Произведения по жанру: Пейзаж — WikiArt.org
Жанр
Ландша́фт (нем. Landschaft, вид местности, от Land — земля и schaft — суффикс, выражающий взаимосвязь, взаимозависимость; дословно может быть переведён как «образ края») — конкретная территория, однородная по своему происхождению, истории развития и неделимая по зональным и азональным признакам.
Ландшафт в научном понимании — генетически однородный территориальный комплекс, сложившийся в свойственных только ему условиях, которые включают в себя: единую материнскую основу, геологический фундамент, рельеф, гидрографические особенности, почвенный покров, климатические условия и единый биоценоз.
Существует три трактовки термина «ландшафт»: региональная, типологическая, общая.
В соответствии с региональной (или индивидуальной) трактовкой ландшафт понимается как конкретный индивидуальный ПТК, имеющий географическое название и точное положение на карте. Такая точка зрения высказана Л. С. Бергом, А. А. Григорьевым, С. В. Калесником, поддержана Н. А. Солнцевым, А. Г. Исаченко.
По типологической трактовке (Л. С. Берг, Н. А. Гвоздецкий, В. А. Дементьев) ландшафт — это тип или вид природного территориального комплекса. В почвоведении существует понятие о типах и видах почв, в геоморфологии — о типах рельефа, а в ландшафтоведении можно говорить о типах, родах, видах ландшафта. Типологический подход необходим при средне- и мелкомасштабном картографировании ПТК значительных по площади регионов. Общая трактовка термина «ландшафт» содержится в трудах Д. Л. Арманда и Ф. Н. Милькова. В их понимании синонимами ландшафта выступают природный территориальный комплекс, географический комплекс.
Ландшафты, измененные хозяйственной деятельностью человека, следует подразделять на культурные и природно-антропогенные. Культурный ландшафт формируется в результате сознательной, целенаправленной деятельности человека для удовлетворения тех или иных практических потребностей. Природно-антропогенные ландшафты (ПАЛ) представляют собой комплексы, которые раз возникнув под влиянием человеческой деятельности, в дальнейшем развиваются самостоятельно.
Впервые слово ландшафт прозвучало в IX веке в трудах монахов Фульдского монастыря в Германии. Они при переводе с латыни «Евангелической гармонии» богослова Татиана заменили слово лат. regio — район, страна на lantscaf, что значит «единая священная земля, единой паствы (~ земля обетованная), территория, упорядоченная, согласно общегерманскому плану; форма, соответствующая содержанию, которое суть благодать,
нисходящая на „братьев и сестер во Христе“». В дальнейшем это понятие постепенно трансформировалось в понятие, далекое от первоначального смысла.
Существуют различные толкования понятия ландшафт. Один из подходов приравнивает ландшафт к окружающей среде (климатические и географические условия), которая существует независимо от проживающих в ней людей, которая не подвергалась существенным и заметным изменениям человека.
Ландшафт — это образцы активности, трансформировавшиеся в пространственное расположение элементов, внешние формы моделей человеческой деятельности.Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/ЛандшафтВзгляд Мунка на женщин | Эдвард Мунк
Романтика и страсть
На рубеже веков у Мунка завязался бурный роман с Матильдой (Туллой) Ларсен (1869–1942). В конце лета 1902 года они в последний раз встретились в доме и студии Мунка в небольшом приморском городке Осгардстранде. Во время этой встречи Мунк потерял часть среднего пальца на левой руке в результате пистолетного выстрела – предположительно, случайного.
Ни Тулла, ни сам Мунк так и не смогли вразумительно объяснить случившееся, и кто был виноват, так и осталось неизвестным. Всю оставшуюся жизнь Мунк писал картины, обходясь без крайней фаланги среднего пальца.
На сделанной в 1899 году фотографии Тулла и Мунк выглядят как супружеская пара, но на самом деле Мунк никогда не вступал ни с кем в брак.
На картине «Голова к голове» (1905) художник изобразил Туллу Ларсен и себя самого.
Девушки с летней мызы
К сюжету картины «Девушки на мосту» Мунк возвращался неоднократно – этому сюжету посвящены двенадцать работ художника. Первую картину Мунк написал в самом начале ХХ века, и сейчас она находится в собрании Национального музея Осло. На картине изображен небольшой приморский городок Осгардстранд.
