Луиза буржуа: Жизнь и пауки Луиз Буржуа — Bird In Flight

Содержание

Луиза Буржуа и ее паучихи

О Луизе Буржуа уже был пост в этом сообществе (Луиза Буржуа (1911-2010) Франция), но я бы хотела написать о ней еще раз.

Луиза Буржуа — скульпторша, художница, феминистка, оказавшая огромное влияние на развитие современного искусства.

Луиза Жозефина Буржуа (Louise Joséphine Bourgeois) родилась в 1911 году в Париже. Семья Луизы Буржуа владела мастерскими по реставрации старинных шпалер, причем ее мать Josephine Fauriaux (простите, не знаю, как читать ее французскую фамилию) отвечала за ткаческие мастерские. Будучи еще ребенком, Луиза узнала, что отец изменяет матери с гувернанткой девочки, и это стало для нее огромной травмой. Вообще, у нее были сложные отношения с отцом, которого она ненавидела за вспыльчивость, деспотизм и постоянные издевки и насмешки, в том числе публичные (которые она, вполне естественно, воспринимала как унижения). А вот с матерью она дружила.

В 20 лет (1932г.) Луиза поступила в Сорбонну изучать математику и геометрию, которые она любила за стабильность и постоянство.

Ее успокаивало существование правил, которые никто не мог изменить. Но после смерти матери в том же 1932 году она бросает математику и начинает заниматься искусством. В это время ее отношения с отцом еще больше обостряются. Он женится на своей любовнице, он пренебрежительно относится к современному искусству и продолжает доводить Луизу своими насмешками. Это приводит к тому, что в том же 1932 году Луиза совершает попытку самоубийства: бросается в реку. Отец же ее потом и спас.

После Сорбонны Луиза продолжает обучение в различных художественных учебных заведениях Франции, а в 1938 году эмигрирует в США, где продолжает учиться, а также вращается в кругу знаменитых художников. В 1940х гг., в США Луиза Буржуа начинает заниматься скульптурой. Ее произведения проникнуты влиянием сюрреализма, но критики позже назовут творчество Луизы Буржуа «исповедальным искусством» (confessional art), так как символизм многих ее работ раскрывается только в контексте ее жизни. Многие произведения Луизы Буржуа на первый взгляд кажутся абстрактными, но на самом деле они — отражение ее эмоций или переосмысление ее детских переживаний.

Сама Луиза Буржуа говорила о своем творчестве как о форме самоанализа, попытке справиться с тревогой и страхами (обратите внимание, что, похоже, изучение математики тоже было попыткой справиться с тревогой). В одном из интервью Луиза Буржуа сказала, что ее творчество помогало ей самосовершенствоваться.

Моя любимая скульптура Maman («Мама»). Такой я увидела ее в 2010 году возле музея Гуггенхайма в Бильбао:

Она произвела на меня ОГРОМНОЕ впечатление и до сих пор производит. Эта фотография — одна из моих любимых (моих — в смысле сделанных мною).

Размеры этой скульптуры — 9 метров в высоту и 10 метров в ширину. Первая паучиха «Маман» появилась в 1999 году и была создана для Unilever Series (компания Unilever с 2000 по 2012 год спонсировала выставки в Турбинном зале галереи Tate Modern, для которых специально создавался какой-нибудь масштабный проект одного из современных художников). Паучиха для Unilever Series была стальной (плюс мраморные яйца в ее мешке).

Позже Луиза Буржуа отлила еще шесть таких же скульптур из бронзы. Периодически их демонстрируют в разных городах мира (одна из паучих как-то приезжала в Петербург), но у них есть и постоянные места жительства. Вот музей Гуггенхайма в Бильбао — это место постоянной прописки одной из бронзовых паучих. Она стоит перед задним фасадом музея, со стороны реки.

Скульптура «Маман» изображает мать Луизы Буржуа. Для Луизы Буржуа паучиха — это не отрицательный, а положительный образ. «Паучиха — это ода мой матери. Она была моей лучшей подругой. Моя мать тоже ткала, как паучиха. Моя семья занималась реставрацией старинных шпалер, и моя мать отвечала за мастерскую. Моя мать тоже была умна, как паучиха. Пауки — это дружелюбные существа, которые поедают комаров. Мы знаем, что комары вредные, так как разносят всякие болезни. Получается, что пауки — полезные существа, которые нас охраняют — совсем как моя мама». Такое у Луизы Буржуа было представление о паучихах.

В целом же паучиха выглядит изящной (несмотря на размер) и грозной — пожалуй, это очень сильный женский образ. Одновременно и защитница (для своих детей), и угроза (для мужчин). Самки пауков (более крупные особи) после спаривания для восстановления энергии пожирают самцов, но некоторые виды умирают, отложив яйца, и становятся пищей для вылупившихся паучат. Луиза Буржуа ненавидела своего отца и его любовницу и любила свою мать — мне кажется, подсознательно она мечтала о том, чтобы мать уничтожила отца, отомстив за все обиды.

В 2010 году Франция посвятила Луизе Буржуа и ее паучихе «Маман» почтовую марку.

Луиза Буржуа — биография и семья

Биография

Американский скульптор, живописец и график французского происхождения.


Образование

* 1921—1927 Lycée Fénelon, Париж

* 1932—1935 Изучала математику в Сорбонне, Париж

* 1935—1936 École du Louvre, Париж

* 1936—1937 Atelier Roger Bissière de l‘Académie Ranson

* 1936—1937 Académie d‘Espagnat

* 1936—1938 École des Beaux-Arts with Devambez and Colarossi, Париж

* 1937—1938 Académie de la Grande Chaumière with Othon Friesz and Wlérick, Париж

* 1938 Académie Julian, Париж

* 1938 Académie Scandinavie with Charles Despiau

Биография

Луиза Буржуа родилась 25 декабря 1911. Она выросла во французской провинции, используя начавшие проявляться художественные способности для помощи в семейном бизнесе — реставрации шпалер. В эти ранние годы Луиза Буржуа стала свидетельницей того, как ее отец изменял ее матери с английской гувернанткой, жившей у них в доме. Эти события, смерть матери в 1932 и сложные отношения с отцом оставили глубокие эмоциональные раны, от которых Буржуа пыталась освободиться в дальнейшем при помощи творчества. Дневники, которые она хранила с 1923, говорят о раздиравших Луизу Буржуа чувствах гнева, вины, страха. Богатое символическое творчество Буржуа носит глубоко личный характер, его нельзя рассматривать отдельно от ее истории жизни.

В 1932 Буржуа поступила в Сорбонну, где изучала математику, в этом же году посетила Советский Союз. Она начала изучать искусство в 1936. В 1938 вышла замуж за американского искусствоведа Роберта Голдуотера, эксперта по первобытному искусству, который стал первым директором нью-йоркского музея первобытного искусства в 1957. В 1939 вместе с мужем переехала в Нью-Йорк, где живет и работает до сегодняшнего дня. В 1947 Буржуа сделала первую вертикальную скульптуру из дерева, первая выставка ее скульптур прошла в 1949 году. В 1951 умер отец художницы, Луиза Буржуа получила американское гражданство. С 1960 Буржуа начала преподавать на регулярной основе. С 1966 стала участницей феминистского движения. В 1967 Буржуа начала использовать мрамор и бронзу при создании скульптур. С 1972 художница регулярно посещает Италию. В 1973 умер муж Буржуа, Роберт Голдуотер. В 1977 художница получила почетную степень доктора изящных искусств Йельского университета. В 1980 Буржуа покупает большую студию в Бруклине. В 1982 прошла первая ретроспектива художницы — в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 1985 состоялась первая персональная выставка художницы во Франции. В 1992 Буржуа показывает первый скульптурный энвайронмент, в 1993 представляет США на Венецианской биеннале. В 2001—2002 в Эрмитаже прошла выставка работ Буржуа (скульптур, предметов и литографий).

31 мая 2010 года Буржуа скончалась в Нью-Йорке в возрасте 98 лет.

Творчество

Творчество Луизы Буржуа часто называют энциклопедией современного искусства, так как в нем нашли свое отражение все основные направления искусства двадцатого века — кубизм, футуризм, сюрреализм, конструктивизм и абстракционизм. Ее работы — абстрактные и фигуративные, реалистичные и фантасмагоричные, сделаны в различных манерах и из различных материалов, таких как дерево, мрамор, бронза, гипс, латекс и ткань.

В начале творческой карьеры Буржуа занималась графикой и живописью. Отражение послевоенной ситуации можно найти в ряде запоминающихся работ художницы, показанных на ее первой персональной выставке. В сериях «Femme Maison» (1945—1947) и «Fallen Women (Femme Maison)» (1946—1947), Буржуа использовала технику сюрреалистов, сплавляя различные объекты: женское тело и похожие на дома структуры. Эти работы свидетельствуют о роли художницы в качестве первопроходца поколения женщин, сломавших многие барьеры в маскулинных художественных кругах того времени. Кроме того, на более глубоком уровне, эти произведения выражали чувство разочарования и бессилия перед лицом разрушительной угрозы фашизма и войны.

В 1940-х Буржуа сконцентрировала свое внимание на скульптуре, за которую она в настоящее время признана в качестве одного из ведущих мастеров двадцатого столетия. На Буржуа значительное влияние оказал приток европейских художников-сюрреалистов, иммигрировавших в Соединенные Штаты после Второй мировой войны. В начале скульптуры Буржуа состояли из групп абстрактных и органических форм, часто вырезанных из дерева. В 1960-х она начала использовать латекс, бронзу и камень, сами произведения стали больше, начали отсылать к тому, что стало главной темой ее творчества — травматический опыт детства.

В конце 1960-х послевоенный бум закончился и Буржуа стала свидетелем новой волны революционной борьбы (1968—1975) и краха ряда диктатур. Она была не готова к этому новому периоду и обратилась к политике идентичности. Дистанцировав себя от социализма и левых идей во время послевоенного периода в Америке и холодной войны, Буржуа обратилась к «альтернативной» политике, основанной на гендерных проблемах. Типичными работами этого периода являются Sleep II (1967) и Fillette (1968), которые представляют собой интерпретации мужских половых органов.

Одной из самых значительных работ конца этого периода стала инсталляция Разрушение отца («Destruction of the Father», 1974), представляющая собой похожую на пещеру структуру, в которой похожие на камни фигуры окружают жертвенную плиту, на которой разбросаны части тела (в том числе куски настоящего ягненка, купленные в мясной лавке). Это очень тревожная работа, которая напоминает творчество одного из любимых художников Буржуа, испанца Франсиско Гойи.

В 1982 Буржуа написала текст для «Artforum», озаглавленный «Child Abuse» («Жестокое обращение с детьми»), в котором она определила свои художественные концепции почти полностью в рамках детских травм. Иллюстрацией этого периода является мраморная скульптура Femme Maison (1983) — сидящая женская фигура с головой, напоминающей здание. В Femme Maison, созданной в 1994, женская фигура лежит на спине без рук, голова сплавлена с домом, у которого есть маленькая дверь.

В 1980-х творчество Буржуа стало предметом растущего интереса. С одной стороны, различные академические круги приветствовали ее, в связи с экзистенциализмом и феминизмом. С другой стороны, молодые художники интересовались ее жизнью и работой из-за творческой независимости, использования различных стилей, ссылкам к истории искусства и чувствительности к социальным вопросам.

На 1990-е пришелся новый период в творчестве Буржуа — «клетки». Одной из целей художницы было создание самодостаточного энвайронмента, независимого от музейной среды, в который можно войти. Эти конструкции представляют собой своеобразную изоляцию прошлого опыта. Название работы «Dangerous Passageway» («Опасный проход») говорит само за себя. Длинный проход, похожий на тюремный, идет вдоль камер с образами прошлого и устройствами для пыток. В Cell (Choisy) (1990—1993) клетка содержит мраморную скульптуру дома, размещенного под большой гильотиной, напоминая сцену из ночного кошмара.

Более поздние работы (конец 1990-х -) включают серию голов и фигур из ткани, изображающих различные стадии боли и отчаяния. Например, в Couple IV (1997), то, что выглядит старомодным дисплеем из провинциального музея, демонстрирует две безголовые тряпичные фигуры, пытающиеся заниматься любовью.

Луиза Буржуа создала свой особый символический словарь, в котором личный опыт и фантазии конкретизированы в выразительные образы. Например, использование паука не является признаком арахнофобии (страх пауков), а свидетельствует об обертывающей и терпеливой матери. Таким же образом, швейные иглы не являются агрессивными символами, а используются для обозначения восстановления потерь. Дома изображены не как убежище, а в качестве камеры или клетки, где присутствует опасность потерять себя.

Широкую известность получили «Пауки» Буржуа — металлические скульптуры огромных пауков. В 1999 художница получила «Золотого льва» 48-й Венецианской биеннале.

Признание

* Премия Вольфа в области искусств (2002/3).

* Императорская Премия Японии (1999).


Луиза Буржуа — работы и биография

Французский скульптор, живописец и график, работавший в США. Признанная одним из великих скульпторов 20-го века, Луиза Буржуа прожила невероятно долгую творческую жизнь. Ее карьера охватывает почти целое столетие, а работы отражают практически все крупные течения искусства этого периода: кубизм, футуризм, сюрреализм, конструктивизм и абстрактное творчество.

Несмотря на влияние самых различных художественных течений и стилей, работы Буржуа всегда оставались уникальными творениями современной скульптуры. Основанные на ранних, преимущественно травматических воспоминаниях из детства, они затрагивают самые глубокие человеческие чувства, всегда попадая прямо в цель. Огромные стальные пауки, странные объекты в клетках, пристальное внимание к взаимоотношениям полов, вызывают сильные эмоции и неподдельный интерес публики к неординарному творчеству художницы.

Луиза Буржуа была одной из первых, кто использовал в своем искусстве прием
Environmental art, который предполагает присутствие скульптурных композиций в повседневной среде человека. В отличие от стоящих на высоких постаментах традиционных изваяний, эти статуи размещались в непосредственной близости от человека, становясь частью их жизни. Кроме этого, Буржуа сыграла важную роль в становлении феминистского движения и оказала сильное влияние на развитие искусства инсталляции и перфоманса.

Ключевые идеи:

— почти все в работах скульптора связано с воспоминаниями детства, которое не было у Луизы очень счастливым. Будучи маленькой девочкой, она страдала от холодного отношения отца и часто наблюдала за его изменами матери. Эти впечатления легли в основу скульптур Буржуа, и можно сказать, что все ее творчество – это своеобразная психотерапия, которая помогает художнице перебороть свое подавленное психологическое состояние, тоску и отчаяние.

— символика работ Луизы Буржуа во многом отличается от традиционной. Например, пауки, которые для многих являются синонимом ужаса и агрессии, символизируют для художницы образ матери, которая окутывает детей своей заботой. Для того чтоб зрители лучше понимали смысл ее работ, Буржуа создала свой собственный символический словарь, в котором поясняет образы своего творчества, основанные на личном опыте и фантазии.

— для выражения своих идей Буржуа использовала самые различные методы и стили. Она легко переходила из одного направления в другое, абсолютно не утрачивая своей яркой индивидуальности и оригинальности. Художница часто использовала инсталляцию с готовыми предметами, размещая их в необычных сочетаниях, что шокировало публику и вызывало потрясающий эффект неожиданности.

— судьба женщины, ее место в искусстве и обществе всегда интересовала художницу, поэтому многие ее работы затрагивают тему отношения между полами. Скульптуры Буржуа выражают женскую сущность, окруженную условностями и запретами. Эти произведения послужили основой для развития феминистского искусства, которое получило широкое распространение в 1970-х годах.

Луиз Буржуа: краткая биография и творчество

Предлагаем вам познакомиться с одним из интереснейших мастеров 20-го века — Луиз Буржуа. Биография и творчество ее представлены в этой статье. Л. Буржуа – американский скульптор, график и живописец французского происхождения. Луиз – художник, который мифологизировал свои кошмары и навязчивые идеи, а также факты своего детства. В ее взрослой жизни не было никаких реальных потрясений, однако Буржуа не прекращала пестовать свою психическую травму, которая мучила ее с ранних лет.

Детство и драма Луиз

Луиз родилась в 1911 году в Париже. Детство Буржуа прошло в Обюссоне, французской провинции. Здесь ее семья владела мастерской по реставрации шпалер. В подростковом возрасте Луиз была отдана в Лицей Фенеллона – престижное учебное заведение. Девочка была очень близка со своей матерью, Жозефиной. Луиза часто помогала Жозефине в работе: рисовала, шила, чинила гобелены.

Отношения между родителями при внешнем благополучии были далеки от идеала. Отец Луиз почти в открытую изменял своей жене с англичанкой – гувернанткой их детей. Для маленькой девочки эта банальная ситуация стала настоящей драмой. Она переживала ее всю свою жизнь, а также переосмысливала в творчестве. Своего отца Луиз считала предателем. Она даже предприняла попытку совершить самоубийство после смерти матери.

Обучение в университете и частные уроки

Луиз Буржуа в 1932 году поступила в Сорбонну. Здесь она изучала философию, геометрию и математику. В том же году Буржуа посетила СССР. С 1936 года Луиз стала заниматься в художественных студиях и школах Парижа. Она посещала и мастерскую Константина Бранкузи, великого скульптора, который в то время являлся культовой фигурой местного авангарда. Луиза брала уроки у Фернана Леже, прославленного кубиста. Он оценил ее одаренность и побудил девушку заняться скульптурой.

Замужество и смерть супруга

Важное событие в личной жизни Луиз состоялось в 1938 году, когда она вышла замуж за Роберта Голдуотера, американского искусствоведа и выпускника Гарварда. После свадьбы молодые переехали в Нью-Йорк. Здесь муж Буржуа стал работать в Музее первобытного искусства (он был назначен первым его директором). Образцово-показательный союз любящих друг друга творческих людей длился вплоть до 1974 года, когда умер супруг Луиз. Она родила ему троих сыновей.

Живопись и графика Луиз

Буржуа в начале творческой карьеры занималась живописью и графикой. В сериях работ Femme Maison, созданных в 1945-1947 гг., и Fallen Women (1946-1947 гг.) художница применяла технику сюрреалистов. Она сплавляла воедино разные объекты: структуры, похожие на дома, и женское тело. Эти работы являются размышлением Луиз о том, какую роль играет женщина в семье. Многие определяют эту роль исключительно как заботу о домашнем очаге. Однако сама Буржуа утверждает, что ее работы – пародия на сюрреализм, который пытался представить женщину в виде конструкции.

Обращение к скульптуре

Луиз в 1940-х годах сосредоточила внимание на скульптуре. В ней она считается одним из лучших мастеров 20-го века. В первых пластических опытах Луиз заметно влияние архаической древнегреческой, древнеамериканской и африканской скульптуры. В них прослеживается воздействие таких крупнейших мастеров прошлого века, как Генри Мур, Константин Барнкузи и Альберто Джакометти, которые тоже опирались в своих работах на архаическую пластику. Скульптуры Буржуа вначале состояли из групп органических и абстрактных форм, которые зачастую были выполнены из дерева.

«Слепой, ведущий слепого»

«Слепой, ведущий слепого», созданная в 1947 году, одна из самых известных работ Луиз Буржуа. Ее можно считать прямой перекличкой с «Притчей о слепых», выполненной Питером Брейгелем-старшим. Работа Луиз конструкция, состоящая из 20 длинных розовых подпорок из дерева, сужающихся книзу, а вверху соединенных стяжкой-мостиком. Простота этой скульптуры обескураживает, а ощущение ненадежности и неустойчивости захватывает. Буржуа заявляет, что эта работа – просто реминисценция желания ребенка спрятаться под столом, когда в семье происходят обеденные скандалы.

Новые материалы

В 1960-х годах в скульптурах Луиз начали использоваться такие материалы, как камень, бронза и латекс. После посещения Италии к ним добавился мрамор. В 1949 году были впервые выставлены скульптуры Буржуа — в Нью-Йорке, в галерее Перидо.

