Оп арт в живописи: что такое оп-арт, полробная история направления в живописи, примеры картин с оптическими иллюзиями. Самые известные художники оп-арта

Содержание

что такое оп-арт, полробная история направления в живописи, примеры картин с оптическими иллюзиями. Самые известные художники оп-арта

Оп-арт — это стиль и течение в изобразительном искусстве ХХ века, основанное на использовании абстрактных оптических иллюзий. В оп-арте, благодаря особенностям визуального восприятия нарисованных фигур, зритель видит иллюзорную картину. На глазах человека плоские изображения удивительным образом превращаются в оригинальные объемные композиции с эффектами движения и причудливой деформации.

Оп-арт (от английского optical art), в отличие от большинства прочих течений в живописи, воздействует, в первую очередь, на разум, а не на эмоции зрителя. Рассматривая картину, человек решает сложную головоломку, его мозг пытается соединить разрозненные фигуры в единый образ.

История оп-арта

История оп-арта берет свое начало с исследований ученых в сфере особенностей человеческого зрения. В 1889 году профессор Томпсон (Thompson) опубликовал статью в научном журнале об оптических иллюзиях, в которой с помощью нарисованных черно-белых концентрических кругов наглядно продемонстрировал эффекты движения визуальных образов.

В искусстве попытки создания оптических иллюзий часто предпринимали представители разных авангардистских течений:

Огромное влияние на формирование оп-арта оказали идеи художественного объединения Баухаус.

Основоположник нового течения Виктор Вазарели (Victor Vasarely) в конце 20-х годов прошлого столетия окончил в немецком городе Дессау Высшую школу строительства и художественного конструирования Баухаус. Там он увлекся новаторскими архитектурными и дизайнерскими идеями, а позже много экспериментировал с иллюзорными образами.

В 1955 году Вазарели опубликовал «Жёлтый манифест», который стал программным документом нового течения. Тогда же в парижской галерее Дениз Рене (Denis Rene) состоялся первый показ работ художника.

Всемирного признания оп-арт добился на американской выставке «The Responsive Eye» в Нью-Йорке в 1965 году. На этом мероприятии публика восторженно приняла работы Вазарели, у него появились новые единомышленники.

С этого времени оп-арт становится неотъемлемой частью современного абстрактного искусства. Работы художников постоянно экспонируются на выставках, возникает множество творческих объединений приверженцев этого течения.

Интерес к оптическим иллюзиям не пропадает и в наши дни. Идеи оп-арта не только успешно развиваются в живописи, но и нередко используются в архитектурном дизайне. Оригинальные визуальные головоломки давно стали частью оформления интерьера современных офисов и домов мировых знаменитостей.

Известные художники оп-арта

Имена самых известных художников оп-арта хорошо знакомы ценителям современного искусства. Наибольшее влияние на формирование и развитие течения оказали:

  • Виктор Вазарели. Французский художник венгерского происхождения. Долгое время экспериментировал с различными стилями: кубизмом, сюрреализмом, символизмом, футуризмом. В итоге, в конце 1940-х создал оп-арт и спустя 20 лет добился всемирной славы. Безоговорочно признается искусствоведами основоположником течения.
  • Бриджит Райли (Bridget Riley). Английская художница, дизайнер и сценограф. Во время обучения в школе искусств увлекалась пуантилизмом, затем нашла себя в оп-арте. В творчестве отдает предпочтение созданию крупноформатных работ, много экспериментирует с оттенками разных цветов.
  • Хесус Рафаэль Сото (Jesús Rafael Soto). Венесуэльский мастер живописи и скульптуры. Хорошо известен не только своими картинами, но и оригинальными трехмерными инсталляциями в стиле оп-арт. Автор большого числа оригинальных «Вибраций» — художественных композиций из качающихся прутьев.
  • Джетулио Альвиани (Getulio Alviani). Итальянский мастер оптико-кинетического искусства. Широко использовал при создании своих работ хромированные полированные поверхности. Знаменит также написанием книги о Джозефе Альберсе — выдающемся теоретике искусства и дизайнере.
  • Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) — американский художник, сын польских эмигрантов. Помимо активной творческой деятельности многие годы преподавал теорию искусства в престижных университетах США.

Ценителям искусств из разных стран мира портал Very Important Lot дарит уникальную возможность принять участие в онлайн-аукционах и приобрести шедевры антиквариата. На сайте также можно купить картины, рисунки и скульптуры напрямую у современных художников.

Оп-арт. Искусство, вызывающее тошноту | Публикации

«В загроможденном предметами мире Фунеса были только подробности, к тому же - лишь непосредственно данные». Хорхе Луис Борхес, рассказ «Фунес, чудо памяти». М., 1984, стр. 98

Этих слов здесь вовсе не должно было быть. Эти слова должны были быть в таком же месте, но только в тексте про фотореализм. Просто я наткнулся на них, перечитывая Борхеса – я люблю перечитывать Борхеса, знаете, тихими такими вечерами, у камелька, с бокалом… - уже после опубликования «Фотореализма». А они ведь так хорошо описывают этот самый фотореализм. Вот и решил я их хотя бы сюда впендюрить – ну, просто жаль, если они пропадут и останутся лишь у Борхеса. Поэтому текст про оп-арт придется начинать по новой.

Вот то, что должно быть на месте Борхеса: «Мы делаем ставку не на сердце, а на ретину. Таким образом, зритель включается в психологический эксперимент. Резкие черно-белые контрасты, невыносимая вибрация дополнительных цветов, мерцание ритмических сеток и меняющихся структур, оптический кинетизм пластических компонентов – все эти физические компоненты присутствуют в наших работах. Отныне их роль – не творить чудо, не погружать нас в сладостную меланхолию, а стимулировать, возбуждать в нас дикое веселье

». Виктор Вазарели, заслуженный деятель оп-арта.

Ну вот, все в порядке. В формат я вернулся.

Оп-арт появился в 50-е годы в рамках жестко структурированных поверхностей геометрического абстракционизма типа Мондриана. Конечно, судя хотя бы по приведенному высказыванию Вазарели, уровень претензий здесь был уже не тот, прямо скажем. Никаких мондриановских планов по тотальному переустройству мира и человека от оп-арта не дождешься. «Дикое веселье» - в общем-то, не густо. Да и первое впечатление от него – какие-то декоративно-оптические аттракционы – тоже не обнадеживают интеллигентного человека, взыскующего высоких/глубоких смыслов.


Виктор Вазалели. Сверхновые

Все так, но не все так просто. Опять же – сталкиваясь с авангардизмом, никогда не доверяйте первому впечатлению. Второму, впрочем, тоже. Давайте лучше покопаемся в смыслах, как говорил мой знакомый Нема Козовский, когда поздно вечером хулиганы отнимали у него кашне.

Итак. Авангардизм стараниями авангардистов на протяжении нескольких десятилетий последовательно избавлялся от сюжета, пространственной перспективы, световоздушной перспективы, объема, эмоциональности, литературщины, изображения видимого и прочей шняги, так важной для традиционной живописи. Авангардизм начинал изображать невидимое и даже не вполне существующее. Или совсем ничто. Эта трудная, но важная работа сделала картину предметом, неотличимым по смыслам, скажем, от табуретки. То есть никаким не окном в мир, которым она была до появления авангардистских взглядов на эту проблему, а просто еще одним реальным объектом, определенным образом окрашенным краской. И вполне функционально бесполезным. Этот процесс происходил в рамках программы самопознания искусства. Оно, искусство, занималось исследовательской редукцией – а что, если последовательно убирать составляющие этого самого искусства? Что получится? Когда оно кончится? Вот еще это уберем, а потом – это. Что, это еще буду я, искусство, или уже нет?

При всем при этом оставалась в авангардизме некоторая непререкаемая реальность – то, что существовало на плоскости картины – оно точно существовало. Даже если это был просто черный квадрат – то мы видели черный квадрат, а не овал. Если это была какая-то фиговина Кандинского, то это была именно та фиговина, которую накалякал Кандинский. Оп-арт самым решительным образом вышиб из под ног любителей искусства последнюю – впрочем, последнюю ли? – опору. То есть, в оп-арте то, что нарисовано на картине, не совпадает с тем, что увидел зритель. В самом простом, физиологическом смысле.

Бриджет Райли. Арест 1

Оп-артисты, лихие люди, тонко создавали оптические иллюзии, используя всяческие закономерности зрительного нашего восприятия. Они ставили человеческий глаз в такие невыносимые условия, в которых ему приходилось решать прямо-таки нетиповые для него задачи. В реальности-то иллюзии редко встречаются*, оптические, по-крайней мере. Чтобы более качественно измываться над любителями прекрасного, оп-артисты ознакомились с достижениями гештальтсихологии, сложно толкующей о тех самых закономерностях зрительного восприятия всего, что видно, и изучили трудное слово «перцепция», значение которого я еще до конца не усвоил.

В результате всех этих сложносочиненных и ужасно некрасивых манипуляций зритель получал изображения, которые пульсировали, выпячивались, западали, мерцали, текли, извивались и прочим образом жили никому не понятной жизнью, чего быть никак не могло, так как эти изображения были плоскими и статичными.


Бриджет Райли. Движение в квадратах

Ребята рассказывали, что на выставках оп-арта некоторые тонко чувствующие прекрасное посетители с деликатно организованным вестибулярным аппаратом падали в обморок. Могу это подтвердить – когда мы с пацанами долго и вдумчиво смотрим на оп-артистские работы – а это случается часто - нас начинает мутить. Тошнит, то есть. Ну, в магазин идем, конечно.

Возникает интересный вопрос – где произведение? На холсте? Не-а. Там ничего не шевелится и не торчит. А где шевелится и торчит? Да в глазу же, то есть, в пределе, в мозгу шевелится и торчит. Там, в мозгу, и находится произведение. Во как. А этот ход, согласитесь, дорогого стоит. Тут уже появляется интрерактив и создается ситуация, когда зритель выступает не просто соавтором, а необходимым соавтором – без него произведения нет. Но взаимоотношения у оп-арта с этим соавтором-зрителем по-авангардистски просты. Соавтор-зритель все равно остается дураком – сколько бы он не вглядывался в картину, чтобы понять, почему он видит то, что там не нарисовано, ничего он не выглядит и не поймет.