«Девушки на мосту», Эдвард Мунк (1901).
Photo: Nasjonalmuseet / Børre Høstland
Флирт и дружба
Как правило, отношения Мунка с женщинами развивались стремительно, а за первой встречей следовало многолетнее восхищение, часто взаимное.
Типичный пример – Ингсе Вибе (1886–1945), которая, по рассказам, сама пришла познакомиться с Мунком. Она подошла к деревянной ограде возле его дома в Осгардстранде и окликнула художника. Случилось это в 1903 году, а девушке было на тот момент всего 16 лет.
Между ними завязалась дружба, продолжавшаяся несколько десятилетий, о чем свидетельствуют сохранившиеся письма и открытки. Ее образ также нашел отражение во множестве картин Мунка.
На одной открытке – фотография девушки, которая стала актрисой Национального театра в Осло и надпись: «Я хотела отправить вам небольшое приветствие и показать, какая я миленькая, когда хорошо себя веду.
На другой открытке, которую Ингсе прислала Мунку в 1907 году, изображен силуэт девушки, одетой в костюм и управляющей лодкой – значит, в Норвегии подобное было возможно уже более ста лет назад.
Мадонна и художник
«Брошь» – литография 1903 года, на которой изображена возлюбленная Мунка, английская скрипачка Эва Мудоччи (1883–1953). Сюжет тесно связан с одной из культовых картин Мунка под названием «Мадонна». Мудоччи посвящены еще две работы Мунка, созданные в том же году. Это «Концерт для скрипки» и «Саломея». По словам Мунка, у этой девушки были «тысячелетние глаза», и в одном из писем к ней он написал: «Вот камень, выпавший из моего сердца».
«У нее были тысячелетние глаза», — Эдвард Мунк.
Женские портреты, созданные в Экели, Осло
С 1916 до самой смерти в 1944 Мунк жил и работал в столичном районе Экели, где прежде располагались огороды
В студии в Экели было создано множество женских портретов, однако многие из этих работ остаются малоизвестными.
Ekely atelier, Oslo (1929).
Photo: Munchmuseet / Munch-Ellingsen / Bono
Одной из любимых моделей Мунка была Биргит Престёэ, которая отчасти поменялась с Мунком ролями, посмотрев на него глазами художника и описав следующим образом: «Мне он казался прекрасным, словно юный Аполлон, и мудрым, как зрелый Зевс». Она позировала для нескольких работ Мунка
, а впоследствии прославилась тем, что без стеснения рассказывала журналистам о работе модели, которая в те времена считалась непристойной.Портреты Биргит Престёэ созданы Мунком в 1924-25 годах.
В течение всей жизни Эдвард Мунк разрывался между страстью к женщинам и боязнью, что его отвергнут. Брак он считал помехой своим амбициям художника и умер холостяком в возрасте 80 лет.
5 лучших выставок апреля — Российская газета
Третьяковская галерея. Эдвард Мунк
17 апреля в Инженерном корпусе Третьяковской галереи открывается выставка «Эдвард Мунк» — совместный проект Третьяковки с норвежским Музеем Мунка. Для нас это первая экспозиция работ норвежского художника подобного масштаба — тем более ценная, что в российских музеях его произведения практически не представлены. Исключение составляют две работы, графическая и живописная, из собрания ГМИИ им. Пушкина, которые также вошли в экспозицию. Из Музея Мунка в Осло в Москву привезли 64 и 35 графических работ художника, 14 фотографий и мемориальные предметы, в том числе, книги из его личной библиотеки.
Для тех, кто знает Эдварда Мунка (1863 — 1944) только по его знаковым работам — «Крик» или «Меланхолия», эта выставка — исключительная возможность обстоятельно познакомиться с его творчеством, в том числе, с характерными приемами экспрессионизма, оказавшими влияние на всю европейскую культуру.
В своих работах Мунк вырабатывал собственный визуальный язык, непосредственно передающий базовые человеческие состояния и переживания. А поскольку художник был склонен к меланхолии и отличался трагическим мировосприятием, в его работах всегда присутствовали драматические сюжеты: страх, одиночество, ревность, взросление. Все это очень точно транслировало висевшее в воздухе накануне Первой мировой войны предвосхищение катастрофы и состояние послевоенной потерянности, когда произошел слом привычных ценностей.
