Два танцора пикассо: Картина Пабло Пикассо. Танец (Три танцора, Три танцовщицы). 1925

Содержание

Картина Пабло Пикассо. Танец (Три танцора, Три танцовщицы). 1925

Картина

Название, рус.
Танец, Три танцора, Три танцовщицы

Название, англ.
The Three Dancers

Оригинальное название
Les Trois Danseuses

Год окончания
1925

Период творчества
Период сюрреализма (1925-1937)

Размеры
215,3 х 142,2 см

Техника
Холст, масло

Жанр
Жанровые сцены

Сюжет
Женщина с поднятыми руками, Жермен Гаргалло, Карлос Касагемас, Танец

Местонахождение
UK, London, Tate Gallery

Обстоятельства написания

Возраст Пикассо
Пикассо 43 года

Женщина Пикассо
Ольга Хохлова фото

Где написана
Написана в Париже, в июне 1925, после поездки с Ольгой Хохловой в Монте-Карло на премьеру балета Дягилева.

Контекст
На Пикассо начинают оказывать влияние сюрреалистические веяния. Помимо арт-среды Пикассо общается с кругом балетных, близким его жене, Ольге Хохловой, при этом отношения с Ольгой всё больше приближаются к разрыву. Как считают искусствоведы, это сказалось на негативной экспрессии картины. Впрочем, другие искусствовады считают, что в жутких образах танцоров и танцовщиц на картине запечатлен любовный треугольник — друг Пикассо, Карлос Касагемас, Жермен Гаргалло, его возлюбленная, из-за которой он 25 лет назад застрелился, а также Рамон Пишо, женой которого Жермен стала впоследствии. Как раз ко времени написания картины Пикассо стало известно, что Рамон Пишо умер. С этой картины принято отсчитывать период сюрреализма в творчестве художника.

Дополнительно

О картине — в галерее Тейт
О картине — в Википедии

О картине — Роланд Пенроуз


Surrealism — Picasso — vtbrussia.

ru

Когда сюрреалисты поместили «Авиньонских девиц» Пикассо на обложку одного из первых номеров журнала «Сюрреалистическая революция», художнику было 44 года. Немолодой уже человек. Успешный. Богатый. Но вся жизнь Пикассо в период сюрреализма — его неуемная страсть и стремление к постижению неизведанного — говорит о том, что Пабло не собирался «медленно стареть на французских виллах» и подводить итоги жизни и творчества. Он жаждал новой революции.

От «Авиньонских девиц» до «Трех танцоров»

О полотне Пикассо «Авиньонские девицы», созданном еще в 1907 году, искусствоведы говорят как о революционном — и для самого художника, и для того, что принято называть современным искусством. Впрочем, это они говорят сейчас, постфактум, а в начале прошлого века о картине забыли почти на 20 лет. Все это время она, не оцененная ни друзьями, ни коллекционерами, ни коллегами Пикассо, валялась свернутой в рулон в его мастерской.

Миру ее в 1925 году открыл предводитель сюрреалистов — Андре Бретон.

«Авиньонские девицы», 1907 год

В статье о Пикассо, которая вышла в том же номере «Сюрреалистической революции», Бретон называл художника одним из сюрреалистов — «одним из нас, хоть это и невозможно, и, в любом случае, с нашей стороны было бы дерзостью применять к его методам ту жесткую систему, которую мы предлагаем продвигать во всех других направлениях». Пабло Пикассо наблюдал за сюрреалистами и приветствовал их, но молча и со стороны. Их теории, впрочем, вскоре нашли в его творчестве свое выражение.

«Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу» Пабло Пикассо

Бретон и его последователи считали, что сюрреализм — это соединение сна и реальности, подсознательного и осмысленного. В Манифесте сюрреализма Андре, большой поклонник творчества Зигмунда Фрейда, описывал новый творческий метод как «чистый психический автоматизм, посредством которого выражается подлинное функционирование мысли». И в этом смысле Пикассо сюрреалистов не разочаровал. О своем творчестве того периода он говорил очень тождественно: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Думать, а не видеть. Впервые этот принцип Пикассо применил в картине 1925 года «Три танцора». Ярость, гнев и одновременно скорбь — гамма чувств, явленная танцем трех фигур, говорила: Пабло Пикассо (после небольшого затишья) вступил в новую эпоху. И это эпоха деконструкции, расчленения, ломки — новой архитектуры человеческого тела, где скрываемое вырывается на волю и причудливо сочетается с реальностью.

«Три танцора», 1925 год

Интересный факт: исследователи, знакомые с рентген-анализом полотна, утверждают, что изначально округлых форм в этом произведении было значительно больше. Другими словами, картина «Три танцора» начиналась как более гармоничная и спокойная. Но затем округлости сменились на углы и «закруты», передающие атмосферу страдания, муки и гибели.

Любовь как ненависть

Пикассо всегда тяжело переживал свои и чужие болезни, был суеверен и очень боялся смерти. Смерть… Это мучительное переживание возвращалось к нему с новой силой во время резких перемен в жизни. Во второй половине 1920-х годов Пикассо вел себя и писал картины как человек, который находится в глубоком кризисе. Собственно, таким он и был.

Семейная жизнь с Ольгой Хохловой стала тяготить и мучить художника. Светский лоск и буржуазный уют, которого супруга желала и к которому всегда стремилась, надоел Пикассо — ему хотелось на волю. Неугомонный творческий дух требовал свободы.

«Обнаженная в красном кресле» (Ольга Хохлова), 1929 год

«Женщина в шляпе» (Ольга Хохлова), 1935 год

Энергию для освобождения Пикассо давали в том числе молодые сюрреалисты-бунтари.

Они требовали свободы от всего — в том числе в социальном плане, соединяя сюрреализм с марксизмом. Несмотря на то что Пикассо еще не задумывался о своих политических пристрастиях и говорил, что смыслом его жизни является искусство, ему нравилась бескомпромиссность сюрреалистов.

«Он ненавидит свои картины, как другие ненавидят своих собственных демонов или как женщину, которая сводит с ума. Он человек сплошных противоречий: он одновременно ненавидит и свою жизнь, и мысль о том, что мог бы жить по-другому» Макс Жакоб, французский поэт и художник

Утомленный семейной жизнью, Пикассо изливал в своих работах желание уничтожить все, что должно быть уничтожено. Коллаж «Гитара», созданный Пикассо в 1926 году из рваной тряпки, струн, краски, клея и бумаги, состоял в том числе из семнадцати гвоздей, направленных остриями к зрителям.

Изначально он хотел вместо гвоздей укрепить на холсте бритвенные лезвия.

«Пикассо все ненавидит и ненавидит самого себя, и, в то же время, он все любит и любит свои великолепные произведения. Про таких говорят: он — хаос, он — бездна», — писал о друге в 1926 году Макс Жакоб.

Новая муза и ее воплощение в вечности

В 1927 году Пикассо случайно знакомится на парижской улице с 17-летней Мари-Терез Вальтер. По легенде, художник заметил в толпе красивую светловолосую девушку и воскликнул, взяв ее за руку: «Я — Пикассо. Вместе мы будем делать замечательные вещи!» Так в жизни 46-летнего гения появилась новая муза, о которой биографы говорят как о «величайшей сексуальной привязанности в жизни Пикассо», «страсти, которая не знала границ и запретов».

«Голубка» Мари-Терез, юная и покорная, готовая на все, стала любовницей Пикассо, о которой Ольга, может, и догадывалась, но предпочитала до поры не замечать ее присутствие на работах мужа. «Сон», «Девушка перед зеркалом», «Обнаженная в черном кресле», «Лежащая обнаженная», «Женщина с цветком» — это далеко не полный перечень картин Пикассо, на которых живет Мари-Терез. Живет так, как ее понимал Пикассо, пропуская через себя. Он разбирает и собирает возлюбленную, как одушевленный и любимый конструктор, творит, «сотворяет» Мари-Терез снова и снова.

  • «Сон», 1932 год

  • «Девушка перед зеркалом», 1932 год

  • «Красное кресло», 1931 год

  • «Женщина с цветком», 1932 год

  • «Чтение», 1932 год

  • «Любовники», 1932 год

  • «Скульптор, модель и скульптурный бюст», 1933 год

  • «Отдых», 1932 год

  • «Голова женщины», 1935 год

  • «Женщина у окна», 1936 год

Отличительная черта Пикассо — не довольствоваться тем, что можно увидеть глазами, то есть внешней стороной реальности. Он пытливо и глубоко старался рассмотреть, что же там спрятано. «Коль скоро нельзя было удовлетвориться поверхностными кажимостями в облике предмета, его необходимо было разложить на составные части, ибо анализ помогает нам глубже понять предмет и полнее оценить его присутствие», — писал о художнике его друг, английский художник-сюрреалист Роланд Пенроуз.

Пикассо курсировал между опостылевшей Ольгой и любимой Мари-Терез много лет, раздираемый и чувством вины, и злостью. Иногда и усталостью от такого положения вещей. Вокруг все было блестяще: и светская жизнь, и друзья, и слава, и деньги, с каждым днем прибывавшие, как тесто в жаркой печи. А внутри царил мрак и ощущение неустроенности, тотального неуюта.

Об этих противоречиях говорит цикл работ, посвященный многочисленным купальщицам. Их фигуры то еле обозначены цветовыми пятнами («Купальщица, открывающая кабинку»), то сооружены из гипертрофированных частей женского монструозного тела («Купальщица с поднятыми руками», «Купальщица, сидящая на берегу моря», «Девушка, бросающая камень», «Фигуры на пляже»).

  • «Купальщица, открывающая кабинку», 1928 год

  • «Купальщица с мячом на пляже», 1932 год

  • «Купальщицы с мячом», 1928 год

  • «Купальщица», 1928 год

  • «Обнаженная, загорающая на пляже», 1932 год

  • «Купальщица, сидящая на берегу моря», 1930 год

Пикассо в этот период вел крайне разгульный образ жизни. Скажем, встречался на пляже с Мари-Терез во время своей поездки с Ольгой и сыном на побережье Бретани, в курортном городке Динар. Мари-Терез всегда была рядом по настоянию возлюбленного и жила поблизости.

Апофеоз бунта — «Распятие»

Андре Бретон писал: «Красота должна быть конвульсивной или ее не должно быть вовсе». Эту фразу всегда приводят применительно к сюрреалистическому периоду в творчестве Пикассо. Отношения с Ольгой и Мари-Терез, внутренние противоречия не могли не выплескиваться на холст. Страх собственной неправоты не покидал Пикассо, но при этом он не мог не любить и не страдать при этом. Великолепные конвульсии — это странные женщины на картинах художника, сломанные, но пугающие.

Апофеозом этой раздирающей борьбы с самим собой и внешним миром стала работа «Распятие». Для кого-то она стала искушением: кажущееся кощунство Пикассо, который в Бога не верил, но время от времени возвращался к религиозным мотивам, может оттолкнуть. При этом многие понимали, что картина — это видение человека, который сам распят на кресте. Исследователи говорят, что эта работа — переходный этап между «Тремя танцорами» и «Герникой», в которой нашлось место женской фигуре, в бессильной и яростной скорби поднимающей вверх руки со сжатыми кулаками.

«Распятие», 1930 год

После «Распятия» в работах (гравюрах) Пикассо неожиданно поселяется Минотавр — мифический получеловек-полубык, символизирующий ненасытного зверя. Мужское начало, подавляющее и главенствующее, его триумф — вот основной смысл этих работ. Мари-Терез, на которую обрушилась вся мощь этого Минотавра, впоследствии так вспоминала этот период: «Как говорил Ренуар, Пикассо сначала насилует женщину, а потом начинает работать. Это могла быть я, это мог быть кто-то еще, но это всегда было именно так».

«Минотавр с девушкой и кубком в руке», 1933 год

К гравюрам с Минотавром и его женщинами присоединяются сюжеты корриды, где Ольга изображается как старая ведьма, а Мари-Терез — жертва. Некоторые исследователи полагают, что в этих работах Пикассо прозревал грядущие мировые потрясения, которые через несколько лет в очередной раз жестоко искорежат человечество. Личное соединяется в них с интуитивным пониманием художника: никто и ничто не уйдет от свирепого Минотавра…

Сумасшедший

В первой половине 1930-х работы Пабло Пикассо часто представлялись на выставках в европейских странах. После очередной такой выставки, в Цюрихе, о работах Пикассо высказался Карл Юнг — статья в газете его авторства была разгромной. Юнг писал, что работы художника напоминают ему рисунки психически больных пациентов, что Пикассо — шизофреник.

Карл Юнг

«На поверхность выбрасывается все уродливое, болезненное, гротесковое, неудобопонятное, банальное — не с целью что-либо выразить, а исключительно чтобы скрыть; но таинственность эта, тем не менее, не имеет за собой ничего реального, она как туман, опустившийся на безлюдные болота; игра, не стоящая свеч, спектакль, идущий при совершенно пустом зале», — писал Юнг.

Но зал не был пуст. Пикассо продолжал выражать то, что происходило внутри и снаружи — он просто не мог иначе. В начале 30-х в его жизни снова появилась скульптура. В замке XVII века у деревушки Буажелу он оборудовал в каретном сарае ателье скульптора и вернулся к старому занятию снова. Результатом стало появление целого ряда работ высотой в два метра и даже больше. Изготавливались они из сваренных вместе железных деталей, потом Пикассо покрывал их краской. Некоторые позже были отлиты в бронзе.

Фото скульптуры Пабло Пикассо на фоне его дома в Буажелу

Проволока, дерево, металл — все шло в ход в скульптурных композициях Пикассо. В Буажелу он обратился к образам животных, фигуры которых потом стояли в саду других вилл художника. Были в череде монументов сюрреалистического периода и бюсты-портреты. Известен бюст «Голова женщины», моделью для которого стала Мари-Терез, жившая в Буажелу вместе с Пикассо.

Скульптура «Женщина с вазой», тоже увековечившая Мари-Терез, стоит на могиле Пикассо в замке Вовенарг.

Рисование стихов

В 1935 году Пабло Пикассо окончательно порвал с Ольгой Хохловой и во второй раз стал отцом — Мари-Терез родила ему дочь Майю. Оба эти события выбили художника из привычной колеи — ему приходилось решать вопросы развода с женой и осмыслять перемены, случившиеся с любовницей. Мари-Терез больше не могла уделять возлюбленному столько времени, сколько раньше — отношения с Пикассо стали меняться, он заскучал.

Жизнь требовала осмысления — и художник осмыслял. Его творческий дух внезапно потребовал нового воплощения. Пикассо стал… писать стихи. Точнее даже сказать — рисовать, потому что это не была поэзия в привычном понимании: тексты, созданные в русле сюрреализма, с помощью «автоматического письма», были без знаков препинания, местами рваные, местами похожие на кирпичи — даже зрительно.

Художник экспериментировал с тканью текста, как до этого с визуальными образами, — монолитные словесные блоки могли соединяться в единое целое, а могли восприниматься в отдельности. Пенроуз сравнивал стихи Пикассо с кристаллами, а Бретон писал о его поэзии так: «Поэзия, которая не в состоянии не быть пластичной в такой же степени, как живопись, по-настоящему поэтична».

«Портрет Поля Элюара», 1937 год

В середине 1930-х Пикассо сблизился с поэтом Полем Элюаром, который оказал на него большое влияние. Однажды Элюар написал стихотворение, посвященное своему другу Пабло:

— Какой прекрасный день, когда я вновь увидел человека, которого
Уж не могу забыть,
Кого я никогда не позабуду.
И мимолетные девчонки, чьи глаза
Преграду воздвигают, мне из чести,
Тепло укутавшись в свои улыбки.
[…]
Какой прекрасный день, тот день, что начат в меланхолии,
Черневшею под зеленью деревьев, но который
Внезапно на рассвете круто взмыл
И в сердце мне вошел большим сюрпризом.

Поль Элюар познакомил Пикассо с его новой музой, Дорой Маар, с которой связан новый период жизни и творчества художника.

Фото: Getty Images Russia, РИА Новости

Бандерас сыграет Пикассо в испанском байопике

«Он достоин огромного уважения», — добавил актер.

«Я родился в Малаге, в четырех кварталах от того места, где родился он», — приводит издание слова Антонио Бандераса.

Съемки двуязычного испанско-французского фильма, которые запланированы на следующий год, пройдут в Париже и в Гернике. Продюсером фильма станет Элиас Керехета (Elias Querejeta), работавший с Карлосом Саурой над его фильмом 1975 года «Выкорми ворона» (Cria cuervos). Саура и Керехета написали сценарий «33 дней» в соавторстве с французским сценаристом Луи-Шарлем Сирьяком (Louis-Charles Sirjacq), известным своими работами в телепроектах.

Оператором ленты может стать Витторио Стораро — в настоящий момент с трехкратным лауреатом премии «Оскар» (Vittorio Storaro), оператором фильмов «Последнее танго в Париже» и «Апокалипсис сегодня» ведутся переговоры.

Бюджет фильма оценивается в 7,9 млн. евро. Производством ленты займется кинокомпания Idem 4, расположенная на севере Испании в Бильбао при участии компании Cinevedas, отделения которой расположены во Франции, Канаде и Индии.

Карлос Саура дебютировал в кино в 1955 году короткометражной лентой, посвященной фламенко. В 2010 году снял полнометражный фильм «Фламенко, фламенко», посвященный танцу, в котором приняли участие танцоры Сара Барас и Хосе Мигель Кармона, а также один из самых известных в мире испанских гитаристов Пако де Лусия.

Одна из самых известных лент Сауры — «Кармен» 1983 года, снятая в сотрудничестве с танцевальной труппой Антонио Гадеса, и сделавшая режиссера лауреатом премии BAFTA, тоже посвящена фламенко. Саура удостоен двух серебряных и одного золотого медведей Берлинского кинофестиваля и других международных кинонаград.

В прошлом году в рамках фестиваля испанского кино Cinefiesta в московском кинотеатре «Художественный» показывали ретроспективу из 8 фильмов Сауры.

Антонио Бандерас — один из самых знаменитых испанских актеров. Известный благодаря своим ролям в картинах «Маска Зорро», «Отчаянный» и «Интервью с вампиром», Бандерас снимался также у Квентина Тарантино и Педро Альмадовара. Антонио Бандерас озвучил Кота в сапогах в мультиках о «Шреке». Полнометражная лента о персонаже сказки прошла в кинотеатрах осенью прошлого года.

Пабло Пикассо — основоположник кубизма, один из самых «дорогих» художников мира — эстимейт его работ превышает сотни миллионов долларов. «Герника», одна из самых страшных картин Пикассо, передающая страшную атмосферу войны и гибели беззащитных мирных граждан, написана художником за 2 месяца в 1937 году после уничтожения баскского городка. «Гернику» привозили в Москву среди 240 экспонатов масштабной выставки работ Пикассо в ГМИИ им. Пушкина в 2010 году.

Актер Энтони Хопкинс исполнил роль Пабло Пикассо в фильме 1996 года американского кинорежиссера Джеймса Айвори «Прожить жизнь с Пикассо» (Surviving Picasso), посвященном художнику.

Живопись на марках Экваториальной Гвинеи I. Пабло Пикассо. : all_collector — LiveJournal

Экваториальная Гвинея, 27 января 1975. блок Mi:GQ 521, посвященный памяти Пабло Пикассо на марке картина «Натюрморт» номинал — 130 Equatorial Guinean ekuele. 

Блок Экваториальная Гвинея посвященный памяти Пабло Пикассо. Экваториальная Гвинея Mi:GQ 521

Экваториальная Гвинея, 27 января 1975. Серия из 7 марок (две – авиапочта) посвященная памяти Пабло Пикассо на марках картинаMi:GQ 514 — 520, Sn:GQ 75-01 — 75-07, Yt:GQ 56-A — PA41-B 

На марках поздние работы художника (абстракционизм).   

Экваториальная Гвинея, 27 января 1975. Серия из 7 марок (две – авиапочта) Mi:GQ 514 — 520, Sn:GQ 75-01 — 75-07, Yt:GQ 56-A — PA41-B

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Сон«, Mi:GQ 520, Sn:GQ 75-07, Yt:GQ PA41-B, номинал — 70 Equatorial Guinean ekuele

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Сон», Mi:GQ 520, Sn:GQ 75-07, Yt:GQ PA41-B, номинал — 70 Equatorial Guinean ekuele

Картина Пабло Пикассо «Сон», 1932 год. 1997 — $48,4 млн, аукцион Кристис, 11 ноября

2006 — Картина была вновь выставлена на продажу, речь шла о цене в $139 млн, однако владелец картины, жестикулируя, прорвал холст локтем; картина была отреставрирована, и артрынок несколько лет ожидал нового ценового рекорда (подробнее здесь).

2013 — В конце марта стало известно, что прежний претендент на картину всё же купил ее частным образом после реставрации, заплатив рекордную сумму $155 млн. 

Картина Пабло Пикассо «Сон», 1932 год

24 января 1932, в 63 км от Парижа в замке, который купил Пикассо в 1930 году, в течение нескольких лет им были написаны знаменитые образы Мари-Терез.

Округлые формы и плавные упругие линии — характерная пластика портретов Мари-Терез, так он больше не рисовал ни одну женщину. Le Rêve  «Сон», или «Мечта»  — один из самых знаменитых шедевров Пикассо периода «большой эротики». Картина была написана в течение одного дня. Его пленительной натурщице в это время было 22 года, они с Пикассо уже около 5 лет вместе. Он работает в Буажелу, она тайно приезжает к нему в замок на велосипеде.

Они будут вместе ещё несколько лет, она родит ему дочь, и даже после расставания они будут поддерживать отношения долгие и долгие годы. Он будет заботиться о своей внебрачной семье, перевозить мать и дочь во время войны в безопасные места, напишет ещё огромное количество их портретов. Мари-Терез в течение долгих лет после расставания будет чуть ли не ежедневно писать ему письма, после него она так и не захочет быть ни с кем другим. И не сможет долго жить после его смерти, добровольно уйдет из жизни через четыре года после него.

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Танец, Три танцора, Три танцовщицы», Mi:GQ 519, Sn:GQ 75-06, Yt:GQ PA41-A, номинал — 5 Equatorial Guinean ekuele 

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Алжирские женщины, версия О (15)», Mi:GQ 519, Sn:GQ 75-06, Yt:GQ PA41-A, номинал — 5 Equatorial Guinean ekuele

Картина Пабло Пикассо «Танец, Три танцора, Три танцовщицы» 1925, UK, London, Tate Gallery

Написана в Париже, в июне 1925, после поездки с Ольгой Хохловой в Монте-Карло на премьеру балета Дягилева.

Картина Пабло Пикассо «Танец, Три танцора, Три танцовщицы» 1925, UK, London, Tate Gallery

На Пикассо начинают оказывать влияние сюрреалистические веяния. Помимо арт-среды Пикассо общается с кругом балетных, близким его жене, Ольге Хохловой, при этом отношения с Ольгой всё больше приближаются к разрыву. Как считают искусствоведы, это сказалось на негативной экспрессии картины. Впрочем, другие искусствовады считают, что в жутких образах танцоров и танцовщиц на картине запечатлен любовный треугольник — друг Пикассо — Карлос Касагемас, Жермен Гаргалло — его возлюбленная, из-за которой он 25 лет назад застрелился, а также Рамон Пишо, женой которого Жермен стала впоследствии. Как раз ко времени написания картины Пикассо стало известно, что Рамон Пишо умер. С этой картины принято отсчитывать период сюрреализма в творчестве художника.


Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Ночной рыбак с Антиба», Mi:GQ 516, Sn:GQ 75-03, Yt:GQ 56-C, номинал — 0. 15 Equatorial Guinean peseta 

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Ночной рыбак с Антиба», Mi:GQ 516, Sn:GQ 75-03, Yt:GQ 56-C, номинал — 0.15 Equatorial Guinean peseta

Картина Пабло Пикассо «Ночная рыбалка на Антибах» 1939 год, USA, New York, MoMA

Картина Пабло Пикассо «Ночная рыбалка на Антибах» 1939 год, USA, New York, MoMA

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Алжирские женщины», Mi:GQ 518, Sn:GQ 75-05, Yt:GQ 56-E,  номинал — 0.25 Equatorial Guinean ekuele  

Картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины, версия О (15)» 1955 год, $179,365,000, Кристис, Нью-Йорк, 11 мая 2015

Картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины, версия О (15)» 1955 год

Это окончательная, 15-я, версия Алжирских женщин Пикассо, c Жаклин Рок в чалме на переднем плане. Считается безусловным шедевром творчества Пикассо 1950-х годов.

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Средиземноморский пейзаж», Mi:GQ 517, Sn:GQ 75-04, Yt:GQ 56-D, номинал — 0.20 Equatorial Guinean peseta 

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Средиземноморский пейзаж», Mi:GQ 517, Sn:GQ 75-04, Yt:GQ 56-D, номинал — 0.20 Equatorial Guinean peseta

Картина Пабло Пикассо «Средиземноморский пейзаж» 1952 

Картина Пабло Пикассо «Средиземноморский пейзаж» 1952

Картина «Средиземноморский пейзаж» кисти Пабло Пикассо продана на стокгольмском международном аукционе Bukowskis за 2 миллиона долларов.

«Средиземноморский пейзаж» был написан Пикассо в 1963 году на юге Франции. Картину продали родственники шведских коллекционеров Бу и Маргареты Линд, в собраниях которых также были полотна Марка Шагала, Фернанда Леджера и Мориса Утрилло.

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Купальщицы с игрушечной лодкой», Mi:GQ 515, Sn:GQ 75-02, Yt:GQ 56-B, номинал — 0.10 Equatorial Guinean peseta  

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Купальщицы с игрушечной лодкой», Mi:GQ 515, Sn:GQ 75-02, Yt:GQ 56-B, номинал — 0.10 Equatorial Guinean peseta

Картина Пабло Пикассо «Купальщицы с игрушечной лодкой» 1937, Italy, Venice, Peggy Guggenheim Collection

Картина Пабло Пикассо «Купальщицы с игрушечной лодкой» 1937, Italy, Venice, Peggy Guggenheim Collection


Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина —  «Мандолина и гитара», Mi:GQ 514, Sn:GQ 75-01, Yt:GQ 56-A, номинал — 0. 05 Equatorial Guinean ekuele

Марка Экваториальная Гвинея, 27 января 1975, посвященная памяти Пабло Пикассо на марке картина — «Мандолина и гитара», Mi:GQ 514, Sn:GQ 75-01, Yt:GQ 56-A, номинал — 0.05 Equatorial Guinean ekuele

Картина Пабло Пикассо «Мандолина и гитара» 1924, 

Картина Пабло Пикассо «Мандолина и гитара» 1924, USA, New York, Solomon Guggenheim Museum

Заканчивается период классицизма в творчестве Пикассо. Реализм формы уже не вдохновляет его, и кроме того, классическая направленность его работ последних лет вызывает неприятие авангардистов. На вечере дадаистов Пикассо объявляют мертвым художником, вечер завершается потасовкой с вмешательством полиции. Однако и в классический период Пикассо не прерывал своих кубистических экспериментов в натюрмортах. В частности, в 1924-1925 годах он выполняет серию натюрмортов в стиле синтетического кубизма, геометризм в которых, однако уже сглажен плавными округлыми линиями, предвосхищающими его вхождение в период сюрреализма.

Статья проиллюстрирована изображениями картин из Интернета.

 В статье использованы марки из коллекции volynko «Живопись на марках» 

Источник: picassolive.ru 

Russian East Building Audio Tour

NARRATOR:

Конструкцию, которую вы здесь видите, обычно называют французским окном (French window). Но посмотрите внимательно на левый нижний угол, где написано название этой работы «Недавно овдовевшая» (Fresh Widow). Это не опечатка!

Куратор и заведующий современным искусством Гарри Купер объясняет игру слов Марселя Дюшана.

HARRY COOPER:

Эта картина была написана в 1920 году в период после Первой мировой войны, поэтому несомненно, что Дюшан намекает на женщин, овдовевших из-за войны. Затемненные окна могут означать маскировку, которая была необходима во время войны, или цвет траура, который носят вдовы.

NARRATOR:

Дюшан был известен своими «редимейдами», найденными предметами, которые художник представлял как объекты искусства. Он также любил создавать небольшие, странные копии предметов, как здесь. Он считал, что искусство надо прочувствовать, а не делать. Вот как говорил сам Марсель Дюшан:

ARCHIVAL, MARCEL DUCHAMP:

В конечном итоге акт творчества не выполняется художником в одиночку; зритель помогает произведению вступить в контакт с внешним миром, расшифровывая и трактуя его внутренние свойства, и таким образом вносит свой вклад в акт творчества.

NARRATOR:

Дюшан воплотил свой взгляд на творчество даже в подписи под картиной. Кто такая Роуз Селави?

HARRY COOPER:

Это псевдоним, который взял художник. На французском Роуз Селави звучит очень похоже на «c’est la vie», «это жизнь». А «Роуз» также звучит как «Эрос», «Э-Р-О-С». Таким образом в некотором смысле, этот взятый художником псевдоним можно перевести как «эротизм в жизни». Мы также знаем, что это его женское альтер-эго, и что он часто сфотографировался, переодетый в довольно элегантную даму в шляпе и с макияжем. Поэтому он играет, не только [смеется] с определением искусства и индивидуальностью художника, но также с гендерной составляющей.

NARRATOR:

Взгляните на работу рядом: Boite-en-Valise, что означает коробка в чемодане. Художник создал ее как маленький, портативный музей Дюшана. Вы видите «Недавно овдовевшую»?

Как устроить домашнюю вечеринку. Туториал от Пабло Пикассо

Правильная вечеринка начинается с правильной встречи гостей. Даже если вам уже далеко за 70, как Пабло Пикассо на этих фотографиях, не стоит отступать от этого Главного Закона Проведения Правильных Вечеринок. И лучше всего при встрече срабатывают маски-шоу, желательно устрашающего свойства. Согласитесь, это бодрит:

Наш тичер здесь топлесс, но это не принципиально, просто на юге Франции в 1957 году было жарковато. Но у нас сейчас новогодние каникулы, так что внесите необходимые поправки и — действуйте. Паричок возьмите у соседки, маску нарисуйте сами, и свирепые образы Нового года, нехорошо характеризуемого недобрыми майя, готовы. Для тех, кто в страшные предсказания не верит, можно порекомендовать вариативность маскарадных костюмов — от злобно-африканских до добродушно-плюшевых:

Продумывая накануне смену масок, не забудьте про старого доброго Чарли. Даже если и не у каждого из вас окажется под рукой черный котелок:

И – танцы. Это – надо. Выберите самую красивую девушку за столом, например, свою жену, и представьте вместе с ней перед гостями свою трактовку Дягилевских сезонов:

Привлеките к танцевальной программе гостей, в том числе и малых сих, но всё же не стесняйтесь напомнить собравшимся, кто здесь главный танцор, потрясите всех своим показательным соло:

А когда придет кульминационный момент вечера, не скрывайте своей искренней радости:

Нарядите бутылку в соответствии с тематической идеей вечеринки, например, в костюм тореро. Так что гости внутренне уже будут готовы, когда после легкого стола вы предложите им поиграть в импровизированную корриду:

Вероятно, в какой-то момент гости, домочадцы и мелкая домашняя живность, героически исполнявшие роли боевых быков, запросят пощады, — дайте им передышку. Предложите спокойные игры, например, продемонстрируйте им разнообразные традиции табакокурения, существующие у разных народов мира. Покажите, как это делают, например, цыгане:

И – переходите к творческому конкурсу. Вам понадобятся черно-белые снимки с предыдущих вечеринок и цветные фломастеры. Так приятно пририсовать другу рога, а себе корону. В этом конкурсе победят – все. И поверьте, это будут самые любимые фотографии во всех семейных альбомах. Небольшой мастер-класс для начинающих, До и После:

Этим ребятам на фото – под 80, слева – друг детства нашего тичера, справа – он сам. И поскольку в жизни он рьяно закрашивал любую поверхность, до которой только мог дотянуться, он легко справился и с задачей раскраски дружеского фото. Как видим, он избрал весьма выигрышную тему, Торжество Бахуса. А вы могли бы взять любую другую, однако нельзя не согласиться, что чаша с вином в центре композиции смотрится весьма духоподъемно:

И, наконец, проводы гостей. Тут никакой особенной помпы не требуется. Просто выйдите на балкон в трусах и колпаке выкрикивайте что-нибудь энергичное, пока последний гость не скроется за поворотом. Потом возвращайтесь к своим и, удобно устроившись в любимом кресле, принимайте заслуженные поздравления.

Действуйте, друзья, каникулы ещё не кончились!

Туториал можно изучить по книге
The Private World of Pablo Picasso: The Intimate Photographic Profile of the World’s Greatest Artist
by David Douglas Duncan

или на сайте фотографа

UPD

Туториал сработал! По крайней мере в плане ностальгических воспоминаний На почту блога пришли фото от читательницы (смотрите коммент) — не один Пикассо был так изобретателен в масках. Девчонки жгут:

«Это был прикольный Новый год в Кучинской общаге. Снежная баба — это я! А под маской Деда Мороза — моя подруга Галька, которая с бумажной бородой и в полосатом халате выглядела сумасшедшим, сбежавшим из дурдома. Было очень весело, и мы были молоды.»



Tеги: домашняя вечеринка, Дэвид Дуглас Дункан, идеи для вечеринки, как устроить вечеринку, Пабло Пикассо

Похожие записи



Комментарии

Нижинская Бронислава Фоминична — биография танцора, личная жизнь, спектакли и фото

Свою балетную карьеру Бронислава Нижинская начала в паре со старшим братом Вацлавом. Позже она стала балетмейстером — и единственной женщиной-хореографом в Русских сезонах Сергея Дягилева. Она ставила танцевальные номера для Иды Рубинштейн и Матильды Кшесинской, руководила несколькими танцевальными школами и написала книгу по теории хореографии.

Балетная пара — брат и сестра Нижинские

Родители Брониславы Нижинской, Томаш Нижинский и Элеонора Береда, были танцовщиками и много гастролировали. С ними ездили два старших сына — Станислав и Вацлав. Третью беременность Элеонора Береда скрывала до последнего дня. 8 января 1891 году супруги выступали в Минске, танцевали в опере Глинки «Жизнь за царя». Элеонора Береда почувствовала себя плохо, спектакль пришлось прервать. Через несколько часов прямо за кулисами театра родилась Бронислава Нижинская.

Вскоре семья решила обосноваться в Петербурге. Здесь Вацлав и Бронислава Нижинские поступили в Императорское театральное училище — на балетное отделение. После окончания учебы их приняли в труппу Мариинского театра. Бронислава Нижинская сначала танцевала в кордебалете, а потом ей стали предлагать сольные партии. Театральные критики писали о ее «мужественном» танцевальном стиле, артистичности и полетном прыжке.

Вацлав и Бронислава Нижинские. Фотография: muzcentrum.ru

Бронислава Нижинская. Фотография: zi-nina.livejournal.com

Бронислава Нижинская в балете «Петрушка». Фотография: aif.ru

В 1909 году Нижинские участвовали в первом Русском сезоне в Париже вместе с Анной Павловой, супругами Фокиными, Идой Рубинштейн, Матильдой Кшесинской.

«Будучи человеком невероятно творческим, она довольно быстро поняла, что ей скучно и тесно в рамках классического балета. Ей хотелось чего-то другого — нового, и это новое она нашла в экспериментах Михаила Фокина, которого приняла сразу же и восторженно».

В 1911 году Вацлава Нижинского уволили за выступление в откровенном костюме, возмутившем вдовствующую императрицу Марию Александровну. Бронислава Нижинская также покинула Мариинский театр.

Нижинские уехали в Европу, там они продолжали выступать в Русских сезонах Дягилева. Брат и сестра часто танцевали в паре. Композитор Игорь Стравинский писал о них: «Нижинские — брат и сестра вместе — были наилучшей балетной парой, которую только можно вообразить».

«Голубой экспресс»

В 1913 году Вацлав Нижинский оставил Русские сезоны, и вновь сестра ушла вслед за ним. Она участвовала в лондонской антрепризе брата, потом вернулась в Петербург и поставила там свои первые танцевальные номера — «Осенняя песня» и «Кукла». Позже Бронислава Нижинская открыла в Киеве собственную балетную студию «Школа движения», написала книгу по теории хореографии и поставила в украинских театрах балеты «Траурный марш» и «Мефисто-вальс».

Бронислава Нижинская в балете «Les Biches» («Лани»). 1924. Фотография: pinterest.com

Вацлав (в центре) и Бронислава Нижинские с композитором Морисом Равелем. Фотография: flickr.com

Бронислава Нижинская с учениками. Фотография: John Rawlings, 1935

В 1921 году балерина вернулась к Дягилеву и стала единственной женщиной-хореографом в его труппе. В этот год она поставила танцевальный номер «Три Ивана» и два балета на музыку Стравинского — «Свадебка» и «Байка про лису».

«Ее хореография для первых постановок «Байки про Лису» (1922) и «Свадебки» (1923) нравилась мне больше хореографии любого из моих балетов, поставленных дягилевской труппой».

В 20-е годы в кругах парижского бомонда формировался новый стиль жизни. В моду входили мюзик-холлы и кабаре, спортивные состязания и выступления уличных акробатов. Вдохновленная французскими шоу-представлениями, Бронислава Нижинская поставила новаторский балет «Голубой экспресс».

Голубой экспресс — le train bleu — был самым модным и дорогим видом транспорта в Париже 20-х годов. Либретто для балета написал драматург Жан Кокто: по сюжету поезд увозил молодых парижан на пляж Лазурного Берега. Спектакль был построен на классическом танце, но содержал множество акробатических трюков. Авангардные декорации к балету-бурлеску создал французский скульптор Анри Лоран, костюмы — Коко Шанель, а в украшении занавеса использовали картину Пабло Пикассо «Женщины, бегущие по пляжу». Бронислава Нижинская танцевала в «Голубом экспрессе» партию чемпионки по теннису.

Хореограф Иды Рубинштейн и Матильды Кшесинской

В 1925 году Бронислава Нижинская оставила труппу Дягилева: он стремился к смелым театральным экспериментам, а она по-прежнему строила свои спектакли на классической хореографии.

Следующие годы Нижинская путешествовала по Европе, США и Южной Америке. Менеджером балерины стал ее второй муж Николай Сингаевский. Вернувшись в Париж, Нижинская создала свою труппу, а позже подписала контракт с Идой Рубинштейн и стала хореографом ее театрального коллектива. В 30-х годах она поставила «Концерт» Шопена, «Этюды» Баха, «Болеро» на музыку Мориса Равеля и балет «Гамлет», в котором сыграла главную роль. Бронислава Нижинская создала танцевальные номера для фильма «Сон в летнюю ночь», который сняли режиссеры Макс Рейнхардт и Уильям Дитерле. В 1936 году в постановке Нижинской в последний раз танцевала на сцене лондонского Ковент-Гардена Матильда Кшесинская.

В конце 30-х годов Нижинская переехала жить в Америку, в Нью-Йорке она руководила танцевальной школой «Балле тиэтр». У нее учились американские балерины Мария и Марджори Толчиф, Аллегра Кент. По их воспоминаниям, Бронислава Нижинская была очень требовательной к своим подопечным.

До 1966 года хореограф ставила балеты в разных театрах мира, потом писала мемуары. В 1972 году Бронислава Нижинская умерла от сердечного приступа в Лос-Анджелесе. Книгу «Ранние воспоминания» выпустила ее дочь Ирина Нижинская, тоже известная балерина.

Пикассо Две танцовщицы — 2 Продается на 1stDibs

Один из самых плодовитых и революционных художников, которых когда-либо видел мир, Пабло Пикассо оказал огромное влияние на развитие современного искусства 20-го века. Хотя он наиболее известен своей связью с кубистским движением, которое он основал вместе с Жоржем Браком, влияние Пикассо распространяется на сюрреализм, неоклассицизм и экспрессионизм.

«Каждый акт созидания — это прежде всего акт разрушения», — провозгласил испанский художник. В кубистических картинах Пикассо он подчеркивает двухмерность полотна, нарушая условности относительно перспективы, ракурса и пропорций. Пикассо вдохновлялся иберийским и африканским племенным искусством. Одна из его самых известных докубистских работ — « Les Demoiselles d’Avignon » (1907), картина, которая в то время считалась аморальной и шокирующей из-за изображения обнаженных женщин, лица которых напоминают маски иберийских племен.

Пикассо сделал много портретов в этом стиле, чаще всего женщин в его жизни, их выразительно окрашенные лица, составленные из геометрических осколков поверхностных плоскостей.В картине «Женщина в шляпе» (Ольга) , 1935 год, он нарисовал свою первую жену как совокупность абстрактных форм, предоставив зрителю возможность расшифровать сюжет через контрастные цвета и формы. Пикассо был неутомимым художником, создавшим более 20 000 картин, рисунков, гравюр, керамики и скульптур. Прослеживая работу всей его жизни, можно увидеть развитие современного искусства, на которое он оказал беспрецедентное влияние.

Просмотрите обширную коллекцию произведений искусства Пабло Пикассо на 1stDibs.

Считается, что история скульптуры в том виде, в каком мы ее знаем, берет свое начало в Древней Греции, а небольшие скульптурные резные фигурки являются одними из наиболее распространенных образцов доисторического искусства.Одним словом, скульптура как изобразительное искусство всегда была с нами. Мощное трехмерное средство творческого самовыражения, скульптура долгое время чаще всего ассоциировалась с религией — вспомните Великого Сфинкса из известняка в Гизе, Египет — в то время как традиция коллекционирования скульптуры, которая также восходит к Греции, а также к Китаю , далеко предшествует появлению музеев.

Техника и материалы в скульптуре со временем менялись. Каменная скульптура, которая, по сути, началась с изображений, вырезанных на стенах пещер, так же стара, как и сама человеческая цивилизация.Большинство сохранившихся скульптурных произведений древних культур сделаны из камня. Традиционно этот материал и керамика, а также металл, в частности бронза, были одними из самых распространенных материалов, связанных с этой областью изобразительного искусства. Художники долго искали новые способы и материалы для создания скульптур и выражения своих идей. В конце концов, материал — это средство, с помощью которого художники выражают себя или, по крайней мере, решают проблемы, крутящиеся в их головах. Это также позволяет им раздвигать границы формы, разрушая наши ожидания и переворачивая условности.Будучи влиятельным скульптором, а также художником-революционером и гравером, Пабло Пикассо работал со всем, от проволоки до дерева и велосипедных сидений.

Если вы любитель искусства и антиквариата или впервые думаете о том, чтобы принести в дом произведение скульптуры, следует помнить о нескольких деталях. Как и в случае со всеми другими произведениями искусства, подумайте о том, что вам нравится. Что вам говорит? Посетите местные галереи и музеи. По возможности покупайте произведения паблик-арта и арт-ярмарок и узнайте, какая скульптура вам нравится. Когда вы приняли решение о конкретной работе, постарайтесь узнать о ней все, что можно, и, если вы не покупаете ее напрямую у скульптора, обратитесь к искусствоведу, чтобы подтвердить подлинность работы.

И когда вы принесете свою скульптуру домой, помните: независимо от того, насколько велика или мала ваша новая постройка, она будет выделяться в вашем пространстве. Скульптуры больших и даже средних размеров могут быть тяжелыми, поэтому при необходимости наймите профессиональных художников и найдите в доме подходящее место для своей работы.Устанавливаете ли вы возвышающуюся новую фигуративную скульптуру — красочного персонажа от KAWS или, возможно, гиперреалистичную работу Кэрол А. Фейерман — или абстрактную работу Вона Ли, вы хотите, чтобы скульптура была защищена от опрокидывания. (Вы обнаружите, что большинство скульптур должны быть выставлены на уровне глаз, в то время как некоторые большие бюсты лучше всего смотрятся снизу.)

На 1stDibs вы найдете широкий выбор исключительных скульптур для продажи. Просматривайте работы по вашему любимому автору, стилю, периоду или другому атрибуту.

Пикассо Фаянсовая тарелка, тарелка, танец Пабло Пикассо

Подпись Foundry с печатью на оборотной стороне мемориальной доски
Состояние Отличное
Черная рамка с матированием
Куплено в Галерее 2010
Происхождение / История
История / Дополнительная информация
Сертификат подлинностиArt Brokerage
КРЫШКА129716

Пабло Пикассо — Испания

Арт-брокеридж: Пабло Пикассо Испанский художник: Пабло Пикассо был одним из самых влиятельных художников 20-го века. Его гениальное использование формы, цвета и перспективы оказало глубокое влияние на последующие поколения художников, включая Виллема де Кунинга и Дэвида Хокни. «Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно, но есть и другие, которые благодаря своему искусству и уму превращают желтое пятно в солнце», — сказал он однажды. Родившийся Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомучено Криспин Криспиниано Мария де лос Ремедиос де ла Сантисима Тринидад Руис Пикассо 25 октября 1881 года в Малаге, Испания, его потрясающий талант рано развил его отец, художник Хосе Руис Бласко.Пикассо поступил в Королевскую академию Сан-Фернандо в Мадриде и какое-то время жил в Барселоне, прежде чем поселиться в Париже в 1904 году. Погруженный в авангардные круги Гертруды Стайн, он быстро перешел от неоимпрессионизма к голубому периоду. и Розовый период, прежде чем достичь кульминации в его шедевре «Авиньонские девицы» (1907). В постоянном поиске живописных решений и в диалоге со своим другом Жоржем Браком Пикассо соединил формы, которые он видел в африканской скульптуре, с многочисленными перспективами, которые он почерпнул у Поля Сезанна, чтобы создать кубизм. Не ограничиваясь живописью, художник также выражал себя через коллаж, скульптуру и керамику. Будучи глубоко затронутым продолжающейся гражданской войной в Испании, Пикассо создал то, что, возможно, является его самой откровенно политической работой «Герника» (1937), картину размером с фреску, изображающую резню с зубчатыми формами и контрастными оттенками серого. Художник был плодовитым вплоть до своей смерти 8 апреля 1973 года в Мужене, Франция. Сегодня его работы находятся в собраниях Музея современного искусства в Нью-Йорке, галереи Тейт в Лондоне, Эрмитажа в Санкт-Петербурге.Санкт-Петербург, а также учреждения, посвященные исключительно делу его жизни, такие как Музей Пикассо в Малаге, Музей Пикассо в Барселоне и Национальный музей Пикассо в Париже. Требуются списки.

Танцоры мало что могут рассказать нам о танцевальном искусстве Пикассо | Пабло Пикассо

Английский национальный балет переедет весной следующего года в галерею Тейт Британ, проводя репетиции в длинной классической галерее Дювин, которая делит здание на две части. Танцоры проведут занятия в галерее, и их присутствие свяжет шоу Пикассо с сезоном Beyond Ballets Russes Английского национального балета.

Но у Пикассо было глубоко двойственное отношение к танцу – как видно из одной из величайших работ в коллекции Тейт. Его картина «Три танцора» 1925 года — одна из самых жестоких и тревожных работ, которые он когда-либо создавал. Некоторых людей может поразить, что кубистические картины Пикассо по своей сути «жестоки» в том, как они разбивают лица и перестраивают человеческую форму. Когда разразилась Первая мировая война, искаженное восприятие, которое Пикассо и его близкий соратник Жорж Брак привнесли в живопись в своей кубистической революции, предложило художникам способ увидеть жестокий конфликт.

Но кубизм искусства Пикассо до первой мировой войны не претендует на жестокость или жестокость: это научный анализ реальности. Именно когда он вернулся к резкому кубистическому стилю в таких работах, как «Три танцора», его изгибы лица и тела стали образами психического напряжения и кризиса — обратите внимание на голубую дыру в сундуке, открывающую голубое небо за ней, лица, уменьшенные до жестоких карикатур.

Что изменилось? Часть гнева Пикассо была, как это бывает, результатом танца и танцоров.Как только он стал знаменитым, импресарио Жан Кокто и Сергей Дягилев втянули его в мир балета, где переплелись высокое искусство и высший свет. Пикассо интенсивно работал с известным Русским балетом. Это был его вход в новую элитную международную компанию, и в результате он женился на русской танцовщице Ольге Хохловой. Другим результатом, описанным наряду с этим катастрофическим браком в третьем томе биографии Джона Ричардсона, стал первый визит Пикассо в Лондон для оформления постановки «Русский балет» «Треуголка».Вероятно, именно поэтому Тейт Британия пригласила в Английский национальный балет отпраздновать его выставку о влиянии Пикассо в Британии.

Но Пикассо не был Матиссом, искусство которого так восторженно и спокойно восхваляет танец, и мультимедийным постмодернистом он тоже не был. Когда вы смотрите на его картину «Три танцовщицы», вы частично видите его разочарование в классицизме и театральности, которые он привнес в свою работу с Русскими балетами.

Работа Пикассо в балете была важной частью его биографии, и он создал несколько ярких сценических образов, особенно в «Параде».Но насколько помогает в попытке понять его картины присутствие в галерее балерин? Не так уж много, потому что Пикассо на холсте — это Пикассо на холсте, и его искусство требует прямого взаимодействия с мощными и сложными идеями, содержащимися в нем. Ничто и никогда не сможет превратить его искусство в развлечение. Если оно популярно, то потому, что мы жаждем подлинного радикализма разума и сердца и откликаемся на силу подлинно оригинального воображения, если не понимаем его сразу. Танцовщицам в Тейт будет весело.Но им нечего сказать нам о Трех Танцорах.

Три танцора

Если вы нашли этот сайт полезным, мы будем очень признательны за небольшое пожертвование, чтобы помочь с расходами на хостинг. Спасибо!

«Три танцора» 1925 года — самая знаменитая сюрреалистическая картина Пикассо; это предвещало насилие в его искусстве, которое было связано с ухудшением его брака с Ольгой Кокловой.

Рисунок 1934 года по композиции тесно связан с «Тремя танцовщицами».

Расположение трех фигур на каждой картине более или менее идентично, и обе сильно напоминают тему распятия в супружеском конфликте.

«Три танцора» также полны скрытых образов, почти все из которых не были признаны историками Пикассо.

В 1966 году Рональд Элли, бывший хранитель галереи Тейт, написал широко известное исследование «Трех танцовщиц».В нем он основывал важные моменты своей аргументации на разговорах, имевших место между Пикассо и Роландом Пенроузом в 1965 году. В этих разговорах Пикассо говорил вещи о «Трех танцорах», которые совершенно не соответствовали действительности, но и Пенроуз, и Элли считали иначе, и, как следствие, они помогли распространить то, что кажется преднамеренной программой дезинформации в отношении этой знаменитой картины.

Дезинформация вращается вокруг двух моментов. Во-первых, черный профиль в крайнем правом углу картины представляет его друга Рамона Пишо, который умер в то время, когда Пикассо писал картину. И, во-вторых, что Пикассо не создал после 1925 года картин, подобных «Трём танцовщицам».

Из сохранившихся фотографий и портретов Рамона Пишо с 1899 года становится очевидным, что темный профиль в «Трех танцорах» совсем на него не похож. Пишо всегда носил большую отличительную бороду, которую не видно в профиле.

Таинственный профиль снова появляется на портрете сидящей женщины 1925 года под названием «Статуя», а также справа на рисунке 1934 года.Отсюда следует, что это загадочная ссылка на Ольгу и Арлекина, а не на Рамона Пишо. Известно, что Пикассо обманывал смысл своих работ и не гнушался лгать, если ему это было выгодно. Чтобы помешать Ольге и другим идентифицировать деликатный предмет на некоторых из его картин, он иногда считал необходимым маскироваться.

В тех же беседах с Пенроузом в 1965 году Пикассо дважды отрицал, что делал какие-либо рисунки, похожие на «Трех танцовщиц», после 1925 года, хотя его жена противоречила ему, утверждая, что видела рисунки, связанные с ним. Все это разоблачает то, что кажется преднамеренной уловкой, в которой Пикассо все еще держал рисунок 1934 года в секрете, спустя более тридцати лет после его завершения. Из разговоров следует, что он, возможно, скрывал и другие связанные рисунки.

Поскольку рисунок 1934 года содержит преднамеренно скрытый отпечаток пальца и имеет тесную символическую связь с рядом самых известных шедевров Пикассо, он, возможно, намеревался сделать его известным после своей смерти и дать ключ к пониманию ранее неправильно понятых, но глубоко значимых значений в творчестве Пикассо. его искусство.

Для Пикассо было бы совершенно характерно разработать такой план, если бы он имел подрывное воздействие на «установленную» историю. В конце концов, Пикассо был убежденным анархистом.

Дополнительная литература: Рональд Элли, Пикассо, Три танцовщицы, Шедевры Тейт Модерн, Галерея Тейт, 1986.

© Марк Харрис, 1996, 1997


  • Погребение Касагемаса (Эвокация), 1901 г.
  • Объятия, 1901 г.
  • Лави, 1903 г.
  • Фаллос и обнаженная, 1903 г.
  • Скумбрия, 1903 г.
  • Les Desmoiselles d’Avignon, 1907 г.
  • Дизайн занавеса для парада, 1917 г.
  • Эскизы лошади в пантомиме для парада, 1917 г. — связанные изображения кукольного искусства
  • Эскизы костюмов для Пульхинеллы, 1920 г.
  • Три танцовщицы, 1925 г.
  • Статуя, 1925 г.
  • Студия, 1925 г.
  • Распятие, 1930 г.
  • Этюды распятия 1930-х гг.
  • Люкс Воллар
  • Классические эстампы 1920-х и 1930-х годов
  • Сон, 1932 г.
  • Ле Мертр, 1934 г. и Смерть Марата, 1934 г.
  • Минотавр с дротиком, 1934 г.
  • Минотавромахия, 1936 г.
  • Иллюстрации Пикассо к поэме Поля Элюара «La Barre d’Appui», 1936 г.
  • Герника, 1937 г.
  • Герника в глубине
  • Секрет Пикассо Герника
  • Ночная рыбалка в Антибах, 1939 г.
  • Эскиз занавеса для пьесы Ромена Роллана «14 июля», 1936 г.
  • Grand Air, Les yeux fertiles, 1936 г.
  • Эротические композиции 1950-х и 1960-х годов
  • Мир, 1952 г.
  • Бестиарий Пикассо

Следующий раздел: Темы рисунка 1934 года


Ошибка

Что-то случилось с получением uk030114

Чтобы просмотреть все наши предстоящие аукционы, нажмите здесь.

Страница, которую вы ищете, не существует или больше недоступна.
Если вы считаете, что попали на эту страницу по ошибке, свяжитесь с [email protected].

Вернуться на домашнюю страницу Показать ошибку
В журнале базы данных могут быть дополнительные сведения

HttpException

 Система.Web.HttpException (0x00000064): что-то случилось с получением uk030114
   в PublicWebMvC. Controllers.LotsController.d__6.MoveNext() в c:\Jenkins\Pipeline Prod-WEB01\workspace\PhillipsPublic.Web\Controllers\LotsController.cs:строка 176
--- Конец трассировки стека из предыдущего места, где было выдано исключение ---
   в System.Runtime.ExceptionServices.ExceptionDispatchInfo.Throw()
   в System.Runtime.CompilerServices.TaskAwaiter.HandleNonSuccessAndDebuggerNotification (задача задачи)
   в Системе.Web.Mvc.Async.TaskAsyncActionDescriptor.EndExecute(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.<>c__DisplayClass8_0.b__1(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.EndInvokeActionMethod(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters.b__11_0()
   в Системе.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters.<>c__DisplayClass11_1. b__2()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters.<>c__DisplayClass11_1.b__2()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters.<>c__DisplayClass11_1.b__2()
   в Системе.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.EndInvokeActionMethodWithFilters(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.<>c__DisplayClass3_6.b__3()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.<>c__DisplayClass3_1.b__5(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.EndInvokeAction(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Controller.<>c.b__152_1(IAsyncResult asyncResult, ExecuteCoreState innerState)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncResultWrapper.WrappedAsyncVoid`1. CallEndDelegate(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Controller.EndExecuteCore(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncResultWrapper.WrappedAsyncVoid`1.CallEndDelegate(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Controller.EndExecute(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.MvcHandler.<>c.b__20_1(IAsyncResult asyncResult, ProcessRequestState innerState)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncResultWrapper.WrappedAsyncVoid`1.CallEndDelegate(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.MvcHandler.EndProcessRequest(IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.HttpApplication.CallHandlerExecutionStep.System.Web.HttpApplication.IExecutionStep.Execute()
   в System.Web.HttpApplication.ExecuteStepImpl (шаг IExecutionStep)
   в Системе.Web.HttpApplication.ExecuteStep (шаг IExecutionStep, логическое значение и завершено синхронно)
                  Исключение:  Что-то случилось при получении uk030114 

Пыль Иисуса: Танец юности Пикассо: богословская встреча

Непосредственное впечатление от этого произведения — живая простота. Его простота передается через простой белый фон и основные цвета, напоминающие мелки и детский сад. Просто и по-детски каракулева линия, сами линии — простейшая форма маркировки.Общая круглая форма изображения также намекает на простоту. Но круг далеко не бесплоден — он кипит энергией. Эта энергия и жизненная сила обнаруживаются в энергетическом движении, которое, как мы представляем, должно было иметь место для создания линий, которые мы видим от руки. Кажется, что кружащиеся персонажи тоже находятся в движении — танцуют, смеются и поют, держась за руки. С поднятыми коленями и неуверенным отношением к земле круг празднующих настолько полон жизни и радости, что их легкомыслие проявляется как левитация.

     Также очевидны важные духовные образы и символы. Персонажи четырех разных основных цветов, что напоминает мелодию из воскресной школы: «Красный и желтый, черный и белый — они драгоценны в Его глазах, Иисус любит маленьких детей мира». И тем не менее, эти фигуры, полные детской простоты и жизненной силы, обычно имеют длинные и долговязые конечности взрослых. Таким образом, Тьер кажется зрелой радостью. Между их руками находится что-то зеленое, предположительно, оливковая ветвь, поскольку она также находится во рту центральной фигуры, синего голубя, что напоминает историю о поисках Ноем жизни и надежды, а также облегчение ее открытия.Голубь двухмерен — без глубины. Без перекрещивающихся линий и с чистым белым центром, его присутствие бросается в глаза. Подобно Святому Духу, сошедшему на Иисуса при его крещении, это трансцендентная фигура.

     Тринадцать человек составляют этот круг радости, возможная отсылка к Иисусу и двенадцати ученикам, что придает образу эсхатологический оттенок. Имея это в виду, я возвращаюсь к кажущейся левитации группы в 1 Фессалоникийцам 4:17: «мы, оставшиеся в живых, вместе с ними восхищены будем на облаках в сретение Господу на воздухе» (NIV2011). ).Посреди такого обнадеживающего созерцания мой взгляд снова привлекает неопределенное отношение между этими символами и линиями и точками внизу. Вопросы множатся: Земля ли это? Насколько они выше земли? Являются ли точки точками «старта»? Города и семьи, оставшиеся внизу? Возник ли из зеленой земли зеленый мир, который обитает во рту голубя и в объятиях радостного сообщества?

     Одним из самых тонких и провокационных аспектов произведения является использование синего цвета. В центре голубь мира / Святой Дух обведен синим цветом, напоминая о водах потопа и крещения. Интересно, что Пикассо также использует синий цвет для подписи и даты этой работы. Не намекает ли он на свою роль инструмента мира? Не провоцирует ли он нас, художников своей жизни, на то, чтобы быть миротворцами? Датировка произведения, хотя, возможно, и типична, создает резкий контраст с внеконтекстным характером сцены. Хотя художник совершенно конкретен — Я Пикассо, который создал эту работу 25 июля 1961 года — персонажей произведения невозможно локализовать ни в пространстве, ни во времени.Это сопоставление вовлекает меня в напряжение между повседневной реальностью моего существования и блаженным видением человеческой гармонии и радости в эсхатоне.

      С одной стороны, этот образ наполняет меня эсхатологической жаждой завершения всего сущего. Это вызывает глубокую тоску по мере того, как я приближаюсь к радости, красоте и жизни, которая грядет. На другом уровне этот образ усиливает мое аффективное стремление к новому человеческому сообществу на земле. В частности, это обогащает мое видение христианского экуменизма как круга празднования и различия вокруг объединяющего Духа.Таким образом, этот образ служит как для питания, так и для обогащения теологии, а также дает мне энергию для работы по примирению.

     Визуальные образы могут служить многим полезным духовным целям. Некоторые из них включают: служение в качестве знаковых вспомогательных средств для поклонения; сакрализация обыденности; секуляризация священного; освобождая место для молитвенного исследования вопросов и двусмысленности, которые человек испытывает; оживление библейских или исторических сцен ради образного проникновения в христианскую историю; служит подсказкой для молитвы, поскольку раскрывает человеческую нужду; и предоставление наглядных притч, которые передают природу Царства Божьего.Одна из самых мощных возможностей визуальных образов — дать зрителям новое видение/осознание реальности такой, какая она есть. По словам самого Пабло Пикассо, «Искусство — это ложь, которая помогает нам увидеть правду». Понимание силы визуальных образов может научить человека воспринимать (или воспринимать) все, что он видит.

      По словам Далласа Уилларда, все изменения происходят посредством трехэтапного процесса: видение, намерение и средства. Имея представление о жизни, какой она могла бы быть, я намереваюсь жить по-другому и использовать средства, чтобы помочь себе.Как свидетельствуют гиганты духовной жизни, христианская духовность в значительной степени зависит от видения, т. е. от того, чтобы увидеть по-другому. Ибо то, что мы видим (хотя бы и верой), есть то, в соответствии с чем мы живем. Видеть — это действительно верить, или мы могли бы сказать, что мы видим то, во что мы верим. Таким образом, обновленное видение неизбежно проявляется в обновленной жизни.

     Церковь и духовные лидеры могут помочь людям воспользоваться силой визуальных образов для духовного обогащения несколькими практическими способами. Совершенно очевидно, что время корпоративного богослужения может включать в себя демонстрацию потенциала визуальных образов путем включения их различными способами, например, размещение изображений на стенах или экранах, использование изображения (а не анекдота) в качестве иллюстрации и приглашение художников создавать публично во время богослужения. Творческие средства, позволяющие людям чаще получать духовную пользу от визуальных образов, могут включать: проведение созерцательного похода в музей; сделать мужественные образы доступными через мобильные телефоны; или намеренное наполнение предметов повседневного обихода, таких как глаза, вода или деревья, духовным смыслом посредством обучения.

      Бог намеренно сотворил людей, чтобы испытать собственную многообразную благость Бога. Таким образом, каждое чувство и способность даны для того, чтобы через них мы могли вкусить, увидеть, услышать, ощутить, подумать, вспомнить или вообразить, что Господь благ.Визуальные образы потенциально могут помочь нам «увидеть» Невидимое и испытать Дух Божий через возможности множественных эмоций, памяти и мысли. Да сможет Церковь присоединиться к исповеданию самаритян: «Мы больше не верим только из-за того, что вы сказали; теперь мы [видели] сами и знаем, что Он действительно Спаситель мира» (Иоанна 4:42 NIV2011).

Пикассо смотрит на Дега — Сара Лис

На протяжении всей своей долгой и плодотворной карьеры Пабло Пикассо (1881–1973) наблюдал и впитывал работы других художников. Одним из художников, которым особенно восхищался Пикассо, был Эдгар Дега (1834–1917). Хотя эти двое жили в одном и том же районе Монмартра в течение нескольких лет, вплоть до смерти Дега в 1917 году, нет никаких доказательств того, что они когда-либо встречались. Тем не менее, некоторые из первых изображений Парижа Пикассо ясно перекликаются с сюжетами — посетителями кафе, артистами кабаре и купальщиками, — которые характеризуют творчество Дега. Когда Пикассо познакомился и женился на балерине Ольге Хохловой, его изображения ее и ее окружения также основывались на словаре, установленном Дега как художником танцовщиц.В 1958 году Пикассо приобрел несколько провокационных монотипий Дега в публичных домах, которые он считал «лучшими вещами, которые [Дега] когда-либо делал», а в серии гравюр 1971 года он представил самого Дега в той самой обстановке, которую он когда-то изобразил. .

 

Рис. 1: Эдгар Дега (1834–1917), Автопортрет, ок. 1857–1858 гг. Бумага, масло, на холсте, 10-1/4 х 7-1/2 дюйма. Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс. Фотография Майкла Эйджи.
Рис. 2: Пабло Пикассо (1881–1973), Автопортрет, 1896. Холст, масло, 13 x 9-1/2 дюйма. Музей Пикассо, Барселона. © Museu Picasso, Барселона / Рамон Муро, © 2010 Estate of Pablo Picasso / Artist Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

 

 

Рис. 3: Пабло Пикассо (1881–1973), Голубая комната (ванна), 1901. Холст, масло, 19-7/8 x 24-1/4 дюйма. Коллекция Филлипса, Вашингтон, округ Колумбия.C. © 2010 Estate of Pablo Picasso/Artist Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

 

 

Рис. 4: Эдгар Дега (1834–1917), «Ванна», ок. 1876–1877 гг. Монотипия, 16-1/2 x 21-1/4 дюйма. Bibliothèque de l’Institut National d’Histoire de l’Art, Париж. Коллекции Жака Дусе © Национальный институт истории искусства, Библиотека, Коллекции Жака Дусе.

 

Оба художника получили академическое образование: Дега — в Школе изящных искусств в Париже, а Пикассо — сначала под руководством своего отца, преподававшего рисование, а затем в Школе изящных искусств в Барселоне.Традиционный подход используется во многих их ранних работах: их автопортреты (рис. 1, 2) имеют стандартный формат длины бюста, а сильное, драматическое освещение в изображении Пикассо предполагает, что он черпал вдохновение в формальной студийной портретной живописи. Однако небрежное отношение натурщика и грубость работы с краской придают работе поразительную непосредственность. Четырнадцатилетний художник смотрит прямо наружу, но кажется неуверенным в себе — поза, отражающая его все еще подростковый статус. Дега, которому было около двадцати трех или двадцати четырех лет, когда он написал свой автопортрет, представляет себя с таким же настороженным выражением лица, его глаза прикрыты тенью шляпы, хотя его личность как художника более четко определяется грубо набросанный халат и шарф лососевого цвета.

Пикассо провел большую часть 1901 года в Париже, где снял комнату на Монмартре и погрузился в местное художественное сообщество. Голубая комната (рис. 3) изображает его апартаменты на бульваре де Клиши, просто обставленное пространство служит фоном для модели, стоящей в неглубокой ванне в процессе купания.На стене появляется известный постер Тулуз-Лотрека с изображением артистки кабаре Мэй Мильтон, ясно указывающий на один из видов искусства — а также виды развлечений — которые интересовали Пикассо в то время. В более тонком смысле поза модели также перекликается с многочисленными купальщиками, которых Дега изобразил в 1890-х годах, их неуклюжие, извилистые жесты отражаются в резко изогнутых шее и плечах фигуры Пикассо. Более ранняя работа Дега, необычно большой монотип «Ванна» (рис.4) показывает ту же комнату, что и нарисованная Пикассо, в таком же состоянии небрежного беспорядка, тот же тип ванны и модель, столь же поглощенную одинокой задачей своего туалета. Эта гравюра находилась в частной коллекции к началу двадцатого века, поэтому Пикассо мог знать ее или видеть ее репродукцию.

Рис. 5: Пабло Пикассо (1881–1973), «Портрет Себастьи Жуниер-и-Видаль», 1903 г. Холст, масло, 49-3/4 x 37 дюймов.Музей искусств округа Лос-Анджелес. © Museum Associates / LACMA / Art Resource, Нью-Йорк. © 2010 Estate of Pablo Picasso/Artist Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

Рис. 6: Эдгар Дега (1834–1917), В кафе (L’Absinthe), 1875–1876. Холст, масло, 36-1/4 х 27 дюймов. Музей Орсе, Париж. © Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, Нью-Йорк. Фотография Эрве Левандовски.

 

В период между 1900 и 1904 годами Пикассо набросал и нарисовал многочисленные изображения в кафе и кабаре, которые он и его богемные друзья часто посещали как в Барселоне, так и в Париже.Его образы были сосредоточены не только на исполнителях, но и на клиентуре, фигуры которых Пикассо часто просил своих друзей позировать. Среди самых крупных из них — «Портрет Себастьи Жуниер-и-Видаль» (рис. 5), написанный в Барселоне в 1903 году. Хотя эта работа может записывать сцену, которую наблюдал художник, она также явно является ответом на более раннюю картину Дега «В кафе» (рис. 5). L’Absinthe) (рис. 6). Мало того, что обе работы изображают друга художника — в случае Дега это Марселин Десбутен, такой же художник и писатель, как и Жюнье, — но обе они сопровождаются женщинами с явно сомнительной моралью.Натурщица Дега, актриса Эллен Андре, позирует перед стаканом абсента, сгорбившись, и с расфокусированным взглядом, в то время как неизвестная натурщица на холсте Пикассо носит платье с глубоким вырезом и красный цветок в волосах, что может указывать на ее личность. проститутка. Более того, картина Дега была широко известна в Париже к тому времени, когда Пикассо начал приезжать; один критик назвал ее одной из самых известных его картин и воспроизвел в крупной статье о его работах в 1894 году. В своем полотне Пикассо, кажется, намеренно переработал тему, отождествляемую с Дега, и сделал ее своей собственной.

«Маленькая танцовщица четырнадцати лет» (рис. 7) была самой большой скульптурой, когда-либо созданной Дега. Когда в 1881 году он представил оригинальную восковую версию с марлевой пачкой и настоящими волосами, перевязанными шелковой лентой, это вызвало как высокую похвалу, так и резкую критику. Она оставалась в мастерской Дега до конца его жизни (тираж из бронзы был отлит посмертно), где ее наверняка видели многочисленные посетители, в том числе и те, кто знал Пикассо. Благодаря этим наблюдателям, а также распространению нескольких подготовительных рисунков и их публикации в художественных журналах известность работы была широко распространена, даже когда она не была на виду у публики. Когда Пикассо работал над многочисленными эскизами и подготовительными работами для своих «Авиньонских девиц» (1907; Музей современного искусства, Нью-Йорк), он, кажется, черпал вдохновение в знаменитой скульптуре Дега. Стоящая обнаженная (рис. 8) принадлежит к группе работ, связанных с «Девушками», хотя в окончательной картине фигура больше не появлялась. Холст, однако, почти такой же высоты, как и Маленькая танцовщица, а поза фигуры с руками за спиной и выставленной вперед правой ногой столь же близка к позе скульптуры.Более того, радикальный характер реализма Дега также находит отклик в поразительном формальном экспериментировании Пикассо, а «порочность», которую более чем один критик видел в более старых работах, параллельна подразумеваемой нравственности фигур Пикассо в «Девушках», которые были проститутками в бордель.

 

Рис. 7: Эдгар Дега (1834–1917), четырнадцатилетняя танцовщица, 1879–1881 гг. Бронза, с газовой пачкой и шелковой лентой, на деревянной основе, Х.39 дюймов. Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс. Фотография Майкла Эйджи.
Рис. 8: Пабло Пикассо (1881–1973), «Стоящая обнаженная», 1907. Холст, масло, 36-5/8 x 16-7/8 дюймов. Музей Новеченто, Милан. © 2010 Estate of Pablo Picasso/Artist Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

 

 

Рис. 9: Пабло Пикассо (1881–1973), «Две сидящие танцовщицы», 1925 г.Карандаш на бумаге, 19-5/8 х 15-3/4 дюйма. Частная коллекция. © 2010 Estate of Pablo Picasso/Artist Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

 

В 1917 году, согласившись работать с Сержем Дягилевым над проектом для Русского балета, Пикассо познакомился с Ольгой Хохловой, танцовщицей, получившей образование в Санкт-Петербурге, которая присоединилась к Русскому балету шестью годами ранее. Примерно в течение следующего десятилетия танцевальные сюжеты стали главной темой для художника. Изначально Ольга появлялась во многих из этих образов, но ее профессиональная карьера закончилась после рождения сына пары в 1921 году, поэтому весной 1925 года, когда семья Дягилевых соединилась в Монте-Карло, Пикассо сосредоточился на других членах труппы, в основном вне сцены.Неизбежно ему пришлось столкнуться с прецедентом, созданным Дега, чьи обширные танцевальные изображения были более полно представлены на распродажах коллекции после его смерти в 1917 году. Две сидящие танцовщицы (рис. 9) сочетают в себе линейную простоту многих рисунков Пикассо. периода с уплощенными формами и множеством точек зрения кубизма, но его танцовщицы, хотя и немного более элегантные, занимают те же позы, что и две правые фигуры на переднем плане в «Танцовщицах в классе» Дега (рис. 10).

В серии монотипий, обычно датируемых 1876–1877 годами, Дега явно изображал проституток в борделе, когда они общались или просто ждали клиентов, общались или мылись. Некоторые из этих изображений принадлежали коллекционерам еще при жизни художника, но в полной мере группа раскрылась только во время распродаж коллекции Дега после его смерти в 1917 году. Пикассо, несомненно, знал об этих работах к тому времени, если не раньше, и в 1958 году, когда его собственная коллекция произведений искусства росла, он приобрел девять монотипов публичных домов. Тринадцать лет спустя он использовал эти работы в качестве вдохновения для своих офортов, изображающих публичные дома, и включил в сцены самого Дега. В монотипии Дега «Отдых на кровати» (рис.11), неясно, ушел ли клиент или находится вне поля зрения, когда он подходит к женщине на кровати. На гравюре Пикассо (рис. 12) женщина стоит в похожей позе и выжидающе смотрит на мужскую фигуру, которая сейчас явно присутствует. Это Дега, буквально, хотя и неохотно, участник, одетый в жилет и галстук, с нервно сцепленными за спиной руками. Этими гравюрами, сделанными незадолго до его смерти в 1973 году, Пикассо подтвердил свое пожизненное увлечение творчеством и личностью Эдгара Дега.

 

Рис. 10: Эдгар Дега (1834–1917), Танцоры в классе, ок. 1880. Холст, масло, 15-1/2 x 34-13/16 дюймов. Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс. Фотография Майкла Эйджи.

 

 

Рис. 11: Эдгар Дега (1834–1917), Отдых на кровати, ок. 1876–1877 гг. Монотипия, 4-3/4 x 6-1/4 дюйма. Частная коллекция, Швейцария.
Рис. 12: Пабло Пикассо (1881–1973), Проститутка с браслетом и Дега с руками за спиной, 1971. Офорт на бумаге, 14-1/2 x 19-3/8 дюйма. Музей Пикассо, Барселона © Музей Пикассо, Барселона, 2009 г. Gasull Fotografia. © 2010 Estate of Pablo Picasso/Artist Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.