К сожалению, автора и названия этой доброй работы я не нашел

Может возникнуть вопрос – а зачем так жестоко обращаться со зрителем, перешедшим к тому же в разряд соавторов? А чтоб мозги у него не спали. Чтоб действительность ему не представлялась понятной, знакомой и удобной. Житель Земли, с точки зрения авангардизма, спокойно жить не должен.

При всей этой интеллектуальной изощренности оп-арт, да тот же Вазарели, совсем не брезговал такими вот достаточно декоративными работами, типа головоломок из журнала «Мурзилка» за 1965 год – дети, а ну-ка внимательно посмотрели на картинку и быстренько ответили, сколько здесь изображено полосатых лошадок?


Виктор Вазарели. Зебры

Думаю, не нужно говорить, что оп-арт в своей именно декоративно-иллюзионистской, то есть сниженной, ипостаси был сильно использован в дизайне и рекламе. Им же, дизайну и рекламе, а особенно – рекламе, только красивое и броское и подавай, на умное то они не реагируют.

В СССР, в нонконформистском искусстве, оп-арт существовал в виде единичных примеров, вроде работ Вячеслава Колейчука.


Вячеслав Колейчук. Антигравитация

Но для него эти работы не были генеральными, Колейчук прославился другим. Почему оп-арт слабо прижился у нас, я буду писать в текстах о нашем, родном и домотканом авангардизме.

*Даниил Хармс. Оптический обман
Семен  Семенович, надев очки, смотрит на сосну и видит: на сосне сидит мужик и  показывает ему кулак. Семен Семенович,  сняв очки,  смотрит на сосну и видит, что на сосне никто не сидит. Семен Семенович, надев очки,  смотрит на сосну и опять видит,  что на сосне сидит мужик и показывает ему кулак. Семен Семенович, сняв очки, опять видит,
что на сосне никто не сидит. Семен Семенович, опять надев очки, смотрит на сосну и опять видит, что на сосне сидит мужик и показывает ему кулак. Семен Семенович не  желает верить  в это явление и считает это явление оптическим обманом.

 

Автор: Вадим Кругликов

Художники по направлению: Оп-Арт - WikiArt.org

направление

Опти́ческое иску́сство (оп-арт — сокращённый вариант от англ. optical art — оптическое искусство) — художественное течение второй половины XX века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.

Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (разновидности модернизма). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму, представителем которого был Виктор Вазарели (с 1930 по 1997 г.работал во Франции), основоположник оп-арта.

Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, точнее, его разновидности — геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. XX в.

Первые опыты в области Оп-арта относятся к концу XIX века. Уже в 1889 году в ежегоднике «Das neue Universum» появилась статья об оптических иллюзиях немецкого профессора Томпсона (Thompson), который, используя чёрно-белые концентрические окружности, создавал впечатление движения на плоскости: колёса на рисунках Томпсона «вращаются» и круги «переливаются». Но это было более научное исследование особенностей зрения, нежели искусство.

В 1955 г. в Париже оп-арт экспонировала в своей галерее Denis Rene. Но всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки «Чувствительный глаз» (The Responsive Eye) в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 году в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления — Виктора Вазарели, Еннио Финци и других. Художники оп-арта нередко объединяются и выступают инкогнито: группа Н. (Падуя), группа Т. (Милан), группа Зеро (Дюссельдорф), группа поисков визуального искусства, возглавляемая Виктором Вазарели, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта.

Оптическое искусство — искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя.

Оптические иллюзии помогают обнаружить некоторые закономерности зрительного восприятия, поэтому им уделяли пристальное внимание психологи. Сконструированные ими визуальные тесты имели экспериментальный характер. При восприятии реальных объектов иллюзии возникают редко. Поэтому, чтобы выявить скрытые механизмы человеческой перцепции, необходимо было поставить глаз в необычные условия, заставить его решать нетиповые задачи. Опытные графические образцы, созданные, например, школой гештальтпсихологии, привели к формулированию некоторых правил, по которым протекает процесс зрительного восприятия.

Художники воспользовались этими открытиями по-своему. Обратимся, например, к картине Бриджит Райли «Поток» (1964). Всю её поверхность покрывают тонкие волнообразные линии. К середине изгибы становятся более крутыми, и здесь возникает видимость отделяющегося от плоскости зыбкого течения.

В её работе «Катаракта-III», 1967 создаётся эффект движения волн. В другой черно-белой композиции Райли — «Прямая кривизна» (1963) — сдвинутые по центру и пересеченные ломаными линиями круги создают эффект объемной извивающейся спирали. В «Фрагменте № 6/9» (1965) той же художницы разбросанные по плоскости черные диски порождают скачку последовательных образов, мгновенно исчезающих и возникающих вновь.

Задача оп-арта — обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ «несуществующий». Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой. Оп-арт намеренно противодействует нормам человеческой перцепции. Исследования психологов показали, например, что глаз всегда стремится организовать хаотически разбросанные пятна в простую систему (гештальт). В оптической живописи, напротив, простые однотипные элементы располагаются так, чтобы дезориентировать глаз, не допустить становления целостной структуры.

Так, в картине Виктора Вазарели «Тау-дзета» (1964) квадраты и ромбы непрерывно перестраиваются по схеме греческих букв, но так и не объединяются в определенную конфигурацию.

В другой работе Вазарели — «Сверхновые» (1959—1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд. Непрерывно колеблющиеся поверхности «сверхсенсорных» картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительный шок.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Оптическое_искусство

Оп-арт: что такое оп-арт?

Неоавангардистское течение абстрактного искусства.

На фото: модель Letti singoli 3 от фабрики Di Liddo & Perego.

Название стиля оп-арт происходит от англ. «ор art», сокращения от optical art — «оптическое искусство». Это неоавангардистское течение абстрактного искусства возникло в 1950-х годах и получило широкое распространение в Европе и США в 1960-х. Оно стало одной из интеллектуальных альтернатив масс-медийному поп-арту.

Художники оп-арта, такие как  Виктор Вазарели (Victor Vasarély), Бриджит Райли (Bridget Riley), Хесус Рафаэль Сото  (Jesus Rafael Soto), Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) и др., в своих произведениях создавали пространственные оптические иллюзии и имитацию движения с помощью многократно повторяющихся и перетекающих одна в другую простых геометрических фигур.

На фото: модель Versailles от фабрики Bisazza, дизайн Braga Marco.

Мало отразившись на архитектуре, оп-арт оказал большое влияние на графический дизайн и оформление интерьеров. Так, стены оклеивали разноцветными обоями с муаровыми и концентрическими узорами, имитирующими движение и вибрацию, или украшали большими настенными панно («Суперграфика»). Для зрительного увеличения объема помещения применяли различные оптические эффекты. Яркими примерами здесь могут служить знаменитый нарисованный бассейн и спускающаяся в него лестница с «настоящими» перилами, а также «дверь», приоткрытая в несуществующую комнату. Иллюзия пространственного перемещения, парения, слияния форм достигалась при помощи резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. Часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции, использовались материалы сотражающей поверхностью (металл, стекло, пластик), различные ткани.

На фото:

В дизайне мебели преобладали плавные, изогнутые линии, контрастное сочетание цветов (белый – черный). Чаще всего она выполнялась из прозрачных материалов с отражающей поверхностью (стекло, пластик, переплетенные металлические нити каркаса).

На фото: модель Ata от фабрики Adrenalina, дизайн Micheli Simone.

Основные мотивы:

  • геометрические: концентрические круги, муаровые узоры.

 

 

Оп-арт — завораживающее искусство зрительных иллюзий

Оп-арт — это стиль и течение в изобразительном искусстве ХХ века, основанное на использовании абстрактных оптических иллюзий. В оп-арте, благодаря особенностям визуального восприятия нарисованных фигур, зритель видит иллюзорную картину. На глазах человека плоские изображения удивительным образом превращаются в оригинальные объемные композиции с эффектами движения и причудливой деформации.

Оп-арт (от английского optical art), в отличие от большинства прочих течений в живописи, воздействует, в первую очередь, на разум, а не на эмоции зрителя. Рассматривая картину, человек решает сложную головоломку, его мозг пытается соединить разрозненные фигуры в единый образ.


История оп-арта

История оп-арта берет свое начало с исследований ученых в сфере особенностей человеческого зрения. В 1889 году профессор Томпсон (Thompson) опубликовал статью в научном журнале об оптических иллюзиях, в которой с помощью нарисованных черно-белых концентрических кругов наглядно продемонстрировал эффекты движения визуальных образов.

В искусстве попытки создания оптических иллюзий часто предпринимали представители разных авангардистских течений:

Огромное влияние на формирование оп-арта оказали идеи художественного объединения Баухаус.

Основоположник нового течения Виктор Вазарели (Victor Vasarely) в конце 20-х годов прошлого столетия окончил в немецком городе Дессау Высшую школу строительства и художественного конструирования Баухаус. Там он увлекся новаторскими архитектурными и дизайнерскими идеями, а позже много экспериментировал с иллюзорными образами.

В 1955 году Вазарели опубликовал «Жёлтый манифест», который стал программным документом нового течения. Тогда же в парижской галерее Дениз Рене (Denis Rene) состоялся первый показ работ художника.

Всемирного признания оп-арт добился на американской выставке «The Responsive Eye» в Нью-Йорке в 1965 году. На этом мероприятии публика восторженно приняла работы Вазарели, у него появились новые единомышленники.


С этого времени оп-арт становится неотъемлемой частью современного абстрактного искусства. Работы художников постоянно экспонируются на выставках, возникает множество творческих объединений приверженцев этого течения.


Интерес к оптическим иллюзиям не пропадает и в наши дни. Идеи оп-арта не только успешно развиваются в живописи, но и нередко используются в архитектурном дизайне. Оригинальные визуальные головоломки давно стали частью оформления интерьера современных офисов и домов мировых знаменитостей.


