Благодаря искусства микеланджело современные художники: Благодаря искусства Микеланджело современные художники – где ошибка

укажите предложение с грамотической ошибкой(с нарушением синтаксической нормы)

Укажите простое предложение, в котором запятые не ставятся. (Знаки препинания не расставлены.)1) Дверь жалобно заскрипела и звук этот гулко раздался в … пустых комнатах.2) К полудню ветер затих и вдали по краю степи заходили волны жира.3) Подкову я убрал в рюкзак и она до сих пор хранится у меня как память о реальном ощущении счастья.4) Два знакомых журналиста встретились в Заполярье и при этом не очень удивились встрече​

Расставьте знаки препинания. Укажите номера предложений, в которых нужно поставить ОДНУ запятую.1) Хороший специалист опирается на фундаментальные … знания и отличается умением находить нужную информацию и способностью усердно трудиться.2) Для праздничной иллюминации использовались как электрические гирлянды так и фонари.3) Ночью ветер злится да стучит в окно.4) В зарослях всю ночь жалобно кричали коростели или какие-то другие птицы.5) Прибрежные травы были нагреты влажным теплом и над ними низко вились несметные тучи бледно-зелёных мотыльков.

​

Отметьте слово в котором пишется глухая согласная

Что такое лексология? ​

составить слово из букв в д я р е и м с е о​

Филворд по теме «Золотой век Екатерины II» Соберите из букв слова, связанные с личностью Екатерины II. Помните, что каждая буква может использоваться … только 1 раз, а двигаться только по вертикали или горизонтали.

Препятствие , превозмочь , приморский , пресытиться , признаться , прибрежный , презабавный , пребывать , преемник , преемственность приемлемый , през … рение , призирать , преуменьшать , преувеличивать преходящий , припадать , пресветлый Объяснить почему в эти словах пишется приставка ПРЕ или ПРИ поставлю крутую оценку и одзывзвёзд лайкну все сделаю все !!!!!!!

7. Не придаёт отрицание всему предложению в предложении А) Он не хотел говорить об этом со мной. B) Я не мог не восхищаться этим. C) Дежурному ничего … не было известно. D) Никогда не забуду последнюю встречу с ними. Е) И ничему не мешает это ожидание.

5.Значение частиц указано неверно в ряду А) как, ну и (восклицание) В) даже, ведь (смягчение требования) С) всё-таки, уж (усиление) D) исключительно, … почти (ограничение) E) только, лишь (ограничение)

4. С тремя падежами употребляются предлоги А) к, от В) с, по C) по, на D) в, на E) за под

О Нас | Центр цифрового искусства Artplay Media

Выставки интерактивного формата — это современный и увлекательный способ изучения истории и искусства. Их особенность заключается в том, что зритель вовлечен в процесс — он может дотронуться до экспонатов, послушать аудиосопровождение, поучаствовать в мастер-классе или оставить свой отзыв.

Взаимодействие в любой его форме позволяет по-новому взглянуть на походы в музеи и галереи, так как обучение гармонично сочетается с развлечением.

Центр цифрового искусства Artplay Media представляет красочные мультимедийные выставки в формате «ожившие полотна». Вам не придётся покидать столицу, чтобы ознакомиться с работами выдающихся творцов прошлого и художников нашего времени. В выставочном зале представлено сразу несколько проектов, охватывающих разные эпохи и направления искусства.

• на выставке «Микеланджело. Сикстинская капелла» рассмотрите все мельчайшие детали фресок, на которые в Ватикане ежедневно приходят посмотреть до 10 тысяч людей;

• познакомьтесь с загадочным «отцом сюрреализма» в проекте «Иероним Босх. Профессор кошмаров»;

• подробнее раскройте для себя жизнь Нидерландов XVI века на выставке «Питер Брейгель. Перевернутый мир»;

• проследите за жизнью и творчеством великого русского художника-мариниста с проектом «Я — Айвазовский»;

• с историей «Густав Климт. Золото модерна» окунитесь в мир насыщенных красок и замысловатых орнаментов австрийского живописца;

• с проектом «Ван Гог. Письма к Тео» услышьте трогательную историю художника, чьи картины являются одними из самых узнаваемых в мире;

• на выставке «Французский импрессионизм» посмотрите собственными глазами на мир таким, каким представляли его Ренуар, Дега, Моне и их современники;

• с проектом «От модернизма к авангарду» проследите основные этапы развития двух направлений рубежа XIX–XX веков на примерах произведений Малевича, Гриса, Мунка и других;

• ознакомьтесь со взглядом современных живописцев на Слово в программе «Медиатор»;

• изучите влияние российских художников середины XX века на современных творцов в проекте «Московский концептуализм. Связь».

Центр Artplay представляет сюжеты, в которых рассказываются истории о жизни и творчестве известных художников. Мультимедийные проекты — это яркое зрелище, позволяющее испытать новые эмоции и попасть внутрь произведений искусства. Благодаря уникальной технологии Cinema 360 проекторы выводят изображения на стены и пол, а музыка или голос рассказчика позволяет зрителю прочувствовать атмосферу более полно. Команда центра тщательно готовит информацию и составляет композицию до мельчайших деталей, чтобы увиденное на выставке произвело на каждого неизгладимое впечатление и заставило вернуться в Artplay вновь.

Подготовка к ЕГЭ. Русский язык. 11 класс. Тренажёр (задание 7) | Тест по русскому языку (11 класс) на тему:

Тренинг к заданию 7

Вариант 1

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца.

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	1) В пейзаже И. Машкова «Вид Москвы» есть ощущение звонкой красочности городской улицы.
Б) ошибка в построении сложного предложения	2) Благодаря искусству Микеланджело современные художники и скульпторы умеют выражать в масштабных формах свои мысли и чувства.
В) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	3) Лучше переоценить риск, чем нежели не заметить его.
Г) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	4) Все, кто читал пушкинского «Бориса Годунова», помнят бродягу Варлаама.
Д) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	5) По окончании школы он поступил на экономический факультет Московского университета
	6) Горячо любящим родную культуру предстаёт перед нами  Д. С.Лихачёв в книге «Письмах о добром и прекрасном»
	7) Маринка сидела за столом и не разговаривает со мной;
	8) Одним из русских прозаиков начала ХХ века, детально описавшего быт русского народа, был Иван Шмелёв.
	9) Но не вечно ни юность, ни лето

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

Вариант 2

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца.

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	1) Если бы мы успели бы разработать программу, уже в следующем месяце можно было бы приступить к работе.
Б) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	2) Человек может увидеть и услышать волшебные вещи там, где их никто не замечает.
В) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	3) Замирает на мгновение сердце и вдруг застучит вновь.
Г) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	4) Летнее наводнение 2013 года, охватившее огромные территории российского Дальнего Востока и северо-востока Китая, стало одним из наиболее масштабных стихийных бедствий последнего десятилетия.
Д) ошибка в построении сложного предложения	5) В повести «Капитанской дочке» многие эпизоды Пугачевского бунта отражены исторически достоверно.
	6) По возвращении из командировки отец всегда расспрашивал нас о школьных новостях.
	7) Вслед за этим послышались какие-то странные звуки, похожее не то на отдалённое пение, не то на клики пролетающих лебедей.
	8) Главное, чему теперь я хочу уделить внимание, это художественной стороне произведения
	9) Тот, кто не жалеет труда, обычно достигает многого.

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

Вариант 3

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	1) Росписью посуды занимались крестьяне, жившие в деревнях, расположенным вокруг Хохломы.
Б) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	2) Я понимаю о том, что встречу перенесли из-за разногласий участников.
В) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	3) От нас, живущих на Земле сегодня, зависит не только нынешний, но и будущий вид Земли
Г) ошибка в построении сложного предложения	4) Глядя на храм Василия Блаженного на Красной площади, мы вспоминаем мастера, сотворившего чудо
Д) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	5) На протяжении многих веков человек существовал, существует и будет существовать за счет природных ресурсов. Строил жилище, одевался, питался.
	6) До отъезда оставалось только пять дней
	7) Большинство возражали против такой оценки его творчества
	8) Горячо любящим родную культуру предстаёт перед нами Д. С. Лихачёв в книге «Письмах о добром и прекрасном»
	9) Старый скрипач-музыкант любил играть у подножия памятника Пушкину.

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

Вариант 4

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца.

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	1) Всё окружающее – заборы, дома, деревья – в каком-то странном тумане колеблется, точно от ветра
Б) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	2) Они разбредались кто куда, а некоторые совсем близко подошли к рассказчику.
В) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	3) Те, кто пришли на встречу, получил массу приятных впечатлений.
Г) ошибка в построении сложного предложения	4) Мою статью напечатали в газете «Московском комсомольце».
Д) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	5) Росписью посуды занимались крестьяне, жившие в деревнях, расположенных вокруг Хохломы.
	6) В романе «Война и мир» Толстой считали наиболее значимой «мысль народную»
	7) Перед глазами ехавших расстилалась широкая, бесконечная равнина, перехваченное цепью холмов.
	8) Доктор, назначивший лечение и к которому я должен был прийти на этой неделе, внезапно заболел.
	9) Возглавив войско народного ополчения, Минин и Пожарский двинули его на освобождение Москвы

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

Вариант 5

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	1) Уже через полчаса преподаватель спросил, что  готовы ли мы сдать работы.
Б) ошибка в построении сложного предложения	2) С некоторых пор ни роскошный кабинет, ни высокий социальный статус не радовал его.
В) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	3) Сторожу поставили будку с полевым телефоном неподалёку от мощных насосов, непрерывно откачивающих воду, которая прибывала в док.
Г) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	4) Будучи своеобразным русским карнавалом, Масленица праздновалась шумно, весело, широкою
Д) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	5) Отец мальчика как-то сходил было на капустники и он рассказывает сыну, что там много зайцев
	6) В качестве примера Катя привела эпизод из романа Булгакова «Мастера и Маргариты».
	7) Согласно новому постановлению, выдача справок осуществляется по письменному заявлению клиента.
	8) Когда на село, расположенное в долине, легла широкая прохладная тень от горы, закрывающая запад, народ собрался у белой старинной церковки
	9) По приезде в город Алёхин остановился у Марии Ивановны

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

Вариант 6

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца.

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	1) По приезде в город Алёхин остановился у Марии Ивановны
Б) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	2) Вытащив кусок ржавого рельса, служившего якорем, Абросимов положил удочку на дно и взялся за вёсла.
В) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	3) Когда мальчик увидел безобидную лесную природу, он просто наслаждался пейзажем, красотой лесной природы.
Г) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	4) Одна из его картин, которая называется «Весна – большая вода», висит перед нами.
Д) ошибка в построении сложного предложения	5) Большинство возражали против такой оценки его творчества.
	6) Перед глазами ехавших расстилалась широкая, бесконечная равнина, перехваченное цепью холмов.
	7) В романе-эпопее «Войне и мире» Л.Н. Толстой рассуждает о движущих силах истории.
	8) Я хотел, чтобы вы напомнили секретарю, чтобы она уточнили время встречи.
	9) Всё окружающее – заборы, дома, деревья – в каком-то странном тумане колеблется, точно от ветра.

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

Вариант 7

Установите соответствие между предложениями и допущенными в них грамматическими ошибками: к каждой позиции первого столбца подберите соответствующую позицию из второго столбца.

ГРАММАТИЧЕСКИЕ ОШИБКИ	ПРЕДЛОЖЕНИЯ
А) нарушение в построении предложения с несогласованным приложением	1) Кремом «Софья» пользуются несколько раз в год для профилактики отёчности ног.
Б) нарушение связи между подлежащим и сказуемым	2) Андрей сказал, что не возникают ли у меня сложности в работе.
В) нарушение видовременной соотнесённости глагольных форм	3) Тот, кто не жалеет труда, обычно достигают многого.
Г) ошибка в построении сложного предложения	4) Маринка сидела за столом и не разговаривала со мной
Д) нарушение в построении предложения с причастным оборотом	5) Лес – это загадочный и неизведанный мир, полный сюрпризов и неожиданностей.
	6) Они разбредались кто куда, а некоторые совсем близко подошли к рассказчику.
	7) Сторожу поставили будку с полевым телефоном неподалёку от мощных насосов, непрерывно откачивающие воду, которая прибывала в док.
	8) Я увидел за поворотом водителя машины «Сонаты».
	9) По возвращении из командировки отец всегда расспрашивал нас о школьных новостях.

Запишите в таблицу выбранные цифры под соответствующими буквами

ОТВЕТЫ:

1. 8 3 6 9 7
2. 3 5 8 7 1  
3. 8 7 5 2 1
4. 2 4 7 3 8
5. 8 1 6 2 5
6. 3 7 5 6 8
7. 8 3 6 2 7

 

А5. Синтаксические нормы — , Русский язык ЕГЭ —

Тема: Подготовка к ЕГЭ

Урок: А5. Синтаксические нормы

Задание А5 проверяет умение определять соответствие построения предложения нормам согласования и управления.

Задание А5ЕГЭ представлено в следующей форме:

Укажите предложение с грамматической ошибкой (с нарушением синтаксической нормы).

1. Нормы согласования и управления

Синтаксические нормы – это нормы правильного построения словосочетания и предложения, поэтому разбор типичных ошибок мы начнем со словосочетания.

Словосочетание – наименьшая единица синтаксиса. Между словами в словосочетании возникает подчинительная связь. Нарушение нормы происходит чаще всего при согласовании и управлении.

Согласование – способ связи, при котором зависимое слово ставится в тех же формах, что и главное. А управление – способ связи, при котором зависимое слово ставится в определенном падеже по отношению к главному.

Чтобы не ошибиться в образовании формы слова, надо задать вопрос от главного слова к зависимому.

Найдём ошибки в согласовании и управлении: новые ботинки, движение по дороге, прийти со школы, памятник А. С. Пушкину. По приезде в место сборов дайте нам телеграмму. По приезду большого количества участников можно было судить о важности соревнования.

Новые ботинки – задаем вопрос: ботинки какие?– новые –И. п. мн. ч. – согласование. Движение по чему? – по дороге – управление, главное слово требует определенного падежа.

Прийти со школы – ОШИБКА! – требуется предлог из, т. к. именно он указывает направление действия, а предлог с (со) – движение с поверхности (т. е. с крыши школы?). Памятник кому? – А. С. Пушкину – управление, главное слово требует Д. п. Дайте телеграмму когда? – по приездЕ в место – по приезде – предлог. Можно было судить по чему? – по приезду – предлог по.

Мы вспомнили, как задается вопрос от главного слова к зависимому, и уже увидели непривычный производный предлог по приезде. В демоверсии ЕГЭ ежегодно бывают задания, связанные с нарушением управления в словосочетании с производным предлогом (по приезде, по окончании, благодаря, согласно, вопреки и др.)

Исправим ошибки:

Благодаря повышения (надо: повышению) уровня сервиса в фирменных магазинах стало больше покупателей.

Благодаря таланта (

надо: таланту) дирижёра удалось ощутить своеобразие музыки П.  И. Чайковского.

Благодаря искусства (надо: искусству) Микеланджело современные художники и скульпторы умеют выражать в масштабных формах свои мысли и чувства.

Благодаря плохой погоде (надо: из-за плохой погоды) мы не пошли гулять.

Вспомним: предлоги благодаря, вопреки, согласно, соответственноупотребляются с дательным падежом. Поэтому благодаря повышению, благодаря таланту, благодаря искусству.

Благодарячему? – плохой погоде – падеж дательный. Но предлог благодаря не употребляется, когда говорится о причинах, вызывающих отрицательные последствия. Поэтому правильно: из-за плохой погоды.

Не забудем: предлоги в продолжениЕ, вследствиЕ, в течениЕ пишутся с Е на конце и употребляются с Р. п. Предлог

несмотря на – В. п. В соотвествИИ – с Тв. п.

Запомним: благодаря уму, вопреки обстоятельствам, согласно и соответственно правилу. Будем употреблять дательный падеж с этими производными предлогами!

Найдём ошибку:

Горячо любящий (надо: любящим) родную культуру предстаёт перед нами Д.  С. Лихачёв в книге «Письма о добром и прекрасном».

Одним из русских прозаиков начала XX века, детально описавший (надо: описавших) быт русского народа, был Иван Шмелёв.

Причастный оборот согласуется с определяемым словом. В первом предложении: Д. С. Лихачев предстает каким? – любящИМ родную культуру. Значит, в предложении ошибка. Второе предложение: прозаиков каких? – описавшИХ быт – снова ошибка в согласовании.

Итак, если в задании вы видите производный предлог, проверьте, с каким падежом он употреблен. Помним:

благодаря, вопреки, согласно, соответственно – с Д. п.

Если видим причастный оборот – проверяем согласование с определяемым словом.

Рис. 1. Нормы согласования и управления (Источник)

Рассмотрим другие нарушения синтаксической нормы.

Нарушение нормы сочинительной связи:

в предложении с однородными членами предложения должны объединяться компоненты, обозначающие логически сопоставимые понятия. На праздник пришли жители района, мужчины, женщины и дети. Мужчины, женщины и дети тоже могут быть жителями района.

Нарушение нормы управления:

в конструкциях, когда управляемое слово может быть отнесено к разным однородным членам (или рядам однородных членов). Я люблю петь песни и рисование. Получилось, что люблю петь рисование.

Еще один случай – нарушение согласования в сложноподчинённом предложении с сочетаниями тот, кто…; те, кто, все, кто… Очень полезно при работе с предложениями находить грамматическую основу (это должно быть отработано до экзамена, на экзамене вы должны уметь ее видеть, а не искать).

Определим, какой из предложенных вариантов правильный.

1. Те, кто с детства стремится к мечте, часто реализуют свои жизненные планы. ИЛИ Те, кто с детства стремятся к мечте, часто реализуют свои жизненные планы. (правильный вариант 1)

2. Все, кто изучал труды Г. О. Винокура, знают о его исследованиях в области лингвопоэтики. ИЛИ Все, кто изучали труды Г. О. Винокура, знают о его исследованиях в области лингвопоэтики. (правильный вариант 1)

3. Все, кто читали пушкинского «Бориса Годунова», помнит бродягу Варлаама. ИЛИ Все, кто читал пушкинского «Бориса Годунова», помнят бродягу Варлаама. (правильный вариант 2)

Поясним свой выбор. В предложении Те, кто с детства стремится к мечте, часто реализуют свои жизненные планы грамматические основыте реализуют, кто стремится. Сразу ясно, что в первой основе не может быть сказуемого в ед. ч. (те – подлежащее, во мн. ч.), а во второй – во мн. ч. (кто – ед. ч.). Подлежащее и сказуемое согласуются, хотя не являются словосочетанием.

Во втором примере правильно написано первое предложение, в третьем – второе.

Можно увидеть в литературе вариант те, кто стреМЯТСЯ. Множественное число сказуемого – разговорная форма. Посмотрите, в каком году написано произведение (возможно, тогда это было нормой). А может быть, это средство создания образа.

В сочетании те, что… можно поставить сказуемое во множественном числе, если в главном предложении подлежащее во множественном числе: Те, что ушли вперед и забрались на гору, все еще не теряли надежды захватить неприятельские обозы (Фурманов) (пример дан Д. Розенталем). Но это материал для справки, на экзаменах вы вряд ли с этим встретитесь.

Мы разобрали случаи, которые были предложены в демоверсиях 2008-2013 г. Синтаксических норм гораздо больше.

Перечислим еще некоторые возможные ошибки.

Ошибка при замене прямой речи косвенной.

Алина сказала, что не пойду в магазин, пока не пройдет дождь. Местоимения и глаголы в косвенной речи употребляются от лица того, кто передает чужую речь, а в придаточном предложении примера глагол стоит в форме 1-го лица. Правильно: Алина сказала, что не пойдЕТ в магазин, пока не пройдет дождь.

Согласование сказуемого с подлежащим, имеющим при себе приложение. Озеро Севан в древности называлОСЬ морем. Севан – имя собственное, а сказуемое согласуется с именем нарицательным. Озеро ср. р., ед. ч., называлось – ср. р., ед. ч.

Рис. 2. Нормы согласования и управления (Источник)

Ещё одна норма – это согласование подлежащего (столько, сколько, много, немного, мало, немало; большинство, меньшинство) и сказуемого.

Рис. 3. Нормы согласования и управления (Источник)

Слова столько, сколько, много, немного, мало, немало; большинство, меньшинство могут употребляться как нераспространенное подлежащее, а могут входить в состав распространенного подлежащего.

Сказуемое употребляем в единственном числе:

– если при подлежащем нет зависимых слов

– если в составе подлежащего нет существительных в форме мн. ч.

Большинство было против поездки за город. Подлежащее большинство нераспространенное, поэтому сказуемое в ед. ч.

Большинство класса было против поездки за город.В составе подлежащего существительное в ед. ч., поэтому сказуемое тоже в ед. ч.

Есть еще такой прием: если подлежащее большинство (столько, сколько, много, немного, мало, немало; меньшинство) выражено одушевленными существительными – сказуемое во множественном числе, если неодушевленными – сказуемое в единственном числе.

Большинство учащихся были против поездки за город.

Немало ручек было потеряно учениками.

Учебник М.М. Разумовской предлагает равноправное употребление норм:

Большинство учащихся были (было) против поездки за город.

Но, если сказуемое стоит перед подлежащим, употребляем форму только ед. ч. (если используются слова большинство, множество).

Пришло большинство учащихся.

Если в подлежащее входят слова столько, сколько, много, немного, мало, немало (т. е. распространенное подлежащее), то сказуемое имеет форму ед. ч.

Здесь бывает немало посетителей.

2. Анализ задания А5 ЕГЭ

Разберём заданиеА5 демоверсии.

Укажите предложение с грамматической ошибкой (с нарушением синтаксической нормы).

1. Благодаря повышения уровня сервиса в фирменных магазинах стало больше покупателей.

2. «Мойдодыр», написанный Корнеем Чуковским и опубликованный в 20-е годы ХХ века, стал одним из самых любимых детьми произведений.

3. М. Горький в одной из своих статей отмечает, что поэты до Пушкина совершенно не знали народа, не интересовались его судьбой, редко писали о нём.

4. Те, кто с детства стремится к мечте, часто реализуют свои жизненные планы.

Ошибку находим в первом предложении: предлог благодаря требует дательного падежа: благодаря повышению. Итак, правильный ответ №1.

Напомним, что надо проверить все предложения, даже если вы считаете, что нашли правильный ответ.

 

Список литературы

1. Богданова Г.А., Виноградова Е.М. Русский язык и литература. Русский язык (базовый и углубленный уровни) 10-11. – М.: Русское слово.

2. Правила русской орфографии и пунктуации. Полный академический справочник / Под ред. В.В. Лопатина. – М.: Эксмо, 2006. – 480 с.

3. Розенталь Д.Э. Сборник упражнений по русскому языку для поступающих в вузы (любое издание).

 

Дополнительные рекомендованные ссылки на ресурсы сети Интернет

1. Blinovrus.ru (Источник).

2. Издательство “Лицей” (Источник).

3. Lib.podelise.ru (Источник).

 

Домашнее задание

Выполните задание:

Рис. 4. Задание по соблюдению синтаксической нормы (Источник)

 
Оставьте отзыв о качестве урока А5. Синтаксические нормы в комментариях !!

Юрий Балега: «Мне было любопытно, как художники представляют себе красоту, устройство и философию мира»

Текст: Мария Кравцова27.10.2016   17201

Астроном, член-корреспондент Российской академии наук о выставке «Обсерватория» в Нижнем Архызе, фундаментальных основах искусства и Центре Помпиду.

Юрий Балега. Фото: Анастасия Лебедева

Поселок Нижний Архыз (он же Буково) в республике Карачаево-Черкесия известен всему научному миру. Здесь, на горе Пастухова, куда можно взобраться по десятикилометровому серпантину, находится самая крупная в России астрономическая обсерватория, оборудованная шестиметровым оптическим рефлектором БТА и кольцевым радиотелескопом РАТАН-600. Внизу, на склонах расположился академгородок — порожденная советской наукой 1960-х утопия, где даже собаки изучают нотную грамоту и говорят минимум на двух иностранных языках. В середине октября на территории академгородка, а также в здании обсерватории открылся site-specific проект «Обсерватория» (кураторы Симон Мраз, Мадина Гогова, Мариана Губер-Гогова и Андреас Кристоф, проект организован Австрийским культурным форумом в Москве, Министерством культуры Карачаево-Черкесии, Gogova Foundation и Section A в Вене), в котором приняли участие российские и австрийские художники. Инсталляция Александры Паперно расположилась в интерьере полуразрушенного Среднего Зеленчукского храма недалеко от поселка, на территории средневекового Архызско-Аланского городища (VII–XIV в. н. э.). Ирина Корина расставила по всей территории академгородка крошечные, похожие на готические дарохранительницы модели храмов-обсерваторий, которым могли бы поклоняться современные ученые. Фотограф Юрий Пальмин попытался запечатлеть исчезающую красоту этого места. Анна Титова превратила макетную мастерскую в святилище Эола, от которого зависит, застелет ли гору туман, затянут ли обсерваторию тучи и смогут ли ученые работать на своем знаменитом телескопе. Тимофей Радя то ли звездам, то ли изучающим им астрономам посвятил парящую в небе (а на самом деле подвешенную на тросе подъемного крана) неоновую надпись «Они ярче нас», а австрийская художница Эва Энгельберт, вдохновившись работами советского архитектора и разработчика интерьеров советских космических кораблей Галины Балашовой, попыталась деконструировать язык советского дизайна. Но в Нижнем Архызе «Артгид» интересовало не только искусство, но и то, как видят его зрители этого проекта — живущие и работающие в Буково физики и астрономы. Нам повезло встретить и разговорить астронома, доктора физико-математических наук, научного руководителя Специальной астрофизической обсерватории РАН Юрия Балегу, который рассказал шеф-редактору «Артгида» Марии Кравцовой о фундаментальном и экспериментальном искусстве, о своем первом посещении Центра Помпиду в Париже и о том, почему среди советских физиков не было коллекционеров.

***
 

Мария Кравцова: Когда я узнала, что на территории научного городка в Буково готовится выставка современного искусства, то сразу же вспомнила советские НИИ, где нередко устраивали выставки и вообще шла очень насыщенная культурная жизнь.

Юрий Балега: Современных художников мы принимаем у себя впервые, но в советскую эпоху у нас была активная культурная жизнь. Мы ставили собственные спектакли, с «большой земли» приезжали артисты: Сергей Юрский участвовал во многих наших постановках, у нас часто выступал бард Тимур Шаов. Наши ученые, особенно молодые, любят заниматься спортом: например, лыжами или скоростным спуском с горы на велосипедах.

М.К.: А как артистическое и научное сообщества взаимодействовали в советское время? Очевидно, что эта связь была значительно крепче, чем сейчас. Первое, что я увидела в здании обсерватории, — огромный витраж с изображениями знаков зодиака. Собственно, так было везде: художники-монументалисты оформляли здания научных институтов, нонконформисты выставлялись в закрытых НИИ, сами ученые, например, сотрудники казанского СКБ «Прометей», занимались эстетическими поисками, экспериментируя со звуком и светом. Сейчас такое сложно представить.

Ю.Б.: Даже невозможно! Схема была простая. В академической среде многие были знакомы с представителями артистических или художественных кругов. Ученые приглашали артистов или художников, обещая, что обеспечат их всем необходимым. Рамы для картин, например, делались в мастерских научных институтов. Но аудитория научных институтов или научных городков вроде нашего была невелика, и большого интереса у художников к таким местам не было.

Специальная астрофизическая обсерватория Российской академии наук, Нижний Архыз.Фото: Юрий Пальмин.

М.К.: Мне интересно, почему именно НИИ начали принимать в своих стенах не просто художников, а нонконформистов, то есть тех, кто в своих творческих экспериментах уходил от официальнлй эстетической и идеологической доктрины. Мне хочется понять, что в то время сближало ученых и художников-экспериментаторов.

Ю.Б.: Как и в науке, в искусстве есть фундаментальная основа, а есть поисковые направления. Для тех, кто работает в этих направлениях, есть риск ничего не получить, риск того, что их усилия ни к чему не приведут. Но иногда получается так, что эксперимент в искусстве удачен, он пролагает новую дорогу и его результаты остаются в истории навсегда. 

М.К.: То, что мы считаем фундаментальными основами искусства, когда-то было создано именно усилиями экспериментаторов. У Караваджо заказчики не принимали работы, которые казались очень радикальными для того времени, Микеланджело ругался с Папой и так далее.

Ю.Б.: Конечно, но мы не знаем, какое количество экспериментаторов кануло в небытие. До нас дошли имена и работы тех, кто смог еще и продолжить себя в последователях. История искусства состоит из имен наиболее выдающихся художников, гениев. Мой отчим прожил 97 лет, он всю жизнь пил водку и говорил: «Юрочка, вот видишь, я дожил до такого возраста, потому что всю жизнь пил!» На что я ему отвечал: «Спиридон Нилыч, а сколько же от этого умерло? Десятки миллионов!» Так и в искусстве. Многие вошли в историю благодаря таланту, стечению обстоятельств и поддержке — вот три фактора успеха. Десять процентов художников пробились и стали известными, а девяносто ушли в никуда.

Вид инсталляции Александры Паперно «Отмененные созвездия» на выставке «Обсерватория», Нижний Архыз. 2016. Фото: Юрий Пальмин. 

М.К.: Мне интересно с вами общаться, потому что у нас наконец появился шанс посмотреть на то, что мы делаем, глазами зрителя знающего, эрудированного, много видевшего, но при этом не профессионального: я уже успела узнать о вашем большом культурном бэкграунде и о том, что вы сами занимаетесь живописью.

Ю.Б.: Я окончил Ужгородский государственный университет, на самом западе Советского Союза. Но перед тем как поступить на физический факультет, пытался поступить в Киевский художественный институт. Собрал работы — тогда на конкурс надо было представить не менее двадцати — и отправился их показывать приемной комиссии. Но увидев работы других поступающих, собрал все свои вещи и уехал домой. Я понял, что эти люди настолько талантливы, что не могу с ними тягаться, во всяком случае в живописи. Да, в детстве и юности я ходил в художественную школу, руководитель разрешал нам, мальчишкам, стоять за спиной одного из старших учеников, уже практически сложившегося художника, и не только смотреть, как он все делает, но и даже брать у него с палитры краски. Но ничего не получалось! С тех пор я знаю, что есть талант от бога, и никакими тренировками не добиться того, чего легко добивается талантливый человек. Поэтому тогда я спокойно ушел с экзаменов в художественном институте и решил учиться на физика.

Документация перформанса Светланы Спириной «Падение» на выставке «Обсерватория», Нижний Архыз. 2016. Фото: Юрий Пальмин

М.К.: Культура в СССР характеризовалась некоторой разреженностью. Каждая выставка, новая книга становились событием, их обсуждали, спорили, они становились фундаментом для личностного развития. Вы не могли бы вспомнить о культурных событиях, которые потрясли вас в советское время?

Ю.Б.: Да, так как в ту эпоху, а сейчас мы говорим о 1970-х, события были штучными и редкими, то почти все, что происходило, воспринималось с диким восторгом, а порою даже с экзальтацией. Возможно, то, что тогда восхищало людей, в наше время прошло бы просто незамеченным. Уже в конце 1970-х — начале 1980-х, то есть в конце брежневской эпохи, появилось ощущение затухания и того, что жизнь идет на спад. И каких-то выдающихся мероприятий, которые потрясли бы меня, я не припомню. К тому же я тогда был лаборантом, у меня появилась семья, а на зарплату лаборанта особенно не погуляешь. Бо́льшую часть своего времени я сидел здесь, на башне (обсерватории в Нижнем Архызе. — Артгид), которая только открылась, и быт был, прямо скажем, не налажен. Это была довольно тяжелая жизнь — тут уж не до культуры. К тому же я быстро понял, что университетских знаний для работы не хватает, приходилось переучиваться, читать фундаментальную литературу. И переломом для меня стала поездка во Францию в 1980 году, когда я впервые попал в Центр Помпиду…

Юрий Пальмин. Из фотосерии «Нижняя площадка». 2016

М.К: Центр Помпиду только что открылся, как вы вообще про него узнали?! Для советского командировочного логичнее было бы пойти в Лувр.

Ю.Б.: Да, он только что открылся, и увиденное — начиная с его дурацкой архитектуры с этими трубами и заканчивая представленными в экспозиции работами — стало для меня настоящим культурным шоком. Я туда ходил несколько раз. Как я узнал о Центре Помпиду? У меня к тому времени уже появились французские друзья, очень модерновые люди — Даниэль Боно, Алан Блази и другие. Они выглядели как хиппи, но при этом были крупнейшими учеными своего времени, физиками-оптиками, и именно они протащили меня по всем злачным местам Парижа.

Вид экспозиции выставки «Обсерватория» с работами Юрия Пальмина. Нижний Архыз. 2016.Фото: Юрий Пальмин

М.К: Злачным? Центр Помпиду тоже значился среди «злачных» мест?

Ю.Б.: Да, он казался злачным местом для человека вроде меня, который считал себя великим специалистом в области культуры. Я был потрясен. До посещения Центра Помпиду я с большим скептицизмом относился к современному искусству просто потому, что был воспитан в тех эстетических традициях, которые доминировали в нашей стране. Но в Париже я увидел работы современных художников и понял, что и тут есть о чем подумать и есть о чем говорить. Я быстро пробежал эти дурацкие, я извиняюсь, залы с Малевичем, белые квадраты, черные квадраты… но провел много времени в залах послевоенного искусства, особенно меня поразили английские модернисты второй половины XX века. Потом, уже в Лондоне, меня точно так же поразил поздний Тернер, хотя тут я не отличаюсь от всех остальных людей, он на всех производит сильное впечатление. Еще я очень люблю импрессионистов, работы Писсарро и Сезанна — это нечто фантастическое для меня. Все у них вроде бы просто, но повторить сейчас невозможно.

Вид экспозиции выставки «Обсерватория» с работами Эвы Зайлер. Нижний Архыз. 2016. Фото: Юрий Пальмин

М.К.: Вы знаете о таком направлении в современном искусстве, как сайнс-арт? Как вы к нему относитесь?

Ю.Б.: Хорошо отношусь, особенно когда художники, рассматривая ту или иную проблему, пытаются приблизиться к научной точке зрения. Всегда любопытно посмотреть, как люди со стороны представляют себе то или иное явление в науке.

М.К.: При этом мы знаем, что на сложение модернизма в искусстве в том числе повлияли и научные открытия XIX — начала XX века, от изобретения фотографии до открытий в оптике. Тогда наука и искусство были значительно ближе друг к другу, чем сейчас. Но в XX веке язык науки усложнился и стал малодоступен для обывателей, к которым в этом смысле относятся и художники. Для людей, не принадлежащих к ученому миру, современная наука — своего рода магия, что-то непонятное…

Ю.Б.: Я понимаю, о чем вы говорите. В начале XX века произошла величайшая революция в науке, особенно в физике. И искусство тоже в это время переживало расцвет. Но насколько это было взаимосвязано, как революция в искусстве связана с прорывами в науке, я, честно говоря, не думал.

Вид инсталляции Светланы Шуваевой «1000 мелочей» на выставке «Обсерватория», Нижний Архыз. 2016.Фото: Юрий Пальмин

М.К.: Известно, что на сложение пуантилизма сильно повлияли работы химика Эжена Шеврёля и физика Огдена Руда.

Ю.Б.: Ну да. Белый цвет состоит из разных составляющих, и если поставить три красных точки и одну, например, зеленую, то получится… Но это слишком примитивный подход, и наука намного сложнее. Сейчас наука стала в хорошем смысле настолько формализована, что у нее появился свой и при этом очень развитый язык. Даже физики, которые делятся на десятки и сотни направлений, друг друга зачастую не понимают именно потому, что у каждого из направлений — собственные языки. Но есть астрономия — наука, если ее не усложнять всякими ненужными деталями, доступная любому человеку. Она романтичная, она волнует, она дает возможность для полета воображения. К тому же достоинство науки заключается в том, что тем, кто ей предан, она дает возможность общаться с большим количеством умных и талантливых людей. То же самое и в искусстве, хотя с людьми искусства общаться сложнее, они экстравагантные, капризные, зачастую слишком сильно выбиваются из нормы…

Ирина Корина. Объект из серии «Светилища». 2016. Смешанная техника. Фото: Юрий Пальмин

М.К.: Мы начали с того, что в советское время научная среда интересовалась искусством, но сейчас я не вижу этого взаимного когда-то притяжения.

Ю.Б.: Раньше физика окружал ореол романтизма. Те, кто занимался теоретический физикой, были элитой, особенной кастой. И эта тонкая прослойка общества, которая считала себя элитой, тянулась к другим элитам, прежде всего к элите художественной. В Советском Союзе было такое взаимопритяжение элит. А сейчас работа в науке — это рутина, весьма похожая, например, на рутину бухгалтера или экономиста, которые работают с большим количеством данных. Ушла романтика. Сейчас наука стала более прагматичной, сконцентрированной на определенных задачах и сухой, потеряла тот ореол красоты, который так притягивал когда-то девушек.

Тимофей Радя. Они ярче нас. 2016. Инсталляция.Фото: Юрий Пальмин

М.К.: Среди советских физиков были коллекционеры?

Ю.Б.: Нет, их не было. Все-таки коллекционирование искусства — для тех, у кого много свободного времени и свободных денег. А физик такого себе позволить не мог, к тому же это считалось неприличным.

М.К.: Неприличным?!

Ю.Б.: Нобелевский лауреат Виталий Лазаревич Гинзбург отличался категоричностью взглядов. Он, например, говорил, что любой ученый, который говорит о Боге, должен быть изгнан из Академии наук. А почему? В конце концов, пусть себе ученый верит, это же никому не мешает… Но нет, считал Гинзбург, если ученый верит в Бога, это говорит о том, что у него нет научного мировоззрения, а значит, и физикой он заниматься не может, и его надо гнать! Также Виталий Лазаревич утверждал, что любой человек, который теряет на всякую ерунду более 20% своего времени, тоже не может быть физиком, и его надо гнать из академии! Почему я так подробно об этом рассказываю? А потому что Гинзбург был героем великой эпохи, мы все не только учились у него и таких как он, но и старались во всем подражать этим людям и ученым. Гинзбург был культовой фигурой. Мы верили, что есть только наука, собственная область деятельности, где стать авторитетом и чего-то добиться можно, только если правильно жить и правильно работать. Доходило до того, что люди даже пытались скрывать свои увлечения, просто потому, что любое хобби, любое увлечение среди физиков считалось неприличным. Многие известные физики занимались альпинизмом. Например, в горах много времени проводил знаменитый физик Рем Хохлов, но другие физики считали это поведение слишком вольготным и неподобающим. Чтобы чего-то добиться, говорили они, надо работать по 20 часов в сутки, а не проводить недели и месяцы в горах! Собственно, поэтому серьезное увлечение искусством, как и вообще чем-либо, в нашей среде сообществом не одобрялось.

Вид инсталляции Анны Титовой «Зачем работать?» на выставке «Обсерватория», Нижний Архыз. 2016.Фото: Юрий Пальмин

М.К.: Я бы хотела посмотреть на выставку «Обсерватория» вашими глазами. Что вам понравилось?

Ю.Б.: Мне было любопытно увидеть, как современные и зачастую очень молодые художники представляют себе красоту, устройство и философию мира. Например, у Ани Титовой, которая представила свою инсталляцию в макетной мастерской, хорошая попытка визуализировать идею, сделать своего рода метафору звездой пыли, которая была рассыпана по помещению и которую гости унесли на своей обуви. Мне понравились фотографии Юрия Пальмина, который снимал в нашем научном городке. Кажется, что у него все просто, он снимает банальные вещи, но все это в помещении заброшенного магазина выглядело очень здорово. И, в-третьих, мне понравилась инсталляция Александры Паперно в храме. Ведь что такое созвездие — это условность, проекция на небо. Работа Саши, эта упорядоченность созвездий красиво контрастировала с руинами храма, цветом камня…

М.К.: А также визуализировала идею, что храм — это небо на земле. Я не знаю, в курсе ли вы, но Александра Паперно — художник, который чаще, чем другие ее коллеги, смотрит на небо. Она постоянно его изображает. Дневное, ночное звездное, пасмурное, в котором парят птицы…

Ю.Б.: Ну так пусть она чаще приезжает к нам!

Возрождение (Renaissance) (статьи)

Возрождение

1400-1530. Эпоха Возрождения, с центром в Италии, была периодом большой творческой и интеллектуальной деятельности, в течение которой художники отрывались от ограничений средневекового искусства. На протяжении всего XV века художники изучали мир природы, чтобы усовершенствовать свое понимание таких дисциплин, как анатомия и перспектива. Среди многих великих художников этого периода были Джотто, Мазаччо, Сандро Боттичелли, Доменико Гирландайо и Пьеро делла Франческа.

На смену Раннему Ренессансу пришел зрелый период Высокого Возрождения, который начался около 1500 года. Высокий Ренессанс (Возрождение) был кульминацией художественного развития Раннего Возрождения и одним из величайших взрывов творческого гения в истории искусств. Он знаменит тремя величайшими художниками в истории: Микеланджело, Рафаэлем и Леонардо да Винчи. Также известными благодаря той эпохе стали такие мастера, как Джорджоне, Тициан и Джованни Беллини. В Северной Европе был период Северного Возрождения с такими художниками, как Альбрехт Дюрер и Питер Брейгель.

Художники эпохи Возрождение и статьи них

Пьеро делла Франческа

Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca), итальянский художник, один из величайших художников раннего Возрождения. Его живопись характеризуется безмятежным гуманизмом и использованием геометрических форм, особенно в отношении перспективы. Он писал книги по геометрии твердого тела и по перспективе, и его работы отражают эти интересы. Твердые, округлые фигуры Франчески происходят от Мазаччо, в то время как от Доменико он унаследовал пристрастие к нежным цветам и сценам, купающимся в прохладном, ясном дневном свете. К этим влияниям он добавил врожденное чувство порядка и ясности. Он представлял себе человеческую фигуру как объем в пространстве, и очертания его предметов обладали изяществом, абстракцией и точностью геометрических рисунков.

Почти все работы Пьеро носят религиозный характер — в первую очередь алтарные и церковные фрески, в которых он представляет сцены удивительной красоты, с молчаливыми, величественными фигурами, застывшие в кристально чистом пространстве. В его работах всегда есть большие участки белого или почти белого цвета, небо большое, светлое и солнечное. Монументальность его фигур, перспективное построение живописного пространства и духовное спокойствие его композиций привели по всей Италии к окончательному преодолению готического стиля и подготовили почву для художественных достижений Высокого Возрождения в Италии.

Диптих Портрет Баттисты Сфорца. 1472г.

Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи, итальянский художник Высокого Возрождения, скульптор, архитектор, инженер, ученый и изобретатель. Леонардо да Винчи был удивительным художником. Его картины содержали невероятные детали, которые делали их почти реальными. Эта деталь включала в себя такие вещи, как различные теневые эффекты и текстуры, которые придавали работам реалистичный вид. Хотя Леонардо создал сравнительно небольшое количество картин, многие из которых остались незаконченными, он, тем не менее, был чрезвычайно новаторским и влиятельным художником.

Как ученый Леонардо возвышался над всеми своими современниками — Леонардо фактически предвосхитил многие открытия нового времени. В анатомии он изучал кровообращение и действие глаза. Он сделал открытия в метеорологии и геологии, изучил влияние Луны на приливы и отливы, предвосхитил современные представления о формировании континентов и предположил природу ископаемых раковин. Он был одним из создателей науки гидравлики. Он изобрел большое количество хитроумных машин, многие из которых потенциально полезны.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (Джоконда). 1505г.

Микеланджело

Микеланджело считался величайшим живым художником при жизни, и с тех пор его считают одним из величайших художников всех времен. Ряд его работ в живописи, скульптуре и архитектуре относятся к числу самых известных из существующих. Микеланджело — один из величайших художников всех времен, человек, чье имя стало синонимом слова «шедевр». Как художник он был непревзойденным, создателем произведений возвышенной красоты, выражающих всю широту человеческого состояния. 

Джорджо Вазари предположил, что Микеланджело был вершиной всех художественных достижений с начала эпохи Возрождения, и эта точка зрения продолжала оказывать влияние на историю искусства на протяжении веков. При жизни его также часто называли «Il Divino» (божественный) — подходящее имя, учитывая его сильную духовность. Одним из качеств, которым больше всего восхищались его современники, было его чувство внушающего благоговейный трепет величия, и именно попытки последующих художников подражать страстному и очень личному стилю Микеланджело привели к следующему крупному движению в западном искусстве после Высокого Возрождения-маньеризму.

Сикстинская капелла, Предки Христа 2 (Деталь). 1511г.

Рафаэль

Рафаэль или Рафаэлло Санцио-итальянский художник Высокого Возрождения и архитектор флорентийской школы, прославившийся совершенством и изяществом своего искусства, мастерством динамической композиции и движения. Рафаэль, как и Микеланджело и Да Винчи, является одним из самых известных художников Высокого Возрождения Италии и одним из величайших влияний в истории западного искусства. Рафаэль наиболее известен своими мадоннами и своими большими фигурами в Ватикане в Риме. Своими художественными средствами Рафаэль добился постоянного движения во всех своих картинах, не позволяя ему стать беспокойным или неуравновешенным. Рафаэль достиг того, к чему так упорно стремилось старшее поколение: совершенной и гармоничной композиции свободно движущихся фигур.

Рафаэль. Святой Себастьян. 1502г.

Тициан

Титианциано Вечеллио, более известный как Тициан, лидер венецианской школы 16-го века итальянского Высокого/позднего Возрождения и величайший венецианский художник 16-го века, создатель венецианской колористической и живописной традиции. Тициан внес свой вклад во все основные направления искусства эпохи Возрождения, написав алтари, портреты, мифологии и пасторальные пейзажи. Он — одна из ключевых фигур в истории западного искусства. Его творчество, оказавшее неизгладимое влияние на ход европейской живописи, предоставило равную по силе и привлекательности альтернативу линейной и скульптурной флорентийской традиции, отстаиваемой Микеланджело и Рафаэлем; эта альтернатива, с жадностью подхваченная Рубенсом, Диего Веласкесом, Рембрандтом, Эженом Делакруа и импрессионистами, по-прежнему актуальна и сегодня. Само по себе творчество Тициана часто достигает самого высокого уровня человеческих достижений в изобразительном искусстве.

Венера Урбинская (Деталь). 1538г.

Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрербрехт Дюрер, немецкий живописец и гравер. Дюрер считается величайшим художником Северного Возрождения. Его знаменитые картины были предметом обширного анализа и интерпретации. Его акварели говорят о нём, как об одном из первых европейских пейзажистов, в то время как его амбициозные гравюры на дереве произвели революцию в потенциале этой среды. Введение Дюрером классических мотивов в северное искусство, благодаря его знаниям итальянских художников и немецких гуманистов, обеспечило ему репутацию одной из важнейших фигур Северного Возрождения.

Это подкрепляется его теоретическими работами, которые включают принципы математики, перспективы и идеальных пропорций. Широкий спектр его работ и тем, как с точки зрения содержания, так и формальных аспектов, поражает. Хотя его картины обычно создавались по заказу — двумя основными направлениями его деятельности были портретная живопись и создание алтарных и религиозных картин, — Дюрер обогатил их необычными живописными решениями и приспособил к новым функциям. После его смерти Дюрер оставался одним из самых высоко ценимых художников на протяжении веков, представляя процесс перехода от позднего Средневековья к Ренессансу в Германии.

Святая Анна с Девой и младенцем (Деталь). 1519г.

 

 

 

 

 

Современное искусство разучилось пугать. Но почему это важно для нас?

• Келли Гровьер
• BBC Culture

1 марта 2020

Автор фото, Creative Commons

Живописцы прошлого мастерски изображали на своих холстах как ужасы, так и страшные предчувствия. Способно ли на такое современное искусство? Или необходимое умение утрачено? Но зачем оно нужно, такое умение?

Не забыли ли мастера искусства, как с его помощью напугать людей? В прошлом художники хорошо понимали, что такое настоящий страх, и использовали это знание в качестве одного из самых эффективных эмоциональных рычагов, имеющихся в распоряжении творца живописного холста или скульптуры.

Религиозные художники средневековья и Ренессанса были особенно склонны эксплуатировать ужасы. Пугающие образы того, что ждет прихожан после смерти, если те не будут вести набожную жизнь (обычно размещаемые на выходе из храма, чтобы надолго оставить неизгладимое впечатление), служили вполне понятной, хоть и жуткой, цели — как следует напугать паству.

Например, последнее, что видели прихожане, выходя из капеллы Скровеньи в Падуе (Италия), был вызывающий содрогание фрагмент росписи, изображающей Страшный суд, где грешников поглощает пучина ада (каким его представлял в конце XIII века флорентийский мастер Джотто ди Бондоне).

Параллельно падению в ад Джотто изобразил на своих фресках и вхождение на небеса тех, кто заслужил это святой жизнью, и такое сопоставление работало на редкость эффективно.

«Блаженные стояли стройными рядами одесную Христа, — описывал это один богослов, — в то время как тела проклятых закручивались в спирали, вытягивались, деформировались, погружаясь все глубже в ад… на них нападали демоны, втыкали в них кинжалы, жгли, разрывали на части».

Автор фото, Creative Commons

Подпись к фото,

Фрески Джотто в капелле Скровеньи в Падуе, на которых среди прочего, изображен и Страшный суд, размещены над выходом из церкви (чтобы не забылось)

Однако вызывающие страх фантазии Джотто или, скажем, Иеронима Босха, странно сочетаются с выражением лиц людей на их холстах, редко отражающих какое-либо внутреннее потрясение от причиненных им страданий.

Впрочем, зловещая хореография изображающей ад части триптиха «Сад земных наслаждений» Босха для кого-то может выглядеть еще более пугающей, когда видишь необъяснимое, неуместное спокойствие тех, кому выклевывают глаза или с кого сдирают кожу.

Судя по всему, задача решить проблему убедительного изображения плохих предзнаменований, используя физиогномику персонажей, выпала следующим поколениям художников.

Автор фото, Creative Commons

Подпись к фото,

Фреска «Страшный суд» Микеланджело занимает всю алтарную стену Сикстинской капеллы в Ватикане. Справа на ней — души нераскаявшихся грешников погружаются в ад

На протяжении всей своей истории искусство неустанно исследовало архетипы непреходящей тревоги: от проклятых душ, медленно погружающихся в пучину ада, где их ждут вечные страдания (роспись Сикстинской капеллы Микеланджело), — до ошеломляющей «Лампы дьявола» Франсиско Гойи (1798 г.), от готической «Леди Макбет» швейцарского живописца Генри Фюзели до воплощенного ужаса культового «Крика» Эдварда Мунка.

Автор фото, National Gallery/Creative Commons

Подпись к фото,

«Лампа дьявола» Гойи изображает человека, который считает, что заколдован и его жизнь теперь зависит от того, не погаснет ли лампа

Еще две работы, гораздо менее известные и созданные век назад, показывают нам, что жажда правдиво изобразить настоящее лицо страха не покидала художников и в XX веке.

Уинифред Найтс, еще будучи студенткой лондонской Школы изящных искусств Феликса Слейда, получила престижную Римскую стипендию за впечатляющее изображение сцен библейского Всемирного потопа (очевидно, что ей помогли ее собственные тяжелые воспоминания о взрыве на заводе боеприпасов в Эссексе в 1917 году, во время Первой мировой войны).

Среди безумия жаждущих забраться повыше, чтобы спастись от поднимающейся воды, и на фоне исчезающего вдали Ноева ковчега мы вдруг видим автопортрет самой художницы, словно раздираемой противоречивыми чувствами и страхами, отражающими сознание европейцев, только-только начавших отходить от кошмаров войны.

Автор фото, Tate/Creative Commons

Подпись к фото,

«Всемирный потоп» Уинифред Найтс (1920 г.) изображает апокалиптическое наводнение, мечущиеся фигуры не попавших на Ноев ковчег и саму художницу, разрываемую страхами и ужасными ожиданиями

Примерно в то же время, когда работа британки Найтс получала заслуженные почести, испанский экспрессионист Хосе Гутьеррес Солана создал холст куда менее драматичный, однако ни в коем случае не менее психологически сложный. Его «Клоуны» мрачны и зловещи, картина полна затаившегося ужаса.

Автор фото, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Подпись к фото,

Картина Соланы (1920 г.) отчетливо передает чувство страха с помощью выражения лиц клоунов

И тот, кто смотрит на картину, сразу распознает эту эмоцию на лице клоуна, держащего трубу, несмотря на его, казалось бы, безучастный вид — его пугает нечто, чего мы не видим, что не попало в рамки картины.

Хотя у клоуна, без сомнения, есть нечто общее со знаменитыми портретами Пьеро соотечественника Соланы Пикассо, страх у него очень настоящий, такой невозможно подделать.

А что же сегодня? Можно ли найти в современном искусстве видимые следы наследия художников прошлого, их умения внушить страх своими работами, как это отлично получалось у Джотто или Босха? Или извечного стремления изобразить типичное лицо страха, как это делали Микеланджело или Мунк?

Сразу приходит в голову пресловутый платиновый череп в бриллиантах британского художника Дэмьена Херста, названный им For the Love of God («Ради любови Господа»). Можно ли считать его современной (2007 г.) попыткой переосмыслить крылатую латинскую фразу memento mori («помни о смерти»)?

Автор фото, Niccolo Guasti/Getty Images

Подпись к фото,

Украшенный бриллиантами череп Херста на выставке в Дохе (Катар, 2013 г.)

В прошлом черепа и скелеты использовались мастерами искусства не для того, чтобы философски напомнить о неизбежности смерти, а в основном для того, чтобы напугать вас тем, что с вами случится после смерти.

У Херста вся поверхность черепа усеяна 8 601 бриллиантом, и это отнюдь не внушает ужас — скорее, замешательство и раздражение по поводу безумной стоимости этой безвкусной безделушки. И уж не в коем случае не рождает желание купить ее…

Тем не менее, в 2007 году этот череп купили за 50 млн фунтов (100 млн долларов). Вот уж поистине — «ради любви Господа».

Такое впечатление, что многие нынешние художники настолько поглощены беспрестанными перебранками по поводу того, можно ли назвать искусством их работы, что просто утратили умение владеть всей палитрой эмоций, благодаря которой искусство столь заразительно. И краски, нужные для изображения оттенков страха, кажется, высохли первыми.

Коллеги Херста братья Джейк и Динос Чепмены постоянно заигрывают с чувством страха, эксплуатируя его как эстетический элемент в серии работ с жуткими манекенами в доме с привидениями, со сражающимися в аду мутантами, нацистскими солдатами и скелетами, с ребяческими перепевами сюжетов Франсиско Гойи. Но натуралистичные и часто порнографические инсталляции скорее глупы, чем пугающи.

Автор фото, Getty Images

Подпись к фото,

Ад в представлении британцев Чепменов. Вам страшно? Очевидно, что и авторам тоже не страшно

Инсталляция Чемпенов «Ад» (2000 г.) — это десятки тысяч игрушечных солдатиков, переделанных в демонов-нацистов и их жертв, это отвратительная оргия насилия в девяти витринах в виде огромной свастики. Братья трудились над инсталляцией целых два года. И завершилось всё как глупая шутка — в 2004 году склад с инсталляцией сгорел.

«Когда она сгорела, — потом делился Джейк, — мы просто расхохотались. Два года на то, чтобы построить, две минуты на то, чтобы сгореть».

Куда же делся страх из визуальной культуры? Известная португальская художница Паула Регу часто упоминается, когда речь заходит об изображении ужаса.

В недавней статье о ее творчестве историк искусств Леонор де Оливейра убедительно доказывает, что постоянно повторяющиеся мотивы в творчестве Регу вполне подпадают под знаменитую концепцию «геометрии страха» британского художественного критика Герберта Рида, с помощью которой тот описывал работы послевоенных скульпторов, «иконографию отчаяния».

Но, с моей точки зрения, с помощью устрашающих фигур в своих работах — взять хотя бы «Дочь полицейского» (1987 г.), где женщина с ожесточением чистит сапог — Регу скорее бросает вызов страху, чем воплощает его.

Автор фото, Paula Rego and Marlborough, New York and London

Подпись к фото,

Женщина со злым выражением лица чистит сапог на картине Регу «Дочь полицейского» (1987 г.)

Слово «страх» часто слышится при обсуждении последних работ современной шведской художницы Натали Юрберг, ее зловещих инсталляций, полных гротеска и уродливых голых женщин, ее болезненно-сказочных арт-видео.

Однако стойкое ощущение от таких работ, как, например, «Последнее путешествие в подземный мир» (2019 г.), — недоумение и интерес, а не напряжение и ужас.

Возможно, современное искусство, как и современная поэзия, смирилось с тем, что некоторые его роли перешли к другим, более подходящим для этого формам культуры.

Точно так же, как мы сейчас редко обращаемся к поэтам, чтобы прочитать что-то эпическое (с этим вполне справляются кинематографисты и романисты), мы прекратили искать в работах художников тот страх, который пробуждает в нас новые чувства и новое сознание.

За ужасы теперь отвечает кино, и в этом году мы видим этому немало примеров — от очередных фильмов из серии «Пила» и «Пятница, 13-е» до «Хеллоуина».

Это давно и хорошо известно: столкновение лицом к лицу со страхом, рождаемым произведением искусства, вызывает прилив дофамина, обеспечивающего приятные ощущения. Есть даже доказательства, что это укрепляет нашу иммунную систему.

И если современное искусство порой с трудом находит отклик в сердцах широкой аудитории, то это оттого, что оно разучилось использовать наркотик страха.

Прочитать оригинал этой статьи на английском языке можно на сайте BBC Culture.

ART VIEW; ВИДЕТЬ СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО В СВЕТЕ МИКЕЛАНЖЕЛО

В последние годы очевидная смерть модернизма как художественной религии вызвала хор критических стонов, хвалебных речей и празднований. Для меня проблемой является не модернизм, а поздний модернизм, период, который начался в 1959 году с черных картин Фрэнка Стеллы и продолжился в 1970-х годах с минимальным искусством, живописью цветового поля и бесконечными формами концептуального искусства. Во время этого особенно американского проявления модернизма художественный иконоборчество, экспериментальная свобода и стирание культурной памяти шли рука об руку.

Художника масштаба Микеланджело невозможно представить без общей системы художественных и интеллектуальных условностей. Микеланджело был начитанным, хорошо осведомленным и чрезвычайно амбициозным. В его подходах к художникам, которых он считал своими прародителями и соперниками, неизменно присутствовало то, что Саммерс называет «элементом соревнования». Он копировал работы Джотто и Мазаччо, чтобы «имитировать» их, что в эпоху Возрождения означало уловить суть их работы. Проверяя себя на примере множества переданных ему основных идей и художественных достижений, Микеланджело смог встроить в свою работу тот фонд знаний, который накапливался со времен греков.Его яростные и изнурительные усилия по достижению равновесия между прошлым и настоящим, религией и собой, смирением и духовной гордостью придают его работе большую часть ее необычайного динамизма и остроты. Подобный вид столкновения и, следовательно, также динамический край есть в кубистах Пикассо и Брака и в абстрактном экспрессионизме.

Но для мейнстримных американских художников, достигших совершеннолетия после Второй мировой войны, условности стали почти априори неприемлемыми. Когда Стелла создал свои черные картины, абстрактные работы без содержания и без традиционного изобразительного пространства, художественный смысл унаследованной системы условностей сломался.Результатом стало особенно американское чувство художественной свободы. Без необходимости подчиняться условностям, без тяжести прошлого все было возможно. Были изобретены всевозможные альтернативы традиционному искусству, значительно расширились возможности живописи и скульптуры. Но неизбежно каждое поколение мейнстримных художников и критиков меньше читало, меньше видело и, в результате, несмотря на приверженность иконоборчеству и новому, все более узкое представление о том, чем искусство было и могло быть.Поскольку слова тоже были вырваны с корнем, язык мейнстрима стал таким же узким и плоским, как и описываемые им объекты.

Некоторые аспекты творчества Микеланджело имеют большее значение, чем его подход к камню. Его работа началась с концепции (Concetto), которая на художественном языке Возрождения была чрезвычайно важным термином, отчасти потому, что фресковая живопись и резьба по мрамору не оставляли места для переделки или ошибок. Хотя мне непонятно, как концепция, рожденная вдохновением и, следовательно, пришедшая извне художника, передается от художника к камню, в какой-то момент камень овладевает ею.В результате Микеланджело, этот самый бурный, непостоянный, язвительный человек, был вынужден обращаться с камнем с величайшей нежностью и уважением к ремеслу. Поскольку в концепции был аспект платонической истины, художественная реализация никогда не могла сравниться с ней. «Концепция художника, — пишет Саммерс, — существует сверх меры и спускается к определениям искусства по мере его реализации». его Concetti и его реализация их.»

Опыт разрыва между концепцией и реализацией находит отклик у многих художников-модернистов, а также в модернистской поэзии, такой как Т.С. Элиота «Полые люди». В эпоху позднего модернизма концепция и реализация часто расходятся. В концептуальном искусстве концепция может стать более важной; В «Процессном искусстве», «Боди-арте» или «Перформансах» важными могли быть действия художника. Однако этот художественный отказ заселить этот пробел и довериться пути, который всегда намечал самые серьезные произведения искусства, ведет только к концептуальному искусству с самым ограниченным интересом.Это также означает, что художникам больше не нужно сталкиваться со своими ограничениями.

Микеланджело: картины, скульптуры, биография Микеланджело

Микеланджело, без сомнения, был одним из самых вдохновляющих и талантливых художников в современной истории. В течение его жизни западный мир пережил, пожалуй, самый замечательный период изменения со времен упадка Римской империи.В эпоху Возрождения произошли изменения во всех аспектах жизни и культуры, с драматическими реформами, охватившими миры религии, политики и научная вера. Микеланджело был одним из самых ярых сторонников этой захватывающей новой философии, работая с удивительной энергией, отраженной в современном обществе. Один из светила итальянского Возрождения, его необыкновенные таланты проявились в ранних произведениях, таких как Пьета для Ватикана и статуя Давида. по заказу города Флоренция.Его картины и фрески во многом были взяты из произведений мифологических и классических источников. Ему удается сочетать высокий уровень технической компетенции и его богатое художественное воображение, чтобы создать идеальное сочетание эстетической гармонии и анатомической точности в стиле Высокого Возрождения в его работах.

Микеланджело родился 6 марта 1475 года в Капрезе недалеко от Ареццо, Тоскана. Он был первым художником, получившим признание при жизни. Он также является первым западным художником, биография которого была опубликована еще при жизни.Для него были написаны две биографии, одна Джорджио. Вазари, который восхвалял Микеланджело как величайшего художника с начала Возрождения. Он является наиболее документированным художником 16 века. и повлиял на очень многие области развития искусства на Западе. Вместе с Леонардо да Винчи эти двое выделялись как сильные и могущественные личности с двумя непримиримо противоположными взглядами на искусство, но все же между ними узы глубокого взаимопонимания.

В возрасте 6 лет Микеланджело отправили в гимназию Флоренции, но он не проявлял никакого интереса к учебе.Он предпочел бы посмотреть на художников поблизости церквей, и нарисуйте то, что он там увидел. Его отец понял, что его не интересует финансовый бизнес семьи, и согласился отправить его в больницу. художник Гирландайо должен пройти обучение в качестве ученика. Ему тогда было 13 лет. В этой модной мастерской флорентийского художника, Микеланджело обучился технике фрески и рисованию.

Гений — это вечное терпение.»- Микеланджело

Микеланджело провел всего год в мастерской, переехавшей во дворец флорентийского правителя Лоренцо Великолепного, могущественного Медичи. семье, чтобы изучить классическую скульптуру в садах Медичи. Там он учился у известного скульптора Бертольдо ди Джованни и познакомился с многие великие художники прошлых веков Джотто, Мазаччо, Донателло, а также шедевры древностей Древней Греции и Рима: работы, которые хранились в обширной коллекции Медичи.Он также встретил многих ныне живущих художников, философов, писателей и мыслителей того времени, в том числе Полициано, Марсилио Фичино и Пико делла Мирандола. Когда Микеланджело работал с Медичи, он выполнил свои первые две скульптурные работы: мраморные барельефы, Мадонна у лестницы и Битва кентавров. И удивительно сложные, и сложные работы для подростка. Микеланджело за это время стал экспертом в изображении человеческая форма, черпающая из жизни и изучающая анатомию.Он также получил специальное разрешение от католической церкви на изучение человеческих трупов с целью изучать анатомию, хотя контакт с трупами ухудшил его состояние здоровья.

После смерти Лоренцо Медичи Микеланджело покинул двор, а вскоре после этого прибытие Савонаролы и изгнание Медичи. Флоренция принесла молодому художнику огромные перемены. После короткого возвращения в дом своего отца, Микеланджело покинул Флоренцию во время политических потрясений и, поддерживая связи со своими покровителями, Медичи, последовал за ними в Венецию, а затем в Болонью.

В Болонье Микеланджело продолжил свою деятельность в качестве скульптора. Он вырезал три статуи для святилища святого Доминика, ангела с подсвечником и святых, Петрония и Прокула. Продолжая находясь под сильным влиянием классических древностей и вдохновленный ими, Микеланджело также был вовлечен в схему, чтобы выдать одну из своих скульптур, мраморного купидона, за старинное произведение. Якобы он Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи сказал, чтобы он выглядел так, как будто его выкопали, чтобы он мог продать его в Риме.Кардинал Раффаэле Риарио, купивший произведение, обнаружил обман. но был настолько впечатлен качеством скульптуры, что пригласил художника в Рим.

Микеланджело прибыл в Рим в 1496 году, когда ему был 21 год. В то время как в Риме, когда ему было чуть больше двадцати, Микеланджело изваял Пьету, которая сейчас находится в Санкт-Петербурге. в Ватикане, где Дева Мария плачет над телом Иисуса. Микеланджело отправился в мраморный карьер и сам выбрал мрамор для этого изысканного изделия.Часто говорили, что Микеланджело мог визуализировать законченную скульптуру, просто глядя на каменную глыбу.

Теперь он был человеком на пике своих творческих способностей, и в 1504 году, вернувшись во Флоренцию, он завершил свою самую известную скульптуру «Давид». Давид, изображенный в тот момент, когда он решает сразиться с Голиафом, был символом флорентийской свободы. Говорят, что это шедевр линий и форм. Комитет, в том числе Леонардо да Винчи и Сандро Боттичелли, был создан и принял решение о его размещении перед Палаццо Веккьо.

Если бы люди знали, как много я должен работать, чтобы достичь мастерства, это было бы совсем не так замечательно. »- Микеланджело

Микеланджело получил много заказов, скульптур и картин во время своего пребывания во Флоренции, многие из которых остались незавершенными, когда в 1505 году он был вызван в Рим для работы над могилой Папы Юлия II. Планировалось закончить за 5 лет, но он работал над этим (с частыми прерывания) более сорока лет, и кажется, что это так и не было доведено до его удовлетворения.К счастью, Микеланджело также выполнил некоторые из его лучших и самых известных работ того времени, в первую очередь фрески на потолке Сикстинскую капеллу, на строительство которой у него ушло четыре года.

Эта грандиозная фреска содержит более трехсот фигур на пятистах квадратных метрах потолка. Микеланджело потребовалось четыре года, лежа на его спиной, чтобы завершить эту мастерскую работу, которая даже сегодня стоит как свидетельство самоотверженного и совершенного мастерства этого человека.В Изображенные сцены взяты из Книги Бытия, самая известная из которых — Сотворение Адама. В протянутые руки Бога и Адама — знаковое изображение, возможно, самая известная и имитируемая деталь любого произведения эпохи Возрождения. В этой работе Микеланджело продемонстрировал свое глубокое понимание человеческой формы и того, как изобразить ее в огромном количестве различных поз.

Сложные, извилистые фигуры и яркие цвета этого произведения, а также скульптуры с их извивающимися формами сыграли огромную роль в создании рождение целого художественного движения.Маньеризм, в значительной степени заимствованный из работ Микеланджело, представляет собой намеренно стилизованную форму сложное искусство, в котором идеализируется человеческое тело. Для него характерны зачастую сложные, а иногда и остроумные композиции и неестественное использование ярких цветов. Без Микеланджело работы более поздних художников-маньеристов, таких как, например, Понтормо и Бронзино, были бы не существует. Рафаэль также находился под сильным влиянием Микеланджело, как и более поздние художники по потолку в период барокко и многие другие с тех пор.Его влияние на искусство прошлых веков невозможно оценить. Его справедливо считают гением и архетипом человека эпохи Возрождения.

Большая опасность для большинства из нас заключается не в том, чтобы ставить перед собой слишком высокую цель и не делать этого; но в том, чтобы поставить нашу цель слишком низко и достичь нашей цели. »- Микеланджело

Искусство Микеланджело имеет далеко идущее историческое влияние. Его мир генетически представляет собой двойную систему, постоянно расширяющуюся.Измеряя его внутреннее развитие от Пьета через Давида до Страшного суда, мы видим путь опыта, в котором каждый Этап закладывает основу для следующего, от скульптуры к живописи, от живописи к архитектуре, от архитектуры к искусству поэзии. Как мы можем не тронуться этой волей, стремясь выразить новое традиционными средствами? В то же время мы осознаем силу его влияния. Сначала маньеризм, потом Иоганнес Вермеер, Рембрандт, Эжен Делакруа, Роден, Поллок и Де Кунинг нашел в нем модель, на которой они могли основывать свои собственные творения.Но «божественный» Микеланджело — это нечто большее. В западном мире он был первым — Пикассо последним — считал себя абсолютным и мифическим культурным опытом. Ему удалось совместить свой высокий технический уровень. компетентность и его богатое художественное воображение, позволяющие добиться в своих работах идеального сочетания эстетической гармонии и анатомической точности в стиле Высокого Возрождения.

Микеланджело господствовал в свое время, в эпоху Возрождения. Он часть ее мифа. Как и все мифические творения, он появляется с той же энергией, с тем же воздействием, с загадкой происхождения, пониманием сущности. момент и интерпретация финальных концовок.Трудно представить более внимательное и амбициозное творение по этим трем пунктам, объединенное энергией наиболее универсального выражения возможного это исполнение мы называем судьбой.

Так же, как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Микеланджело по искусству потрясающе. Микеланджело не только затмевает всех своих предшественников; он остается единственным великим скульптором эпохи Возрождения в лучшем виде. Чего не хватало большинству художников позднего Возрождения, так это не таланта, а способность использовать свои глаза и делиться видением со своими современниками или потомками.Крайний гений Микеланджело оставлял мало возможностей для работ, которые ускользнули от его влияния, проклиная все его современники довольствовались тем, что подражали ему. Признание художественного мастерства Микеланджело сохраняется на протяжении веков, а его имя стало синонимом лучших произведений искусства эпохи Возрождения.

Микеланджело Биография, жизнь и цитаты

Биография Микеланджело

Детство

Микеланджело родился в семье Леонардо ди Буонаррота и Франчески ди Нери дель Миниато ди Сиена, банкиров из среднего класса в небольшой деревне Капрезе, недалеко от Ареццо. в Тоскане.Прискорбная и продолжительная болезнь его матери вынудила отца отдать сына на попечение няни. Муж няни был каменотесом, работал в мраморном карьере своего отца.

Когда Микеланджело было шесть лет, его мать умерла, но он продолжал жить с этой парой, и легенда гласит, что эта нетрадиционная ситуация из детства заложила основу для его более поздней любви к мрамору.

К 13 годам отцу стало ясно, что Микеланджело не склонен к семейному призванию.Мальчика отправили в ученики в известную мастерскую Доменико Гирландайо. Проведя в студии всего год, Лоренцо Медичи из известной флорентийской семьи меценатов попросил у Гирландайо двух своих лучших учеников. Микеланджело вместе с Франческо Граначчи были выбраны для посещения Гуманистической академии семьи Медичи. Это было процветающее время во Флоренции эпохи Возрождения, когда художников поощряли изучать гуманитарные науки, акцентируя свои творческие усилия на знании древнегреческого и римского искусства и философии.Искусство отходило от готической иконографии и религиозной работы и превращалось в грандиозное празднование человека и его значения в мире. Микеланджело учился у известного скульптора Бертольдо ди Джованни, благодаря чему он смог увидеть великие классические скульптуры во дворце Лоренцо.

За это время Микеланджело получил разрешение от католической церкви Санто-Спирито изучать трупы в их больнице, чтобы получить представление об анатомии. Взамен он вырезал им деревянный крест.Его способность точно передать реалистичный мускульный тонус тела возникла в результате этого раннего образования, что подтверждается двумя скульптурами, сохранившимися с того времени; Мадонна, сидящая на ступеньке (1491) и Битва кентавров (1492).

Раннее обучение и работа

После смерти Лоренцо ди Медичи в 1492 году Микеланджело оставался в относительной безопасности во Флоренции. Но когда флорентийский город был втянут в политическую неразбериху, семья Медичи была изгнана, и художник переехал в Болонью.Именно в Болонье он получил заказ на завершение резьбы гробницы Святого Доминика, которая включала добавление статуи Святого Петрония, коленопреклоненного ангела с подсвечником и Святого Прокула.

Микеланджело вернулся во Флоренцию в 1494 году после того, как угроза французского вторжения уменьшилась. Он работал над двумя статуями: Св. Иоанна Крестителя и маленьким купидоном. Модель «Амур» была продана кардиналу Риарио из Сан-Джорджо, выдавая себя за античную скульптуру.Кардинал был раздражен тем, что его обманули, но был достаточно впечатлен мастерством Микеланджело, чтобы пригласить его в Рим для выполнения еще одного поручения. Для этой комиссии Микеланджело создал статую Вакха, которая была отвергнута кардиналом, который счел политически неблагоразумным ассоциироваться с языческой обнаженной фигурой. Микеланджело был возмущен — настолько, что позже он попросил своего биографа Кондиви отрицать, что комиссия была от кардинала, и вместо этого записать ее как комиссию от своего банкира Якопо Галли.Стремительный характер художника уже заработал ему репутацию человека, который с негодованием делал то, что хотел, часто уклонялся от желаний своего покровителя или не мог завершить однажды начатую работу.

Микеланджело остался в Риме после завершения Вакха , а в 1497 году посол Франции кардинал Жан Бильер де Лагрулас заказал свой Pietà для часовни короля Франции в базилике Святого Петра. Pietà должна была стать одной из самых известных резных фигурок Микеланджело, которую биограф 16-го века Джорджо Вазари описал как нечто, «что природа едва ли способна создать во плоти».«Его острота эмоций и реалистичный реализм в произведении вызвали у художника большой трепет и внимание.

Хотя его статус одного из самых талантливых художников того времени после завершения проекта Pietà был надежным, Микеланджело не получил любые крупные заказы в течение следующих двух лет. Однако с финансовой точки зрения отсутствие работы не имело большого значения. Богатство, похоже, не повлияло на образ жизни художника. Как он сказал Кондиви в конце своей жизни: «Как бы ни был богат Может быть, я всегда жил как бедняк.»

В 1497 году пуританский монах Джироламо Савонарола прославился своим Костром тщеславия, событием, в котором он и его сторонники сожгли искусство и книги во Флоренции, положив конец тому процветающему периоду Возрождения. Микеланджело Ему придется подождать до изгнания Савонаролы в 1498 году, прежде чем вернуться в свою любимую Флоренцию.

В 1501 году его самое заметное достижение было связано с поручением Гильдии шерсти завершить незаконченный проект, начатый Агостино ди Дуччо около 40 лет назад.Этот проект, окончательно завершенный в 1504 году, представлял собой величественную статую обнаженного тела 17 футов высотой библейского героя Давида. Работа стала свидетельством беспрецедентного мастерства художника в создании потрясающе точных изображений реальной жизни из неодушевленного мрамора.

Несколько комиссий по живописи последовали после завершения Дэвида . В частности, единственная известная законченная картина Микеланджело, которая сохранилась, Дони Тондо (Святое Семейство) (1504).

В это время Высокого Возрождения во Флоренции между Микеланджело и его коллегами-художниками было много соперничества, каждый из которых боролся за главные заказы и уважаемый социальный статус как признанных мастеров своего дела.

Леонардо да Винчи быстро прославился, и соперничество между ним и Микеланджело было легендарным. В 1503 году Пьеро Содерини, пожизненный гонфалоньер юстиции (старший государственный служащий, похожий на мэра), поручил им обоим расписать две противоположные стены Салона деи Чинквеченто во Палаццо Веккьо. Обе картины так и не были закончены и, к сожалению, утеряны. Леонардо Битва при Ангиари был закрашен, когда Вазари позже реконструировал Палаццо. Работа Микеланджело над «Битва при Кашине» была прервана на подготовительном этапе рисования, когда Папа Юлий II вызвал его в Рим.Микеланджело был соблазнен яркой репутацией покровителя Папы, который привлекал других художников, таких как Донато Браманте и Рафаэль, для создания новых захватывающих проектов. Никогда не побежденный своими соперниками, он принял приглашение.

Период зрелости

В Риме Микеланджело начал работу над гробницей Папы, работу, которая должна была быть завершена в течение пяти лет. Тем не менее, художник отказался от проекта после того, как Папа уговорил его на еще одну комиссию. Проект представлял собой роспись потолка Сикстинской капеллы, и, по слухам, Браманте, архитектор, отвечавший за восстановление церкви Св.Собор Святого Петра убедил Папу Римского в том, что Микеланджело подходит для этой работы. Браманте был известен своей завистью и, зная, что Микеланджело больше известен своими скульптурами, а не картинами, был уверен, что его соперник потерпит поражение. Он надеялся, что из-за этого художник потеряет популярность. Микеланджело неохотно принял заказ.

Микеланджело будет работать над Сикстинской капеллой следующие четыре года. Это была трудная и необычайно выносливая работа, особенно с учетом того, что бурный художник уволил всех своих помощников, кроме одного, который помогал ему смешивать краски.В результате получилось монументальное произведение великого гения, иллюстрирующее истории из Ветхого Завета, включая Сотворение мира, Ноя и Потоп. Вопреки надеждам Браманте, он стал (и остается) одним из величайших шедевров западного искусства.

Другим заметным соперником был молодой 26-летний Рафаэль, который ворвался на сцену и был выбран в 1508 году для написания фрески в частной библиотеке Папы Юлия II. За эту комиссию боролись и Микеланджело, и Леонардо. Когда здоровье Леонардо начало ухудшаться, Рафаэль стал величайшим художественным противником Микеланджело.Из-за проницательности Рафаэля в изображении анатомии и его тонкости в рисовании обнаженной натуры, Микеланджело часто обвинял его в копировании его собственных работ. Хотя Рафаэль находился под влиянием Микеланджело, его возмущала враждебность Микеланджело к нему. В ответ он изобразил художника с его традиционным угрюмым лицом в облике Гераклита на своей знаменитой фреске Афинская школа (1509-1511).

После смерти Папы Юлия II в 1513 году Микеланджело получил заказ от нового Папы Льва X для работы над фасадом Базилики Сан-Лоренцо, самой большой церкви Флоренции.Он потратил на это следующие три года, прежде чем проект был отменен из-за нехватки средств. В 1520 году он получил еще один заказ на капеллу Медичи в базилике Сан-Лоренцо, над которой он работал с перерывами в течение следующих двадцати лет. В течение этих двух десятилетий он также выполнил архитектурную комиссию для Лаврентьевской библиотеки.

После разграбления Рима Карлом V в 1527 году Флоренция была объявлена ​​республикой и оставалась в осаде до 1530 года. Работая до осады для защиты Флоренции, Микеланджело опасался за свою жизнь и бежал обратно в Рим.Несмотря на его поддержку республики, он был встречен Папой Климентом и получил новый контракт на гробницу Папы Юлия II. В это же время ему было поручено нарисовать фреску Страшного суда на алтарной стене Сикстинской капеллы, на этот проект уйдет семь лет.

Несмотря на то, что отношения стали поздними, в возрасте 57 лет Микеланджело завязал первую из трех известных друзей, что вызвало плодотворную поэтическую деятельность, которая добавила к его кадрам артистических талантов.Первым в 1532 году был 23-летний итальянский дворянин Томмазо деи Кавальери, который был не только молодым любовником художника, но и оставался другом на всю жизнь. Историк искусства Говард Хиббард цитирует Микеланджело, описывая Томмазо как «свет нашего века, образец всего мира». Страстный роман спровоцировал Микеланджело на создание ряда любовных стихов, настолько гомоэротичных по своей природе, что его внучатый племянник, опубликовав том в 1623 году, изменил гендерные местоимения, чтобы скрыть их гомосексуальный контекст.

В 1536 году Микеланджело нашел еще один объект привязанности на всю жизнь — вдову, Витторию Колонну, маркизу Пескарскую, которая также была поэтессой. Большая часть его плодовитой поэзии посвящена ей, и его обожание продолжалось до ее смерти в 1547 году. Он также подарил ей картины и рисунки, и одним из самых красивых из сохранившихся является рисунок черным мелом Pietà for Vittoria Colonna of 1546. Она была единственной женщиной, сыгравшей значительную роль в жизни Микеланджело, и их отношения обычно считаются платоническими.В течение этого периода он также работал в ряде архитектурных комиссий, включая церковь Санта-Мария-дельи-Анджели и часовню Сфорца в базилике Санта-Мария-Маджоре, а также на Капитолийском холме. Он также получил заказы на две фрески в Каппелла Паолина; Обращение Святого Павла и Распятие Святого Петра.

В 1540 году Микеланджело встретил Чеккино деи Браччи, сына богатого флорентийского банкира, при дворе папы Павла III, которому было всего 12 лет.Эпитафии, написанные Микеланджело после смерти Чеккино четыре года спустя, показывают степень их отношений, предполагая, что они были любовниками. В частности, одно, которое включает графическую аллюзию: «Еще не подтвердите ему, насколько милостивым я был в постели. Когда он обнимал и чем живет душа».

Поздний период

Папа Юлий II в 1504 году предложил снести старую базилику Святого Петра и заменить ее «величайшим зданием в христианском мире». Хотя проект Донато Браманте был выбран в 1505 году, а фундамент был заложен в следующем году, с тех пор не было достигнуто большого прогресса.К тому времени, когда Микеланджело неохотно принял этот проект у своего известного соперника в 1546 году, ему было уже за семьдесят, и он заявил: «Я беру на себя это только из любви к Богу и в честь апостола».

Микеланджело всю оставшуюся жизнь непрерывно работал над базиликой. Его самым важным вкладом в проект была работа над куполом в восточной части базилики. Он объединил дизайнерские идеи всех предшествующих архитекторов, которые внесли свой вклад в работу, которая представила большой купол, сопоставимый со знаменитым куполом Брунеллески во Флоренции, и объединил их со своими собственными грандиозными видениями.Хотя купол не был закончен до его смерти, основание, на котором должен был быть установлен купол, было завершено, что означало, что конструкция купола не могла быть существенно изменена при его завершении. По-прежнему самая большая церковь в мире, она остается свидетельством его гения и его преданности. Он продолжал лепить, но делал это в частном порядке для личного удовольствия, а не для работы. Он завершил ряд Pietàs , включая Disposition (который он пытался уничтожить), а также свой последний, Rondanini Pietà , над которым он работал до последних недель перед смертью.

Говорят, что требуется 10 000 часов осознанной практики, чтобы стать специалистом мирового класса в любой области. Микеланджело олицетворял этот идеал, когда он начал свою карьеру еще мальчиком и продолжал работать до своей смерти в возрасте 88 лет.

Его великая любовь Томмазо оставалась с ним до конца, когда Микеланджело умер дома в Риме после непродолжительной болезни в 1564 году. По его желанию его тело было доставлено обратно во Флоренцию и предано земле в базилике Санта-Кроче.

Наследие Микеланджело

Микеланджело, наряду с Леонардо да Винчи и Рафаэлем, считается одним из трех гигантов Возрождения и одним из основных участников гуманистического движения.Человечество, как в его отношении к божественной, так и несекулярной реальности, занимало центральное место в его живописи и скульптуре. Он был мастером изображения тела с такой технической точностью, что мрамор, казалось, превратился в плоть и кости. Его умение проявлять человеческую эмоциональность и выразительность внушало смирение и почитание. Психологическая проницательность и физический реализм в его работах никогда раньше не отображались с такой интенсивностью. Его Пьета , Давида и Сикстинская капелла были поддержаны и сохранены и продолжают собирать толпы посетителей со всего мира.Его жизненные достижения подтверждают титул Il Divino (Божественное) , которым он обычно удостаивался.

Влияние Микеланджело на других художников было глубоким и продолжалось от Рафаэля в его время до Рубенса, Бернини и последнего великого скульптора, последовавшего его традициям реализма, Родена.

Его слава, установленная, когда ему было чуть больше двадцати лет, продолжается до наших дней. Что касается его гениального взгляда на Галилея, который утверждал, что родился днем ​​ранее, то это совпало с днем ​​смерти Микеланджело, намекая на утверждение, что гений никогда не умирает.

10 самых известных скульпторов в западном искусстве, от Микеланджело до Родена

Роден, Микеланджело, Донателло — это имена провидцев-новаторов, стоящих за некоторыми из величайших скульптур в истории искусства. Скульпторы, подобные этим одаренным творцам, имеют уникальную возможность воплотить свои объекты в жизнь и манипулировать материалами, чтобы бросить вызов ожиданиям зрителей. Будь то резка мрамора или литье из бронзы, нельзя отрицать силу скульптуры.

На протяжении всей истории были известные скульпторы, которые выдержали испытание временем.Возможно, их ценят за способность создавать очень реалистичные фигуры или, может быть, их ценят за их готовность раздвигать границы и бросать вызов ожиданиям. Независимо от их стиля, мы собрали коллекцию великих скульпторов, которые создали одни из самых узнаваемых произведений западного искусства в истории.

Этот взгляд на 10 известных скульпторов — от древних греков до модернистов 20-го века — показывает хронологию развития западного искусства. Без вклада каждого художника было бы трудно представить визуальную культуру в том виде, в котором мы ее знаем сейчас.

Узнайте больше о 10 известных скульпторах, которые помогли сформировать западное искусство и культуру.

Пракситель (активный 4 век до н.э.)

«Афродита Книдская» Мрамор, римская копия с греческого оригинала IV века Праксителя. (Фото: Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps [общественное достояние], через Wikimedia Commons)

Несмотря на то, что о великих скульпторах Древней Греции много узнать, одно имя выдержало испытание временем.Благодаря работам великих авторов, таких как Плиний Старший и Витрувий, имя Praxiteles стало синонимом древнегреческой скульптуры. Ни одна из его оригинальных статуй не сохранилась, но мы знакомы с его работой благодаря римским копиям оригиналов. Афродита Книдосская — его самая известная работа и первый пример женской фигуры в натуральную величину, изображенной в обнаженном виде. Эта работа будет влиять на то, как женская форма изображалась в скульптуре на долгие века.

Донателло (ок. 1386 — 1466)

«Кающаяся Магдалина» Донателло (Фото: Дивот [общественное достояние], через Wikimedia Commons)

Итальянский скульптор Донателло сыграл ключевую роль в продвижении искусства и культуры в период итальянского Возрождения. Работая в основном во Флоренции, многие его работы до сих пор можно найти в городе. Его бронзовая статуя Давида — знак значительных изменений в искусстве, поскольку это была первая отдельно стоящая обнаженная фигура со времен античности и знаменует начало скульптуры эпохи Возрождения.Поразительный реализм его дерева Penitent Magdalene показывает, насколько Донателло опередил свое время.

Микеланджело (1475 — 1564)

«Давид» Микеланджело. (Фото: Stock Photos from Marta Pons Moreta / Shutterstock)

Хотя он тесно связан с фресковым искусством из-за его впечатляющего потолка Сикстинской капеллы, Микеланджело действительно скульптор в душе. Он считал, что в каждом мраморном блоке есть произведение искусства, ожидающее выхода, и ему просто нужно было сколоть его, пока оно не появится.Его культовая статуя Давид остается непреходящим символом итальянского Возрождения и продолжает вдохновлять поколения художников. Скульптор до самой смерти, Микеланджело был предан своему делу, и он продолжал работать вплоть до недели своей смерти в возрасте 88 лет.

Джанлоренцо Бернини (1598 — 1680)

«Плутон и Персефона» Бернини. (Фото: Stock Photos from wjarek / Shutterstock)

Пожалуй, ни один другой художник не определяет эпоху барокко так, как Джанлоренцо Бернини , чья впечатляющая карьера длилась почти 70 лет.Вундеркинд Бернини в подростковом возрасте создавал крупномасштабные мраморные скульптуры. Позже он станет архитектором базилики Святого Петра — следуя по стопам Микеланджело — где он создал культовую площадь и колоннаду базилики, а также ее центральный бронзовый навес. Мастер материалов, Бернини известен своей удивительной способностью создавать движения и вызывать эмоции в своей работе. В его руках мрамор превращается в мягкую плоть, которая выглядит настолько реальной, что хочется протянуть руку и сжать ее.

Огюст Роден (1840-1917)

Актерский состав из оперы «Мыслитель» Родена. (Фото: стоковые фотографии Шона Нила / Shutterstock)

Французский скульптор Огюст Роден , как принято считать, привнес скульптуру в современную эпоху. Имея классическое образование, он привлек международное внимание после того, как его работы были представлены на Всемирной выставке. Роден по-прежнему остается одним из самых известных художников в мире, его выдающаяся работа « Мыслитель » представлена ​​в различных отливках по всему миру.Роден известен своей способностью отказаться от реализма и декора в пользу использования текстуры, деталей поверхности, а также света и тени для передачи эмоций. Его внимание к внутренним эмоциям и страданиям является поворотным моментом в истории искусства и служит отличительной чертой модернизма.

Константин Бранкузи (1876 — 1957)

«Бесконечная колонна» Бранкузи. (Фото: Stock Photos from Radu Bercan / Shutterstock)

Один из самых влиятельных скульпторов 20 века, Константин Бранкузи был пионером модернизма.На румынского художника сильно повлияли народные традиции, хотя он также искал вдохновения в культурах за пределами Европы. Его скульптуры известны своими чистыми геометрическими линиями, о чем свидетельствует его знаменитая серия Bird in Space . Бранкузи также создал мастерскую скульптуру на открытом воздухе. Бесконечная колонна — одна из трех работ, созданных им в память о румынских героях Первой мировой войны. Сложенные друг с другом формы представляют собой половину ромбовидной формы в верхней части тотема, которая символизирует бесконечность.

Альберто Джакометти (1901-1966)

Швейцарский скульптор Альберто Джакометти , пожалуй, наиболее известен своими тонкими продолговатыми фигурами. Их грубая текстура позволяет зрителям увидеть силу скульптора, который также был художником и гравером. В течение шестилетнего периода, начиная с 1938 года, Джакометти сосредоточился на скульптурах небольшого размера, каждая из которых имела высоту не более 2,75 дюйма. Работа Джакометти часто рассматривается при обсуждении экзистенциализма и условий жизни человека.Многие ученые предположили, что его удлиненные фигуры связаны с отсутствием смысла в жизни 20-го века.

Генри Мур (1898-1986)

«Лежащая фигура» Генри Мура. (Фото: Стоковые фотографии Рона Эллиса / Shutterstock)

Известный своими полуабстрактными скульптурами для публики, английский художник Генри Мур был выдающимся скульптором после Второй мировой войны как в Великобритании, так и за рубежом. В его работах чаще всего изображены наклоняющиеся фигуры с повторяющейся темой Матери и Дитя.Фигуры Мура часто делятся на несколько частей, но его чистые линии позволяют зрителям эффективно видеть фигуру в абстрактной форме. Поклонники его творчества захотят посетить его поместье площадью 60 акров в Перри Грин, Хартфордшир. Сейчас он принадлежит Фонду Генри Мура и хранит самую большую коллекцию его работ.

Сол Левитт (1928-2007)

«Башня» Сола Левита. (Фото: общественное достояние через Википедию)

Признанный основоположником минимализма и концептуализма, Sol LeWitt приобрел известность в конце 1960-х годов.Американский художник предпочел термин «структуры» скульптуре. Он очень интересовался модульными структурами, которые часто имели кубическую природу, и большая часть его работ выполнялась из штабелированных шлакоблоков. Позже он начал использовать криволинейные формы и насыщенные цвета, что полностью отличалось от его предыдущей работы. Многогранный художник Левитт также известен своими настенными рисунками, гуашью и архитектурными проектами.

Луиза Буржуа (1911-2010)

«Маман» Луизы Буржуа.(Фото: Stock Photos from tichr / Shutterstock)

Самая известная благодаря своим работам и инсталляциям, французско-американский скульптор Луиза Буржуа снискала международное признание в 1982 году после того, как Музей современного искусства провел ее первую ретроспективу. К этому времени ей было уже за 70, и она сделала успешную карьеру. Основываясь на собственном жизненном опыте, ее скульптуры часто исследуют темы семьи, сексуальности и смерти. В 1990-х Буржуа начала использовать паука как символ в своем искусстве. Маман был отлит в виде шести изделий из бронзы и имеет высоту более 30 футов. Работа — ода матери скульптора, которая умерла в детстве, и говорит о ее силе и защите над своей семьей.

Статьи по теме:

Как природная красота эллинистической скульптуры веками покоряла мир

Эта безрукая скульптура — один из самых ценных шедевров Лувра

8 реальных людей, ставших звездами самых известных картин истории искусства

Как мраморные скульптуры вдохновляли художников и привлекали внимание публики на протяжении тысячелетий

10 лучших парков скульптур в мире

6 удивительных фактов об итальянском мастере эпохи Возрождения Микеланджело

«Портрет Микеланджело» Даниэле да Вольтерра, ок.1544 (Фото: общественное достояние из Википедии)
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Один из величайших художников всех времен, Микеланджело Буонарроти пользовался беспрецедентным успехом как при жизни, так и после нее. Наряду с Леонардо да Винчи, Рафаэлем и Тицианом он считается образцовой фигурой итальянского Возрождения, и миллионы людей ежегодно стекаются, чтобы увидеть его работы в Италии.

От своей культовой скульптуры Давида до захватывающих дух фресок в Сикстинской капелле Микеланджело веками творил историю. Его прозвище Il Divino («Божественный») показывает, насколько он был любим, и его успех значительный в то время, когда большинство художников не пользовались богатством или славой при жизни. Фактически, Микеланджело — первый западный художник, биография которого была опубликована при его жизни.

На протяжении веков мы восхищались его искусством, но человек, стоящий за этим искусством, столь же очарователен.На протяжении большей части XVI века он определял итальянское искусство и культуру, отбрасывая тень, которая будет влиять на художников для будущих поколений. Давайте узнаем больше о человеке, который однажды написал: «Настоящее произведение искусства — всего лишь тень божественного совершенства».

Узнайте 6 фактов о всемирно известном скульпторе Микеланджело, которые вы могли не знать.

Он впервые привлек к себе внимание за мошенничество с произведениями искусства.

Когда-то ходили слухи, что знаменитая скульптура «Лаокоон и его сыновья» также была подделкой Микеланджело (Фото: LivioAndronico через Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0))

Будучи молодым скульптором, Микеланджело привлек внимание некоторых важных покровителей, выдав одну из своих работ за антиквариат из Древней Греции. Когда ему было всего 19 лет, он вылепил уже потерянный Спящий Амур , а затем работал с членом влиятельной семьи Медичи, чтобы сделать его похожим на антиквариат. Молодой художник даже закопал мраморную скульптуру и выкопал ее так, что она казалась старой и потрепанной. Хотя это позволило ему продать скульптуру по более высокой цене, она также привлекла внимание важного коллекционера.В эпоху итальянского Возрождения копирование классических произведений искусства не считалось плохим делом, а скорее проявлением таланта. Поэтому, когда кардинал Раффаэле Риарио, купивший работу, обнаружил подделку, он не расстроился. Скорее он пригласил Микеланджело приехать в Рим и поработать у него. Это было приглашение, с которого началась карьера Микеланджело.

Он был поэтом.

Это # Всемирный день поэзии! На этих страницах одного из альбомов Микеланджело представлены пять набросков стихотворений 1501–1505 годов.Осталось чуть меньше двух недель, чтобы увидеть нашу БЕСПЛАТНУЮ экспозицию Микеланджело в галерее 8, которая открыта до 2 апреля. Рекомендуется бронирование: https://t.co/6m0GMKjEfq pic.twitter.com/s24oX17A6Z

— Музей Ашмола (@AshmoleanMuseum) 21 марта 2018 г.

В истинном стиле «человек эпохи Возрождения» Микеланджело был не просто скульптором, художником и архитектором. Он также был известным поэтом, написавшим сотни сонетов и мадригалов. Написанные в виде письма, его стихи часто были адресованы друзьям и содержали размышления о любви — как к мужчинам, так и к женщинам.Фактически, из-за гомоэротической природы некоторых стихов, гендеры были заменены, когда его работа была опубликована посмертно в 17 веке. Более поздние переводы на английский язык включали оригинальные местоимения, а стихи Микеланджело были особенно популярны в викторианскую эпоху. Пингвин Стихи и письма включает в себя подборку стихов художника о любви и религии.

Его самая известная скульптура была сделана из куска выброшенного мрамора.

«Давид» Микеланджело, 1501–1504 гг. (Фото: Йорг Биттнер Унна [CC BY 3.0], через Wikimedia Commons)

Скульптура Микеланджело Давид — шедевр высотой 17 футов, ставший символом итальянского Возрождения. Изобразительное искусство. Созданная для украшения верхней части главной церкви Флоренции, огромные размеры скульптуры гарантировали, что она будет бросаться в глаза издалека, но работа с мрамором была нелегкой задачей, поскольку материал был дорогим и легко раскололся, если бы не в руках человека. правильный художник.Мрамор, использованный для создания David , сам по себе имеет интересную историю.

Блок получил прозвище «Гигант» из-за его огромных размеров и изначально был доставлен другому художнику для создания произведения искусства для церкви. По неизвестным причинам этот художник едва начал — и так и не закончил — скульптура и мрамор томились во дворе церкви. Он оставался неиспользованным почти 40 лет, когда церковные чиновники решили, что оставлять его снаружи — пустая трата. В то время как многие художники, в том числе Леонардо да Винчи, были приглашены для оценки мраморного блока, именно молодому Микеланджело было доверено создание «Гиганта.«В то время ему было всего 26 лет.

Не любил подписывать свои работы.

«Пьета» Микеланджело, 1498-1499 (Фото: Станислав Трайков, Ниабот (вырезано) [CC BY-SA 3.0], через Wikimedia Commons)

Интересно, что Микеланджело подписал своим именем только одно произведение, и это было его первое общественная комиссия. После приезда в Рим его попросили создать The Pietà . Эта сцена, на которой изображена Дева Мария, оплакивающая потерю Иисуса Христа, возложенного ей на колени, была завершена в 1499 году и сейчас находится в церкви Св.Базилика Петра. Чтобы показать свою гордость за работу, Микеланджело прикрепил пояс через грудь Девы Марии, который, похоже, не имел другой цели, кроме как включить его имя. На поясе написано: « MICHAELA [N] GELUS BONAROTUS FLORENTIN [US] FACIEBA [T] (это сделал Микеланджело Буонарроти, флорентинец)». Биограф Микеланджело, Джорджио Вазари, сказал, что художник добавил подпись после того, как работа была закончена, когда он пришел в ярость, услышав, как кто-то приписывает работу другому художнику.Позже он якобы пожалел об этом, поклявшись никогда не подписывать другие работы.

Конечно, это не означало, что он не мог найти других способов включить часть себя в свои работы. Некоторые из его картин включают автопортреты, в том числе Страшный суд , где его лицо использовалось для изображения Святого Варфоломея на куске содранной кожи.

Фрагмент картины «Страшный суд», на которой святой Варфоломей демонстрирует содранную кожу с лицом Микеланджело (Фото: общественное достояние через Википедию)

С ним не всегда было легко ладить.

Невероятное творческое видение и перфекционист Микеланджело мысленно сделали его знаменитым художником даже при его жизни, но эти же качества сводили людей с ума. В отличие от более приветливых художников, таких как Рафаэль, который рисовал знаменитую Афинскую школу , в то время как Микеланджело работал над Сикстинской капеллой, Микеланджело был не самым легким человеком, с которым можно было ладить. Возможно, поэтому у него не было большой студии ассистентов, что было нормой в то время, и он предпочитал делать тяжелую работу самому.

Именно поэтому он не боялся выступать перед важными фигурами, когда чувствовал, что это угрожает его творчеству. Сюда входил Папа Юлий II, который заставил скульптора расписать потолок Сикстинской капеллы вместо того, чтобы сосредоточиться на скульптурах в гробнице Папы — что Микеланджело очень предпочитал. После отъезда из Рима во Флоренцию, чтобы отдохнуть от тяжелой работы, Микеланджело написал: «Теперь, если Его Святейшество хочет продолжить, он должен внести залог для меня здесь, во Флоренции, и я напишу ему, чтобы сказать, где .И у меня есть заказ в Карраре, который я привезу сюда вместе с тем, что у меня есть в Риме. Даже если бы это означало для меня серьезную утрату, я не возражал бы, если бы мог выполнять здесь работу ».

Также было неразумно пересекать Микеланджело. Когда церковный чиновник раскритиковал его работу во время предварительного просмотра известной фрески художника Страшный суд , он обнаружил неприятный сюрприз в финальном произведении искусства. В акте мести Микеланджело использовал лицо чиновника на фигуре Миноса.

Фрагмент картины «Страшный суд» с Бьяджо да Чезена в роли Миноса Микеланджело, 1536–1541 гг. (Фото: общественное достояние через Википедию)

Это существо, обитающее в аду, судило души и изображено с двумя ослиными ушами и змеей, кусающей его гениталии. Хотя чиновник пожаловался папе, ему спокойно сказали, что юрисдикция папы не распространяется на ад.

Он был трудоголиком, но это окупилось.

«Ронданини Пьета» Микеланджело, 1594 год.(Фото: Паоло да Реджо [CC BY-SA 3.0], через Wikimedia Commons)

«Многие верят — и я верю — что я был назначен для этой работы Богом. Несмотря на свой преклонный возраст, я не хочу отказываться от этого; Я работаю из любви к Богу и возлагаю на Него всю свою надежду ».

Микеланджело прожил долгую жизнь и скончался в возрасте 88 лет. Когда он стал старше, он никогда не сбавлял оборотов и последние десятилетия своей жизни был архитектором базилики Святого Петра, отправляя записки рабочим, когда он был слишком слаб, чтобы идти. на месте.Хотя эта позиция занимала большую часть его времени, он продолжал лепить. Фактически, он работал над Rondanini Pietà , который сейчас находится в Милане, за шесть дней до своей смерти.

Микеланджело, столь известный художник с долгой карьерой, умер богатым человеком. Он работал на девять разных католических пап, что было огромным подвигом, учитывая, что большинство лидеров хотели сменить художников, когда они пришли к власти. После своей смерти он оставил поместье стоимостью 50 000 флоринов, что сегодня составляет от 35 до 50 миллионов долларов.Интересно, что, каким бы богатым он ни был, Микеланджело поступал иначе. Говорят, что он ненавидел купание и гордился тем, что продолжает вести скромную жизнь, несмотря на свое состояние.

Статьи по теме:

Значение шедевра Боттичелли «Примавера» эпохи Возрождения

8 художников эпохи Возрождения, чьи работы изменили мир искусства

Список дел Леонардо да Винчи доказывает, что он настоящий человек эпохи Возрождения

Вот где прямо сейчас находятся 15+ самых известных шедевров истории искусства

Высокое Возрождение | Безграничная история искусства

Высокое Возрождение

«Высокое Возрождение» относится к короткому периоду выдающегося художественного творчества в итальянских государствах.

Цели обучения

Описание различных периодов и характерных стилей итальянского искусства 16 века

Основные выводы

Ключевые моменты

• Многие историки искусства считают, что в Высоком Возрождении преобладали три человека: Микеланджело, Рафаэль и Леонардо да Винчи.
• Маньеризм, возникший в последние годы итальянского Высокого Возрождения, отличается своей интеллектуальной утонченностью и искусственными (в отличие от натуралистических) качествами, такими как удлиненные пропорции, стилизованные позы и отсутствие четкой перспективы.
• Некоторые историки считают маньеризм перерождением классицизма Высокого Возрождения или даже промежутком между Высоким Возрождением и Барокко — в этом случае даты обычно относятся к ок. С 1520 по 1600 год, он считается законченным позитивным стилем.

Ключевые термины

• Высокое Возрождение : Период в истории искусства, обозначающий апогей изобразительного искусства итальянского Возрождения. Традиционно считается, что период Высокого Возрождения начался в 1490-х годах с фрески Леонардо «Тайная вечеря в Милане и смертью Лоренцо Медичи во Флоренции», а завершился он в 1527 году разграблением Рима войсками Чарльз В.
• Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.

Искусство высокого Возрождения

Искусство эпохи Возрождения было доминирующим стилем в Италии в 16 веке. В этот период также развился маньеризм. Период Высокого Возрождения традиционно начинается с 1490-х годов с фрески Леонардо The Тайная вечеря в Милане и заканчивается в 1527 году разграблением Рима войсками Карла V.Впервые этот термин был использован в немецком языке («Hochrenissance») в начале 19 века. За последние 20 лет использование этого термина часто подвергалось критике со стороны академических искусствоведов за чрезмерное упрощение художественного развития, игнорирование исторического контекста и сосредоточение внимания только на нескольких знаковых произведениях.

Искусство Высокого Возрождения считается «Высоким», потому что считается периодом, когда художественные цели и задачи Возрождения достигли своего наибольшего воплощения. Искусство Высокого Возрождения характеризуется отсылками к классическому искусству и тонким применением достижений Раннего Возрождения (например, точечной точки зрения).В целом произведения Высокого Возрождения демонстрируют сдержанную красоту, где все части подчинены единой композиции целого.

Многие считают, что в искусстве Высокого Возрождения XVI века в значительной степени доминируют три человека: Микеланджело, Рафаэль и Леонардо да Винчи. Микеланджело преуспел как художник, архитектор и скульптор и продемонстрировал мастерство изображения человеческой фигуры. Его фрески входят в число величайших произведений искусства эпохи Возрождения. Рафаэль умел создавать перспективу и деликатно использовать цвета.Леонардо да Винчи написал два самых известных произведения искусства эпохи Возрождения: Тайная вечеря и Мона Лиза . Леонардо да Винчи был на поколение старше Микеланджело и Рафаэля, но его работы стилистически соответствуют Высокому Возрождению.

Тайная вечеря, 1495–1498, Леонардо да Винчи

Маньеризм

Маньеризм — это художественный стиль, возникший в последние годы XVI века и просуществовавший как популярный эстетический стиль в Италии примерно до 1580 года, когда его начало вытеснять барокко (хотя северный маньеризм продолжался до начала XVII века на большей части территории Европы. ).Более поздние работы Микеланджело, такие как Страшный суд на алтарной стене Сикстинской капеллы и Лаврентьевская библиотека, некоторые историки искусства считают стилем маньеризма.

Страшный суд, 1536-1541, Микеланджело

Некоторые историки считают маньеризм перерождением классицизма Высокого Возрождения или даже промежутком между Высоким Возрождением и Барокко — в этом случае даты обычно относятся к ок. С 1520 по 1600 год, он считается законченным позитивным стилем.Определение маньеризма и его фаз продолжает оставаться предметом споров среди искусствоведов. Например, некоторые ученые применили этот ярлык к некоторым ранним формам литературы (особенно поэзии) и музыке XVI и XVII веков. Этот термин также используется для обозначения некоторых художников поздней готики, работавших в Северной Европе примерно с 1500 по 1530 год, особенно антверпенских маньеристов, группы, не связанной с итальянским движением. Искусство маньеризма характеризуется удлиненными формами, искаженными позами и иррациональным окружением.

Живопись в стиле Высокого Возрождения

Термин «Высокое Возрождение» обозначает период художественного творчества, который историки искусства рассматривают как вершину или кульминацию периода Возрождения.

Цели обучения

Опишите ключевые факторы, способствовавшие развитию живописи Высокого Возрождения, и стилистические особенности периода.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Центром Высокого Возрождения был Рим, и он длился примерно с 1490 по 1527 год, конец периода, отмеченного разграблением Рима.
• Сдержанная красота картины Высокого Возрождения создается, когда все части и детали произведения поддерживают единое целое.
• Ярким примером живописи Высокого Возрождения является Афинская школа Рафаэля.

Ключевые термины

• Высокое Возрождение : период художественного творчества, который историки искусства считают вершиной или кульминацией периода Возрождения. Период датируется 1490–1527 гг.

Высокое Возрождение

Термин «Высокое Возрождение» обозначает период художественного творчества, который историки искусства рассматривают как вершину или кульминацию периода Возрождения. Такие художники, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, считаются художниками Высокого Возрождения. Хотя этот термин стал спорным, и некоторые ученые утверждают, что он чрезмерно упрощает художественное развитие и исторический контекст, трудно игнорировать работы этих художников Высокого Возрождения, поскольку они остаются такими знаковыми даже в 21 веке.

Стиль Высокого Возрождения

Период Высокого Возрождения был сосредоточен в Риме и длился примерно с 1490 по 1527 год, а конец периода отмечен разграблением Рима. Стилистически художники этого периода находились под влиянием классического искусства, и их работы были гармоничны. Сдержанная красота картины Высокого Возрождения создается, когда все части и детали произведения поддерживают единое целое. В то время как ранее художники эпохи Возрождения подчеркивали перспективу работы или технические аспекты картины, художники Высокого Возрождения были готовы пожертвовать техническими принципами, чтобы создать более красивое и гармоничное целое.Факторы, которые способствовали развитию живописи Высокого Возрождения, были двоякими. Традиционно итальянские художники рисовали темперой. В эпоху Высокого Возрождения художники начали использовать масляные краски, которыми легче манипулировать и которые позволяют художнику создавать более мягкие формы. Кроме того, увеличилось количество и разнообразие меценатов, что способствовало большему развитию искусства.

Если Рим был центром Высокого Возрождения, то его величайшим покровителем был Папа Юлий II.Как покровитель искусств Папа Юлий II поддерживал многих известных художников, в том числе Микеланджело и Рафаэля. Ярким примером живописи Высокого Возрождения является Афинская школа Рафаэля.

Афинская школа, Рафаэль, 1509–1511 : Афинская школа , написанная Рафаэлем между 1509 и 1511 годами, представляет собой стиль живописи Высокого Возрождения, центром которой был Рим в этот период.

Рафаэль был заказан Папой Юлием II для ремонта жилого помещения Папы в Риме.В рамках этого проекта Рафаэля попросили нарисовать в библиотеке Папы или в Stanza della Segnatura. Афинская школа — одна из фресок в этом зале. Фреска представляет собой предмет философии и неизменно считается воплощением живописи Высокого Возрождения. Работа демонстрирует многие ключевые моменты стиля Высокого Возрождения; ссылки на классическую древность имеют первостепенное значение, поскольку Платон и Аристотель являются центральными фигурами этого произведения. Есть явная точка схода, демонстрирующая владение Рафаэлем техническими аспектами, которые были так важны в живописи эпохи Возрождения.Но, прежде всего, многочисленные фигуры в работе демонстрируют сдержанную красоту и служат поддержкой слаженной, сплоченной работы. Фигуры разнообразны и динамичны, но ничто не отвлекает от картины в целом.

Скульптура в стиле высокого Возрождения

Скульптура в стиле Высокого Возрождения демонстрирует влияние классической античности и идеального натурализма.

Цели обучения

Опишите характеристики скульптуры Высокого Возрождения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Скульпторы эпохи Высокого Возрождения сознательно цитировали классические прецеденты и стремились к идеальному натурализму в своих работах.
• Микеланджело (1475–1564) — яркий пример скульптора эпохи Возрождения; его работы лучше всего демонстрируют цели и идеалы скульптора Высокого Возрождения.

В эпоху Возрождения художник был не просто художником, архитектором или скульптором. Обычно их было все трое. В результате мы видим, что одни и те же выдающиеся имена производят скульптуру и великие картины эпохи Возрождения. Кроме того, темы и цели скульптуры Высокого Возрождения очень похожи на живопись Высокого Возрождения.Скульпторы эпохи Высокого Возрождения сознательно цитировали классические прецеденты и стремились к идеальному натурализму в своих работах. Микеланджело (1475–1564) — яркий пример скульптора эпохи Возрождения; его работы лучше всего демонстрируют цели и идеалы скульптора Высокого Возрождения.

Вакх

The Bacchus — первая зарегистрированная комиссия Микеланджело в Риме. Изделие выполнено из мрамора, оно в натуральную величину и имеет круглую резьбу. Скульптура изображает бога вина, который держит чашу и выглядит пьяным.Ссылки на классическую древность ясны в предмете, а тело бога основано на Аполлоне Бельведерском, которого Микеланджело видел бы в Риме. Античность оказала влияние не только на сюжет, но и на художественное оформление.

Вакх Микеланджело, 1496–97 : Вакх — первая зарегистрированная комиссия Микеланджело в Риме. Статуя ясно демонстрирует классическое влияние, которое стало настолько важным для скульпторов в период Высокого Возрождения.

Пьета

Хотя модель Pieta не основана на классической древности по своей тематике, формы демонстрируют сдержанную красоту и идеальный натурализм, на который повлияла классическая скульптура. Работа, заказанная французским кардиналом для его гробницы в Старом соборе Святого Петра, принесла Микеланджело репутацию. Сюжет о Богородице, убаюкивающей Христа после распятия, был необычным для итальянского Возрождения, что указывает на то, что он был выбран покровителем.

Пьета Микеланджело, 1498–149 : Эта работа Микеланджело демонстрирует классическую красоту и идеализм, характерные для скульптур Высокого Возрождения.

Давид

Когда модель David была завершена, она должна была стать опорой позади флорентийского собора. Но флорентийцы в то время признали его настолько особенным и красивым, что на самом деле собрались, чтобы обсудить, где разместить скульптуру. В состав группы, которая встретилась, входили художники Леонардо да Винчи и Боттичелли.Что в этой работе сделало ее так впечатляюще выделяться среди сверстников Микеланджело? Работа демонстрирует классическое влияние. Работа обнажена, имитируя греческие и римские скульптуры, а Давид стоит в позе контрапоста. Он показывает сдержанную красоту и идеальный натурализм. Кроме того, работа демонстрирует интерес к психологии, которая была новой для Высокого Возрождения, поскольку Микеланджело изображает Давида сосредоточенным в моменты перед тем, как он победит гиганта. Этот предмет также был особенным для Флоренции, поскольку Давид традиционно был гражданским символом.В конечном итоге работа была помещена в Палаццо Веккьо и остается ярким образцом скульптуры Высокого Возрождения.

Давид — Микеланджело, около 1504 : Эта работа Микеланджело остается ярким примером скульптуры Высокого Возрождения.

Архитектура эпохи Возрождения

Архитектура Высокого Возрождения представляет собой кульминацию архитектурных разработок эпохи Возрождения.

Цели обучения

Опишите выдающихся архитекторов Высокого Возрождения и их достижения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Возрождение делится на раннее Возрождение (ок.1400–1490) и Высокого Возрождения (ок. 1490–1527).
• В период раннего Возрождения были разработаны теории искусства, сделаны новые достижения в живописи и архитектуре, а также определен стиль. Высокое Возрождение означает период, который считается кульминацией периода Возрождения.
• Архитектура эпохи Возрождения отличается симметрией и пропорциями и находится под непосредственным влиянием изучения античности.
• Наиболее представительными архитекторами Высокого Возрождения являются Донато Браманте (1444–1514) и Андреа Палладио (1508–1580).

Эпоха Возрождения делится на Раннее Возрождение (ок. 1400–1490) и Высокое Возрождение (ок. 1490–1527). В период раннего Возрождения были разработаны теории искусства, были сделаны новые достижения в живописи и архитектуре, и был определен стиль. Высокое Возрождение означает период, который считается кульминацией периода Возрождения, когда художники и архитекторы гармонично и красиво реализовали эти идеи и художественные принципы.

Архитектура эпохи Возрождения отличается симметрией и пропорциями и находится под непосредственным влиянием изучения античности.В то время как архитектура эпохи Возрождения была определена в Раннем Возрождении такими фигурами, как Филиппо Брунеллески (1377–1446) и Леон Баттиста Альберти (1404–1472), архитекторами, наиболее представительными для Высокого Возрождения, являются Донато Браманте (1444–1514) и Андреа Палладио ( 1508–1580).

Донато Браманте

Ключевой фигурой римской архитектуры в период Высокого Возрождения был Донато Браманте (1444–1514). Браманте родился в Урбино и сначала получил известность как архитектор в Милане, а затем отправился в Рим.В Риме Фердинанд и Изабелла поручили Браманте спроектировать Темпьетто, храм, который отмечает то, что, как считалось, было точным местом, где был замучен Святой Петр. Храм имеет круглую форму, похожую на раннехристианские мученики, а большая часть его дизайна вдохновлена ​​остатками древнего храма Весты.

Темпьетто считается многими учеными главным образцом архитектуры Высокого Возрождения. Благодаря идеальным пропорциям, гармонии частей и прямым отсылкам к древней архитектуре, Tempietto олицетворяет эпоху Возрождения.Эта структура была описана как «визитная карточка» Браманте Папы Юлия II, важного покровителя искусств эпохи Возрождения, который затем использовал Браманте в историческом дизайне новой базилики Святого Петра.

The Tempietto, c.1502, Рим, Италия : Темпьетто, спроектированный Донато Браманте, считается главным образцом архитектуры Высокого Возрождения.

Андреа Палладио

Андреа Палладио (1508–1580) был главным архитектором Венецианской республики в 16 веке.Палладио, глубоко вдохновленный римской и греческой архитектурой, считается одним из самых влиятельных людей в истории западной архитектуры. Все его здания расположены на территории Венецианской республики, но его учения, кратко изложенные в архитектурном трактате Четыре книги архитектуры , снискали ему широкое признание за пределами Италии. Архитектура Палладио, названная в его честь, придерживалась классических римских принципов, которые Палладио заново открыл, применил и объяснил в своих работах.Палладио спроектировал множество дворцов, вилл и церквей, но его репутация основана на его мастерстве дизайнера вилл. Палладианские виллы расположены в основном в провинции Виченца.

Виллы

Палладио основал влиятельный новый формат строительства сельскохозяйственных вилл венецианской аристократии. Его проекты были основаны на практичности и использовали меньше рельефов. Он объединил различные отдельно стоящие хозяйственные постройки в единую впечатляющую структуру и организовал как высокоорганизованное целое, с преобладанием сильного центра и симметричных боковых крыльев, как показано на вилле Барбаро.Конфигурация палладианской виллы часто состоит из централизованного блока, возвышающегося на подиуме, к которому ведут большие ступени и окруженного нижними служебными крыльями. Этот формат, в котором жилища владельца находятся на возвышении в центре его собственного мира, нашел отклик в качестве прототипа итальянских вилл, а затем и загородных усадеб британской знати. Палладио разработал свой собственный более гибкий прототип для плана вилл с умеренным масштабом и функциональностью.

Вилла Барбаро : Фасад виллы Барбаро в Мазере, провинция Тревизо, Италия, построенная Андреа Палладио между 1554 и 1560 годами для братьев Даниэле и Маркантонио Барбаро.

Леонардо да Винчи

Хотя Леонардо да Винчи восхищается как ученый, академик и изобретатель, он наиболее известен своими достижениями как художник нескольких шедевров эпохи Возрождения.

Цели обучения

Опишите работы Леонардо да Винчи, демонстрирующие его самые новаторские техники как художника

Основные выводы

Ключевые моменты

• Среди качеств, делающих работы да Винчи уникальными, — новаторские техники, которые он использовал при нанесении краски, его детальное знание анатомии, его новаторское использование человеческой формы в фигуративной композиции и его использование сфумато.
• Среди самых известных работ, созданных да Винчи, — небольшой портрет под названием Мона Лиза , известный неуловимой улыбкой на лице женщины, вызванной тем, что да Винчи тонко затемнил уголки рта и глаза, так что точный характер улыбки не может быть определен.
• Несмотря на свои знаменитые картины, да Винчи не был плодовитым живописцем; он был плодовитым рисовальщиком, вел дневники с небольшими набросками и подробными рисунками, фиксировавшими все, что его интересовало.

Ключевые термины

• сфумато : В живописи — нанесение тонких слоев полупрозрачной краски, чтобы не было видимых переходов между цветами, тонами и часто объектами.

Хотя Леонардо да Винчи вызывает восхищение как ученый, академик и изобретатель, он наиболее известен своими достижениями как художник нескольких шедевров эпохи Возрождения. Его картины были новаторскими по разным причинам, а его работы подражали студентам и подробно обсуждались знатоками и критиками.

Среди качеств, делающих работы да Винчи уникальными, — новаторские техники, которые он использовал при нанесении краски, его детальное знание анатомии, его использование человеческой формы в фигуративной композиции и его использование сфумато. Все эти качества присутствуют в его самых знаменитых произведениях: Мона Лиза , Тайная вечеря и Дева в скалах .

Мадонна в скалах, Леонардо да Винчи, 1483–1486 : На этой картине изображены Мадонна с младенцем Иисусом с младенцем Иоанном Крестителем и ангелом в скалистом окружении.

Тайная вечеря

Самая известная картина да Винчи 1490-х годов — это Тайная вечеря , написанная для трапезной монастыря Санта-Мария-делла-Грацие в Милане. На картине изображена последняя трапеза Иисуса и 12 Апостолов, где он объявляет, что один из них предаст его. По завершении картина была признана шедевром дизайна. Эта работа демонстрирует то, что да Винчи сделал очень хорошо: взял очень традиционный сюжет, такой как Тайная вечеря, и полностью заново изобрел его.

До этого момента в истории искусства все изображения Тайной вечери следовали одной и той же визуальной традиции: Иисус и апостолы сидят за столом. Иуда находится на противоположной стороне стола от всех остальных, и зритель легко узнает его. Когда да Винчи писал «Тайную вечерю», он поместил Иуду с той же стороны стола, что и Христос и апостолы, которые, как показано, реагируют на Иисуса, когда он объявляет, что один из них предаст его. Они изображены встревоженными, расстроенными и пытающимися определить, кто совершит действие.Зрителю также предстоит определить, какая фигура — Иуда, который предаст Христа. Изображая сцену таким образом, да Винчи привнес в свою работу психологию.

К сожалению, этот шедевр эпохи Возрождения начал портиться сразу после того, как да Винчи закончил рисовать, во многом из-за выбранной им техники рисования. Вместо того, чтобы использовать технику фрески, да Винчи использовал темпера на грунте, который был в основном левкасом, пытаясь передать тонкие эффекты масляной краски на фреске.Его новая техника не увенчалась успехом и привела к образованию плесени и отслаиванию поверхности.

Тайная вечеря : Тайная вечеря Леонардо да Винчи, хотя и сильно испорченная, демонстрирует мастерство художника в фигуративной композиции человека с человеческой формой.

Мона Лиза

Среди работ, созданных да Винчи в 16 веке, есть небольшой портрет, известный как Мона Лиза , или Ла Джоконда , «смеющаяся». В настоящее время это, пожалуй, самая известная картина в мире.Его слава основана, в частности, на неуловимой улыбке на лице женщины — ее таинственности, вызванной, возможно, тем фактом, что художник тонко затемнил уголки рта и глаз, так что точный характер улыбки не может быть определен.

Темное качество, которым славится эта работа, было названо сфумато, нанесением тонких слоев полупрозрачной краски, чтобы не было видимого перехода между цветами, тонами и часто объектами. Другие характеристики, обнаруженные в этой работе, — это платье без украшений, в котором глаза и руки не конкурируют с другими деталями; драматический пейзажный фон, на котором мир кажется пребывающим в постоянном движении; приглушенная окраска; и чрезвычайно гладкий характер живописной техники с использованием масел, но нанесенных во многом как темпера и смешанных на поверхности, так что мазки кисти неразличимы.И снова да Винчи вводит здесь новаторский вид живописи. В эпоху Возрождения портреты были очень распространены. Однако женские портреты всегда были в профиль, что считалось правильным и скромным. Здесь да Винчи представляет портрет женщины, которая не только смотрит на зрителя, но и следит за ним глазами.

Мона Лиза : В «Моне Лизе» да Винчи использует свою технику сфумато для создания тени.

Богородица с младенцем и Святой Анной

На картине Богородица с младенцем и св.Anne , композиция да Винчи снова поднимает тему фигур в пейзаже. Что делает эту картину необычной, так это то, что на ней наложены две наклонно поставленные фигуры. Мария сидит на коленях своей матери, Святой Анны. Она наклоняется вперед, чтобы удержать Младенца Христа, который грубо играет с ягненком, что является знаком его собственной неминуемой жертвы. Эта картина оказала влияние на многих современников, в том числе на Микеланджело, Рафаэля и Андреа дель Сарто. Тенденции в его композиции были приняты, в частности, венецианскими художниками Тинторетто и Веронезе.

Богоматерь с младенцем и святой Анной : Богородица с младенцем и святой Анной (ок. 1510 г.) работы Леонардо да Винчи, Лувр.

Рафаэль

Рафаэль был итальянским художником и архитектором эпохи Возрождения, чьи работы восхищаются ясностью формы и легкостью композиции.

Цели обучения

Обсудить влияние Рафаэля и его художественные достижения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Рафаэль вместе с Микеланджело и Леонардо да Винчи образует традиционную троицу великих мастеров Высокого Возрождения.Он был чрезвычайно продуктивным, руководил необычно большой мастерской, и, несмотря на его смерть в 30 лет, у него был большой объем работы.
• Некоторые из наиболее ярких художественных влияний Рафаэля связаны с картинами Леонардо да Винчи; из-за этого вдохновения Рафаэль придавал фигурам более динамичные и сложные позиции в своих ранних композициях.
• Шедевры Рафаэля «Станце» — очень большие и сложные композиции, которые считались одними из величайших произведений Высокого Возрождения.Они дают в высшей степени идеализированное изображение представленных форм, и композиции, хотя и очень тщательно продуманные в рисунках, достигают sprezzatura , искусства выполнения задачи настолько изящно, что это выглядит легким.

Ключевые термины

• sprezzatura : Искусство выполнять сложную задачу настолько изящно, что это кажется легким.
• лоджия : Крытая, открытая галерея.
• контраппостоп : положение фигуры, бедра и ноги которой скручены от направления головы и плеч.

Обзор

Рафаэль (1483–1520) был итальянским художником и архитектором эпохи Высокого Возрождения. Его работы восхищаются ясностью формы и легкостью композиции, а также визуальным воплощением неоплатонического идеала человеческого величия. Вместе с Микеланджело и Леонардо да Винчи Рафаэль составляет традиционную троицу великих мастеров того периода. Он был чрезвычайно продуктивен, руководил необычно большой мастерской; Несмотря на его смерть в 30 лет, большая часть его работ остается одним из самых известных произведений искусства Высокого Возрождения.

Влияния

Одно из самых ярких художественных влияний на Рафаэля связано с картинами Леонардо да Винчи. В ответ на работы да Винчи в некоторых ранних композициях Рафаэля он придавал фигурам более динамичные и сложные позиции. Например, Рафаэля Святая Екатерина Александрийская (1507) заимствует из контрапоста позы да Винчи Леда и лебеди .

Святая Екатерина Александрийская : Святая Екатерина Александрийская (1507) заимствована из позы контрапоста из «Леды » да Винчи.

Рафаэль был знаком с работами Микеланджело, но отклонился от своего стиля. В своей работе Deposition of Christ Рафаэль использует классические саркофаги, чтобы распределить фигуры по передней части картинного пространства в сложной и не совсем удачной компоновке.

Осаждение Рафаэля, 1507 : На этой картине изображено несущее тело Христа и упавшая в обморок женщина.

Залы Станце и лоджия

В 1511 году Рафаэль начал работу над знаменитыми картинами Станце, которые оказали потрясающее влияние на римское искусство и обычно считаются его величайшими шедеврами.Станца делла Сегнатура содержит Афинская школа , Поэзия , Диспута, и Закон . Афинская школа, с изображением Платона и Аристотеля, является одним из самых известных его произведений. Эти очень большие и сложные композиции с тех пор считаются одними из величайших произведений Высокого Возрождения и «классического искусства» постантичного Запада. Они дают в высшей степени идеализированное изображение представленных форм, и композиции, хотя и очень тщательно продуманные на рисунках, достигают sprezzatura , термин, изобретенный другом Рафаэля Кастильоне, который определил его как «определенную беззаботность, скрывающую всякую артистичность и делающую все, что угодно. кто-то говорит или кажется неискаженным и легким.”

Вид на Stanze della Segnatura, фрески Рафаэля

На более позднем этапе карьеры Рафаэля он спроектировал и расписал Лоджию в Ватикане, длинную тонкую галерею, которая с одной стороны выходила во двор и украшена гротеше в римском стиле. Он также создал ряд значительных запрестольных образов, в том числе «Экстаз Святой Сесилии» и «Сикстинская Мадонна » . Его последней работой, над которой он работал до самой смерти, была большая работа Transfiguration , которая вместе с Il Spasimo, показывает направление, в котором его искусство развивалось в последние годы, становясь более протобарочным, чем маньеристским.

Мастерская

Рафаэль руководил мастерской, в которой участвовало более 50 учеников и помощников, многие из которых впоследствии стали самостоятельными художниками. Это была, пожалуй, самая большая команда мастерских, собранная любым старым мастером-художником, и намного превосходящая нормы. Среди них были признанные мастера из других частей Италии, вероятно, работающие со своими командами в качестве субподрядчиков, а также ученики и подмастерья.

Архитектура

В архитектуре навыки Рафаэля использовали папство и богатая римская знать.Например, Рафаэль разработал планы виллы Мадама, которая должна была стать роскошным убежищем для папы Климента VII на склоне холма (и так и не была завершена). Схема Рафаэля, даже неполная, представляла собой самый изысканный дизайн вилл, когда-либо виденных в Италии, и оказала большое влияние на дальнейшее развитие жанра. Кроме того, похоже, что это единственное современное здание в Риме, размер которого Палладио нарисовал.

Чертежник

Рафаэль был одним из лучших рисовальщиков в истории западного искусства и широко использовал рисунки при планировании своих композиций.По словам почти современника, когда он начинал планировать композицию, он раскладывал большое количество своих стандартных рисунков на полу и начинал рисовать «быстро», заимствуя фигуры оттуда и оттуда. Для Disputa в Stanze сохранилось более 40 эскизов, и, возможно, изначально было гораздо больше (всего сохранилось более 400 листов).

Как видно из его набросков для Мадонна с младенцем , Рафаэль использовал различные рисунки для уточнения своих поз и композиций, очевидно, в большей степени, чем большинство других художников.Большинство рисунков Рафаэля довольно точны — даже начальные эскизы с обнаженными контурами фигур тщательно прорисованы, а более поздние рисунки часто имеют высокую степень завершенности, с затенением, а иногда и с белыми бликами. В них отсутствует свобода и энергия некоторых набросков да Винчи и Микеланджело, но они почти всегда очень эстетичны.

Рафаэль Набросок : На этом рисунке показаны усилия Рафаэля при разработке композиции для Мадонны с младенцем .

Микеланджело

Микеланджело был флорентийским художником 16 века, известным своими шедеврами скульптуры, живописи и архитектурного дизайна.

Цели обучения

Обсудить достижения Микеланджело в скульптуре, живописи и архитектуре

Основные выводы

Ключевые моменты

• Микеланджело создал свою колоссальную мраморную статую Давида из цельного куска мрамора, что сделало его выдающимся скульптором необычайного технического мастерства и силы символического воображения.
• В живописи Микеланджело известен потолком и Страшным судом Сикстинской капеллы, где он изобразил сложную схему, представляющую Творение, Крушение человека, Спасение человека и Родословную Христа.
• Главный вклад Микеланджело в создание базилики Святого Петра заключался в использовании формы греческого креста и массивной внешней каменной кладки, где каждый угол был заполнен лестничной клеткой или небольшой ризницей. Эффект представляет собой сплошную поверхность стены, которая кажется изломанной или изогнутой под разными углами.

Ключевые термины

• контрапост : стоячее положение фигуры человека, когда большая часть веса приходится на одну ногу, а другая нога расслаблена. Эффект контрапоста в искусстве делает фигуры очень натуралистичными.
• Сикстинская капелла : Самая известная часовня Апостольского дворца.

Микеланджело был флорентийским художником 16 века, известным своими шедеврами скульптуры, живописи и архитектурного дизайна.Его самые известные работы — Давид , Страшный суд и Базилика Святого Петра в Ватикане.

Скульптура:

Давид

В 1504 году Микеланджело было поручено создать колоссальную мраморную статую, изображающую Давида как символ флорентийской свободы. