не было больше девяти. В те, тридцатые годы, его работы пребывали в рамках экспрессионизма, который тогда мог еще удивить разве американцев. Тем не менее, у Ротко и остальных членов группы была репутация жутких радикалов, и их не всюду пускали. В смысле, выставляться.
Вход в метро
Фантазия в подземке
Стоящие мужчина и женщина
В начале 40-х гг. в Америки сильно актуализировался интерес к сюрреализму в связи с массовым переездом его носителей из Европы – он был несовместен с культурной политикой национал-социалистической партии. Ротко переходит в сюрреалисты и изучает психоаналитическое наследие Фрейда и Юнга, отдавая предпочтение последнему.
Гефсимания
Архаический идол
Без названия
Тут у него есть понемногу и от Дали с Эрнстом – в первой работе, где достаточно иллюзионистически изображенная бредовая конструкция существует в некоем многозначительно безбрежном пространстве, и от Миро – в последней, в которой живут какие-то биоморфные образования. В целом, конечно, видно, что мастер еще не нашел себя, вполне вторичен по языку и тему раскрывает недостаточно хорошо. Да, в 1940 году Маркус Роткович становится Марком Ротко – он подал, наконец-то, документы на получение американского гражданства и, до кучи, американизировал свое название.
Шло время. Конкретно – вторая половина 40-х гг. Ротко был уже довольно пожилым и широко малоизвестным. Он много работал и часто думал, что бы такое отчетбучить, чтобы остаться навсегда в памяти благодарного человечества. Увидел работу Матисса «Красная студия» в музее, несколько часов простоял возле нее и сделал выводы.
Анри Матисс. Красная студия
Язык его работ становился все проще.
Без названия
Из них исчезает любой намек на фигуративность, на нарративность, на объем и пространство. Они превращаются в набор цветных пятен разной величины, совершенно непонятных растерянному зрителю и очень неаккуратно написанных. Так Ротко докатился до абстракционизма.
Мультиформа
№21
В самом конце 40-х гг. картинки Ротко приобретают свой классический вид. Вот благодаря им он и остался в памяти благодарного человечества.
Фиолетовое, черное, оранжевое, желтое на белом и красном
Вот так они приблизительно и выглядят, эти работы. Несколько цветов, обычно три-четыре-пять штук, организованных в неровные четырехугольники одинаковой длины.
№61 (Ржавый и голубой)
Картины – большие.
Собственно, цвет и размер – это два главных слова в том языке, которым с нами говорит Ротко. Сначала о цвете – он главнее.
«Тот факт, что художественная работа начинается с рисунка – уже академический подход. Мы начинаем с цвета» (Ротко). В принципе, такую фразу мог бы сказать уже любой закоренелый фовист, тот же Матисс – для них ведь цвет тоже был главным. На этом бы он и остановился – время-то дикое было, люди психоанализа не знали, хорошо воздействующий на зрителя цвет искали в темноте, на ощупь, голой эмпирикой подменяя твердое знание. Ротко же, как человек эпохи постсюрреализма, читавший Фрейда и Юнга, знает слово «архетип». Поэтому он, как и другой столп – Поллок – уходит в подсознание/бессознательное. Поллок уходил в индивидуальное бессознательное, искал там – и находил – буйные энергии, которые предъявлял миру в виде шаманских телодвижений с краской в руках. Ротко же шатался по коллективному бессознательному в поисках тех самых архетипов – устойчивых реакций и досознательных представлений, связанных с тем или иным цветом. Это когда один цвет вызывает одну эмоцию, другой – другую, а их сочетание – третью. Т.е. он хотел общаться с потребителем на самом искреннем, честном, всеобщем и практически неизменяющемся праязыке, который всем известен, но, по мере неизбежного взросления человека и восприятия им культуры во всех ее проявлениях, уходит и забывается*. Идеальными творцами и зрителями в этой ситуации являются, конечно, маленькие дети** и представители примитивных культур, у которых и творческий акт, и его восприятие происходят помимо разума и культуры***.
№1. (Королевский красный и голубой)
Черное на коричневом
Для того, чтобы зритель вошел в рабочее состояние и начал правильно воспринимать работы, у Ротко существовал ряд жестких экспозиционных и поведенческих принципов. Зал, в котором экспонировались эти работы, не должен был быть проходным. Также не должно было быть каких-то чужих работ или объектов, отвлекающих внимание. Освещение предполагалось скудное****, окна – закрытые. Работы должны были висеть в 30 см от пола и на значительном расстоянии друг от друга. Никаких массивных рам, максимум — скромный тонкий багет. Зрителю полагалось находиться на расстоянии 40 см от картинки и стоять спокойно, вдумчиво. Если все это соблюдалось, то зритель, благодаря еще и большому размеру работ,
оказывался как бы внутри них. Неровные края лаконичных четырехугольников, краски, просвечивающие сквозь друг друга, достаточно заметные мазки – четырехугольники не залиты однородно, они написаны — рождали эффект некоего мерцания, пульсации, что еще больше затягивало зрителя внутрь работы. Т.е. Ротко создавал перед своей работой насыщенное пространство, являющееся частью этой работы. Эффект, сравнимый с тем, что существует при общении с древнерусской иконой. Так ли это на самом деле, я не знаю. Это тот самый случай, когда, по выражению Жванецкого, как никогда, важен личный приезд. Я же наблюдал Ротко только в репродукциях. Поэтому в оценке того, прижился ли конструкт Ротко или не прижился, я вынужден опираться на свидетельства третьих и четвертых лиц, и свидетельства эти свидетельствуют, что – прижился. Да и цены на его работы об этом тоже свидетельствуют*****.
Черный на красно-коричневом
Голубой, оранжевый, красный
Икона тут не лишняя еще и потому, что Ротко, по всей видимости, создал свой вариант религиозной живописи. Видимо, сказались и хедер, и Талмуд, и еврейский запрет на изображение Бога. Во всяком случае, его высшее достижение – это так называемая капелла Ротко, над работами для которой он работал в конце жизни. 14 работ соответствовали 14 остановкам, сделанным Христом на Крестном пути.
Капелла экуменической церкви в Хьюстоне
Капелла экуменической церкви в Хьюстоне
Это был идеальный вариант – специально построенное для работ Ротко здание, внутри которого были соблюдены все его экспозиционные принципы.
К этому времени Ротко был мировой звездой. Персоналки в престижнейших выставочных местах, Венецианское биеннале, заказы, цены на работы и т.д. Но счастья в его жизни не было. Он и так-то был алкоголик со стажем, а тут еще у него нашли артериальную аневризму. На призывы зажить здоровой жизнью, соблюдать режим дня и держать диету он забил – продолжал бухать и курить. С женой у него были плохие отношения, вплоть до развода – он уже и дома не жил, ночевал в мастерской. Короче, 25 января 1970 года Ротко съел кучу антидепрессантов и перерезал, для верности, себе вены******. Не спасли.
* Что-то подобное до Ротко делали в поэзии наши заумники вроде Хлебникова и Крученых и обэриуты. Ну, и дадаисты, конечно. И сюрреалисты типа Миро.
** Вот та самая реакция, которой алкал Ротко. Эстетический опыт дитя практически равен нулю, тем не менее, мы видим совершенно эстетическое переживание, основанное на тех самых архетипах.