Известные художники оп-арта

Имена самых известных художников оп-арта хорошо знакомы ценителям современного искусства. Наибольшее влияние на формирование и развитие течения оказали:

  • Виктор Вазарели. Французский художник венгерского происхождения. Долгое время экспериментировал с различными стилями: кубизмом, сюрреализмом, символизмом, футуризмом. В итоге, в конце 1940-х создал оп-арт и спустя 20 лет добился всемирной славы. Безоговорочно признается искусствоведами основоположником течения.
  • Бриджит Райли (Bridget Riley). Английская художница, дизайнер и сценограф. Во время обучения в школе искусств увлекалась пуантилизмом, затем нашла себя в оп-арте. В творчестве отдает предпочтение созданию крупноформатных работ, много экспериментирует с оттенками разных цветов.
  • Хесус Рафаэль Сото (Jesús Rafael Soto). Венесуэльский мастер живописи и скульптуры. Хорошо известен не только своими картинами, но и оригинальными трехмерными инсталляциями в стиле оп-арт. Автор большого числа оригинальных «Вибраций» — художественных композиций из качающихся прутьев.
  • Джетулио Альвиани (Getulio Alviani). Итальянский мастер оптико-кинетического искусства. Широко использовал при создании своих работ хромированные полированные поверхности. Знаменит также написанием книги о Джозефе Альберсе — выдающемся теоретике искусства и дизайнере.
  • Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) — американский художник, сын польских эмигрантов. Помимо активной творческой деятельности многие годы преподавал теорию искусства в престижных университетах США.



Авторам произведений искусства из разных стран мира портал artAlebrio дарит уникальную возможность принять участие в онлайн-конкурсах и продавать свои работы. На сайте также можно купить картины, рисунки и скульптуры напрямую у современных художников.

интерьер, который движется и его история

Обманывая наши глаза, оптическое искусство наделяет предметный мир новыми смыслами и возможностями, создает динамику и напряжение в пространстве. Как и когда появился оп-арт и есть ли ему место в современном интерьере. Рассказываем.

Не верь глазам своим

Широкую популярность оптическое искусство приобрело после нашумевшей выставки «Отзывчивый глаз», открывшейся в Нью-Йорке в 1965 году. Оптические иллюзии, продемонстрированные на выставке, потрясли общественность и сделали оп-арт достоянием современников, существенно повлиявшим на американский дизайн того времени.

Mid-century modern: что это и как его «собрать»

Прошлое и будущее гармонично соединились в этом интерьерном стиле из середины прошлого века. Как в 2019 году ему удается выглядеть современным? Познакомимся с mid-century поближе и посмотрим, как воссоздать эту обстановку на базе российского интерьера. 

Цель оптического искусства — расширить границы восприятия, лишить предметный мир статичности. Используя привычный инструментарий форм и цветов, оп-арт сочетает их в таких обстоятельствах, что они создают новую реальность.

Бриджет Райли, «Движение в квадратах»

Оптическое искусство построено на особенностях зрительного восприятия геометрических фигур, оно ставит человеческий глаз в непривычные условия, заставляя решать непривычные задачи, дезориентирует его. Как результат: ощущение отсутствия целостности структуры, иллюзия движения, выпуклости, глубины или деформации.

Виктор Вазарели, скульптура в городе Печ

Оп-арт использует черно-белую палитру или яркие цвета, но всегда контрасты, оказывающий визуальный вау-эффект.

     

Геометрические ковры Odabashian

Кто это придумал

Оп-арт пустил ростки ещё в конце 19 века, когда ученые начали экспериментировать с оптическими иллюзиями. Первым был немецкий профессор Томпсон в 1889 году. В рамках исследования особенностей зрения он впервые привел иллюстрации черно-белых «вращающихся» окружностей. К искусство это ещё не имело отношения.  

Как художественное течение оп-арт заявляет о себе в 1950-х, вылупившись из геометрического абстракционизма.

Основоположником оп-арта считается французский художник и график Виктор Вазарели, который полагал, что цель его творчества — «пробудить» зрителя. Работы Вазарели — это контрасты, мерцание, вибрации и перестраивающиеся структуры. Чувство головокружения гарантировано.

Виктор Вазарели, «Feny»

Среди других заметных представителей оп-арта британская художница Бриджет Райли. Некоторые её работы производят шоковое воздействие, управляя сбоями в работе зрительного аппарата. Ослепительные цветовые вибрации колышут стены, линии болезненно мерцают, пространство скручивается,  раздвигается и деформируется.

 

Бриджит Райли, «Ослепительный поток 3»

Художники оп-арта призывали зрителя стать соучастником творческого процесса, подарив миру искусство, восприятие которого ложится на глаза смотрящего в большей степени, чем когда-либо.

Бриджит Райли и Виктор Вазарели на фоне своих произведений

Такая философия приблизила поп-арт к массовому искусству, спустя время его находки стали активно использовать в оформлении ночных клубов и массовых мероприятий, в графическом дизайне и интерьере.

Оп-арт в интерьере

Если оп-арт в искусстве зачастую безжалостен, в жилом интерьере он может принимать более сдержанные формы.

Жить среди вибрирующих стен и головокружительных завихрений понравится немногим. Тут нужны экстраординарная личность и крепкий вестибулярный аппарат.

Оп-арт в интерьере может работать на вас, визуально расширяя пространство. Зеркала и фотообои с иллюзией перспективы — это в сущности тоже оп-арт.

Если говорить не о технических приемах, а о стилистике — то это прежде всего геометрические принты. Это может быть геометричное американское ретро 60-х, которое как раз-таки вдохновлялось оп-артом, или деликатная современная версия геометрических принтов: оттенки более приглушенные, линии тонкие — на такие глаз не устанет смотреть.

Более узнаваемого эффекта можно добиться с помощью насыщенных красок и строгих черно-белых контрастов. Сам рисунок может быть намного проще полотен абстракционистов, но он должен передавать ощущения ритма, динамики. Не бойтесь сочетания геометрических принтов и экспериментов с мебелью —  иллюзионистские формы поп-арта могут интересно смотреться в качестве элементов мебельной конструкции. Такие объекты часто носят чуть ироничную, шутливую форму.

В современном интерьере мотивы оп-арта часто появляются в виде геометрической керамической плитки, или ритмичных принтов на текстиле.

Оп-арт в жилом интерьере приживается в качестве ар-объектов или декоративных элементов, превращая их в точку притяжения взгляда. Такие принты хороши для акцентных стен, пола и даже для отделки потолка. Мотивы оп-арта можно спрятать в узорах на декоративных подушках, коврах и шторах. Они хорошо смотрятся в современных минималистичных пространствах с нейтральной отделкой. Правило такое: вы должны ощущать ритмичность узора, но не головокружение.

Тёмная квартира: проблема и решение

Окна – глаза дома. Иногда они смотрят на тёмную северную сторону, а иногда упираются взглядом в стену соседнего здания. Случается и так, что на пути солнечного света встает препятствие в виде раскидистой кроны дерева.

Элементы оп-арта добавляют пространству динамики, а интерьеру характера. Их хочется рассматривать, о них хочется расспрашивать и может попробовать повторить?

Оптические иллюзиив искусстве и дизайне Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК 727.3

БЕЛОШЕЙКИНА В. В.

Оптические иллюзии в искусстве и дизайне

Статья посвящена анализу использования оптических иллюзий в искусстве и дизайне. Рассматривается оп-арт как направление в искусстве XX века, его эстетика, используемые средства художественной выразительности, анализируется влияние направления оп-арта на различные сферы дизайна и специфика применения оптических иллюзий в дизайне.

Ключевые слова: оп-арт, оптические иллюзии, дизайн, В. Вазарелли, Б. Райли, искусство, влияние, заимствование.

BELOSHEYKINA V. V.

OPTICAL ILLUSIONS IN ART AND DESIGN

This article analyzes the use of optical illusions in art and design. The article deals with op-art, as art direction in the XX century. its aesthetics used means of artistic expression. The author analyzes the impact of the direction op-art on various areas of design and specific application of optical illusions in the design.

Keywords: op-art, optical illusions, design, Vazarelli B, Riley B., art, influence, borrowing.

Белошейкина Валентина Викторовна

магистрант УралГАХА, кафедра «Дизайн костюма»

е-mail: [email protected]

Возникшее в начале XX в. авангардное искусство включало в себя разнообразные направления, одни из них пытались передать внутренний мир человека, его психическое состояние и эмоции, а другие — сконструировать новую реальность, выявить структуру, строение вещей, за счет которых подчеркнуть выразительность и информативность окружающей действительности. В произведениях оп-арта соединяются иллюзорное и реальное, за счет этого оказывается определенное воздействие на зрителя, меняется атмосфера вокруг него. Направление оп-арт в живописи было популярно в 1960-е гг., однако оно не получило такого широкого признания, как поп-арт.

При этом оп-арт оказал большое влияние на различные сферы дизайна. В наши дни дизайнеры продолжают вдохновляться произведениями оп-арта, находя в использовании зрительных иллюзий большое количество разнообразных идей формообразования. Для применения автором оптических иллюзий в практической деятельности ему необходимо обратиться к оп-арту и выявить формы его влияния на дизайн, уровни заимствования дизайном средств и методов, используемых в искусстве, найти различия в применении зрительных иллюзий в искусстве и дизайне.

Оп-арт (от англ. op-art — сокращенный вариант optical art — оптическое искусство) — художественное течение второй половины XX в., использующее различные зрительные иллю-

зии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма. Направление оп-арта зародилось в 1950-е гг. внутри абстракционизма, точнее его разновидности — геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 1960-м гг. В 1955 г. в Париже оп-арт экспонировала в своей галерее Д. Рене (Denis Rene). Но всемирную известность оп-арт получил в 1965 г. после нью-йоркской выставки «Чувствительный глаз» (The Responsive Eye) в музее современного искусства. На выставке «Арте-Фиера-77», проходившей в 1977 г. в Болонье, в изобилии демонстрировались произведения художников этого направления — Виктора Вазарелли, Еннио Финци и др. [4]. Художники оп-арта нередко объединялись и выступали инкогнито: группа «Н» (Падуя), группа «Т» (Милан), группа «Зеро» (Дюссельдорф), «Группа исследований визуального искусства», возглавляемая В. Вазарелли, которая дала первоначальный толчок движению оп-арта. Видные представители этого направления — Виктор Вазарелли, Бриджит Райли, Хесус Рафаэль Сото, Ричард Анушкевич, Карлос Крус-Диес.

Деятели оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия человеком плоских и пространственных фигур. Восприятие объекта основано на оптической иллюзии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в голове зрителя. В качестве

средств образной выразительности здесь фигурируют цвет, контрастный или мягкий, тающий в полутонах, и геометризированный рисунок в виде точек, линий, кривых, спиралей, усложненных наложением или совмещением разных орнаментов, вызывающий эффект «вторичных образов», пляску непрерывно движущихся, оспаривающих друг друга узоров и дополнительных цветов. Задача оп-арта в искусстве — обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ «несуществующий». Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой. Оп-арт намеренно противодействует нормам человеческой перцепции. Исследования в области гештальтпсихологии показали, например, что глаз всегда стремится организовать хаотически разбросанные пятна в простую систему. В произведениях оптического искусства, напротив, простые однотипные элементы располагаются так, чтобы дезориентировать глаз, не допустить становления целостной структуры. Особенно сильным ударом подвергался нервный аппарат зрителя на тех выставках, где экспонировались движущиеся, светящиеся, отражающие свет и бликующие системы. Их посетители реагировали на «художественную иллюзию» головокружениями и обмороками.

«Группа исследований визуального искусства» (объединение художников оптического и кинетического искусства) писала в своем манифесте «Довольно мистификаций» (1961): «Больше не должно быть произведений исключительно для: культурного глаза, чувствительного глаза, интеллектуального глаза, эстетского глаза, любительского глаза. Человеческий глаз является нашей исходной точкой» [4]. Под «человеческим глазом» имеются в виду типовые реакции психики, на основе которых возникают иллюзии. Такие иллюзии действительно имеют всеобщий характер и не зависят от индивидуального сознания, культуры, убеждений и вкусов личности. В этом смысле создания оп-арта общедоступны. Кроме того, многие произведения этого направления вследствие элементарности формы и дешевизны материалов (бумага, различные виды пластмасс) легко воспроизводимы в промышленности. На этих основаниях художники гордились демократизмом своего искусства.

В работе по эстетике Ю. Б. Борева оп-арт представлен как разновидность поп-арта. По мнению ученого,

рекламно-пропагандистский характер оп-арта роднит его с поп-артом, который, в свою очередь, преимущественно ориентирован на массовую нетворческую личность, лишенную самостоятельности мышления и заимствующую свои мысли из рекламы и других средств массовой коммуникации. Принцип поп-арта — эстетизация мира вещей, в оп-арте упор с мира вещей перенесен на светоцветовую среду и световую атмосферу вокруг человека. Особая эстетическая среда создается с помощью цветонасыщенных оптических эффектов, благодаря применению линз, зеркал, вращающихся устройств, дрожащих металлических пластинок и проволок. При этом художник достигает высокой степени абстрагирования от конкретности. Оп-арт объединил поп-арт с традициями геометрического абстракционизма [1, 366—370]. Художественная концепция абстракционизма утверждает необходимость бегства личности от банальной и иллюзорной действительности. Основоположники этого направления В. Кандинский, П. Мондриан, В. Татлин, К. Малевич считали абстракционизм внутренней эмиграцией личности, уходом во внутренний мир, отчуждением от реальности. Произведения оп-арта, как и произведения абстракционизма, отрешены от форм самой жизни и воплощают субъективные впечатления и фантазии художника [1, 327—329]. Однако абстракционисты освобождают живопись от чувственной формы, отказываясь от фигуративности, трехмерности художественного пространства, перспективы изображения, оттенков цвета, светотени. Задачи оп-арта — прямо противоположные. Используя внешне рационалистические средства, оп-арт ориентируется на достижение, безусловно, чувственных эффектов, ведь оптические иллюзии — одна из разновидностей чувственного восприятия. В оп-арте нет сюжета и темы в привычном понимании, на первое место в нем выходит визуальный эффект.

Мало отразившись на архитектуре, в середине 1960-х гг. оп-арт проник во все сферы дизайна. Дизайнеры обратили внимание не только на тот шокирующий эффект, который производили на зрителя произведения оп-арта, но и на то, что зрительные иллюзии можно использовать для визуального изменения формы, поверхности объекта, придать ему новую пластику, не меняя при этом конструкции. Одну и ту же форму можно визуально изменять несколько раз, применяя к ней различные иллюзии. Оптические

иллюзии, которые идеально воспроизводились типографским способом, применялись в графическом дизайне того времени для оформления рекламных плакатов, афиш, обложек книг и музыкальных пластинок. В дизайне интерьеров с помощью зрительных иллюзий дизайнеры достигали цели изменения пространства, зрительного увеличения объема помещения. Иллюзия пространственного перемещения, парения, слияния форм достигалась при помощи резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. Часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции, использовались материалы с отражающей поверхностью (металл, стекло, пластик), различные ткани. Произведения художников, работавших в направлении оп-арт, впоследствии с успехом использовались в оформлении дискотек, коммерческих выставок, светозвуковых шоу и других массовых мероприятий. Это придавало помещению футуристический вид, казалось, что стены, пол и потолок вибрируют, движутся. Разработки в области оп-арта нашли применение в дизайне мебели и бытовых приборов.

Искусство оп-арта оказало большое влияние на дизайн одежды и текстиля. Фирмы по производству тканей нанимали известных художников для разработки актуальных орнаментов. Новые возможности синтетики (прозрачность, блеск), ее оптические свойства позволяли лучше выразить модные тенденции. В 1960-е гг. для изготовления модной одежды использовались ткани с геометрическим рисунком, с принтами в духе оп-арта, это придавало одежде броский, экстравагантный вид. Б. Райли и В. Вазарелли придерживались противоположных взглядов, когда дело касалось коммерциализации их работ. В то время как Вазарелли считал, что искусство оп-арта должно быть доступно каждому и художники должны даже сотрудничать с текстильными фирмами, Райли раздраженно реагировала на то, что ее работы используют в коммерческих целях. Она считала, что ее искусство превращают в «вульгарные тряпки» и однажды публично выразила негодование одной нью-йоркской марке, подала иск в суд, но безуспешно.

В наши дни дизайнеры продолжают использовать безграничные возможности зрительных иллюзий, предлагая потребителю на время окунуться в другую реальность, в ув-

Таблица 1. Сравнительный анализ использования оптических иллюзий в искусстве и дизайне

п/п

Критерии

Искусство (оп-арт)

Дизайн

Цель

Передать субъективные впечатления и фантазии художника

Визуально изменить или скорректирвать форму, расширить пространство

Функция

Эстетическая

Утилитарно-эстетическая

Цвет

Изначально ахроматическая гамма, впоследствии вводится цвет, присутствует контраст по цвету или по светлоте

Ахроматическая гамма, разнообразная цветовая гамма, всегда присутствует контраст

В. Вазарелли.

Сверхновые,

1959—1961

В. Вазарелли.

Вега-Нор,

1969

Чайник Prestige

П. Полен. ABCD Sofa, 1966

Тематика

Нет сюжета, основная тематика изображения — плоскостные геометрические фигуры, работа с которыми и создает феномен движения

Композиции из геометрических фигур, линий, визуально изменяющих объем поверхности

Б. Райли. «Движение в квадратах», 1961

Мужская одежда, 1960-е

Г. Пью, весна-лето 2012

Исполь-

зуемые

матери-

алы

Изначально живописные и графические материалы, впоследствии применяются линзы, зеркала, металл, пластмасса, проволока, световые источники

Металлические конструкции, пластмасса, стекло, обои, керамическая плитка, зеркала, ткани, трикотаж

Ф. Морелле, 1962

X. Р. Сото Cubo Polycromo, 1996

Ковер, Missoni Home

Керамическая плитка Wave, Cerdomus

2

3

4

5

лекательную игру. Сегодня в дизайне интерьеров жилых и общественных зданий, в обивке мебели применяют иллюзорно объемный рисунок. Иногда отделку стен выполняют заодно с полом или потолком, мебелью, добиваясь создания эффекта слитности, взаимных переходов одного в другое. Для организации таинственного, пульсирующего пространства, для создания игры света и тени размещают световые элементы в потолке, полу, стенах, мебели, в предметах интерьера. Мотивы оп-арта прослеживаются в творчестве таких дизайнеров, как Карим Рашид, Гаэтано Пеше, Пьер Полен.

Оп-арт также популярен в текстильном дизайне, ярким тому примером служат орнаменты дома Missoni. Отличительной чертой этого итальянского дома моды являются узоры для трикотажа и тканей, состоящие из зигзагов и полосок

контрастных цветов, в духе оп-арта. Одежда Missoni обрела известность в середине 1960-х гг., когда оп-арт был на пике популярности, однако эта фирма до сих пор не сдает своих позиций. Сейчас в дизайне одежды зрительные иллюзии активно применяются с целью коррекции фигуры, изменения ее пропорций,что не было характерно для 1960-х гг. Иллюзии используются не только в расцветке тканей, но и в линиях кроя одежды. Также очень популярна иллюзия контраста, которая визуально создает новый силуэт фигуры в одежде, этот прием очень часто встречается в коллекциях современных дизайнеров, например Кристофер Кейн, Хуссейн Ча-лаян, Проенза Шулер. Еще одна область применения иллюзий в дизайне одежды — это изменение формы за счет искусственного создания складок, объемов. Такая

работа с объемами придает даже простой форме авангардный вид, порой дизайнер намеренно искажает человеческую фигуру таким образом. При создании моделей одежды дизайнеры черпают вдохновение в произведениях художников, работавших в направлении оп-арт, — В. Вазарелли, Б. Райли и др. Это прослеживается в творчестве японских дизайнеров Иссей Мияке и Джулии Ватанабе, а также британского дизайнера Гарет Пью. Для них характерно использование тканей с принтами оп-арта, игра с орнаментами клетка и полоска, использование блестящих, светящихся тканей, что придает одежде футуристический, экстравагантный вид.

В завершение необходимо сказать о различии использования оптических иллюзий в искусстве и дизайне. В искусстве художники, работавшие

Таблица 1. Сравнительный анализ использования оптических иллюзий в искусстве и дизайне (окончание)

п/п

Критерии

Искусство (оп-арт)

Дизайн

Харак-

терные

приемы

Цвет, контрастный или тающий в полутонах, и геометризированный рисунок в виде точек, линий, кривых, спиралей, вызывающий эффект «вторичных образов», создающий иллюзию движения

Цветовые и тональные контрасты, ритмические повторы, использование материалов с отражающей поверхностью, иллюзорно объемный рисунок на поверхности, эффект слияния в отделке стен, пола и потолка

К. Крус-Диес. Induction Б. Райли. «Орфейская Chromatique 39, 1971 элегия 1», 1978

Интерьер в духе оп-арт

X. Чалаян, осень-зима 2009—2010

Область

примене-

Изначально живопись, графика, впоследствии 3D искусство, стрит-арт

Графический дизайн, дизайн интерьеров, мебели, светильников, бытовых приборов, текстильный дизайн, дизайн одежды

В. Вазарелли.