Экспозиция поделена на несколько разделов — «Портрет», «Автопортрет», «Пейзаж», «Художник и модель», «Графика, «Фотография». Ее центральная часть — цикл «Фриз жизни», задуманный в свое время художником как серия работ, «которые вместе должны создавать картину жизни». В него входят знаменитый «Крик» — в Москву привезли самый ранний графический эскиз этой работы, «Поцелуй», «Вампир», «Пепел», «Метаболизм. Жизнь и смерть» и другие знаковые произведения. Еще одна сквозная тема выставки — «Мунк и Достоевский»: русский писатель оказал огромное влияние на мироощущение и творчество Мунка, и тот написал о нем отдельную монографию.
Адрес: ул. Крымский вал, д.10, Новая Третьяковка. До 14 июля.
Государственный музей Востока. «Под ветвями цветущей сакуры. Куклы Оно Хацуко»
На открывающейся 19 апреля выставке покажут около 30 кукол, созданных художницей Оно Хацуко (1915-1982), одного из признанных представителей кукольного жанра не только в Японии, но и в мире. Оно Хацуко вполне могла стать художником или дизайнером одежды — именно в этих направлениях она делала свои первые шаги в искусстве. В 16 лет она изучала рисунок и европейскую живопись, а затем довольно долго пробовала себя на поприще модельера. Все эти навыки помогли ей на следующем этапе, связанном с изготовлением кукол.
Начиная с 1960-х Оно Хацуко стала участвовать во всех значительных в Японии выставках художественно-прикладного искусства и специальных кукольных показах. Впрочем, широкая слава пришла к ней уже после смерти, в 2000-х годах, когда ее дочь занялась организацией кукольных выставок матери в разных частях света.
Именно тогда о самобытных персонажах Оно Хацуко, демонстрирующих не только безупречное мастерство создательницы, но и широкую палитру человеческих эмоций и переживаний, заговорили по всему миру.
«Ее куклы можно воспринимать как трехмерные картины укиё-э», — говорил гений польского кинематографа Анджей Вайда. Самодостаточность женственности, кокетство, юмор и состояние внутреннего покоя: персонажи Оно Хацуко как актеры миниатюрного театра скульптур транслируют самые разные человеческие состояния. Весь этот кукольный театр, населенный детьми и разными женскими типажами, актерами театра Кабуки и другими колоритными персонажами и развернется перед посетителями Музея Востока, погружая в свой мир тонкой игрой на нюансах и полутонах. И, конечно, виртуозной техникой исполнения и тонко подобранными аксессуарами и тканями.
Адрес: Никитский б-р, д. 12-а. До 19 мая.
Центр фотографии имени братьев Люмьер. «Французские каникулы Жана-Даниэля Лорье»
Выставка французского фотографа Жана-Даниэля Лорье, чье имя ставят рядом с такими легендами модной фотографии как Хельмут Ньютон и Ги Бурден, открылась 4 апреля при участии самого 83-летнего виновника события.
Кавалер Ордена Почетного легиона и Ордена Искусств и Литературы, свой первый профессиональный снимок он сделал на алжирской войне, куда его отправили служить штатным фотографом. Работы того периода отражали самые страшные стороны жизни, и возможно именно поэтому через несколько лет Лорье выберет для себя жанр, полностью противоположный военному репортажу. Он получит признание как специалист по ярким и беспечным по характеру фотографиям с участием самых красивых людей мира — актрис, знаменитых певцов и моделей.
Впрочем, славе предшествовала учеба в студии Harcourt, известной по черно-белым портретам с драматической игрой света и тени, знакомство с первыми актерами Франции и роман с Джеральдиной Чаплин, познакомившей его с Пьером Карденом. Ну а дальше история завертелась сама собой: съемки ля журналов Vogue, Harper’s Bazaar и L’Officiel, модных домов Dior, Lanvin и Céline, дружба с Шарлем Азнавуром , Дэвидом Линчем, Изабель Аджани, Карлой Бруни и другими «первыми лицами» обложек и экранов.
Лорье довелось снимать моду в благодатные 1970-1980-е: когда почти любой знаменитости можно было запросто позвонить по телефону или предложить во время съемки какой-нибудь незапланированный творческий эксперимент. Целью его работ стало создание в кадре безоблачной атмосферы dolce vita — того, к чему позже приклеится определение «гламур». Искусство модной фотографии было на взлете, и Лорье ездил по всему миру в поисках «рая на земле»: как он потом признавался — чтобы «выразить в своих фотографиях свободу и счастье».