*** «Я отказываюсь от естественного изображения только для того, чтобы усилить выражение темы, заключенной в названии». Это высказывание Ротко можно было бы считать издевательским – названия-то вы уже видели, какая там тема? На самом деле, все правильно. Тема – это цвета, вызывающие эмоции. Эмоции же он не называет, т.к. это будет уже подсказкой, вторжением той самой культуры. Это будет тем самым насилием над зрителем, которого он хочет избежать.
**** Известная история, когда на выставке «Пятнадцать американцев» Ротко постоянно выключал часть светильников в своем зале. Как только он уходил, организатор выставки Сидней Джанис тут же их зажигал. «Иначе тускло и мрачно получается», — говорил он.
***** Конечно, ценообразование на арт-рынке – тема особая. Цена на работу складывается из множества факторов, среди которых присутствует и миф о художнике. Наличествуют, конечно, и маркетинговые усилия разных по-разному заинтересованных лиц. Тем не менее, как показывает опыт, долго впаривать туфту за бешенные деньги не удается. Это как с поп-звездами – можно устроить им блестящую славу на несколько лет, но потом их все равно забудут. А Битлз – вечны!!!
****** В мире абстрактного экспрессионизма, вообще, было довольно неблагополучно. Из тех, кто, так или иначе, был с ним связан, многие были суровыми алканами. Поллок, де Кунинг, например. Много самоубийц. На вскидку – Горки, Рейнхардт, с Поллоком неясно – была ли это автокатастрофа. Вот следующий за ним поп-арт был в этом смысле гораздо позитивнее. Там куча долгожителей, никто, вроде, сам себя не убивал. Все-таки неблагодарное это дело – бродить в сумерках бессознательного.
Автор: Вадим Кругликов
Марк Ротко — фото, биография, личная жизнь, причина смерти, картины
Биография
Американский художник Марк Ротко является всемирно признанным мастером абстрактного экспрессионизма, стоявшим у истоков создания техники живописи цветового поля. Его наследие, насчитывающее 836 работ на холсте, сейчас оценивается в десятки миллионов долларов и находится в крупнейших мировых коллекциях, включая картинную галерею Расе в Нью-Йорке и Музей Тиссена-Борнемисы в Мадриде, а самыми ценными признаны картины «Оранжевое, красное, желтое», «№ 10», «№ 6» («Фиолетовое, зеленое и красное») и «№1 » («Королевский, красный и голубой»).
Детство и юность
Марк Ротко, ранее именовавшийся Маркус Яковлевич Роткович, родился 25 сентября 1903 года в городе Витебской губернии, на месте которого сейчас находится Даугавпилс, административный и культурный центр Латвии. Мальчик получил всестороннее образование и научился говорить и читать на 3 языках. В среде, где воспитывались представители иудаистского вероисповедания, часто случались обвинения на религиозной и политической почве, поэтому с раннего возраста Марк с братьями и сестрами жил в притеснении и страхе.
Портрет Марка Ротко / Art SYПарень смог получить образование в традиционной еврейской школе, а затем, чтобы оградить детей от воинской службы в подразделениях Российской империи, семья иммигрировала в Соединенные Штаты. Едва обосновавшись в Портленде, Ротковичи пережили трагедию, связанную со смертью кормильца, и это событие заставило их отказаться от безбедного существования и начать самостоятельно зарабатывать на жизнь.
Пока мать и старшие дети добывали средства на пропитание, Маркус в 1921 году окончил среднюю школу Линкольна и, овладев английским языком, стал активным членом еврейской общины и адептом дискуссий по вопросам политики. Увлекаясь проблемами интересов трудящихся и прав женщин на использование контрацептивов, Ротко оказался в центре радикальных рабочих собраний, где выступали известные американские анархисты Билл Хейвуд и Эмма Голдман.
Читайте такжеСамые известные художники в миреПочувствовав призвание к искусству, молодой человек поступил в школу дизайна и прослушал курс лекций прославленного теоретика абстрактного экспрессионизма Аршила Горки, переехавшего в Америку в годы геноцида армян в городах Османской империи. После этого Маркус перешел в Лигу студентов-искусствоведов и попал под влияние Макса Вебера, ставшего известным благодаря работам в стиле кубизм.
Под руководством этого талантливого педагога Ротко сформировал собственный взгляд на живопись и понял, что картины можно использовать как инструмент эмоционального и религиозного самовыражения.
Живопись
Его полотна, представлявшие мрачные интерьеры и сцены из жизни горожан, были хорошо восприняты критиками. Экспозицию картин Ротко представили в галерее современного искусства в Нью-Йорке, и художник заслужил внимание искусствоведов благодаря использованию богатых цветовых полей в качестве протеста против эквивалентности буквальной американской живописи.
Картина Марка Ротко «Красный на темно-бордовом» / Арт-архивСтиль, характерный для произведения «Купание, или Сцена на пляже», начал меняться в сторону примитивизма, в котором мрачные краски уступили место богатству ярких цветовых полей. В 1936 году этот метод живописи Ротко попытался описать в теоретической работе, но книга, рассказывавшая о формальных и стилистических инновациях, так и не была окончена и опубликована при жизни художника.
Стремясь выйти за рамки предметов, имевших социальное и политическое воздействие, Марк с последователями обратился к пространству человеческого сознания, выходящего за пределы конкретной истории и культуры. И с этого момента целью искусства для художника стало заполнение внутренней духовной пустоты.
Картина Марка Ротко «Лаванда и шелковица» / Арт-архивМногие картины, написанные под влиянием этой идеи, стали переосмыслением мифологических сюжетов и получили названия «Антигона», «Эдип», «Жертва Ифигении» и «Алтарь Орфея». Впрочем, со временем Ротко перестал именовать собственные работы и ограничился нумерацией или описанием использованных цветов.
Именно в таком формате полотна художника были представлены в знаменитом арт-центре, принадлежавшем Пегги Гуггенхайм, и, несмотря на резкую критику, некоторые из них были проданы по цене $150-750.
Картина Марка Ротко «Белый центр» / Арт-архивПозже многие из разгромленных работ на протяжении 7 лет ежегодно демонстрировались в Музее американского искусства Уитни. Стоимость таких картин, как «Лаванда и шелковица», «Белый центр», «Красный на темно-бордовом» и «Синий, зеленый, коричневый», достигла отметки в сотни тысяч долларов.
Коммерческий успех не радовал художника, и в середине 1960-х годов он задумал новый проект, названный Часовней Ротко. Интересен тот факт, что автор идеи, являвшийся иудеем по рождению, решил оформить помещение в римско-католическом стиле. В итоге работы, созданные в рамках этого проекта, стали кульминацией творчества за последние 10 лет, их можно увидеть на фото в каталогах и художественных альбомах.
Личная жизнь
В компании начинающих художников Ротко познакомился с дизайнером ювелирных изделий Эдит Сахар, и в 1933 году эта милая беззаботная девушка стала его женой. В 1937 году супруги расстались и после примирения так и не смогли полностью наладить личную жизнь. В 1943-м пара окончательно рассталась, художник пребывал в длительной депрессии, болезненно переживая произошедший разрыв.
Марк Ротко и его жена Мелл Бейстл / HaaretzСпустя 2 года Ротко встретил новую возлюбленную и вскоре женился на Мэри Элис Бейстл, которую общие знакомые по-дружески называли Мелл. Благодаря ее влиянию художник преодолел уныние и написал абстракции, самой знаменитой из которых стала картина «Медленный водоворот на краю моря».
Впоследствии пара много путешествовала. Во время визита в Европу в 1950 году у них родилась дочь, которую назвали Кейт в честь матери Ротко. Но после болезни, вызвавшей импотенцию, художник развелся со второй супругой и последние годы прожил один.
