Поп-арт, Энди Уорхол | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»
Рубрика:
МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМАНомер журнала:
#4 2013 (41)ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ УОЯТЕРСА В БАЛТИМОРЕ ПРЕДСТАВЛЯЕТ ПЕРВУЮ В США МУЗЕЙНУЮ ЭКСПОЗИЦИЮ ПОЗДНИХ РАБОТ КУЛЬТОВОГО АМЕРИКАНСКОГО ХУДОЖНИКА ЭНДИ УОРХОЛА (1928-1987). БАЛТИМОР — КОНЕЧНАЯ ОСТАНОВКА В НАЦИОНАЛЬНОМ ТУРЕ ЭТОГО НАШУМЕВШЕГО ПРОЕКТА 2010 ГОДА, УЧАСТНИКАМИ КОТОРОГО СТАЛИ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ МИЛУОКИ, МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В ФОРТ УОРТ И БРУКЛИНСКИЙ МУЗЕЙ В НЬЮ-ЙОРКЕ. ВЫСТАВКА В БАЛТИМОРЕ ОТКРЫЛАСЬ 17 ОКТЯБРЯ 2010 И ПРОДЛИЛАСЬ ДО 9 ЯНВАРЯ 2011 ГОДА. В ЕЕ СОСТАВ ВОШЛО БОЛЕЕ 50 РАБОТ, ОТРАЖАЮЩИХ РЕШИТЕЛЬНЫЙ ВОЗВРАТ ПОП-АРТ ХУДОЖНИКА К ЖИВОПИСИ И ВОЗРОЖДЕНИЕ В НЕМ ЭКСПЕРИМЕНТАТОРСКОГО ДУХА В ПОСЛЕДНИЕ 10 ЛЕТ ЖИЗНИ. В ЭТОТ ПЕРИОД, НАХОДЯСЬ НА ПИКЕ СВОЕЙ ПОПУЛЯРНОСТИ, ОН СОЗДАВАЛ КАРТИНЫ В ГОРАЗДО БОЛЬШЕМ КОЛИЧЕСТВЕ И БОЛЕЕ КРУПНЫХ МАСШТАБОВ, ЧЕМ В ЛЮБОЙ ДРУГОЙ МОМЕНТ СВОЕЙ СОРОКАЛЕТНЕЙ КАРЬЕРЫ. В ЧИСЛЕ ЦЕНТРАЛЬНЫХ ЭКСПОНАТОВ ПОКАЗА — СЕРИЯ ПСИХОЛОГИЧЕСКИХ АВТОПОРТРЕТОВ УОРХОЛА В ЕГО ЗНАМЕНИТОМ ЛОХМАТОМ СЕДОМ ПАРИКЕ, ТРИ ВАРИАНТА «ТАЙНОЙ ВЕЧЕРИ», А ТАКЖЕ РАБОТЫ, СОЗДАННЫЕ ИМ СОВМЕСТНО С БОЛЕЕ МОЛОДЫМИ ХУДОЖНИКАМИ. НЕКОТОРЫЕ ИЗ ПОЗДНИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ, ХРАНЯЩИХСЯ НЫНЕ В НАЦИОНАЛЬНЫХ И МЕЖДУНАРОДНЫХ ГОСУДАРСТВЕННЫХ И ЧАСТНЫХ СОБРАНИЯХ, А ТАКЖЕ В УНИКАЛЬНОЙ ПО ПОЛНОТЕ КОЛЛЕКЦИИ, ПРИНАДЛЕЖАЩЕЙ ХУДОЖЕСТВЕН НОМУ МУЗЕЮ В БАЛТИМОРЕ, НИКОГДА НЕ ВЫСТАВЛЯЛИСЬ ПРИ ЖИЗНИ АВТОРА.
Абстракции
В 1965 году, будучи в зените славы, Уорхол объявил, что уходит из живописи, чтобы заняться кино. Спустя примерно 10 лет он вновь резко сменил направление и опять с энтузиазмом принялся за картины. Абстрактные работы, которые Уорхол создал в поздний период своей карьеры, представляют собой радикальный отказ от имиджа культовой персоны поп-арта, чье творчество до той поры неизменно ассоциировалось с изображениями узнаваемых товаров и знаменитых людей.
Для создания серии «Окисление» (1978) Уорхол, его помощники и гости студии мочились на холсты, заранее покрытые металлизированными красками, чтобы произошла химическая реакция, вызывающая изменение цвета. Получившиеся в результате образы, которые в зависимости от прочтения можно истолковать и как вульгарные, и как прекрасные, свойственны той двусмысленности, которую культивировал Уорхол. Работая над серией «Тени» (1978-1979), он наносил изображения на фоновый слой краски методом шелкографии. Существуют различные версии происхождения этих изображений: это могли быть тени от находившихся в студии Уорхола предметов или, например, от частей человеческого тела. Сам художник уклончиво именовал свои работы «диско-декором» — аллюзия к музыкальному сопровождению церемонии открытия первой выставки «Теней» в Нью-Йорке. Уорхол так оценивал ее роль: «Это шоу будет таким же, как и все остальные. Рецензии будут плохими — рецензии обо мне всегда плохие. Но о вечеринке отзывы будут превосходными».
Вдохновленный новыми экспериментами в области абстракций, Уорхол создает серию «Роршах» (1984). Он пишет на половине большого холста, а затем складывает его пополам и таким образом при помощи наипростейшей из печатных техник получает двойное изображение. Эти образы напоминают настоящие психологические тесты Германа Роршаха, в которых мысли тестируемых выявляют путем ассоциаций, возникающих у них при виде неопределенных симметричных форм.
Пряжа и камуфляж
Заказ итальянского производителя пряжи в 1983 году натолкнул Уорхола на идею создания серии абстракций путем шелкографирования радужно-разноцветной пряжи по всей поверхности картин. Эти чисто механические банальные переплетения линий вызывают в памяти картины знаменитого абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, работавшего в технике «дриппинг» (dripping). Вместе с тем они отличаются от полло-ковской неистово экспрессивной техники нанесения краски вручную.
В картинах серии «Камуфляж» (1986) Уорхол использовал готовый шаблон, а формально-декоративные свойства подчеркивал за счет избыточно ярких комбинаций и повторений отдельных элементов, характерных для функционального милитаристского дизайна.
Хотя в этой серии имеются типичные для абстрактной живописи середины XX века оконтуренные пространства, заполненные цветом, в ней также проявляются палитра и смелые образы Анри Матисса, которого Уорхол считал образцом для подражания и чьи работы также можно увидеть в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (коллекция сестер Кон). Если принять во внимание заложенные здесь скрытые образы, такой «камуфляж» представляется достаточно провокационным для художника, утверждавшего, что все в его творчестве и в нем самом лежит на поверхности.
Процесс фотошелкографии
На протяжении большей части своей карьеры Энди Уорхол использовал фотошелкографию для создания ярких, четких, отчетливо очерченных изображений. Возможности технологий массового производства приводили его в восторг, и многие из картин, представленных на выставке в Балтиморе, он создал в сотрудничестве с коммерческими фотостудиями и типографиями. Уорхол начинал работу над картиной с фотографии, сделанной им самим или найденной в каком-нибудь журнале, рекламном объявлении, газете или в коллекции раскадровок фильмов. Он посылал фотографию в фотостудию, где ее превращали в контрастное черно-белое изображение на прозрачной пленке. Коммерческая мастерская шелкографии использовала эту прозрачную пленку для нанесения изображения на ткань, натянутую на раму.
Шелк обрабатывался так, чтобы типографская краска проникала только сквозь определенные участки ткани, а остальная поверхность оставалась «заблокированной».
Получив фотоформу из мастерской, Уорхол и его ассистенты могли отпечатать изображение на любом количестве полотен. На полотно предварительно уже была нанесена сплошная заливка одного или более цветов. Для воспроизведения рисунка на покрытом краской холсте на всю поверхность фотоформы наносили типографскую краску и прикатывали ее резиновым валиком. Валик продавливал типографскую краску сквозь фотоформу ровным слоем мелких точек, но только на незаблокиро-ванных участках. Используя этот многоэтапный процесс, Уорхол разработал новую технологию современной живописи, впоследствии ставшую его повсеместно узнаваемым авторским стилем. На протяжении последнего десятилетия своей карьеры Уорхол вернулся к традиционной живописи кистью, часто микшируя в одном и том же произведении живопись «вручную» с техникой шелкографии.
Совместные произведения («Коллаборации»)
Пока Уорхол разрабатывал свое направление в абстрактной живописи, на нью-йоркскую художественную сцену ворвались неоэкспрессионисты с их драматичными и эмоционально насыщенными метафорическими сюжетами. В октябре 1982 года владелец художественной галереи в Швейцарии Бруно Бишофбергер познакомил Уорхола с Жан-Мишелем Баския. Тот получил признание как художник, выплеснувший на холст эмоции и страсти улиц и соединивший высокое искусство с повседневностью, что оказалось удивительно созвучно творчеству Уорхола. Его поразила легкость, с которой творил этот молодой человек (Баския был младше Уорхола на 30 лет).
Между ними установились близкие отношения, продолжавшиеся около трех лет. Дни проходили в совместной работе над картинами в студии и заканчивались развлечениями в ночных клубах. В разгар работы над «Коллаборациями» Уорхол признался: «Жан-Мишель заставил меня писать по-другому, так что это дело хорошее». Под «хорошим делом» подразумевалось писание картин кистью, «вручную».
Оценив незаурядный потенциал этого партнерства, Бишофбергер заказал серию совместных работ Уорхола, Баскии и итальянского художника Франческо Клементе, в результате чего родились такие произведения, как «Происхождение хлопка» (1984). Уорхол и Баския продолжили работать вместе, создав еще более сотни общих картин. В начале их сотрудничества Уорхол шелкографировал свои логотипы для создания фона, на котором его товарищ рисовал скалящиеся физиономии и примитивное граффити.
Со временем Баския начал добавлять в картины шелкогра-фированные изображения, а Уорхол после долгих лет использования фотографий, шелкографии и валиков заново открыл для себя живопись. По сути, «Коллаборации» ознаменовали собой не только возврат Уорхола к традиционной для живописи технике, но и его возвращение к фигуративу.
Подобно работам Уорхола 1960-х и 1970-х годов, «Коллаборации» представляют собой отражение того времени, когда они создавались. Примером этому может служить и работа «Без названия (Инфаркт)», в которую художник включил заголовок «Джесси [будет] с Фрицем, а я сам по себе» — аллюзия к Джесси Джексону и Уолтеру (Фрицу) Мондейлу, кандидатам на пост президента США от Демократической партии в 1984 году.
Черно-белая реклама и физиологические диаграммы
В 1950-е годы молодой Уорхол был преуспевающим графическим дизайнером коммерческих проектов в области индустрии моды. В 1985 году он вновь обратился к рекламным образам, но теперь прообразами для его работ стали черно-белые рисунки и текст дешевой рекламы в газетах, в объявлениях на последних страницах журналов по бодибилдингу и в евангелистских религиозных брошюрах. Подобные незамысловатые ностальгические образы ранее уже появлялись в тех картинах переходного — между рекламой и живописью — периода, которые Уорхол создавал в поисках своего собственного поп-арт стиля в начале 1960-х.
Интерпретация изображений бодибилдеров в «Черно-белой рекламе» Уорхола связана с другой серией, включающей «Физиологическую диаграмму» (около 1984-1985). Создание этих изображений человеческого тела совпало с началом кризиса в сфере здравоохранения, связанного с распространением ВИЧ, а также со все более очевидным для Уорхола старением собственного тела. Демонстрировавший неизменное поклонение физической красоте объектов своего творчества, в том числе людей, которые посещали его студию «Фабрика», сам художник был весьма ослаблен увечьями, полученными во время покушения на него в 1968 году.
К 1980 Уорхол стал регулярно выполнять физические упражнения, заинтересовался альтернативными лечебными практиками Нью-Эйдж и связанными с этим графическими символами (такими, например, как схема на картине «Физиологическая диаграмма»).
Черно-белые рекламные объявления
Уорхол создал серию «Черно-белые рекламные объявления», используя свою «патентованную» технику поп-арта: он вырезал рекламные объявления, создавал их проекции, переводил проекции на бумагу и заказывал ацетатные фоторамы для последующей шелкографии.
Однако в некоторых случаях, вдохновленный «Коллабора-циями», созданными совместно с Баския, Уорхол писал рекламные объявления на бумаге, а затем заказывал фоторамы на основе этих изображений, сохраняя следы от щетины, мазков и капель краски на окончательном отпечатке. Рисунки Уорхола от руки и текучая живописная фактура оживляют поверхность этих работ, которые в основном представляют собой шелкографи-рованные репродукции его оригинальных рисунков кистью.
Более крупные картины серии «Черно-белые рекламные объявления» он писал непосредственно на холсте, следуя проекции рекламного объявления, как, например, в картине «Две пятидолларовые купюры. Тяжелоатлет» (1985-1986). В этих работах видна текучая живописная фактура и мягкая линия. Во всех «Черно-белых рекламных объявлениях» Уорхол намеренно соединяет ручные и механические процессы, в полной мере используя возможности создания зрительных иллюзий.
Автопортреты
Подобно Рембрандту или Пикассо, Уорхол был весьма плодовит по части автопортретов. Наиболее известна выполненная в 1986 году серия изображений на фоне пустоты, в хаотично растрепанном парике наподобие узнаваемой шевелюры друга Уорхола Баскии (чью прическу создал известный стилист Раст). В отличие от картины «Автопортрет. Обои» (1978), портреты в парике представляют собой безжалостные изображения постаревшего художника, вызывающие тревожные чувства.
В то же время и контур фигуры на раннем автопортрете на обоях, и встречающаяся в более поздних картинах словно отделенная от тела голова создают призрачный образ человека, который однажды заметил: «Я уверен, что если посмотрюсь в зеркало, то не увижу ничего. Люди часто называют меня зеркалом, а если зеркало смотрит в зеркало, что можно там увидеть?»
Тайная вечеря
Написанная по заказу греческого артдилера Александра Иоласа, устроившего первую персональную выставку Уорхола в 1952 году, серия «Тайная вечеря» стала главным экспонатом на церемонии открытия новой галереи Иоласа в Милане. Она расположилась напротив монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, в трапезной которого находится знаменитая фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Для этой выставки Уорхол сделал серию шелкографий, крепившихся непосредственно к стене и как бы имитировавших фрески Леонардо. Уорхол изготовил дополнительные версии, проецируя исходное изображение на полотно и очерчивая фигуры от руки. Над одной из своих выдающихся поздних серий Уорхол работал больше года. В общей сложности было сделано более сотни вариантов «Тайной вечери», включая самые масштабные картины из созданных художником за всю его карьеру.
Когда Уорхола спрашивали, имеет ли изображение «Тайной вечери» какое-либо особое значение для него самого, он уклончиво отвечал: «Нет. Это хорошая картина». Только из надгробной речи на похоронах художника большинство людей узнало о том, что он был верующим католиком. Эти картины могут воплощать как личные религиозные верования, так и непочтительное отношение к сюжету, выразившееся в ироничных вставках коммерческих логотипов и потенциально греховном повторении образа Иисуса Христа.
При ретроспективном взгляде особую остроту приобретает создание интерпретаций последней трапезы Христа и апостолов незадолго до смерти Уорхола, наступившей 22 февраля 1987 года вследствие неожиданных осложнений после операции.
Вернуться назад
Теги:
www.tg-m.ru
ТАЙНАЯ ВЕЧЕРЯ ЭПОХИ ПОСТМОДЕРНА | ARTотека еды
Тайную вечерю Христа с его учениками, изображенную на монументальной фреске Леонардо да Винчи, вне сомнений можно считать самой известной трапезой в истории человечества. Со временем, этот живописный символ таинства Причастия переместился за границы религиозных представлений и стал предметом внимания всех масс-медиа. Это подтверждает огромное количество реплик, интерпретаций, ремейков и интернет-мемов «Тайной вечери».
На фоне такого массового тиражирования, парадоксально выглядит персона самого Леонардо да Винчи – загадочной и малоизученной личности прошлых веков. Кто-то приписывает ему божий дар и причисляет к лику святых, кто-то, напротив, считает его безбожником, продавшим душу дьяволу. Но гений великого итальянца неоспорим, поскольку все, к чему когда-либо прикасалась рука этого художника, инженера, архитектора и предсказателя, наполнялось скрытым смыслом, недопонимание которого порождало массу трактовок и домыслов.
Так же, как и портрет Джоконды, написанный Леонардо, его «Тайная вечеря» тоже обросла всевозможными слухами. Некоторые исследователи уверяли, что в изображении на стене трапезной миланского монастыря скрыто много закодированных посланий потомкам. Например, итальянская исследовательница Сабрина Сфорца Галиция, изучавшая ватиканские архивы, утверждала, что разгадала математико-астрологический шифр, составленный Леонардо. Якобы он состоит из знаков зодиака и 24-х букв латинского алфавита, представляющего собой 24 часа суток. Предположение не лишено оснований, ведь будучи хорошим математиком да Винчи не редко пытался соединить математику с искусством, используя в своих картинах так называемую математическую последовательность, известную как числа Фибоначчи. Или, хотя бы, припомнить схему идеальных пропорций «витрувианского человека», разработанной да Винчи.
Кроме того, следует учитывать символизм, господствовавший в древнехристианском искусстве. Например, само имя Христа выражалось посредством пяти монограмм (греческих букв): ІΧΘΥΣ («ИХТИС»). Они образуют слово, которое по-гречески в буквальном смысле означает «рыба», а при расшифровке этой аббревиатуры — «Иисус Христос, Сын Божий, Спаситель». На некоторых ранних изображениях Тайной Вечери можно было видеть стол, на котором хлебы и две рыбы на блюде. Рыба — один из самых ранних христианских символов. Так что, система скрытой кодировки является естественной средой того периода.
В этом контексте не кажется такой уж невероятной гипотеза итальянского музыканта Джованни Мария Пала о том, что положение рук и хлеба на картине можно интерпретировать, как ноты в музыкальном произведении. Якобы при прочтении их справа налево (что характерно для манеры письма Леонардо) — они образуют музыкальную композицию.
Множество подобных мифов и вымыслов собрал воедино в своем детективном романе «Код да Винчи» американский писатель Дэн Браун. (Похоже, его скандальное произведение появилось не без влияния литературных спекуляций на тему ордена тамплиеров и Священного Грааля, которыми промышляли Луи Шерпантье, Роббер Амбелен или Жерар де Сед).
В дальнейшем, эту мистификацию с претензией на историческую достоверность перенес на экран режиссер Рон Ховард, тем самым продемонстрировав стиль постмодернизма, который воцарился в искусстве второй половины XX века.
Возникнув как художественное явление в 1914 году в США, постмодернизм стремительно распространился по всему миру. Любая бытовая или художественная форма, от утилитарных предметов быта до шедевров мирового искусства, становилась для постмодернистов «источником стройматериала».
Поп-арт, к примеру, постоянно использовал для этого образы продуктов потребления. Один из его лидеров, основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт» — Энди Уорхол, объединяет в своей «Тайной вечере» брендовые продукты из супермаркета (консервированный суп «Кэмпбелл») и сакраментальные церковные образы, как бы подчеркивая этим, что современная жизнь и вера не противоречат друг другу. Одно делает жизнь более реальной, а другое – более значимой.
На другой картине Уорхола изображен голубь, символизирующий нисходящий свыше Святой Дух, и симметрично ему расположенный значок «General Electric», чем как бы уравнивает логотип гиганта-производителя с церковным символом. Дополнительный ироничный оттенок этому равенству придает известный слоган «Дженерал Электрик», — «Мы приносим хорошие вещи для жизни».
Стиль постмодерна, включающий в себя разные направления в искусстве, в общем и целом, не признает пафоса. Он иронизирует над окружающим миром или над самим собой, тем самым спасая себя от пошлости (и заодно оправдывая свою исконную вторичность). Поэтому равнозначными поп-иконами становятся образы Ленина и Микки-мауса, Моны Лизы и Мерлин Монро. Фреска с последней трапезой Учителя и его учеников не могла избежать той же участи и стала жертвой постмодерна.
Приведем несколько примеров ироничного цитирования этого библейского сюжета, перенесенного в сферу самого массового искусства – кино и телевизионных сериалов. (Ведь они стали синонимом современной массовой культуры, а телевизор — символом второй половины ХХ века).
Перед этим следует сказать, что Леонардо да Винчи при написании Тайной вечери изменил привычный «формат» порядка размещения апостолов за столом. В отличие от раннехристианских изображений, где участники Тайной вечери располагались по дуге D-образного стола, а Христос сидел на левом краю (это место считалось самым почетным), Леонардо расположил Христа посередине прямоугольного стола, а двенадцать апостолов с обеих сторон от него. Художник так же изменил давнюю традицию изображать Иуду обособленно (с противоположной стороны стола) и поместил его рядом с Христом. В соответствии с этой «планировкой» изображаются и участники всех кино-трапез. (Кстати, забавное объяснение этому дается в комедии «Всемирная история» хулиганистого режиссера Мэла Брукса).
Вот так выглядит постмодернистская «тайная вечеря» персонажей фильма «Неудержимые-2», собравшего в мировом прокате четверть миллиарда долларов. Вторая часть собрала еще больше подзабытых звезд боевиков 80-х: к старой команде добавились Чак Норрис и Жан-Клод Ван Дамм. Идеолог кино-франшизы Сильвестр Сталлоне «скромно» занимает центральное место за столом, а на место Иуды заслуженно посажен Дольф Лундгрен – в первой части он предает команду Барни Росса (Сталлоне).
Более изощренно к планировке мест для участников «тайной вечери» за столом подошли создатели постера сериала «Остаться в живых». Им можно простить небольшое несоответствие сюжету знаменитой фрески — Джон Локк сидит в окружении тринадцати персонажей (в отличие от Иисуса Христа, который окружён двенадцатью апостолами) — ведь фанаты сериала «LOST» уверяют, что в изображении постера зашифрованы подсказки относительно судеб героев в шестом, заключительном сезоне. (Для любопытных — на англоязычном портале www.docarzt.com ценители сериала сделали детальный разбор постера).
Излюбленным приемом постмодерна является частичное изменение заимствованного материала, либо извлечение его из естественного контекста и перемещения в несвойственную ему область.
Перемещать, так перемещать — решил режиссер Зак Снайдер и свой комикс-боевик «Хранители» вынес в параллельную реальность, откуда появилась остроумная иллюстрация сцены с библейским сюжетом, когда Салли покидает состав «Ополченцев» (кто смотрел — поймет о чем речь).
В медицинских сериалах предсмертная вечеря может выглядеть довольно специфически…
сериал MASH (Военный госпиталь)Конечно же, и поюзаные мультсериалы Уолта Диснея, и культовые «Симпсоны» с «Южным парком», и посвежее, вроде «Игр престолов» и «Хоббита», да и многие другие сериалы не преминули отметиться в фан-клубе любителей подшутить над собой с помощью знаменитой Тайной вечери Леонардо да Винчи.
пародийный ремейк Тайной вечери от Симпсонов
Тайная вечеря в Южном парке
прощальный ужин персонажей мультсериалов Уолта ДиснеяМоряк Попай всю жизнь рекламировал шпинат. Даже на Последнем ужине эти консервы оказались у него на столе.
Тайная вечеря по-флотски
за столом персонажи сериала «Клан Сопрано»
герои трилогии Хоббит
комедийный сериал 90-х «Северная сторона»Как бы аскетично не выглядели хлеб и вино на столе в монастырской трапезной, все равно еда вызвала реакцию «работников общепита». Правда, присутствие распорядителя «Адской кухни» на Последнем ужине может привести душу в замешательство… Как и присутствие клоунов из Макдоналдса или полковника Сандерса— основателя империи цыплячьего фаст-фуда KFС.
кулинарное теле-шоу Супер-шеф с Гордоном Ремзи
в центре- стилизованный портрет основоположника KFC, который традиционно изображается на всех ресторанах сети. 
клоунская вечеряПромо-баннер к фильму-фэнтези режиссера Тима Бартона «Алиса в стране чудес».
Тайная вечеря стала чаепитием у Безумного ШляпникаСловосочетания «последний ужин», «предсмертный ужин» послужили так же источником пародий для многих режиссеров-пересмешников. Их нигилизм, конечно, не затрагивает религиозную тематику, но тема смерти окрашена черным юмором. Комедия режиссёра Роберта Мура «Ужин с убийством» (Murder by Death) совсем не похожа на классические детективные истории Агаты Кристи и Конан Дойла, хотя развивается по детективной схеме «десяти негритят». Это скорее пародийная смесь детектива, хоррора и даже киберпанка. Или актерский капустник «Десять книггеров» 🙂 на литературной вечеринке Трумана Капоте. Кто еще смог бы так достоверно воплотить на экране образ экстравагантного хозяина особняка, нежели великосветский фрик, non-fiction новеллист и автор бестселлера «Хладнокровное убийство» или трех порций новелл на «Завтрак у Тиффани»?
Внешний вид Капоте с оттенком «южной готики» практически без изменений был перенесен на его экранный прототип: ирония, шлейф мистики и одиночества, утрированная манерность и длинный шарфик от Bronzini. За свой актерский дебют в «Ужине с убийством» ультрамодный писатель был номинирован на «Золотой глобус», а знаменитая фраза о том, что только двух писателей в Америке узнают на улице — Эрнеста Хемингуэя и Трумена Капоте сыграла лишь на руку прокатчикам фильма. Но, в эпоху постмодерна, ничто популярное не остается «безнаказанным».
«Скопипастив» самые удачные находки и абсурдную прелесть сюжета «Ужина с убийством», в 1985 году на экраны вышел фильм «Улика» (Clue), где обыгрывается свойственная многим детективам ситуация: группа людей, труп, гигантский дом и извечный вопрос «Кто же убийца?». (Для «высоколобых» любителей классики, возможно оба фильма смотреть не на что, а вот «всеядным» любителям кино — очень рекомендуем: удовольствие гарантировано).
Тысячи подобных примеров, в том числе и обработки «Тайной вечери», и эффектные произведения Мерсада Бербера с его коллажами из копий полотен Ренессанса, или электронная музыка, «ди-джейски» соединяющая музыкальные фрагменты в сплошной поток, и даже поп-образы Ленина и Микки Мауса в произведениях соц-арта — все это типичные проявления постмодернистского искусства, иногда затейливого и непредсказуемого, иногда превращающегося в пошловатый китч, но всегда точно соответствующего духу времени и хранящего код массовой культуры.
Еще вам могут понравиться статьи
www.art-eda.info
Загадка Уорхола | РУСКАТОЛИК.РФ
22 февраля 1987 умер самый известный представитель направления Pop Art. Он оставил противоречивую биографию, незабываемые работы и главный вопрос: как может искусство намеренно поверхностное рождаться от подлинно религиозной души?
«На момент его смерти 22 февраля 1987 года, в возрасте 59 лет, многие считали Энди Уорхола чуть ли не пародией на художника», — пишет Джерри Зальц из New York Times. «Его считали паразитом в обществе, который жил за счет более молодых художников. Человек уже «вчерашний» и переоцененный, самовлюблённый художник, завсегдатай ночных клубов, который рисовал портреты известных людей за деньги. Но после его смерти внезапно все публичные выступления, фотографии, телевизионные шоу, фильмы и журналы, даже его картины, на которые люди всегда смотрели с подозрением, обрели новую жизнь и важность. Возникает вопрос: почему к Уорхолу относятся с большим почтением теперь, после его смерти, чем относились при его жизни?»
Спустя тридцать лет после смерти этого человека-легенды, подлинного символа целого направления в искусстве, которое обычно принято обозначать термином «поп-арт», есть разные способы ответить на этот вопрос. Одним из способов является рассмотрение того, что произошло на похоронной Мессе Уорхола в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке через несколько дней после его смерти. В своей траурной речи искусствовед Джон Ричардсон рассказал не только то, что художник был постоянным волонтером в столовой для бедных, но до последних дней, будучи католиком византийского обряда, он ходил в церковь на воскресную Мессу и в будние дни, чтобы молиться. «Те из вас, кто встретил его в обстоятельствах, абсолютно противоположных духовности, удивляются существованию такой стороны его жизни», — сказал Ричардсон перед множеством знаменитостей. — «Но она существовала и это ключ к душе художника».
Для многих этот момент был возможностью пересмотреть деятельность Уорхола с другого ракурса. Источником этого недоразумения был сам Уорхол, он сделал все, что мог, чтобы перепутать карты. «Никогда не принимайте Энди буквально», — сказал Ричардсон. И все же, тридцать лет спустя, то, что кажется загадкой, еще не полностью разрешено. Как намеренно поверхностное искусство может стать подлинным выражением искренне религиозной души, даже католической?
Поцелуй иконы
Его биографы собрали множество фактов, свидетельствующих о настоящей привязанности Уорхола к Церкви. Кто-то говорил, что он всегда держал четки в кармане. Его друг Боб Колачелло рассказал о том, что после покушения на его жизнь в 1968 году, когда сумасшедшая женщина выстрелила в него и оставила его на пороге смерти, он пообещал, что, если выживет, то будет каждое воскресенье ходить на Мессу. Есть фотография его встречи с Папой Войтылой на площади Святого Петра в 1980 году.
Фото: Pinterest
На его тумбочке был найден его детский молитвенник. Ричардсон сказал, что Уорхол заплатил за учебу в семинарии своего племянника, и тоже был ответственен за обращение одного человека, хотя он не рассказывал никаких подробностей. Но все знали, что Уорхол не был святым: его студия Silver Factory, место сбора 1960-х годов, была местом самоуничтожения для многих людей. Одним из самых трагичных примеров был танцор Фред Херко, который выпрыгнул из окна пятого этажа. У Уорхола были слабости, как у всех, и даже больше. Очевидно, что загадка этого человека не может быть решена, опираясь только на биографические данные, или упоминая о том, что среди его художественных произведений есть и религиозные сюжеты.
Если есть ключ к решению головоломки, то его можно найти, более глубоко взглянув на то, что больше всего его интересовало: образы. В связи с этим важно вспомнить, что его семья происходила из маленькой деревушки в Карпатах, в бывшей Чехословакии, — в его свидетельстве о рождении он был записан как Андрей Вархола, — и что, как только они прибыли в Питтсбург, семья начала посещать Византийскую католическую церковь Святого Иоанна Златоуста. В храме был иконостас, и при входе (как делают православные) верующие целуют иконы. Поцелуй говорит о почти сакральной связи с образом, который становится инструментом для отношений с божественным. Золотой фон иконы — это вечное пространство священного. Икона живет и смотрит на верующих, которые со смирением позволяют смотреть на себя. Это одна из причин, по которой восточная традиция четко установила каноны по составу и символике иконы, которых должны придерживаться иконописцы.
Повторяемость и отсутствие индивидуальных черт, свойственные византийскому искусству, характеризуют творчество Уорхола, начиная с его первых зрелых работ. «Банки с супом Кэмпбелл» (1962) изображены без каких-либо попыток их интерпретации. Изображения повторяется одинаково. Предметы повседневной жизни предлагаются как знак уважения ко всему, что нас окружает.
Является ли живопись Уорхола предложением зрителю, чтобы он делал то же, что верующий делает со священной иконой, то есть подлинно, реально, конкретно относиться к тому, что изображено, мы можем только предполагать. Наверняка он испытывал настоящий «волчий» голод к реальности. В своей книге «Америка» Уорхол рассказал, что, когда журналисты спросили Иоанна Павла II, что ему больше всего нравится в Нью-Йорке, он ответил «Все». И художник добавил: «Это как раз моя философия».
Странная судьба
Даже его страсть к знаменитым людям, в конце концов, является полностью американским способом выражения желания быть любимым. И рисовать портреты Мэрилин Монро, Жаклин Кеннеди и Элизабет Тейлор в самих драматических моментах их жизни — это совсем не проявление легкомыслия. А скорее, это призыв к жесту нежности, поцелую, взгляду, который доходил бы до глубины лиц, на которые обычно все смотрят поверхностно.
Это не означает, что Уорхол хотел создавать религиозное искусство, а тем более сакральное. И все же, по какому-то странному велению судьбы, в последние два года он лихорадочно работал над образом Христа. Причиной стало предложение галериста Александра Иоласа устроить выставку в Миланской галерее, в нескольких метрах от доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, где находится фреска «Тайная Вечеря» Леонардо. Это последняя выставка Уорхола, прошедшая за несколько дней до его смерти.
Джейн Даггетт Дилленбергер в своей книге «Религиозное искусство Энди Уорхола» подсчитала, что Уорхол использовал лицо Христа в размноженном виде 448 раз. Это наиболее масштабный цикл изображений религиозного субъекта во всем американском искусстве. Некоторые из «религиозных» работ являются самыми монументальными из произведений Уорхола: десятиметровая «Тайная вечеря (Красная)» (1986) даже больше оригинала Леонардо.
То, что Уорхол был увлечен этой работой, более чем понятно: он работал с одним из наиболее популярных произведений в истории искусства, чей главный герой, Иисус, является самой знаменитой личностью: Иисус Христос Суперзвезда. Его все знают, все любят. Кроме того, в доме семьи Уорхола в Питтсбурге репродукция «Тайной вечери» Леонардо висела над кухонным столом, а мать Уорхола, Юлия, которая жила с сыном до своей смерти, хранила закладку в своем молитвеннике, на которой была изображена «Тайная вечеря».
Иметь тело
Встречу с темой “Христос” можно по праву считать вершиной зрелого творчества Уорхола, который находит свои корни, как утверждал Ричардсон, в народной религиозности. И вариации на фреску Леонардо не ограничились копированием образа «Тайной вечери» с несколькими изменениями. В качестве основы для своих картин Уорхол использовал чертеж, найденный в энциклопедии девятнадцатого века, а для шёлкотрафаретных печатей он использовал репродукцию, купленную в корейском магазине религиозной атрибутики недалеко от «Фабрики». Так родилась «Тайная вечеря (Чипсы Wise)», в которой он наложил на евангельскую сцену логотип чипсов Wise. В «Тайной Вечере (Dove)» он использовал логотип известного мыла в форме голубя. Дилленбергер предполагает, что это была ссылка на эпизод, дорогой для Восточной Церкви — Крещение в Иордане, когда Святой Дух сошел на Иисуса в виде голубя. Слева цена «59 ¢» указывает на то, что, подобно обычным, недорогим потребительским товарам, Христос предлагает Себя всем. Справа — логотип General Electric, компании, которая приносит энергию и свет всем американским домам.
На другой картине под названием «Если хочешь быть здоров» (To be Somebody with a Body) слова названия вмещаются между образом Иисуса из «Тайной вечери» и улыбающимся культуристом, который смутно напоминает Уорхола. Существует как будто короткое замыкание между опытом художника, который в свои поздние годы начал работать с личным тренером, и фигурой Христа в акте установления Евхаристии. Таким образом, буквальное название «Быть кем-то с телом» становится двойной молитвой, к себе самому и к Иисусу: обе души не могут оставаться бестелесными.
Фото: Flickr
Продолжатель традиции
Уорхол создал три монументальных и величественных картины, посвященных Тайной Вечере, в розовом, зелёном и красном цвете. Но, пожалуй, наиболее поразительным является изображение Христа, воспроизведенное 112 раз, в котором изображение Иисуса Леонардо навязчиво повторяется 28 раз на четырех уровнях. Это был не первый случай, когда Уорхол сделал нечто подобное. Но здесь он смог визуальным способом выразить то, как в детстве он молился. В восточном христианстве особой является молитва: «Господи Иисусе Христе, Сыне Божий, помилуй мя, грешного», которая повторяется десятки раз.
Более позднему периоду творчества Уорхола принадлежат две небольшие работы, в которых были слова «Покайтесь и больше не грешите», и «Рай и ад (разделяет лишь один шаг)». Также он создал знаменитый плакат «Christ $9.98», который словно говорит нам: «Христос действительно доступен всем».
Если бы кто-то спросил Уорхола, почему он писал эти сюжеты, он ответил бы лаконично: «Потому что мне они нравятся». И все же его видимая отстраненность от вещей и их значений противоречит тому, что рассказал Пьер Рестани, великий французский критик, который присутствовал на открытии выставки в Милане. «Я был удивлен тем, что Энди спросил меня в тот день: «Пьер, ты думаешь, итальянцы смогут уловить мое уважение к Леонардо?» Рестани продолжал: «Мне кажется, что сознательно или нет, Уорхол действовал как тот, кто заботится о шедеврах христианской культуры и заинтересован в продолжении традиции, частью которой он себя чувствует».
Лука Фьоре
Источник (англ.): Traces, №2, 2017
Перевод: Константин Рогачев, Элена Фьерамонти
Основное фото: Pinterest
Больше интересного:
xn--80aqecdrlilg.xn--p1ai
25/10/2016
Некоторые библейские события стали очень популярны. Например, тайная вечеря Христа с учениками
известна теперь всему миру! Особенно в трактовке Леонардо Да Винчи — мы эту сцену иначе не можем
себе представить:
…один из вас предаст меня.
Застолье прекрасно смотрелось в столовой трапезной церкви. Но не факт, что всё было именно так.
Рассмотрим иные авторитетные и неавторитетные мнения.
Но для начала известная байка из истории написания картины: Леонардо нашел натурщика для Христа
из числа певчих в храме, а вот для образа Иуды натурщика долго не было. Спустя пару лет он наконец
нашел на улице подходящего пьяницу и притащил его в мастерскую. А натурщик неожиданно сказал,
что маэстро уже однажды рисовал его, но тогда он пел в хоре и позировал ему в образе Христа…
Надо ли раскрывать вам мораль сей басни? ))
Евангелие описывает событие как ужин, поэтому не просто отказаться в картине от стола, вина и еды.
Козимо Росселли. Это находится в Сикстинской капелле в Ватикане.
Никола Пуссен.
Илья Репин.
Яколо Бассано.
Дирк Баутс. Большинство художников смело переносили событие в своё время.
Хуан де Хуанос. На иконах тоже Иуда чаще всего без нимба… что бы всем было сразу понятно!
Хайме Уге. Роли кота и птицы под лавками мне не ясна…
В своё время всех удивил Николай Ге, отказавшись от тайной вечери за большим столом.
В его камерной вечере Иуда явно возлежал подле Христа, а его уходящая фигура по-женски грациозна…
но я этим ничего не хочу сказать. ))
Паоло Веронезе.
Ему предъявили претензии по количеству участников вечери… и ему пришлось переименовать картину
в «Пир в доме Левия». Фокус удался — труд не пропал даром. ))
Сальвадор Дали.
Энди Уорхол. Он глумился над этой картиной многократно. Теперь каждая стоит миллионы… ))
Пиво? 
Эмиль Нольде.
Количество интерпретаций вечного сюжета не счесть, но надо как-то заканчивать. И не хочется в конце
постить многочисленные пародии и карикатуры. Хочется больше пиетета к святому…
Поэтому в конце будет картина на классическую христианскую тему из Тайланда.
Оставить комментарий
grizzly-bag.livejournal.com
Религия бунтаря. Энди Уорхол в Ватикане
Энди Уорхол, 1935 год © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts
29/01/2018/Ортодоксия.ру/.
Ватикан планирует принять у себя в 2019 году выставку Энди Уорхола. Переговоры о том, чтобы показать в самом сердце католического мира религиозные работы короля поп-арта, уже завершаются с музеем художника в Питтсбурге. Экспозиция пройдет в галерее Браччо ди Карло Маньо, расположенной под колоннадой на площади Святого Петра. Artfragment решил выяснить, насколько религиозным был эпатажный художник и в каких работах обратился в теме веры.
— Энди Уорхол родился в глубоко религиозной семье. Его родные и сам художник были прихожанами греко-католической церкви. На протяжении всей жизни Уорхол регулярно посещал мессы и как волонтер помогал нью-йоркским приютам для бездомных. Брат «основателя поп-арта» описывал его как «по-настоящему религиозного» человека, правда вера Уорхола была «его частным делом». Когда племянник художника объявил, что хочет стать священником, знаменитый дядя оплатил ему обучение в семинарии.
— На своем прикроватном столике Энди Уорхол хранил распятие и потрепанный молитвенник. На шее художник всегда носил крест на цепочке, а в кармане — четки.
— В 1976 году Энди Уорхол в своей нью-йоркской мастерской выполнил работу «Черепа», аллегорически выражающую тщету человеческой жизни. На холсте художник повторил изображение человеческого черепа в разных цветах. В основу работы легла черно-белая фотография, сделанная ассистентом Уорхола Ронни Катроном. В 2007 году «Черепа» были проданы на Sotheby’s за $7,5 млн.
© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Right Society (ARS), New York and DACS, London
— Весной 1980 года Энди Уорхол встретился в Ватикане с папой римскимИоанном Павлом II. После он записал в своем дневнике: «Фред (Фред Хьюз — арт-дилер) и я отправились на аудиенцию к папе римскому. У нас были билеты и водитель высадил нас в Ватикане. Нас с остальными пятью тысячами страждущих провели к нашим местам, и вдруг одна из монахинь закричала: «Вы Энди Уорхол! Можно ваш автограф?». Она выглядела, как Валери Соланас, поэтому я испугался, что она вытащит пистолет и выстрелит в меня. Затем мне пришлось раздать пять автографов монахиням. И после к нам подошел папа римский. Он пожал мне руку, а я сказал, что прилетел из Нью-Йорка. Его руку я не поцеловал. Толпа позади меня повскакивала с мест, и это было страшно. Получив благословение, мы с Фредом поспешили уйти»
© The Vatican Museums, Vatican City
— В 80-х годах Энди Уорхол обратился к религиозным мотивам в своих работах. «После того, как художнику исполнилось 50 лет, он начал переоценку своей карьеры и жизни. Он также стал размышлять о неизбежности собственной смерти», — отметил куратор выставки Уорхола 2010 года в Музее Бруклина Шарон Мэтт Аткинс.
— В 80-е годы Уорхол создал около сотни работ на сюжет «Тайной вечери» Леонардо да Винчи. Но самую известную — в 1986-м, за год до своей смерти. Сцену последней трапезы Христа со своими учениками Уорхол повторил на холсте 60 раз. Это работа стала самой большой по размеру среди произведений художника, когда-либо выставлявшихся на аукционные торги. В ноябре 2017 года «Тайная вечеря» Уорхола была продана на Christie’s за $60,8 млн.
© Christies.com
— В 2012 году калифорнийская марка Bessell Surfboards выпустила коллекцию досок для серфинга с работами Энди Уорхола. В серию вошла доска с принтом одной из версий «Тайной вечери». В продаже доску можно найти и сегодня. Правда выложить за нее придется £7250.
ortodoksiya.ru
Какими были последние картины великих художников
Вы когда-нибудь задумывались, какой была последняя картина того или иного художника? Интересно знать нашел полотна известных художников, которые стали последними в их жизни.
1. Сальвадор Дали — «Ласточкин хвост» (1983)
Полотно Дали окончил в 1983 году. Он попытался выразить через краски свое понимание теории катастроф французского математика Рене Тома.
2. Винсент Ван Гог — «Корни деревьев» (1890)
Ошибочно считается, что последняя картина художника «Пшеничное поле с воронами» (1890). На самом деле, последнее полотно «Корни деревьев» написано в Овер-сюр-Уаз после того, как Ван Гог покинул лечебницу в Сен-Реми.
3. Густав Климт — «Невеста» (1918)
Это незавершенная картина. На ней изображены обнаженные женщины, потому что Климт умер до того, как успел нарисовать им одежду.
4. Фрида Кало — «Да здравствует жизнь! (Арбузы)» (1954)
Художница закончила картину за восемь дней до того, как умерла 13 июля 1954 года в возрасте 47 лет. Это натюрморт с арбузами, популярным символом Дня мертвых, который отмечается в Мексике.
5. Рембрандт — «Симеон во храме» (неоконченная) (1669)
Незаконченное полотно находится в Национальном музее в Стокгольме. На картине изображен пожилой мужчина, держащий на руках ребенка. Это фрагмент псалма Евангелия от Луки, в котором Мария и Иосиф приносят младенца Иисуса в храм в Иерусалиме. Персонаж на заднем плане, вероятно, был дорисован кем-то другим позже. Некоторые считают, что это Мария, хотя другие утверждают, что это Анна Пророчица.
6. Рафаэль — «Преображение» (1520)
Картина была написана по заказу кардинала Джулиано де Медичи, который впоследствии стал папой Климентом VII (1523–1534). Сейчас эта работа выставлена в Ватиканской пинакотеке.
7. Энди Уорхол — «Тайная вечеря» (1986)
Картина находится в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке. Серия была заказом, а идею дал парижский галерист Александр Иолас, который договорился, что работу оплатит миланский банк Credito-Valtellinese. Картины повесили в новом офисе банка, прямо напротив церкви Санта-Мария-делле-Грацие, где висит благородный оригинал кисти Леонардо да Винчи. Уорхол часто использовал коммерческие репродукции в качестве источника материала.
8. Иероним Босх — «Христос, несущий крест» (1535)
Босх часто обращался к теме ада и рая. В своей последней картине он показал 19 голов, плотно прижатых одна к другой, лица звероподобны и ужасны. Возле Христа человеческий облик сохранили только добрый вор и Святая Вероника, чье пассивное выражение лиц отделяет их от окружающих персонажей.
9. Пабло Пикассо — последний автопортрет (1972)
Пикассо рисовал до самой смерти в 1972 году. Последним полотном стал автопортрет «Лицом к смерти».
10. Тициан — «Пьета» (1576)
Тициано Вечелли, известный как Тициан, — один из самых многогранных итальянских художников, поскольку писал и пейзажи, и портреты, и мифологические, и библейские сюжеты. Он умер от лихорадки во время эпидемии чумы в Венеции в 1576 году. Его последняя картина «Пьета» — выразительная ночная сцена страдания.
Понравилось? Расскажи друзьям:interesnoznat.com
Энди Уорхол. Последнее десятилетие | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»
Рубрика:
МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМАНомер журнала:
#4 2010 (29)Художественный музей Уолтерса в Балтиморе представляет первую в США музейную экспозицию поздних работ культового американского художника Энди Уорхола (1928–1987). Балтимор – конечная остановка в национальном туре этого нашумевшего проекта 2010 года, участниками которого стали Художественный музей Милуоки, Музей современного искусства в Форт Уорт и Бруклинский музей в Нью-Йорке.
Выставка в Балтиморе открылась 17 октября 2010 и продлится до 9 января 2011 года. В ее состав вошло более 50 работ, отражающих решительный возврат поп-арт художника к живописи и возрождение в нем экспериментаторского духа в последние 10 лет жизни. В этот период, находясь на пике своей популярности, он создавал картины в гораздо большем количестве и более крупных масштабов, чем в любой другой момент своей сорокалетней карьеры.
В числе центральных экспонатов показа – серия психологических автопортретов Уорхола в его знаменитом лохматом седом парике, три варианта «Тайной вечери», а также работы, созданные им совместно с более молодыми художниками. Некоторые из поздних произведений, хранящихся ныне в национальных и международных государственных и частных собраниях, а также в уникальной по полноте коллекции, принадлежащей Художественному музею в Балтиморе, никогда не выставлялись при жизни автора.
Абстракции
В 1965 году, будучи в зените славы, Уорхол объявил, что уходит из живописи, чтобы заняться кино. Спустя примерно 10 лет он вновь резко сменил направление и опять с энтузиазмом принялся за картины. Абстрактные работы, которые Уорхол создал в поздний период своей карьеры, представляют собой радикальный отказ от имиджа культовой персоны поп-арта, чье творчество до той поры неизменно ассоциировалось с изображениями узнаваемых товаров и знаменитых людей.
Для создания серии «Окисление» (1978) Уорхол, его помощники и гости студии мочились на холсты, заранее покрытые металлизированными красками, чтобы произошла химическая реакция, вызывающая изменение цвета. Получившиеся в результате образы, которые в зависимости от прочтения можно истолковать и как вульгарные, и как прекрасные, свойственны той двусмысленности, которую культивировал Уорхол. Работая над серией «Тени» (1978-1979), он наносил изображения на фоновый слой краски методом шелкографии. Существуют различные версии происхождения этих изображений: это могли быть тени от находившихся в студии Уорхола предметов или, например, от частей человеческого тела. Сам художник уклончиво именовал свои работы «диско-декором» — аллюзия к музыкальному сопровождению церемонии открытия первой выставки «Теней» в Нью-Йорке. Уорхол так оценивал ее роль: «Это шоу будет таким же, как и все остальные. Рецензии будут плохими — рецензии обо мне всегда плохие. Но о вечеринке отзывы будут превосходными».
Вдохновленный новыми экспериментами в области абстракций, Уорхол создает серию «Роршах» (1984). Он пишет на половине большого холста, а затем складывает его пополам и таким образом при помощи наипростейшей из печатных техник получает двойное изображение. Эти образы напоминают настоящие психологические тесты Германа Роршаха, в которых мысли тестируемых выявляют путем ассоциаций, возникающих у них при виде неопределенных симметричных форм.
Пряжа и камуфляж
Заказ итальянского производителя пряжи в 1983 году натолкнул Уорхола на идею создания серии абстракций путем шелкографирования радужно-разноцветной пряжи по всей поверхности картин. Эти чисто механические банальные переплетения линий вызывают в памяти картины знаменитого абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, работавшего в технике «дриппинг» (dripping). Вместе с тем они отличаются от полло-ковской неистово экспрессивной техники нанесения краски вручную.
В картинах серии «Камуфляж» (1986) Уорхол использовал готовый шаблон, а формально-декоративные свойства подчеркивал за счет избыточно ярких комбинаций и повторений отдельных элементов, характерных для функционального милитаристского дизайна.
Хотя в этой серии имеются типичные для абстрактной живописи середины XX века оконтуренные пространства, заполненные цветом, в ней также проявляются палитра и смелые образы Анри Матисса, которого Уорхол считал образцом для подражания и чьи работы также можно увидеть в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (коллекция сестер Кон). Если принять во внимание заложенные здесь скрытые образы, такой «камуфляж» представляется достаточно провокационным для художника, утверждавшего, что все в его творчестве и в нем самом лежит на поверхности.
Процесс фотошелкографии
На протяжении большей части своей карьеры Энди Уорхол использовал фотошелкографию для создания ярких, четких, отчетливо очерченных изображений. Возможности технологий массового производства приводили его в восторг, и многие из картин, представленных на выставке в Балтиморе, он создал в сотрудничестве с коммерческими фотостудиями и типографиями. Уорхол начинал работу над картиной с фотографии, сделанной им самим или найденной в каком-нибудь журнале, рекламном объявлении, газете или в коллекции раскадровок фильмов. Он посылал фотографию в фотостудию, где ее превращали в контрастное черно-белое изображение на прозрачной пленке. Коммерческая мастерская шелкографии использовала эту прозрачную пленку для нанесения изображения на ткань, натянутую на раму.
Шелк обрабатывался так, чтобы типографская краска проникала только сквозь определенные участки ткани, а остальная поверхность оставалась «заблокированной».
Получив фотоформу из мастерской, Уорхол и его ассистенты могли отпечатать изображение на любом количестве полотен. На полотно предварительно уже была нанесена сплошная заливка одного или более цветов. Для воспроизведения рисунка на покрытом краской холсте на всю поверхность фотоформы наносили типографскую краску и прикатывали ее резиновым валиком. Валик продавливал типографскую краску сквозь фотоформу ровным слоем мелких точек, но только на незаблокиро-ванных участках. Используя этот многоэтапный процесс, Уорхол разработал новую технологию современной живописи, впоследствии ставшую его повсеместно узнаваемым авторским стилем. На протяжении последнего десятилетия своей карьеры Уорхол вернулся к традиционной живописи кистью, часто микшируя в одном и том же произведении живопись «вручную» с техникой шелкографии.
Совместные произведения («Коллаборации»)
Пока Уорхол разрабатывал свое направление в абстрактной живописи, на нью-йоркскую художественную сцену ворвались неоэкспрессионисты с их драматичными и эмоционально насыщенными метафорическими сюжетами. В октябре 1982 года владелец художественной галереи в Швейцарии Бруно Бишофбергер познакомил Уорхола с Жан-Мишелем Баския. Тот получил признание как художник, выплеснувший на холст эмоции и страсти улиц и соединивший высокое искусство с повседневностью, что оказалось удивительно созвучно творчеству Уорхола. Его поразила легкость, с которой творил этот молодой человек (Баския был младше Уорхола на 30 лет).
Между ними установились близкие отношения, продолжавшиеся около трех лет. Дни проходили в совместной работе над картинами в студии и заканчивались развлечениями в ночных клубах. В разгар работы над «Коллаборациями» Уорхол признался: «Жан-Мишель заставил меня писать по-другому, так что это дело хорошее». Под «хорошим делом» подразумевалось писание картин кистью, «вручную».
Оценив незаурядный потенциал этого партнерства, Бишофбергер заказал серию совместных работ Уорхола, Баскии и итальянского художника Франческо Клементе, в результате чего родились такие произведения, как «Происхождение хлопка» (1984). Уорхол и Баския продолжили работать вместе, создав еще более сотни общих картин. В начале их сотрудничества Уорхол шелкографировал свои логотипы для создания фона, на котором его товарищ рисовал скалящиеся физиономии и примитивное граффити.
Со временем Баския начал добавлять в картины шелкогра-фированные изображения, а Уорхол после долгих лет использования фотографий, шелкографии и валиков заново открыл для себя живопись. По сути, «Коллаборации» ознаменовали собой не только возврат Уорхола к традиционной для живописи технике, но и его возвращение к фигуративу.
Подобно работам Уорхола 1960-х и 1970-х годов, «Коллаборации» представляют собой отражение того времени, когда они создавались. Примером этому может служить и работа «Без названия (Инфаркт)», в которую художник включил заголовок «Джесси [будет] с Фрицем, а я сам по себе» — аллюзия к Джесси Джексону и Уолтеру (Фрицу) Мондейлу, кандидатам на пост президента США от Демократической партии в 1984 году.
Черно-белая реклама и физиологические диаграммы
В 1950-е годы молодой Уорхол был преуспевающим графическим дизайнером коммерческих проектов в области индустрии моды. В 1985 году он вновь обратился к рекламным образам, но теперь прообразами для его работ стали черно-белые рисунки и текст дешевой рекламы в газетах, в объявлениях на последних страницах журналов по бодибилдингу и в евангелистских религиозных брошюрах. Подобные незамысловатые ностальгические образы ранее уже появлялись в тех картинах переходного — между рекламой и живописью — периода, которые Уорхол создавал в поисках своего собственного поп-арт стиля в начале 1960-х.
Интерпретация изображений бодибилдеров в «Черно-белой рекламе» Уорхола связана с другой серией, включающей «Физиологическую диаграмму» (около 1984-1985). Создание этих изображений человеческого тела совпало с началом кризиса в сфере здравоохранения, связанного с распространением ВИЧ, а также со все более очевидным для Уорхола старением собственного тела. Демонстрировавший неизменное поклонение физической красоте объектов своего творчества, в том числе людей, которые посещали его студию «Фабрика», сам художник был весьма ослаблен увечьями, полученными во время покушения на него в 1968 году.
К 1980 Уорхол стал регулярно выполнять физические упражнения, заинтересовался альтернативными лечебными практиками Нью-Эйдж и связанными с этим графическими символами (такими, например, как схема на картине «Физиологическая диаграмма»).
Черно-белые рекламные объявления
Уорхол создал серию «Черно-белые рекламные объявления», используя свою «патентованную» технику поп-арта: он вырезал рекламные объявления, создавал их проекции, переводил проекции на бумагу и заказывал ацетатные фоторамы для последующей шелкографии.
Однако в некоторых случаях, вдохновленный «Коллабора-циями», созданными совместно с Баския, Уорхол писал рекламные объявления на бумаге, а затем заказывал фоторамы на основе этих изображений, сохраняя следы от щетины, мазков и капель краски на окончательном отпечатке. Рисунки Уорхола от руки и текучая живописная фактура оживляют поверхность этих работ, которые в основном представляют собой шелкографи-рованные репродукции его оригинальных рисунков кистью.
Более крупные картины серии «Черно-белые рекламные объявления» он писал непосредственно на холсте, следуя проекции рекламного объявления, как, например, в картине «Две пятидолларовые купюры. Тяжелоатлет» (1985-1986). В этих работах видна текучая живописная фактура и мягкая линия. Во всех «Черно-белых рекламных объявлениях» Уорхол намеренно соединяет ручные и механические процессы, в полной мере используя возможности создания зрительных иллюзий.
Автопортреты
Подобно Рембрандту или Пикассо, Уорхол был весьма плодовит по части автопортретов. Наиболее известна выполненная в 1986 году серия изображений на фоне пустоты, в хаотично растрепанном парике наподобие узнаваемой шевелюры друга Уорхола Баскии (чью прическу создал известный стилист Раст). В отличие от картины «Автопортрет. Обои» (1978), портреты в парике представляют собой безжалостные изображения постаревшего художника, вызывающие тревожные чувства.
В то же время и контур фигуры на раннем автопортрете на обоях, и встречающаяся в более поздних картинах словно отделенная от тела голова создают призрачный образ человека, который однажды заметил: «Я уверен, что если посмотрюсь в зеркало, то не увижу ничего. Люди часто называют меня зеркалом, а если зеркало смотрит в зеркало, что можно там увидеть?»
Тайная вечеря
Написанная по заказу греческого артдилера Александра Иоласа, устроившего первую персональную выставку Уорхола в 1952 году, серия «Тайная вечеря» стала главным экспонатом на церемонии открытия новой галереи Иоласа в Милане. Она расположилась напротив монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, в трапезной которого находится знаменитая фреска «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи. Для этой выставки Уорхол сделал серию шелкографий, крепившихся непосредственно к стене и как бы имитировавших фрески Леонардо. Уорхол изготовил дополнительные версии, проецируя исходное изображение на полотно и очерчивая фигуры от руки. Над одной из своих выдающихся поздних серий Уорхол работал больше года. В общей сложности было сделано более сотни вариантов «Тайной вечери», включая самые масштабные картины из созданных художником за всю его карьеру.
Когда Уорхола спрашивали, имеет ли изображение «Тайной вечери» какое-либо особое значение для него самого, он уклончиво отвечал: «Нет. Это хорошая картина». Только из надгробной речи на похоронах художника большинство людей узнало о том, что он был верующим католиком. Эти картины могут воплощать как личные религиозные верования, так и непочтительное отношение к сюжету, выразившееся в ироничных вставках коммерческих логотипов и потенциально греховном повторении образа Иисуса Христа.
При ретроспективном взгляде особую остроту приобретает создание интерпретаций последней трапезы Христа и апостолов незадолго до смерти Уорхола, наступившей 22 февраля 1987 года вследствие неожиданных осложнений после операции.
Вернуться назад
Теги:
www.tg-m.ru