Энди уорхол стиль: К 90-летию Энди Уорхола: Интеллигентный Белый Кролик-суперзвезда

Содержание

К 90-летию Энди Уорхола: Интеллигентный Белый Кролик-суперзвезда

Человек, перевернувший с ног на голову современное искусство, один из самых известных и дорогих художников в мире родился в Пенсильвании в рабочей семье иммигрантов-русин со стремлением оказаться среди творческой богемы. Вернее, даже не среди, а в первых ее рядах.

Неизвестный Вархол

После окончания Технологического института Карнеги, за обучение в котором родители Эндрю Вархола отдали все сбережения, Интеллигентный Белый Кролик — студенческое прозвище будущей звезды поп-арта — перебрался в Нью-Йорк, ближе к заветной цели. Одетый в белоснежный костюм, он обивал пороги изданий модных журналов, предлагая услуги графического дизайнера Vogue и Harper’s Bazaar и талантливо выполняя заказы.

Энди Уорхол с мамой

В то время у молодого художника, соседствовавшего в квартире с тараканами и сомневавшегося практически в каждом своем движении, открылся особый дар, придавший ему уверенности, — понимание конъюнктуры.

Так, например, производители кожаных изделий Тедди и Артур Эделманы попросили Уорхола создать рекламный образ их туфель из змеиной кожи. Художник нарисовал змею в виде туфли, и это простое решение стало прямым попаданием в идею.

Его иллюстрации имели успех, а рекламный заказ обувной компании «И. Миллер» с нарисованной чернилами обувью со специально сделанными кляксами дал начало попыткам Уорхола устроить персональные выставки.

Первая не получила должных восторгов, и Уорхолу пришлось ждать еще несколько лет, пребывая в поисках ответа на вопрос «Что ты больше всего любишь?». Так художник начал рисовать деньги. В расцвет поп-арта, главной особенностью которого было виртуозное стирание границ между высоким и низменным, пенсильванский Белый Кролик пришел к триумфу. Выставка 1962 года в галерее Ferus Gallery в Лос-Анджелесе поразила публику. Гости словно оказались среди полок супермаркета: банки с супами, бутылки Coca-Cola, изображения долларовых банкнот — здесь сконцентрировались все обыденные и милые сердцу каждого американца элементы повседневной жизни, возвращавшие искусство в реальность.

Через несколько месяцев все экспонаты триумфальной выставки стали доступны ньюйоркцам, в том числе и ставший легендой «Диптих Мэрилин». Позднее главный символ Америки, очаровательную легкомысленную блондинку, в работах Уорхола сменили Элизабет Тейлор, Одри Хепберн и Элвис Пресли.

Уорхол — это стиль жизни

Мир денег и мир вещей, сделавшие Энди Уорхола звездой, окончательно закрепили за ним место в мире роскоши и моды, где художник всегда мечтал оказаться.

Эндрю Вархол создал не просто творческий псевдоним — Энди Уорхол, — но марку, воплощавшую собой известность и торжество потребительской культуры. Как это удалось застенчивому человеку, пережившему в детстве болезнь под названием «Пляска святого Витта», находившемуся в постоянном конфликте с внешностью, до сих пор загадка. Потемки души Энди Уорхола в сочетании с публичностью породили вокруг его личности множество мифов.

Это пошло только на пользу, когда в 1963 году, после успеха выставки супов «Кэмпбелл» и портретов Мерилин Монро, он открыл «Фабрику». В здании на Манхэттене закипела бурная деятельность по созданию произведений современного искусства. Уорхол окружал себя красивыми людьми, участвовавшими в бесконечных вечеринках и перформансах. Его «мастерская художника» стала исключением из всех правил. Не уединенным местом, принадлежащим одному, но шумным и одновременно таинственным для посторонних.

К слову, стремление к идеальной красоте выражалось не только в педантичной обработке портретов знаменитостей, с которых Уорхол тщательно убирал все изъяны — дефекты кожи, морщины, лишние подбородки. Недовольный собственной внешностью, художник обратился к пластическому хирургу, доверив исправить нос «картошкой», приобретавший красный оттенок под солнечными лучами.

«Фабрика» и Уорхол обосновались в репортажах светской хроники, на страницах журналов и газет и вскоре стали символом Нью-Йорка.

Здесь же родился журнал The Interview, быстро обретший популярность во всем мире. В стенах знакового места создавалось до 80 печатных произведений в день — репродукций с портретами знаменитостей, которых Уорхол фотографировал в своей мастерской при помощи Polaroid. Так он превращал искусство в коммерческий «бизнес-арт», окруженный блеском, скандалами и слухами.

Конвейер The Velvet Underground

Суперзвезда — явление, во многом обязанное возникновением Энди Уорхолу. Его «Фабрика», объединившая единомышленников, зиждилась на исключительном эгоизме своего создателя, порождая новых персонажей поп-культуры.

Одним из самых заметных стала Эди Седжвик — бедная богатая девочка из состоятельной семьи железнодорожных магнатов, словно созданная для богемного общества под предводительством Уорхола. Эди и Энди стали настоящей сенсацией, медийной парой, украшавшей все модные события Нью-Йорка. Две серебряные элегантные птицы — так выглядели самые желанные гости громких вечеринок, Уорхол и Седжвик.

Эди Седжвик и Энди Уорхол

Однако слава Эди уложилась в минуту: «Она была рассеянной и беззащитной, и это делало ее отражением тайных фантазией каждого. Она могла быть кем угодно — маленькой девочкой, женщиной, умной, глупой, богатой, бедной. Прекрасная-прекрасная пустышка», — говорил о ней Уорхол. Художник переключил внимание на немецкую певицу и модель Нико и сделал ее солисткой группы The Velvet Underground. Впрочем, ее звездность тоже не была продолжительной. После этой яркой вспышки на небосклоне «Фабрики» засветился поэт, фотограф и кинематографист мультитворческий Джерард Маланга, а за ним — бунтарка из религиозной семьи Изабель Коллин Дюфрен, ставшая музой не только Уорхола, но и Сальвадора Дали.

Культовые вещи

Уорхол любил вещи и отражал эту любовь в работах. Любимые туфли, например, он носил 25 лет. Коллекция его имущества насчитывает тысячи вещей, которые их владелец заботливо хранил при жизни. Даже супы марки «Кэмпбелл» не были случайны: художник признавался, что ел их на обед ежедневно с самого детства, и не стеснялся предлагать это сомнительное блюдо звездным друзьям.

В Питтсбурге находится крупнейший американский музей, посвященный жизни и творчеству одного человека. На площади 8200 кв. метров, на семи этажах, размещено 77 скульптур, 4000 фоторабот, личные письма, огромная коллекция киноработ и видеозаписей, парики, обувь, одежда Уорхола и многое другое, и за всем этим следят около ста музейных сотрудников.

Модный феномен и персонаж поп-культуры

Уорхол занял важное место в моде XX века. Он сотрудничал со многими дизайнерами, а его работы нередко ложились в основу принтов. Так, в 1966 году к творчеству художника обратился Ив Сен-Лоран, с которым тот был в приятельских отношениях.

В конце 1980-х Энди Уорхол работал с дизайнером Стивеном Спраусом, дав ему разрешение на использование трафарета «Камуфляж». Принято считать, что именно Уорхол и Спраус ввели в моду камуфляжный принт, без которого трудно представить стиль милитари.

Джанни Версаче также создал несколько платьев, взяв за основу картины художника. В 1991 году он вывел на подиум главных моделей эпохи, нарядив их в платья с изображениями Мэрилин Монро и Джеймса Дина. А в сезоне весна-лето-2018 Донателла Версаче обратилась к архивной коллекции и перевыпустила легендарные платья.

Джанни Версаче, показ весна/лето 1991

Донателла Версаче, весна/лето 2018

Художник стремился оставить след практически везде, используя для этого все возможные инструменты, начиная от детской страсти к коллекционированию журнальных вырезок и заканчивая функционалом медиапространства.

Телешоу, затеянное Энди Уорхолом, должно было называться «Ничего особенного» — так, несмотря на всеобщую популярность, ощущал себя художник. Однако ему не поверили: за статусом суперзвезды и «фабриканта» коммерческого поп-арта застенчивость Уорхола окончательно затерялась. Публика не воспринимала художника в отрыве от его работ ни при жизни, ни после его смерти.

Образ Энди нашел отражение и в кинематографе. В разное время роль художника исполняли Дэвид Боуи, Гай Пирс, Джаред Харрис и Эван Питерс. Все воплощения Уорхола на экране, созданные разными актерами, объединяет несколько качеств: загадочность, меланхоличность, высокомерие и величие.

Его странности, нездоровый бледный вид и замкнутость стали стимулом на пути к популярности. Современники «Фабрики», размышляя о феномене Уорхола, сходятся во мнении, что этому человеку удалось оттолкнуться от недовольства собой, приняв его как должное и обратив в свою пользу.

Икона Стиля: Эди Седжвик

Журналисты и биографы до сих пор не могут до конца сказать, что стало причиной размолвки одного из самых успешных творческих дуэтов XX века. Самой популярной причиной называется краткосрочный и страстный роман Эди с культовым музыкантом Бобом Дилланом. Ради него Седжвик оставила своего наставника Уорхола и разорвала все контакты с «Фабрикой». Впрочем, надежда на отношения с Дилланом жила недолго – через некоторое время Эди узнала, что музыкант тайно помолвлен. Седжвик до конца своей жизни не оправилась от несчастной любви к Диллану – вплоть до своей смерти она принимала наркотики и злоупотребляла алкоголем. Девушка вышла замуж, но ее брак с Майклом Постом оказался неудачным. В ноябре 1971 года в возрасте 28 лет Седжвик умерла от передозировки наркотических веществ.

«Она была восхитительное, красивое пустое место», – говорил об Эди Энди Уорхол. Феномен Седжвик непостижим – за свою короткую жизнь девушка стала разве что не слишком удачной актрисой, но ее образ до сих пор копируется и эксплуатируется кинематографистами, а пребывание на «Фабрике» ложится в основу книг и песен. Самым известным фильмом о жизни Эди стала работа «Я соблазнила Энди Уорхола» с Сиенной Миллер в главной роли. Боб Диллан подал в суд на режиссера скандальной картины Джорджа Хикенлупера.

Основы стиля Эди Седжвик

«Мода в целом является фарсом. Люди, стоящие за ее созданием, извращенцы, создающие пугающий людей стиль. Они лишь настоящие чудаки».

Несмотря на эти слова, Седжвик стала иконой стиля еще при жизни. Переехав в Нью-Йорк, девушка остригла свои длинные каштановые волосы и покрасила их в платиновый серебристый блонд. Ее растрепанная мальчишеская стрижка, темные корни, небрежная длинная челка, которую Эди то зачесывала назад, то опускала на глаза, – одна из самых узнаваемых причесок 60-х годов. Кстати, Седжвик пользовалась не только традиционными средствами окрашивания – так, часто она использовала баллончики с серой и серебряной красками.

В целом Эди была олицетворением того времени: анорексичная и хрупкая как Твигги, она создала более свободный и богемный образ. Седжвик обожала геометрические платья, но строгие трапеции она миксовала с шикарными меховыми накидками. Непременным атрибутом имиджа Эди были плотные черные трико, которые она надевала и с легкими юбками, и с джинсовыми шортами, и с шелковыми туниками. Благодаря модельной фигуре на Седжвик прекрасно смотрелись и классические комплекты, и простые casual-миксы.

Макияж в стиле Эди – также вариации на тему четких графичных стрелок от Твигги. Седжвик пошла еще дальше: большие глаза девушки всегда были густо и очень небрежно подведены черным карандашом. Как отмечают ее знакомые, слой макияжа ложился на слой – Эди редко полностью смывала с лица make-up. Девушка использовала накладные ресницы, но не корректировала свои густые широкие брови, пытаясь отойти от «кукольного» make-up, популярного в 60-е годы. У Тэкси, как называл ее Уорхол, было огромное количество косметики, «50 пар накладных ресниц, 50 флакончиков туши, 20 брикетов туши, все оттенки теней, когда-либо выпущенные Revlon… 20 коробочек румян. Она проводила часы над своими косметичками, на все приклеивая ярлычки, протирая и начищая бутылочки и баночки. Все должно было выглядеть безупречно» (Э. Уорхол, из книги «Философия Энди Уорхола (от А к Б и наоборот)»).

Влияние художника Энди Уорхола на индустрию моды и дизайнеров

6 Августа 2021 | Валерия Парфенова

6 августа американскому художнику, режиссеру, издателю и продюсеру Энди Уорхолу исполнилось бы 93 года. Вспоминаем, как визионер и один из родоначальников движения поп-арта повлиял на модную индустрию своими яркими работами, вечеринками и дружбой со знаменитостями

93 года назад родился Энди Уорхол — иллюстратор, художник, продюсер, режиссер и, кажется, друг всех знаменитостей Нью-Йорка 60-х и 70-х.

Он не боялся словосочетания «коммерческий художник» и не стеснялся такого статуса. Наоборот, тиражное искусство, которым занимался Энди Уорхол, теперь является символом ушедшей эпохи, который очень дорого стоит. Энди Уорхол в Центральном парке в Нью-Йорке, 1968 годДружбу он как будто тоже тиражировал, как банки супа Кэмпбелл: в его близком кругу были Лайза Миннелли, Бьянка Джаггер, Жан-Мишель Баския, Грейс Джонс, Ив Сен-Лоран, Рой Холстон и его партнер Виктор Гюго… В арт-студии Уорхола «Фабрика» кипела вся творческая энергия того времени благодаря непрекращающимся встречам, вечеринкам и новым именам. InStyle.ru решил вспомнить, как художник и его окружение повлияли на моду, и показать самые значимые примеры этого воздействия.

Jean-Charles de Castelbajac, весна-лето 1984

Чтобы отдать дань уважения Энди Уорхолу и одной из самых его знаменитых работ, изображающей банку томатного супа, французский модельер Жан-Шарль де Кастельбажак создал платье-трибьют. В нем во время показа сезона весна-лето 1984 по подиуму дефилировала Инес де ля Фрессанж, знаменитая модель и дизайнер. Сейчас она занимается развитием своего бренда одежды.

Versace, весна-лето 1911

Линда Евангелиста в рекламной кампании Versace весна-лето 1991Не только суп Кэмпбелл занял умы дизайнеров — в 1991 году Джанни Версаче вывел на подиум Наоми Кэмпбелл в инкрустированном драгоценными камнями платье с изображением Мэрилин Монро с картин Уорхола. В коллекции весна-лето Versace были также туфли, сумочка, костюм с шортами и мини с лицом актрисы.

Prada, весна-лето 2014

Prada весна-лето 2014 Prada весна-лето 2014Яркие шубы и платья сезона весна-лето 2014 Prada вошли в историю как одни из самых экспериментальных работ Миуччи Прады. Несмотря на то, что мозг невольно ищет среди лиц-принтов знакомые изображения Уорхола (помимо Монро, художник рисовал Джона Леннона, Лайзу Миннелли, Грейс Джонс и многих других), креативный директор Prada не опиралась на конкретную работу художника, а попросила шесть современных авторов создать паттерны в духе поп-арта.

Prada весна-лето 2014 Prada весна-лето 2014

Moschino, осень-зима 2014/15

Moschino осень-зима 2014/15 Moschino осень-зима 2014/15Не важно, любите ли вы Джереми Скотта или ужасаетесь его любви к китчу. Дизайнер не оставляет зрителей равнодушными, активно работает с поп-культурой и образами из бытовой жизни, а это значит, что его можно назвать достойным продолжателем дела Уорхола. Вспомните хотя бы показ Moschino осень-зима 2014/15, где модели носили ярко-красную униформу McDonald’s, мерч детского мульфильма «Губка Боб квадратные штаны» и платья-упаковки от шоколада. Moschino осень-зима 2014/15 Moschino осень-зима 2014/15

Chanel, осень-зима 2014/15

Chanel осень-зима 2014/15Карл Лагерфельд тоже не смог не упомянуть в своем творчестве Энди Уорхола и его наследие. Сценография показа Chanel осень-зима 2014/15 кричала «Консьюмеризм!»: модели в одежде из новой коллекции прогуливались между полок супермаркета, забитого продовольственными товарами.

Кампания Calvin Klein, 2017 год

Кампания Calvin Klein, 2017 годСвою дебютную рекламную кампанию на посту креативного директора Calvin Klein Раф Симонс снял в музее Энди Уорхола в Питтсбурге. На фотографиях авторства Вилли Вандерперре модели позируют в архивных предметах Calvin Klein перед картинами художника. Кампания Calvin Klein, 2017 год

Источник фотографий: Imax Tree, Instagram, пресс-службы

Поделитесь с друзьями и получите бонус

Подпишитесь на рассылку InStyle.

Instyle

Marksistskaya Street, 34/10, office 403 Moscow, Russia, 109147

Знаменитому художнику Энди Уорхолу исполнилось бы 90 лет

Знаменитый американский художник, дизайнер и режиссер Энди Уорхол родился 90 лет назад. Основатель и главный представитель направления «поп-арт» был творческим человеком во всех смыслах. Он писал картины, занимался фотографией, был менеджером известных музыкантов и даже снимал кино. Один из самых интересных видов деятельности Уорхола — дизайн обложек музыкальных альбомов. «Газета.Ru» собрала десять самых ярких оформлений пластинок за авторством выдающегося художника.

«Progressive Piano» (1952)

Одна из первых работ Энди Уорхола по оформлению обложки альбома. Лейбл RCA выпустил джазовый сборник, в котором звучат лучшие пианисты 50-х годов Арт Тэйтум, Андре Превин, Ленни Тристано и другие. Это редкая пластинка, которая сегодня очень ценится как коллекционерами работ Уорхола, так и меломанами.

100%

«Progressive Piano» (1952)

Andy Warhol

Художник сделал центром композиции руки пианиста, который играет по клавишам, изображенным в виде красных и синих прямоугольников. В геометрические фигуры вписаны имена музыкантов, принявших участие в записи.

Каунт Бейси — «Count Basie» (1955)

Уорхол сотрудничал с многими известными джазовыми музыкантами, включая такую легенду, как Каунт Бейси. В 1955 году Бейси выпустил альбом, названный своим именем, который также редко встретишь в наши дни.

100%

Каунт Бейси — «Count Basie» (1955)

Andy Warhol

Уорхол от руки написал портрет великого пианиста, используя чернила и акварель, и смог добиться практически фотографической точности черт лица Бейси.

Кенни Баррелл — «Blue Lights» (1958)

И снова джаз. Но на этот раз не пианист, а выдающийся гитарист Кенни Баррелл, который повлиял на колоссальное количество блюзовых музыкантов — от Эрика Клэптона до Джимми Пейджа. В 1958 году Уорхол уже был знаменитостью, и поэтому на обложке альбома «Blue Lights» красуется подпись художника.

100%

Кенни Баррелл — «Blue Lights» (1958)

Andy Warhol

Уорхол снова рисует от руки, но уже в другой технике. На рисунке изображена лежащая обнаженная женщина. Причем отличительной чертой обложки стало отсутствие цвета, так как Уорхол нарисовал только контур на однотонном фоне.

The Velvet Underground & Nico — «The Velvet Underground & Nico» (1967)

Самая известная и растиражированная обложка Уорхола — знаменитый банан на совместном альбоме The Velvet Underground с певицей Нико. Художник очень любил Лу Рида и компанию и долгое время работал менеджером группы, а также попутно оформлял их альбомы. Банан популярен до сих пор — его изображение можно встретить на одежде, различных аксессуарах и даже на чехлах для смартфонов.

100%

The Velvet Underground & Nico — «The Velvet Underground & Nico» (1967)

Andy Warhol

Под изображением ярко-желтого фрукта красуется крупная надпись «Andy Warhol», а в правом верхнем углу мелкая — «Peel Slowly and See» («Медленно снимай кожуру и смотри»). На ранних изданиях альбома банан был наклеен на конверт, и если последовать инструкции и его отклеить, то под ним обнаруживался уже очищенный банан, но уже розового цвета.

The Rolling Stones —«Sticky Fingers» (1971)

Еще один классический рок-альбом и знаменитая обложка Уорхола. художник не стал стесняться и создал вызывающий и скандальный по тем временам дизайн, что в полной мере отражало и бунтарскую репутацию группы.

100%

The Rolling Stones —«Sticky Fingers» (1971)

Andy Warhol

Обложка представляет собой фото мужской промежности в джинсах, причем на нем хорошо видны очертания половых органов. В оригинальном виниловом издании молния на джинсах была настоящая, и если ее расстегнуть, то под ней обнаруживалось фото нижнего белья. Не обошлось и без запрета. В Испании при режиме Франко обложка была запрещена.

The Rolling Stones — «Love You Live» (1977)

Второе сотрудничество Уорхола с The Rolling Stones произошло в 1977 году для двойного концертного альбома «Love You Live». Здесь уже узнается ставший знаменитым почерк художника — он использует яркую цветовую гамму и кричащий шрифт.

100%

The Rolling Stones — «Love You Live» (1977)

Andy Warhol

Однако дизайн альбома нельзя назвать полностью Уорхоловским, так как Мик Джаггер собственноручно добавил карандашные контуры, чем изрядно расстроил художника.

Дайана Росс — «Silk Electric» (1982)

Классический Уорхол. Портрет Дайаны Росс очень напоминает по технике исполнения знаменитый «Диптих Мерилин», только художник использовал чуть более приглушенные цвета.

100%

Дайана Росс — «Silk Electric» (1982)

Andy Warhol

Дайана Росс находилась в начале 80-х годов на пике своей популярности. Пластинка «Silk Electric» получила «золотой» статус, а первый сингл с альбома был номинирован на «Грэмми» в нескольких категориях. Песню «Muscles» написал сам Майкл Джексон.

Билли Сквайер — «Emotions in Motion» (1982)

В том же году Уорхол создал обложку для популярного рок-музыканта Билли Сквайера. Он снова применил свою фирменную трафаретную печать и использовал яркую цветовую гамму.

100%

Билли Сквайер — «Emotions in Motion» (1982)

Andy Warhol

Альбом Сквайера получил статус «платинового» всего через месяц после релиза, долгое время продержался в топ-5 хит-парада Billboard, а на заглавном треке бэк-вокал спели участники Queen Фредди Меркьюри и Роджер Тейлор.

Арета Франклин — «Aretha» (1986)

Последняя работа Уорхола перед смертью — обложка к альбому Ареты Франклин «Aretha». Художник продолжил использовать свой фирменный стиль. Только Уорхол мог раскрасить волосы «королевы ритм-н-блюза» в пять разных цветов и покрасить брови в оранжевый.

100%

Арета Франклин — «Aretha» (1986)

Andy Warhol

Очень популярная в США пластинка продалась дома количеством 900 тыс. копий, несмотря на достаточно прохладные отзывы критиков. К слову, в альбом включен кавер на песню вышеупомянутых «Роллингов» «Jumpin’ Jack Flash».

Джон Леннон — «Menlove Ave» (1986)

Второй посмертный альбом Джона Леннона вышел всего за два с половиной месяца до смерти Энди Уорхола. Сам художник создал изображение великого «битла» в 1980 году незадолго до убийства Леннона.

100%

Джон Леннон — «Menlove Ave» (1986)

Andy Warhol

Пластинка включает в себя неизданные ранее песни Джона. Альбом не достиг большого коммерческого успеха, однако получил положительные отзывы критиков.

Муза Энди Уорхола, икона стиля 60-х Эди Седжвик » BigPicture.ru

Эта неординарная женщина прожила короткую жизнь и покинула мир очень давно. Но этого хватило, чтобы ее стиль до сих пор копировали, а о ее жизни снимали кино. В нынешнем году мятежной музе Энди Уорхола исполнилось бы 79 лет, но она, судя по всему, не планировала жить так долго, и сгорела — быстро и ярко.

Прочитав в детстве «Алису в стране чудес» Кэрролла, Эди Седжвик поняла, что эта книга про нее. Любовь к этому произведению она пронесла через свою короткую жизнь и даже планировала сыграть Алису в кино. К сожалению, ее мечте не суждено было сбыться, а Страну чудес Эди создавала вокруг себя сама, наполняя жизнь яркими личностями, тусовками и наркотиками.

Родилась Эдит «Эди» Минтерн Седжвик в уважаемой калифорнийской семье с достатком гораздо выше среднего. У ее родителей было все, чтобы их дочь чувствовала себя счастливой: деньги, связи, роскошное поместье в Санта-Барбаре. Но семью, в которой было восемь детей, нельзя было назвать благополучной, так как род Седжвиков преследовало зло — проблемы с психикой.

Отец Эди, Френсис Седжвик, страдал биполярным психическим расстройством, и врачи не советовали заводить ему детей. Вероятность того, что болезнь передастся по наследству была очень высокой. Именно так и случилось. Трое из восьмерых его детей трагически погибли из-за проблем с наркотиками и алкоголем или покончили с собой.

Детей в семье не баловали. Позднее Эди вспоминала, что отец был настоящим деспотом, а все члены семьи, несмотря на богатство, содержались в «черном теле». С годами недуг Френсиса Седжвика прогрессировал, и он запретил членам семьи покидать поместье. Детей перевели на домашнее обучение, они неделями не видели никого кроме родителей и прислуги.

Параноидальные симптомы отца семейства причудливо переплетались с похотливостью. Незадолго до смерти Эди призналась брату, что отец растлевал ее, а однажды она застала его с любовницей. Тогда отец избил девушку и отправил к психиатру, обвинив в нездоровых фантазиях. Это было только начало — Эди провела в психиатрических клиниках долгие месяцы своей жизни в борьбе с мнимыми и реальными психическими проблемами.

Сложно сказать, когда Эди Седжвик впервые попробовала наркотики. Вероятнее всего, это произошло в 1963 году, когда она поступила в Кембридж. Подруги по университету вспоминали, что поначалу она выглядела растерянной и беззащитной, всем хотелось проявить к ней заботу, чем-то помочь. Но заботу все понимают по-разному и, вероятно, кто-то начал снабжать юную студентку запрещенными веществами.

В университете Седжвик долго не задержалась — всего через год после начала учебы Эди получила в наследство от родственницы квартиру в Нью-Йорке и без колебаний переехала туда, оставив Кембридж занудам в очках. У девушки были грандиозные планы: она мечтала стать моделью и актрисой и страстно желала погрузиться в богемную жизнь американской столицы роскоши и искусств.

С деньгами у Эди было негусто — родители не баловали своих отпрысков. Но очень скоро Седжвик завела нужные знакомства и стала жить на широкую ногу. Она обедала в лучших ресторанах, передвигалась по городу на лимузинах и каждый день меняла наряды. В это время наркотики стали занимать важнейшее место в жизни девушки — они помогали Эди, застенчивой от природы, чувствовать себя уверено.

Энди Уорхол и Эди Сэджвик

На одной из вечеринок в 1965 году Седжвик познакомилась с Энди Уорхолом — художником, провокатором и бунтарем. Она поразила воображение гения грацией и беззащитной красотой. Их первую встречу Уорхол описывал так: «Она танцевала, словно древняя египтянка. Красиво, грациозно наклоняла голову. Так не умел больше никто. Люди так и называли этот танец – «седжвиком».

Возможно, если бы Уорхол не был геем, он влюбился бы в Седжвик, но женщины интересовали эпатажного художника только как личности. Эди, благодаря своей неординарности, заняла важное место в жизни Уорхола. Она стала его другом, советчиком и музой. Пара часто появлялась вместе на публике, а их телефонные разговоры продолжались часами.

Уорхол снимал короткометражные артхаусные фильмы и Седжвик играла в них ключевые роли. Картины эти не демонстрировались широкой публике — они были адресованы окружению Уорхола и показывали их в его арт-пространстве. Несмотря на это, в богемной творческой среде Седжвик быстро возвели в ранг новой иконы и буквально боготворили.

Энди Уорхол утверждал, что Эди идеально похожа на него и даже смогла бы сыграть его в кино. Девушка и на самом деле выбрала необычный стиль и стриглась как мужчина. Родной, каштановый цвет волос она изменяла на серебристый при помощи красящего спрея. Таким ее и запомнил мир — хрупкой блондинкой с огромными глазами, украшенными накладными ресницами, и с мальчишеской стрижкой.

В Нью-Йорке Седжвик блистала не только на тусовках творческих людей — она смело шагнула в мир большой моды, заявив о себе как модель. Этому способствовало знакомство Эди с главным редактором Vogue Дианой Вриланд, которая сразу оценила стиль девушки и ее неординарную внешность. Фото Седжвик начали появляться сперва на страницах флагмана моды, а затем и в других американских глянцевых журналах.

В то время выработался узнаваемый «стиль Седжвик» — черные облегающее трико и мини-платья. Еще Эди любила леопардовые пальто, которые могла носить с чем угодно и даже просто на голое тело. Бессменным аксессуаром иконы стиля 60‑х стали длинные серьги-шандельеры, которые резко контрастировали с ее короткой стрижкой.

Многим казалось, что Эди Седжвик достигла успеха и больше ей не о чем мечтать. Но это было не так. Девушка мечтала о мировой славе, а не о фотосессиях для журналов и ролях в короткометражках «для избранных». Но в большое кино попасть было не так уж легко и Сэджвик там не ждали.

В личной жизни музе Уорхола не везло — у Эди было немало романов с известными личностями, но все они были мимолетными. У Седжвик даже была любовная связь с Бобом Диланом, который, якобы посвятил ей альбом Blonde On Blonde. Девушка хотела выйти замуж за музыканта и сняться с ним в кино. Но это шло вразрез с планами самого Дилана, который предпочел тайно обручиться с другой.

После этого Седжвик сошлась с другом рок-звезды Бобом Ньювиртом. Их любовная связь также не была продолжительной — Бобу очень быстро надоела подружка, постоянно пребывавшая в наркотическом угаре, и он ее бросил. Постепенно портились отношения и с самым близким для Эди человеком — Уорхолом. В Седжвик играли амбиции, она считала, что Энди выставляет ее в своих картинах как посмешище, эксплуатируя и не давая развиваться.

Вскоре Уорхолу, который был эгоцентриком и не переносил истерик и сцен, надоели упреки и скандалы, и он навсегда вычеркнул Седжвик из своих проектов, а позднее — и из жизни. Художника обвиняли в том, что он пристрастил девушку к наркотикам, использовал и бросил. Но Уорхол всегда настаивал на том, что никогда не поощрял чрезмерную любовь Эди к запрещенным веществам и не мог ей помочь, так как девушка не хотела этого сама.

Без Уорхола мир Эди Седжвик рухнул — она поняла, насколько беспомощна и одинока в этом мире. Единственной ее попыткой удержаться на плаву стал фильм «Чао, Манхэттен!» — сумбурный и мрачный. Во время съемок в номере отеля «Челси», где жила Эди, произошел пожар, и актриса попала с ожогами в больницу. Пройдя курс лечения, Седжвик решила уехать из Нью-Йорка и начать новую жизнь в родной Калифорнии.

Но новой, светлой жизни не получилось. Виной этому были наркотики, которые продолжала употреблять Эди. Она пыталась бороться со своей зависимостью, но отрава занимала слишком важное место в ее судьбе. После переезда в Калифорнию Седжвик чаще находилась в психиатрических больницах и наркологических клиниках, чем дома.

В одном из подобных учреждений она познакомилась с бывшим наркоманом Майклом Постом, который летом 1971 года стал ее мужем. Затем последовал короткий период счастливой семейной жизни, без кокаина, антидепрессантов и алкоголя. Но уже осенью все снова завертелось в наркотическом угаре, а брак дал трещину.

Последний вечер своей жизни Эди Седжвик провела привычно для себя — на шумной вечеринке. Это было мероприятие с показом мод в Санта-Барбаре и последующим банкетом. По пути домой женщина поссорилась с мужем и как обычно решила бороться с проблемами при помощи наркотиков и барбитуратов. В ту ночь Седжвик переусердствовала с препаратами и алкоголем, поэтому утром 16 ноября 1971 года уже не проснулась. Иконе стиля было 28 лет.

Смотрите также:
Горячая Рози Рофф, модель и самая высокооплачиваемая ринг-герл,
Микайла Демайтер – самая сексуальная хоккеистка Канады,
Трагическая история Марго Хемингуэй — супермодели и внучки классика американской литературы

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Художественное тиражирование Энди Уорхола

Энди Уорхол долго искал свой стиль. Однажды вечером приятель сказал ему: «Ты должен написать нечто, что все видят каждый день, что все знают. .. ну, например, банку супа».

До этого Уорхол писал бутылки колы, но все еще чувствовал себя обязанным добавить абстракционистских потеков и сгустков краски.

На следующий день после этого разговора Энди Уорхол купил в соседнем магазине по банке каждой из тридцати двух разновидностей супа «Кэмпбелл». Впрочем, он всегда любил «Кэмпбелл», особенно томатный, мама Юлия часто подавала его на обед. Энди Уорхол сделал цветные слайды всех банок, спроецировал их на экран и обвел контуры. Затем он написал каждую банку на холсте.

После смерти Мэрилин Монро в 1963 году Уорхол доработал этот метод, создав серию портретов звезды. Он не столько писал их красками, сколько использовал сложную трафаретную технику, которую часто при меняют для нанесения надписей на футболки и которая позволяла ему создавать серии идентичных образов. Это уже напоминало продукция типографского производста. Уорхол написал двадцать три различных Мэрилин, от «Золотой Мэрилин» — единичное изображение на золотом фоне — до «Мэрилин, диптих» — две сотни повторений одного и того же портрета на четырехметровом холсте.

Эти портреты были одновременно и жестом преклонения, и критическим подходом к славе: такое количество повторений превращает женщину в товар, что и является конечной ценой славы.

Полезная информация:
Типография «Еврографика», оказывающая услуги по изготовлению и печати полиграфической и рекламной продукции, осуществляет изготовление календарей. Печать календарей будет производиться офсетным способом. Возможны самые разные варианты календарей: настенные перекидные календари, квартальные календари, карманные и настольные календари и т.д.

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Всё об иконе: Энди Уорхол

«, «articleBody»: «Промышленно-производственный персонал Питтсбурга XX века состоял в основном из европейских и восточнославянских иммигрантов. В пик промышленного развития Питтсбург был восьмым по величине городом США.

Его отдельные районы считались (среди крупнейших этнических групп) уникальным переосмыслением самого города. Традиции и реликвии этих этнических групп до сих пор остаются важной частью современного Питтсбурга. Среди кварталов работников сталелитейной, строительной и консервировочной промышленностей встречались очаги интеллигенции. Благодаря преподавателям и студентам двух ближайших университетов – Питтсбургского университета и Технологического института Карнеги (позже переименованного в Университет Карнеги-Меллон) – начала стираться граница между иммигрантами, просто проживающими в США, и мигрантами-интеллектуалами. Здесь в 1928 году родился Энди Уорхол (урожденный Эндрю Вархола), четвертый ребенок в семье домохозяйки Юлии и шахтера Андрея Вархолы. Энди Уорхол рос и изучал коммерческое искусство именно здесь, в обычном промышленном американском городке. Юный Уорхол (в центре) в окружении семьи, 1940-е годыДо получения степени бакалавра изящных искусств в Технологическом институте Карнеги, Уорхол обучался в средней школе Шенли.

Благодаря своим ярко-синей мебели и стенам из известняка Шенли стала самой популярной школой в государственной школьной системе города. Еще на этапе проектирования Шенли выделялась среди других школ на национальном уровне, а после открытия в 1916 году она стала первой средней школой США, на строительство которой потратили больше миллиона долларов.Шенли оказалась для будущей звезды эксцентричной проверкой на прочность. В силу обстоятельств Уорхол стал изгоем: в 13 лет он оказался прикован к постели из-за заболевания нервной системы, которое наградило его дрожанием конечностей и неравномерным цветом кожи. Пропуская уроки и вместе с ними всю активную подростковую жизнь, Энди Уорхол был замкнутым и держался особняком, мотаясь из больницы домой и снова в больницу. В эти затворнические годы основное внимание он уделял своим художественным навыкам и проявлял огромный интерес к знаменитостям. Сопротивляясь соблазну уехать в колледж подальше от дома, он решил поступить в Технологический институт, находящийся в соседнем районе Питтсбурга, и изучать искусство.

Пересечение промышленной Америки и изящных искусств стало основным источником вдохновения для большинства его работ.После университета Уорхол переехал в Нью-Йорк и начал карьеру иллюстратора коммерческой рекламы и изданий. Его первой подработкой стали иллюстрации женской обуви для журнала Glamour. С помощью своего оригинального стиля Уорхол придавал обуви оригинальность, придумывал её историю и место в американской жизни. Работа коммерческим художником помогла ему стать главным дизайнером бренда женской обуви I. Miller, должность которого он занимал в течение 50-х годов. В свободное время Уорхол обучался технологии трафаретной печати у Макса Артура Кона, что позволило Уорхолу разработать свой собственный стиль с повторяющимися и переосмысленными изображениями. Поскольку его сотрудничество с Israel Miller начало мешать его новообретенной страсти, Уорхол ушел оттуда и стал подрабатывать иллюстратором для RCA Records, Harper’s Bazaar, NBC, Tiffany & Co. и Vogue. Но искусством Уорхол начал заниматься только в 60-х.

Несмотря на то, что его рекламные проекты заслужили признание рекламных критиков и сообщества, его имя еще не было повсеместно известным. Уорхол в окружении муз на Фабрике, 1960-еВдохновившись своим родным городом и промышленными истоками своего второго дома (Нью-Йорка), Уорхол разработал концепцию Фабрики – места, где могли сосуществовать знаменитости, художники и писатели. Если вы были достаточно круты, то вы ходили на Фабрику. Если вам везло, то вас рисовал сам Уорхол. Быстро превратившись в самое крутое место города, Фабрика подняла Уорхола в верхние эшелоны мира искусства. Энди Уорхол считался самым интересным и способным человеком индустрии, а его крашеная седина и очки в прозрачной оправе стали ассоциироваться со стилем 60-х. Из-за преднамеренно быстрого производства работ становилось всё больше. Он стал автором культовых американских изображений – это были банки с супом Кэмпбелл, электрические стулья, атомные бомбы, банки Кока-Кола, денежные знаки, протесты в защиту гражданских прав и знаменитости.

Несмотря на то, насколько уорхоловскими были его работы, они в равной степени отражали как индивидуальность самого Уорхола, так и дух того времени.Если не брать в расчет его художественный вклад, то национально известным Уорхола сделали его портреты знаменитостей и его дружеские связи. Его выходки и показы, нарушающие привычные рамки, заставляли зрителей задаваться вопросом о том, что такое искусство. Будучи ограниченным трафаретами и холстами на ранней стадии развития печатной графики, Энди Уорхол демонстрировал впечатляющую производительность. В это время его популярность достигла новых высот. Он мог выбрать любое изображение из повседневной американской жизни и превратить его в фантастическое произведение искусства. Его работы были повсюду – он сам был повсюду. Уорхол часто попадал на первые полосы газет и журналов и появлялся на каждом громком событии. Он элегантно украшал задние планы фотографий, снятых папарацци. Его практичность в работе начиналась как протест против стандартов.

Мир авангарда, который построил Уорхол, основывался на индивидуальности, самовыражении и интеллекте.Необычный внешний вид Уорхола был так же знаменит, как и он сам. Водолазки, полосатые рубашки с длинными рукавами, вельветовые пиджаки и свободные белые рубашки классического кроя всегда были в ходу. Уорхол почти всегда носил лоферы и предпочитал качественные вещи, что неизбежно привело его к бренду Berluti, который и по сей день производит одни из самых лучших – и самых дорогих – ботинок в мире. Получив в 1962 году заказ Уорхола – классические лоферы, – Ольга Берлути решила поступить иначе. Восхищаясь Уорхолом, внучка основателя компании вручную сделала пару лоферов специально для художника. Она воссоздала ботинки с нуля – это был обтекаемый обновленный вариант, подходящий свободомыслящему художнику. Лакированные лоферы, названные The Andy, стали излюбленной обувью Уорхола и до сих пор являются неотъемлемой частью ассортимента Berluti.Как и в случае с лоферами, Энди Уорхол во всём предпочитал постоянство.

Никогда не появляясь без своих фирменных очков Moscot, художник чередовал черные и прозрачные пары. Его очки были такими же культовыми, как и его крашеная седина, и повлекли за собой бесчисленное количество похожих моделей у других брендов, начиная от Warby Parker и заканчивая Celine. С возрождением интереса к этому стилю после многочисленных подделок и переработанных версий несколько лет назад Moscot вернули силуэт Miltzen, который стал постоянным лидером продаж. Уорхол в своих знаменитых очках MoscotМодные амбиции Уорхола выходили за пределы его собственного гардероба. Некоторые из его принтов оказались на одежде, в частности, всеми известное изображение банки супа Кэмпбелл. В 1962 году Уорхол начал печатать изображение супа на женских платьях, которые быстро появились на звездах и модницах по всему городу. Успех платьев в качестве эксклюзивного символа статуса не остался незамеченным самой компанией Campbell, которая осознала свою новообретенную популярность и попыталась на этом заработать.

Компания начала продавать платье Souper Dress – бумажную версию знаменитого платья Уорхола. Платья за один доллар распродавались мгновенно.К 1968 году вездесущность Уорхола для некоторых стала невыносимой. Радикальная активистка Валери Соланас во время знаменитого инцидента на Фабрике чуть не убила художника. Хотя высоколобые интеллектуалы уже давно проводили время на Фабрике, в конце 60-х годов её посещаемость резко выросла. Частая гостья и подруга, Соланас призналась, что Энди Уорхол слишком контролировал её жизнь, что побудило её застрелить его. После полуторагодового отдыха в 1970 году Энди Уорхол доказал, что его 15 минут славы еще не закончились. Он нарисовал свою знаменитую серию Цветы и начал набирать клиентов. Оставшуюся часть десятилетия он занимался заказами знаменитостей, политиков и брендов и занимал важную роль в ночной жизни Нью-Йорка. Уорхол часто посещал клубы и вечеринки в компании красивых женщин и появлялся на открытии выставок в окружении самых видных людей. Уорхол поддерживал близкие отношения с Мэрилин Монро, Брижит Бардо, Дебби Харри, Элизабет Тейлор, Грейс Джонс, Жаном-Мишелем Баския, Дэвидом Боуи, Миком Джаггером и Мадонной – и это лишь несколько имен из списка его самых известных друзей.

80-е ознаменовали начало кураторского периода деятельности Уорхола. Он использовал журнал Interview, который основал в середине 70-х годов, как площадку для представления своей постоянно увеличивающейся группы единомышленников, в первую очередь граффити-художника Жана-Мишеля Баския и The Velvet Underground. Энди Уорхол сыграл решающую роль в переходе Баския от улицы к изящным искусствам, а благодаря работе с The Velvet Underground, Уорхол был признан одним из самых изысканных законодателей моды и трендов Америки. По часовой стрелке сверху слева: Andy Warhol x Comme des Garçons, кеды Andy Warhol x Converse, джинсы Damien Hirst x Levi’s для The Andy Warhol Foundation, сноуборд Andy Warhol x Burton, лонгборд Alien Workshop для The Andy Warhol Foundation, кеды Campbell’s x Supreme x VansВ 1986 году Энди Уорхол сидел в первом ряду, когда Жан-Мишель Баския участвовал в модном показе коллекции Весна/Лето 1997 Comme des Garçons Homme Plus. Он посещал все открытия и пресс-конференции Баския.

Также они часто работали вместе, что обоим было только на пользу. Их совместные труды – фотография, живопись и коллаж – стали легендарными в своем культурном значении.Компания Уорхола не ограничивалась художниками и музыкантами, она была разнообразной и обширной. Помимо своих близких друзей (Баския, Кита Харинга и Джулиана Шнабеля), Уорхол также предусмотрительно нанял журналиста Гленна О’Брайена в Interview в качестве редактора. О’Брайен сблизился с Уорхолом, быстро превратив работу в дружбу на всю жизнь. Они оба, наряду с Харингом, Баския и Шнабелем, были центральными фигурами поколения, и О’Брайен даже написал сценарий фильма по мотивам их жизни. Только благодаря работе с Уорхолом О’Брайен смог запустить свое телевизионное шоу TV Party! и в конечном итоге получить должность ведущего колонки GQ Style Guy, которую он занимал на протяжении долгого времени.Несмотря на загадочный стиль Уорхола, его дружбу с легендарными личностями и беспрецедентный нюх на таланты, спустя почти 25 лет после начала карьеры художника-иллюстратора, критикам и коллекционерам стало казаться, что его стиль утратил новизну.

На него навесили ярлыки коммерческого и поверхностного искусства. Его последним работам не хватало влияния его раннего творчества, слава и культурная значимость затмило его мастерство. Энди Уорхол умер в феврале 1987 года. Его похоронили рядом с родителями – в знаменитых очках Moscot, кашемировом пиджаке и платиновом парике.Сразу после смерти Уорхола его творчество вновь стало считаться актуальным – как это всегда бывает с покойными художниками, теперь в учет брался внезапно ограниченный статус его работ. Тем не менее, возрождение интереса продлилось недолго, и через пять лет коллекционеры и критики охладели к Уорхолу и его современникам. К 90-м годам о Уорхоле практически забыли. Когда в 1993 году 16 его картин были выставлены на аукцион, 14 из них не нашли своего покупателя. А затем в 2008 году всё внезапно изменилось. Римский коллекционер продал картину Уорхола Eight Elvises (Восемь Элвисов) из своей личной коллекции за 100 миллионов долларов.Уорхол снова привлек внимание общественности.

Его влияние вновь начало проникать во все аспекты культуры, включая мужскую одежду. Первая важная коллаборация состоялась в 2008 году, когда Levi’s, Дэмиен Херст и Swarovski, вдохновившись творчеством Уорхола, вместе создали джинсы с черепами из страз Swarovski, что открыло дорогу бесконечным творениям, навеянным Уорхолом, начиная от работ в честь художника и заканчивая настоящими коллаборациями с Фондом изобразительных искусств Энди Уорхола (The Andy Warhol Foundation).Как и большинство нью-йоркских культурных икон, Supreme тоже не смог устоять и в рамках показа Весна/Лето 2012 выпустил капсульную коллекцию Campbell’s Soup Can, что стало данью уважения покойной легенде. Несмотря на то, что это не официальная коллаборация с фондом Уорхола, различные вещи с повторяющимся рисунком (бейсболки, футболки и три версии Vans) отразили коммерческий характер работ Уорхола и смогли сделать то, что Supreme и Энди Уорхол делают лучше всего – предоставить углубленный взгляд на американскую ментальность.

В апреле 2013 года, через 30 лет после того, как Энди Уорхол посетил показ Garçons Homme Plus, марка выпустила несколько футболок с работами Энди Уорхола. Выбрав картину Уорхола Cow 12 в качестве принта на футболке, Кавакубо уделила особое внимание поворотному моменту в карьере художника. Появившаяся в знак протеста против живописи, Cow 12 стала переломной точкой в карьере Уорхола, когда он попытался доказать, что трафаретная печать тоже была полноправным видом искусства. Вечная провокаторша Кавакубо нашла точки соприкосновения между своей деятельностью и творчеством Уорхола – это было постоянное желание ставить под сомнение статус-кво. Капсульная коллекция оказалась настолько успешной, что CDG решили еще раз поработать с фондом, выпустив в начале этого года совместный аромат.Учитывая уровень влияния Уорхола на американскую поп-культуру, неудивительно, что большинство известных марок США каким-либо образом используют его работы. Например, Converse выпустили All Stars с банкой супа Кэмпбелл – в отличие от Supreme они смогли получить права на использование оригинальных изображений.

Как и Converse, работы Уорхола восхваляло бесчисленное количество других американских брендов, начиная от упомянутых Levi’s и заканчивая Burton и даже Нью-Йоркским музеем современного искусства. После того, как Supreme выпустили коллекцию со знаменитым портретом Мухаммеда Али, сделанным Уорхолом, уровень коллабораций достиг своего апогея.https://www.youtube.com/watch?time_continue=289&v=UQXpqQO4vaEНесмотря на то, что Uniqlo – это даже не американский бренд, он является самым большим коллаборатором работ Уорхола и использует различные принты художника в рамках линии UT. В сезонных коллекциях представлено всё, от автопортретов до банана The Velvet Underground.Работы Уорхола часто появляются на модных показах, особенно в последние годы. Американская икона моды, Том Форд явно создавал мужскую коллекцию Весна/Лето 2016, вдохновляясь Уорхолом. Модели на подиуме были одеты в толстые водолазки и знаменитые уорхоловские очки с квадратными оправами. В том же сезоне Дрис ван Нотен с помощью трафаретной печати нанес полароидные портреты Уорхола на пиджаки, футболки и блейзеры.

Это было воплощением страсти Ван Нотена к необычным узорам и его любовью к завидной способности Уорхола создавать замысловатые принты.Тем не менее, самое заметное появление на подиуме – и даже, возможно, самая заметная коллаборация – произошли в прошлом году, когда Раф Симонс возглавил Calvin Klein. Под руководством Симонса Calvin Klein заключили соглашение о сотрудничестве с фондом Энди Уорхола ради создания уникальной и пока неограниченной серии работ. Симонс, бельгийский иммигрант, приехал в Америку в период огромных политических потрясений. Но вместо того, чтобы сосредоточиться на негативе вокруг, он решил поддержать классические, порой странные американские образы, начиная от полиэтиленовых чехлов для дивана и заканчивая вязаными одеялами. Учитывая его давнюю любовь к современному искусству, логично, что он использует работы самой яркой фигуры американской поп-культуры. Среди последующих коллабораций были как рекламные кампании, в которых работы Уорхола использовались в качестве фона, так и коллекция Весна/Лето 2018 с различными принтами Уорхола, напечатанными на джинсовых куртках, банданах и нижнем белье.

Уорхол и Жан-Мишель Баския, 1985Сегодня влияние Уорхола на культуру в целом уже никем не ставится под сомнение. Помимо бесчисленных проявлений как в уличной, так и высокой моде, его производительность, любовь к повторениям и способность адаптироваться ко всевозможным формам творчества послужили вдохновением для целых поколений людей искусства. Его неповторимый стиль – как личный, так и художественный – по-прежнему играет ведущую роль в современной культуре. Американская икона во всех смыслах этого слова, Уорхол, безусловно, будет еще многие годы оказывать влияние на моду, искусство и культуру. Похоже, что его пятнадцать минут славы закончатся еще не скоро.Источник: Grailed.com» }

Поп-арт портреты Энди Уорхола: особенности шелкографии

Эти работы занимают
место среди величайших портретов картины
20 века.

Зеленая автокатастрофа (1963) входит в число
самых дорогих в мире. картины.

СОВРЕМЕННАЯ ЖИВОПИСЬ
Другие картины, подобные
, созданные Энди Уорхолом, см.:
Greatest 20th-Century Картины.

СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ
Другие художники, такие как
Энди Уорхол, см.:
Современные художники.

Введение

Энтузиазм Энди Уорхол за эстетику телевидения, колонки светских газет, и фан-журналы полностью противоречили европейской модели борющийся авангардист, за которым последовали абстрактные экспрессионисты.Уорхол требовал богатства и славы, и считал любого, у кого они были, очаровательный. А также его «палитра помады и перекиси». является, как указал Адам Гопник (New Yorker, 10 апреля 1989 г.), « совершенно оригинальное чувство цвета, которое делает все предыдущие американские палитры выглядеть по-европейски». Отрицание Уорхолом какой-либо оригинальности определяло его художественную самобытность и свежий вид его картин — использование новейших приемы коммерческого искусства — подтвердили это.

Часть уникального мастерства Уорхола заключалась в его признание того, что человек может общаться через СМИ гораздо больше эффективно, чем может быть предмет искусства, и он попытался определить его существование целиком на мелкой плоскости воспроизводимых образов. В его В каталоге выставки 1968 года для Moderna Museet в Стокгольме он писал: «Если вы хотите узнать все об Энди Уорхоле, просто взгляните на поверхность моих картин, и вот я здесь.Больше ничего нет». С начала 1960-х до своей смерти в 1987 году Уорхол ловко использовал оба стиль и средства массовой информации, и тем самым разоблачили поверхностные ценности современного общество с откровенностью, одновременно подрывной и намного опережающей его время. Он показал, что вся слава одинакова и в основе своей бессмысленна. мир постоянно меняющихся образов; его собственный публичный имидж мог быть неотразимо гламурным, но его поверхностность также оставила тревожный эмоциональный пустота.

Примечание: Среди других поп-исполнителей: Алекс. Кац (р.1927), Рэй Джонсон (1927-95), Том Вессельманн (р.1931), Джеймс Розенквист (р.1933), Джим Дайн (р.1935) и Эд Руша (р. 1937).

Фон

Уорхол родился недалеко от Питтсбурга в 1928 году. в семье византийско-католических рабочих словацких иммигрантов. Получив степень по графическому дизайну в Технологическом институте Карнеги в 1949 году, он переехал в квартиру в Нью-Йорке со своим одноклассником Филипом Перлштейном. (б.1924) и быстро добился успеха как коммерческий художник. Уорхола Рисунки обуви для Miller and Co, опубликованные в New York Times, принесли ему особую признание, и в течение десяти лет он был одним из самых высокооплачиваемых коммерческих художников в городе, зарабатывая 65 000 долларов в год. Уорхол продолжил карьеру в графике. искусство до декабря 1962 года, но с самого начала у него были частные устремления стать успешным художником.

Стилистически попытки Уорхола в искусстве в 1950-х годах был тесно связан с его коммерческой работой в рекламе, и несколько методов и приемов из его практики коммерческого дизайна. ожидаемые аспекты его более позднего изобразительного искусства.Например, он провел «раскраску сторон» для производства своей рекламы и делегировал несколько задач своей матери, тактика, которую он повторит позже, широко используя помощников для производства его произведений искусства. Точно так же его техника рисования — или калька картинки из журналов — на бумаге с последующим переводом их мокрой тушью на подготовленный фон был повторен позже, когда он принял шелкографию. печать.

Характеристики раннего поп-арта Уорхола

В то время как несколько художественных практик Уорхола 1950-х годов сохранились в его более поздних работах, вряд ли можно сказать, что они неизбежно привело к поразительной прямоте, с которой он вдруг начал принять коммерческий художественный стиль в своей живописи в конце 1959 года. Ни один был ли прецедент для его радикального присвоения предмета непосредственно из средств массовой информации за его большие картины с изображениями комиксов и реклама в газетах (например, банка супа Кэмпбеллс, 1962 г.). По словам Барри Блиндермана (Современные мифы: интервью с Энди Уорхолом, 1981 г.), в начале шестидесятых Уорхол использовал проектор, чтобы транскрибировать и увеличивать свои источники. с механической точностью, и в своих заявлениях для прессы он подчеркивал отбрасывания любой оригинальности в его работе.Тем не менее он отказался от комиксы в качестве предмета с того момента, как он столкнулся с Роем Лихтенштейном. картины комиксов в галерее Лео Кастелли в 1961 году, раскрывающие острый инстинкт необходимости создания оригинального стиля.

Определившись с тематикой — дешево реклама, комиксы и заголовки из дешевых бульварных газет — Уорхол играл в разных стилях между 1960 и 1962 годами. В некоторых композициях он расшифровал свои источники в свободной манере с каплями краски чтобы придать им выразительный характер, характерный для живописи жестами.В то же время он создавал другие образы с жесткими, четкими краями, холодным, механический стиль, на котором он в конце концов остановился, назвав их своим «нет». комментарий» картины.

Уорхол наслаждался ошеломляющим неизбирательным массовые изображения, продвигаемые рекламой в СМИ. Его искусство выражало и превозносили «одинаковость» массовой культуры, которую так называемая интеллектуалы, вовлеченные в абстрактный экспрессионизм, ненавидели. В своей книге Философия любого Уорхола (1975), он сказал, что ему нравится Америка заключалась в том, что ее самые богатые потребители покупают многие из тех же вещей, что и беднейший.«Президент пьет кока-колу, Элвис пьет кока-колу — кто угодно и все пьют колу. И никакая сумма денег не может купить кого-то лучше Кока-кола, потому что все кока-колы одинаковы.

Несмотря на это, его выбор предметов не был случайным или произвольным. Как рассказывает Кинастон МакШайн в своей публикации Andy Уорхол: ретроспектива (1989, MOMA, Нью-Йорк), многие из его ранних изображений — «Парики», «Где твой разрыв?», «До и После» — о продуктах, обещающих телесное улучшение осанки, волосы и большие мышцы отражают физическую неуверенность Уорхола.Четное Супермен и Попай, которых он нарисовал в 1960–1961 годах, — персонажи, переживающие мгновенные физические превращения. Интерпретация Макшайна подтверждается попытками Уорхола улучшить свою внешность в 1950-х годах, надев серебряный парик и косметическая операция по изменению формы носа в 1957 году.

У Уорхола не было выставки поп-картины в Нью-Йорке, пока Элеонора Уорд не продвигала их в конюшне Галерея осенью 1962 года, правда некоторые из них он повесил (напр.Реклама, Маленький король, Супермен, До и после и Попай по субботам) в качестве фона к модным манекенам на витрине универмага, которую он организовал для Бонвит Теллер в апреле 1961 года. Это был Ирвинг Блюм из галереи Ферус (Лос-Анджелес). Анхелесе), который устроил ему свою первую выставку в галерее осенью 1962 года: установка тридцати двух банок для супа Кэмпбелл размером 20 х 16 дюймов каждый. Уорхол, всегда в курсе последних тенденций, возможно, рисовал их как ответ на Painted Bronze Ale Cans (1960) Джаспера Джонса, но они превзошли скульптуру Джона в мягком нейтралитете своего серийное состояние.Образы настолько неотразимы, какие они есть; Oни не банки супа, а образы, отделяющие «означающее» от «означаемое» более абсолютно, чем почти любая картина, созданная до того времени. Хотя несколько рисунков суповых банок Уорхола до сих пор сохранили деликатную жестикуляцию вплоть до 1962 года, тридцать две банки не имеют следов выразительного жеста или индивидуальности.

Шелкография: Устранение прикосновения художника

Уорхол нарисовал банки и газетные заголовки 1961 и 1962 годов вручную, но в конце 1962 года он научился передавать фотоснимок на шелкографию и тут же переключился к этой технике, устраняя все следы прикосновения художника и производя более механически отстраненная картина. Более того, он все чаще приходил к зависит от помощников для создания его картин. В июне 1963 года он нанял Жерар Маланга будет работать полный рабочий день над шелкографией и постепенно другие помощники присоединились к платежной ведомости. Они действовали как персонал в бюро графического дизайна. Когда Уорхол начал работу над своей Мэрилин Монро, например, Маланга и Билли Нейм выполнили большую часть работы, например резал вещи и расставлял ширмы, пока ходил по рядам задавая такие вопросы, как «Какой цвет, по вашему мнению, был бы хорош?» Уорхол намеренно подчеркивал свое невмешательство, полагая, что кто-то другой должен быть в состоянии сделать все его картины за него.Он утверждал что причина, по которой он использовал помощников и работал так, как он делал, заключалась в том, что он хотел быть машиной и создать совершенно «нейтральный» вид, без всякого человеческого прикосновения. Однако правда в том, что он легко мог заключал контракт с работой, если он действительно хотел подлинно коммерческого Посмотрите. Как бы то ни было, он предпочитал включать случайные человеческие ошибки, такие как как смещение экранов, неравномерное рисование и прерывистый мазки.

Губы Мэрилин Монро (1962, Музей Хиршхорна) и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия) имеет вид несовершенного отпечатка. запустить, где черная линия и цветной экран не совсем сочетаются и качество чернил сильно различается. Банальное повторение создано коммерческими процессами массового рынка, кажется, противоречит (хотя и пассивное) индивидуальное присутствие как в этой картине, так и в Золотой Мэрилин Монро (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк).Повторение дает образы анонимный, бесстрастный внешний вид, в то время как конкретные черты в каждом несовершенном сфабрикованному блоку удается самоутвердиться, создавая неловкий диссонанс между механическим фасадом и ощущением личности, погребенной внутри Это. Таким образом, и наблюдатель, и художник превращаются в ничто. больше, чем пассивные вуайеристы, переживающие жизнь как сборочный конвейер массового производства картинки.

Кинозвезда и Картины катастроф: пугающая пустота

Растет количество портретов Мэрилин Монро, Лиз Тейлор и другие звезды кино имели непосредственное отношение к творчеству Уорхола. увлеченность гламуром и блеском Голливуда.В Энди Уорхоле (1968 г.) в своем выставочном каталоге для Moderna Museet в Стокгольме он заявил: «Я люблю Голливуд. Он прекрасен. Все пластичны. Я хочу быть пластиковым». Он был абсолютным поклонником, окончательным потребителем. у его «Мэрилин Монро» тоже есть темная сторона. Они были сделаны после самоубийства актрисы в августе 1962 года. Более того, механическое повторение ее портрета делает ее прозрачно поверхностной, отрицающей ее любое чувство индивидуальности под поверхностным изображением.Он представляет собой пугающая деперсонализация человека и, возможно, отражает образ художника самого себя. Например, еще в 1975 году он писал: «Меня до сих пор преследует мысль посмотреть в зеркало и увидеть никого, ничего.»

Во время телетрансляции национальной трагедии как самоубийство Мэрилин Монро или убийство и похороны Джон Ф. Кеннеди (все это одержимо нарисовал Уорхол) то же самое видео клипы воспроизводятся снова и снова в течение нескольких дней подряд.«Мэрилин» Уорхола. и другие многообразные портреты имеют такое же обезболивающее повторение.

В 1963 году Уорхол начал работу над катастрофой. серии — например, «Субботняя катастрофа» (1964, Rose Art Museum, Brandeis Университет — это еще больше развило болезненное качество «Мэрилин». Он основал сериал на ужасных полицейских и бульварных фотографиях автомобилей. жертвы авиакатастроф, электрический стул и атомная бомба. Он воспроизвел изображения в различных цветах и декоративных узорах.Эти изображения вызывают тревогу не только из-за их ужасающей откровенности, но еще и потому, что отстраненность Уорхола предполагает жуткую деперсонализацию: эмоциональная пустота, отражающая отчуждение жизни шестидесятых годов.

В 1962 и 1963 годах Уорхол создал несколько портреты художника-неодадаиста Роберта Раушенберга, которого он почитал за то, что поднялся от бедности до славы. В некотором смысле пример Раушенберга иллюстрирует знаменитое изречение Уорхола о том, что «в будущем все быть всемирно известным в течение пятнадцати минут.«Уорхола очень привлекала представление о знаменитости как о потребительском продукте, доступном каждому владеть.

Фабрика (1963-67)

В конце 1963 года студия Уорхола была переехал на старую фабрику на Восточной Сорок седьмой улице. «Фабрика,» как стало известно, постепенно превратилось в место, наполненное шикарной модой личностей и прочих «красивых людей», трансвеститов, вместе с участниками музыкального андеграунда, многие из которых употребляли наркотики и/или странное поведение.Уорхола, казалось, нужно было окружить странностями, так и художниками, декадансом и развратом, а также прекрасными искусство. В любом случае, в 1964 году Уорхол все еще производил продукцию. назад, многие искусствоведы все еще убеждены, что важная работа Уорхола датируется с 1960 по 1964 год.

К 1965 году растущая слава Уорхола привлекала другие нью-йоркские знаменитости, которые хотели увидеть и быть увиденными на Фабрике. В то же время СМИ преследовали Уорхола, а посетители и прихлебатели толкался за его внимание.Осенью 1965 года на открытии Выставка Уорхола в Институте современного искусства в Филадельфии. четыре тысячи человек втиснулись в две маленькие комнаты, и персоналу пришлось убрать картины со стен для безопасности. Это была художественная выставка без искусство!

«Интересно, что сделало все эти люди кричат», — вспоминал позже Уорхол в книге «Попизм». (1980, Уорхол и Хакетт). «Было невероятно думать, что это происходит на художественном открытии.Но ведь мы были не просто на художественной выставке — мы были художественная выставка. »

В 1966 году толпа Фабрики начала собираться по вечерам в ресторане на Юнион-сквер, известном как Max’s Kansas Город. Он был популярен среди художников и писателей, а в его подсобных помещениях размещались цирк эксгибиционизма, наркотиков и сексуальности. Включены знаменитости Трумэн Капоте, Бобби Кеннеди, а также влиятельные деятели создание города, а также его подземелья.Но Уорхол оставался катализатор: присутствие, которое вдохновляло или пассивно провоцировало людей жить из своих фантазий, пока он смотрел или фотографировал.

Одна из самых престижных галерей Нью-Йорка постмодернистского искусства принадлежал Лео Кастелли. Уорхол всегда хотел провести там персональную выставку (у Роя Лихтенштейна была там одна в 1962 году), и Кастелли, наконец, дал ему один в 1964 году. Его первое выступление было «Цветы», в которых Уорхол еще больше отошел от натурализма в его палитре — не то чтобы его ранние работы были в каком-то сильном смысле натуралистичными, но он склонен либо использовать шкалу ценностей, соответствующую природе, или более искусственная шкала, хотя бы с остаточным сходством. От В 1964 году он начал включать в свою палитру совершенно ненатуралистические цвета: например, покрасить в бирюзовый и розовый цвета «Банки с супом Кэмпбелл». вместо красно-белых и создание многоцветных «Автопортретов» с синим лицом и желтыми волосами.

К 1966 году, став ведущим в Нью-Йорке художественная знаменитость шестидесятых, с выставкой в самом модном галерее Уорхолу стало скучно заниматься живописью, и он практически перестал, предпочитая сосредоточиться на продвижении психоделического мультимедийного выступления под названием «The Exploding Plastic Inevitable» с участием рока группа Velvet Underground.Он также все больше обращался к кино, снимая Девочки из Челси (1966), первая финансово успешная, хотя и в высшей степени скучный, андеграундный фильм. Затем последовал ряд ужасающих фильмов. что полностью не оправдало их художественных счетов. Это не было неожиданностью, поскольку его ранние фильмы были бескомпромиссно уорхоловскими в своей пассивности. Все, что он сделал, это просто навел камеру на кого-то и дал ей поработать. не было звуковой дорожки, как в его 6-часовом бездейственном фильме под названием «Сон». (1963).В «Ешь» (1963) камера непрерывно фокусируется в течение 45 минут. поп-артист Роберт Индиана во время поедания гриб. В «Империи» (1964) камера жестко фокусируется на 8 часов. вершине Эмпайр Стейт Билдинг.

Художественный Отказ

В 1967 году фабрика переехала на Юнион-сквер, 33. Уэст, и сцена становилась все более и более странной до июня 1968 года, когда Уорхол был застрелен и тяжело ранен поклонницей Валери Соланас, у которой был небольшая роль в одном из его фильмов.Карнавальная атмосфера резко оборвалась. Уорхол был объявлен мертвым на операционном столе, но, к счастью, ожил. Проведя 8 недель в больнице, он вернулся на Фабрику испуганным. человек. Несмотря на его страх, что он может потерять свои творческие способности без стимула карнавального хаоса вокруг него доступ в студию был закрыт. Фабрика сосредоточилась на массовом производстве искусства, которое продавалось бы, т. е. коммерческие сувениры авангарда, которые Уорхол называл «деловыми Искусство.

На самом деле произведения Уорхола были созданы с использованием конвейерных методов с 1963 г. — в середине 60-х гг. Фабрика изготовлял до 80 картин шелкографией в день в день и в один момент фильм каждую неделю. В любом случае, к середине 1969 года изобразительное искусство Уорхола в значительной степени высушенные. По словам Бриджит Полк, одной из ассистенток Уорхола в студии, говоря: «Я делал все это последние полтора года. Энди больше не занимается искусством.Ему это надоело.» Во многом это было правдой. Уорхол обратил внимание на другие предприятия, такие как Interview, его светский журнал сплетен.

Новые портреты

В начале 1970-х Уорхол возродил его интерес к рисованию серией светских портретов и картин китайского коммунистического лидера Мао Цзэдуна — например. Мао (1973, Художественный институт Чикаго). К настоящему времени Уорхол стал всемирно известным художником-знаменитостью. — самый обсуждаемый художник после Пикассо и постоянный гость A-list общественные мероприятия и культурные мероприятия.Когда вьетнамский эндшпиль начал разворачиваться, наряду с политическими и криминальными разоблачениями Уотергейта, и очень богатые, и контркультурное протестное движение заботились о себе с символами. Картины Уорхола с изображением председателя Мао позабавили богатых коллекционеров произведений искусства в то же время подтверждая господство западного капитализма превратив культового чемпиона мировой революции в потребителя продукт для богатых.

Появилось больше портретов.Верно, Светские шелкографические портреты Уорхола семидесятых оживили Жанр портретного искусства. Многие печатались на подготовленных грунтах текстурных мазок в стандартном формате из двух панелей 40 X 40 дюймов, и многие из испытуемые приобретали вид безразмерных пластичных объектов.

Что реально?

В семидесятых и восьмидесятых годах Уорхол взял на большее количество заказов на рекламу и дизайн. Он даже стал потребителем сам продукт, когда он был представлен в рождественском каталоге 1986 года. для Neiman-Marcus: он рекламировал портретную сессию с Уорхолом по цене в размере 35 000 долларов США.Усиление ассоциации Уорхола со статусом и деньгами. поверхностность и материализм американской потребительской культуры в 70-х и 80-х годов, когда люди повсюду начали чувствовать себя более отчужденными нереальность жизни. Как признался сам художник: «Не знаю где кончается искусственное и начинается настоящее». Печальное признание от жреца поп-арта, сделавшего карьеру на раскрытии «правда» о современном обществе.

картины и рисунки в стиле поп-арт Энди Уорхола можно увидеть во многих лучших мировых галереях современного искусства и в лучших художественных музеев по всему миру.

Как Энди Уорхол оставил свой след в мире моды – Книга моды CR

В честь предполагаемого 93-летия Энди Уорхола мы размышляем о его неоспоримом влиянии на моду. Известный как лидер — если не , лидер — восстания поп-арта в 1960-х годах, Уорхол исследовал взаимосвязь между высоким искусством и потреблением посредством наводящих на размышления комментариев об американской культуре и, таким образом, зажег новую искру. Он сменил средства кино, живописи, фотографии, трафаретной печати, скульптуры, издательского дела и даже музыки, эффективно коснувшись Мидаса почти каждого уголка потребляемого американского искусства, особенно моды.

Dior осень/зима 2013
Диор
Versace Весна/Лето 1991
Версаче
До того, как нарисовать эти знаменитые банки, Уорхол работал в издательстве мод. В конце 1950-х он рисовал модные иллюстрации для рекламы и статей, а также оформлял макеты журналов для ведущих глянцевых изданий того времени, включая Harper’s Bazaar. Печально известный модный редактор Дайана Вриланд называла его «Энди Бумажный мешок» за то, как он переносил свою работу в офис в Нью-Йорке и обратно.
Harper’s Bazaar (июль 1958 г.)
Пьер Крепо © Фонд визуальных искусств Энди Уорхола/Общество прав художников (ARS)
Harper’s Bazaar (декабрь 1960 г.)
Поль Марешаль © Фонд Энди Уорхола по изобразительному искусству/Общество прав художников (ARS)
«Уорхол любил журналы, и эти развороты — воплощение его идеи о том, что искусство предназначено для всех», — говорит Даррен Пи, куратор выставки Transmitting Andy Warhol в Тейт Ливерпуль, посвященной демократической философии Уорхола в отношении искусства и средств массовой информации.
Harper’s Bazaar (апрель 1956 г.)
Пьер Крепо © Фонд визуальных искусств Энди Уорхола/Общество прав художников (ARS)
Harper’s Bazaar (июль 1962 г. )
Поль Марешаль © Фонд Энди Уорхола по изобразительному искусству/Общество прав художников (ARS)
В своем развороте за декабрь 1962 года повторение Уорхолом трафаретных изображений является частью его глубокого исследования медиума летом того же года в его собственной работе. В августе того же года, примерно в то же время, умерла Мэрилин Монро. С момента ее смерти до Нового года он создал в общей сложности 20 шелкографических картин с одним и тем же изображением звезды, в том числе знаменитый Мэрилин Диптих .
Harper’s Bazaar (декабрь 1962 г.)
Поль Марешаль © Фонд Энди Уорхола по изобразительному искусству/Общество прав художников (ARS)
Сотбис
Уорхол
создал свою знаменитую банку с супом Campbell’s Soup Cans ранее в том же году и представил эту работу в июле того же года на своей первой выставке в галерее в Лос-Анджелесе, дебютировав в стиле поп-арт на Западном побережье. В середине 1960-х он стал одним из первых художников, объединивших высокое искусство и моду с появлением «Souper Dress», платья из папиросной бумаги с трафаретной печатью, на котором были броские банки. Платье было разработано так, чтобы его можно было выбросить после использования, и рекламировалось под слоганом «Это беззаботно», что свидетельствует о растущей культуре массового потребления и его одноразовости. Возможно, это первый признак быстрой моды? Журнал Ingenue , выпуск
за январь 1969 г. Журнал Инженю
«Супер платье»
Метрополитен-музей
Объявление «Супер платье»
Суповая компания Кэмпбелл
Естественно, компания по производству супа воспользовалась широкой прессой, которую создавал Уорхол, и продала свою собственную версию, которую мог купить каждый, в обмен на 1 доллар и две этикетки супа Кэмпбелл, отправленные по почте.Это положило начало тенденции бумажных платьев с принтом в стиле поп-арт, используемых частично для рекламы и эстетики, в массовом распространении высокого искусства, изображающего американскую культуру, которая, в свою очередь, стала американской культурой — жизнью, имитирующей поп-арт, и наоборот.
Эта тенденция распространилась даже по океану, приземлившись на таких иконах стиля, как Твигги, Мик Джаггер и Джин Шримптон, когда британские бутики начали продавать платья и футболки с принтами в стиле поп-арт в 1970-х годах. А за бумом массовой моды последовала высокая мода.
Обложки Дианы Вриланд Интервью Декабрь 1980 г., выпуск
Журнал интервью
Диана фон Фюрстенберг Обложки Интервью Март 1977 г. Журнал интервью
Энди Уорхол и Дайан фон Фюрстенберг в Studio 54
Тим Боксер/Hulton Archive/Getty Images Диана фон Фюрстенберг прожила жизнь, о которой большинство людей могут только мечтать.Помимо того, что она известный дизайнер одежды, которая произвела революцию в мире моды, она еще и сообразительная светская львица, которая была завсегдатаем нью-йоркских вечеринок в 70-х, ее часто видели на вечеринках в Studio 54 с разными знаменитостями и сидящей в первом ряду в самых модных заведениях. показывает! Звезду Дома DVF часто можно было встретить в компании художника Энди Уорхола, принца Эгона фон Фюрстенберга и медиа-магната Барри Диллера, а также других знаменитостей, таких как Уоррен Битти, супермодель Джерри Холл и многих других! От кинопремьер и гламурных гала-концертов до эксклюзивных вечеринок и походов по магазинам в Нью-Йорке, Дайан сделала все, и мы собрали некоторые из ее лучших воспоминаний, чтобы поделиться ими в честь Возврата в четверг! ВИДЕО: смотрите первый полный выпуск House of DVF перед выходом в эфир! Продолжение ее захватывающего и модного образа жизни, новое шоу Дайан House of DVF подробно расскажет о ее поиске первого в истории посла бренда для DVF, который пойдет по гламурным стопам дизайнера.Найдет ли она ту самую? Нажмите на фотографии ниже, чтобы увидеть больше фотографий Diane Studio 54 и многое другое! Настройтесь на премьеру сериала House of DVF в воскресенье, 2 ноября, в 22:9 на канале E! ФОТОГРАФИИ: См. Старые партийные фото Дианы фон ФюрстенбергGetty Images
Лайза Минелли, Бьянка, Джаггер и Энди Уорхол в Studio 54
Фильмы о духе времени
Уорхол подружился с выдающимися модельерами и деятелями культуры, а его создание в 1969 году журнала Interview Magazine по прозвищу «Хрустальный шар поп-музыки» укрепило его связи с модой, поскольку он лично брал интервью у таких людей, как Ив Сен-Лоран, Карл Лагерфельд. , и Халстон.Уорхол также общался со своими творческими сверстниками в Studio 54, в поворотный момент в американской культуре, когда модельеры и художники начали общаться в одних и тех же кругах и вдохновлять друг друга на работу. Уорхол однажды сказал о своем друге: «Чтобы попасть в [Studio] 54, вам нужно либо пойти с Halston, либо носить Halston». чья-то мода стала причиной посещения мероприятия, а не тем, что они надели на него, а «Супер-платье» стало эффектным дизайнером для светских женщин, которые они надевали на гламурные мероприятия.
В 1972 году Холстон пригласил Уорхола создать свой показ на Coty American Fashion Critics’ Awards, что стало их первым сотрудничеством в легендарной творческой дружбе. Это была дурацкая презентация под названием «Происшествие на сцене Энди Уорхола», в которой сочетались модели Холстон и музы Уорхола («Халстонетты и «Суперзвезды»), в которой актриса шоу Донна Джордан задрала свой наряд Холстона, чтобы ничего не было видно под ним, Джейн Форт. шла со своим маленьким сыном к рампе и оставила его там, Чайна Мачадо играла на бонго, модель жонглировала, а Пэт Аст, сыгравшая главную роль в фильме Уорхола «Жара», завершилась исполнением «С днем рождения», исполненным из внутри огромного фальшивого праздничного торта.Названные Уорхолом «первыми всеамериканскими модельерами», они продолжали обмениваться звездами и мотивами на протяжении всей своей карьеры, когда Уорхол снимал модных моделей Холстона в своих фильмах, а Холстон напечатал цветы гибискуса Уорхола на платье в 1972 году.
Холстон
Музей монетного двора
Дружба Уорхола со Стивеном Спроусом привела его гравюры на подиум в его коллекции 1988 года.Спроуса заинтриговала серия трафаретных отпечатков Уорхола « Камуфляж », которую он начал в 1986 году, из-за ее сходства с абстрактным экспрессионизмом. Они вдвоем начали совместную линию, используя гравюры, хотя Уорхол задержался на полпути к ее созданию в 1987 году.
Стефен Спроус 1988 Энди Уорхол Хлопковый костюм с камуфляжным принтом
Метрополитен-музей
Стефен Спроус 1987 Andy Warhol Camo Print Jacket
Стивен Спроус
Картины «Камуфляж» (1988)
Фонд визуальных искусств Энди Уорхола, Inc.
Хотя работа Уорхола в области моды только начиналась, его искусство, личность и дух продолжают оказывать влияние как на дизайнеров, так и на любителей моды. Он создал саму идею манерной американы, где ирония используется, чтобы прославлять и размышлять о лучших и худших сторонах американской культуры — идеи средств массовой информации и потребления, которые звучат правдоподобно сегодня.
После своей смерти Мик Джаггер сказал: «Казалось, что он был способен довольно точно запечатлеть общество, какую бы его часть он ни хотел изобразить.Это одна из вещей, которые делают художники, — показать людям позже, на что это было похоже».
Уорхол сломал границы того, что искусство должно было выглядеть или действовать в его время, и черпал вдохновение в людях, которые его окружали. Поскольку мы приближаемся к гала-концерту Met Gala 2021 года, посвященному теме «Американская мода», мы надеемся, что на красной дорожке можно ожидать некоторых уорхолизмов, поскольку он также присутствовал на выставке 2019 года «CAMP: Notes on Fashion».
Иконография Уорхола вдохновила Джанни Версаче, Джереми Скотта и Рафа Саймонса на создание легендарных коллекций, информируя о ряде сильных точек зрения, где он является массовым потребителем и массовым обожателем.
Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти дополнительную информацию об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Энди Уорхол Мэрилин Монро
Биография Энди Уорхола
Энди Уорхол (американец, 1928–1987)
Browse Энди Уорхол Каталог Резюме Онлайн .

Американский художник и режиссер Энди Уорхол родился Эндрю Уорхола в 1928 году. В течение многих лет существовала некоторая путаница в отношении того, где и когда родился Энди Уорхол, но, согласно двум старшим братьям Энди и свидетельству о рождении, которое было подано в Питтсбурге в 1945 году, он родился 6 августа в Питтсбурге. Неизвестно, родился он в этот день или нет, но именно в этот день он будет отмечать свой день рождения.Однако нет сомнений, что он умер в 6:31 утра. Воскресенье, 22 февраля 1987 года, в больнице Нью-Йорка после операции на желчном пузыре. Он считается основателем и крупной фигурой движения POP ART. Выпускник Технологического института Карнеги в 1949 году, он переехал в Нью-Йорк и добился успеха как коммерческий художник. Он получил свой первый прорыв в августе 1949 года, когда журнал Glamour попросил его проиллюстрировать репортаж под названием «Успех — это работа в Нью-Йорке». Но случайно в титрах было написано «Рисунки Энди Уорхола», и именно поэтому Энди опустил букву «а» в своей фамилии.Он продолжал делать рекламу и иллюстрировать, и к 1955 году он стал самым успешным коммерческим художником Нью-Йорка, которому подражали. В 1960 году он создал первую из своих картин, изображающих увеличенные изображения комиксов, такие как Попай и Супермен, первоначально для использования в витрине.
Уорхол был пионером в разработке процесса, при котором увеличенное фотографическое изображение переносится на трафаретную печать, которая затем помещается на холст и окрашивается тушью с обратной стороны. Каждая трафаретная печать Уорхола использовала эту технику, которая позволила ему создать серию изображений для СМИ — повторяющихся, но с небольшими вариациями, — которые он начал в 1962 году.Эти знаковые гравюры Энди Уорхола, на которых изображены такие предметы, как банки из-под супа Кэмпбелл, долларовые банкноты, бутылки из-под кока-колы и лица знаменитостей, можно рассматривать как комментарии к банальности, резкости и двусмысленности американской культуры.
Позже, в 1960-х годах, Уорхол снял серию экспериментальных фильмов, посвященных таким идеям, как время, скука и повторение; в их число входят « Сон» (1963), « Империя» (1964) и «Девочки из Челси» (1966). В 1965 году он начал работать с рок-группой The Velvet Underground, созданной Лу Ридом и Джоном Кейлом.Энди познакомил их с моделью и кинозвездой Нико, и она спела на их дебютном альбоме 1967 года «The Velvet Underground and Nico». Энди путешествовал по стране не только с The Velvets, но и с суперзвездой года Эди Седжвик и световым шоу The Exploding Plastic Inevitable.
3 июня 1968 года Валери Соланис, отвергнутая суперзвезда, пришла на «Фабрику» и трижды выстрелила Энди в грудь. Его срочно доставили в больницу, где констатировали смерть, но после вскрытия грудной клетки и массажа сердца он выжил.Валери Соланис сдалась той ночью и была помещена в психиатрическую больницу. Позже она была приговорена к трем годам тюремного заключения. После выздоровления Энди Уорхол продолжал работать. Он основал журнал inter/VIEW в 1969 году (они изменили название на Interview в 1971 году), опубликовал книгу «Философия Энди Уорхола: от А к Б и обратно» в 1975 году и продолжал писать портреты до своей смерти в 1987 году.
Если вам нравятся гравюры Энди Уорхола, вас также могут заинтересовать современные литографии Колдера.
КАРТИНЫ УОРХОЛА
В 1960-х годах Уорхол начал свой самый плодотворный творческий период. Он уже начал делать себе имя в мире коммерческого искусства, но хотел также прослыть прекрасным художником. Он начал преобразовывать темы рекламы в масштабные графические полотна. Для создания своих масштабных графических полотен Уорхол проецировал увеличенное изображение на полотно, висевшее на стене. Впоследствии он работал от руки, без карандаша, создавая живописный результат.Чтобы развить свою нишу в живописи, его друзья предложили ему рисовать то, что он любил больше всего. Результатом стали культовые банки для супа Campbell’s Soup , 1962 . Уорхол сказал о супе Кэмпбелл: «Раньше я пил его. У меня был один и тот же обед каждый день, наверное, в течение 20 лет, одно и то же снова и снова». Хотя работы напоминают массовую рекламу, они были написаны путем проецирования изображений на холст, а затем нанесены по трафарету. Таким образом Уорхол удаляет следы рук художника.<
ФОТОГРАФИЯ УОРХОЛА
Несмотря на то, что Уорхол больше всего известен своими шелкографиями и картинами, позже он стал страстным фотографом. Он всегда носил с собой камеру, снимая все, от личных друзей до знаковых знаменитостей. Фотографии свидетельствовали о его апатии к социальной иерархии, а также варьировались от черно-белых 35-миллиметровых портретов до снимков Polaroid. Он подходил к фотографии двумя способами. В одном случае он создал более 500 «сшитых» фотографий, на которых идентичные изображения сшиты вместе в виде сетки.Это было явной демонстрацией его интереса к повторяющимся изображениям. В другом случае он выбирал только одну фотографию из набора для печати. Необычность этих работ свидетельствует о четком отделении от типичных для Уорхола тем массового производства и повторения. Таким образом, фотография предоставила Уорхолу возможность продемонстрировать как свое личное «я», так и свою публичную художественную идентичность.
ТРАФАРЕТНЫЕ ПЕЧАТИ УОРХОЛА
О своих шелкографиях Уорхол сказал: «Причина, по которой я рисую таким образом, заключается в том, что я хочу быть машиной, и я чувствую, что все, что я делаю и делаю как машина, — это то, что я хочу делать.Действительно, машинная точность и мимика неоднократно появляются в работах этого медиума. Процесс трафаретной печати был разновидностью трафаретной печати. У Уорхола был отлаженный процесс производства трафаретных отпечатков. Сначала он наложил фотографию на сетку шелкографии. После этого он провел по сетке покрытым чернилами ракелем. Чернила проходили через сетку и отпечатывали изображение на холсте под ним. Выбор чернил зависел от предполагаемого состава конечного продукта.Уорхол мог применять несколько цветов для создания эффекта наслоения, поэтому каждый раз можно было создавать разные цветовые композиции. Он использовал различные холсты и бумагу. Самые известные трафаретные гравюры Уорхола включают его культовое портфолио Мэрилин Монро: Мэрилин Монро (Мэрилин), 1967 и Элизабет Тейлор (Цветная Лиз), 1963. Систематическое создание искусства Подобно конвейеру, Уорхол породил серию или портфолио своих любимых знаменитостей. Даже сегодня эти широко узнаваемые образы служат маяком популярной культуры.
Диапазон Уорхола как художника, безусловно, проявляется в его скульптурах и инсталляциях. Как и в других его работах, его скульптуры воспроизводили коммерческие символы и идеологии. Из этого средства наиболее известными были серии «продуктовых коробок», которые копировали банки Heinz Ketchup и томатного сока Campbell. Его самая известная скульптура из этой серии — это, вероятно, его коробки Брилло, 1964 год. Как следует из названия, Уорхол наносил шелкографией логотипы потребительских товаров на фанерные коробки.Получившийся внешний вид был идентичен коробкам с логотипом, которые часто можно увидеть в супермаркетах. Эти скульптуры были впервые выставлены в галерее Stable в 1964 году и поставили под сомнение то, что можно считать изобразительным искусством. Когда его спросили об этих коробках, Уорхол сказал, что «хотел что-то обычное». В целом, его скульптурные работы были сосредоточены на излюбленной идее Уорхола о коммерциализации.
Стиль Eyecon — Энди Уорхол
Энди Уорхол — важнейшая фигура поп-арта.Всемирно известный художник создавал высоко оцененные произведения искусства, тусовался со знаменитостями в своей мастерской Factory и носил очки в классическом стиле до того, как улицы заполнились ими.
В старших классах Уорхол в свободное время рисовал эскизы в музее Карнеги или ходил в кино и собирал журналы и фотографии знаменитостей. Он изучал искусство в Питтсбурге, а после переезда в Нью-Йорк в 50-х годах начал работать иллюстратором. для таких журналов, как New Yorker или Vogue.Это продолжалось недолго, так как вскоре он стал недоволен и захотел, чтобы его работы выставлялись в художественных галереях.
Энди Уорхол был известен тем, что исследовал поп-культуру в своих работах, иллюстрируя в своих работах такие бренды, как Coca Cola и суп Campbell’s Soup (который был одним из его любимых блюд). Предметы его работ варьировались от знаковых американских предметов до знаменитостей, вымышленных персонажей и традиционных предметов, таких как цветы.Он использовал яркие цвета и методы шелкографии для массового производства произведений искусства на основе фотографий, создавал фильмы, цифровые изображения, картины и скульптуры. Его картины произвели революцию в восприятии искусства. Его влияние было таким, что его называют Папой поп-арта.
Энди Уорхол, Амос и Арчи
У Энди Уорхола были длительные отношения со своими домашними животными, будь то кошки или собаки. Но один конкретный эпизод привлек наше внимание. Когда Энди Уорхол завел щенка таксы, потому что его бойфренд в то время хотел такую.
Его назвали Арчи. Он везде брал Арчи с собой: в галереи, в командировки, на фотосессии и в свою студию.
Энди даже брал таксу на пресс-конференции как свое второе «я» и отводил Арчи вопросы, на которые не хотел отвечать.
Все шло как сон для них двоих, поэтому Энди решил, что пришло время обзавестись второй таксой, когда появился Амос.В конце концов, Арчи перестал везде сопровождать Энди, чтобы он мог остаться дома и поиграть с Амосом. 😉
У Энди был очень своеобразный личный стиль. У него была копна седых волос, и обычно его видели в черной одежде, кожаных куртках и очках или солнцезащитных очках. Гардероб Уорхола был довольно скромным; он часто придерживался опрятного акцента со случайным всплеском эксцентричности.
«Мода — это не то, что вы где-то носите», — сказал однажды Уорхол. «Это была единственная причина, по которой я уехал.
Энди Уорхола в значительной степени отождествляли со своими очками, от резких черных угловатых форм, которые он носил в 60-х, до прозрачных прямоугольных из плексигласа в 70-х. кто первым заявил о хрустальных оправах, нам, вероятно, придется пойти с Энди Уорхолом Эксцентричный, глубокий и вычурный, культовый поп-исполнитель надевал свои классические хрустальные очки со всем, от костюмов строгого кроя до кожаных курток.
А когда Энди Уорхол не носит свои фирменные хрустальные очки, он выбирает пару солнцезащитных очков круглой формы из рога или черепахи с темными линзами.
ФАБРИКА
Фабрика была нью-йоркской студией Энди Уорхола. Это было сложное пространство. В то время как шелкография и литографии выполнялись в одном секторе, трафаретные испытания и киносъемка проводились в другом. В этих кинопробах, серии портретов в немом кино, участвовали завсегдатаи «Фабрики», знаменитости, друзья, гости и все, кто, по мнению Уорхола, обладал «потенциалом суперзвезды».

Уорхол окружил себя целым зверинцем людей, которые служили ему источником вдохновения: коллеги-художники, музыканты, актрисы, светские львицы, наркоманы, трансвеститы, вольнодумцы и многие другие. Все они позже стали известны как суперзвезды Уорхола.
Уорхол также часто устраивал вечеринки на Фабрике. Благодаря этим вечеринкам его студия приобрела репутацию модного притона, одного из мест, где можно было побывать в 1960-х.
Трансвестизм был в моде на Фабрике; Сам Уорхол был известен на Фабрике как Дрелла, в честь двух сторон его личности, Дракулы и Золушки.
Прозвище Дрелла отражало пассивно-агрессивный, двойственный характер его личности. Поскольку он часто был неискренним и легкомысленным, особенно в интервью, было трудно раскрыть истинные мысли Уорхола.
Он рассматривал искусство как продукт, такой же, как одежду, которую вы носите, и пищу, которую вы едите.
Энди Уорхол любил красоту и пластику. Все, что было современным. Он был очарован быстрым темпом мира. Если бы он был жив сейчас, как вы думаете, что бы вдохновило его?
Сделайте любую фотографию похожей на картину Энди Уорхола с помощью этого учебника по эффектам Photoshop — Medialoot
Photoshop Photo Effects
Если вам нравится поп-арт и работы Энди Уорхола, то этот урок Photoshop для вас! В наши дни использование нескольких основных инструментов Photoshop и фильтров по умолчанию позволяет легко имитировать стиль Уорхола. Хотя настоящие работы Уорхола имеют большую текстуру и более грязный вид, в этом уроке вы узнаете, как упростить объект (из любого изображения) с помощью фильтра «Порог» и применить множество различных цветов, как это сделал бы Уорхол. .
Но прежде чем мы начнем, и если вы хотите точно следовать этому руководству, загрузите следующее изображение с Pixabay: Скачать
Шаг 1
Откройте изображение в Photoshop.В этом случае я использую обрезанную версию изображения, чтобы работать было удобнее.
Шаг 2
Выберите «Слой» > «Создать» > «Слой». Назовите этот слой как Selection и нажмите OK.
Шаг 3
Используя предпочитаемый метод, выделите область, которую хотите преобразовать в стиль Энди Уорхола. В этом случае я просто использую Инструмент «Лассо» (L), чтобы сделать грубое выделение.
Шаг 4
При активном выделении выберите инструмент Paint Bucket Tool (G) и залейте выделение любым цветом, который вам нравится, в данном случае я буду использовать белый.
Шаг 5
При активном выборе щелкните фоновый слой. Перейдите в «Правка»> «Копировать», а затем в «Правка»> «Специальная вставка»> «Вставить на место».
Шаг 6
Переименуйте этот новый слой в «Порог» и скройте слой «Выделение».
Шаг 7
Выбрав слой «Порог», перейдите в «Фильтр» > «Размытие» > «Размытие по Гауссу». Установите радиус 4 пикселя и нажмите OK. Примечание: это значение может немного измениться в зависимости от размера вашего изображения.
Шаг 8
Перейдите в меню «Изображение» > «Коррекция» > «Порог».Отрегулируйте пороговый уровень в соответствии с вашими потребностями в изображении и нажмите OK. В этом случае значение 115 работает нормально.
Шаг 9
Выбрав слой Threshold, перейдите в Select > Color Range. На панели цветового диапазона выберите «Highlights» в раскрывающемся меню и нажмите «ОК».
Шаг 10
Выберите «Правка» > «Вырезать», а затем «Правка» > «Специальная вставка» > «Вставить на место».
Шаг 11
Переименуйте новый слой в «Цвет», а слой «Порог» — в «Темные».
Шаг 12
Выберите фоновый слой и перейдите в меню «Слой» > «Новый слой-заливка» > «Сплошной цвет». Назовите этот слой «Цвет фона» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #ff8f05 и нажмите OK.
Шаг 13
Выберите слой «Темные» и перейдите в «Слой» > «Новый слой-заливка» > «Сплошной цвет». Назовите этот слой «Темный цвет», обязательно отметьте «Использовать предыдущий слой для создания обтравочной маски» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #1e1317 и нажмите OK.
Шаг 14
Выберите слой «Раскраска» и перейдите в меню «Слой» > «Новый слой-заливка» > «Сплошной цвет». Назовите этот слой «Цвет 1», обязательно отметьте «Использовать предыдущий слой для создания обтравочной маски» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #f5c9d6 и нажмите OK.
Шаг 15
Снова перейдите в Layer > New Fill Layer > Solid Color. Назовите этот слой «Цвет 2», обязательно отметьте «Использовать предыдущий слой для создания обтравочной маски» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #bff3e7 и нажмите OK.
Шаг 16
Снова перейдите в Layer > New Fill Layer > Solid Color. Назовите этот слой «Цвет 3», обязательно отметьте «Использовать предыдущий слой для создания обтравочной маски» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #d13f26 и нажмите OK.
Шаг 17
Снова перейдите в Layer > New Fill Layer > Solid Color. Назовите этот слой «Цвет 4», обязательно отметьте «Использовать предыдущий слой для создания обтравочной маски» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #9ac2e2 и нажмите OK.
Шаг 18
Снова перейдите в Layer > New Fill Layer > Solid Color. Назовите этот слой «Цвет 5», обязательно отметьте «Использовать предыдущий слой для создания обтравочной маски» и нажмите «ОК». В окне Color Picker установите цвет #ab6d84 и нажмите OK.
Шаг 19
Дважды щелкните миниатюру маски «Цвет 5». На панели свойств маски нажмите кнопку «Инвертировать».
Шаг 20
Повторите шаг 19 для слоев «Цвет 4», «Цвет 3» и «Цвет 2».
Шаг 21
Выбрав маску слоя «Цвет 2», убедитесь, что в качестве цвета переднего плана выбран белый. Выберите мягкую кисть (любого размера, который вам удобен) и закрасьте объект, чтобы выявить цвет в нужных областях.
Шаг 22
С активной кистью щелкните миниатюру маски слоя «Цвет 3» и закрасьте объект, чтобы выявить цвет.
Шаг 23
Снова выберите миниатюру маски «Цвет 4» и закрасьте объект, чтобы выявить цвет этого слоя в нужных областях.
Шаг 24
Наконец, нажмите на миниатюру маски «Цвет 5» и прокрасьте белой кистью по холсту, чтобы показать цвет этого слоя на вашем объекте.
Энди Уорхол и мода. Путеводитель по стилю
Уорхол не однажды стал частью модной сцены после того, как прославился как художник в шестидесятых; точнее было бы сказать, что он никогда оттуда не выходил и не выходил до сих пор. Икона стиля Энди Уорхол начинал как застенчивый иллюстратор для журнала, но теперь он известен как ключевая часть духа времени моды, который он так любил.

История моды

В 1950-х годах, еще до того, как Энди Уорхол, известный художник начал оказывать влияние на мир моды, он работал иллюстратором для Harper’s Bazaar 9013 . Уорхол часто рисовал туфли и коллажи из косметических товаров, которые были гораздо более прославляющими моду, чем его более поздние работы. Известный как несколько неуклюжий в обществе, Уорхол, как сообщается, называл Уорхола «Энди Бумажным мешком» тогдашним модным редактором Дайаной Вриланд из-за того, как он приносил свои иллюстрации в офис.

Феномен Суповой Банки

Энди Уорхол появился на арт-сцене в 1962 году со своей первой персональной выставкой, которая включала 32 полотна, нарисованные с помощью консервных банок Кэмпбелла. Его внимание к потреблению и повседневным предметам станет темой, которую он будет использовать на протяжении всей своей карьеры и вдохновит многих своих современников и художников, последовавших за ним. Уорхол печатал свои суповые банки на бумажных платьях, которые светские женщины надевали на мероприятия, и вскоре Кэмпбелл воспользовался популярностью печати.В 1965 году компания создала свои собственные «Супер-платья», которые каждый мог купить, отправив компании 1 доллар и две этикетки супа Кэмпбелл.

Уорхол встречает высокое Мода

Таким образом, до 1980-х годов мода, вдохновленная Энди Уорхолом, была низведена до бумажных платьев. Жан-Шарль де Кастельбажак укрепил статус Уорхола в сфере высокой моды, когда он включил в свою коллекцию Весна/Лето 1984 года платье с формой и принтом, напоминающим банку супа Кэмпбелл.Однако на этом феномен моды Энди Уорхола не закончился. В 1991 году Versace выпустил супермодель Линду Евангелисту на подиум в платье, инкрустированном драгоценными камнями, с изображением Мэрилин Монро, сделанным Уорхолом. У нее даже была соответствующая сумочка. С тех пор коллекции, вдохновленные Энди Уорхолом, стали чем-то вроде опоры в мире моды. Через год после смерти Уорхола его друг Стивен Спроус получил от Фонда Энди Уорхола разрешение на использование камуфляжных экранных отпечатков художника в своей коллекции.

Джереми Скотт и Moschino

Влияние иконы стиля Энди Уорхола, возможно, больше, чем у любого другого дизайнера, можно увидеть в работах Джереми Скотта, как в его одноименной линии, так и в дизайне, который он создал. для Москино. В коллекции Скотта осень/зима 2011 года платье с пайетками и топ украшены логотипом, напоминающим классический символ Coca-Cola, а в коллекции мужской одежды Moschino весна 2013 года логотип Budweiser и компании по производству моющих средств были напечатаны на куртках, брюках и даже целые наряды.Для показа женской одежды Moschino Fall 2014 Джереми Скотт включил знаменитый логотип McDonald’s в свои модели, что стало еще одним намеком на увлечение Уорхола потребительством.

Inspired By The Man

Не только искусство сделало покойного Энди Уорхола иконой стиля, но и его собственный гардероб. В 2014 году курортная коллекция Питера Дженсена отдала дань уважения Уорхолу, представив на показе всего две модели, мужчину и женщину. Мужчина шел по подиуму в блейзерах, джинсах и свитерах, которые носил бы сам Уорхол, а женщина была одета как Полетт Годдар, муза Уорхола.У модели-мужчины были даже фирменные серебристые волосы Уорхола и темные очки. Шоу Тома Форда весной 2016 года также отражало влияние Уорхола. На нем были представлены модели в джинсах и полосатых свитерах с кожаными куртками — один из любимых нарядов Уорхола. Одна модель с обесцвеченными светлыми волосами и в очках даже подозрительно походила на художника.

Интервью

Уорхол был очарован Голливудом и знаменитостями, и в 1969 году он основал интимный и необычный журнал Интервью .В начале публикации копии Интервью раздавались знающим, и даже после того, как он отошел от публикации, Уорхол раздавал копии на улице и давал импровизированные автографы. Interview опубликовал рассказы о знаменитых дизайнерах, таких как Сен-Лоран, Карл Лагерфельд и Хальстон, углубив связь Уорхола с миром моды. Журнал по-прежнему популярен и сегодня, теперь он освещает искусство, кино, музыку, культуру, ночную жизнь и моду, особенно когда появляется коллекция, вдохновленная Энди Уорхолом.
Энди Уорхол: король поп-арта — Musarticle
Движение поп-арта
Когда 1950-е подходят к концу, возникает новое движение в искусстве. Поп-арт приносит новую волну художников, которые оставят свой след в истории искусства.
Вслед за популярностью абстрактного экспрессионизма в конце 1940-х годов, которая каким-то образом должна была охватывать не только работы художников, которые заполняли свои холсты цветными полями и абстрактными формами, но и тех, кто атаковал свои холсты энергичным жестовым экспрессионизмом.
Wayne Thiebaud, Sandwich, 1963
Повторное введение в поп-арт узнаваемых образов, взятых из средств массовой информации и популярной культуры, стало серьезным сдвигом в направлении модернизма. Тематика стала далека от традиционных для «высокого искусства» тем морали, мифологии, классической истории. Скорее, поп-артисты прославляли обычные предметы и людей повседневной жизни. Движение поп-арт стремится поднять массовую культуру до уровня изобразительного искусства. Возможно, благодаря включению коммерческих изображений поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.
История поп-арта
Поп-арт, родившийся в Великобритании в середине 1950-х годов, был детищем нескольких молодых художников-подрывников, как и большинство современного искусства.
Рождение поп-арта
Первое применение термина «поп-арт» произошло во время дискуссий между художниками. Они называли себя Independent Group, входившей в состав Института современного искусства в Лондоне.
Рой Лихтенштейн. Утопающая девушка. 1963
Поп-арт ценит популярную культуру, или то, что мы также называем «материальной культурой».Он не критикует последствия материализма и потребительства, а просто признает их повсеместное присутствие как естественный факт.
Поп-арт, по большей части, завершил движение модернизма в начале 1970-х годов. Это также положило конец движению модернизма, подняв зеркало современного общества.
Возникновение движения
После того, как поколение постмодернистов пристально и долго смотрело в зеркало, неуверенность в себе взяла верх, и праздничная атмосфера поп-арта исчезла.Напротив, абстрактные экспрессионисты искали травму в душе. Тем временем поп-исполнители искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, пожалуй, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что прямого доступа к чему бы то ни было, будь то душа, мир природы или искусственная среда, не существует.
Художники поп-музыки считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих работах.Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, поп-арт-движение стремилось размыть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из ее наиболее влиятельных характеристик.
Восторженное искусство образов
Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая часть его несколько эмоционально удалена.
В отличие от предшествовавшей ему «горячей» экспрессии жестовой абстракции, поп-арт вообще «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокирующий уход, было предметом многочисленных споров.
Поп-исполнители, похоже, восприняли бум производства и СМИ после Второй мировой войны. Некоторые критики назвали выбор образов поп-артом восторженным одобрением капиталистического рынка. Однако другие отмечают элемент культурной критики в том, что художники поп-музыки возвышают повседневность до уровня высокого искусства.Привязывая товарный статус представляемых товаров к статусу самого предмета искусства, поп-арт подчеркивает место искусства как товара.
Профили художников поп-музыки
Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника рекламных щитов. Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и популярной культуры.
Ранние годы Энди Уорхола
Родился Эндрю Уорхола в рабочем пригороде Питтсбурга, штат Пенсильвания, 6 августа 1928 года в семье словацких иммигрантов. Уорхол рано проявил интерес к фотографии и рисованию, посещая бесплатные занятия в Институте Карнеги. Семья была византийской католической церковью и посещала византийскую католическую церковь св. Иоанна Златоуста. У Энди Уорхола есть два брата Джон и Пол. Его отец погиб в результате несчастного случая, когда Энди было 13 лет.
Уорхол спустился со Св.Танец Витуса в третьем классе, заболевание нервной системы, вызывающее непроизвольные движения, которые были осложнением скарлатины. В детстве он часто был прикован к постели и стал изгоем среди других учеников. В постели он много рисовал, слушал радио и собирал фотографии кинозвезд.
Годы спустя Уорхол описал период своей болезни как очень важный для развития его личности и формирования его навыков и предпочтений. В старшей школе Уорхол брал уроки рисования там и в Институте Карнеги (ныне Художественный музей Карнеги).Он был чем-то вроде изгоя, потому что был тихим, всегда с альбомом в руках, у него была шокирующе бледная кожа и белокурые волосы.
Уорхол также любил ходить в кино и начал собирать памятные вещи знаменитостей, особенно фотографии с автографами. Некоторые из этих картин появились в более поздних работах Уорхола. Уорхол окончил среднюю школу, а затем в 1945 году поступил в Технологический институт Карнеги, который окончил в 1949 году по специальности графический дизайн.
Энди Уорхол
Энди Уорхол
Стиль поп-арт
Во время учебы в колледже Уорхол разработал технику клякс, которая заключалась в том, чтобы склеить два листа чистой бумаги вместе по краям, а затем рисовать тушью на одной странице.Прежде чем чернила высохли, он сложил два листа бумаги вместе. Получившееся изображение представляло собой картину с неправильными линиями, которую он мог заполнить акварелью. Уорхол переехал в Нью-Йорк сразу после окончания колледжа и десять лет проработал там коммерческим иллюстратором. Он быстро заработал репутацию в 1950-х годах за использование своей техники блотинга в коммерческой рекламе.
Энди Уорхол, штриховая работа, без названия
Примерно в 1960 году Уорхол решил сделать себе имя в поп-арте, новом стиле искусства, зародившемся в Англии в середине 1950-х годов.Он состоял из реалистичных изображений популярных предметов повседневного обихода. Уорхол отказался от техники клякс и решил использовать краски и холст, но ему было трудно решить, что рисовать.
Энди Уорхол, Зеленые бутылки Coca-Cola, 1962
Уорхол начал с бутылок кока-колы и комиксов, но его работа не привлекла того внимания, которого он хотел.
В декабре 1961 года друг подал Уорхолу идею: он должен рисовать то, что ему нравится больше всего на свете, возможно, что-то вроде денег или банки супа.Уорхол рисовал обоих. Первая выставка Уорхола в художественной галерее состоялась в 1962 году в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Он показал свои полотна супа Кэмпбелл, по одному для каждого из 32 видов супа, производимого компанией. Он продал все картины комплектом за 1000 долларов. Вскоре работы Уорхола стали популярны во всем мире, и он был в авангарде нового движения поп-арта.
Уорхол, «Суп Кэмпбелла», 1962 г.
Известные работы Уорхола в стиле поп-арт
В дополнение к рисованию и созданию коробочных скульптур, таких как Brillo Box и Heinz Box, Уорхол начал работать в других средах, включая производство пластинок, таких как The Velvet Underground, издание журналов, таких как Интервью и съемка фильма.
The Velvet Underground и студийный альбом Нико, 1967 год
Авангардные фильмы Уорхола
Его авангардные фильмы, такие как Chelsea Girls, Blow Job и Empire, стали классикой андеграундного жанра. Критики нападали на таких художников, как Уорхол, за «капитуляцию» перед потребительством. Ценя его ранние картины превыше всего, они игнорировали деятельность, которая поглотила его внимание в более поздние годы. Уорхол проявлял огромный интерес к вечеринкам, коллекционированию, публикации и рисованию портретов на заказ.Тем не менее, некоторые начали думать, что все эти предприятия составляют самое важное наследие Уорхола. на самом деле они предвосхищают разнообразные интересы, виды деятельности и вмешательства, которыми сегодня занимаются художники.
Критики были шокированы открытым принятием Уорхолом рыночной культуры. Этот симпозиум задал тон восприятию Уорхола на протяжении всего десятилетия. Наконец, становилось все более и более очевидным, что Уорхол был в центре глубоких изменений в культуре мира искусства.
Изобразительное искусство и коммерческое искусство
Квинтэссенцией мастерства Энди Уорхола была его способность стирать разницу между изобразительным и коммерческим искусством.Его работы появлялись на иллюстрациях в журналах, комиксах, альбомах звукозаписей или рекламных кампаниях.
Минимизируя роль собственной руки в производстве своих работ, Уорхол произвел революцию в художественном мышлении. В результате его работа быстро стала очень спорной и популярной.
В 1970-х годах Уорхол вновь сосредоточился на живописи и много работал по заказу. Он делал это как для корпораций, так и для частных лиц, портрет которых писал. Работы, созданные в этом десятилетии, включают «Черепа», «Серп и молот», «Торс», «Маос» и «Тени».
Президентская кампания Джимми Картера, 1976 г.
Уорхол, твердо зарекомендовавший себя как крупный художник 20-го века и международная знаменитость, получил большую ретроспективу своих работ в Художественном музее Пасадены, которая посетила музеи по всему миру.
В 1980-х годах Уорхол вновь достиг критического и финансового успеха. Этот успех частично связан с его принадлежностью и дружбой с рядом плодовитых молодых художников. Они доминировали на «бычьем рынке» нью-йоркского искусства.Среди них Жан-Мишель Баския, Джулиан Шнабель, Давид Саль и так называемые неоэкспрессионисты. Он также был другом Франческо Клементе, Энцо Кукки и членов движения Трансавангардия, которое стало влиятельным.
Haring, Warhol and Basquiat
После плановой операции на желчном пузыре Энди Уорхол умер от осложнений во время выздоровления 22 февраля 1987 года.
Вечный король поп-арта Движение американского поп-арта.Уорхол навсегда останется всемирно известным благодаря своим картинам в стиле поп-арт и трафаретной печати.
Он был разносторонней фигурой, известной дружбой с богемными уличными людьми, выдающимися интеллектуалами, голливудскими знаменитостями и богатыми аристократами.
Warhol, Gun, 1981
Энди Уорхол прожил яркую жизнь, которая идеально сочеталась с его искусством по этим и другим причинам.