Смерть
В 1968 году Ротко начал страдать приступами физической слабости, и после обследования врачи диагностировали легкую аневризму аорты и сделали ряд предписаний, исключавших перенапряжение и физические нагрузки. Но Марк пренебрег советами и продолжал работать, пить и курить.
Читайте также7 звезд, смерть которых связывают с курениемВ итоге он начал мучиться приступами депрессии и 25 февраля 1970 года покончил с собой. В день, когда последние работы прибыли в Часовню Ротко, тело художника обнаружили на полу мастерской. После вскрытия выяснилось, что причиной смерти стала передозировка барбитуратов, вызвавшая остановку сердца и кровоизлияние в мозг.
Картины
- 1947 – «Желтое, красное и оранжевое»
- 1949 – «Фиолетовое, черное, оранжевое, желтое на белом и красном»
- 1949 – №3/№13 («Magenta, Black, Green on Orange»)
- 1950 – «Белый центр» («Yellow, Pink and Lavender on Rose»)
- 1951 – №2 (№7 и №2)
- 1953 – Без названия
- 1953 – №3
- 1953 – №61 («Rust and Blue»)
- 1954 – №1 («Royal Red and Blue»)
- 1956 – «Orange and Yellow»
- 1959 – «Black on Maroon»
- 1964-1967 – Часовня Ротко
- 1966 – Без названия («Blue Divided by Blue»)
Оранжевый, Красный, Желтый, 1961 Марк Ротко
На этой яркой картине Марка Ротко использованы тона оранжевого, красного и желтого цветов в его стиле Цветового поля, который к этому моменту он использовал уже более десяти лет.
Прямоугольники в этой картине не доходят до краев холста и кажутся парящими над его поверхностью.Это ощущение усиливается эффектом хроматического остаточного изображения. Взгляд на каждый цветной сегмент по отдельности влияет на восприятие соседних с ним. Красно-оранжевый центр картины окрашивает желтый цвет над ним с небольшим количеством зеленого. Желтый цвет выше, кажется, окрашивает оранжевый в синий. Несмотря на эти цветовые отношения, Ротко не хотел, чтобы его картины ценились исключительно за их призрачные качества. По его словам, через сорок два года после своей смерти Марк Ротко устанавливает рекорды на аукционе Christie’s, у которого, опять же, есть свои причины ходить по страницам истории.
Блестящий дух товарищества трех цветов: оранжевого, красного и желтого — вневременное творение Ротко 1961 года побило все рекорды послевоенного и современного искусства, собрав 87 миллионов долларов. Рекорд Ротко (превысивший 72,8 миллиона долларов, потраченных на «Белый центр» (желтый, розовый и лавандовый на розовом) в 2007 году) наступил через неделю после того, как «Крик» Эдварда Мунка стал самым дорогим произведением искусства, проданным на аукционе, когда-либо. За последние годы современное искусство значительно выросло в цене, и теперь по-настоящему глобальная аудитория конкурирует за все, что угодно, от лучших западных художников 20-го века.По мере того как богатые нефтью страны пытаются диверсифицировать свою экономику, привлекая внимание туристов, цены на эти картины продолжают расти. Сам Ротко хорошо обслуживается рядом художественных учреждений по всей Северной Америке и Европе, а это означает, что очень немногие из его работ теперь когда-либо будут выставлены на частные аукционы в ближайшее время.
Ротко менял цветовые схемы своих работ в разные периоды, но теплые тона были среди его наиболее часто используемых, оранжевый и желтый — еще один пример этого.Он также использовал темные тона на более поздних этапах своей карьеры, а также экспериментировал с другими цветами, такими как ржавчина, синий и различные оттенки серого в разное время. Он хотел, чтобы мы, по сути, вошли в его картины, по-настоящему почувствовали себя их частью, и поэтому он работал над такими большими полотнами. Он также тщательно планировал, как они будут развешиваться на различных выставках, чтобы зрители могли получить правильный опыт. Оранжевый, Красный, Желтый был более двух метров в высоту и ширину, что позволяло сделать его шире, чем смотрит большинство людей, что увеличивало их способность сноситься с предметом, если для этого им потребовалось достаточно времени.Он не был художником, которого можно было бы оценить, бегло взглянув на его работы.
Художник редко давал своим картинам особо креативные имена, особенно когда работал в рамках движения «Цветовое поле». Многие из них остались без названия, что оставило искусствоведам задачу найти способы различить их для целей документирования карьеры Ротко. В то время как каталог rainsonnes дает единый код для каждой работы, чтобы помочь в этом процессе, это не подходящий способ для других рассказывать о различных произведениях из его карьеры.Это привело бы к тому, что другие добавляли год к каждой работе и, возможно, также использовали выбранные цвета. В случае с этой картиной, она на самом деле была названа самим Ротко как «Оранжевый, Красный, Желтый», и поэтому она имеет уникальный титул за всю его карьеру. Хотя он много раз использовал одни и те же тона, это конкретное сочетание цветов не повторяется в других местах таким же образом.
«… Красный — это цвет, который очаровывает Ротко больше всех остальных. Ни один другой цвет не появляется так настойчиво в его творчестве со времен многообразия. Он доминирует в работах Ротко пятидесятых и шестидесятых годов и фактически был цветом его последней картины. Красный настолько силен оптически, что подавляет или стирает другие оттенки, если он не разбавляется или не контролируется путем сопоставления, как это сделал Мондриан, с такими же яркими цветами, такими как черный и белый или другими основными желтыми и синими цветами. Но Ротко часто использует его в одиночку, изменяя его тональность в зависимости от эмоции, которую он хочет выразить.Возможно, Ротко так привлек красный цвет из-за его сильных и основных ассоциаций: он отождествляется со стихиями и ритуалом — с огнем и кровью — и, таким образом, с жизнью, смертью и духом. Философ-экзистенциалист Кьеркегор, которым Ротко и его друзья глубоко восхищались, писал трогательно красным, что напоминает живопись Ротко. «Результат моей жизни — просто ничего, настроение, один цвет. Мой результат похож на картину художника, который должен был написать картину израильтян, пересекающих Красное море.С этой целью он покрасил всю стену в красный цвет, объяснив, что израильтяне уже переправились, и что египтяне утонули »…»
Дайан Уолдман
Художник промывает холст простым малиновым тоном, а затем добавляет прямоугольники теплой краски, которые разыгрывают его любовную связь с помощью красных и оранжевых тонов.Желтая полоса вверху небольшого размера, впитывает цвет за пределами прямоугольника, оставляя его грязным. Это позволяет другим прямоугольникам доминировать над глазом. Ко времени написания этой работы Ротко действительно был на пике своей славы и стал особенно уверенно работать в этом стиле. Чаще всего он использовал эту цветовую схему в течение последних 1950-х — начала 1960-х годов. В этот период также были созданы его фрески с диаграммами, а также некоторые из них для Гарварда. Это был ключевой период, когда возможности постоянно открывались, и вся тяжелая работа предыдущих десятилетий экспериментов начинала окупаться.
Оранжевый, Красный, Желтый от Марка Ротко
| Оранжевый, красный, желтый | |
|---|---|
| Художник | Марк Ротко |
| Год | 1961 |
| Средний | Холст, акрил |
| Расположение | Частное собрание |
| Габаритные размеры | 93 дюйм × 81¼ дюйм |
| 236.2 см × 206,4 см | |
| Известные картины Марка Ротко | |
| Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розовом), 1950 | |
| Четыре темных в красном, 1958 | |
| Без названия (Черное на сером), 1970 | |
| № 3 / №. 13 (пурпурный, черный, зеленый на оранжевом), 1949 г. | |
| Оранжевый, Красный, Желтый, 1961 | |
| Черный на бордовом, 1958 | |
| Комплексные работы |
Оранжевый, красный, желтый — известная картина художника Марка Ротко «цветное поле».Он написал это впечатляющее произведение искусства в 1961 году, и оно считалось одной из самых дорогих картин в истории. На самом деле, когда он был продан на открытом аукционе в 2012 году, он стоил более 86 миллионов долларов.
Основные моменты произведений искусства
Картина « Апельсин, красный, желтый » Марка Ротко отражает зрелый стиль художника, и вы найдете около двух или трех прямоугольников, которые расположены на фоне, окружающем их всех. Более того, фон имеет тенденцию отделять фигуры друг от друга.Любой наблюдатель также заметит, что прямоугольники не имеют четкого качества, у них отсутствуют оптические изломы. Такое расположение позволяет зрителям взглянуть на фигуру более задумчиво и глубоко.
Этот блестящий шедевр, казалось, светился изнутри, что придавало ему особую привлекательность. Ротко смог добиться этого, нанеся несколько тонких слоев краски и размазав ее тряпкой или кистью на неподготовленном холсте. Среда впитала все цвета в ткань, а тонкие смывки краски помогли придать цветам некую яркость и сияние.
О художнике
Ротко имел латышско-еврейское происхождение, но он и его семья иммигрировали в Соединенные Штаты, когда ему было всего 10 лет. Из-за своего художественного стиля он был отнесен к категории абстрактного экспрессиониста. Однако Ротко не любил этот ярлык, поэтому он отказался называться абстрактным художником.
Оранжевый, красный, желтый был среди его лучших работ, и наблюдатели должны стоять очень близко к картине, чтобы они могли почувствовать себя окруженными поразительными цветами.Целью Ротко было дать возможность зрителям ощутить все эмоции, воплощенные в этих цветах, такие как экстаз, гибель и трагедия. Фактически, он заявил, что несколько наблюдателей за картиной плакали и испытывали сильные эмоции, когда смотрели и стояли рядом с его работами.
Биография Марка Ротко (1903–1970) — Русско-американский художник
| Марк Ротко | |
|---|---|
| Автор фото: Wikipedia Creative Commons | |
| Родился | сен.25, 1903 Двинск, Витебская губерния, Российская Империя (ныне Даугавпилс, Латвия) |
| Умер | 25 февраля 1970 г. (66 лет) Манхэттен, Нью-Йорк, США |
| Национальность | Российская Империя Американский |
| Образование | Йельский университет (выбыл через 2 года) Центральная школа искусств (зачисление на короткий срок) Лига студентов-художников Нью-Йорка (под опекой художника Макса Вебера) |
| Механизм | Абстрактный экспрессионизм, цветовое поле |
| Поле | Живопись |
| Известные картины Марка Ротко | |
| Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розовом), 1950 | |
| Четыре темных в красном, 1958 | |
| Без названия (Черное на сером), 1970 | |
| No.3 / Нет. 13 (пурпурный, черный, зеленый на оранжевом), 1949 г. | |
| Оранжевый, Красный, Желтый, 1961 | |
| Черный на бордовом, 1958 | |
| Комплексные работы |
Марк Ротко (25 сентября 1903 — 25 февраля 1970) был гражданином США, который вернулся в Соединенные Штаты из России в 1913 году. Его семья проживала в Портленде, штат Орегон, и его детство было наполнено проблемами общество и политика, которые происходили в то время.Он был умным молодым человеком и был принят в Йельский университет в 1921 году с мечтой стать лидером профсоюзов. К сожалению, его мечты были оборваны, когда он бросил университет через два года после поступления, когда решил исследовать страну. Через несколько лет он решил поселиться в Нью-Йорке. Жизнь в городе, наполненном шумными художниками и страстью к искусству, должно быть, сильно повлияла на него, поскольку он решил заняться живописью. Ротко был в основном самоучкой, но он также мог учиться под руководством Макса Вебера.Позже он будет известен своими работами, которые установили созерцание интроспекции в школе мысли: мелодраматический абстрактный экспрессионизм после Второй мировой войны. Его смелое использование цвета для выражения своих идей проложило путь к созданию и развитию Живописи цветового поля.
Первоначально он работал в реалистическом стиле, который был очевиден в его ранних работах, серии картин под названием «Серия метро», созданных в 1930-х годах, которые отражали безнадежные эмоции, происходящие в унылой городской среде.Это искусство было тем, что вдохновило на создание сцены крещения 1945 года, которая была ритуальной по своей природе и имела полуабстрактные биморфные формы. Примерно в 1948 году, через 3 года после сцены крещения, он смог достичь своей индивидуальной формы жанра — абстрактного экспрессионизма. В отличие от большинства художников того же жанра, он не использовал традиционные театральные или яркие манеры, такие как разбрызгивание краски или резкие мазки кисти. В качестве альтернативы он решил использовать метод размещения огромного количества смежных цветов, которые он расплавил, в результате чего произведение искусства выглядело так, как если бы цвета плавали параллельно плоскости изображения в почти неопределенном пространстве.В последние годы своей жизни он потратил огромное количество времени на постоянное очищение этого основного метода. Один из способов заключался в том, чтобы ограничить использование изображений на его холсте двумя или тремя прямоугольниками с «мягкими краями», которые были размещены вертикально и занимали длину всей стены.
Несмотря на огромные размеры, его работы не преминули передать ощущение знакомства, которое успешно достигалось благодаря блестящему использованию цветов. Ротко был занят, работая над несколькими холстами, а точнее четырнадцатью, с 1958 по 1966 год.Самый большой из них был примерно 3,5 метра или 11,15 футов. Эта картина была повешена в внеконфессиональной часовне, расположенной в Хьюстоне, штат Техас, которая была названа в честь художника, когда он покончил жизнь самоубийством в 1970 году. Серия имела отчетливое монохроматическое ощущение, в основном цвета коричневого, бордового, красного и черного, которые глубоко отразил жизнь художника перед смертью. Считалось, что его самоубийство 25 февраля 1970 года произошло из-за плохого состояния его здоровья и твердой уверенности в том, что его слава и его репутация были забыты обществом и теми, кого он учил в период расцвета сил.
Как и следовало ожидать, после его кончины его живопись стала сенсацией, положив начало одному из самых ярких и многогранных судебных дел в истории современного искусства, которое длилось более десяти лет (1972–1982). Выяснилось, что художник хранил большое количество своих работ, в сумме до 798 картин, в том числе несколько эскизов и рисунков. Дочь умершего художника, Кейт Ротко, предъявила обвинения исполнителям имущества его отца Бернарду Дж. Рейсу, Мортону Левину, Теодоросу Стамосу и Фрэнку Ллойду.Последний является владельцем нью-йоркской галереи Marlborough. Им было предъявлено обвинение в заговоре и конфликте интересов, продвижении работ Ротко для собственной финансовой выгоды. Наконец, после одиннадцати лет ожидания суды вынесли решение в пользу Кейт Ротко и привлекли исполнителей к ответственности и приговорили к выплате значительной суммы ущерба. В те годы, когда продолжался судебный процесс, был создан новый совет Фонда Марка Ротко, а 798 работ художника были разделены между его двумя детьми и Фондом.В 1984 году Фонд решил передать свою долю картин девятнадцати музеям в нескольких странах, а именно в Великобритании, США, Нидерландах, Дании и Израиле. Среди всего прочего, большинство работ было размещено в Вашингтоне, округ Колумбия, в Национальной галерее искусств.
Ротко прожил жизнь настоящего художника. Он не позволял правилам и техникам своего времени мешать его творческому духу. Он рискнул отправиться в неизвестность, чтобы усовершенствовать свои методы. Даже в своем собственном жанре, абстрактном экспрессионизме, он оставил свой след.Не боясь отличаться от художников своего времени или отличаться от них, он дал путь развитию чего-то столь же значительного, как Живопись цветового поля. Поистине, Ротко — великий художник!
Оранжевый, Красный, Желтый от Марка Ротко на ArtEx
«Я думаю о своих картинах как о драмах, формы в картинах — это исполнители». — Марк Ротко
Все успешные художники — рассказчики, а Марк Ротко несомненно был мастером своего дела.Его произведения, наполненные историческими, библейскими и мифологическими отсылками, представляли собой сложные повествования, посвященные широкому кругу философских вопросов. Глубоко религиозный человек, Ротко часто занимался поисками человечества духовности и единства с Богом — экзистенциальными темами, которые каждое поколение исследует по-своему, используя уникальные инструменты и словарь своего времени.
Возможно, любимым инструментом Марка Ротко, его любимым «словом» или даже сюжетной линией был красный цвет. В Orange, Red, Yellow y можно ясно увидеть, как его интенсивность, его изначальные качества, его сила, его вибрация, его чистота и его способность преодолевать границы — все это привлекло Ротко.Как отметила Дайан Вальдман в своей монографии о художнике 1978 года: «Красный — это цвет, который очаровывает Ротко больше всех остальных. Ни один другой цвет не появляется так настойчиво в его творчестве со времен многообразия. Он доминирует в работах Ротко пятидесятых и шестидесятых годов и фактически был цветом его последней картины. […] Возможно, Ротко так привлек красный цвет из-за его сильных и основных ассоциаций: он отождествляется со стихиями и ритуалом — с огнем и с кровью — и, таким образом, с жизнью, смертью и духом.”
Когда вы оказываетесь перед картиной Марка Ротко, думайте об этом как о медитации. Это займет время. Размышляйте о цветах, о пространстве, которое они занимают, и об эмоциях, которые вы испытываете, глядя на холст. Абстракции Ротко, его сюжетные линии не репрезентативны, поэтому лучше не искать образных ассоциаций. Также они очень большие, что позволяет очистить периферическое зрение и сосредоточиться исключительно на подручной палитре. В 1951 году Уайт, выступая на симпозиуме о том, как совместить архитектуру, живопись и скульптуру в Музее современного искусства в Нью-Йорке, сказал следующее о масштабе своих картин: «Причина, по которой я рисую [большие картины] именно потому, что я хочу быть очень близким и человечным.Нарисовать маленькую картину — значит поставить себя за пределы своего опыта, смотреть на опыт как на стереоптикон или с уменьшающимся стеклом… (но), как бы вы ни рисовали большую картину, вы в ней. Это не то, что вы приказываете «.
В мае 2012 года картина установила рекорд художника на аукционе. Christie’s в Нью-Йорке продал эту работу, находившуюся в частной коллекции с 1967 года, на общую сумму 86,9 миллиона долларов, что более чем вдвое превышает нижнюю оценку в 35–45 миллионов долларов.
Эта статья © galleryIntell
Марк Ротко (1903-1970)
«Поскольку я вовлечен в человеческий фактор, я хочу создать состояние близости — немедленную сделку.Большие изображения перенесут вас в них. Для меня огромное значение имеет масштаб — человеческий масштаб. Чувства имеют разный вес: я предпочитаю вес Моцарта Бетховену из-за его остроумия и иронии, и мне нравятся его масштабы. У Бетховена остроумие на ферме. Как может человек быть значимым, не будучи героем? Это моя проблема. Мои картины связаны с этими общечеловеческими ценностями. Я всегда думаю об этом. Я думаю, что маленькие картины времен Возрождения подобны романам: большие картины подобны драмам, в которых человек принимает непосредственное участие.Разный предмет требует разных средств »(М. Ротко,« Из лекции в Институте Пратта, Бруклин, 27 октября 1958 г. », цитируется в М. Лопес-Ремиро, (ред.) Марк Ротко: Writings on Art , New Haven , 2006, стр. 128).Оранжевый, Красный, Желтый — это большой монолитный холст, излучающий теплый и огненный ряд мерцающих ярко-красных прямоугольников на более прохладном и тонко окрашенном малиновом размытом фоне, который Ротко нарисовал на самой высоте его карьера в 1961 году. Смелая, мощная и впечатляющая работа, которая мощно излучает почти эпическое ощущение жизненной силы, это одно из нескольких больших красочных полотен, которые Ротко неоднократно писал в конце 1950-х — начале 60-х годов в период между создание его фресок Seagram 1958 года и фресок Гарварда 1961/2.
Как показано в этих двух сериях фресок, красный был для Ротко преобладающим цветом в его искусстве. Это был основной цвет жизни, страсти, дионисийской энергии, огня, ритуала и драмы, и, возможно, по этой причине — потому что это были фундаментальные элементы существования, которые он стремился передать своей уникальной манерой живописи. — что это было так часто в различных оттенках красного, что картина Ротко в конечном итоге обрела форму. Как указала Дайан Уолдман в своей монографии об художнике 1978 года: «Красный — это цвет, который очаровывает Ротко больше всех остальных.Ни один другой цвет не появляется так настойчиво в его творчестве со времен многообразия. Он доминирует в работах Ротко пятидесятых и шестидесятых годов и фактически был цветом его последней картины. Красный настолько силен оптически, что подавляет или стирает другие оттенки, если он не разбавляется или не контролируется путем сопоставления, как это сделал Мондриан, с такими же яркими цветами, такими как черный и белый или другими основными желтыми и синими цветами. Но Ротко часто использует его в одиночку, изменяя его тональность в зависимости от эмоции, которую он хочет выразить.Возможно, Ротко так привлек красный цвет из-за его сильных и основных ассоциаций: он отождествляется со стихиями и ритуалом — с огнем и кровью — и, таким образом, с жизнью, смертью и духом. Философ-экзистенциалист Кьеркегор, которым Ротко и его друзья глубоко восхищались, писал трогательно красным, что напоминает живопись Ротко. «Результат моей жизни — просто ничего, настроение, один цвет. Мой результат похож на картину художника, который должен был написать картину израильтян, пересекающих Красное море.С этой целью он покрасил всю стену в красный цвет, объяснив, что израильтяне уже перешли, и что египтяне утонули »(Д. Вальдман, Марк Ротко, , Лондон, 1978, стр. 57-8)
Именно появление Анри Матисса Red Studio в Музее современного искусства в Нью-Йорке впервые вдохновило Ротко на его великий прорыв, позволивший цвету только быть носителем смысла в его работах. на той картине, «об этом позже говорил Ротко», вы стали цветом, вы стали полностью им пропитаны, как если бы это была музыка »(М.Ротко цитируется в J. E. B. Breslin Mark Rothko: A Biography , Chicago 1993, p. 283). И именно это прямое, неразбавленное, непосредственное переживание возвышенного ощущения цвета как жизненной, но также нематериальной сущности, казалось бы, пульсирующей через зрителя почти физическим образом, Ротко стремился воплотить в своих собственных картинах.