CheytM, 1970

К. Веннер. Street illusion

Г. Пеше.

Кресло Up, 1969

Орнамент для трикотажа, Missoni

Выдаю-

щиеся

предста-

вител

В. Вазарелли, Б. Райли, Р. Анушкевич, Х. Р Сото, К. Крус-Диес, группа «Т», группа Zero

К. Рашид, Г Пеше, П. Полен, Missoni, G. Pugh, J. Watanabe

Г Юккер (группа Zero). «Белое поле», 1966

Р. Анушкевич. Deep Magenta Square, 1978

К. Рашид.

Шкаф Blend, 2006

Дж. Ватанабе, 2011

6

7

а

в направлении оп-арт, ставили перед собой цель воплотить свои субъективные впечатления и фантазии в произведении. Дизайнеры используют оптические иллюзии с целью полностью изменить или скорректировать уже существующую форму, зрительно расширить пространство. Этим обусловлено и различие приемов, которыми пользуются дизайнеры и художники. Сходство остается в том, что и художники и дизайнеры работают с ахроматической цветовой гаммой или с контрастными цветами и плоскостными геометрическими фигурами. Несмотря на то, что во второй половине XX в. предсказывали скорое угасание интереса к опарту, в XXI в. это направление широко распространено как в искусстве, так и в дизайне. Для него находятся все новые области применения, используются современные материалы, поскольку оптические иллюзии

дают безграничные возможности для творчества.

Заключение

Можно сделать вывод, что при использовании оптических иллюзий дизайнеры ставят цель визуально преобразовать форму, тогда как у художников нет конкретной цели, они выражают свои эмоции и впечатления в произведениях. Дизайн перенял от оптического искусства приемы работы с плоскостными геометрическими фигурами и цветовыми и тональными контрастами, за счет чего создается иллюзия искажения и движения.

В настоящее время оптические иллюзии активно используются как в искусстве, так и в дизайне. Зрительные иллюзии лежат в основе современного 3Б искусства и стрит-арта. Они часто применяются в графическом дизайне и рекламе, дизайне ин-

терьеров, дизайне мебели, бытовых и осветительных приборов, текстильном дизайне и дизайне одежды.

Список использованной литературы

1 Борев Ю. Б. Эстетика // учебник. М., 2002.

2 Бхаскаран Л. Дизайн и время: стили и направления в современном искусстве и архитектуре/пер. с англ. И. Д. Голыбиной. М., 2006.

3 Зелинг Ш. Мода: век модельеров, 1900—1999./ Кельн, 2000.

4 Игорь Ачкасов, оп-арт, URL: http://im-possible.info (дата обращения: 20.10.2011).

5 Claire Oldman. Op Art in Fashion and Design. URL: http://op-art.co.uk (дата обращения: 24.10.2011).

6 Jessica Bumpus, Gareth Pugh Spring/Summer 2012 Show report. URL:http://vogue.co.uk (дата обращения: 24.10.2011).

оп-арта - что это?

Бриджит Райли
Неуверенность 1964 г.
Tate
© Бриджит Райли, 2020. Все права защищены.

Оп-арт - это сокращение от «оптическое искусство». Слово оптический используется для описания вещей, связанных с тем, как мы видим.Вы когда-нибудь видели оптическую иллюзию? Оп-арт работает аналогичным образом. Художники особым образом используют формы, цвета и узоры для создания изображений, которые выглядят так, как будто они движутся или размываются. Оп-арт зародился в 1960-х годах, и вышеприведенная картина написана Бриджит Райли, одной из главных оп-художников.

Виктор Вазарели
Баня 1964 г.
Тейт
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021 г.

Какие формы вы видите на этой картинке? Это оперный художник Виктор Вазарели.

Бриджит Райли, Виктор Вазарели и еще один художник по имени Хесус Рафаэль Сото были тремя наиболее известными оп-артистами.

Посмотрите, как в этих оп-артах используются формы, цвета, светлые и темные оттенки, чтобы изменить способ отображения 2D-изображений. Что вы чувствуете, когда смотрите на эти фотографии?

Фрэнк Стелла
Без названия (Рабат) 1964 г.
Галерея Тейт
© ARS, NY и DACS, Лондон, 2021 г.

Есть также некоторые художники-абстракционисты, которые не всегда создают оп-арт, но иногда увлекаются этим.В этой картине Фрэнка Стеллы использованы яркие и веселые цвета, которые создают эффект гудения на наших глазах. Насколько бы это выглядело иначе, если бы оно было просто черно-белым?

Хулио Ле Парк
Continual Mobile, Continual Light 1963 г.
Тейт
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021 г.

Некоторые операторы создавали произведения искусства, которые не просто выглядят так, как будто они движутся - они действительно движутся! Искусство, которое движется, иногда называют кинетическим искусством.

Рисунок выше выполнен художником по имени Хулио Ле Парк, который часто создавал мобильные телефоны. Для этого он повесил множество крошечных кусочков металла на почти невидимые подвешенные нити. Эти кусочки металла слегка покачиваются и двигаются при ветре, а их тени на белом фоне также колеблются и перемещаются. Вы видите тени?

Как вы думаете, это произведение искусства будет перемещаться в галерее?

Оп-арт | Характеристики, исполнители и факты

Оп-арт , также называемый оптическим искусством , ветвь геометрического абстрактного искусства середины 20-го века, которая имеет дело с оптической иллюзией.Эффекты оп-арта, достигаемые посредством систематических и точных манипуляций с формами и цветами, могут быть основаны либо на иллюзии перспективы, либо на хроматическом напряжении; в живописи, доминирующей среде оп-арта, поверхностное натяжение обычно максимизируется до точки, в которой человеческий глаз воспринимает реальную пульсацию или мерцание. Заботясь о полностью абстрактных формальных отношениях, оп-арт косвенно связан с такими другими стилями 20-го века, как орфизм, конструктивизм, супрематизм и футуризм, особенно из-за его акцента на живописном движении и динамизме.Художники этого движения отличались от более ранних художников, работавших в геометрических стилях, однако, в их целенаправленном манипулировании формальными отношениями, чтобы вызвать иллюзии восприятия, двусмысленность и противоречия в видении зрителя.

Основными художниками движения оп-арта, возникшего в конце 1950-х и 1960-х годах, были Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Ларри Пунс и Джеффри Стил. Это движение впервые привлекло международное внимание на выставке Op «The Responsive Eye» в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1965 году.Художники оп-арта создавали сложные и парадоксальные оптические пространства посредством иллюзорного манипулирования такими простыми повторяющимися формами, как параллельные линии, узоры шахматной доски и концентрические круги, или создавая хроматическое напряжение из сопоставления дополнительных (хроматически противоположных) цветов равной интенсивности. Эти пространства создают иллюзию движения, не позволяя взгляду зрителя задерживаться на любой части поверхности достаточно долго, чтобы можно было интерпретировать ее буквально. «Произведения оп-арта существуют», по словам одного писателя, «не как объекты, а как генераторы перцептивных реакций.”

Райли, Бриджит: Осень

Осень , поливинилацетатная краска на ДВП, Бриджит Райли, 1963 г .; в галерее Тейт Модерн, Лондон.

Предоставлено попечителями Тейт, Лондон

Цели в области оп-арта были разделены французской Groupe de Recherche d’Art Visuel («Группа исследований в области визуальных искусств») и художником венесуэльского происхождения Хесусом Рафаэлем Сото. Эти художники создавали крупномасштабные скульптуры, в которых использовались свет и двигатели, а также скульптурные материалы, чтобы создать иллюзию движения в пространстве, которая является фундаментальной для всего оп-арта.

The Editors of Encyclopaedia Britannica Эта статья была недавно отредактирована и обновлена ​​Алисией Желязко, помощником редактора.

Узнайте больше в этих связанных статьях Britannica:

  • Джексон Поллок: Наследие Джексона Поллока

    Поп-арт, Оп-арт и живопись цветового поля - с той или иной причиной оглядывались назад на пример Поллока как на основополагающий для их ухода.Для этих художников он стал образцом художника, успешно соединившего искусство и жизнь. Однако для критиков психологически ориентированная иконография в…

  • Ричард Анушкевич

    … художник, один из создателей Оп-арт , стиля живописи, связанного с визуальным восприятием и эффектом оптической иллюзии.…

  • абстрактное искусство

    Абстрактное искусство, живопись, скульптура или графика, в которых изображение предметов из видимого мира играет незначительную роль или не играет никакой роли. Все искусство состоит в основном из элементов, которые можно назвать абстрактными, - элементов формы, цвета, линий, тона и текстуры.До…

Обзор движения Op Art | TheArtStory

Краткое изложение оп-арта

Художники были заинтригованы природой восприятия, оптическими эффектами и иллюзиями на протяжении многих веков. Они часто были в центре внимания искусства, так же как темы, почерпнутые из истории или литературы. Но в 1950-х годах эти увлечения, связанные с новыми интересами в области технологий и психологии, переросли в движение.В оптическом или оптическом искусстве обычно используются абстрактные узоры, составленные с резким контрастом переднего и заднего плана - часто черно-белые для максимального контраста - для создания эффектов, которые сбивают с толку и волнуют глаз. Изначально Оп делил сферу искусства с кинетическим искусством - оперных художников привлекало виртуальное движение, а художников-кинетиков привлекала возможность реального движения. Оба стиля были начаты с Le Mouvement , групповой выставки в Galerie Denise Rene в 1955 году. Она привлекла множество поклонников со всего мира, а после того, как в 1965 году была отмечена обзорной выставкой The Responsive Eye в Музее современного искусства. Искусство в Нью-Йорке, оно захватило воображение публики и привело к повальному увлечению оп-проектами в моде и средствах массовой информации.Многим это казалось идеальным стилем для эпохи, определяемой поступательным развитием науки, достижениями в области вычислительной техники, аэрокосмической промышленности и телевидения. Но искусствоведы никогда так не поддерживали его, называя его эффекты уловками, и сегодня он остается запятнанным этими отклонениями.

Ключевые идеи и достижения

  • Движением оп-арта руководили художники, которые интересовались исследованием различных эффектов восприятия. Некоторые сделали это из чистого энтузиазма к исследованиям и экспериментам, некоторые с отдаленной надеждой на то, что эффекты, которые они освоили, могут найти широкую публику и, следовательно, по-новому интегрировать современное искусство в общество.Скорее, как геометрическое искусство, из которого оно возникло, оп-арт, казалось, предлагал стиль, который очень соответствовал современному обществу.
  • Хотя Op можно рассматривать как преемника геометрической абстракции, его упор на иллюзию и восприятие предполагает, что у него также могли быть более древние предки. Это может происходить от эффектов, которые когда-то были популярны у старых мастеров, таких как trompe l'oeil (французское: «обмануть глаз»). Или, действительно, из анаморфоза, эффекта, при котором изображения искажаются так, что объекты полностью узнаваемы только при просмотре под косым углом.Или, в равной степени, Op может быть просто детищем современного декора.
  • В годы наибольшего успеха в середине 1960-х это движение, как иногда говорили, охватило широкий круг художников, чьи интересы в абстракции не имели ничего общего с восприятием. Некоторые, такие как Джозеф Альберс, которых часто называли оп-артистами, отвергали это. Однако тот факт, что этот ярлык может относиться ко многим художникам, демонстрирует, насколько важны нюансы видения во всем современном искусстве.
  • Спустя долгое время после упадка оп-арта его репутация продолжает висеть на волоске.Некоторые критики продолжают характеризовать его дизайн как «щекотку сетчатки». Но другие недавно утверждали, что этот стиль представляет собой своего рода абстрактное поп-арт, которое имитирует блеск общества потребления, но отказывается, в отличие от таких поп-артистов, как Энди Уорхол, прославлять свои иконы.

Обзор оп-арта

Говоря: «Два творческих выражения ... искусство и наука ... образуют воображаемую конструкцию, которая соответствует нашей чувствительности и современным знаниям», Виктор Вазарели использовал свое научное образование для создания искусства.Оптический эффект его переплетения черного и белого Zebras (1938) сделал его пионером оп-арта.

Обзор движения оп-арта

Оп-арт (сокращение от оптического искусства) - это направление в искусстве, возникшее в 1960-х годах. Это особый стиль искусства, создающий иллюзию движения. Благодаря точности и математике, резкому контрасту и абстрактным формам эти острые произведения искусства обладают трехмерным качеством, которого нет в других стилях искусства.

Оп-арт возникает в 1960-е годы

Воспоминание о 1964 году. В Соединенных Штатах мы все еще не оправились от убийства президента Джона Ф. Кеннеди, включенного в движение за гражданские права и «захваченного» британской поп / рок-музыкой. Многие люди также превозмогали идею достижения идиллического образа жизни, который был так распространен в 1950-х годах. Это было идеальное время для того, чтобы на сцене появилось новое художественное движение.

В октябре 1964 года в статье, описывающей этот новый стиль искусства, журнал Time Magazine ввел фразу «Оптическое искусство» (или «Оп-арт», как его чаще называют).Этот термин относится к тому факту, что оп-арт состоит из иллюзий и часто кажется человеческому глазу движущимся или дышащим из-за его точной, математически обоснованной композиции.

После (и благодаря) крупной выставки оп-арта 1965 года под названием «Отзывчивый глаз» публика пришла в восторг от этого движения. В результате оп-арт стал появляться повсюду: в печатной и телевизионной рекламе, в качестве обложки альбомов для LP, а также в качестве модного мотива в дизайне одежды и интерьеров.

Хотя этот термин был придуман и выставка проводилась в середине 1960-х годов, большинство людей, изучавших эти вещи, согласны с тем, что Виктор Вазарели был пионером этого движения с его картиной 1938 года «Зебра»."

Стиль М. К. Эшера иногда приводил к тому, что он также числился оп-артистом, хотя они не совсем подходят под это определение. Многие из его самых известных работ были созданы в 1930-х годах и включают в себя удивительные перспективы и использование мозаики (формы, расположенные близко друг к другу). Эти двое, безусловно, помогли указать путь другим.

Также можно утверждать, что ни одно из оп-арта не было бы возможным - не говоря уже о том, чтобы оно было принято публикой - без предшествующих абстрактных и экспрессионистских движений.Они проложили путь к снижению акцента (или, во многих случаях, устранению) репрезентативного предмета.

Оп-арт остается популярным

Как «официальное» движение, оп-арт просуществовал около трех лет. Однако это не означает, что к 1969 году все художники перестали использовать оп-арт в качестве своего стиля.

Бриджит Райли - одна заслуживающая внимания художница, которая перешла от ахроматических к хроматическим произведениям, но неуклонно создавала оп-арт с самого начала до наших дней.Кроме того, у любого, кто прошел программу послесреднего изобразительного искусства, вероятно, есть рассказ или два из Op-ish проектов, созданных во время изучения теории цвета.

Также стоит упомянуть, что в эпоху цифровых технологий на оп-арт иногда смотрят с удивлением. Возможно, вы тоже слышали (довольно ехидный, как некоторые сказали бы) комментарий : «Ребенок с надлежащим программным обеспечением для графического дизайна мог бы производить такие вещи». Совершенно верно, одаренный ребенок с компьютером и соответствующим программным обеспечением, безусловно, мог бы создать оп-арт в 21 веке.

В начале 1960-х этого, конечно же, не было, и дата 1938 года «Зебры» Вазарели говорит сама за себя в этом отношении. Op Art олицетворяет собой множество математических, плановых и технических навыков, так как ничто из этого не было получено недавно от компьютерного периферийного устройства. Оригинальный оп-арт ручной работы заслуживает как минимум уважения.

Каковы характеристики оп-арта?

Op Art существует, чтобы обмануть глаз. Композиции Op создают в сознании зрителя некое визуальное напряжение, которое придает произведениям иллюзию движения.Например, сконцентрируйтесь на «Портфолио доминирования, синий» Бриджит Райли (1977) хотя бы на несколько секунд, и оно начнет танцевать и махать перед вашими глазами.

На самом деле, вы знаете , что любое произведение оп-арта является плоским, статичным и двумерным. Ваш глаз, однако, начинает посылать вашему мозгу сообщение о том, что то, что он видит, начало колебаться, мерцать, пульсировать и любой другой глагол, который можно использовать для обозначения: «Ой! Эта картина движется

Op Art не предназначен для отображения реальности. Из-за своей геометрической природы оп-арт почти без исключения не является репрезентативным. Художники не пытаются изобразить то, что мы знаем в реальной жизни. Напротив, это больше похоже на абстрактное искусство, в котором преобладают композиция, движение и форма.

Op Art создается не случайно. Элементы, используемые в произведении оп-арта, тщательно подобраны для достижения максимального эффекта. Чтобы иллюзия работала, каждый цвет, линия и форма должны вносить свой вклад в общую композицию.Для успешного создания произведений искусства в стиле оп-арт требуется большая предусмотрительность.

Op Art опирается на две специфические техники. Критические техники, используемые в оп-арте, - это перспектива и тщательное сопоставление цветов. Цвет может быть хроматическим (идентифицируемые оттенки) или ахроматическим (черный, белый или серый). Даже когда используется цвет, они, как правило, очень жирные и могут быть либо дополнительными, либо высококонтрастными.

Op Art обычно не включает смешение цветов. Линии и формы этого стиля очень четко очерчены. Художники не используют затенение при переходе от одного цвета к другому, и довольно часто два высококонтрастных цвета размещаются рядом друг с другом. Этот резкий сдвиг - ключевая часть того, что мешает вашему глазу и заставляет его видеть движение там, где его нет.

Op Art охватывает негативное пространство. В оп-арте - как, пожалуй, ни в одной другой художественной школе - положительные и отрицательные места в композиции одинаково важны.Иллюзия не может быть создана без того и другого, поэтому операторы склонны уделять столько же внимания отрицательному пространству, сколько и положительному.

10 Op Art Художники, за работой которых вы должны следовать

Природа восприятия, оптические эффекты, иллюзии и визуальные стимулы восхищали художников на протяжении многих веков. Оптическое искусство, или Op Art , основано на оптических иллюзиях и иногда даже упоминается как искусство сетчатки. Некоторые критики даже назвали бы это математически тематической формой абстрактного искусства , учитывая использование повторяющихся форм и цветов для создания вибрирующих эффектов, путаницы переднего и заднего плана и преувеличенного ощущения глубины.

Это именно то, что художники оп-арта хотят вызвать своими ошеломляющими произведениями искусства - они, как правило, сбивают с толку и волнуют глаз, оживляя статичное изображение с помощью различных оптических эффектов, освещения, различных материалов и углов обзора. Некоторые из примеров оп-арта могут даже вызывать тошноту или дискомфорт, но они определенно раздвигают границы нашего восприятия . Художественный механизм , который часто называют искусствоведом, представляет собой поистине уникальную форму выражения, требующую высокой точности и расчетов, чтобы добиться желаемого эффекта.

Возникнув в середине 20-го века, оп-арт был воплощен в жизнь и разработан такими людьми, как Виктор Вазарели , Бриджит Райли , Ричард Анушкевич и многими другими. Возможно, это длилось недолго, но эта интригующая форма искусства была и остается очень важной. Здесь мы рассмотрим 10 художников оптического искусства, которые внесли большой вклад в исследование наших визуальных способностей в художественном движении, которое является оптическим искусством.

Виктор Вазарели - Создание универсального визуального языка

Виктор Вазарели, которого широко считают одним из отцов движения оп-арта , боролся за создание универсального визуального языка, понятного каждому.Французско-венгерский художник стремился создать увлекательный подход к искусству, который был глубоко социальным. Ему удалось добиться этого с помощью геометрической абстракции, которая породила недолговечное движение оп-арта. Сложные и красочно привлекательные узоры Вазарели передают кинетическую энергию, которая передается зрителю. Принцип внутренней геометрии в мире природы - один из мотивов, которые Виктор Вазарели преследовал на протяжении всей своей карьеры. Его иллюзии глубины, движения и трехмерности заложили основу для будущих художников-оперных художников.

Просмотрите обширную коллекцию Вазарели здесь.

Ричард Калдикотт - Кропотливый путь творчества

С чистой формой и цветом, которые являются фокусом его творчества, Ричард Калдикотт кропотливо выполняет свою работу, которая включает в себя вырезание и сборку бумаги в физической сфере перед фотографированием работы. Этот лондонский художник оп-арта создает произведения искусства из различных материалов, часто экспериментируя с техниками рисунка, фотографии и скульптуры.Сэр Элтон Джон - страстный коллекционер фотографий с одной из крупнейших коллекций в мире, и он описал работы Калдикотта как обладающие уникальной способностью преобразовывать среду фотографии во что-то новое, используя при этом наиболее традиционную технику.

Посмотрите, какие произведения искусства Ричард Калдикотт выставлены на продажу на нашей торговой площадке!

Марина Аполлонио - Максимальный результат минимальными средствами

Художница итальянского происхождения Марина Аполлонио - один из всемирно признанных представителей движения оптического искусства.Марина выросла в артистической среде и довольно рано увлеклась восприятием и визуальным общением. Марина разделяла стремление к деперсонализации в искусстве с другими участниками Op Art, в отличие от концепции выразительной абстракции. Она исследует различные способы появления элементарных форм и структур . После этого процесса Аполлонио строго выполняет свою работу, основанную на математической системе. Если основная форма - круг, она находит способ воплотить его в жизнь, сделать его активным и динамичным, добиваясь максимального результата минимальными средствами.

Вы можете увидеть подробности ее работ здесь

Питер Седжли - Оживление искусства с помощью света и кинетики

Признанный художник оп-арта Питер Седгли известен тем, что иногда использует свет и кинетику для воплощения своих оптических композиций. Он создает светящиеся картины кругов и другие оптические исследования с 1960-х годов. На протяжении своей карьеры Седжли получил множество наград за образцовую работу. Известно, что он экспериментировал с такими элементами, как видео-роторы и аудиовизуальное искусство.Оживленные кинетикой, его освещенные призмы и проекции оживают, как если бы у них был собственный разум, существующий без человеческого влияния.

Чтобы узнать больше об искусстве Питера Седжли, щелкните здесь.

Ричард Аллен - Изучение взаимосвязи между искусством и наукой

Ричард Аллен родился в Вустере в 1933 году. Его отец повлиял на то, что он стал заниматься сельским хозяйством. Аллен учился в Шропширском сельскохозяйственном институте, где у него действительно появился интерес к искусству.Изучив ключевые концепции создания оптического искусства, Ричард поступил в Академию искусств Бата, где продолжил развивать свой стиль и навыки. Ричард Аллен исследовал отношения между искусством и наукой, экспериментируя с цветом, линиями и оптическими эффектами. Перед смертью в 1999 году Аллену был поставлен диагноз «болезнь моторных нейронов», и, хотя он пытался бороться с ней и продолжать заниматься искусством, быстрое начало заболевания помешало ему добиться каких-либо успехов. Но работа, которую он оставил, помещает его в любой список лучших оперных художников.

Более подробно с работами Аллена можно ознакомиться здесь

Кэрол Браун Голдберг - Безграничная абстрактная вселенная

После окончания Университета Мэриленда со степенью бакалавра искусств. В области американистики Кэрол Браун Голдберг приступила к исследованию взаимосвязи между искусством и наукой. Для ее искусства характерно использование отражающих фишек, встроенных в акрил на холсте. Работы Кэрол уникальны и мгновенно узнаваемы, в ее творчестве есть некий гипнотический элемент, почти завораживающий зрителя цветами и детализированными формами.Ее картины, основанные на оптике, были описаны как скопления энергии, которые втягивают зрителя в безграничную абстрактную вселенную. Иногда кажется, что художнику каким-то образом удается погрузиться в астральное безграничное пространство за пределами нашего измерения, почти позволяя нам смотреть через портал в великую бездну.

Ара Петерсон - Волны, захваченные во времени

Используя краску и дерево, Ара Петерсон записывает волновые узоры в скульптурные формы. Он стремится запечатлеть движение волн в статической форме, при этом используя статический материал дерева, чтобы придать ему вид движения.Скульптуры Петерсона кажутся парящими, невесомыми и лишенными пространства, обеспечивая визуально насыщенный опыт с оживленной яркостью. Американский художник игнорирует характеристики технологий и материалов, которые он использует, в результате чего создаются уникальные произведения искусства, которые заставляют зрителя задумываться и подвергать сомнению процесс, стоящий за ним.

Более подробно с работами Ара Петерсона можно ознакомиться здесь

Ричард Анушкевич - Эксперименты со светом и цветом

Ричард Анушкевич, родившийся в 1930 году, считался новым американским волшебником оптического искусства.С самого детства Ричард увлекался искусством, и его отец поощрял его к этой страсти. В конце 1960-х - начале 1970-х годов он был одним из основателей и наиболее важных фигур оп-арта. Даже сегодня Анушкевич - известная сила в этом художественном движении. Его работа отражает оптические изменения, которые происходят, когда различные высокоинтенсивные цвета воплощаются в одних и тех же геометрических конфигурациях. Он описал свои собственные проекты оп-арта как имеющие экспериментальный характер, сосредоточенный на изучении изменяющихся условий освещения и его влияния на цвет.

Смотрите больше примеров оп-арта Ричарда Анушкевича здесь!

Тауба Ауэрбах - Подвергая сомнению пределы структур

Черпая вдохновение в таких научных областях, как математика и физика, Тауба Ауэрбах использует в своей работе множество средств массовой информации. Живопись, фотография, книжный дизайн и музыкальное представление - лишь некоторые из проводников ее творческой силы. Ауэрбах ставит под сомнение пределы структур и исследует наши логические системы, сводя их к их основам и перестраивая в новые визуальные и поэтические формы.Она наиболее известна своим оп-артом, который бросает вызов нашему восприятию пространства. Как она описывала некоторые из своих работ, она находится в пограничном состоянии между двумя и тремя измерениями.

Посмотрите, какие произведения искусства доступны на продажу от Таубы Ауэрбаха

Getulio Alviani - Поверхности с вибрирующей текстурой

Итальянский художник-график, дизайнер и арт-директор Гетулио Альвиани посвятил свою работу изучению проблем, связанных со структурной пластичностью и визуальной коммуникацией.Он работал с пластиковыми объектами последовательно, динамически-оптическими структурами и воздушными электрическими проводами. В начале 1960-х годов Альвиани разработал свою «Поверхность с вибрирующей текстурой» из стали и алюминия, которая стала одной из его самых узнаваемых работ. Используя также световое отражение и преломление, Жетулио Альвиани создал уникальный опыт для зрителя. Позже в своей карьере художник создавал светящиеся объекты с механическим движением, визуализировал физические и химические явления, исследуя отношения между глазом и референтным объектом.

Более подробную информацию о работах Гетулио Альвиани можно найти здесь

Семь художников, вдохновленных движением оп-арта

В нашем нынешнем обществе нас постоянно засыпают образами. Социальные сети, реклама, телевидение, наши телефоны - эти технологические устройства развили наши навыки визуальной грамотности, а это означает, что теперь мы способны быстро понимать изображения.

Однако игривые оп-артисты все еще бросают нам вызов. Их оптические иллюзии, которые сложно понять, вселяют в нас желание решить головокружительную головоломку, которую представляют их работы.За свои галлюцинаторные, дезориентирующие и заставляющие думать работы те, кто сформировал (или был вдохновлен) движением оп-арта, заслуживают признания.

Op Art, что означает «оптическое искусство», набирает обороты как движение в 1960-х годах. Взрыв ярких психоделических цветов, геометрии и стимулирующих узоров, Op Art предлагает абстрактные композиции, которые привлекают зрителя, создавая впечатление движения, будь то мигание, вибрация или нарастание иллюзий.

Ведущими фигурами движения являются Бриджит Райли, Виктор Вазарели и Хесус Рафаэль Сото. Однако их эксперименты с цветом и геометрией вдохновили на работы многих других художников. Вот исследование работы этих ключевых фигур и взгляд на тех, кто был вдохновлен схожими принципами и методами.

Бриджит Райли

Бриджит Райли (род. 1931), возможно, самая известная оперная художница, была поистине экспериментальной, исследуя свой взгляд на мир через свои работы.

Fall предлагает зрителю настоящую оптическую иллюзию - чем дольше мы смотрим на произведение, тем более искаженным становится наше зрение. Каскадные иллюстративные линии спускаются вниз по изделию, изгибаясь и закручиваясь в танце черной эмульсии.

В конце 1960-х Райли начала экспериментировать с цветом. Раньше она находила утешение в строгих двойных соотношениях между черным и белым, поэтому осторожно относилась к цвету, что, по ее мнению, менее стабильно.Однако в конце концов она приняла эту нестабильность, создав иллюзию движения за счет исследования формы, пространства и цвета.

Виктор Вазарели

Венгерско-французский художник Виктор Вазарели (1908–1997) считается отцовской фигурой в истории оп-арта. Первоначально он начал изучать медицину в университете, но оставил это в 1927 году, чтобы изучить методы традиционной академической живописи.В 1928 году он поступил в частную художественную школу, где занимался прикладным искусством и типографским дизайном.

Абстрактный

Виктор Вазарели (1908–1997)

Фонд искусств Эссекса: Коллекция BAT

Заинтересовавшись графическим дизайном и способами передачи сообщений в искусстве, Вазарели начал экспериментировать с абстракцией, сводя свои работы к простым текстурам и узорам.

Иака 1955–1957

Виктор Вазарели (1908–1997)

Галерея Стэнли и Одри Бертон, Университет Лидса

Iaca включает в себя противоположные круглые формы с горизонтальными и вертикальными линиями, создавая впечатление, что эти формы терпеливо вращаются, как будто они подвешены к потолку на мобильном телефоне и вращаются на поперечном ветру.В его пьесе используется визуальная кинетика, исследование, при котором зритель воспринимает произведение так, как будто оно движется.

Джим Лэмби

Изгибающиеся слои хрома, окрашенного распылением, заходят на центральную панель из полированной нержавеющей стали. Асимметричные складки напоминают стопку картин школьников, которые сохнут в задней части класса, скручиваясь по краям под тяжестью нанесенного толстого акрила.

И все же эти отслаивающиеся слои - работа не маленького ребенка, а современного художника-инсталлятора Джима Ламби (род.1964), работа которого вошла в шорт-лист Премии Тернера 2005 года. Ламби представляет доступный стиль современной инсталляции: его произведение A Forest привлекает зрителя к зеркальной поверхности, в то время как яркие вспышки цвета обрамляют пространство.

Лес

Джим Лэмби (р. 1964)

Юпитер Артланд

Ламби родился в Эйрдри и изучал искусство окружающей среды в Школе искусств Глазго.Его работы игривы, образны, ярки и геометрически, производя огромное визуальное впечатление на зрителя. Известный как художник-инсталлятор, скульптурные работы Ламби сочетаются с его повседневным окружением и украшают его, используя такие материалы, как виниловая лента, зеркало и краска.

Ричард Аллен

Ричард Аллен (1933–1999) родился в Вустере и учился в Академии искусств Бата, а затем получил стипендию в Университете Сассекса. В 1962 году он начал работать в Кройдонском колледже искусств, где преподавал в течение следующих восьми лет вместе с Бриджит Райли.

Диакросс

Ричард Аллен (1933–1999)

Коллекция произведений искусства Кройдона

Работа Аллена привлекает нас, элегантная композиция геометрической чистоты с завораживающим узором. Используя масло на льняной ткани в качестве материала, Diacrosse противопоставляет текучесть материала строгой геометрии складок и сборок, образуя ромб и звезду в море розового.

Хесус Рафаэль Сото

Практика Хесуса Рафаэля Сото (1923–2005), французского художника венесуэльского происхождения, характеризуется иллюзией. Увлеченный идеей сенсорных вибраций, он развил свою работу от небольших картин до более крупных инсталляций, через которые аудитория могла проходить и взаимодействовать с ними.

Портрет Хесуса Рафаэля Сото, Милан

фотография Лотара Воллеха (1930–1979)

Размывая границу между произведением искусства и аудиторией, зрители Сото больше не смотрят пассивно, а становятся потенциальными соавторами.Его работа, таким образом, превзошла оп-арт, сформулировав новый, совместный стиль такого искусства, который не только фигурально привлекал зрителя и побуждал его задавать вопросы о том, что он переживает, но и физически позволял им войти в пространство произведения и сами манипулируют иллюзорным сеттингом.

Двойная прогрессия в зеленом и белом

1969, наружная инсталляция Хесуса Рафаэля Сото (1923–2005)

Анджела Буллох

Анджела Буллох (род.1966) наиболее известна своими скульптурами из флуоресцентного света, такими как Aluminium 4 , в которых исследуется цифровая идентичность пикселя. Однако уроженец Канады Буллох также создал серию скульптур, в которой перенимают иллюзорные тенденции оперных художников.

Тихоокеанский рубеж вокруг и сбоку вверх

Анжелы Буллох (род. 1966), установлен в здании Nord / LB, Фридрихсвалл, Ганновер

Исследуя узор и перспективу в трех измерениях, ее серия Heavy Metal Stack состоит из стальных конструкций с порошковым покрытием, достигающих более шести футов в высоту.Привлекая внимание зрителя, скульптуры, казалось бы, одновременно занимают и двухмерное, и трехмерное пространство. Это сопоставление делает скульптуры Буллоха невероятно интригующими.

Дэмиен Херст

Современный британский художник Дэмиен Херст (род. 1965) известен своими провокационными работами, в которых часто исследуются жизнь и смерть. Он вырос в Лидсе и закончил учебу в отделении изящных искусств в Goldsmiths в Лондоне.

В Apotryptophanae, радуга из цветных точек охватывает широкий белый холст, заставляя глаз отчаянно искать смысл в узоре.Эта работа, известная как одна из «Фармацевтических картин» Херста, состоит из размерной сетки разноцветных кругов. Эти цвета были выбраны для обозначения медицинских цветовых кодов, показывая связь с увлечением Херста смертью и болезнью.

В графическом дизайне изображения состоят из тысяч точек, плотно напечатанных рядом друг с другом, и разум автоматически «решает» головоломку, формируя из них изображение. Однако в данном случае это невыполнимая задача, поскольку эти круги на самом деле просто и красочно случайны.

На выставке «Оп-арт в фокусе» Тейт Ливерпуль можно испытать искажающие и игривые эффекты оп-арта. Эта групповая выставка, открытая до 17 января 2021 года, включает в себя работы Райли, Вазарели и Ламби. Во взрыве узора вас встретят цветные радуги, колеблющиеся и колеблющиеся в пространстве. Изюминкой, возможно, является дезориентирующая инсталляция Ламби, заставляющая глаз поверить в то, что пол тает, кружится и изгибается под вашими ногами.

Молли Эванс, писатель-фрилансер

Самые хитрые примеры шаблонов оп-арта

Главная страница блога

3 февраля 2017 г.

Оп-арт - аномалия. Виктор Вазарели стал пионером этого движения в 1930-х годах как серьезное эстетическое исследование. Но сегодня мы с такой же вероятностью увидим узор Op Art на картине в музее, как на паре обуви, кухонном приспособлении или спортивном автомобиле. И все же то, что начиналось как формальное исследование оптической эстетики, затем превратилось в китч, теперь снова заявило о себе как о важной области художественных исследований.По мнению многих современных художников-абстракционистов, паттерны оп-арта представляют собой позицию, с которой можно исследовать и расширять оптические пределы двумерной плоскости. Некоторые используют оп-арт, чтобы создать ощущение вспышки или таинственности. Другие используют его для изучения возможностей кинетики. А третьи используют его просто, чтобы побудить зрителей дольше смотреть на искусство. Что мы находим примечательным, так это то, что независимо от своих индивидуальных целей оп-артисты в целом создали фантастический диапазон эстетических иллюзий, используя относительно ограниченный словарь техник.Вот восемь самых хитрых паттернов оп-арта, используемых нашими любимыми оп-артистами:

Размерные векторы

Вектор можно описать как линию, которая выражает как величину, так и направление. Виктор Вазарели был мастером использования векторов для преобразования форм в формы. Эта безымянная шелкография Вазарели 1975 года сочетает в себе точные симметричные векторы с геометрическими формами, горизонтальными и вертикальными линиями и градиентными цветами. Несмотря на то, что он полностью плоский, он создает иллюзию того, что большая масса выступает наружу из плоскости изображения.

Виктор Вазарели - Без названия, 1975. Шелкография. © 2020 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж

Туннельный эффект

Еще один образец оп-арта, мастером которого был Виктор Вазарели, - туннельный эффект. В этом трюке повторяющиеся геометрические фигуры уменьшающихся размеров помещаются друг в друга таким образом, что кажется, что они исчезают в точке схода. В своей картине 1975 года Vonal-Stri Вазарели использовал квадраты в качестве формы выбора и постепенно регулировал толщину сторон квадратов, чтобы создать иллюзию того, что туннель закругляет угол, направляясь к точке схода.

Виктор Вазарели - Вонал-Стри, 1975. Холст, акрил. © 2020 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж

Выпуклое искажение

Один из самых увлекательных трюков, используемых оп-артистами, - это выпуклое искажение. Это когда кажется, что поверхность имеет округлую складку, похожую на волну или флаг, развевающийся на ветру. Бриджит Райли освоила этот эффект и использовала его в многочисленных картинах. Одна из ее первых и наиболее эффективных демонстраций выпуклого искажения была в ее картине 1961 года Движение на квадратах .Для этого фрагмента она использовала простой горизонтальный и вертикальный штриховки, а затем постепенно уменьшила расстояние между вертикальными элементами по обе стороны от того, что стало искажением.

Бриджит Райли - Движение на площадях, 1961. Темпера на доске. © Бриджит Райли

Сужающиеся линии

Когда прямая линия постепенно становится тоньше или толще на концах, создается иллюзия сужения. Сужающиеся линии могут создавать ощущение движения или трехмерности изображения.В 2015 году Карлос Круз-Диз объединил сужающиеся линии с градиентной цветовой палитрой в своем Caura-14 aquatint . Он также аккуратно расположил диагонали параллельно в нижнем сегменте изображения, создав иллюзию спиральной пружины, парящей в качающемся вертикальном пространстве.

Карлос Крус-Диес - Каура-14, 2015. Литография. 23 3/5 × 27 3/5 дюйма 60 × 70 см. Polígrafa Obra Gráfica, Барселона. © Карлос Круз-Диез

Многослойная штриховка

Схема штриховки естественна для ткачества.Когда линии, состоящие из разных оттенков, накладываются на двухмерную поверхность и размещаются в виде перекрестной штриховки, создается иллюзия, что поверхность имеет глубину. Добавляя дополнительные слои и оттенки, иллюзия может усложняться. В своей картине 2008 года # 403 Blue-Violet Сьюзи Розмарин наложила диагональные линии в виде перекрестной штриховки на цветном фоне с градиентом и добавила дополнительные цветовые узоры градиента к заштрихованным линиям. Она также включила области выпуклого искажения, чтобы создать ощущение пульсации светлых и темных участков.

Susie Rosmarin - 403 Сине-фиолетовый, 2008. Холст, акрил. © Susie Rosmarin

Градиентные параллели

Звучит просто, но иногда можно создать оптические эффекты, просто разместив линии рядом друг с другом. Эффект возникает при изменении оттенков линий. Как объяснил Ганс Хофманн в своей теории пуш-пула, теплые цвета, помещенные рядом с холодными, создают перспективу или иллюзию глубины, поскольку теплые цвета заставляют холодные цвета уходить на задний план.Яаков Агам продемонстрировал это явление в своем шедевре 1979 года под названием Mirror , в котором он использовал только вертикальные линии и теорию пуш-пула, чтобы создать великолепную иллюзию геометрических форм, плавающих в пространственном пространстве.

Яаков Агам - Зеркало, 1979. Шелкография на зеркале. © Яаков Агам

Вихрь

Вихрь, также известный как водоворот, спираль или циклон, является распространенным, но загадочным образцом оп-арта. Чтобы добиться этого странного эффекта, круглые или эллиптические формы уменьшающегося размера вложены друг в друга.Каждый эллипс имеет две широкие стороны и две конические стороны, и каждый последующий эллипс слегка повернут в одном направлении. Вихрь был прекрасно продемонстрирован Фрэнсисом Челентано в 1867 году, когда он создал свою картину Elliptical Kinetic Painting , серию эллипсов, вложенных точно так, как только что описано, а затем прикрепленных к вращающемуся двигателю.

Фрэнсис Челентано - Эллиптическая кинетическая живопись, 1967. Акрил на мазоните с мотором. Коллекция галереи Олбрайт-Нокс, Буффало, штат Нью-Йорк, © Фрэнсис Челентано

Видимые волны

Есть несколько способов создать иллюзию волн на двухмерной плоскости.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *