Классические произведения: Произведения российских писателей читать онлайн бесплатно. Скачать художественные книги русских авторов бесплатно на портале «Культура.РФ»

10 шедевров классической музыки

Послушайте и оцените 10 шедевров классической музыки. Это не список 10 величайших произведений, такой список просто невозможно составить. Тем не менее, каждое произведение в этом списке является великим по разным причинам и каждое из них знаковое либо для истории музыки, либо для общества, либо для конкретного композитора. Когда Вы прослушаете их все,  то  только-только прикоснетесь к поверхности классической музыки.
Все эти композиции являются хорошим стартом для получения более глубоких знаний в музыке.
Некоторые из них очень длинные и состоят из нескольких частей, поэтому послушайте хотя бы одну часть из всего произведения.

Людвиг ван Бетховен Симфония № 5

Пожалуй, самая известная из всех симфоний, это классика Бетховена. Если Вам понравится эта симфония, попробуйте послушать и остальные 8 симфоний, созданных Бетховеном.

Послушать

Вольфганг Амадей Моцарт «Свадьба  Фигаро»  ( Marriage of Figaro)

Возможно, вершина творчества Моцарта в опере, по комедии Бомарше «Безумный день или женитьба Фигаро», великолепный коктейль прекрасной музыки и комических ситуаций.

Послушать

Иоганн Штраус (младший) «На прекрасном  голубом Дунае» (The Blue Danube)

Этот элегантный вальс стал неофициальным гимном Австрии (где Моцарт — «наше всё»), изящно охватив всю красоту большого города — Вены.

Послушать

Джоаккино Россини «Севильский  цирюльник»  (The Barber of Seville)

Ещё одна интересная комическая опера, теперь от великого итальянского композитора. Знаменитую увертюру из этой оперы Россини использовал ещё в двух других своих операх.

Послушать

Рихард Вагнер «Зигфрид-идиллия» (Siegfried Idyll)

Симфоническая пьеса, созданная как подарок на день рождения жене и получившая название в честь новорожденного сына,  которого назвали по имени героя оперы » Зигфрид». Основная тема этой пьесы взята из оперы «Зигфрид» из цикла «Кольцо Нибелунга».

Послушать

Гектор Берлиоз «Фантастическая  симфония» (Symphonie Fantastique)

Наибольший вклад французского композитора Гектора Берлиоза в оркестровую музыку,
«Фантастическая симфония» является удивительно красочной и экспрессивной работой.

Послушать

Роберт Шуман «Любовь  поэта» (Dichterliebe)

Один из величайших песенных циклов для фортепиано и голоса. 
Набор из 16 поэм Генриха Гейне, положенный на музыку Шумана, возрождает в сердце надежду и гордость за чудесную способность и предназначение человека — любить!

Послушать

Дмитрий Дмитриевич Шостакович  Симфония № 10

После смерти Сталина в 1953 году, Шостакович после вынужденного длительного творческого ограничения, наконец, смог свободно создать эпохальное произведение.
В результате получилась одна из великих симфоний 20-го века, в которой композитор подвел итог эпохе сталинизма и, как считается, создал своеобразный музыкальный портрет Сталина.

Послушать

Пётр Ильич Чайковский Симфония № 6

Последняя работа Чайковского является шедевром эмоциональной тоски.
Кажется, еще никогда в музыке не были выражены с таким несравненным талантом и красотой такие глубокие сцены душевной жизни, отчаяния и безысходности.

Послушать

Густав Холст Сюита «Планеты» (The  Planets)

Монументальное музыкальное произведение, посвященное планетам солнечной системы и одноимённым богам.
Сюита описывает семь планет, Землю композитор пропустил, а Плутон — тогда ещё не открыли, а теперь это уже и не планета.

Послушать

 

Источник

Классическая музыка: произведения главных русских и европейских композиторов

Музыкальный канон сформировался одновременно с понятием «классическая музыка» в первой трети ХХ века. Только тогда людям пришло в голову отделить работы великих мертвых композиторов прошлого с их прекрасным наследием от музыки, которая сочинялась «здесь и сейчас». Истоки этого процесса нужно искать в середине XIX века, когда зародился историзм и люди начали заинтересованно вглядываться в прошлое. Тем не менее тогда не было разделения на «классическую» и «актуальную» музыку, потому что вся музыка была актуальной. В XIX веке люди исполняли и слушали то, что было написано их современниками либо композиторами, которые умерли несколько десятилетий назад. Бетховен, к примеру, умер в 1827 году в статусе мэтра и признанного гения, и соответствующий статус сохранился и за его музыкой.

Интересно, что 200 лет спустя мы разделяем представления людей XIX века о том, кто такие «великие композиторы». Для них (и во многом для нас) это будет тройка венских классиков — Гайдн, Моцарт и Бетховен, а также авторы XIX века вроде Верди и Чайковского. Важное исключение — Бах, которого в XIX столетии не очень знали и исполняли; он был переоткрыт в начале XX века. Композиторы домоцартовской эпохи к середине XIX века превратились в исторические памятники и энциклопедические статьи. Они ушли из музыкальной практики, их работы почти не исполняли, а манеру считали старомодной. Окончательно представление о славном прошлом и актуальном настоящем кристаллизуется в XX веке. В 1920-х годах появляются специальные фестивали современной музыки, где играют только сочинения современников.

С обособлением «современной музыки» в отдельную художественную область начался процесс осознания такого явления, как «старинная музыка». На сцену постепенно возвратились те самые авторы домоцартовских времен: уже упомянутый нами Иоганн Себастьян Бах или Антонио Вивальди. Последний сегодня, несомненно, один из самых узнаваемых классических композиторов, но поколение наших дедов и бабушек понятия не имело о том, что «Времена года» — шедевр на все времена. По состоянию на 1952 год в мире существовали всего две коммерческие записи этих вивальдиевских концертов — сейчас их тысячи. То же с Бахом. Впервые знаменитые ныне «Бранденбургские концерты» были (частично) сыграны и записаны только в 1929 году.

Вивальди хронологически старше Баха. Это отражает тенденцию работы с наследием. С каждым годом любопытство специалистов и публики устремляется вглубь веков. Сейчас, например, виден устойчивый интерес, можно сказать, мода на оперные работы XVII века; много и плодотворно работают с XVI веком — ансамбли старинной музыки возвращают нам имена, о которых ничего не знали наши родители: спросите их, кто такой Адриан Вилларт или Лука Маренцио. При этом мы видим, что основа канона, заложенная в XIX веке, остается актуальной: «классическая музыка» — это все равно классицизм и романтизм, и в расписании филармоний вы вряд ли найдете сочинения старше начала XVIII века.

Любимые классические произведения для фортепиано | ISBN 9785061590165

В сборник включены наиболее распространенные и любимые произведения разной степени сложности.
Представлены композиторы: Й.Гайдн, М.Огиньский, И.Штраус, П.Чайковский, Ф.Шопен, и др.
Предназначен для учащихся средних и старших классов ДМШ, ДШИ, лицеев искусств, а также для любителей домашнего музицирования

СОДЕРЖАНИЕ

1. Й. Гайдн. МЕНУЭТ БЫКА
2. М. Огиньский. ПОЛОНЕЗ
3. Ф. Шуберт-Ф. Лист. ВЕЧЕРНЯЯ СЕРЕНАДА
4. И. Штраус. ВАЛЬС «На прекрасном голубом Дунае»
5. И. Штраус. ВАЛЬС «Ты и ты» по мотивам оперетты «Летучая мышь»
6. А. Грибоедов. ДВА ВАЛЬСА
7. П. Чайковский. БАРКАРОЛА «Июнь» из цикла «Времена года»
8. П. Чайковский. НАТА-ВАЛЬС

9. Ф. Шопен. НОКТЮРН No. 2
10. Ж. Массне. ЭЛЕГИЯ

V sbornik vkljucheny naibolee rasprostranennye i ljubimye proizvedenija raznoj stepeni slozhnosti.
Predstavleny kompozitory: J.Haydn, M.Oginskij, I.Shtraus, P.Tchaikovsky, F.Chopin, i dr.
Prednaznachen dlja uchaschikhsja srednikh i starshikh klassov DMSh, DSHI, litseev iskusstv, a takzhe dlja ljubitelej domashnego muzitsirovanija

SODERZHANIE

1. J. Haydn. MENUET BYKA
2. M. Oginskij. POLONEZ
3. F. Schubert-F. Liszt. VECHERNJAJa SERENADA
4. I. Shtraus. VALS «Na prekrasnom golubom Dunae»
5. I. Shtraus. VALS «Ty i ty» po motivam operetty «Letuchaja mysh»
6. A. Griboedov. DVA VALSA
7. P. Tchaikovsky. BARKAROLA «Ijun» iz tsikla «Vremena goda»
8. P. Tchaikovsky. NATA-VALS
9. F. Chopin. NOKTJURN No. 2
10. Zh. Massne. ELEGIJa

V sbornik vkljucheny naibolee rasprostranennye i ljubimye proizvedenija raznoj stepeni slozhnosti.
Predstavleny kompozitory: J.Gajdn, M.Oginskij, I.Shtraus, P.Chajkovskij, F.Shopen, i dr.
Prednaznachen dlja uchaschikhsja srednikh i starshikh klassov DMSh, DSHI, litseev iskusstv, a takzhe dlja ljubitelej domashnego muzitsirovanija

SODERZHANIE

1. J. Gajdn. MENUET BYKA
2. M. Oginskij. POLONEZ
3. F. Shubert-F. List. VECHERNJAJa SERENADA
4. I. Shtraus. VALS «Na prekrasnom golubom Dunae»
5. I. Shtraus. VALS «Ty i ty» po motivam operetty «Letuchaja mysh»
6. A. Griboedov. DVA VALSA
7. P. Chajkovskij. BARKAROLA «Ijun» iz tsikla «Vremena goda»
8. P. Chajkovskij. NATA-VALS
9. F. Shopen. NOKTJURN No. 2
10. Zh. Massne. ELEGIJa

Цифровая среда трансформирует классические произведения

​Филологи ТюмГУ выявили, как в англоязычных фанфикшн-текстах (текстах-адаптациях) проявляются авторские стратегии интерпретации русской классики. Работа велась в рамках проекта, поддержанного Российским фондом фундаментальных исследований.

«Массовый читатель начал активно дописывать и переписывать классические сюжеты в конце XX века, когда появилась возможность публиковать свои адаптации в интернете. В глобальной цифровой среде такие трансформации классических и популярных произведений (фанфикшн, или фанфики) доступны не только носителям русского языка, но и иноязычным пользователям, – говорит аспирант кафедры русской и зарубежной литературы ТюмГУ Владимир Петров. – Фикрайтеры воспринимают литературное творчество как субъективную практику, связанную с их увлечениями и пристрастиями. При этом стремление фикрайтеров вмешаться и в повествовательный мир первоисточника, и в социальный мир рассказывания позволяет говорить об отсутствии принципиальной разницы между научным и фанатским рассуждением».

В исследовании участвовали молодые люди из Румынии, США, Бразилии, Польши и Франции. Согласно опросу, фикрайтеры связывают собственную идентичность с литературными категориями «персонаж» (любимый персонаж, отношения между персонажами) и «жанр» (любимый жанр). Ответы англоязычных фикрайтеров показали, что каждый читатель следил или продолжает следить за жизнью сообщества, но не фиксирует каких-либо специфических черт русского классического фандома. Отвечая на вопрос о том, что представляет собой англоязычный фандом «Русская классическая литература», фикрайтеры заметили, что фандом очень мал и развивается медленно. Так, автор tolstayas отмечает, что фандомы, посвященные творчеству Ф. Достоевского и Л. Толстого, «кажутся разобщенными». «Мне кажется, многие люди будут удивлены, когда поймут, что русская литература является доступной, им просто нужно дать ей шанс», – написал MrSpears.

Как отмечает руководитель проекта Анастасия Дроздова, в любительскую адаптацию включаются «сюжетные линии, заданные самим первоисточником и не замеченные, но перенесенные фикрайтерами в любительский текст». Индивидуальные стратегии трансформации текста первоисточника в границах разных фандомов прослеживаются на уровне мотивно-образной организации текста (к примеру, в технике создания образов персонажей), композиции и манеры повествования. Импульс для написания фанфика дают сопереживание персонажам и исследование характеров: «Я нахожу персонажей Достоевского и их [характеров] динамику убедительными; я также думаю, что можно найти гомоэротический подтекст в отношениях между некоторыми из них», – признался stavroginova.

Русская классика вплетается в большой круг индивидуальных интересов, и в то же время она воспринимается как часть глобального «литературного фандома». Любопытно, что многие фанаты русской классической литературы пишут фанфики на основе других популярных произведений, т. е. участвуют в нескольких фандомах. Исследователи заключают, что в современном цифровом мире все труднее проследить национальные границы фандомов: читатели становятся фанатами не обязательно из-за национальных сходств и различий, а из-за «момента близости».

О самых известных классических произведениях

17/05/2017

Многие думают, что время классической музыки прошло, и пришел новый век электронной и популяризированной музыки. Но это величайшее заблуждение, потому что классические произведения мы слышим постоянно, в рекламе, в кинематографе, а не только в театре или концертном зале. Есть произведения, которые никогда не потеряют собственной актуальности, они живут в веках и становятся символами.

ТОП-20 самых известных музыкальных произведений

1. Ария царицы Ночи из оперы Волшебная флейта Вольфанга Амадея Моцарта.
2. О, Фортуна «Кармина Бурана»
3. Хор невольниц «Улетай на крыльях ветра» из оперы «Князь Игорь» А.П. Бородина
4. «Времена года» Антонио Вивальди
5. Каприз №24 Никколо Паганини.
6. «Лунная соната» Людвига ван Бетховена
7.  Адажио для струнного оркестра С. Барбера
8. Прелюдия e-moll Фредерик Шопен.
9. Балет «Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского
10. Свадебный марш из увертюры «Сон в летнюю ночь» Феликса Мендельсона
11. Ария (хабанера) Кармен «Любовь – мятежная птица» Ж. Бизе
12. Неоконченная симфония №8 Шуберта
13. Полонез Михаила Огинского
14.  «К Элизе» Людвига ван Бетховена
15. Токката и фуга d-moll Иоганна Себастьяна Баха
16. Реквием ре минор Вольфанга Амадея Моцарта
17. Адажио Альбинони
18. «Форель» Шуберта
19. Опера «Евгений Онегин» Петра Ильича Чайковского
20. Ария Каварадосси из оперы «Тоска» Джакомо Пуччини

Не обязательно быть искушенным ценителем музыки, чтобы проникнуться глубиной вышеперечисленных произведений. Список может продолжаться бесконечно, потому что классические произведения по-настоящему популярны. Но сколько еще прекрасной музыки можно услышать, ведь не все сочинения становятся столь известными широкой публике. Качественная профессиональная музыка, созданная несколько веков назад, не теряет собственной значимости, а становится украшением множества других телевизионных проектов.

Классическая музыка для детей разных возрастов

Существует ли на самом деле «эффект Моцарта», который повышает IQ и способствует скорейшему развитию нейронных связей у маленьких детей? Американская Ассоциация Музыкотерапии утверждает, что это еще не все: классическая музыка успокаивает детей, повышает настроение, улучшает концентрацию и социальные навыки, способствует развитию речи. Любая ли классика подходит детям? Возможно, начать стоит с рекомендованных для каждого возраста произведений.

Для самых маленьких

Дон Кемпбелл и Альфред Томатис, которые изучали действие музыки на новорожденных, отмечали особо благотворное влияние произведений Моцарта. А все благодаря симметричной и гармоничной их структуре, хотя сходными свойствами обладают и некоторые другие музыкальные произведения.

В своей книге «Эффект Моцарта» Дон Кемпбелл предлагает такой список:

1. Моцарт, Квартет № 15 для смычков ре минор
2. Моцарт, Квартет для смычков № 11 ми бемоль мажор
3. Моцарт, Симфония № 25 соль минор
4. Моцарт, Квартет № 20 для смычков ре мажор
5. Моцарт, Концерт № 21 для фортепиано до мажор
6. Вивальди, Концерт для скрипки ля минор
7. Вивальди, из Концерта № 15 для гитары и смычков ре мажор
8. Бах, «Бранденбургские концерты»
9. Дебюсси, «Лунный свет»
10. Мендельссон, «Весенняя песня»

Свежие новости

Для младших школьников

Группа исследователей и педагогов из Apollo Music Projects провела масштабный эксперимент с участием нескольких тысяч школьников, начиная с первоклашек. Детям на занятиях предлагали слушать Моцарта, Бетховена, Равеля, Шостаковича и Мендельсона. После чего на шести практических уроках ребята овладевали базовыми понятиями музыки и даже учились играть на музыкальных инструментах. Дети, говоря о результатах эксперимента, сошлись на том, что это было весело. А вот учителя заметили, что у участников проекта улучшилась способность к слушанию, концентрации внимания и даже дисциплина. В музыкальном же плане слушание музыки сказалось на расширении спектра музыкальных предпочтений: то есть чем больше разной и хорошей музыки дети слушают, тем больше им этого хочется. Вот произведения, которые делают «правильного» меломана:

1. Бах, Сюита для оркестра № 2 си минор, «Шутка»
2. Мусоргский, «Картинки с выставки»: «Балет невылупившихся птенцов»
3. Бизе, «Кармен», акт 1
4. Прокофьев, «Петя и волк»
5. Моцарт, «Волшебная флейта»: ария Панагено
6. Брамс, Венгерский танец № 5 фа диез минор
7. Шопен, «Большой блестящий вальс»
8. Николай Римский Корсаков, «Сказка о царе Салтане»
9. Сен-Санс, «Карнавал зверей»: «Аквариум»
10. Равель, «Дурнушка, императрица пагод»
11. Дебюсси, «Детский уголок»: «Кукольный кейк-уок»
12. Григ, Лирические пьесы, «Шествие гномов»
13. Россини, «Кошачий дуэт»
14. Чайковский, «Щелкунчик»: «Танец феи драже»
15. Бетховен, Симфония № 6фа мажор, оп. 68 «Пасторальная»
16. Моцарт, Концерт для фортепиано с оркестром № 23 ля мажор
17. Габриэль Форе, «Berceuse»

Для подростков

Многие родители, ознакомившись с музыкальными вкусами своих детей-подростков, просто покупают им наушники, констатируя музыкальную несовместимость поколений. И уж, конечно, даже те дети, кто был любителем Гайдна в детстве, скорее провалятся сквозь землю, чем признаются в этом своим пятнадцатилетним одноклассникам. Не стоит отчаиваться. Просто включайте классику регулярно, например, «Времена года» Вивальди по утрам, во время завтрака. Ребята научатся узнавать музыку, которая нравится вам, ведь вы «как будто» ставите ее совсем не для этих лохматых панков, в которых теперь превратились ваши ангелочки, а для себя. Водите отпрыска на концерты, главное не наряжаться и не заставлять его самого «выглядеть прилично». Посмотрите вместе видео мюзиклов и оперетт. Музыка снова станет для ваших подросших детей чем-то приятным и знакомым. А вот лучшие произведения, которые музыкотерапевты рекомендуют подросткам:

1. Вивальди, Времена года
2. Гендель, Музыка на воде
3. Бах, Бранденбургские концерты
4. Моцарт, Симфония № 41 «Юпитер»
5. Брамс, Симфония № 1
6. Равель, «Болеро»
7. Дебюсси, «Море»
8. Стравинский, «Весна священная»
9. Гершвин, Рапсодия в стиле блюз
10. Копланд, «Портрет Линкольна»

 

Оперы и оперетты:

1. Пуччини, «Богема»
2. Бизе, «Кармен»
3. Гершвин «Порги и Бесс»
4. Бернштейн, «Кандида»
5. Гилберт и Салливан, «Микадо», «Пензанские пираты»
6. Бернштейн, «Вестсайдская история»

 

- Читайте также: "Как понять и полюбить классическую музыку"

9 классических произведений из фильмов: от Шопена до Вагнера | KLOOP.KG

Настали очередные летние выходные, а значит и очередная порция музыки. Если предыдущим топом был список летних песен этого сезона, то на этой неделе — неочевидные классические произведения из саундтреков к фильмам. Осторожно, в этом списке нет «Лунной сонаты», «Щелкунчика» и «Лебединого озера».

Фредерик Шопен, «Ноктюрн» op.9 №2

Шопен написал 21 ноктюрну, но больше всех прославилась именно эта. Его пронзительная музыка, соответствующая своему определению (лирическое произведение мечтательного характера) в каждом новом исполнении звучит удивительно по-разному. Разные акценты во второй «Ноктюрне» играют важную роль и способны задать фильму атмосферу от волшебной до гнетущей. Оттого и использовалась она в столь богатом списке культурных произведений: и в сериалах «Кости», «Безумцы» и «Декстер», и в фильмах «Ворон» и «127 часов», и в игре BioShock Infinite, и в песне ‘United States of Eurasia’ группы Muse.

Бедржих Сметана, цикл «Моя родина»: II.«Влтава»

Вторая часть цикла «Моя родина» композитора Берджиха Сметаны полюбилась кинематографу больше остальных. Её мелодичный и одновременно величественный мотив привлек, например, режиссера Терренса Малика. «Влтава» звучала в его фильме «Древо жизни», который на Каннском кинофестивале взял «Золотую пальмовую ветвь» в 2011 году.

Эрик Сати, «Гимнопедия» №1

Фортепианная музыка Эрика Сати отличается крайней кинематографичностью. Автор трех «Сарабанд», шести «Гноссинни» (из которых пронзительнее всего звучит первая) и трех «Гимнопедий», Сати сам по себе был эмоциональным человеком, и музыку писал такую же. Она предельно проста, но при этом очень богата на лирику и впечатления — и оттого его произведения любят использовать кинематографисты. Однако большая часть из них — независимые режиссёры. Его первая «Гимнопедия», например, звучала в фильме «Господин Никто» Жако Ван Дормаля, во многих картинах Луи Малле и в полнометражной анимационой ленте «Исчезновение Харухи Судзумии».

Густав Холст, «Планеты»: IV. «Юпитер, приносящий радость»

Многоликая, неожиданная и массивная — совсем как планета, в честь которой названа эта часть сюиты Густава Холста — эта музыка используется в фильмах реже «Марса, вестника войны», но с одной лишь поправкой. Часть сюиты Холста «Марс» используется в фильмах в каких-то совершенно неузнаваемых аранжировках. «Юпитеру» с этим повезло немного больше: эта музыка звучала в параноидальном триллере «Знамение» и биографической драме «Непокоренный».

Рихард Штраус, «Так говорил Заратустра»: I. Предисловие

Симфоническая поэма Рихарда Штрауса (стоит отметить, что Штраусов в академической музыке было два: один Рихард, другой Иоганн) — монументальное и многочастное произведение, но полутораминутное предисловие к «Так говорил Заратустра» остается, возможно, самой известной мелодией композитора. И, возможно, многие ее помнят как заглавную тему телевизионного шоу «Что? Где? Когда?», но важнее всего мелодия Штрауса звучит в не менее монументальном, чем сама поэма, фильме Стэнли Кубрика. Отличавшийся любовью к классической музыке, Кубрик использовал этот отрывок из поэмы в одной из величайших картин в истории кинематографа. После этого «Так говорил Заратустра» Штрауса звучит в каждом втором фантастическом фильме: например, в «ВАЛЛ-И», в «Интерстелларе» и во вторых «Охотниках за привидениями».

Рихард Вагнер, «Валькирия»: «Полет валькирий»

Совершенно безумное и релевантное использование оперы Рихарда Вагнера случилось в фильме Фрэнсиса Форда Копполы. В его картине «Апокалипсис сегодня» о войне во Вьетнаме легендарная мелодия звучит во время штурма маленькой деревушки. Вся эта сцена действительно пропитана чувством безумия, и музыка Вагнера ее лишь подкрепляет.

Клод Дебюсси, «Бергамасская сюита»: «Лунный свет»

Не совсем «Лунная соната», но тоже известное произведение звучащее в миноре. Часть великой сюиты французского композитора Клода Дебюсси, «Лунный свет» в разных аранжировках исполняющийся или одним лишь роялем, или целым оркестром, звучал в фильмах «Сумерки» и «Семь лет на Тибете». Но лучше всего вписался в авантюристский триллер Стивена Содерберга «11 друзей Оушена», где проигрывается в самом финале.

Вольфганг Амадей Моцарт, «Реквием» Ре минор: Лакримоза

Вступительная часть заупокойной мессы, последнего произведения великого австрийского композитора Вольфганга Амадея Моцарта, известнее всего звучит в фильме о, собственно, Моцарте. На самом деле это картина о трагической дружбе Сальери и Моцарта, но именно имя последнего вынесено в заголовок и именно в сцене его смерти играет знаменитый «Реквием». Помимо «Амадея» эта мелодия звучала в «Хранителях» и «Большом Лебовски».

Рихард Вагнер, «Тристан и Изольда»: Прелюдия

Гениальная музыкальная драма Вагнера была любима кинематографом — но это дела давних времен. Его прелюдия к «Тристану и Изольде» звучала в «Убийстве» Альфреда Хичкока и «Прощании с оружем» по Эрнесту Хемингуэю, но, впрочем, была вновь использована в большом кинематографе и относительно недавно тоже. В предпоследнем фильме Ларса фон Триера «Меланхолия» эта прелюдия звучит в ключевом моменте и производит неизгладимое впечатление.

10 произведений классической музыки, которые на 100% изменят вашу жизнь

30 октября 2020, 16:51

Держитесь за шляпы — если вы не слышали ничего из этого, ваша жизнь вот-вот изменится 10 раз подряд. Излишне говорить, что каждый из этих примеров следует усвоить за один присест.

1.J.S. Бах — Страсти по Матфею

Что это?

Это одна из двух «страстных» ораторий, уцелевших после смерти Баха (он мог написать до пяти), но она также стала одним из его самых знаменитых произведений. Оригинальное название — Passio Domini nostri J.C. secundum Evangelistam Matthæum («J.C.» означает «Иисус Христос», что, возможно, немного знакомо человеку, которого он не встречал… но мы его отпустим).

Почему это изменит вашу жизнь:

Если вы думали, что в музыке барокко в основном используются клавесины, за которые платят богатые и малоизвестные члены королевской семьи, то St Matthew Passion уничтожит ваш маленький ум.Повсюду разбросаны библейские провозглашения надвигающегося апокалипсиса, и для каждого из них Бах играет какой-то сокрушительной атональностью или странным аккордом, как будто он вздрагивает от боли каждый раз, когда это происходит. Это такой человеческий опыт, созданный в то время, когда человеческий опыт не был главной целью большинства композиторов-композиторов эпохи барокко.

Подробнее: Q: Сколько детей учили И.С. Бах есть? A: Нагрузки. Вот что мы знаем. >

2.Чайковский — Симфония № 6

Что это?

Последняя симфония Чайковского, получившая название «Патетическая». Премьерный спектакль был дан буквально за девять дней до смерти композитора.

Почему это изменит вашу жизнь:

Чайковский, несомненно, был одним из великих композиторов, которые больше всего беспокоили меня — и эта симфония, по сути, в некотором роде проявилась во многих его проблемах. Многие поначалу думали, что это длинная предсмертная записка, другие указывали на чрезвычайно противоречивые гомосексуальные наклонности, которые, как известно, имел Чайковский, в то время как некоторые думали, что это просто трагическое, печальное, великолепное и снисходительное художественное выражение.Но причина, по которой он останется с вами навсегда, заключается в том, что все эти контексты работают по-своему, но это никогда не умаляет важности самой музыки. Это урок наилучшего выражения эмоций с помощью музыки.

3. Малер — Симфония № 2

Что это?

Massive, вот что это такое. Рыжий массивный. Симфония № 2 Малера (известная как «Воскресение») — это 90-минутная попытка выразить всю природу существования в музыкальном произведении.Настолько амбициозный.

Почему это изменит вашу жизнь:

Если вы думаете, что музыка длительностью более 3 минут немного снисходительна и самодостаточна, то это отдельное произведение убедит вас, что иногда полностью стоит потратить полтора часа на одну музыкальную концепцию (даже если это огромная концепция. ). Ни один другой композитор не смог бы сделать его более интересным (выслушайте предсмертные крики!) Или более полезным. Эпические последние несколько минут сами по себе являются глупо щедрой наградой, но попасть туда — половина удовольствия.

Подробнее: Подробное объяснение того, почему Симфония № 2 Малера является душераздирающим гениальным произведением>

4. Бетховен — Grosse Fuge

Что это?

Одно из последних произведений Бетховена для струнного квартета, одного из его знаменитых «поздних» квартетов. Это структурный эксперимент с одним движением, который все ненавидели, когда он был впервые сочинен.

Почему это изменит вашу жизнь:

Это доказательство того, что критики и аудитория могут не только ошибаться, но и то, что все дело в интерпретации.Вы действительно можете услышать борьбу и усилия, которые должны были быть предприняты, чтобы сочинить, что означает, что это не всегда расслабляющее прослушивание, но несколько историйских произведений так наглядно показали, как композитор может объединить абсолютно все в одном произведении. И, в конце концов, он оказал огромное влияние на композиторов-сериалистов 20-го века, и никто иной, как Игорь Стравинский, провозгласил его чудом музыки. Как насчет отсроченного вознаграждения?

5. Моцарт — Реквием

Что это?

Произведение, которое Моцарт написал на смертном одре в бешеной лихорадке.Ну, во всяком случае, если верить фильмам.

Почему это изменит вашу жизнь:

Из вступительного вступления задается скорбный тон. Возможно, это только мы, но разве не похоже, что Моцарт здесь боится смерти? Реквием не только пугает, но и представляет собой навязчивое лоскутное одеяло из вещей, выполненное одним из учеников Моцарта, Францем Зюссмайром, и стало легендарной загадкой и идеальным способом закончить историю одного из самых знаменитых гениев истории — i.е. не закончить все это. Какая загадка.

6. Монтеверди — Вечерня

Что это?

Это определяющая работа бородатого жителя барокко Клаудио Монтеверди, гигантский шум, который, по мнению некоторых, преодолел разрыв между эпохами Возрождения и ранним барокко.

Почему это изменит вашу жизнь:

Это заставляет вас осознать, что то, что что-то действительно старое, не означает, что оно автоматически становится скучным или просто превозносится за то, что оно «новаторское».Не заблуждайтесь — вечерня Монтеверди сама по себе очень интересна. Во-первых, он просто огромен по размеру. Если вы хотите быть грубым в этом отношении (а мы это делаем), то вы можете описать это как то, что Монтеверди переносит церковную музыку в оперу со всеми вытекающими из этого драматическими событиями. Трубы, барабаны, массивные хоры, витиеватые вокальные партии… это действительно величайшие хиты раннего барокко.

7. Элгар — Концерт для виолончели

Что это?

Единственный концерт для виолончели, написанный Эдвардом Элгаром, и один из самых известных концертов всех времен.

Почему это изменит вашу жизнь:

Это доказательство того, что сильные эмоции могут исходить от самых неожиданных людей. Мы не хотим, чтобы вы были слишком мягкими, но есть что-то захватывающее по-английски в том, как непревзойденный скряга с жесткими верхними губами, Эдвард Элгар, умел выражать свои эмоции музыкой, а не словами или действиями. Его личная жизнь была на удивление бурной (это другая история), и в таких пьесах, как Концерт для виолончели, создается впечатление, что прокладка лопнула, и Элгар, наконец, смог выпустить все сдерживаемые эмоции целенаправленным взрывом.

8. Вагнер — Кольцевой цикл

Что это?

ЭТО ВСЕ.

Почему это изменит вашу жизнь:

Впервые осознать, что мир оперы действительно может быть таким захватывающим, — это очень, очень особенное чувство — если вы не чувствуете себя лишенным в конце всего цикла из четырех опер, мы опасаемся за вашу способность действовать в нем. реальный мир. Среди неспециалистов она имеет ужасную репутацию «той действительно длинной оперы, которая никому не нравится», и в некотором смысле представляет все самые эксклюзивные, интеллектуальные и поддельные стереотипы оперного мира.Но мы говорим вам: это восприятие НЕПРАВИЛЬНО, и Кольцевой цикл — это фундаментально беспорядочная работа потрясающего гения. Игнорировать на свой страх и риск.

9. Макс Рихтер — Вивальди: Перекомпоновка

Что это?

Радикальное и красивое переосмысление концертов Вивальди Four Seasons от современного инди-классического композитора Макса Рихтера.

Почему это изменит вашу жизнь:

Прослушивание Вивальди: перекомпоновка — это все равно что обнаружить старый джемпер, который вы любили, волшебным образом, чудесным образом потерял все свои бобки и на самом деле находится на пике моды, несмотря на то, что все говорят вам: «приятель, я видел этот джемпер» тысячу раз, и это не предлагает мне ничего нового ».Что Рихтеру удается сделать так невероятно хорошо, так это незаметно подкрасться к восхитительным дополнениям, настройкам и переосмыслению классики, которую вы уже очень хорошо знаете, и освежить ее не только для современной эпохи, но и для грядущих эпох.

10. Горецкий — Симфония № 3

Что это?

Возможно, самое эмоционально истощающее музыкальное произведение из когда-либо написанных.

Почему это изменит вашу жизнь:

Польский композитор Генрик Гурецкий не зря назвал свою третью симфонию «Симфонией печальных песен».В каждой части есть сольные тексты сопрано, вдохновленные войной и разлукой, но особенно выделяется вторая часть. Текст взят из каракулей на стене камеры гестапо во время Второй мировой войны, и, как вы можете себе представить, это довольно душераздирающий материал, но Гурецкий делает его настолько трансцендентным, что трудно поверить, что он был написан в таких ужасных обстоятельствах. . Он сам сказал, что хочет, чтобы линия сопрано «возвышалась над оркестром», и она, безусловно, делает это.

Лучшие произведения классической музыки 21 века | Классическая музыка

25

Jennifer Walshe

XXX Live Nude Girls (2003)

Дженнифер Уолш спросила девочек о том, как они играют со своими куклами Барби, и превратила признание в оперу ужасов, в которой игрушки развязывают игру темного секса и нанесение увечий.Уолш — гений такого рода: она сдирает пластиковую оболочку коммерческой культуры, пародируя, а затем систематически расчленяя архетипы. KM
Прочтите наш обзор | смотрите постановку из 2016 года BIFEM

24

Джон Адамс

Город Нуар (2009)

Яркий портрет Лос-Анджелеса Адамса, изображенный в фильме нуар 1940-х и 50-х годов, представляет собой своего рода симфонию из трех частей. и концерт для оркестра тоже. Это откровенное прославление оркестровой виртуозности, которое отсылает к множеству американских идиом, но при этом не становится слишком конкретным.Это ни в коем случае не лучшая его оркестровая работа (вышедшая в прошлом веке), а эффектный экстравертный образец. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

Immediate… The Sixteen и Britten Sinfonia исполняют Stabat Mater под управлением Гарри Кристоферса. Фотография: Марк Аллан

23

Джеймс Макмиллан

Stabat Mater (2016)

Плодовитый шотландский композитор оказал влияние на хоровую музыку, опираясь на свои римско-католические корни, совсем недавно в его Пятой симфонии Le grand Inconnu, и в его «Ответах Тенебры».Его Stabat Mater для хора и струнного оркестра, премьера которого была сделана по заказу Гарри Кристоферса и Шестнадцати, привлекла внимание публики, его послание было прямым, непосредственным, ярким и страстным. FM
Прочтите наш обзор | Смотрите мировую премьеру выступления в Ватикане

22

Линда Кэтлин Смит

Фортепианный квинтет (2014)

Она держит ткань между пальцами, она проверяет волокна. Она оставляет пространство вокруг материала, чтобы рассмотреть его с разных сторон, а затем глубоко погружается.Музыка Кэтлина Смита медленная и тихая, но в то же время сочная. Больше, чем любой минималист, она черпает вдохновение из Куперена, Дебюсси и картин Агнес Мартин. Результаты скудные, грубые и чувственные; «тихий» не обязательно означает «мягкий». KM
Прочтите наш обзор

21

Макс Рихтер

The Blue Notebooks (2004)

Написанные в преддверии вторжения в Ирак в 2003 году, The Blue Notebooks — это размышления Макса Рихтера о насилии и войне. это было записано за три часа.Цикл песни связан с повествованием Тильды Суинтон, но самые интересные произведения не требуют слов. Organum — это траурное органное соло, Shadow Journal — часть эмбиент-хауса, но центральным элементом является On the Nature of Daylight (с тех пор он используется в бесчисленных фильмах и саундтреках для ТВ), где постоянно расширяющиеся слои струн используются для душераздирающего эффекта. JL
Рихтер пишет о своем сочинении | Слушайте на Spotify.

20

Кэролайн Шоу

Партита (2013)

Партита Кэролайн Шоу, написанная для ее собственного вокального октета Roomful of Teeth, представляет собой взрыв энергичной речи, песни и практически любой расширенной вокальной техники, которую вы можете придумать, в ее четыре «классических» танцевальных движения.Это может разрушить торжественные, крутые представления о величии, но это должна быть самая радостная работа в этом списке. EJ
Подробнее здесь | Слушайте на Spotify.

19

Кассандра Миллер

Дуэт для виолончели с оркестром (2015)

Медленная виолончель вращается между двумя нотами, стойкий путешественник по дороге, пронизанной блестящим соблазнением (медные фанфары, пылкие струнные). Путешествие длится полчаса; он подводит итоги решительной жизни, проведенной в ярких и тяжелых временах.Миллер — мастер сажать семена и запускать увлекательный процесс, а затем доводить дело до конца с величайшей убедительностью. KM
Прочитать обзор | Послушайте отрывок.

18

Бретт Дин

Гамлет (2017)

Австралиец Бретт Дин, альтист в Берлинской филармонии, прежде чем сосредоточиться на композиции, нашел свой оперный голос с Гамлетом. Гениальная переработка Шекспира (либретто Мэтью Джослина), которая начинается с фрагментации «Быть ​​или не быть…», была впервые показана в Глайндборне в 2017 году с Алланом Клейтоном в главной роли и Барбарой Ханниган в роли Офелии. FM
Прочитать обзор | Смотрите трейлер

В каком-то смысле закрытие… Квартет Кронос проводит 11 сентября ВТЦ. Фотография: Марк Аллан

17

Стив Райх

WTC 9/11 (2011)

Типичному нью-йоркскому композитору понадобилось целых 10 лет, чтобы осознать ужасы 11 сентября и сочинить этот диссонирующий безумный бой, который заставляет Райха распиливать струны против манипулируемых голосов. Записи испуганных авиадиспетчеров и очевидцев склеиваются и зацикливаются, тональность их речи воспроизводится (иногда почти насмешливо) квартетом Кронос, прежде чем мы достигаем своего рода завершения с молитвой кантора. JL
Прочитать обзор | Смотрите живое выступление.

16

Ребекка Сондерс

Кожа (2016)

Музыка Ребекки Сондерс всегда создает инстинктивную и жестокую, но все же чувственно резонирующую поэзию. Созданный в сотрудничестве с сопрано Джульет Фрейзер, Skin черпает вдохновение у Сэмюэля Беккета, превращая писательский образ пыли как «кожи комнаты» в 25-минутное потрошение звуков, которые могут издавать солист и ансамбль. Сондерс проникает во внутренний мир инструментов и в зернистость голоса Фрейзера — царапанья и крики, вдохи и вздохи — и обнаруживает откровенный мир повышенных чувств. TS
Слушайте живое выступление

15

Дэвид Ланг

Little Match Girl Passion (2007)

Объедините рассказ Ганса Христиана Андерсена о Little Match Girl со страстью Баха по Матфею, и вы получите одно из самых оригинальные вокальные произведения последнего времени. Отрывки из рассказа Андерсена и Евангелия от Матфея чередуются с тесно сплетенным вокальным письмом, иногда без аккомпанемента, иногда с акцентом на сдержанную перкуссию и часто успокаивающе тональным и вызывающим навязчивое впечатление. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

14

Паскаль Дюсапин

Страсть (2008)

Опера Дюсапина переосмысливает последний коллоквиум Орфея и Эвридики на границе между жизнью и смертью как медитацию на идею страсти как выражения желания и страдания. Партитура тонко намекает на Монтеверди и французское барокко, но звуковой мир, который она создает, уникален для Дюсапина: напряженный, тихо завораживающий и сурово красивый. TA
Читать обзор | Послушайте произведение

Жанрово-разветвленное… Затерянное шоссе Ольги Нойвирт. Фотография: Сара Ли / The Guardian

13

Ольга Нойвирт

Затерянное шоссе (2003)

Немного сбивающий с толку фильм Дэвида Линча, в котором джазовый музыкант убивает свою жену, впадает в психогенную фугу и полностью становится другим человеком, был идеально подходит для адаптации этого эксцентричного австрийского композитора, чья жанровая работа исследует идеи идентичности.Иммерсивная постановка, поставленная Английской национальной оперой в Young Vic, использовала фильм, щебечущую электроакустическую музыку и ужасающий андрогинный голос Дэвида Мосса, чтобы еще больше запутать ситуацию. JL
Прочтите наш обзор | Послушайте произведение

12

Унсук Чин

Концерт для виолончели (2009)

Серия концертов для западных и восточных сольных инструментов проходит как позвоночник в оркестровой музыке Унсук Чин. Но работа для виолончели, пожалуй, самая оригинальная и забавно сбивающая с толку из всех из них, состоит из четырех блестящих частей, которые никогда не вполне соответствуют типу, но при этом делают все, что ожидается от концерта, свежо и нетрадиционно. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

11

Джеральд Барри

Важность быть серьезным (2012)

С ролью леди Брэкнелл, отведенной басу, ссора между Гвендолен и Сесили, проходящая через мегафоны и сопровождаемая разбитыми стеклами, и многое другое. из текста, доставленного с пулеметной скоростью, этот оперный взгляд на Оскара Уайльда не для слабонервных. Но каким-то образом он блестяще передает абсурдность пьесы, добавляя слой сюрреализма, который полностью принадлежит Барри. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

10

John Luther Adams

Become Ocean (2013)

Монументальный оркестровый палиндром, который сделал Джона Лютера Адамса всемирно известным композитором, представляет собой захватывающее изображение воды в неотразимых движениях в традициях музыки Вагнера , Дебюсси и Сибелиус. Но намерение Адамса — это гораздо больше, чем простое описание — это предупреждение о том, что ждет нас и наши моря, если мы не заботимся о них. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

Остроумие… Хаширигаки. Фотография: Тристрам Кентон / The Guardian

9

Хайнер Геббельс

Хаширигаки (2000)

Роман Гертруды Стайн, японская народная музыка и альбом Beach Boys «Звуки домашних животных» — не самые очевидные источники одного из уникальных произведений Геббельса. личные слияния слов, музыки и изображения. Но, как это часто бывает в его театральных пьесах, самые невероятные ингредиенты волшебным образом сочетаются, создавая остроумный, инклюзивный драматический мир, непохожий на любой другой, со звуками 1960-х, противопоставляющими бессвязный сюрреализм Штейна. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте запись на YouTube

8

Джонатан Харви

Струнный квартет № 4 (2003)

Для живой электроники и струнного квартета это произведение 2003 года написано циклами, а не движениями, с идеей умирания, обновления и продолжение. Харви экспериментирует с технологиями, чтобы открыть новые слуховые возможности и сохранить традиционную форму. Он написал все свои квартеты для Arditti, зная, что они справятся с любой задачей, которую он им поставил.Результат красноречив и лиричен. FM
Прочитать обзор | Послушайте работу

7

Луи Андриссен

La Commedia (2009)

После сотрудничества с режиссерами Робертом Уилсоном и Питером Гринуэем над предыдущими сценическими работами Андриссен обратился к Хэлу Хартли для создания своей «пятичастной кинооперации». серия размышлений над эпизодами из «Божественной комедии» Данте. Фильм Хартли был частью оригинальной постановки, но чудесная многоязычная партитура Андриссена с множеством исторических отсылок и ярким сочетанием джаза и фолк-музыки стоит особняком. AC
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

Завораживающий… Кайджа Саариахо. Фотография: Philippe Merle / AFP / Getty Images

6

Kaija Saariaho

L’Amour de Loin (2000)

Первая опера финского происхождения Саариахо, премьера которой состоялась в Зальцбурге в 2000 году, расположена во Франции XII века. навязчивая история о поисках трубадура идеализированной любви, а также о размышлениях о жизни, тоске и смерти. Основанная на La Vida breve Джофра Руделя на либретто франко-ливанского писателя Амина Маалуфа, музыка имеет средневековые и ближневосточные отголоски, но переливается характерным и завораживающим голосом Саариахо. FM
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

5

Thomas Adès

The Tempest (2003)

Это начинается с геометрического шторма и заканчивается утешительной чаконой. «Буря» Томаса Адеса стала катализатором его создания музыкального языка, который одновременно и хорошо знаком, и заманчиво странен. Это произведение сразу же оправдало ожидания относительно того, что Адес будет делать со всеми ресурсами Королевского оперного театра во время его премьеры в 2004 году, и превзошло их. TS
Прочтите наш обзор | Слушайте на Spotify

4

Дьёрдь Куртаг

Fin de Partie (2018)

Хотя часто казалось, что Куртаг так и не завершит оперу из «Конечной игры» Сэмюэля Беккета, которой он был одержим более полувека, это в итоге появился в 93-м году композитора. Строгий, предельно точный перевод оригинала, в основном речитатив, усиленный типично лаконичным, жилистым оркестровым письмом.Это квинтэссенция бескомпромиссно прямой музыки, которую Куртаг сочинял на протяжении всей своей карьеры. AC
Прочтите наш обзор | Смотрите постановку

3

Харрисон Биртвистл

Минотавр (2008)

После опер о Панче, Орфее, Гавейне и Кинг-Конге главный герой «Минотавра», получеловек-полубык, пожалуй, наиболее симпатизирует «Биртвистлу». герои ». Его сцена смерти, созданная специально для баса Джона Томлинсона, представляет собой величественную оперную сцену, кульминацию произведения, в котором вспышки оркестрового насилия компенсируются музыкой лирической красоты и острой прозрачности. AC
Прочтите наш обзор.

Захватывающий… Барбара Ханниган и Кристофер Пёрвс в фильме «Написано на коже» в Королевском оперном театре в Лондоне. Фотография: Тристрам Кентон / The Guardian

2

Джордж Бенджамин

Написано на коже (2012)

Первая полномасштабная опера Джорджа Бенджамина, написанная Мартином Кримпом, вышла в 2012 году, казалось бы, вне времени во всех смыслах, ее в конечном итоге ужасная история рассказано современной публике захватывающе через напряженную, точную и часто сияюще красивую партитуру.Продуманная постановка Кэти Митчелл была только началом: с тех пор ни одна опера не ставила столько разных постановок в таком большом количестве театров. EJ
Прочтите наш обзор | Посмотреть постановку

1

Ханс Абрахамсен

Позвольте мне рассказать вам (2013)

Когда начался 21 век, идея о том, что Ганс Абрахамсен сочинит один из шедевров следующих 20 лет, казалась экстраординарной. В то время почти десять лет из его музыки было мало слышно — он пережил творческий кризис, который с тех пор описал как «парализованный белой бумагой», от которого он в конце концов избавился, сочинив серию аранжировок. как его собственных ранних партитур, так и произведений других авторов, в том числе Баха и Дебюсси.

Родившийся в 1952 году в Копенгагене, Абрахамсен начал свою карьеру в составе группы молодых датских композиторов, которые отреагировали на то, что они считали чрезмерной сложностью европейской новой музыки, которую они слышали, и которые стремились к более простому стилю. Он исследовал минимализм и какое-то время учился у Дьёрдь Лигети, и вскоре зарекомендовал себя как один из молодых европейских композиторов, за которым стоит наблюдать. Его произведения в 1980-х годах получили признание таких дирижеров и композиторов, как Ганс Вернер Хенце и Оливер Кнуссен.После раннего успеха наступило долгое молчание — он закончил всего одну короткую пьесу за восемь лет, но все же вернулся к композиции с фортепианным концертом, который он закончил в 2000 году, в котором он начал изобретать для себя совершенно оригинальный и совершенно личный звуковой мир. .

Этот список можно так же легко возглавить как произведение, впервые использовавшее этот недавно изобретенный мир, Schnee, необычную часовую ансамблевую пьесу из 2008 года, так и восхитительный цикл оркестровых песен Let Me Tell You, последовавший за ним пятью годами позже. .Сложные симметрии и микротональные каноны Шни определяют ледяной, хрупкий мир, который Абрахамсен наметил для себя и который в дальнейшем стал идеальной средой для настройки отрывков из одноименного романа Пола Гриффитса, который он создал для себя. песни.

Как и книга Гриффитса, «Позволь мне рассказать тебе» — это портрет Офелии, но тот, который рассказывает ее историю с ее точки зрения, а не с того, как она изображена в «Гамлете» Шекспира. Это оперная сцена, такая же, как и песенный цикл, одна из парящих строк и дрожащих пианиссимо, в которой используются заикающиеся повторения, stile concitato, которые Монтеверди ввел в оперу четыре столетия назад для обозначения гнева или беспокойства.Вокальные записи на удивление надежны. Трудно поверить, что это была первая крупномасштабная вокальная работа Абрахамсена, и она кажется идеально подходящей для сопрано Барбары Ханниган, для которой она была задумана, а также из-за ее драгоценной способности парить неземно и без усилий над иногда отвратительными, иногда восхитительно красивыми звуковыми ландшафтами. что оркестр создает под ней. Есть ощущение, как сказал Ханниган о цикле: «Музыка всегда была там», и ощущение того, что в «Let Me Tell You» есть что-то вневременное и совершенно неизбежное, придает ему особую силу. АС
Слушайте работу

^{Эта статья содержит партнерские ссылки, что означает, что мы можем заработать небольшую комиссию, если читатель перейдет по ссылке и совершает покупку. Вся наша журналистика независима и никоим образом не зависит от рекламодателей или коммерческих инициатив. Нажимая на партнерскую ссылку, вы соглашаетесь с установкой сторонних файлов cookie. Больше информации.}

NPR Classical 50: NPR

NPR Classical 50: NPR

The NPR Classical 50 Критик Тед Либби и радиоведущий Фред Чайлд рекомендуют 50 записей, без которых не должен остаться ни один фанатик или новичок.

Американский композитор Игорь Стравинский, родившийся в России, 1955 год. AFP / AFP / Getty Images скрыть подпись

переключить подпись AFP / AFP / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют «Весну священную» Стравинского

Леонард Бернштейн. Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют синюю рапсодию Гершвина

В заключительной части Четвертой симфонии Иоганнес Брамс высвобождает сдерживаемую волну эмоций. Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют Четвертую симфонию Брамса

Кэрол Лоуренс (справа) поет «I Feel Pretty» вместе с (слева направо) Элизабет Тейлор, Кармен Гутьеррес и Мэрилин Купер в оригинальной бродвейской записи 1957 года « West Side Story ». Фотоархив Sony Music / Фотоархив Sony Music скрыть подпись

переключить подпись Фотоархив Sony Music / Фотоархив Sony Music Тайм Лайф картинки / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют концерт Бартока для оркестра

Пианист Ван Клиберн Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Getty Images

Тед Либби рекомендует Концерт Чайковского для фортепиано с оркестром No.1

Виолончелистка Жаклин Дю Пре во время записи с сэром Джоном Барбиролли. Дэвид Фаррелл / EMI Classics скрыть подпись

переключить подпись Дэвид Фаррелл / EMI Classics

Тед Либби и Лиза Симеоне рекомендуют музыку Элгара

Соната для фортепиано си минор, S.178 (LW A179)

Оригинальный плакат, рекламирующий премьеру фильма «Волшебная флейта » 30 сентября 1791 года, выставлен в доме, где родился Вольфганг Амадей Моцарт. Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Getty Images

Die Zauberflote (Волшебная флейта), опера, К.620

Сопрано Джесси Норман. Кэрол Фридман скрыть подпись

переключить подпись Кэрол Фридман

Vier letzte Lieder (Четыре последних песни), для сопрано и оркестра, o.Соч. 150 (ТрВ 296, АВ 150)

Монтеверди Поппеа . Wikimedia Commons скрыть подпись

переключить подпись Wikimedia Commons

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют вечерню Монтеверди

Карикатура на композитора Рихарда Вагнера. Архив Халтона / Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Архив Халтона / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют увертюры Вагнера

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют Симфонию Малера No.2

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют Мессию Генделя

Джеффри Херман / любезно предоставлено художником

Тед Либби и Лиза Симеоне рекомендуют музыку Райха

для 18 музыкантов

Портрет немецкого композитора Людвига ван Бетховена работы немецкого художника Йозефа Карла Стилера, около 1820 года. Коллекция Кина / Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Коллекция Кина / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют фортепианные сонаты Бетховена

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют лютневые песни Доуленда

Тед Либби и Лиза Симеоне рекомендуют Schubert’s

Winterreise

Бруклинский мост в 1884 году.Дворжак прибыл в Нью-Йорк только шесть лет спустя, чтобы возглавить Национальную консерваторию музыки. Архив Халтона / Getty Images скрыть подпись

переключить подпись Архив Халтона / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют Симфонию Дворжака No.9

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют

Бранденбургские концерты Баха Архив Халтона / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют Фантастическую симфонию Берлиоза

MPI / Stringer / Getty Images

Тед Либби и Фред Чайлд рекомендуют Симфонию Шостаковича No.5

Загрузить больше историй

10 произведений классической музыки, которые должен знать каждый

Вы из тех, кто ценит разные жанры музыки?

Знакомство с классикой любого жанра является фактором общей культурной осведомленности. В джазе есть Round Midnight Телониуса Монка. В стране, Johnny Cash Ring of Fire . В R&B каждый должен знать Глэдис Найт и Пипс Midnight Train to Georgia . Juicy от Notorious B.I.G. — это классика хип-хопа; Billie Jean Майкла Джексона — одна из величайших поп-песен всех времен.

Классическая музыка — более крепкий орешек, не только потому, что у нее многовековая история, но и потому, что кажется, что любители классической музыки принадлежат к исключительному клубу, который использует такие термины, как партита, зингшпиль и фон Караян.

Для любопытных классиков преодоление таинственности может быть проблемой, но мы здесь, чтобы помочь.Не будьте тем человеком, который говорит, что их любимое произведение классической музыки — Призрак оперы . Познакомьтесь со следующими произведениями и создайте свой фундамент классической музыки.

Вот 10 произведений классической музыки, которые должен знать каждый.

1. J.S. Бах: Сюита № 1 соль мажор для виолончели без аккомпанемента, BWV 1007

Каждый должен знать хотя бы одно произведение И.С. Баха, которого многие считают величайшим композитором в истории. Сюита No.1 для виолончели без аккомпанемента — это 15-минутная перегонка всего, что делает музыку Баха потрясающей: изобретательных гармоний, умопомрачительного контрапункта и — всегда у Баха — чего-то духовного.

Первая часть, Prelude, хорошо известна по использованию в кино, но все семь частей объединены, чтобы создать разнообразное, удовлетворительное и даже превосходное впечатление от прослушивания.

Мы неравнодушны к этим отрывкам, сыгранным Йоханнесом Мозером:

Дальнейшее прослушивание:

J.С. Бах: Партита до минор, BWV 826
J.S. Бах: Оркестровая сюита № 3 ре мажор, BWV 1068
Гендель: Музыка на воде и музыка для королевского фейерверка

2. Людвиг ван Бетховен: Симфония № 5 до минор, соч. 67

«Да-да-да-даааа». Вступительная тема Пятого спектакля Бетховена стала клише поп-культуры, означающим, что «все стало реальностью». (Биограф Бетховена описал это более поэтично, сказав: «Вот как судьба стучится в вашу дверь»).

Но эта симфония может предложить больше, помимо этих зловещих вступлений.Интенсивность первой части отбрасывает длинную тень на медленную вторую часть, чей сладкий лиризм никогда не может сиять надолго. Третья часть невероятно напряжена и ведет прямо — драматично — к четвертой части, которая, вероятно, является самой героической музыкой из когда-либо написанных (24:40 на видео ниже). Сделайте это своим саундтреком в следующий раз, когда вы пробежите 10 километров, сдайте курсовую работу вовремя, найдите джинсы, которые подходят, не имеют впадин и т. Д.

Наслаждайтесь этим выступлением от BBC Proms 2012:

Дальнейшее прослушивание:

Бетховен: Концерт для фортепиано с оркестром No.1
Моцарт: Симфония № 40 соль минор
Берлиоз: Фантастическая симфония, соч. 14

3. Франц Шуберт: «Du bist die Ruh», D. 776

Певцы и аккомпаниаторы часто говорят, что сольный концерт — это чистейшая форма музыкального самовыражения. «Art song — это музыкальная драма без какой-либо упаковки», — объясняет совместная пианистка Эрика Свитцер. «Это подходит для тех моментов в жизни, когда вы жаждете чистого, чистого музыкального общения. Художественная песня для оперы — то же самое, что Адель для Мадонны: певица и автор песен классического мира.»

В репертуаре классической песни преобладают немецкие песни и французские мелодии, и удовольствие от музыки определенно усиливается пониманием слов.

Нет лучшего места для начала, чем Шуберт. Он написал более 600 песен и песен. Среди них нет ни одного дурака. Вот его самая популярная песня в исполнении меццо-сопрано Бернарды Финк и пианиста Герольда Хубера. (Текст и перевод можно найти здесь.)

Дальнейшее прослушивание:

Duparc: » Chanson triste »
Шуман:« Mondnacht »
Чайковский:« Почему? »

4.Иоганнес Брамс: Фортепианный квартет № 1, соч. 25

Камерная музыка иногда получает плохую репутацию. В нем нет ни мощи оркестровой музыки, ни повествовательной поддержки текстов, ни дирижера со звездной привлекательностью, чтобы придать ему индивидуальность. Некоторые говорят, что это скучно. Это не.

Как и их кузены, играющие джаз, камерные музыканты должны быть полностью настроены друг на друга, и здесь нет никакой защиты. Каждый игрок жизненно важен для успеха выступления. Эта энергия передается аудитории.

В камерной музыке Брамса — особенно в произведениях с фортепиано — есть отличные мелодии и импульс, которые заставят вас встать с места. Четвертая часть его первого фортепианного квартета — это проявление силы.

Дальнейшее прослушивание:

Бетховен: Струнный квартет фа мажор, соч. 59, No. 1
Моцарт: Квинтет для кларнета и струнных ля мажор, K. 581
Брамс: Соната для кларнета и фортепиано, соч. 120, No. 1

5. Фредерик Шопен: Ноктюрн си-бемоль минор, соч.9, No. 1

Эксперты сходятся во мнении, что Шопен был поэтом фортепиано. Янина Фиалковска, одна из ведущих пианистов Шопена в мире, говорит: «Нет композитора, который написал бы для этого инструмента лучше». Шопен плетет такие прекрасные поющие мелодии, что пианист Антон Куэрти называет его «величайшим оперным композитором, который никогда не писал оперы».

Если вы когда-нибудь влюблялись, гребли на каноэ по озеру при лунном свете, рано вставали, чтобы полюбоваться восходом солнца, ели устрицу, только что выловленную из моря, плакали во время фильма или когда ребенок обнимал ваш мизинец пальцами , то нужно обратить внимание на Шопена.Он тебя понимает.

Дальнейшее прослушивание:

Шопен: Скерцо № 1 си минор, соч. 20
Шопен: Ноктюрн до-диез минор, соч. 27, No. 1
Шопен: Концерт для фортепиано с оркестром № 2 фа мажор

6. Жорж Бизе: Кармен

Опера — чашка чая не для всех. Как сказал Уилл Трумэн из Will & Grace Уилл Трумэн сказал: «Я люблю оперу. Одевался, тусовался с потрясающими людьми, пил шампанское. Если бы не проклятая музыка, это был бы идеальный вечер!»

Если не считать анекдотов, каждый должен знать хотя бы одну оперу, и нет ни одной из более крупных арий, дуэтов и ансамблей, чем «Кармен » Бизе.Музыка великолепна, и это тоже отличное театральное произведение.

Заглавная роль — потрясающее средство для успешной певицы. Кармен идет в такт своему барабану. Не заинтересованная в моногамных отношениях с пораженным солдатом Доном Хосе, она предпочитает богемную жизнь и беспричинные вещи, которые у нее есть с тореадором Эскамильо. Как всегда в опере, любовный треугольник плохо кончается, но звучит красиво.

Акт 1 Кармен Хабанера — ее решающий момент:

Дальнейшее прослушивание:

Дуэт: «Parle-moi de ma mère» (Акт 1)
Ария: «Вот тост, je peux vous le rendre» Акт 2)
Квинтет: «Nous avons en tête une affaire» (Акт 2)
Ария: «La fleur que tu m’avais jetée» (Акт 2)

7.Рихард Штраус: Также Sprach Zarathustra, Op. 30

Вы уже знаете его вступительные такты от саундтрека к фильму 2001: Космическая одиссея , но стоит ознакомиться со всеми 30 минутами симфонической поэмы Штрауса Также sprach Zarathustra (Так говорил Заратустра).

Штраус был новатором, который писал картины оркестровой палитрой в отличие от всех, кто был до него. Симфонические стихи, которые он сочинил в период с 1880 года до начала Первой мировой войны, были поразительно современными произведениями.

На самом деле вам не нужно все это знать, чтобы оценить Также sprach Zarathustra , хотя полезно понимать, что Штраус основывал свою работу на одноименном романе философа Фридриха Ницше. В нем Ницше вводит понятие Übermensch, героического, самоуправляемого человека, к которому стремится человечество.

Если все это звучит чересчур, по крайней мере, это объясняет эпическую природу музыки. Это огромная тренировка для любого оркестра, и играть, наверное, так же весело, как и слушать.

Дальнейшее прослушивание:

Штраус: Дон Хуан, соч. 20
Штраус: Альпийская симфония, соч. 64
Вагнер: Прелюдия к «Тристану и Изольде»

8. Сергей Рахманинов: Концерт для фортепиано № 2 до минор, соч. 18

Концерт — элегантное название произведения для солиста-инструментальщика в оркестровом сопровождении. Есть много замечательных концертов: Концерт для скрипки Сибелиуса, Концерт для виолончели Дворжака и Концерт для фортепиано с оркестром Чайковского — фавориты среди молодых музыкантов, принимающих участие в музыкальных конкурсах.

Мы рекомендуем Концерт № 2 Рахманинова для фортепиано с оркестром как хорошее место для начала знакомства с концертным репертуаром. (Назовите это «Рах 2» и звучите как профессионал.) Рахманинов написал эту работу примерно в то же время, когда Штраус написал Также развил Заратустру , но эти две работы — разные миры.

Музыка Рахманинова беззастенчиво пышна и мелодична, у пианиста-солиста есть множество возможностей произвести впечатление мощными аккордами и ослепительной работой пальцев. Великолепная тема медленной второй части (12:25 на видео ниже) — одна из величайших мелодий в истории.Можете ли вы назвать знаменитую балладу о власти, которая позаимствовала его?

Дальнейшее прослушивание:

Брамс: Концерт для скрипки ре мажор, соч. 77
Сен-Санс: Концерт для виолончели ля минор, соч. 33
Чайковский: Концерт № 1 для фортепиано с оркестром си-бемоль минор, соч. 23

9. Аарон Копленд: Аппалачская весна

Было ли когда-нибудь музыкальное произведение, которое лучше отражало бы суть нации, чем балет Копленда 1944 года, Аппалачская весна ? Самая известная работа Копленда появилась в середине американского века, известного как 20-е, и вызывает в воображении образы не только огромных пшеничных полей и дикой границы, но также современного города и эпохи автомобилей.Короче говоря, музыка создает картину современной американской жизни.

Начальные моменты партитуры изображают пробуждение — возможно, восход солнца или, может быть, пробуждение целой нации, — которое никогда не перестает вызывать у вас дрожь.

Дальнейшее прослушивание:

Стравинский: Весна священная
Бернштейн: Вестсайдская история
Флойд: «Ain’t it a Pretty Night» от Сюзанны

10. Энн Саутэм: Glass Houses

Каждый должен знать канадскую классическую музыку, и « Glass Houses » Энн Саутэм, набор сольных фортепианных пьес, созданных в честь минималистского композитора Филипа Гласса, является идеальным введением.Стиль минимализма Саутэм более сложен и орнаментален, чем стиль ее американского коллеги. Хотя музыка сложная, она легко ложится на ухо.

Пианистка Кристина Петровска-Килико записала полное произведение и с разрешения композитора выпустила исправленную версию в 2011 году.

Дальнейшее прослушивание:

Мозетич: Открытки с неба

Классические произведения — APA 7-е Руководство по стилю издания

Classical Works — Руководство по стилю 7-го издания APA — LibGuides в Indian River State College Перейти к основному содержанию

Похоже, вы используете Internet Explorer 11 или старше.Этот веб-сайт лучше всего работает с современными браузерами, такими как последние версии Chrome, Firefox, Safari и Edge. Если вы продолжите работу в этом браузере, вы можете увидеть неожиданные результаты.

Форматирование ваших ссылок

После того, как вы напечатаете ссылки на справочной странице, вам нужно будет сделать висячий отступ и сделать двойной интервал для всего списка ссылок.В Microsoft Word выделите ссылки от A до Z, затем найдите функцию абзаца на ленте Word. Выберите «Вывешивание» под «Отступом» и «Двойное под шагом». Инструкции по выполнению этого действия на Mac или в Документах Google см. На вкладке «Форматирование ссылок».

Список литературы

Аббас, Д. Д. Ф. (2020). Манипулирование аудиовизуальными средствами в образовательном процессе в университетском колледже Аль-Хилла. Международный журнал психосоциальной реабилитации, 24 (3), 1248-1263.https://doi.org.db12.linccweb.org/10.37200/ijpr/v24i3/pr200875

Классические произведения

Тип материала	Ссылка в тексте	Каталожный номер
		Основные греческие и римские классические произведения или классические религиозные произведения требуют цитирования только в тексте, вам не нужно включать полную ссылку в свой список литературы.
Классическое греческое произведение, дата неизвестна Библия	(Гомер, пер., 1996). (Версия короля Якова).	Укажите автора оригинала и дату перевода. или Дайте название используемой вами версии, а затем слово Версия .
Классическая работа, известная дата	Остин (1813/2003).	Остин Дж. (2003). Гордость и предубеждение. Barnes & Noble Classics. Если вы знаете дату создания текста, укажите исходную дату, а также дату авторского права в тексте; используйте дату авторских прав на издание, которое вы используете, для полной ссылки в конце статьи.
Библия	Иов 2: 7-10 (Версия короля Якова).	Используйте номера, соответствующие книге, главе, стиху, строке или песне для классических произведений, а не номера страниц, поскольку они являются стандартными для всех версий.

Классическая литература — трагедия, лирическая поэзия, новая комедия, сатира, эпическая поэзия ..

Что такое классическая литература? Различие между «классическая литература» и «классическая литература» несколько неопределенное и произвольное, а термины часто используются как взаимозаменяемые.Но, в то время как «классический» обычно означает качество, превосходство и вневременность, «классический» обычно имеет дополнительные коннотации древности, архетипа и влияния. Само определение того, что составляет «литературу». само по себе в значительной степени субъективно, однако ученые всегда расходились во мнениях относительно того, когда письменный учет стал больше похож на «литературу», чем на что-либо еще. На практике классическая литература обычно относится к литературе Древней Греции, а также Золотого и Серебряного веков Рима, хотя классические литературные традиции существуют и во многих других древних цивилизациях.Этот ярлык иногда используется для описания английской и французской литературы 17-го и начала 18-го века (Шекспир, Спенсер, Марлоу, Джонсон, Расин, Мольер и др.), Но я не следовал этой практике и ограничился древними. (до средневековья) тексты, в основном между 1000 г. до н.э. и 400 г. н.э. Я также не предпринял никаких попыток подробно описать огромное творчество древних китайских, индийских, персидских и т. Д. Текстов, которые выходят за рамки этого руководства, тем самым еще больше сужая его круг ведения до того, что можно было бы назвать «западным». классическая литература ». Точно так же я сознательно игнорировал многие другие известные и влиятельные классические работы, такие как произведения Платона, Аристотеля, Геродота, Плутарха и других, из-за их философских, религиозных, критических или исторических наклонностей. Они тоже занимают почетное место в классической литературе , но я не счел уместным описывать их здесь.

Уже существует множество веб-сайтов, посвященных как классической литературе, так и классической литературе.Это просто еще один такой вариант, хотя я намерен на этом веб-сайте сделать упор на простоту использования, а не на авторитетность , и перспективу , а не на полноту .

Он предназначен для использования в качестве руководства базового уровня по некоторым из самых известных и любимых произведений классической прозы , поэзии и драмы Древней Греции, Рима и других древних цивилизаций, и предназначен для получения ответов базового уровня, таких как «О , это был ЕГО? » и «Я думал, что все греческие пьесы были трагедиями» и «Так ты имеешь в виду, что она была лесбиянкой?»

Я сам не авторитет в литературе, а просто заинтересованный мирянин, который в прошлом был сбит с толку и смущался вопросами вроде:

• Когда писал Гомер? До или после таких людей, как Софокл и Еврипид?
• Было ли «Энеида» написано на латыни или по-гречески?
• «Троянские женщины» — это был Эсхил? Еврипид? Может быть, Аристофан?
• Я слышал о «Орестея» , я даже ВИДЕЛ его, но понятия не имею, кто на самом деле его написал.
• Я знаю, что Эдип женился на своей матери, но как ее звали? И при чем тут Антигона?

Помимо общего обзора основных классических традиций Древней Греции , Древнего Рима и других древних цивилизаций , я представил кратких биографий наиболее важных классических писателей и кратких резюме некоторых из их основных индивидуальных работ. Также имеется краткая справочная хронологическая шкала и алфавитный указатель авторов и отдельных произведений , а также указатель из важных символов , которые появляются в них (краткое описание главные персонажи в каждой крупной работе также описываются, когда вы наводите курсор мыши на более ярко-зеленые ссылки).

Наконец, есть поле поиска слева от каждой страницы, в котором вы можете искать любых авторов, работы, ключевые слова и т. Д.

В дополнение к ценности произведений сами по себе и их влияние на формирование западной культуры, я считаю, что определенное знакомство с классическими текстами помогает нам лучше понять более современную литературу и другое искусство , будь то бесчисленные классические аллюзии в Шекспире или более косвенные отсылки. в «Джойсе и Элиоте» — изображения легенд и историй в искусстве и классической музыке или современные обработки или реконструкции древних классических драм.

Тем не менее, я также твердо убежден, что знакомство может быть мимолетным, и что нет необходимости вдаваться в подробности древнегреческого оригинала, чтобы оценить захватывающие истории и полет воображения, которые они передали. вниз к нам. Тем не менее, для тех, у кого есть время и силы, у меня есть предоставленных ссылок на полные онлайн-переводы и языковые версии оригинальных работ описанных , а также список по крайней мере некоторых из онлайн-источников , которые я использовал при составлении этого Веб-сайт.

Наконец, я использовал на протяжении всего соглашения , показывая даты как г. до н.э. (до нашей эры), а не как г. до н. веские или гнусные политические причины.

История классического периода

Классический период

Даты классического периода в западной музыке обычно считаются датами между 1750 и 1820 годами.Однако термин классическая музыка используется в разговорном смысле как синоним западной художественной музыки, которая описывает множество западных музыкальных стилей с девятого века до наших дней, и особенно с шестнадцатого или семнадцатого по девятнадцатый. Эта статья о конкретном периоде с 1730 по 1820 год. ^[1]

Классический период находится между периодами барокко и романтизма. Самыми известными композиторами этого периода являются Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт; другие известные имена включают Луиджи Боккерини, Муцио Клементи, Антонио Солер, Антонио Сальери, Франсуа Жозеф Госсек, Иоганн Стамиц, Карл Фридрих Абель, Карл Филипп Эмануэль Бах и Кристоф Виллибальд Глюк.Людвиг ван Бетховен также считается либо композитором-романтиком, либо композитором, который был частью перехода к романтике.

Франц Шуберт — тоже нечто вроде переходной фигуры, как и Иоганн Непомук Хуммель, Мауро Джулиани, Фридрих Кухлау, Фернандо Сор, Луиджи Керубини, Ян Ладислав Дуссек и Карл Мария фон Вебер. Период иногда называют эпохой венской классики или классицизма (немецкий: Wiener Klassik ), поскольку Вольфганг Амадей Моцарт, Йозеф Гайдн, Антонио Сальери и Людвиг ван Бетховен когда-то работали в Вене. и там родился Франц Шуберт.

Дверь в стиле классицизма в Оломоуце, Чехия. Образец архитектуры классицизма.

Классицизм

В середине 18 века Европа начала двигаться к новому стилю в архитектуре, литературе и искусстве, широко известному как классицизм. Этот стиль стремился подражать идеалам классической античности, особенно классической Греции. Будучи все еще тесно связанным с придворной культурой и абсолютизмом, с его формальностью и упором на порядок и иерархию, новый стиль был также «чище».Он предпочитал более четкое разделение между частями, более яркие контрасты и цвета и простоту, а не сложность. Кроме того, типичный размер оркестров стал увеличиваться.

Замечательное развитие идей «натурфилософии» уже утвердилось в общественном сознании. В частности, в качестве парадигмы была взята физика Ньютона: структуры должны быть хорошо обоснованы аксиомами, а также хорошо сформулированы и упорядочены. Этот вкус к структурной ясности начал влиять на музыку, которая отошла от многослойной полифонии периода барокко к стилю, известному как гомофония, в котором мелодия воспроизводится поверх подчиненной гармонии.Этот ход означал, что аккорды стали гораздо более распространенной особенностью музыки, даже если они нарушали мелодическую плавность отдельной части. В результате тональная структура музыкального произведения стала более слышимой.

Новый стиль также поощрялся изменениями в экономическом укладе и социальной структуре. По мере развития 18-го века дворянство становилось основными покровителями инструментальной музыки, в то время как общественный вкус все больше предпочитал комическую оперу. Это привело к изменениям в способе исполнения музыки, наиболее важным из которых стал переход к стандартным инструментальным группам и снижение важности континуо — ритмической и гармонической основы музыкального произведения, которое обычно исполняет музыкант. клавиатура (клавесин или орган) и, возможно, несколько других инструментов.Один из способов проследить упадок континуо и его фигурных аккордов — исследовать исчезновение термина obbligato , означающего обязательную инструментальную часть в произведении камерной музыки. В композициях в стиле барокко к континуо можно было добавить дополнительные инструменты по желанию; в классических композициях все части были специально отмечены, хотя не всегда обозначались как , поэтому термин «облигато» стал излишним. К 1800 году он практически вымер.

Экономические изменения также повлияли на изменение баланса доступности и качества музыкантов.В то время как в позднем барокко крупный композитор мог использовать все музыкальные ресурсы города, силы, доступные в охотничьем домике, были меньше и более фиксированы по уровню их способностей. Это было стимулом к ​​тому, чтобы играть преимущественно простые партии, а в случае резидентской группы виртуозов — побуждением к написанию зрелищных идиоматических партий для определенных инструментов, как в случае с оркестром Мангейма. Вдобавок стремление к постоянному притоку новой музыки, перенесенное из барокко, означало, что произведения должны были исполняться в лучшем случае с одной репетицией.В самом деле, даже после 1790 года Моцарт пишет о «репетиции», имея в виду, что на его концертах будет только один концерт.

Поскольку полифоническая текстура больше не была основным направлением музыки (исключая раздел развития), а была единственной мелодической линией с аккомпанементом, больший акцент был сделан на обозначении этой линии для динамики и фразировки. Упрощение текстуры сделало такие инструментальные детали более важными, а также сделало использование характерных ритмов, таких как привлекающие внимание вступительные фанфары, ритм похоронного марша или жанр менуэта, более важным для установления и объединения тона одного движения. .

Формы, такие как концерт и соната, были более четко определены и получили более конкретные правила, тогда как симфония была создана в этот период (это обычно приписывается Йозефу Гайдну). Концерт гроссо (концерт для более чем одного музыканта) начал заменяться сольным концертом (концерт с участием только одного солиста), и поэтому стал уделять больше внимания способности конкретного солиста показать себя. Осталось, конечно, около общих концертов , самым известным из которых является Концертная симфония Моцарта для скрипки и альта ми-бемоль мажор.

Струнный квартет. Слева направо: скрипка 1, скрипка 2, виолончель, альт

Основные характеристики

Классическая музыка имеет более легкую и ясную структуру, чем музыка барокко, и менее сложна. В основном это омофоничность — мелодия выше аккордового аккомпанемента (но контрапункт отнюдь не забыт, особенно в более поздний период). В нем также используется галантный стиль классического периода, который противопоставляется строгим ограничениям стиля барокко, подчеркивая легкую элегантность вместо достойной серьезности и впечатляющего величия барокко.

Разнообразие и контраст внутри произведения стали более выраженными, чем раньше. Разнообразие тональности, мелодий, ритмов и динамики (с использованием crescendo, diminuendo и sforzando ), а также частые смены настроения и тембра были более обычными в классический период, чем в барокко. Мелодии, как правило, были короче, чем в музыке барокко, с четкими фразами и четко обозначенными каденциями. Оркестр увеличился в размерах и диапазоне; континуо клавесина вышло из употребления, и деревянные духовые стали самостоятельной секцией.В качестве сольного инструмента клавесин был заменен фортепиано (или фортепиано). Ранняя фортепианная музыка была легкой по текстуре, часто с аккомпанементом баса Альберти, но позже она стала богаче, звучнее и мощнее.

Большое внимание уделялось инструментальной музыке — основными видами были соната, трио, струнный квартет, симфония, концерт, серенада и дивертисмент. Форма сонаты развивалась и стала самой важной формой. Он использовался для создания первой части большинства крупномасштабных произведений, а также других движений и отдельных пьес (например, увертюр).

История

Переходный период между барокко и классикой ок. 1730–1760

Глюк, деталь портрета Йозефа Дюплесси, датированного 1775 годом (Художественно-исторический музей, Вена)

Сначала новый стиль принял формы барокко — тройной da capo aria и sinfonia и Concerto — но составленный с более простыми частями, более заметным орнаментом и более выразительным разделением на части. Однако со временем новая эстетика привела к радикальным изменениям в том, как собирались части, и изменились основные макеты.Композиторы этого периода стремились к драматическим эффектам, ярким мелодиям и более четким текстурам. Итальянский композитор Доменико Скарлатти сыграл важную роль в переходе от барокко к классике. Его уникальный композиционный стиль тесно связан со стилем раннего классицизма. Он наиболее известен тем, что написал более пятисот одночастных клавишных сонат. В Испании Антонио Солер также написал ценные клавишные сонаты, более разнообразные по форме, чем у Скарлатти, с некоторыми пьесами в трех или четырех частях.

Музыка барокко обычно использует множество гармонических фантазий и не уделяет так много внимания структуре музыкального произведения, музыкальным фразам и мотивам. В классический период гармонические функции проще. Однако структура произведения, фразы и мотивы в мелодиях гораздо важнее, чем в эпоху барокко.

Еще одним важным разрывом с прошлым стал радикальный пересмотр оперы Кристофа Виллибальда Глюка, который избавился от множества слоев и импровизационного орнамента и сосредоточился на точках модуляции и перехода.Сделав эти моменты, когда гармония меняется, более акцентированной, он обеспечил мощные драматические сдвиги в эмоциональной окраске музыки. Чтобы выделить эти эпизоды, он использовал изменения в инструментах, мелодии и моде. Среди самых успешных композиторов своего времени Глюк породил множество эмуляторов, одним из которых был Антонио Сальери. Их упор на доступность принес огромный успех в опере и вокальной музыке в более широком смысле: песнях, ораториях и припевах. Они считались наиболее важными видами музыки для исполнения и поэтому пользовались наибольшим успехом в общественном мнении.

Фаза между барокко и расцветом классики, с ее широким сочетанием конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий. Иногда его называют Galant , Rococo , или доклассического , а иногда раннего классического ^{[ необходима ссылка ]} . Это период, когда некоторые композиторы, все еще работающие в стиле барокко, процветают, хотя иногда их считают скорее прошлым, чем настоящим — Бах, Гендель и Телеман, все сочиняли далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно находится в по восходящей.Музыкальная культура оказалась на перепутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового. Это одна из причин, по которым К. П. Э. Баха пользовались таким большим уважением: он достаточно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новой одежде с увеличенным разнообразием форм.

Около 1750–1775

Портрет Гайдна работы Томаса Харди, 1792

К концу 1750-х годов процветающие центры нового стиля были в Италии, Вене, Мангейме и Париже; Были сочинены десятки симфоний и были оркестры артистов, связанных с театрами.Опера или другая вокальная музыка была характерной чертой большинства музыкальных мероприятий, причем концерты и симфонии (возникающие из увертюры) служили инструментальными интермедиями и вступлениями к операм и церковным службам. В течение классического периода симфонии и концерты развивались и исполнялись независимо от вокальной музыки.

«Нормальный» ансамбль — совокупность струн, дополненных ветрами — и движения особого ритмического характера были созданы к концу 1750-х годов в Вене.Однако длина и вес произведений по-прежнему были установлены с некоторыми особенностями барокко: отдельные движения по-прежнему были сосредоточены на одном «аффекте» или имели только одну резко контрастирующую среднюю часть, а их длина не была значительно больше, чем у механизмов в стиле барокко. Еще не было четко сформулированной теории о том, как сочинять в новом стиле. Настал момент для прорыва.

Многие считают, что этот прорыв был совершен К. П. Э. Бахом, Глюком и некоторыми другими. Действительно, С.П. Э. Баха и Глюка часто считают основоположниками классического стиля.

Первым великим мастером стиля был композитор Йозеф Гайдн. В конце 1750-х годов он начал сочинять симфонии, а к 1761 году он составил триптих ( Утро , Полдень и Вечер ) в современном стиле. В качестве вице-капельмейстера, а затем и капельмейстера, его творчество расширилось: только в 1760-х годах он сочинил более сорока симфоний. И хотя его слава росла по мере того, как его оркестр расширялся, а его сочинения копировались и распространялись, его голос был лишь одним из многих.

Хотя некоторые предполагают, что его затмили Моцарт и Бетховен, трудно переоценить центральную роль Гайдна в новом стиле и, следовательно, в будущем западной художественной музыки в целом. В то время, до превосходства Моцарта или Бетховена и с Иоганном Себастьяном Бахом, известным в первую очередь ценителям клавишной музыки, Гайдн достиг в музыке такого места, которое поставило его над всеми другими композиторами, за исключением, возможно, Джорджа Фридриха Генделя. Он взял существующие идеи и радикально изменил их функционирование, заработав титулы «отец симфонии» и «отец струнного квартета».

Одной из сил, побудивших его продвигаться вперед, было первое движение того, что позже будет называться романтизмом — Sturm und Drang , или фаза «шторма и стресса» в искусстве, короткий период, когда очевидна эмоциональность. было стилистическим предпочтением. Соответственно, Гайдн хотел более драматического контраста и более эмоционально привлекательных мелодий, с отточенным характером и индивидуальностью. Этот период исчез в музыке и литературе: однако он повлиял на то, что пришло позже, и в конечном итоге станет компонентом эстетического вкуса в последующие десятилетия.

Прощальная симфония , № 45 фа минор, иллюстрирует интеграцию Гайдном различных требований нового стиля с удивительно резкими поворотами и длинным адажио в завершение произведения. В 1772 году Гайдн завершил свой набор из шести струнных квартетов Opus 20, в котором он применил полифонические техники, собранные им из предыдущей эпохи, чтобы обеспечить структурную согласованность, способную удержать вместе его мелодические идеи. Для некоторых это знаменует начало «зрелого» классического стиля, в котором период реакции на сложность позднего барокко сменился периодом интеграции элементов барокко и классики.

Около 1775–1790

Вольфганг Амадей Моцарт, посмертная картина Барбары Крафт в 1819 году

Гайдн, проработавший более десяти лет музыкальным руководителем принца, имел гораздо больше ресурсов и возможностей для сочинения, чем большинство других, а также способность формировать силы, которые будут играть его музыку. Эта возможность не была упущена, так как Гайдн, довольно рано начинавший свою карьеру, стремился продвигать технику построения идей в музыке.Его следующим важным прорывом стали струнные квартеты Opus 33 (1781), в которых мелодические и гармонические роли переходят между инструментами: часто на мгновение неясно, что такое мелодия, а что гармония. Это меняет способ работы ансамбля между драматическими переходными моментами и кульминационными моментами: музыка течет плавно и без явных перерывов. Затем он взял этот интегрированный стиль и начал применять его к оркестровой и вокальной музыке.

Дар Гайдна музыке был способом сочинения, способом структурирования произведений, который в то же время соответствовал основной эстетике нового стиля.Однако более молодой современник, Вольфганг Амадей Моцарт, привнес свой гений в идеи Гайдна и применил их к двум основным жанрам того времени: опере и виртуозному концерту. В то время как Гайдн провел большую часть своей трудовой жизни придворным композитором, Моцарт хотел общественного успеха в концертной жизни городов. Это означало оперу, и это значило виртуозное выступление. Гайдн не был виртуозом на международном гастрольном уровне; при этом он не стремился создавать оперные произведения, которые можно было бы разыгрывать в течение многих вечеров перед большой аудиторией.Моцарт хотел и того, и другого. Более того, Моцарт также имел склонность к большему количеству хроматических аккордов (и большим контрастам в гармоническом языке в целом), большей любви к созданию беспорядка мелодий в одном произведении и большей итальянской чувствительности в музыке в целом. Он нашел в музыке Гайдна, а затем в своем исследовании полифонии Баха, средства дисциплинировать и обогатить свои способности.

Семья Моцарта около 1780 года. Портрет на стене матери Моцарта.

Моцарт быстро привлек внимание Гайдна, который приветствовал нового композитора, изучил его произведения и считал молодого человека своим единственным истинным сверстником в музыке.В Моцарте Гайдн обнаружил более широкий диапазон инструментовки, драматического эффекта и мелодического ресурса; отношения обучения двигались в двух направлениях.

Прибытие Моцарта в Вену в 1780 году ускорило развитие классического стиля. Там Моцарт впитал в себя сочетание итальянского блеска и германской сплоченности, которое назревало в течение предыдущих 20 лет. Его собственный вкус к блеску, ритмически сложным мелодиям и фигурам, длинным мелодиям кантилен и виртуозным росчеркам был объединен с признанием формальной связности и внутренней связанности.Именно в этот момент война и инфляция остановили тенденцию к созданию более крупных оркестров и вынудили распустить или сократить многие театральные оркестры. Это подтолкнуло классический стиль вовнутрь: к поиску большего ансамбля и технических проблем — например, рассредоточение мелодии по деревянным духовым или использование третей для выделения мелодии, взятой ими. Этот процесс сделал ставку на камерную музыку для более публичного выступления, что дало дополнительный импульс струнному квартету и другим небольшим ансамблевым группам.

Это было в течение этого десятилетия, когда общественный вкус начал все больше признавать, что Гайдн и Моцарт достигли более высокого уровня композиции. К тому времени, когда Моцарту исполнилось 25 лет, в 1781 году, доминирующие стили Вены были явно связаны с возникновением в 1750-х годах раннего классического стиля. К концу 1780-х годов у композиторов, подражавших Моцарту и Гайдну, утвердились изменения в исполнительской практике, относительное положение инструментальной и вокальной музыки, технические требования к музыкантам и стилистическое единство.В течение этого десятилетия Моцарт написал свои самые известные оперы, шесть поздних симфоний, которые помогли переопределить жанр, и ряд фортепианных концертов, которые до сих пор являются вершиной этих форм.

Один из композиторов, оказавших влияние на распространение более серьезного стиля, который сформировали Моцарт и Гайдн, — это Муцио Клементи, одаренный пианист-виртуоз, который вступил с Моцартом в музыкальную «дуэль» перед императором, в которой каждый из них импровизировал и исполнил свои композиции. Сонаты Клементи для фортепиано получили широкое распространение, и он стал самым успешным композитором Лондона 1780-х годов.Также в это время в Лондоне находился Ян Ладислав Дуссек, который, как и Клементи, призвал производителей фортепиано расширять диапазон и другие характеристики своих инструментов, а затем полностью использовал вновь открывшиеся возможности. Важность Лондона в классический период часто упускается из виду, но он служил домом для фабрики Бродвуда по производству фортепиано и базой для композиторов, которые, хотя и менее заметны, чем «Венская школа», оказали решающее влияние на то, что произошло. позже. Они были составителями многих прекрасных произведений, заслуживающих внимания сами по себе.Пристрастие Лондона к виртуозности вполне могло способствовать проработке сложных пассажей и расширенных утверждений о тонике и доминанте.

Около 1790–1820 гг.

Когда Гайдн и Моцарт начали сочинять, симфонии игрались как отдельные части — до, между или в качестве перерывов в других произведениях — и многие из них длились всего десять или двенадцать минут; у инструментальных групп были разные стандарты игры, и континуо было центральной частью создания музыки.

За прошедшие годы в социальном мире музыки произошли драматические изменения.Стремительно выросли международные публикации и гастроли, образовались концертные общества. Обозначения стали более конкретными, наглядными, а схемы произведений упростились (но стали более разнообразными в их точном исполнении). В 1790 году, незадолго до смерти Моцарта, когда его репутация быстро распространялась, Гайдн был готов к ряду успехов, особенно к его поздним ораториям и «лондонским» симфониям. Композиторы Парижа, Рима и всей Германии обращались к Гайдну и Моцарту за своими идеями о форме.

Портрет Бетховена работы Йозефа Карла Стилера, 1820 г.

Время снова настало для драматических перемен. В 1790-х годах появилось новое поколение композиторов, родившихся около 1770 года. Хотя они выросли на более ранних стилях, в недавних работах Гайдна и Моцарта они услышали средство для большего самовыражения. В 1788 году Луиджи Керубини поселился в Париже и в 1791 году написал оперу « Лодойска », которая принесла ему известность. Его стиль явно отражает зрелых Гайдна и Моцарта, а его инструменты придали ему вес, который еще не ощущался в большой опере.Его современник Этьен Мехул расширил инструментальные эффекты своей оперой 1790 года Евфрозин и Корадин , из которой последовал ряд успехов.

Самым роковым представителем нового поколения стал Людвиг ван Бетховен, который начал свои пронумерованные произведения в 1794 году набором из трех фортепианных трио, которые остались в репертуаре. Несколько моложе других, хотя и не менее образованный благодаря юношеской учебе у Моцарта и его природной виртуозности, был Иоганн Непомук Хаммель.Хуммель также учился у Гайдна; он был другом Бетховена и Франца Шуберта. Он сконцентрировался на фортепиано больше, чем на любом другом инструменте, и его время в Лондоне в 1791 и 1792 годах привело к составлению и публикации в 1793 году трех фортепианных сонат, opus 2, в которых идиоматически использовались техники Моцарта по уходу от ожидаемой каденции, а иногда и модально — техника Клементи. неуверенная виртуозная фигура. Взятые вместе, этих композиторов можно рассматривать как авангард широких изменений стиля и центр музыки.Они изучали произведения друг друга, копировали жесты друг друга в музыке и иногда вели себя как сварливые соперники.

Решающие отличия от предыдущей волны можно увидеть в сдвиге мелодий вниз, увеличении продолжительности движений, принятии Моцарта и Гайдна как парадигматических, более широком использовании клавишных ресурсов, переходе от «вокального» письма к «пианистическому». письмо, растущее притяжение минора и модальной двусмысленности, а также возрастающая важность различных сопровождающих фигур, чтобы выдвинуть «текстуру» как элемент в музыке.Короче говоря, поздняя классика искала музыку, которая была бы внутренне более сложной. Рост концертных обществ и любительских оркестров, отмечая важность музыки как части жизни среднего класса, способствовал бурному росту рынка фортепиано, фортепианной музыки и виртуозов, которые служили образцами. Хуммель, Бетховен и Клементи были известны своей импровизацией.

Прямое влияние барокко продолжало исчезать: фигурный бас становился все менее заметным как средство сохранения целостности, практика исполнения середины 18 века продолжала исчезать.Однако в то же время стали доступны полные издания мастеров барокко, и влияние стиля барокко продолжало расти, особенно во все более широком использовании латуни. Еще одна особенность того периода — рост числа спектаклей, в которых композитор не присутствовал. Это привело к повышению детализации и конкретности обозначений; например, было меньше «необязательных» частей, стоящих отдельно от основной партитуры.

Сила этих сдвигов стала очевидна в 3-й симфонии Бетховена, которую композитор назвал Eroica , что в переводе с итальянского означает «героический».Как и в случае с произведением «Весна священная» Стравинского, он, возможно, не был первым во всех своих нововведениях, но его агрессивное использование каждой части классического стиля отличает его от современных работ: по длине, амбициям и гармоничным ресурсам. также.

Первая венская школа

Вид на Вену в 1758 году, Бернардо Беллотто

Первая венская школа — это название, которое в основном используется для обозначения трех композиторов классического периода в Вене конца 18 века: W.А. Моцарт, Гайдн и Бетховен. Иногда к этому списку добавляют Франца Шуберта.

В немецкоязычных странах используется термин Wiener Klassik (букв. Венская классическая эпоха / искусство ). Этот термин часто более широко применяется к классической эпохе в музыке в целом, чтобы отличить ее от других периодов, которые в просторечии называются классической , а именно барочной и романтической музыкой.

Термин «Венская школа» впервые был использован австрийским музыковедом Рафаэлем Георгом Кизеветтером в 1834 году, хотя он считал членами школы только Гайдна и Моцарта.Другие писатели последовали их примеру, и в конце концов к списку был добавлен Бетховен. Обозначение «первая» добавлено сегодня, чтобы не путать со Второй венской школой.

Хотя, за исключением Шуберта, эти композиторы, безусловно, знали друг друга (Гайдн и Моцарт даже время от времени были партнерами по камерной музыке), нет никакого смысла, в котором они участвовали в совместных усилиях в том смысле, в каком это можно было бы ассоциировать с 20-м веком. школы, такие как Вторая венская школа или Les Six.Также нет никакого существенного смысла в том, что один композитор был «обучен» другим (так же, как Берг и Веберн были обучены Шенбергом), хотя верно, что Бетховен какое-то время получал уроки от Гайдна.

Попытки расширить Первую венскую школу, включив в нее таких более поздних деятелей, как Антон Брукнер, Иоганнес Брамс и Густав Малер, носят чисто публицистический характер и никогда не встречаются в академическом музыковедении.

Влияние классики на более поздних композиторов

Картина маслом Франца Шуберта 1875 года работы Вильгельма Августа Ридера по его собственному акварельному портрету 1825 года

Музыкальные эпохи редко исчезают сразу; вместо этого функции со временем заменяются, пока старые не станут просто ощущаться «старомодными».Классический стиль не столько «умер», сколько трансформировался под тяжестью перемен.

Портрет Мендельсона работы английского миниатюриста Джеймса Уоррена Чайлда (1778–1862), 1839 г.

Одним из важных изменений был сдвиг в сторону гармонии, сосредоточенной вокруг «плоских» клавиш: сдвиги в субдоминантном направлении. В классическом стиле мажорная тональность была гораздо более распространена, чем минорная, хроматизм смягчался за счет использования «резкой» модуляции, а секции в минорной тональности часто использовались просто для контраста.Начиная с Моцарта и Клементи, началась ползучая колонизация субдоминантного региона. У Шуберта субдоминантные движения процветали после того, как были введены в контекст, в котором более ранние композиторы ограничились бы доминирующими сдвигами. Это привнесло в музыку более темные цвета, усилило второстепенный режим и усложнило поддержание структуры. Бетховен способствовал этому за счет все более широкого использования четвертого созвучия и модальной двусмысленности — например, вступление в Симфонию ре минор.

Франц Шуберт, Карл Мария фон Вебер и Джон Филд — одни из самых выдающихся представителей этого поколения «классических романтиков» вместе с молодым Феликсом Мендельсоном. На их чувство формы сильно повлиял классический стиль, и они еще не были «изучены» (имитируя правила, которые были кодифицированы другими), но они напрямую откликались на произведения Бетховена, Моцарта, Клементи и других, когда они встречались с ними. . Инструментальные силы в их распоряжении также были вполне «классическими» по количеству и разнообразию, что допускало сходство с классическими произведениями.

Однако силы, призванные положить конец тяготам классического стиля, собрали силу в произведениях каждого из вышеперечисленных композиторов. Чаще всего упоминается гармоническая инновация. Также важно сосредоточиться на непрерывной и ритмически единообразной сопровождающей фигурации: Лунная соната Бетховена была моделью для сотен более поздних пьес, в которых подвижное движение ритмической фигуры обеспечивает большую часть драматизма и интереса работы, в то время как мелодия дрейфует над ним.Более глубокое знание произведений, больший инструментальный опыт, увеличение разнообразия инструментов, рост концертных сообществ и неудержимое господство фортепиано, которое создало огромную аудиторию для сложной музыки, — все это способствовало переходу к «романтическому» стилю.

Провести границу между этими двумя стилями невозможно: некоторые части произведений Моцарта, взятые по отдельности, неотличимы по гармонии и оркестровке от музыки, написанной 80 лет спустя, — и композиторы продолжают писать в нормативных классических стилях и в ХХ веке.Еще до смерти Бетховена такие композиторы, как Луи Шпор, называли себя романтиками, например, добавляя в свои произведения более экстравагантный хроматизм.

Однако падение Вены как важнейшего музыкального центра оркестровой композиции обычно считается окончательным затмением классического стиля — и концом его непрерывного органического развития, когда один композитор учится в непосредственной близости от других. Ференц Лист и Фредерик Шопен побывали в Вене в молодости, но затем перешли к другим перспективам.Композиторы, такие как Карл Черни, находясь под сильным влиянием Бетховена, также искали новые идеи и новые формы, чтобы вместить более широкий мир музыкального выражения и исполнения, в котором они жили.

Возобновление интереса к формальному балансу и сдержанности классической музыки 18-го века привело в начале 20-го века к развитию так называемого неоклассического стиля, сторонниками которого были Стравинский и Прокофьев, по крайней мере, в определенные периоды их карьеры.

Инструменты классического периода

Фортепьяно Пола МакНалти по мотивам Walter & Sohn, ок.1805

Струны

• Скрипка
• Виола
• Виолончель
• Контрабас

Деревянные духовые

• Бассет-кларнет
• Бассет-рог
• Кларнетт d’amour
• Классический кларнет
• Шалюмо

Клавиатуры

• Клавикорд
• Фортепьяно
• Клавесин

Латунь

• Букчин
• Офиклеид — заменитель змеи, предшественник тубы
• Валторна

Хронология композиторов-классиков

Дополнительная литература

• Розен, Чарльз (1972 г., расширение 1997 г.) — Классический стиль .Нью-Йорк: W.W. Нортон. ISBN 978-0-393-04020-3 (расширенное издание с компакт-диском, 1997 г.)
• Даунс, Филип Г. (1992) — Классическая музыка: Эра Гайдна, Моцарта и Бетховена , 4-й том Нортон Введение в историю музыки . W.W. Нортон и компания. ISBN 0-393-95191-X (твердый переплет).
• Lihoreau, Tim; Фрай, Стивен (2004) — Неполная и полная история классической музыки Стивена Фрая . Бокстри. ISBN 978-0-7522-2534-0
• Тарускин, Ричард (2005, ред.Версия в мягкой обложке 2009 г.) — Оксфордская история западной музыки . Oxford University Press (США). ISBN 978-0-19-516979-9 (в твердой обложке), ISBN 978-0-19-538630-1 (в мягкой обложке)
• Ханнинг, Барбара Руссано; Затирка, Дональд Джей (1998 г., версия 2006 г.) — Краткая история западной музыки . W.W. Нортон и компания. ISBN 0-393-92803-9 (твердый переплет).
• Затирка, Дональд Джей; Палиска, Клод В. (1996) — История западной музыки , пятое издание.