Действительно, Ротко однажды заявил, что он хотел, чтобы его картины создавали такое «присутствие», чтобы «когда вы повернулись к картине спиной, вы почувствовали бы это присутствие так же, как вы чувствуете солнце на своей спине» (М.Ротко цитируется в J. E. B. Breslin Mark Rothko: A Biography , Chicago 1993, p. 275). Работа, такая как Оранжевый, Красный, Желтый , иллюстрирует это ощущение погружения в цвета картины до такой степени, что можно физически ощущать его излучающее присутствие на своей спине, и это может быть достигнуто только с помощью тонкой комбинации. увеличения цвета и рисования в таком большом масштабе, что сияющие прямоугольные цветные поля кажутся физически резонирующими и гудят с мерцающей энергией, как если бы они были облаками на закате, отбрасывающими теплые тени на пейзаж.Здесь, слегка проявляя себя как непрозрачные сущности, которые, кажется, постепенно материализуются из более холодной градуированной поверхности тонко промытого холста, обширные поля богатой волнообразной энергии ярко-красного цвета Оранжевый, Красный, Желтый медленно проявляют себя как способны определять и изменять настроение и эмоции зрителя, которого они окружают.
Именно по этой причине Ротко почувствовал, что, несмотря на их масштаб, именно большие картины, такие как Оранжевый, Красный, Желтый , на самом деле были одними из самых личных, трогательных и интимных из его работ.Как он заявил на симпозиуме в Музее современного искусства в 1951 году: «Я понимаю, что исторически функция рисования больших картин заключается в том, чтобы рисовать что-то очень грандиозное и помпезное. Однако причина, по которой я их пишу, — я думаю, это применимо к другим художникам, которых я «знать» — это именно потому, что я хочу быть очень близким и человечным. Нарисовать маленькую картину — значит поставить себя за пределы своего опыта, посмотреть на опыт как на стереоптикон или с уменьшающимся стеклом … (но), как бы вы ни были нарисуйте большую картину, вы в ней.Это не то, что вы приказываете »(М. Ротко: выступление с пола на симпозиуме в Музее современного искусства в Нью-Йорке, опубликованное в« Симпозиуме о том, как объединить архитектуру, живопись и скульптуру », Interiors , vol. 110, No. 10 (May 1951), p.104). Чтобы облегчить истинную оценку таких работ, Ротко даже настаивал на том, чтобы люди рассматривали его картины с расстояния примерно 18 дюймов от холста — примерно на таком же расстоянии. что Ротко писал их.
Такое расположение перед Оранжевый, Красный, Желтый также вознаграждает зрителя оценкой ловкости и сложности удивительно тонкой, но в то же время яркой и энергичной манеры письма Ротко. В дополнение к истонченному и местами прозрачно-малиновому фону картины — земле, которая придает фону землистый и текстурный характер — несколько слоев света, вертикальные мазки кисти, размывающие края трех основных прямоугольных цветных облаков, придают поверхности работа с динамичным чувством драматизма и вариативности напоминает серию эпических пейзажей, которые, кажется, возникают и растворяются друг в друге.Энергия и вариация этих форм также отражают физическую энергию и время, которые сам Ротко вложил в реализацию этой картины. Как вспоминала Салли Эйвери, Ротко рисовал таким образом, «что его краска была слоистой, цвет поверх цвета, так что вы ощущали проникающий свет» (С. Эйвери, «Интервью с Томом Вольфом», 19 февраля 1982 г. , цитируется в B. Clearwater, The Rothko Book , London, 2006, p. 178).
После очень методичного и кропотливого процесса постепенного построения поверхности картины и медленного воплощения в жизнь его цветных форм посредством накопления тонких мазков, Ротко надеялся «вдохнуть» свои цвета в работу и придать поверхности ее собственное оживленное ощущение. жизни.С этой целью, как вспоминал его помощник Оливер Штайндекер, Ротко часто работал с «большими кистями, например, кистями для маляров — они могли быть 6 или 7 дюймов в ширину, очень мощные кисти, и действительно погрузился в рисование, все его тело пошло на убыль. вверх, вниз, взмахом кисти по холсту; казалось, что он действительно был в этом, а не просто двигал рукой. Все его тело двигалось вверх и вниз с каждым движением »(О. Стейндекер,« Интервью с Фондом Ротко » , 10 мая 1983 г., Файлы Марка Ротко, Национальная галерея искусств, Вашингтон, цитируется в Б.Клируотер, Книга Ротко , Лондон, 2006 г., стр. 178).
Основанный на его собственных сильных психологических привычках к чтению и глубоком чувстве искупления, которое он и его поколение хотели дать миру после Второй мировой войны, серьезность и полная вовлеченность Ротко в каждый мазок были проистекают из почти мессианского желание создать искусство, в котором задействован универсальный и вневременной язык, говорящий непосредственно с коллективным человечеством и о нем, в новую эпоху экзистенциальной неопределенности.Ротко был одним из последних великих романтиков модернизма — человек, о котором, как однажды писал его друг критик Дор Эштон, «все еще способен верить, что его работа может иметь какую-то цель — духовную, если хотите, — которая не запятнана миром »(Д. Эштон, Журнал, 7 июля 1964 г.).
Отказ Ротко от объекта, его увеличение масштаба, «героизация» цвета и попытки полностью погрузить зрителя в целое цветовое поле — все это элементы, которые опирались на северную романтическую традицию в искусстве, на архетипическую концепцию возвышенного и по сути символистской идеи о существовании прямого и в конечном итоге трансцендентного соответствия между цветом, звуком, ощущением, чувством и памятью.«Свободные от знакомого», — заявил Ротко в тексте с подходящим названием «Романтики побудили », «трансцендентные переживания становятся возможными … картины должны быть чудесными … откровением, неожиданным и беспрецедентным разрешением вечно знакомой потребности. . » «Настоящая модель художника — это идеал, охватывающий всю человеческую драму» (передача М. Ротко «Портрет и современный художник» с Адольфом Готлибом, Art in New York , WNYC, 13 октября 1943 г., опубликовано в Adolph Готтлиб: ретроспектива , Нью-Йорк, 1981, стр.170.).
На протяжении своей жизни Ротко неоднократно читал и перечитывал книгу Ницше Рождение трагедии , однажды утверждая, что он видел в этой книге, «путь, с помощью которого я мог достичь наибольшей интенсивности трагической непримиримости основного насилия, лежащего в основе». в основе человеческого существования и повседневной жизни, которая должна с этим иметь дело »(М. Ротко: черновик предложенной лекции о взаимосвязи между его работами и работой Ницше Рождение трагедии , 1955, цитируемой в J.Э. Бреслин, , цит. По , стр. 357-358). Именно в этой замечательной «басне» Ротко заявил, что нашел «поэтическое подкрепление того, что, как я неизбежно знал, было моим неизбежным курсом: острота искусства в моей жизни заключается в его дионисийском содержании и что благородство , величие и возвышенность — пустые столбы, которым нельзя доверять, если только они не имеют своей сердцевиной, если они не заполнены дикой природой до точки выпуклости »(Там же).
Как и все зрелые картины Ротко, Оранжевый, Красный, Желтый в данном контексте представляет собой по существу дионисийскую игру эмоционального цвета или «драму», как ее назвал Ротко, которая благодаря своей явной простоте, прямоте и созданию тонкой а также напряженное равновесие, выражает реальность, бессознательно сообщающуюся человеческой психике.Для Ротко динамическая резонансная сила его картин проистекала из того, что он считал внутренней двойственностью всей человеческой природы, которую Ницше определил и классифицировал в Рождение трагедии как аполлонический или дионисический. Согласно Ницше, сила Аполлона представляет собой акт формирования, становления, определения и измерения, это сила скульптурного искусства, геометрии и универсального порядка. Дионисийский аспект представляет противоположное. Неустойчивый и дикий, он характеризует страсть, эмоции, желание, музыкальное искусство и разрушительные силы распада и хаоса.Греческая трагедия, как отмечал Ницше, сыграла на этой врожденной двойственности человеческой психики и объединила их в вечно противоречащее, но единое целое. Ротко, который, кажется, лично очень остро ощущал тот же интенсивный конфликт и разделение внутри своей собственной личности, стремился вызвать непосредственное переживание этой врожденной элементарной двойственности, диких дионисийских сил, сжатых в человеческом масштабе посредством динамического и резонансного баланса, который он дал. к его сочинениям.
«Я думаю о своих картинах как о драмах, — классно заявил Ротко, — формы на картинах — это исполнители.Они созданы из потребности в группе актеров, которые могут драматично двигаться без смущения и без стыда выполнять жесты. Ни действие, ни актеров нельзя предвидеть или описывать заранее. Они начинаются как неизвестное приключение в неизведанном пространстве. Именно в момент завершения, в мгновение ока узнавания, они видят, что они имеют то количество и функции, которые были задуманы. Идеи и планы, существовавшие в уме вначале, были просто дверью, через которую человек покинул мир, в котором они возникают »(М.Ротко «Романтики подсказали», опубликованное в журнале Possssible No. 1 Winter 1947/8).
Глубокое ощущение возвышенной, стихийной силы природы передано в Оранжевый, Красный, Желтый , например, в огромной шкале интенсивных цветовых блоков, странно мерцающих в непосредственной близости друг от друга, их огненные грани намекают на последовательность эпически масштабных и апокалиптических горизонтов каким-то образом удерживается в динамическом состоянии равновесия за счет общего стабильного баланса цвета, пропорций и масштаба картины.«Такой дизайн может показаться простым, — однажды сказал Ротко о таких фотографиях, — но обычно у меня уходит много часов, чтобы добиться правильных пропорций и цветов. Все должно быть соединено вместе. Думаю, в душе я в значительной степени сантехник. «(М. Ротко, цитируется у Джона Фишера, ‘Легкое кресло: Марк Ротко, Портрет художника как разгневанного человека’, 1970 г. воспроизведено в М. Лопес-Рамиро (ред.) Марк Ротко: Writings on Art , New Haven 2005, стр.133).
Ротко возглавил рекордную распродажу современного искусства
НЬЮ-ЙОРК — На фоне беспрецедентного в истории арт-рынка всплеска ставок на вечернюю распродажу современного искусства Christie’s во вторник было собрано 388 долларов.5 миллионов, это самая высокая сумма в этой области.
Мировой рекорд аукциона был установлен для произведения современного искусства, когда картина Марка Ротко «Оранжевый, красный, желтый», написанная в 1961 году, была продана чуть менее чем за 87 миллионов долларов. Оценка Christie составляла от 35 до 45 миллионов долларов плюс более 15 процентов продаж. Кристофер Бердж, который провел сессию с исключительной энергией, обрушил свой молот на выигравшую ставку в 77,5 миллионов долларов после одного из самых продолжительных матчей, когда-либо проводившихся на торгах современного искусства.
У Ротко было все для этого. Приобретенная в 1967 году в Marlborough Fine Art в Лондоне Дэвидом Пинкусом, одним из ведущих американских коллекционеров второй половины века, картина, доставленная из поместья знатока, ни разу не появлялась на рынке за прошедшие 45 лет.
Ротко, умерший в 1970 году, был доминирующей силой в нью-йоркском абстракционистском движении 1960-х годов, и «Оранжевый, красный, желтый» можно убедительно назвать самой сильной из всех его картин.Этот рекорд значительно превосходит предыдущую самую высокую цену, уплаченную на аукционе за Ротко, когда «Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розе)» был продан на Sotheby’s в мае 2007 года за 72,8 миллиона долларов. Рынок тогда достиг пика накануне рецессии 2008 года, что делает новый рекорд этой недели еще более впечатляющим.
Цена «Оранжевый, Красный, Желтый» была самой зрелищной из 14 мировых рекордов, установленных во вторник.
Два из них были созданы для американских художников, которые, как и Ротко, находятся в центре истории искусства после Второй мировой войны и считаются голубыми фишками искусства 20-го века.
Абстрактная композиция «Номер 28, 1951» Джексона Поллока взлетела до 23,04 миллиона долларов, что вдвое больше, чем в мае 2004 года, когда «Номер 12, 1949» появился на Christie’s.
Рекордная картина Поллока, также доставленная из поместья Дэвида Пинкуса, является первой из картин, выполненных художником в период с 1951 по 1952 год в технике капания, которая придает поверхности краски глубокий рельеф. Ослепительный ритм сверкающих белых, серых и черных кривых обладает гипнотическим качеством, которое составляет поразительную цену, уплаченную на этой неделе.
Трехмерное творчество Александра Колдера вызывало не меньший энтузиазм. «Снежный шквал», сделанный примерно в 1950 году из окрашенного листового металла и проволоки, стал самым дорогим подвесным мобильным телефоном американского художника, проданным на аукционе, поскольку он заработал 10,38 миллиона долларов, что вдвое превышает самые высокие ожидания, возлагаемые на него.
Мировой рекорд также установлен для постоянного мобильного телефона. На полпути продажи «Лилия силы», казненная в 1945 году, подорожала до 18,56 миллиона долларов. Это вдвое превышает амбициозную оценку, которую Christie’s цитирует для Calder.
Среди менее заметных американских художников на арт-сцене Барнетт Ньюман, умерший в 1970 году, совершил самый впечатляющий прыжок. «Onement V», абстрактная композиция из темно-синих полос, нарисованная в 1952 году, выручила 22,48 миллиона долларов, что превосходит 5,19 миллиона долларов, уплаченных четырьмя годами ранее на Christie’s за безымянную композицию 1969 года, написанную чернилами.
Европейских художников, представленных значительными работами, вызвали такой же неудержимый энтузиазм. Картина французского художника Ива Кляйна «FCI (Цвет огня I)» длиной почти 3 метра или 10 футов, завершенная в 1962 году незадолго до его смерти, принесла ошеломляющие 36 долларов.48 миллионов. Это намного выше предыдущего рекорда, установленного на Sotheby’s в мае 2008 года, когда «MG9» была сделана сусальным золотом и продана за 23,56 миллиона долларов.
Призрачные женские фигуры охры, обведенные пурпурными туманными ореолами, появляются в композиции, выполненной с использованием сухих пигментов и смолы на панели. Сложный процесс, использованный Кляйном в его так называемых «огненных картинах», требовал, чтобы ассистентки студии стояли обнаженными перед огромными панелями, на которые они давили свои тела и оставляли импрессионистические отпечатки.
Немецкий художник Герхард Рихтер, возможно, величайший мастер школы абстракционистов, также поднялся на стратосферные высоты. «Абстрактная картина» 1993 года принесла рекордные 21,81 миллиона долларов. Это на 1 миллион долларов больше, чем его «Абстрактная картина» 1997 года, проданная на Sotheby’s в ноябре 2011 года. Новая рекордная цена подтверждает, что 80-летний г-н Рихтер теперь полностью признан, со всеми уважительными причинами, как выдающаяся фигура. искусства нашего времени.
Недавние работы молодых художников в шутливом ключе также преследовались и достигли рекордного уровня в самом начале продажи.
Картина Урса Фишера «Без названия (Стоящий)» — восковое изображение в натуральную величину коллекционера и издателя Питера Бранта, опирающегося на кресло, также вылепленное из воска. В каталоге указано, что в восковом теле мужчины находится 14 фитилей, «которые при включении превращают« Без названия (Стоящая) »в гигантскую свечу, которая медленно тает до пола». Christie’s, однако, не предпринял никаких попыток выполнить эти инструкции во вторник вечером. Это должно быть оставлено на усмотрение покупателя «Untitled (Standing)», который заплатил рекордную сумму в 1 доллар.3 миллиона за Фишера.
Картина Шерри Левин «Фонтан (после Марселя Дюшана)» иллюстрирует еще один аспект шутливой полосы в современном искусстве. Это золотая бронзовая репродукция настоящего писсуара, которую Марсель Дюшан, основатель движения Дада в начале 20 века, прислал на художественную выставку. Великий мастер искусства абсурда задумал это как удар по зубам парижскому интеллектуальному истеблишменту, а также состоятельной буржуазии, собирающей искусство.
Насмешки прошлого очень серьезно относятся к нынешним покупателям, обремененным миллионными излишками.«Фонтан (после Марселя Дюшана)» г-жи Левин был исполнен в 1991 году в количестве шести экземпляров. Те, у кого не хватило смелости заплатить на этой неделе цену, превышающую новый мировой рекорд, за Levine, 962 500 долларов, не должны терять надежду. Другие золотые копии писсуара Дюшана, также с вырезанными инициалами Шерри Левин, еще могут появиться.
Достижение люминесценции — оранжевый и желтый Марка Ротко
Blog Home31 августа 2018 г.
Марк Ротко может быть самым непонятым художником 20 th Century.Его работы почти исключительно обсуждаются с точки зрения их формальных качеств, таких как цвет и форма, однако Ротко настаивал, что его картины не являются формалистическими объектами, а являются эзотерическими символами морального универсума, такими как стихи. Его картина « Оранжевый и желтый » (1956) является прекрасным примером этого недоразумения. Любой разумный зритель описал бы его с точки зрения визуальных качеств. Они сказали бы, что это вертикально ориентированный прямоугольный холст, нарисованный оранжевыми и желтыми квадратами с более светлой оранжевой каймой, и что квадраты и граница не имеют жестких краев, но мягкие и, кажется, растворяются друг в друге.Но Ротко видел в этой картине, как и во многих других своих картинах, ворота — двери, через которые зрители могут попасть в мир восприятия, где к мифическим драмам могут получить доступ эмоции. «Оранжевый и желтый» воплощает эту точку зрения, потому что он обладает редким и специфическим качеством, которое Ротко часто пытался, но редко достигал: люминесценцией. Кажется, что он светится изнутри, как будто генерируя свой собственный свет, как будто внутри него существует какое-то таинственное пространство, и свет из этого пространства исходит в это измерение.Этот свет — сирена, призывающая зрителей подойти поближе к произведению, погрузиться в него. Там, лицом к лицу с неизвестным, Ротко надеялся, что мы сможем соединиться не с несущественными, формальными, поверхностными качествами работы, но что мы откроем наш разум для поистине интимного, полностью человеческого опыта с неизвестным.
Художник анархии
Ротко часто называл себя анархистом, и это заявление он повторял вплоть до того года, когда покончил жизнь самоубийством в возрасте 66 лет.Он не имел в виду сказать, что принял хаос или насилие. Он просто имел в виду, что не доверял власти. Он считал, что единственный истинный авторитет заключался в извечных моральных вопросах, с которыми люди боролись все время. Серьезность, с которой он придерживался этой веры, воодушевлялась его воспитанием. Ротко родился в Двинске, Россия, в 1903 году. Спасаясь от расизма по отношению к евреям, его семья иммигрировала в Соединенные Штаты. Его отец и два старших брата приехали в 1910 году, а Ротко и остальные члены семьи последовали за ним в 1913 году.Как только приехал Ротко, умер его отец. Он и его братья и сестры были вынуждены искать работу, что стало началом тяжелой работы, которая для Ротко так и не закончилась.
Отношение, которое он выработал, работая, сделало Ротко отчаянно самостоятельным. Он развил уверенность и научился доверять своим инстинктам и интеллекту. Он пропустил два класса в школе, и ему предложили стипендию в Йельском университете, но в конце концов он покинул этот университет в 1923 году на том основании, что он нашел это учебное заведение элитарным. Бросив учебу, он переехал в Нью-Йорк, где впервые поступил в художественные классы.Не имея формального образования в области истории искусства, он не был обременен верой в какую-либо иерархическую систему, управляющую миром искусства. Он просто видел в живописи средство обращения к человеческому состоянию, которое, по его мнению, было тесно связано с философией и психологией. Его самая ранняя работа 1930-х годов образно исследовала великие мифы человечества. Затем постепенно, хотя и в начале 1940-х годов, он стал более символичным в своем представлении. Наконец, к концу 1940-х он пришел к своему зрелому стилю, идеальным примером которого является «Оранжевый и желтый».Он чувствовал, что этот стиль воплощает его анархические убеждения, поскольку в этих картинах каждый зритель мог освободиться от ожиданий относительно того, как относиться к искусству, и вместо этого сдаться вневременным, трансцендентным, метафизическим реальностям своего собственного сознания.
От света к тьме
«Оранжевый и желтый» — особенно прямая композиция. Его ограниченная палитра и упрощенный визуальный язык не отвлекают взгляд, воплощая цель, которую Ротко поставил перед собой, которую он описал как «устранение всех препятствий между художником и идеей, а также между идеей и наблюдателем.Его люминесцентные качества также знаменуют собой своего рода поворотный момент, поскольку всего два года спустя Ротко значительно изменил свою палитру в пользу более темных оттенков. Его более мрачные картины кажутся более мрачными. Некоторые зрители говорят, что они опасны, в то время как другие находят в них сакральные качества — качества, которые воплощены в Часовне Ротко, постоянной галерее в Хьюстоне, которую Джон и Доминик Менил заказали в 1964 году. В этом пространстве висит 14 почти черных картин. Освещается пространство только естественным светом.В зависимости от атмосферных условий снаружи работы демонстрируют трансформацию на глазах, от тонких оттенков серого до синего и черного.
«Оранжевый и желтый» также резко контрастирует с последней серией картин, которые Ротко завершил в своей жизни в конце 1960-х годов. Иногда их называют «Темные картины» или «Черное на сером», они были написаны после того, как Ротко перенес аневризму, которая чуть не убила его, и после того, как он расстался со своей второй женой. Во время работы над сериалом Ротко был награжден почетной докторской степенью Йельского университета, что в равной степени иронично и подтверждающее, поскольку это было признание школы, которую он презирал, а также заметил, что он внес свой вклад в систему, авторитету которой он не доверял .Однако это признание в конечном итоге ничего не значило для него. Все, чего он действительно хотел, — это почувствовать, что широкая публика наконец поняла его произведения. Но это совсем не то, что произошло, когда он выставил «Темные картины». Критики описали их в декоративных терминах, в результате чего Ротко снова почувствовал себя непонятым. Вскоре после их дебюта Ротко принял передозировку таблеток и порезал себе запястья, продемонстрировав одно из своих сильных убеждений в отношении искусства: оно «справедливо, только если оно трагично и вне времени».