Свои полные красок и контрастов фотографии с участием самых красивых моделей он снимал на Маврикии и Сейшельских островах, в Тунисе и Марокко — везде, где было достаточно солнца, яркого, как бирюза, безоблачного неба и пронзительно-синего моря. Брук Шилдс в белом купальнике на руках темнокожих водолазов, по-юношески задорная желто-синяя обложка для журнала Ragazza Pop, грустная улыбка Шарля Азнавура: выставка представляет тот полный красок и немного наивный мир Жана-Даниэля Лорье, который он выстраивал всю свою жизнь.
Адрес: Болотная набережная, 3, стр. 1. До 23 июня
Всероссийский музей декоративного искусства. «Не Фаберже единым… Пасхальные шедевры Кустарного музея»
Идти на эту выставку стоит уже потому, что Всероссийский музей декоративного искусства извлечет из архивов одну из своих малоизвестных коллекций, скрытых от глаз широкого зрителя на протяжении последних ста лет: собрание точечных деревянных пасхальных яиц. В начале ХХ века деревянные яйца-футляры, в которые помещались драгоценные пасхальные подарки, были одними из главных фигурантов пасхальных праздников. Центром по изготовлению самых изысканных красочных футляров считался густонаселенный мастерами по росписи дерева Сергиевский Посад. Ремесленники работали по эскизам, создававшимся в Торгово-промышленном музее кустарных изделий, который располагался в Леонтьевском переулке в Москве. Пасхальные яйца-футляры были только одной из многочисленных специализаций работавших здесь художников-прикладников, которыми руководил Николай Дмитриевич Бартрам: они также занимались разработкой мебели, интерьеров и игрушек.
Самые удачные образцы авторских деревянных пасхальных яиц включались в собрание музея — чтобы по ним можно было заказать точные копии.
На выставке представлено 60 предметов, большинство которых выполнены в русском стиле: изделия демонстрируют характерные для разных регионов орнаменты, резьбу, техники выжигания по дереву, полировки или тончайшей тонировки. На некоторых яйцах-футлярах разворачиваются живописные сюжетные композиции из книжных иллюстраций Серебряного века.
Адрес: Делегатская ул., д. 3. До 3 июня
Институт русского реалистического искусства. «Пора разобраться!»
Развернутое название выставки — «Архив Александра Каменского. Художники и критики». Александр Каменский — известный советский и российский искусствовед, художественный критик, оставивший после себя внушительный культурно-исторический архив, который охватывает временной отрезок с 1945 года до начала 1990-х. Например, в него вошли монументальные работы о творчестве Марка Шагала, Мартироса Сарьяна и Сергея Коненкова; исследование творчества художников-«семидесятников» и «восьмидесятников».
Отдельного упоминания заслуживает придуманный Каменским и вошедший в широкий обиход термин «суровый стиль», отражающий искусство его современников, поколения «шестидесятников».
«Пора разобраться!» — название его статьи, написанной за несколько месяцев до печально известных событий, произошедших на выставке «30 лет МОСХа» в Манеже, когда посетивший ее Никита Хрущев в пух и прах разгромил работы художников и практически подвел черту под коротким периодом «оттепели» в искусстве. Каменский был идеологом и соавтором той выставки, и впоследствии отчаянно защищал объявленных «формалистами» художников.
Александр Каменский и его работы стали отправной точкой выставочного проекта в ИРРИ: почти полувековая история страны рассматривается через призму его оцифрованных и выложенных в открытый доступ архивных работ. Документы эпохи будут иллюстрироваться произведеними ее героев: среди хитов выставки — «Вид в сад» Марка Шагала, «Нефтяник» Таира Салахова, «Лето. Июль» Виктора Попкова, «Завтрак» Андрея Васнецова, никогда не выставлявшийся вариант картины «Очередь» Алексея Сундукова, «Картошка» Роберта Фалька и это еще неполный список.
Адрес: Дербеневская наб., 7, стр. 31. До 11 августа
Работа норвежского художника Эдварда Мунка (1863-1944) «Болото». Эта работа была произведена в 1903 году. Фото 1746-21133572: Superstock
Superstock предлагает миллионы фотографий, видео и стоковых ресурсов для креативщиков со всего мира. Это изображение из работы норвежского художника Эдварда Мунка (1863-1944) «Болото».Это произведение было выпущено в 1903 году. Архив всемирной истории / Архив всемирной истории доступен для лицензирования сегодня.
Детали
Номер изображения: 1746-21133572
Права управляемого
Кредит: Архив всемирной истории / Архив всемирной истории
Версия модели: Нет
Права собственности: Нет
Детали: 6103 x 3437px | 20.
34 дюйма x 11,46 дюйма | 62.93MB | 300 точек на дюйм
ЛИЦЕНЗИРОВАНИЕ EASY RM
250 долларов США
Издательское дело / образование
400
Прямой маркетинг — внутреннее использование
$ 1600
Продлить лицензию
Для индивидуальных тарифных планов со скидкой, без водяных знаков или пакетов изображений для частных лиц или корпораций нажмите кнопку
НУЖНЫ ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ ОПЦИИ ниже.
В поисках запаса подписки посетите наш дочерний сайт PURESTOCK .
Добавить в корзину Нужны дополнительные параметры?
Ключевые слова
Пожалуйста, свяжитесь с
Продажи и исследования SuperStock
Электронная почта: yourfriends @ superstock.ком
Телефон: 1-866-236-0087
Великобритания / ЕС: +44 (0) 20 7036 1800
Эндрю Пол Вуд рассматривает книгу Брента Харриса «Навстречу болоту», ArtBeat
Эндрю Пол Вуд рассматривает книгу Брента Харриса «Навстречу болоту»
Брент Харрис, к болоту
Последнее кураторское шоу Лары Стронгман в Художественной галерее Крайстчерча перед ее новой ролью в Художественной галерее Нового Южного Уэльса в Сиднее и заключительное шоу CAG в 2019 году, Брента Харриса «Навстречу болоту» , является интересным.
Харрис, уроженец Новой Зеландии, является австралийским художником значительного роста, и выставка также отмечает важный подарок — копии всех его гравюр в будущем.
Тема выставки уходит корнями в аморфные формы гравюры Эдварда Мунка из коллекции Художественной галереи Нового Южного Уэльса, Навстречу Форресту (1915), которую Харрис скрестил с детскими воспоминаниями о Нью-Плимуте и Нью-Плимуте. река Манавату в разливе, сметая стволы деревьев. В то же время болота имеют коннотацию материнской тьмы и плодородия, подобной материнской утробе, — бессознательному с записанными серийными номерами.
Работа на выставке, состоящая из гравюр и картин, носит очень психологический характер. Хотя отправной точкой Харриса является спонтанный автоматический рисунок, ряд художественно-исторических влияний, помимо Мунка, очевиден, если к ним относиться легкомысленно, в том числе кошмарные Каприччио Гойи в случае серии принтов The Other Side (2017) Барнетта. Ньюман, Эллсуорт Келли, Эд Рейнхардт, Колин МакКахон и, возможно, даже Гордон Уолтерс.
Работа порождает свою собственную мифологию в манере, не отличающейся от работ Майкла Иллингворта Mr и Mrs Thomas Pissquick , посредством биоморфных капель и шумных капель, переходящих от плоского к пространственной сложности по мере развития.Глубокая ментальная вовлеченность Харриса в его исходный материал ощутима, и есть игривое пренебрежение к «абстракции» и «репрезентации» как дискретным категориям, и здесь я буду ссылаться на преднамеренно сверхсознательную наивность и живописное разрушение Мартина Киппенбергера.
В выставке есть две выдающиеся работы, обе теперь в коллекции CAG, которые почти угрожают подавить остальные работы. Большая картина 2019 года Peaks (The Other Side) — Харрис, работающий в высоком регистре символистов, прохладная, неактуальная лунная палитра Пюви де Шаванна, пейзаж Мунка, очищенный от экспрессионизма, за исключением голых и тонких деревьев и плоской поп-музыки. художественный стиль.Названные горы с их мультяшными снежными тюрбанами вызывают гору Таранаки и хребет Пуакай.
Две очень стилизованные человеческие фигуры, архетипические, мужчина и женщина, Адам и Ева, похожие на что-то из муми-троллей Туве Янссон с примесью Йошитомо Нары, смотрят на огромный космический глаз и ухо, парящие в голубых небесах, но при этом каждая видит только один из органов, как в индийской притче о слепых и слоне, они не могут объединить оба в понимание Бога, или вселенной, или любой возвышенной трансцендентности, с которой вы отождествляете себя.Харрис говорит, что он не религиозен, но в его работы входит множество божеств, а также своего рода платонический пантеизм. У всего есть душа, и все — бог или что-то подобное.
Литография 2004 года « К реке », подаренная художником галерее, имеет отчетливо-манковскую атмосферу, атмосферную и неоднозначную, но она также сочетает в себе ряд тропов восточного и западного религиозного искусства в эффектный и эффективный вид. влияя на синтез, а также то, что я бы назвал символистским, поскольку он приближается к большим метафизическим истинам косвенным и сомнительным образом.
Композиция создает собственное ощущение пространства с каплевидными золотыми вертикалями, которые могут быть лесом или пещерой. Это подразумеваемое пространство занято одной призрачной фигурой, синей и светящейся, как блуждающий огонь или видение Девы Марии. Поза предполагает меланхолию и самоанализ. Я хочу назвать это постмодерном ikon . Фигурация постепенно перестает быть помехой (несправедливо) в современном искусстве, но Харрис с легкостью справляется с этим.
Это точное показание? Избегание Харриса конкретных повествований делает эту перспективу спорной, и Ницше был прав лишь частично, когда писал, что испытать нечто столь же прекрасное — значит испытать это неправильно.Фрэнсис Пикабиа, ссылаясь на работу Платона Philebus , утверждал, что форма и цвет имеют собственное независимое существование и «порождают свои особые удовольствия», что особенно верно в отношении работ Харриса Swamp . Капающая грязь и слизь превосходят намеки, абстракции и суперплоскость.
В современном контексте, где визуальное удовольствие каким-то образом всегда связано с эксплуатацией, одержимостью и жестокостью, двусмысленность Харриса обманывает сетчатку глаза красотой, воплощенной в желании.
Не только « Навстречу болоту» Харрис — первая персональная выставка в публичной галерее Новой Зеландии, но и образцовый образец качеств, которые делают его таким важным австралийским художником.
Брент Харрис, к болоту
Художественная галерея Крайстчерча Te Puna o Waiwhetū
Куратор Лара Стронгман
6 ноября 2019 — 23 февраля 2020
ИЗОБРАЖЕНИЕ
- Брент Харрис К реке 2004 Литография.Собрание Художественной галереи Крайстчерча Te Puna o Waiwhetū, дар художника, 2018
- Брент Харрис В лес 1999 Цветной трафарет. Собрание Художественной галереи Крайстчерча Te Puna o Waiwhetū, дар художника, 2018
Эдвард Мунк — Крик, Картины и цитаты
Норвежский художник Эдвард Мунк широко известен своей культовой доэкспрессионистской картиной «Крик» («Крик»).
Кем был Эдвард Мунк?
Художник Эдвард Мунк создал свой собственный свободный стиль, основанный на психологической тематике.Его картина «Крик» («The Cry»; 1893) — одно из самых узнаваемых произведений в истории искусства. Его более поздние работы оказались менее интенсивными, но его более ранние, более темные картины обеспечили его наследие. Подтверждая его важность, «The Scream» был продан в 2012 году за более чем 119 миллионов долларов, что стало новым рекордом.
Ранняя жизнь и образование
Мунк родился 12 декабря 1863 года в Лётене, Норвегия, он был вторым из пяти детей. В 1864 году Мунк переехал со своей семьей в город Осло, где его мать умерла четыре года спустя от туберкулеза — это положило начало серии семейных трагедий в жизни Мунка: его сестра Софи также умерла от туберкулеза в 1877 году в больнице. возраст от 15 лет; другая из его сестер провела большую часть своей жизни в психиатрических больницах; и его единственный брат умер от пневмонии в 30 лет.
В 1879 году Мунк начал посещать технический колледж, чтобы изучать инженерное дело, но оставил его только через год, когда его страсть к искусству превзошла его интерес к инженерному делу. В 1881 году он поступил в Королевскую школу искусств и дизайна. В следующем году он арендовал студию с шестью другими художниками и принял участие в своей первой выставке на выставке «Промышленность и искусство».
Коммерческий успех
Три года обучения и практики спустя Мунк получил стипендию и поехал в Париж, Франция, где провел три недели.Вернувшись в Осло, он начал работать над новыми картинами, одной из которых была «Больной ребенок», которую он закончил в 1886 году. В том, что будет рассматриваться как первая работа, представляющая отход Мунка от стиля реализма, картина символически запечатлел сильные эмоции на холсте, в частности, изображая его переживания по поводу смерти сестры почти девятью годами ранее.
С 1889 г. (год смерти его отца) по 1892 г. Мунк жил в основном во Франции, финансируемый государственными стипендиями, вступая в самый продуктивный и самый беспокойный период своей творческой жизни.
Именно в этот период Мунк создал серию картин, которые он назвал «Фризом жизни», в конечном итоге включив в себя 22 работы для берлинской выставки 1902 года. С картинами с такими названиями, как «Отчаяние» (1892), «Меланхолия» (ок. 1892–93), «Тревога» (1894), «Ревность» (1894–95) и «Крик» (также известный как «The Плач ») — последняя из которых, написанная в 1893 году, впоследствии стала одной из самых известных картин, когда-либо созданных — психическое состояние Мунка было полностью проявлено, и его стиль сильно варьировался в зависимости от того, какая эмоция овладела им. в это время.Коллекция имела огромный успех, и вскоре Мунк стал известен в мире искусства. Впоследствии он обрел кратковременное счастье в жизни, окрашенной чрезмерным пьянством, семейными неудачами и душевными страданиями.
Спустя годы и наследие
Однако успеха было недостаточно, чтобы надолго приручить внутренних демонов Мунка, и с началом 1900-х годов его пьянство вышло из-под контроля. В 1908 году, услышав голоса и страдая от паралича с одной стороны, он потерял сознание и вскоре зарегистрировался в частном санатории, где пил меньше и восстановил некоторое душевное равновесие.
Весной 1909 года он выписался, чтобы вернуться к работе, но, как показывает история, большинство его великих работ осталось позади.
Мунк переехал в загородный дом в Экели (недалеко от Осло), Норвегия, где жил изолированно и начал писать пейзажи. Он чуть не умер от гриппа во время пандемии 1918-19 годов, но выздоровел и прожил более двух десятилетий после этого, умер в своем загородном доме в Экли 23 января 1944 года. Мунк рисовал до самой смерти, часто изображая его ухудшение. состояние и различные физические недуги в его работе.
В мае 2012 года картина Мунка «Крик» была выставлена на аукционе и была продана на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке более чем за 119 миллионов долларов — рекордная цена, закрепившая за ним репутацию одного из самых известных и важных произведений искусства в истории. произведен.
Эдвард Мунк — Картины, биография, цитаты Эдварда Мунк
Эдвард Мунк — норвежский художник-экспрессионист.
Его самая известная работа «Крик» стала одним из самых знаковых образов мирового искусства. В конце 20 века он сыграл великую
роль в немецком экспрессионизме и последующих формах искусства; именно из-за сильного душевного страдания, которое проявлялось во многих произведениях, которые он создавал.
Эдвард Мунк родился в Норвегии в 1863 году и вырос в Христиании (ныне Осло). Он был родственником известных художников и художников, Якоба Мунк (художник) и Питер Мунк (историк).Только несколько
Спустя годы после его рождения мать Эдварда Мунка умерла от туберкулеза в 1868 году, и его воспитывал отец. Отец Эдварда страдал психическим заболеванием, и это сыграло роль в его воспитании и его братьях и сестрах. Их
Отец воспитывал их из-за страха перед глубоко укоренившимися проблемами, что является одной из причин, почему работы Эдварда Мунка приобрели более глубокий тон и почему у художника, как известно, было так много подавленных эмоций, когда он рос.
В 1885 году Эдвард Мунк отправился в Париж и испытал огромное влияние импрессионистов, таких как Клод Моне, Эдуард Мане, а затем художники постимпрессионизма Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, и Поль Гоген. Фактически, основной стиль работы Мунка — постимпрессионизм, и ориентирован именно на этот стиль.
Примерно с 1892 по 1908 год Мунк большую часть времени проводил между Парижем и Берлином; Это было в 1909 году, когда он решил вернуться в свой родной город и вернуться в Норвегию.В этот период большая часть работ, созданных Эдвардом
Мунк изобразил свой интерес к природе, и также было отмечено, что тона и цвета, которые он использовал в этих произведениях, действительно добавляли больше цвета и казались немного более жизнерадостными, чем большинство предыдущих работ, которые он создавал за эти годы.
мимо. Пессимистический оттенок, который был довольно заметен в большинстве его ранних работ, немного поблек, и кажется, что он принял более красочный, игривый и забавный тон с произведениями, которые он создавал, в отличие от
к мрачному и мрачному стилю, с которым он работал раньше в течение своей карьеры.
С этого периода до своей смерти Эдвард Мунк оставался в Норвегии, и большая часть его работ, созданных с этого периода
on, казалось, придерживался того же красочного подхода, который он использовал после возвращения домой в 1909 году.
Природа — это не только все, что видно глазу … она также включает в себя внутренние образы души ». — Эдвард Мунк
Большинство работ, созданных Эдвардом Мунком, относились к стилю, известному как символизм.Это в основном из-за того, что картины, которые он делал, были сосредоточены на внутреннем виде объектов, а не на
внешнему виду и тому, что мог видеть глаз. Художники-символисты считали, что искусство должно отражать эмоцию или идею, а не представлять мир природы в объективной, квазинаучной манере, воплощенной в реализме и
Импрессионизм. В живописи символизм представляет собой синтез формы и чувства, реальности и внутренней субъективности художника.
Вместе с австрийским художником Густавом Климтом, Эдвард Мунк
считается наиболее выдающимися художниками-символистами 20 века.
Многие работы Мунка изображают сцены жизни и смерти, любви и ужаса, а чувство одиночества часто было тем чувством, на которое зрители обращали внимание на то, на чем были сосредоточены его образцы работы. Эти эмоции были изображены контрастными
линий, более темных цветов, цветных блоков, мрачных тонов и лаконичной и преувеличенной формы, которые отображали более темную сторону искусства, которое он создавал.Мунк часто и справедливо сравнивают с Ван Гогом, который был одним из
первые художники, написавшие то, что французский художник назвал «таинственными центрами разума». Но, возможно, более сильное влияние оказал Зигмунд Фрейд, очень близкий ему современник.
Фрейд объяснил большую часть человеческого поведения, связав его с детским опытом. Мунк видел, как его мать умерла от туберкулеза, когда ему было 5 лет, а его сестра Софи умерла от той же болезни, когда ему было 14 лет.
«Кровать Смерти» и «Смерть в больничной» — универсальный состав, не изображающий того, что он видел.Несколько версий
Больной ребенок, несомненно, его сестра.
Эдвард Мунк скончался в 1944 году в небольшом городке, который находился недалеко от его родного города в Осло. После его смерти работы, которые он создал, не были переданы семье, а были подарены норвежцам.
правительства, и были размещены в музеях, на выставках и в различных местных общественных зданиях в Норвегии. Фактически, после его смерти более 1000 картин, созданных Эдвардом Мунком, были переданы в дар правительству.Кроме того
к картинам, которые он создал в течение своей карьеры, все другие формы искусства, которые он создал, также были переданы в дар правительству. Было подарено 15 400 гравюр, 4500 рисунков и акварели.
и шесть скульптур, созданных Эдвардом Мунком, были переданы правительству Осло и использовались в качестве экспонатов во многих местах.
Как и Микеланджело и Рембрандт, меня больше интересует линия, ее подъем и падение, чем цвет.»- Эдвард Мунк
В связи с тем, что все работы, созданные Эдвардом Мунком, были переданы в дар правительству Норвегии, в стране было принято решение построить Художественный музей Мунка. Это было сделано для
воздать должное его работе, его жизни и щедрости, которую он проявил, передав свои работы правительству, чтобы они были доступны широкой публике, а не содержались взаперти в семье. Хотя
искусство, которое он пожертвовал, было разбросано по ряду музеев и художественных выставок, большинство из которых хранилось в Осло.И большая часть работ, подаренных Мунком, была помещена в Художественный музей Мунка , чтобы
отмечать проделанную им работу, а также уникальный стиль и отдельные движения, которые он представил миру посредством созданных им творений.