Интерес к «темной стороне» и сексуальности

Луиз является художником-постсюрреалистом, который заявил о себе в 1930-1940-е годы. В это время уже пришло в упадок французское сюрреалистическое движение. Художники, относящиеся к нему, никогда не создавали сплоченных групп. Они не были склонны к манифестам, широковещательным программам и декларативным заявлениям. В первое время в ряду этих мастеров выделялась группа, которая отличалась не только интересом к «темной стороне» интеллектуальной и психической жизни, свойственным романтикам, но также и к телу, которое являлось манифестацией «темной стороны». Именно поэтому сексуальность для Луиз связана с травмой, а также с мучительным поиском собственной идентичности, роли в отношениях между полами. В 1968 году Буржуа представила 2 скульптуры, которые являются одновременно шокирующими и ироничными: «Цветущий Янус» и «Девочка».

«Девочка»

Это сделанный из латекса гигантский фаллос, раскачивающийся на крюке мясника. Данная скульптура отражает критический взгляд Луиз Буржуа на иконографию фаллоса, а также связанного с ним мужского статуса. Основание скульптуры можно прочесть и как мужские семенники, и как женскую грудь, и как округлые бедра женщины, ограничивающие промежность.

«Цветущий Янус»

«Цветущий Янус» – работа, в которой отражено соединение гендерных форм, перетекающих одна в другую. В латинском языке «Янус» означает «проход», «арка». Однако это одновременно и двуликий бог, у которого одно лицо обращено в прошлое, а другое смотрит в будущее, к janua – божественным вратам, открытым в мирное время и закрывающимся в период войн. Жесткая и монолитная основа скульптуры представляет собой изображение двух вялых пенисов, которые соединены с центральным элементом, практически бесформенным, напоминающим лобковые волосы и половую щель. Прилагательное «цветущий» указывает на метафору гениталий как аромата и цветения. Женское и мужское слились воедино, как два лица. Два пениса одновременно похожи и на женские ягодицы, бедра и груди.

«Разрушение Отца»

Луиз Буржуа в 1974 году выполнила свою первую инсталляцию. Ею открылся новый этап в творческой биографии мастера. В работе Буржуа «Разрушение Отца» скульптор реализует в сложной пластической форме тягостные воспоминания и инстинкты, живущие в подсознании, которые вызваны конфликтными отношениями с отцом, тяготевшими над автором с детства. Инсталляция является структурой, похожей на пещеру. Фигуры, напоминающие камни, окружают жертвенную плиту с разбросанными на ней частями тела, включая куски настоящего ягненка, которые были куплены в мясной лавке.

Данная работа Луиз является очень тревожной, напоминающей творчество испанского художника Франсиско Гойи, которого очень ценила Буржуа.

Период «клетки»

В 1990-е годы продолжает активно работать Луиз Буржуа. Творчество ее переходит к новому этапу – периоду «клетки». Художница одной из своих целей считала создание энвайронмента, который был бы самодостаточным, независимым от музейной среды. В этот энвайронмент можно войти. Данные конструкции являются своеобразной изоляцией опыта, полученного в прошлом. Cell (Choisy) – клетка, в которой находится мраморная скульптура дома. Над ним размещена большая гильотина. Эта скульптура напоминает эпизод из ночного кошмара.

Couple IV

Работы Луиз Буржуа более позднего периода включают ряд голов, а также фигур, выполненных из ткани. Они изображают различные степени отчаяния и боли. К примеру, работа 1997 года Couple IV представляет собой что-то напоминающее старомодный дисплей из музея. На нем видны две тряпичные фигуры без голов, пытающиеся заняться любовью.

«Паук»

Инсталляция «Паук» Луиз Буржуа (фото представлено ниже) стала символом позднего творчества этого скульптора. В ней представлен образец совершенной выразительной и рациональной конструкции, созданный природой. В символическом словаре Буржуа Луиз паук не несет в себе какого-либо негативного значения. Он ассоциируется у Луиз с матерью, умной, уравновешенной, рассудительной, терпеливой, проницательной, утонченной, полезной, незаменимой и аккуратной, как паук. Это насекомое ассоциируется с трудолюбием родительницы, а также с искусным мастерством ткача. Одна из работ на эту тему, созданных Луиз, так и называется – «Мама». Пластическая монументальная форма, выполненная из бронзы, ее лаконичность и геометрическая простота демонстрируют свойственное искусству Буржуа чувство гармонической уравновешенности.

Первая большая выставка

В 2000 году в знаменитой лондонской галерее Tate Modern состоялась первая большая выставка Луизы Буржуа, которая называлась «Я делаю, я уничтожаю, я переделываю». Именно ею заявил о своем существовании Государственный национальный музей. Луиз стала первым скульптором, работы которого были размещены в новом бастионе современного искусства. Успех выставки был огромным, а выбор мастера – отнюдь не случайным, так как творчество Буржуа по своей сути – антология современного искусства.

Выставка «Луиз Буржуа. Структуры бытия: клетки»

В 2015 году Музей современного искусства «Гараж» представил в Москве масштабную выставку Буржуа. Эта экспозиция посвящена серии скульптур-энвайронментов, которые были созданы Луиз за последние 20 лет ее жизни. На ней было представлено более 80 работ Буржуа: инсталляции, ранние скульптуры, рисунки и живопись, предшествовавшие новаторскому циклу работ.

Луиза Буржуа, работы которой признаны во всем мире, прожила долгую жизнь. Она скончалась от сердечного приступа в возрасте 98 лет в Нью-Йорке 31 мая 2010 года.

Луиза Буржуа — Статьи — ARTUKRAINE

Три инсталляции американского скульптора французского происхождения Луизы Буржуа, представленные на Первой Киевской международной бьеннале современного искусства ARAENALE 2012, – это часть серий «Клетки», начатой художницей в возрасте 80 лет и которые, как и все ее творчество, преисполнены символами, отголосками детских комплексов и переживаний и, по признанию самой Буржуа, попытками справиться с эмоциями, воплощая их в своих скульптурах. 

Луиза Буржуа

Эти небольшие комнаты, своеобразные ячейки, коллекторы воспоминаний заключают внутри найденные и личные вещи, которые являлись для художницы сильным эмоциональным зарядом. Буржуа утверждала, что «Клетки» (Cells) олицетворяют разные виды боли: физическую, эмоциональную и мыслительную. Также каждая Клетка имеет дело со страхом.

Страх – это боль. Каждая Клетка – это удовольствие вуайериста, трепет от созерцания и осознания себя объектом чужого взора.

 

Работы из серии «Клетки», представленные на ARAENALE 2012. Фото: Максим Белоусов и Михаил Черный

За свою долгую жизнь, которая длилась почти столетие, Луиза Буржуа создала работы, отражающие все основные направления в искусстве ХХ века, но все же не поддающиеся исторической категоризации, поскольку зачастую имеют подоплеку сексуальных и личностных отношений. Сама художница считала свое творчество формой самопсихоанализа и верила, что с его помощью может достичь подсознания.

Последние годы музеи и галереи современного искусства, среди которых – Галерея Тейт Модерн в Лондоне, Центр Жоржа Помпиду в Париже, Рейна София в Мадриде, Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, создают обширные ретроспективы ее творчества, оставившего след в истории современного искусства и искусства эпохи модернизм.

Луиз Буржуа родилась в Париже в день Рождества 1911 года, но детство ее прошло во французской провинции Обюссон, где ее семье принадлежала мастерская по реставрации старинных шпалер. Ребенком Буржуа стала свидетельницей того, как отец изменял ее матери с английской гувернанткой, которая жила у них дома. Согласно художнице, мать, терпеливая и разумная женщина, знала о похождениях мужа, но предпочитала закрывать на это глаза, однако для маленькой Буржуа эта ситуация стала настоящей душевной травмой и лейтмотивом ее творчества. Со временем отец начал обожать свою дочь, ценя в ней талант и характер, но она продолжала ненавидеть его за слишком вспыльчивый нрав, господство в семье и за высмеивание ее перед другими.

«Я почувствовала причастность к искусству потому, что с его помощью пыталась избежать трудных разговоров, в которых мой отец хвастался, каким хорошим и неотразимым он был…. Я взяла ломоть белого хлеба, наслюнявила его и слепила фигурку своего отца. Когда она была готова, я начала отрезать конечности ножом. Я считаю это своим первым опытом в скульптуре. В тот момент мне показалось, что это то, что надо и это мне помогло: это был очень важный опыт, который точно определил мое направление», – вспоминала художница.

Будучи скульптором, Луиза Буржуа, тем не менее, сохраняла привязанность к изображениям, — рисункам, гравюрам, живописи, с чего она, собственно, начинала. Ее первые непроизвольные рисунки на страницах тайного дневника были связаны с примитивными сценами детства, рождения и материнства.

В 1932 году Луиза поступила в Сорбонну, изучала философию, математику и геометрию. С 1936 года начала заниматься в парижских художественных школах и студиях, включая знаменитую Ecole des Beaux-Arts и Академию de la Grande-Chaumiere. Начинающая художница посещала мастерскую великого скульптора Константина Бранкузи, в то время культовой фигуры парижского авангарда. Также ее педагогом был Фернан Леже, который и определил ее призвание скульптора.

Брассай. Л. Буржуа в Академії de la Grande-Chaumiere, Париж, 1937

«Живопись не существует для меня», — говорила художница, утверждая, что ее привлекает больше «физический аспект скульптуры», который позволяет ей выражать свои эмоции, осуществить ее художественный подход, освободить и преодолеть страх, придавая ему форму.

В 1938 году она вышла замуж за американского искусствоведа Роберта Голдвотера и переехала жить в Соединенные Штаты. В Нью-Йорке Буржуа посещала школу искусств Art Students League и там же в 1945 году презентовала свою персональную выставку, на которой были представлены двенадцать ее картин. Одной из главной тем ее работ была femme-maison (женщина-дом) – также один из ведущих мотивов ее творчества. Это больше, чем феминистическая пропаганда, осуждающая непомерную тяжесть дома в жизни домохозяек, но все же мы видим безмерное ядро вдохновения. Дом – это идеальное хранилище для всех воспоминаний, в особенности воспоминаний детства.

Femme-maison, 1946-1947 

Ее первые пластические опыты в начале 1940-х годов несут в себе формальное воздействие архаической древнегреческой, африканской, древнеамериканской скульптуры. В этих работах прослеживается влияние крупнейших скульпторов прошлого века — Константина Бранкузи, Генри Мура, Альберто Джакометти, также опиравшихся на архаическую пластику. В начале скульптуры Буржуа состояли из групп абстрактных и органических форм, часто вырезанных из дерева.

Personages, 1946-1955


Paddle woman, 1947

Эти фигуры, которые она позже назовет «персоны» (personages), являются тем, что помогло ей изгнать тоску по родине, которая одолевала ее после переезда в Америку. Все эти «персоны» объединены, согласно художнице, так называемой «хрупкостью вертикальности… которую испытывает ровно стоящий человек». Очень высокие и тонкие, эти деревянные силуэты суть утверждение вертикальности. Обезглавлены и безруки, они сделаны из дерева секвойи, вырезаны бритвенным лезвием.

В начале 1960-х годов Луиза Буржуа оставила вертикальность и суровость дерева, чтобы начать роботу с более податливым материалом – латексом и гипсом. На протяжении этого периода она создает работы, изображающие части тела, часто половые органы. Известна фотография Роберта Мепплторпа, на которой художница держит под рукой скульптуру пениса с названием «Девчушка» (Fillette), отсылающую к фрейдовской идее ребенка как фаллического субститута для матери (эту скульптуру Л. Буржуа к тому же называет «автопортретом»). Художница осуществляет автоинтерпретацию своих работ – словно затем, чтобы обезоружить потенциального интерпретатора. Образы, часто возникающие в скульптурах Буржуа, эти части-объекты – настоящие или придуманные, определяются психоаналитиками, как попытки идентификации себя с определенными частями тела, поиски своей роли в межполовых отношениях.

Фото Роберта Мепплторпа, 1981 г.

«Цветущий Янус», 1968 г.

Также 60-е для Буржуа – это годы экспериментов с разными материалами и формами: гипсом, латексом, резиной, бронзой и мрамором. После путешествия в Италию, где она впервые начала работать с мрамором, она часто использовала его в последующей практике.

В Cumul I, кажется, ничего не стоит на месте и каждая форма предназначена для вечных изменений. Cumul – это часть серии, которая относится к облакам, которые по природе своей изменчивы, к кучевым облакам. «Это облака, их образования. Я не вижу здесь сексуальных мотивов», — утверждает художница.

Cumul I, 1968 

Cumul I предвещает огромную впечатляющую работу из латекса 1974 года под названием «Разрушение отца» (The Destruction of the Father). Это биографическое и психологическое исследование доминирования отца и его потомства, где впервые мягкие материалы, как латекс, гипс, дерево, ткань, создали настолько масштабную инсталляцию. При входе внутрь комнаты зритель видит последствия преступления, где в стилизованной столовой (где стол является одновременно супружеским ложем), абстрактные каплеподобные дети властного отца взбунтовались, убили и съели его.

The Destruction of the Father, 1974

В 1980-х творчество Буржуа стало предметом растущего интереса. Различные академические круги приветствовали ее в связи с экзистенциализмом и феминизмом. Молодые художники интересовались ее жизнью и работой из-за творческой независимости, использования различных стилей, ссылок к истории искусства и чувствительности к социальным вопросам.

90-е годы символизируют для Буржуа начало нового периода в творчестве, связанного с сериями инсталляций – «Клетки» (Cells), которые служат так называемым хранилищем воспоминаний и опыта.

В творчестве Луиз Буржуа слово «клетка», мельчайшая единица, составляющая наши тела, относится также и к дому, убежищу и семье. А дом подразумевает детство, то, с чего начинается жизнь, и то, что накладывает на нее свой отпечаток. Художница создает две серии «Клеток», одна – сосредоточена на ощущениях, другая – на детстве и воспоминаниях.

 

Клетка, 1990-1993


Клетка (Последнее восхождение), 2008

Красная комната (Родители) – это драматическое воплощение психоаналитического термина первоначальная сцена (primal scene), когда ребенок становится свидетелем полового акта родителей и пытается понять происходящее. Согласно Фрейду, данная сцена, реально имевшая место или является выдумкой, всегда интерпретируется ребенком как проявление жестокости отца по отношению к матери, а иногда даже как изнасилование. Для Буржуа красный – это цвет жестокости, страсти, крови и эмоциональной мощи.

 

Красная комната (Родители), 1994


Арка истерии, 1993

В 1993 году Буржуа создает скульптуру под названием «Арка истерии» (Arch of Hysteria ), подвешивая ее, чтобы подчеркнуть ее хрупкость и уязвимость. Нет зафиксированного или окончательного положения, поскольку подвешенная фигура может вращаться и кружиться. Буржуа говорила: «Горизонтальность – это желание сдаться, желание спать. Вертикальность – попытка бегства. Подвешенное и колеблющее состояния – это всегда неопределенность и сомнения».

В это же время появляется новая фигура, которая впоследствии станет для художницы навязчивой идеей – фигура огромного паука, которого Буржуа ассоциировала с матерью и ее работой над реставрацией шпалер. «Моя мать была моей лучшей подругой, умной, терпеливой, аккуратной, полезной, разумной и утонченной, как паук. Она умела позаботиться о себе». Свои же собственные работы она ассоциирует с паутиной эмоций и воспоминаний, которые она плетет, распускает и плетет снова. «Я делаю, я уничтожаю, я переделываю», — такое заглавие дает художница одной из своих работ 1999-2000 годов.

Мама, 1999, Бильбао, Испания


Луиза Буржуа призывает своего зрителя пережить старые страхи, связанные с яростью родителей и с помощью художественных сублимаций насладиться преобразованием прошлых тревог в настоящее эстетическое удовольствие.

 

Подбор материала: Дарина Николенко 

По материалам: centrepompidou.fr, guardian.co.uk, wikipedia.org, artpages.org.ua, independent.co.uk, elpais.com, foroxerbar.com, gif.ru, nytimes.com, theartnewspaper.com

Художники — Manifesta10

Луиза Буржуа,
Институт, 2002.
Серебро, 30.5 х 70.5 х 46.4 см.
Коллекция фонда Юстон. Фото: Кристофер Бурке © The Easton Foundation
© Louise Bourgeois, The Institute, c/o Pictoright Amsterdam 2014

К концу своей долгой жизни Луиза Буржуа, американская художница французского происхождения, была признана одной из ведущих фигур в современном искусстве. Ее работы находятся в коллекциях крупнейших музеев мира, включая чикагский Художественный институт, Музей современного искусства в Нью-Йорке, галерею «Тейт Модерн» в Лондоне и Центр Жоржа Помпиду в Париже. Буржуа изучала математику в Сорбонне, но затем решила посвятить себя искусству и обучалась в Школе Лувра и Национальной высшей школе изящных искусств в Париже. В 1938 переехала в США, где училась живописи в Нью-Йоркской студенческой лиге искусства и гравюре в знаменитой «Студии 17» Уолтера Хайтера, тесно общаясь со многими европейцами-сюрреалистами. В 1940-е стала отдавать предпочтение скульптуре, но в конце 1980-х — начале 1990-х вновь обратилась к печатной графике, рисунку и работе с текстилем. Создавая отнюдь не абстрактные, скорее — антропоморфные, произведения, Буржуа часто прямо указывала на их связь с личными воспоминаниями, в основном относящимися к детству, проведенному во Франции, где ее родители открыли мастерскую реставрации старинных ковров. В результате критики нередко упускают из виду необычайное формальное новаторство ее искусства, фокусируя внимание на очевидно присутствующих в нем психологических темах сексуальности, человеческого тела, рождения и смерти, страха, предательства и одержимости. Первая крупная ретроспектива Буржуа состоялась в 1982 в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 1999 Японская ассоциация искусств наградила художницу Императорской премией. «Тейт Модерн» посвятила ее творчеству выставку в 2007-м. Последняя выставка работ Буржуа прошла в Шотландской национальной галерее современного искусства в Эдинбурге (2013–2014).

Twosome» открывается в Тель-Авиве • ARTANDHOUSES

Впервые в Израиле пройдет масштабный показ творчества Луизы Буржуа (1911–2010), одной из самых ярких и влиятельных женщин в искусстве ХХ столетия, американской художницы, скульптора и графика французского происхождения. Ее творческая карьера занимает семь десятилетий. Успех пришел далеко не сразу. В семьдесят один год Буржуа оказалась первой женщиной, удостоенной ретроспективы в нью-йоркском MoMA. За ней последовало широкое признание. Круг тем, которым художница уделяла внимание, был ограничен сексуальностью, телесностью, подсознательным — «темной стороной» психической и интеллектуальной жизни. Буржуа, страдающую тяжелой депрессией, еще в детстве пережившую душевную рану от преждевременной кончины матери и супружеской измены отца, особенно занимал фрейдизм. От тяжелых мыслей спасали занятия скульптурой.

Луиза Буржуа в домашней мастерской
1974 
Photo: Mark Setteducati
© The Easton Foundation

Кураторы Джерри Горовой и Сюзанна Ландау собрали на выставку полсотни произведений, как миниатюрных, так и монументальных, и это скульптуры, рисунки и даже работы с текстилем. В том числе шокирующие объекты «Passage Dangereux» и «Fillette». Название проекту дала стальная инсталляция «Twosome» (название можно перевести как «Двое»), созданная в 1991 году и позже представленная на выставке в MoMA.

Повторяющееся механические движения не могут не вызывать сексуальных ассоциаций, однако автор утверждала, что она имела в виду отношения между матерью и ребенком и эта работа для нее символ нервущейся пуповины.

«Twosome» 
1991
Photo: Peter Bellamy
© The Easton Foundation / Licensed by VAGA, NY

«The found child»
2001
Photo: Christopher Burke
© The Easton Foundation / Licensed by VAGA, NY

«Give or take»
2002
Photo: Christopher Burke
© The Easton Foundation / Licensed by VAGA, NY

«Spider couple»
2003
Photo: Christopher Burke
© The Easton Foundation / Licensed by VAGA, NY

«The couple»
2003
Photo: Christopher Burke
© The Easton Foundation / Licensed by VAGA, NY

Луиза Буржуа Биография, жизнь и цитаты

Биография Луизы Буржуа

Детство

Луиза Буржуа родилась в Париже в 1911 году и названа в честь своего отца Луи, который хотел сына. Большую часть года ее семья жила в фешенебельном районе Сен-Жермен, в квартире над галереей, где ее родители продавали свои гобелены. У семьи также была вилла и мастерская в сельской местности, где они проводили выходные, восстанавливая антикварные гобелены. На протяжении всего ее детства Буржуа нанимали в мастерскую, чтобы она занималась стиркой, починкой, шитьем и рисованием под присмотром ее матери Жозефины, с которой она была очень близка.Подростком Буржуа посещал элитный лицей Фенелон в Париже.

Несмотря на все признаки процветающей семьи, в которой молодой художник имел определенные привилегии, в семье сохранялась постоянная напряженность. Это было связано с тем, что любовница ее отца (которая также была наставницей Буржуа) проживала с семьей. Это обстоятельство ознаменовало собой основную травму, которая позже стала причиной автобиографических работ Буржуа, посвященных семье, материнству, отношениям, верности, брошенности, телу и доверию.

Раннее образование

Буржуй получил всестороннее образование. В начале 1930-х она изучала математику и философию в Сорбонне, где написала диссертацию на тему Блеза Паскаля и Эммануэля Канта. После смерти матери в 1932 году она начала изучать искусство, поступив в несколько школ и ателье в период с 1934 по 1938 год, включая École des Beaux-Arts, Academie Ranson, Academie Julian и Academie de la Grande- Шомьер. Ее первая квартира в Париже находилась на улице Сены в том же здании, что и Galerie Gradiva Андре Бретона, где она познакомилась с работами сюрреалистов.В 1938 году она начала выставлять свои работы в Осеннем салоне и открыла свою собственную галерею в отгороженной части выставочного зала гобеленов ее отца, где выставлялись гравюры и картины. За это короткое время в качестве арт-дилера она познакомилась и вышла замуж за историка искусства Роберта Голдуотера, с которым она переехала в Нью-Йорк позже в том же году.

Период зрелости

По прибытии в Нью-Йорк Буржуа записалась в Лигу студентов-художников и сосредоточила свое внимание на гравюре и живописи. У нее также было трое детей за четырехлетний период. На протяжении 1940-х и 1950-х годов Голдуотер представляла Буржуа множеству нью-йоркских художников, критиков и дилеров, в том числе, что наиболее важно, Альфреду Барру, директору Музея современного искусства, который купил одну из ее работ для своей коллекции в 1953 году. В конце 40-х и 50-х годах у нее было несколько персональных выставок в различных галереях Нью-Йорка. Ее муж получил грант Фулбрайта, и они вернулись со своими детьми во Францию ​​в начале 1950-х годов, когда умер ее отец.Буржуа начала заниматься психоанализом в 1952 году, который она продолжала время от времени до 1985 года. В 1960-х она начала экспериментировать с латексом, гипсом и резиной, а также поехала в Италию, где работала с мрамором и бронзой.

Поздний период

Муж Буржуа умер в 1973 году, в том же году она начала преподавать в различных учреждениях Нью-Йорка, включая Институт Пратта, Бруклинский колледж и Cooper Union. Именно в это время она начала проводить воскресные салоны в своей квартире в Челси, которые стали легендарными. На этих интимных сессиях студенты и молодые художники приносили свои работы на критику Буржуа, который мог быть безжалостным, называл собрания с характерным для них сухим юмором «Воскресенье, кровавое воскресенье». Тем не менее, ее доступность и готовность давать советы молодым художникам были исключительными для состоявшегося художника с таким авторитетом.

Она также участвовала в нескольких выставках в 1970-х и 80-х годах и начала представлять спектакли. В 1970-е годы Буржуа стали политически активными социалистами и феминистками.Она присоединилась к Fight Censorship Group, которая защищала использование откровенно сексуальных образов в искусстве, и создала несколько своих собственных откровенно сексуальных работ, связанных с женским телом, таких как Fillette (1968). Отметив свой престиж в мире искусства, Буржуа провела свою первую ретроспективу в 1982 году в MoMA, которая была первой женщиной-художницей в этом учреждении. В 1993 году Буржуа, который стал американским гражданином в 1955 году, был выбран представлять США на Венецианской биеннале. Она умерла в 2010 году.

Наследие Луизы Буржуа

Работа Буржуа всегда была сосредоточена на восстановлении памяти, и за свои 98 лет она создала поразительное количество скульптур, рисунков, книг, гравюр и инсталляций.

Работы Буржуа помогли сформировать растущее феминистское художественное движение и продолжают влиять на феминистские работы и инсталляции. Первые сборки Луизы Невельсон, например, были созданы через несколько лет после того, как Буржуа экспериментировал с подобными средами, такими как Буржуа Blind Leading the Blind (1947-49) и Night Garden (1953).Ее внимание к мужским и женским гениталиям в 1960-х годах было важным предшественником художников-феминисток, таких как Линда Бенглис и Джуди Чикаго, чьи работы затрагивают схожие интересы.

Ее работа по распространению сложностей, связанных с сексуальностью, обработке ее аспектов в нашей жизни и анализу отражений ее присутствия в нашем эмоциональном, интеллектуальном и физическом существовании, также информировала художников-мужчин, таких как Роберт Мэпплторп, который отдал ей должное. за открытие новых способов рассмотреть тело, его отношения и его уникальную индивидуальность в своей фотографии.

Ее сочетание гобелена и ткани со скульптурными принципами также было замечено в мире моды, поскольку такие известные дизайнеры, как Comme Des Garcons и Simon Rocha, создавали коллекции, основанные на ее взаимосвязанных формах и формах.

Луиза Буржуа | Выставки и проекты | Выставки

Мнемонический, символический, вызывающий воспоминания и сдержанный — эти сильные, хотя и противоречивые качества типичны для скульптуры Луизы Буржуа. «Каждый день, — заявила она, — вы должны отказаться от своего прошлого или принять его, а затем, если вы не можете принять его, вы становитесь скульптором.Для нее процесс создания искусства был поиском форм, которые воплощают опыт — операцию, которую она сравнивала с экзорцизмом. Скульптор — ее собственный целитель, работа — своего рода прокси, раскрывающая формы травмы: неуловимые, почти абстрактные, но также описательные. В фигурах Буржуа можно различить конечности, органы и органические образования, которые сливаются с неорганической материей среды, будь то мрамор, смола, дерево или бронза. На самом деле, выбор конкретного материала был для художника чем-то совершенно интуитивным: «Среда — это всегда временные решения.То есть вы все пробуете, используете каждый материал вокруг, и обычно они вас отталкивают. Наконец, вы получите тот, который вам подойдет. И обычно более мягкие — свинец, гипс, податливые вещи. То есть вы начинаете с более сложного, а жизнь учит вас, что вам лучше пристегнуться, довольствоваться более мягкими вещами, более мягкими способами ».

Как показано на этой презентации в Dia: Beacon’s attic — месте, близком к интимному настроению буржуазного искусства — репертуар художников был связан с традиционными материалами, такими как бронза или мрамор, и был открыт для новых текстур, таких как из латекса и синтетической смолы.Латекс в своем сходстве с человеческой кожей передает чувство, присущее эстетике Буржуа, где репрезентация часто влечет за собой создание суррогата тела и его страдающих органов. Однако ее изображения тела указывают не на его внешний вид, а на то, как оно воспринимается изнутри. Тело Буржуа — психологическое, внутреннее тело — тело в том виде, в каком оно переживается страдающим, — а скопления членов и мембран обладают символической мощью , потому что они воображаемы.

Взаимосвязи между различными моментами времени пронизывают подход Буржуа к созданию искусства, а также объекты, которые она создает: за более чем семидесятилетнюю карьеру она неоднократно возвращалась к определенным мотивам, постоянно исследуя, расширяя и переформулируя их формы. Некоторые работы предполагают сложные отношения между архитектурой — жизненным пространством, в котором передаются чувства — и человеческим телом, понимаемым как дом с привидениями. «Пространства не существует», — утверждал Буржуа.«Это просто метафора структуры нашего существования». Эта идея уже присутствует в ее первых зрелых работах, созданных в 1940-х годах, когда она начала исследовать концепцию, которую назвала femme-maison , или «женский дом». В 1960-х годах эта концепция разделилась на несколько связанных серий — «Мягкие пейзажи», «Логова», в которых одновременно рассказывались о убежище и тюрьме, убежище и ловушке.

Некоторые скульптуры напоминают укрытия людей и созданные другими существами — коконы, панцири, сосуды, похожие на раковины, — в то же время они изобилуют намеком на тело.В более поздних сериях, особенно представленных здесь Crouching Spider (2003), подчеркивается органический аспект и обостряется преобладающее чувство: холодное, угрожающее и неумолимое. Паук — ткачиха — частый сюжет в ее более поздних работах. Что характерно, в детстве Буржуа работала с тканями, помогая родителям в семейном бизнесе по ремонту гобеленов. Эта дихотомия между защитой и угрозой выражает амбивалентное представление Буржуа о материнстве. Но, несмотря на то, что все ее работы решительно автобиографичны, художница отказалась придавать своим произведениям жесткий смысл.Они являются выражением желания и травмы, одновременно физического и невидимого, телесного и аморфного.

Луиза Буржуа

Представления буржуазии о природе красоты и телесных искажениях, которые она создавала с помощью своих костюмов, нашли отражение в современной моде. Знаменитая коллекция Рей Кавакубо весна / лето 1997 года для Comme des Garçons, озаглавленная «Body Meets Dress, Dress Meets Body», состояла из предметов одежды, набитых в необычных местах густым пухом, что придало моделям подиума гротескно красивые формы.Хотя Кавакубо сказал, что ее вдохновляли силуэты людей в рюкзаках, поясных рюкзаках и детских переносках, можно предположить, что дизайнер, который, как известно, проявляет большой интерес к современному искусству, знаком с работами Буржуа. Хотя многие изделия Body Meets Dress попали в музейные коллекции, потому что считались больше похожими на произведения искусства, чем на носимую одежду, посетитель музея появился в одном из нарядов на недавнем открытии ретроспективы Луизы Буржуа в Нью-Йорке. Гуггенхайм.Увидеть ее, одетую в выпуклость и выпуклость Кавакубо и сопоставленную с роскошными формами Буржуа, было достойной данью уважения двум художникам, которые бросили вызов традициям красоты.

Хотя Буржуа часто использует в своей работе ткани, текстиль и собственную одежду, у нее никогда не было соблазна создавать одежду. В детстве одетая в последние образы от Коко Шанель и Поля Пуаре, она отводила многим из своей старой одежды почетное место в своей работе, в частности, своим инсталляциям Cell 1990-х годов.О них она сказала: «Вы можете вспомнить свою жизнь по форме, весу, цвету и запаху этой одежды». Как известно, она пришла на нее в 1982 году, сидя с Робертом Мэпплторпом в шубе из обезьяньего меха (и неся свою скульптуру 1968 года. , Fillette , по сути, фаллос длиной 2 фута) и сказал, что шерсть может заставить ее почувствовать себя медведем — мощным и угрожающим. Гельмут Ланг, с которым Буржуа стали большими друзьями, использовал этот портрет в одной из своих рекламных кампаний и заказал фотографию Буржуа Брюса Вебера для другой.«Именно Ингрид Сиши [тогдашний редактор интервью Interview ] познакомила меня с Гельмутом. Мы нашли общий язык мгновенно. Он был беглецом, как и я. Он присылает мне красивую одежду, — рассказывает Буржуа. Со своей стороны, Ланг говорит: «Луиза обладает для меня европейской элегантностью и харизматической энергией женщины, которая определила свою жизнь как артистка, мать и возлюбленная и с каждым разом становилась все сильнее. Всякий раз, когда я вижу ее, я чувствую себя полностью обогащенным, тронутым, соблазненным и впечатленным ее способностью сочетать непрерывность, совершенство и анархию как одну эмоцию.Я ношу это ощущение ее с собой как можно дольше каждый раз, когда вижу ее ».

Louise Bourgeois — Художники — Галереи Acquavella

Луиза Буржуа (1911-2010) была французско-американской художницей, наиболее известной своими масштабными скульптурами и инсталляциями. В течение ее восьмидесятилетней карьеры работы Буржуа открыто боролись с ее часто травмирующими воспоминаниями из раннего детства наряду с более серьезными психологическими расчетами, связанными с сексуальностью, заброшенностью, уязвимостью и домашним хозяйством. Хотя буржуазное искусство тематически пересекается с абстрактным экспрессионизмом, сюрреализмом и феминистским искусством, ее эстетический результат остается отличным от определенного художественного движения.

Буржуа родился в Париже, Франция, в семье родителей, которые занимались изготовлением антикварных гобеленов. Позже Буржуа вспоминала, как помогала в магазине консервации гобеленов ее семьи в Шуази-ле-Руа, чиня фрагментированные ткани с помощью техники прядения, на которую она ссылалась в зрелые годы. В 1932 году, когда Буржуа было 22 года, от гриппа умерла ее мать.Это трагическое событие в сочетании с непрекращающейся изменой ее отца — особенно с наставником Буржуа — вызвало глубокий страх быть брошенным. Вскоре после смерти матери Буржуа переключилась с изучения математики на искусство. Она посещала ряд известных художественных институтов в Париже, в том числе École des Beaux-Arts, École du Louvre и множество независимых академий. В конце концов Буржуа вышла замуж за американского профессора искусств Роберта Голдуотера, и в 1938 году они переехали в Нью-Йорк.

В Нью-Йорке Буржуа продолжила обучение в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. В это время она начала полагаться на свою художественную практику как на терапевтическое средство пересмотра своего тяжелого прошлого и отчужденных отношений с отцом. Хотя художница ранее занималась гравюрой и живописью, вскоре она полностью сосредоточилась на скульптуре. Ее тотемные деревянные скульптуры 1945–1955 годов напоминают о людях из прошлого художницы, подчеркивая гендерную напряженность и исследуя динамику между сексуальностью и хрупкостью.

В конце 1950-х годов Bourgeois начал использовать новые материалы, включая латекс, гипс, резину и — после поездки в Италию — мрамор и бронзу. С помощью этих инновационных средств она исследовала свои страхи перед уязвимостью и потерей контроля. В 1960-е годы ее творческий потенциал становился все более сексуальным благодаря явным биоморфным формам, активно бросая вызов патриархальным стандартам, связанным с ее собственным детским опытом. Этот переход в сочетании с быстрым развитием феминистского движения привел к тому, что ее работы были названы феминистским искусством. Тем не менее Буржуа отвергла эту жесткую категоризацию, заявив, что ее работа была «предгендерной».

На протяжении 1940-х и 1950-х годов буржуазное искусство экспонировалось на нескольких выставках в нескольких галереях Нью-Йорка, наряду с ежегодной выставкой Музея американского искусства Уитни почти каждый год до 1962 года. получил широкое признание и признание; ее ретроспектива 1982 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке укрепила ее позицию ведущего художника того периода.В 1993 году Буржуа представляла Соединенные Штаты на Венецианской биеннале, выступая против глобальных стереотипов как художница, имеющая дело с откровенно сексуальной тематикой.

В 1990-х годах Буржуа разработала свои культовые скульптуры паука. Самая большая версия этих работ, Maman , сделана из стали и возвышается над 30 футами в высоту. Название — французское слово, обозначающее мать, похожее на «мумия», что указывает на значение скульптуры; паук-защитник символизирует мать художника, которую Буржуа описал как «осознанную, умную, терпеливую, успокаивающую, разумную, изящную, тонкую, незаменимую, аккуратную и полезную, как паук. «Практика ткачества паука также представляет собой работу ее матери по ремонту гобеленов.

Наряду с собственной творческой практикой Буржуа обучала и воспитывала молодые поколения художников. После того, как ее муж скончался в 1973 году, она начала преподавательскую карьеру в Школе визуальных искусств Колумбийского университета, Cooper Union, New York Studio School и Йельском университете. В это время Буржуа также проводила воскресные собрания в своем доме в Челси, наполняя свою квартиру молодыми художниками для живой, но безжалостной критики.Ее сухой юмор и безжалостное отношение принесли этим легендарным салонам название «Воскресенье, кровавые воскресенья».

К моменту смерти Буржуа в 2010 году она участвовала в четырех биеннале Уитни и участвовала в нескольких международных ретроспективах, включая шоу 2007 года, организованное галереей Тейт Модерн в Лондоне и Центром Помпиду в Париже. В последний год своей жизни она использовала свою работу как средство активизма в поддержку равенства лесбиянок, геев, бисексуалов и трансгендеров, которое основывалось на ее поддержке организаций активистов по борьбе со СПИДом в 1993 году.

Буржуазное плодотворное творчество, возможно, было в значительной степени основано на глубоко личном самоанализе, тем не менее ее работы находили отклик у гораздо более широкой публики. По ее собственным словам, «Искусство — это реставрация: идея состоит в том, чтобы исправить ущерб, нанесенный жизни, превратить что-то фрагментированное — что страх и тревога делают с человеком — во что-то целое». Этот терапевтический процесс физического построения целостности посредством концептуального искусства сделал Буржуа одним из самых критически настроенных и влиятельных художников 20-го века.

Луиза Буржуа умирает в возрасте 98 лет; Работа уважаемого художника была «формой психоанализа».

Луиза Буржуа, всемирно уважаемая художница, чья очень личная работа была вдохновлена ​​психологическим конфликтом, феминистским сознанием и богатым воображением, умерла. Ей было 98.

Буржуа умерла в понедельник в Медицинском центре Бет Исраэль на Манхэттене после сердечного приступа в субботу, сказала Венди Уильямс, управляющий директор студии Луиз Буржуа в Нью-Йорке.

Известный скульптурами гигантских пауков, женщин с увеличенной грудью, двуглавыми фаллосами и комнатами, резонирующими с одиночеством и ужасом, Буржуа был бесстрашной творческой силой, работа которой могла быть тревожной и извращенно остроумной. Несмотря на то, что до седьмого десятка лет ей уделялось мало внимания со стороны мира искусства, она стала его великой дамой, постоянно востребованной и осыпанной почестями.

Буржуа часто задавала зрителям вопросы о значении ее работы, но не скрывала болезненных переживаний, которые ее сформировали.Пауки, в том числе «Маман», произведение высотой 35 футов, заказанное для открытия галереи Тейт Модерн в Лондоне в 2000 году, — это дань уважения ее любимой матери, которую она описала как опору внутренней силы, которая была «умной». терпеливый и аккуратный, как паук ».

Ее отец, которого художник считал властным бабником, не так хорошо себя чувствовал. В «Уничтожении отца» — инсталляции 1974 года, которая появилась в Музее современного искусства Лос-Анджелеса в 2008–2009 годах в передвижной ретроспективе — Буржуа воссоздала юношескую фантазию о том, как ее отец был расчленен и поглощен его семьей.

«Она нарушила табу, — сказал искусствовед The ​​Times Кристофер Найт. «Буржуа был первым современным художником, который раскрыл эмоциональную глубину и силу домашнего сюжета. До нее художники мужского пола только грызли края, а женщинам просто не позволяли ».

Родившаяся в Париже на Рождество 1911 года, Буржуа жила во Франции до 1938 года. Вторая из трех детей, рожденных Жозефин Форио и Луи Буржуа, она была частью семьи, которая владела гобеленовой галереей под их квартирой на бульваре Сен-Жермен и фирма по реставрации гобеленов в деревне к югу от Парижа.У них была комфортная жизнь, за исключением периода Первой мировой войны, но брак ее родителей был полон напряженности, которая обострилась, когда у Луи была связь с англичанкой, которая была воспитательницей детей.

Негодование Луизы по поводу ménage à trois в конечном итоге стало кормом для ее искусства. В интервью New York Times в 1982 году она сказала, что скрученные формы в ее работах отражают ее детскую мечту избавиться от любовницы своего отца, «свернув ей шею». Но неукротимый дух и творческая энергия буржуа взяли верх.

«Моя работа — это форма психоанализа», — написала она в электронном письме с «Лос-Анджелес Таймс» в 2007 году. «Это способ справиться со своими тревогами и страхами. Это попытка стать лучше… В этой работе много двойственности. Есть много свисающих деталей, что означает хрупкое состояние. Есть элементы, которые колеблются и качаются, что также передает хрупкость. У всех нас есть розовые и голубые дни. Я пытаюсь найти баланс между крайностями, которые я чувствую. Я хочу быть разумным.

В глазах мира искусства она преуспела.

Историк искусства Роберт Сторр назвал Буржуа «одним из самых любознательных и наиболее информированных художников своего поколения. Никакой анализ ее работы или ее внутренней динамики, который обходит этот факт или не учитывает уникальное сочетание интуиции и эрудиции, психологического принуждения и чистого интеллекта, которым она руководствовалась, не может претендовать на измерение всего диапазона его значений ».

Буржуа изучал искусство в нескольких парижских школах, включая Академию изящных искусств и Академию Жюлиана, а также в мастерской художника Фернана Легера.В 1938 году она вышла замуж за американского историка искусства Роберта Голдуотера и переехала в Нью-Йорк, где провела остаток своей жизни.

Она начала зарекомендовать себя как художник в 1940-х, воспитывая троих сыновей, Мишеля, Жана-Луи и Алена, и провела свою первую персональную выставку в 1945 году в галерее Нью-Йорка. Ее муж, профессор Нью-Йоркского университета, прославился изучением связей между так называемым примитивизмом и западным модернизмом. Пара вела богатую интеллектуальную жизнь до смерти Голдуотера в 1973 году, примерно за десять лет до того, как Буржуа получил широкое признание.

Она начала свою карьеру как художник, изображающий абстракции, похожие на гобелены, но вскоре была заинтригована исследованием сюрреалистами подсознания как источника образов и идей. В ее картинах «Femme-Maison» 1946 и 1947 годов сюрреализм сочетается с феминизмом в изображениях женщин с домами вместо голов, определяемых их семейными ролями.

Когда ее интерес сместился к трехмерным формам, она обратилась к скульптуре и работала со многими материалами, включая дерево, металл, латекс, гипс, мрамор и бронзу.Ее ранние тотемоподобные фигуры привели к созданию сексуально откровенных скульптур и амбициозных инсталляций, вызывающих тревожные состояния ума и физические состояния.

Буржуа участвовала в феминистской деятельности в 1960-х годах и гордо носила знак феминизма, создавая свой собственный стиль и чувствительность. «Я считаю, что женщины должны иметь равные возможности и права», — написала она в переписке с The Times. «Моя работа действительно высмеивает мачо, будь то мой отец или Фрейд». Но она отвергла понятие феминистской эстетики.«Моя работа связана с проблемами до гендера», — написала она. «Например, ревность не мужская и не женская».

Ретроспективная выставка 1982 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке открыла Bourgeois сферу известности и влияния, выходящую далеко за пределы кругов современного искусства Манхэттена. В последующие годы ее работы вошли в коллекции крупнейших музеев мира, и она выиграла множество наград, в том числе Гран-при Национальной скульптуры Министерства культуры Франции в 1992 году и Национальную медаль искусств США в 1997 году.Она представляла США на Венецианской биеннале 1993 года и была первым живым художником, у которого была выставка в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, Россия, в 2002 году.

Ее запоздалое открытие миром искусства было «скрытым благословением». она написала The Times. «Это позволило мне работать спокойно, в моем собственном темпе и по-своему… Я верю, что, когда люди увидят работу, которую я создавал в течение длительного периода времени, они увидят последовательность того, что я хочу сказать».

Но когда ее спросили, как бы она хотела, чтобы ее запомнили в книгах по истории искусства, она ответила: «Меня не так уж интересует история искусства.Я была замужем за историком искусства, и мне это надоело. История искусства — это одно, а быть художником — другое. Я знаю, что я часть истории, всего лишь крошечный камешек в очень большой стене ».

У нее остались сыновья Ален и Жан-Луи, двое внуков и один правнук. Ее сын Мишель умер в 1990 году.

Услуги будут частными, сказал Уильямс.

[email protected]

Мучник — бывший штатный писатель Times.

Луиза Буржуа: Какова форма этой проблемы, из собраний Джордана Д.Фонд Шнитцера и его семьи — Фонд Эскера

Несмотря на то, что Луиза Буржуа наиболее известна своими глубокими скульптурами монументальных пауков, вызывающими воспоминания человеческими фигурами и плотскими антропоморфными формами, на протяжении всей своей долгой карьеры она продолжала плодотворно рисовать и писать, а также проявляла постоянный интерес к иллюстрированным книгам и гравюрам.

Louise Bourgeois: Какова форма этой проблемы представляет 119 работ с акцентом на принты, текстиль и серию из восьми голограмм, датируемых с 1940-х до начала 2000-х годов. Эти работы основаны на сырой эмоциональной сфере буржуазной практики и исследуют чувства изоляции, гнева и страха через повторяющееся изображение тела, детства, семьи, архитектуры и течения времени.

На выставке представлены несколько известных серий печатных и текстильных работ, в том числе: Ode à Ma Mère (1995), замечательное исследование самого узнаваемого и знакового мотива художника — паука; Ode à l’Oubli (2004) ее первая книга по тканям, созданная из ее собственной одежды, и He Disappeared into Complete Silence (1947/2005), ранняя иллюстрированная книга из девяти гравюр, изображающих интенсивную реакцию Буржуа на действия Нью-Йорка. архитектуры, когда она приехала в город в 1938 году, и послужила предшественником ее более поздних монументальных скульптурных работ.

Буржуа описала свое отношение к искусству как отношение к выживанию и зависимости; на протяжении всей жизни она переживала борьбу с травмами и тревогой, которые успокаивались только внешним выражением ее собственного художественного и письменного творчества. Она открыто признала свою уязвимость, потому что она давала ей цель, и работа, рожденная с этой целью, придала форму ее особому виду страданий. В отношении этого условия жизни и работы Буржуа удачно придумал знаменитую ныне фразу: «Искусство — залог здравомыслия.”

Буржуазия остро ощущала силу языка в сочетании с изображением. У нее была плодотворная писательская практика на протяжении всей своей жизни, причем самые активные периоды ее жизни приходились на 1950-е и 1960-е годы, когда она проходила психоанализ. Ее произведения честны, поэтичны и часто автобиографичны. Эти слова, прочитанные вместе со всей ее работой, изображают человека в кризисе, непрерывное повествование о женщине, которая борется с давлением и ожиданиями дочери, жены, матери и художника.«Какова форма этой проблемы?» — это вопрос, представленный на первой странице серии из девяти диптихов высокой печати с изображениями и текстом, созданных Bourgeois в 1999 году, и во многих смыслах он является яркой рамкой для этой выставки.

Этот вопрос, как и большая часть текста, использованного в ее гравюрах, помещает эти работы в многослойную практику Буржуа по выявлению и смелому исследованию ее личной истории, ее творческого процесса и ее психического здоровья. Эти слова смело помещают страдание и параллель друг с другом, предполагая, что абстрактным эмоциям можно и нужно придать форму.Именно это признание обеспечивает баланс ее творческой практики и жизни, переплетенную зависимость, которая делает творчество Луизы Буржуа художественно и эмоционально интеллектуальным.

Эта выставка расширяет картину
Луиза Буржуа: Ода забыванию, из собраний Джордана Д. Шнитцера и его семейного фонда (2018), куратор — Райан Хардести, Художественный музей Джордана Шнитцера, WSU, США .
Изображение: Луиза Буржуа у печатного станка на нижнем уровне своего дома / студии на 20-й улице, Нью-Йорк, 1995 год.© Матиас Йоханссон.

Помощник на 30 лет: жизнь с Луизой Буржуа

Луиза Буржуа и ее помощник Джерри Горовой в Карраре, Италия, 1981 год. © The Easton Foundation. Фото: ? Фонд Истона

Луиза Буржуа (1911–2010), бесспорно, была одной из самых важных художников 20-го века, но траектория ее карьеры была чрезвычайно необычной, и большинство ее успехов приходили только тогда, когда ей было уже за 70.Одна из самых всеобъемлющих выставок ее работ была в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в 2008 году, когда ей было 97 лет. Большая часть ее работ, особенно работы, которые привлекли ее внимание в дальнейшем, были посвящены мужской и женской сексуальности и ее противоречивые отношения с отцом.

В 1980 году она встретила Джерри Горового, который позже стал ее помощником на 30 лет. Они познакомились, когда он включил одну из ее работ в групповую выставку, и в итоге они работали вместе до самой смерти художника в 2010 году в возрасте 98 лет.По случаю выставки «Louise Bourgeois: Suspension» в Cheim & Read Gallery мы сели с ним, чтобы поговорить о его отношениях с художницей, ее рабочем процессе и о том, каково это работать помощником настоящего титана для почти три десятилетия.

Начнем с того, как вы познакомились с Луизой.
Я устанавливал первую кураторскую выставку под названием «Десять абстрактных скульптур» (1980) в Сохо, включая скульптуру Луизы. Она пришла во время инсталляции и была недовольна отношением своего произведения к другим работам в шоу.Она начала кричать, угрожая вытащить его. Я видел некоторые из ее работ и раньше — у нее была андерграундная репутация, — но это была моя первая встреча с ней. Я подумал, что она должна быть благодарна за участие в шоу, поскольку в то время она не пользовалась особенным спросом. На мой взгляд, представленное ею произведение — C. O. Y. O. T. E. , раннее деревянное произведение 1940-х годов, которое она позже перекрасила в розовый цвет, — одно из величайших произведений 20 века.

То, что она сказала об инсталляции, не было полностью неправильным, но больше касалось пространства галереи.Ее работа была в хорошей компании, рядом с The Spider Колдера 1942 года; ранний Марк ди Суверо; и Рональд Бладен. Я был полностью поражен ее свирепостью и предложил нам выпить чаю в Кухне на улице, чтобы успокоить ее и убедить оставить эту пьесу в шоу. На обратном пути она упала на булыжник, и я помог ей подняться. Она была крошечной женщиной, которой на тот момент уже было 70 лет, и я понял, насколько она уязвима. Этот опыт дал мне первое представление о ее сильном беспокойстве и о том факте, что демонстрация ее работ напугала ее.Позже я узнал, что Луиза была из тех людей, которые, когда расстроены, нападают. Это то, что она проецирует свою тревогу вовне, и это та самая тревога, которую она переносит в материалы своей скульптуры. В конце концов, она позволила пьесе остаться в шоу. Мы продали его Национальной галерее Австралии. После выставки она пригласила меня к себе домой в Челси и показала мне еще несколько своих работ. Она была несколько скрытной, и я чувствовал, что она не хотела, чтобы я увидел слишком много за один присест. Она буквально вытаскивала из-под кровати рисунки, некоторые из которых не видели с 1940-х годов, когда они были сделаны.В подвале было проделано 40 лет работы. После групповой выставки я организовал персональную выставку ее рисунков и ранних картин. Это было как раз в то время в мире искусства, где менялись художественные интересы, отходя от формализма и абстракции к фигуративным и повествовательным историям об идентичности и сексуальности. Луиза долгое время искала эти темы.

Когда вы перешли от знакомства с ней к тому, чтобы стать ее постоянным помощником?
После спектаклей я ходил к ней после обеда, в основном просто чтобы поговорить.Иногда мы вместе ходили на концерты, ужинали, смотрели кино или гуляли с друзьями. Постепенно я начал собирать вместе и понимать различные работы, которые она создавала за десятилетия. Послеобеденные занятия превратились в посещения раз в неделю, а затем и несколько раз. К концу 1980-х мы работали вместе на постоянной основе. По сути, мы договорились, что она будет делать всю работу, а я займусь всем остальным. Что касается ее карьеры, на тот момент две вещи начали происходить одновременно.Были обнаружены ее невероятные старые работы 40-х, 50-х и 60-х годов, которых не знала широкая публика и, в этом отношении, мир искусства. Одновременно она все еще создавала новые работы. Ретроспектива в MoMA в 1982 году была важна, поскольку помогала увидеть диапазон, глубину и оригинальность ее произведений. Можно увидеть, как работа Луизы разворачивается в хронологическом порядке, но ее развитие больше похоже на спираль, возвращающуюся к той же теме, но выраженную в совершенно разных материалах и формах.У нее не было фирменного стиля, и она работала одновременно во многих разных средах. Многие художники сегодня так работают. Раньше я установил четыре ее работы в галерее, и посетители могли подумать, что смотрят групповую выставку, и мне пришлось бы им сказать, что она была сделана одним человеком. Даже хранители музеев недоумевали, какое место она занимает исторически. Ее новые работы были такими же современными, как все, что делалось в то время, даже по сравнению с более молодым поколением художников.

В этом отношении она определенно опередила свое время.
Я был полностью очарован всем в ней. Между ее искусством и ее жизнью не было разделения. Эмоционально она была похожа на ребенка, беспокойного ребенка. Но за ее формальными изобретениями скрывались удивительный интеллект и сложность. Я знал, что чем больше в мире будет узнавать ее искусство, тем больше людей поймут, насколько невероятным художником она была на самом деле. Психологически Луизе нужно было работать и работать постоянно. Это действительно уберегало ее от беспокойства.

Потому что она чувствовала себя такой уязвимой?
Уязвимая, да, потому что в реальной жизни она была напуганным существом.Она хотела показать свои работы, но часто отменяла выставки в последнюю минуту. Выставки вызывали слишком много беспокойства. Она перестала ходить даже на свои дебюты. Это, среди многих других причин, объясняет, почему в ее карьере было много пробелов. Она начала привлекать к себе больше внимания в 70-х, отчасти из-за феминистского движения, а также из-за изменения арт-сцены.

Вы ​​отказались от собственной кураторской практики ради работы с Луизой?
Я никогда не видел себя куратором.Я работал в галерее, чтобы поддержать себя, когда учился в аспирантуре. Я попал в это, когда учился на МИД по живописи. Нас с Луизой сблизили наши общие интересы в области психологии и психоанализа, а также искусства. Если бы я не получил ученую степень художника, я, наверное, стал бы психоаналитиком.

В этом смысле это звучит как идеальный брак.
Да. Мне было интересно понять, что движет ею, почему у нее были эти невероятные приступы тревоги и деструктивных импульсов, и как это связано с ее искусством. Как визуальный человек, я мог многое экстраполировать из того, что она создала. Она всегда говорила, что ее искусство — это ее психоанализ, и ее конфликты были прямо в работе.

Вы ​​упомянули, что Луиза не очень заботилась о своих собственных работах, когда они были завершены, и с нетерпением ждала перехода к следующему. Вы можете что-нибудь сказать по этому поводу?
Луизу интересовало исключительно произведение, над которым она работала. Она чувствовала, что, когда работа была завершена, она выполнила свою задачу, и ей хотелось двигаться дальше.Я думаю, это потому, что ей было больше интересно выразить интенсивность момента, тревогу в этот конкретный момент. Что касается ее искусства, ее тревога определила ее форму. Она сказала: «Боль — это выкуп формализма». До того, как я встретил ее, она имела склонность разрушать произведение, съедая его и повторно используя в другом. Ее уровень агрессивности определял, какое действие ей нужно было физически выполнить с подручным материалом, должен ли объект быть твердым или мягким, или она хотела что-то разрезать или сшить и собрать вместе.Однажды казалось, что работа проистекает из внутреннего насилия, а на следующий день ее работа будет возмещением ущерба или выражением ее вины. В определенные дни ее целью было просто выжить. Это тот уровень тревожности, на котором она функционировала.

Как она была изо дня в день? Можешь немного рассказать о своем распорядке дня и роли в студии?
Луиза была очень привычна. Она вставала утром и пила чай с киселем прямо из банки. Она бы выпила немного сахара и была готова к катанию.Когда у нее была студия в Бруклине, я забирал ее в 10 утра, и мы ехали туда. Луиза любила работать одна в тишине, как в трансе. Малейший шум расстроит ее. Я исчезал в другой части студии, пока она не позвонила мне. Я работал над выставками и изданиями, выставлял кураторов и дилеров. Она много готовилась к работе с различными техническими помощниками, которых я буду привлекать и контролировать, когда это необходимо, — например, сварщиков и так далее. К обеду она начинала сбавлять обороты, а потом мы делали перерыв.Она всегда спрашивала меня, что я думаю о работе или что она только что сделала с ней. После обеда она рисовала что-нибудь менее физическое. Обычно второе дыхание у нее возникало около 15:30 или 16:00. и вернется к своей скульптуре. Как только работа была сделана, я быстро договорился о том, чтобы ее забрали, чтобы она не могла ее уничтожить. Она работала каждый день, кроме воскресенья, когда меня не было рядом. По воскресеньям у нее были свои салоны, когда она открывала свой дом для молодых художников, писателей, музыкантов и критиков, чтобы они рассказывали о том, что они сделали или над чем работали.

Когда Луиза занималась созданием скульптуры, такой как работа в шоу в Cheim and Read, действительно ли она выполняла эту работу физически или наняла кого-то, кто сделал ее для нее?
Изначально Луиза шила тканевую скульптуру сама, но в определенный момент, продолжая работать с тканью, она пригласила швею. Если вы внимательно посмотрите на вышивку фигуры Untitled (1995) с мягким телом и без головы, вы сможете узнать шитье Луизы.Стежок у нее очень грубый и неровный. Это добавило эмоциональности форме. Однако для работы с другими тканями ей нужна была швейная машина и кто-то, кто мог бы идеально вышивать вручную. Она поместила объявление в Women’s Wear Daily и нашла женщину, чье шитье было настолько безупречным и правильным, что в каком-то смысле оно исчезло.

Вам было трудно справляться с ее перепадами энергии и настроения? С вашей точки зрения и ваших собственных психологических интересов, приходилось ли вам когда-нибудь разговаривать с ней через определенные истерические эмоциональные ситуации?
Она часто проецировала на меня свое беспокойство. Моей целью было удержать ее сосредоточенной на работе, потому что это могло ее успокоить. Я попытаюсь понять, что заставило ее чувствовать себя таким напуганным или разрушительным. Она назвала меня соской, человеком, который вытащит ее из колодца депрессии. Что касается ее работы, я выполнял функции редактора и посредника между ней и ее отношениями с другими людьми. Одна из странных ролей, которые мне приходилось играть, — это когда в дом приходил гость или интервьюер. Луиза хотела, чтобы я предложил им выпить в надежде, что они напьются и расскажут о себе.Она кивала мне всякий раз, когда их стакан был пуст. Она говорила: «Я уже знаю о себе, я хочу знать об этом другом человеке и о том, что им нравится».

Можете ли вы рассказать о Arch of Hysteria (1993) и о той роли, которую вы сыграли в форме фигуры?
Хотя обычно истерия связана с женщинами, Луиза хотела использовать мужскую фигуру, и я стала ее моделью. Она хотела доказать, что мужчины могут быть в равной степени истеричными. В литейном цеху приготовили корыто с горячим гипсом, в которое меня подняли, чтобы слепить заднюю часть моего тела.Мое тело приняло положение изогнутого желоба. На втором сеансе отлили переднюю часть моего тела. Затем Луиза взяла полную гипсовую повязку и разрезала ее, чтобы подчеркнуть изгибы моего тела. Последняя часть была отлита из бронзы и подвешивалась к животу.

Когда вы встретили ее, она была уже старше — говорила ли она когда-нибудь о сексуальности или своих отношениях?
Луиза была очень соблазнительной и кокетливой женщиной, и ей нравились мужчины. Она верила в сублимацию и сексуальную энергию.Луиза много лет подвергалась психоанализу и очень хорошо разбиралась в психоаналитической теории. Секс определенно в работе.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.