Оп арт в живописи: что такое оп-арт, полробная история направления в живописи, примеры картин с оптическими иллюзиями. Самые известные художники оп-арта

Осень , поливинилацетатная краска на ДВП, Бриджит Райли, 1963 г .; в галерее Тейт Модерн, Лондон.

Цели в области оп-арта были разделены французской Groupe de Recherche d’Art Visuel («Группа исследований в области визуальных искусств») и художником венесуэльского происхождения Хесусом Рафаэлем Сото. Эти художники создавали крупномасштабные скульптуры, в которых использовались свет и двигатели, а также скульптурные материалы, чтобы создать иллюзию движения в пространстве, которая является фундаментальной для всего оп-арта.

Узнайте больше в этих связанных статьях Britannica:

• Джексон Поллок: Наследие Джексона Поллока

  Поп-арт, Оп-арт и живопись цветового поля — с той или иной причиной оглядывались назад на пример Поллока как на основополагающий для их ухода.Для этих художников он стал образцом художника, успешно соединившего искусство и жизнь. Однако для критиков психологически ориентированная иконография в…

• Ричард Анушкевич

  … художник, один из создателей Оп-арт , стиля живописи, связанного с визуальным восприятием и эффектом оптической иллюзии.…

• абстрактное искусство

  Абстрактное искусство, живопись, скульптура или графика, в которых изображение предметов из видимого мира играет незначительную роль или не играет никакой роли. Все искусство состоит в основном из элементов, которые можно назвать абстрактными, — элементов формы, цвета, линий, тона и текстуры.До…

Обзор движения Op Art | TheArtStory

Краткое изложение оп-арта

Художники были заинтригованы природой восприятия, оптическими эффектами и иллюзиями на протяжении многих веков. Они часто были в центре внимания искусства, так же как темы, почерпнутые из истории или литературы. Но в 1950-х годах эти увлечения, связанные с новыми интересами в области технологий и психологии, переросли в движение.В оптическом или оптическом искусстве обычно используются абстрактные узоры, составленные с резким контрастом переднего и заднего плана — часто черно-белые для максимального контраста — для создания эффектов, которые сбивают с толку и волнуют глаз. Изначально Оп делил сферу искусства с кинетическим искусством — оперных художников привлекало виртуальное движение, а художников-кинетиков привлекала возможность реального движения. Оба стиля были начаты с Le Mouvement , групповой выставки в Galerie Denise Rene в 1955 году. Она привлекла множество поклонников со всего мира, а после того, как в 1965 году была отмечена обзорной выставкой The Responsive Eye в Музее современного искусства. Искусство в Нью-Йорке, оно захватило воображение публики и привело к повальному увлечению оп-проектами в моде и средствах массовой информации.Многим это казалось идеальным стилем для эпохи, определяемой поступательным развитием науки, достижениями в области вычислительной техники, аэрокосмической промышленности и телевидения. Но искусствоведы никогда так не поддерживали его, называя его эффекты уловками, и сегодня он остается запятнанным этими отклонениями.

Ключевые идеи и достижения

• Движением оп-арта руководили художники, которые интересовались исследованием различных эффектов восприятия. Некоторые сделали это из чистого энтузиазма к исследованиям и экспериментам, некоторые с отдаленной надеждой на то, что эффекты, которые они освоили, могут найти широкую публику и, следовательно, по-новому интегрировать современное искусство в общество.Скорее, как геометрическое искусство, из которого оно возникло, оп-арт, казалось, предлагал стиль, который очень соответствовал современному обществу.
• Хотя Op можно рассматривать как преемника геометрической абстракции, его упор на иллюзию и восприятие предполагает, что у него также могли быть более древние предки. Это может происходить от эффектов, которые когда-то были популярны у старых мастеров, таких как trompe l’oeil (французское: «обмануть глаз»). Или, действительно, из анаморфоза, эффекта, при котором изображения искажаются так, что объекты полностью узнаваемы только при просмотре под косым углом.Или, в равной степени, Op может быть просто детищем современного декора.
• В годы наибольшего успеха в середине 1960-х это движение, как иногда говорили, охватило широкий круг художников, чьи интересы в абстракции не имели ничего общего с восприятием. Некоторые, такие как Джозеф Альберс, которых часто называли оп-артистами, отвергали это. Однако тот факт, что этот ярлык может относиться ко многим художникам, демонстрирует, насколько важны нюансы видения во всем современном искусстве.
• Спустя долгое время после упадка оп-арта его репутация продолжает висеть на волоске.Некоторые критики продолжают характеризовать его дизайн как «щекотку сетчатки». Но другие недавно утверждали, что этот стиль представляет собой своего рода абстрактное поп-арт, которое имитирует блеск общества потребления, но отказывается, в отличие от таких поп-артистов, как Энди Уорхол, прославлять свои иконы.

Обзор оп-арта

Говоря: «Два творческих выражения … искусство и наука … образуют воображаемую конструкцию, которая соответствует нашей чувствительности и современным знаниям», Виктор Вазарели использовал свое научное образование для создания искусства.Оптический эффект его переплетения черного и белого Zebras (1938) сделал его пионером оп-арта.

Обзор движения оп-арта

Оп-арт (сокращение от оптического искусства) — это направление в искусстве, возникшее в 1960-х годах. Это особый стиль искусства, создающий иллюзию движения. Благодаря точности и математике, резкому контрасту и абстрактным формам эти острые произведения искусства обладают трехмерным качеством, которого нет в других стилях искусства.

Оп-арт возникает в 1960-е годы

Воспоминание о 1964 году. В Соединенных Штатах мы все еще не оправились от убийства президента Джона Ф. Кеннеди, включенного в движение за гражданские права и «захваченного» британской поп / рок-музыкой. Многие люди также превозмогали идею достижения идиллического образа жизни, который был так распространен в 1950-х годах. Это было идеальное время для того, чтобы на сцене появилось новое художественное движение.

В октябре 1964 года в статье, описывающей этот новый стиль искусства, журнал Time Magazine ввел фразу «Оптическое искусство» (или «Оп-арт», как его чаще называют).Этот термин относится к тому факту, что оп-арт состоит из иллюзий и часто кажется человеческому глазу движущимся или дышащим из-за его точной, математически обоснованной композиции.

После (и благодаря) крупной выставки оп-арта 1965 года под названием «Отзывчивый глаз» публика пришла в восторг от этого движения. В результате оп-арт стал появляться повсюду: в печатной и телевизионной рекламе, в качестве обложки альбомов для LP, а также в качестве модного мотива в дизайне одежды и интерьеров.

Хотя этот термин был придуман и выставка проводилась в середине 1960-х годов, большинство людей, изучавших эти вещи, согласны с тем, что Виктор Вазарели был пионером этого движения с его картиной 1938 года «Зебра».»

Стиль М. К. Эшера иногда приводил к тому, что он также числился оп-артистом, хотя они не совсем подходят под это определение. Многие из его самых известных работ были созданы в 1930-х годах и включают в себя удивительные перспективы и использование мозаики (формы, расположенные близко друг к другу). Эти двое, безусловно, помогли указать путь другим.

Также можно утверждать, что ни одно из оп-арта не было бы возможным — не говоря уже о том, чтобы оно было принято публикой — без предшествующих абстрактных и экспрессионистских движений.Они проложили путь к снижению акцента (или, во многих случаях, устранению) репрезентативного предмета.

Оп-арт остается популярным

Как «официальное» движение, оп-арт просуществовал около трех лет. Однако это не означает, что к 1969 году все художники перестали использовать оп-арт в качестве своего стиля.

Бриджит Райли — одна заслуживающая внимания художница, которая перешла от ахроматических к хроматическим произведениям, но неуклонно создавала оп-арт с самого начала до наших дней.Кроме того, у любого, кто прошел программу послесреднего изобразительного искусства, вероятно, есть рассказ или два из Op-ish проектов, созданных во время изучения теории цвета.

Также стоит упомянуть, что в эпоху цифровых технологий на оп-арт иногда смотрят с удивлением. Возможно, вы тоже слышали (довольно ехидный, как некоторые сказали бы) комментарий : «Ребенок с надлежащим программным обеспечением для графического дизайна мог бы производить такие вещи». Совершенно верно, одаренный ребенок с компьютером и соответствующим программным обеспечением, безусловно, мог бы создать оп-арт в 21 веке.

В начале 1960-х этого, конечно же, не было, и дата 1938 года «Зебры» Вазарели говорит сама за себя в этом отношении. Op Art олицетворяет собой множество математических, плановых и технических навыков, так как ничто из этого не было получено недавно от компьютерного периферийного устройства. Оригинальный оп-арт ручной работы заслуживает как минимум уважения.

Каковы характеристики оп-арта?

Op Art существует, чтобы обмануть глаз. Композиции Op создают в сознании зрителя некое визуальное напряжение, которое придает произведениям иллюзию движения.Например, сконцентрируйтесь на «Портфолио доминирования, синий» Бриджит Райли (1977) хотя бы на несколько секунд, и оно начнет танцевать и махать перед вашими глазами.

На самом деле, вы знаете , что любое произведение оп-арта является плоским, статичным и двумерным. Ваш глаз, однако, начинает посылать вашему мозгу сообщение о том, что то, что он видит, начало колебаться, мерцать, пульсировать и любой другой глагол, который можно использовать для обозначения: «Ой! Эта картина движется !»

Op Art не предназначен для отображения реальности. Из-за своей геометрической природы оп-арт почти без исключения не является репрезентативным. Художники не пытаются изобразить то, что мы знаем в реальной жизни. Напротив, это больше похоже на абстрактное искусство, в котором преобладают композиция, движение и форма.

Op Art создается не случайно. Элементы, используемые в произведении оп-арта, тщательно подобраны для достижения максимального эффекта. Чтобы иллюзия работала, каждый цвет, линия и форма должны вносить свой вклад в общую композицию.Для успешного создания произведений искусства в стиле оп-арт требуется большая предусмотрительность.

Op Art опирается на две специфические техники. Критические техники, используемые в оп-арте, — это перспектива и тщательное сопоставление цветов. Цвет может быть хроматическим (идентифицируемые оттенки) или ахроматическим (черный, белый или серый). Даже когда используется цвет, они, как правило, очень жирные и могут быть либо дополнительными, либо высококонтрастными.

Op Art обычно не включает смешение цветов. Линии и формы этого стиля очень четко очерчены. Художники не используют затенение при переходе от одного цвета к другому, и довольно часто два высококонтрастных цвета размещаются рядом друг с другом. Этот резкий сдвиг — ключевая часть того, что мешает вашему глазу и заставляет его видеть движение там, где его нет.

Op Art охватывает негативное пространство. В оп-арте — как, пожалуй, ни в одной другой художественной школе — положительные и отрицательные места в композиции одинаково важны.Иллюзия не может быть создана без того и другого, поэтому операторы склонны уделять столько же внимания отрицательному пространству, сколько и положительному.

10 Op Art Художники, за работой которых вы должны следовать

Природа восприятия, оптические эффекты, иллюзии и визуальные стимулы восхищали художников на протяжении многих веков. Оптическое искусство, или Op Art , основано на оптических иллюзиях и иногда даже упоминается как искусство сетчатки. Некоторые критики даже назвали бы это математически тематической формой абстрактного искусства , учитывая использование повторяющихся форм и цветов для создания вибрирующих эффектов, путаницы переднего и заднего плана и преувеличенного ощущения глубины.

Это именно то, что художники оп-арта хотят вызвать своими ошеломляющими произведениями искусства — они, как правило, сбивают с толку и волнуют глаз, оживляя статичное изображение с помощью различных оптических эффектов, освещения, различных материалов и углов обзора. Некоторые из примеров оп-арта могут даже вызывать тошноту или дискомфорт, но они определенно раздвигают границы нашего восприятия . Художественный механизм , который часто называют искусствоведом, представляет собой поистине уникальную форму выражения, требующую высокой точности и расчетов, чтобы добиться желаемого эффекта.

Возникнув в середине 20-го века, оп-арт был воплощен в жизнь и разработан такими людьми, как Виктор Вазарели , Бриджит Райли , Ричард Анушкевич и многими другими. Возможно, это длилось недолго, но эта интригующая форма искусства была и остается очень важной. Здесь мы рассмотрим 10 художников оптического искусства, которые внесли большой вклад в исследование наших визуальных способностей в художественном движении, которое является оптическим искусством.

Виктор Вазарели — Создание универсального визуального языка

Виктор Вазарели, которого широко считают одним из отцов движения оп-арта , боролся за создание универсального визуального языка, понятного каждому.Французско-венгерский художник стремился создать увлекательный подход к искусству, который был глубоко социальным. Ему удалось добиться этого с помощью геометрической абстракции, которая породила недолговечное движение оп-арта. Сложные и красочно привлекательные узоры Вазарели передают кинетическую энергию, которая передается зрителю. Принцип внутренней геометрии в мире природы — один из мотивов, которые Виктор Вазарели преследовал на протяжении всей своей карьеры. Его иллюзии глубины, движения и трехмерности заложили основу для будущих художников-оперных художников.

Просмотрите обширную коллекцию Вазарели здесь.

Ричард Калдикотт — Кропотливый путь творчества

С чистой формой и цветом, которые являются фокусом его творчества, Ричард Калдикотт кропотливо выполняет свою работу, которая включает в себя вырезание и сборку бумаги в физической сфере перед фотографированием работы. Этот лондонский художник оп-арта создает произведения искусства из различных материалов, часто экспериментируя с техниками рисунка, фотографии и скульптуры.Сэр Элтон Джон — страстный коллекционер фотографий с одной из крупнейших коллекций в мире, и он описал работы Калдикотта как обладающие уникальной способностью преобразовывать среду фотографии во что-то новое, используя при этом наиболее традиционную технику.

Посмотрите, какие произведения искусства Ричард Калдикотт выставлены на продажу на нашей торговой площадке!

Марина Аполлонио — Максимальный результат минимальными средствами

Художница итальянского происхождения Марина Аполлонио — один из всемирно признанных представителей движения оптического искусства.Марина выросла в артистической среде и довольно рано увлеклась восприятием и визуальным общением. Марина разделяла стремление к деперсонализации в искусстве с другими участниками Op Art, в отличие от концепции выразительной абстракции. Она исследует различные способы появления элементарных форм и структур . После этого процесса Аполлонио строго выполняет свою работу, основанную на математической системе. Если основная форма — круг, она находит способ воплотить его в жизнь, сделать его активным и динамичным, добиваясь максимального результата минимальными средствами.

Вы можете увидеть подробности ее работ здесь

Питер Седжли — Оживление искусства с помощью света и кинетики

Признанный художник оп-арта Питер Седгли известен тем, что иногда использует свет и кинетику для воплощения своих оптических композиций. Он создает светящиеся картины кругов и другие оптические исследования с 1960-х годов. На протяжении своей карьеры Седжли получил множество наград за образцовую работу. Известно, что он экспериментировал с такими элементами, как видео-роторы и аудиовизуальное искусство.Оживленные кинетикой, его освещенные призмы и проекции оживают, как если бы у них был собственный разум, существующий без человеческого влияния.

Чтобы узнать больше об искусстве Питера Седжли, щелкните здесь.

Ричард Аллен — Изучение взаимосвязи между искусством и наукой

Ричард Аллен родился в Вустере в 1933 году. Его отец повлиял на то, что он стал заниматься сельским хозяйством. Аллен учился в Шропширском сельскохозяйственном институте, где у него действительно появился интерес к искусству.Изучив ключевые концепции создания оптического искусства, Ричард поступил в Академию искусств Бата, где продолжил развивать свой стиль и навыки. Ричард Аллен исследовал отношения между искусством и наукой, экспериментируя с цветом, линиями и оптическими эффектами. Перед смертью в 1999 году Аллену был поставлен диагноз «болезнь моторных нейронов», и, хотя он пытался бороться с ней и продолжать заниматься искусством, быстрое начало заболевания помешало ему добиться каких-либо успехов. Но работа, которую он оставил, помещает его в любой список лучших оперных художников.

Более подробно с работами Аллена можно ознакомиться здесь

Кэрол Браун Голдберг — Безграничная абстрактная вселенная

После окончания Университета Мэриленда со степенью бакалавра искусств. В области американистики Кэрол Браун Голдберг приступила к исследованию взаимосвязи между искусством и наукой. Для ее искусства характерно использование отражающих фишек, встроенных в акрил на холсте. Работы Кэрол уникальны и мгновенно узнаваемы, в ее творчестве есть некий гипнотический элемент, почти завораживающий зрителя цветами и детализированными формами.Ее картины, основанные на оптике, были описаны как скопления энергии, которые втягивают зрителя в безграничную абстрактную вселенную. Иногда кажется, что художнику каким-то образом удается погрузиться в астральное безграничное пространство за пределами нашего измерения, почти позволяя нам смотреть через портал в великую бездну.

Ара Петерсон — Волны, захваченные во времени

Используя краску и дерево, Ара Петерсон записывает волновые узоры в скульптурные формы. Он стремится запечатлеть движение волн в статической форме, при этом используя статический материал дерева, чтобы придать ему вид движения.Скульптуры Петерсона кажутся парящими, невесомыми и лишенными пространства, обеспечивая визуально насыщенный опыт с оживленной яркостью. Американский художник игнорирует характеристики технологий и материалов, которые он использует, в результате чего создаются уникальные произведения искусства, которые заставляют зрителя задумываться и подвергать сомнению процесс, стоящий за ним.

Более подробно с работами Ара Петерсона можно ознакомиться здесь

Ричард Анушкевич — Эксперименты со светом и цветом

Ричард Анушкевич, родившийся в 1930 году, считался новым американским волшебником оптического искусства.С самого детства Ричард увлекался искусством, и его отец поощрял его к этой страсти. В конце 1960-х — начале 1970-х годов он был одним из основателей и наиболее важных фигур оп-арта. Даже сегодня Анушкевич — известная сила в этом художественном движении. Его работа отражает оптические изменения, которые происходят, когда различные высокоинтенсивные цвета воплощаются в одних и тех же геометрических конфигурациях. Он описал свои собственные проекты оп-арта как имеющие экспериментальный характер, сосредоточенный на изучении изменяющихся условий освещения и его влияния на цвет.

Смотрите больше примеров оп-арта Ричарда Анушкевича здесь!

Тауба Ауэрбах — Подвергая сомнению пределы структур

Черпая вдохновение в таких научных областях, как математика и физика, Тауба Ауэрбах использует в своей работе множество средств массовой информации. Живопись, фотография, книжный дизайн и музыкальное представление — лишь некоторые из проводников ее творческой силы. Ауэрбах ставит под сомнение пределы структур и исследует наши логические системы, сводя их к их основам и перестраивая в новые визуальные и поэтические формы.Она наиболее известна своим оп-артом, который бросает вызов нашему восприятию пространства. Как она описывала некоторые из своих работ, она находится в пограничном состоянии между двумя и тремя измерениями.

Посмотрите, какие произведения искусства доступны на продажу от Таубы Ауэрбаха

Getulio Alviani — Поверхности с вибрирующей текстурой

Итальянский художник-график, дизайнер и арт-директор Гетулио Альвиани посвятил свою работу изучению проблем, связанных со структурной пластичностью и визуальной коммуникацией.Он работал с пластиковыми объектами последовательно, динамически-оптическими структурами и воздушными электрическими проводами. В начале 1960-х годов Альвиани разработал свою «Поверхность с вибрирующей текстурой» из стали и алюминия, которая стала одной из его самых узнаваемых работ. Используя также световое отражение и преломление, Жетулио Альвиани создал уникальный опыт для зрителя. Позже в своей карьере художник создавал светящиеся объекты с механическим движением, визуализировал физические и химические явления, исследуя отношения между глазом и референтным объектом.

Более подробную информацию о работах Гетулио Альвиани можно найти здесь

Семь художников, вдохновленных движением оп-арта

В нашем нынешнем обществе нас постоянно засыпают образами. Социальные сети, реклама, телевидение, наши телефоны — эти технологические устройства развили наши навыки визуальной грамотности, а это означает, что теперь мы способны быстро понимать изображения.

Однако игривые оп-артисты все еще бросают нам вызов. Их оптические иллюзии, которые сложно понять, вселяют в нас желание решить головокружительную головоломку, которую представляют их работы.За свои галлюцинаторные, дезориентирующие и заставляющие думать работы те, кто сформировал (или был вдохновлен) движением оп-арта, заслуживают признания.

Op Art, что означает «оптическое искусство», набирает обороты как движение в 1960-х годах. Взрыв ярких психоделических цветов, геометрии и стимулирующих узоров, Op Art предлагает абстрактные композиции, которые привлекают зрителя, создавая впечатление движения, будь то мигание, вибрация или нарастание иллюзий.

Ведущими фигурами движения являются Бриджит Райли, Виктор Вазарели и Хесус Рафаэль Сото. Однако их эксперименты с цветом и геометрией вдохновили на работы многих других художников. Вот исследование работы этих ключевых фигур и взгляд на тех, кто был вдохновлен схожими принципами и методами.

Бриджит Райли

Бриджит Райли (род. 1931), возможно, самая известная оперная художница, была поистине экспериментальной, исследуя свой взгляд на мир через свои работы.

Fall предлагает зрителю настоящую оптическую иллюзию — чем дольше мы смотрим на произведение, тем более искаженным становится наше зрение. Каскадные иллюстративные линии спускаются вниз по изделию, изгибаясь и закручиваясь в танце черной эмульсии.

В конце 1960-х Райли начала экспериментировать с цветом. Раньше она находила утешение в строгих двойных соотношениях между черным и белым, поэтому осторожно относилась к цвету, что, по ее мнению, менее стабильно.Однако в конце концов она приняла эту нестабильность, создав иллюзию движения за счет исследования формы, пространства и цвета.

Виктор Вазарели

Венгерско-французский художник Виктор Вазарели (1908–1997) считается отцовской фигурой в истории оп-арта. Первоначально он начал изучать медицину в университете, но оставил это в 1927 году, чтобы изучить методы традиционной академической живописи.В 1928 году он поступил в частную художественную школу, где занимался прикладным искусством и типографским дизайном.

Абстрактный

Виктор Вазарели (1908–1997)

Заинтересовавшись графическим дизайном и способами передачи сообщений в искусстве, Вазарели начал экспериментировать с абстракцией, сводя свои работы к простым текстурам и узорам.

Иака 1955–1957

Виктор Вазарели (1908–1997)

Iaca включает в себя противоположные круглые формы с горизонтальными и вертикальными линиями, создавая впечатление, что эти формы терпеливо вращаются, как будто они подвешены к потолку на мобильном телефоне и вращаются на поперечном ветру.В его пьесе используется визуальная кинетика, исследование, при котором зритель воспринимает произведение так, как будто оно движется.

Джим Лэмби

Изгибающиеся слои хрома, окрашенного распылением, заходят на центральную панель из полированной нержавеющей стали. Асимметричные складки напоминают стопку картин школьников, которые сохнут в задней части класса, скручиваясь по краям под тяжестью нанесенного толстого акрила.

И все же эти отслаивающиеся слои — работа не маленького ребенка, а современного художника-инсталлятора Джима Ламби (род.1964), работа которого вошла в шорт-лист Премии Тернера 2005 года. Ламби представляет доступный стиль современной инсталляции: его произведение A Forest привлекает зрителя к зеркальной поверхности, в то время как яркие вспышки цвета обрамляют пространство.

Лес

Джим Лэмби (р. 1964)

Ламби родился в Эйрдри и изучал искусство окружающей среды в Школе искусств Глазго.Его работы игривы, образны, ярки и геометрически, производя огромное визуальное впечатление на зрителя. Известный как художник-инсталлятор, скульптурные работы Ламби сочетаются с его повседневным окружением и украшают его, используя такие материалы, как виниловая лента, зеркало и краска.

Ричард Аллен

Ричард Аллен (1933–1999) родился в Вустере и учился в Академии искусств Бата, а затем получил стипендию в Университете Сассекса. В 1962 году он начал работать в Кройдонском колледже искусств, где преподавал в течение следующих восьми лет вместе с Бриджит Райли.

Диакросс

Ричард Аллен (1933–1999)

Работа Аллена привлекает нас, элегантная композиция геометрической чистоты с завораживающим узором. Используя масло на льняной ткани в качестве материала, Diacrosse противопоставляет текучесть материала строгой геометрии складок и сборок, образуя ромб и звезду в море розового.

Хесус Рафаэль Сото

Практика Хесуса Рафаэля Сото (1923–2005), французского художника венесуэльского происхождения, характеризуется иллюзией. Увлеченный идеей сенсорных вибраций, он развил свою работу от небольших картин до более крупных инсталляций, через которые аудитория могла проходить и взаимодействовать с ними.

Портрет Хесуса Рафаэля Сото, Милан

фотография Лотара Воллеха (1930–1979)

Размывая границу между произведением искусства и аудиторией, зрители Сото больше не смотрят пассивно, а становятся потенциальными соавторами.Его работа, таким образом, превзошла оп-арт, сформулировав новый, совместный стиль такого искусства, который не только фигурально привлекал зрителя и побуждал его задавать вопросы о том, что он переживает, но и физически позволял им войти в пространство произведения и сами манипулируют иллюзорным сеттингом.

Двойная прогрессия в зеленом и белом

1969, наружная инсталляция Хесуса Рафаэля Сото (1923–2005)

Анджела Буллох

Анджела Буллох (род.1966) наиболее известна своими скульптурами из флуоресцентного света, такими как Aluminium 4 , в которых исследуется цифровая идентичность пикселя. Однако уроженец Канады Буллох также создал серию скульптур, в которой перенимают иллюзорные тенденции оперных художников.

Тихоокеанский рубеж вокруг и сбоку вверх

Анжелы Буллох (род. 1966), установлен в здании Nord / LB, Фридрихсвалл, Ганновер

Исследуя узор и перспективу в трех измерениях, ее серия Heavy Metal Stack состоит из стальных конструкций с порошковым покрытием, достигающих более шести футов в высоту.Привлекая внимание зрителя, скульптуры, казалось бы, одновременно занимают и двухмерное, и трехмерное пространство. Это сопоставление делает скульптуры Буллоха невероятно интригующими.

Дэмиен Херст

Современный британский художник Дэмиен Херст (род. 1965) известен своими провокационными работами, в которых часто исследуются жизнь и смерть. Он вырос в Лидсе и закончил учебу в отделении изящных искусств в Goldsmiths в Лондоне.

В Apotryptophanae, радуга из цветных точек охватывает широкий белый холст, заставляя глаз отчаянно искать смысл в узоре.Эта работа, известная как одна из «Фармацевтических картин» Херста, состоит из размерной сетки разноцветных кругов. Эти цвета были выбраны для обозначения медицинских цветовых кодов, показывая связь с увлечением Херста смертью и болезнью.

В графическом дизайне изображения состоят из тысяч точек, плотно напечатанных рядом друг с другом, и разум автоматически «решает» головоломку, формируя из них изображение. Однако в данном случае это невыполнимая задача, поскольку эти круги на самом деле просто и красочно случайны.

На выставке «Оп-арт в фокусе» Тейт Ливерпуль можно испытать искажающие и игривые эффекты оп-арта. Эта групповая выставка, открытая до 17 января 2021 года, включает в себя работы Райли, Вазарели и Ламби. Во взрыве узора вас встретят цветные радуги, колеблющиеся и колеблющиеся в пространстве. Изюминкой, возможно, является дезориентирующая инсталляция Ламби, заставляющая глаз поверить в то, что пол тает, кружится и изгибается под вашими ногами.

Молли Эванс, писатель-фрилансер

Самые хитрые примеры шаблонов оп-арта

3 февраля 2017 г.

Оп-арт — аномалия. Виктор Вазарели стал пионером этого движения в 1930-х годах как серьезное эстетическое исследование. Но сегодня мы с такой же вероятностью увидим узор Op Art на картине в музее, как на паре обуви, кухонном приспособлении или спортивном автомобиле. И все же то, что начиналось как формальное исследование оптической эстетики, затем превратилось в китч, теперь снова заявило о себе как о важной области художественных исследований.По мнению многих современных художников-абстракционистов, паттерны оп-арта представляют собой позицию, с которой можно исследовать и расширять оптические пределы двумерной плоскости. Некоторые используют оп-арт, чтобы создать ощущение вспышки или таинственности. Другие используют его для изучения возможностей кинетики. А третьи используют его просто, чтобы побудить зрителей дольше смотреть на искусство. Что мы находим примечательным, так это то, что независимо от своих индивидуальных целей оп-артисты в целом создали фантастический диапазон эстетических иллюзий, используя относительно ограниченный словарь техник.Вот восемь самых хитрых паттернов оп-арта, используемых нашими любимыми оп-артистами:

Размерные векторы

Вектор можно описать как линию, которая выражает как величину, так и направление. Виктор Вазарели был мастером использования векторов для преобразования форм в формы. Эта безымянная шелкография Вазарели 1975 года сочетает в себе точные симметричные векторы с геометрическими формами, горизонтальными и вертикальными линиями и градиентными цветами. Несмотря на то, что он полностью плоский, он создает иллюзию того, что большая масса выступает наружу из плоскости изображения.

Виктор Вазарели — Без названия, 1975. Шелкография. © 2020 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж

Туннельный эффект

Еще один образец оп-арта, мастером которого был Виктор Вазарели, — туннельный эффект. В этом трюке повторяющиеся геометрические фигуры уменьшающихся размеров помещаются друг в друга таким образом, что кажется, что они исчезают в точке схода. В своей картине 1975 года Vonal-Stri Вазарели использовал квадраты в качестве формы выбора и постепенно регулировал толщину сторон квадратов, чтобы создать иллюзию того, что туннель закругляет угол, направляясь к точке схода.

Виктор Вазарели — Вонал-Стри, 1975. Холст, акрил. © 2020 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж

Выпуклое искажение

Один из самых увлекательных трюков, используемых оп-артистами, — это выпуклое искажение. Это когда кажется, что поверхность имеет округлую складку, похожую на волну или флаг, развевающийся на ветру. Бриджит Райли освоила этот эффект и использовала его в многочисленных картинах. Одна из ее первых и наиболее эффективных демонстраций выпуклого искажения была в ее картине 1961 года Движение на квадратах .Для этого фрагмента она использовала простой горизонтальный и вертикальный штриховки, а затем постепенно уменьшила расстояние между вертикальными элементами по обе стороны от того, что стало искажением.

Бриджит Райли — Движение на площадях, 1961. Темпера на доске. © Бриджит Райли

Сужающиеся линии

Когда прямая линия постепенно становится тоньше или толще на концах, создается иллюзия сужения. Сужающиеся линии могут создавать ощущение движения или трехмерности изображения.В 2015 году Карлос Круз-Диз объединил сужающиеся линии с градиентной цветовой палитрой в своем Caura-14 aquatint . Он также аккуратно расположил диагонали параллельно в нижнем сегменте изображения, создав иллюзию спиральной пружины, парящей в качающемся вертикальном пространстве.

Карлос Крус-Диес — Каура-14, 2015. Литография. 23 3/5 × 27 3/5 дюйма 60 × 70 см. Polígrafa Obra Gráfica, Барселона. © Карлос Круз-Диез

Многослойная штриховка

Схема штриховки естественна для ткачества.Когда линии, состоящие из разных оттенков, накладываются на двухмерную поверхность и размещаются в виде перекрестной штриховки, создается иллюзия, что поверхность имеет глубину. Добавляя дополнительные слои и оттенки, иллюзия может усложняться. В своей картине 2008 года # 403 Blue-Violet Сьюзи Розмарин наложила диагональные линии в виде перекрестной штриховки на цветном фоне с градиентом и добавила дополнительные цветовые узоры градиента к заштрихованным линиям. Она также включила области выпуклого искажения, чтобы создать ощущение пульсации светлых и темных участков.

Susie Rosmarin — 403 Сине-фиолетовый, 2008. Холст, акрил. © Susie Rosmarin

Градиентные параллели

Звучит просто, но иногда можно создать оптические эффекты, просто разместив линии рядом друг с другом. Эффект возникает при изменении оттенков линий. Как объяснил Ганс Хофманн в своей теории пуш-пула, теплые цвета, помещенные рядом с холодными, создают перспективу или иллюзию глубины, поскольку теплые цвета заставляют холодные цвета уходить на задний план.Яаков Агам продемонстрировал это явление в своем шедевре 1979 года под названием Mirror , в котором он использовал только вертикальные линии и теорию пуш-пула, чтобы создать великолепную иллюзию геометрических форм, плавающих в пространственном пространстве.

Яаков Агам — Зеркало, 1979. Шелкография на зеркале. © Яаков Агам

Вихрь

Вихрь, также известный как водоворот, спираль или циклон, является распространенным, но загадочным образцом оп-арта. Чтобы добиться этого странного эффекта, круглые или эллиптические формы уменьшающегося размера вложены друг в друга.Каждый эллипс имеет две широкие стороны и две конические стороны, и каждый последующий эллипс слегка повернут в одном направлении. Вихрь был прекрасно продемонстрирован Фрэнсисом Челентано в 1867 году, когда он создал свою картину Elliptical Kinetic Painting , серию эллипсов, вложенных точно так, как только что описано, а затем прикрепленных к вращающемуся двигателю.

Фрэнсис Челентано — Эллиптическая кинетическая живопись, 1967. Акрил на мазоните с мотором. Коллекция галереи Олбрайт-Нокс, Буффало, штат Нью-Йорк, © Фрэнсис Челентано

Видимые волны

Есть несколько способов создать иллюзию волн на двухмерной плоскости.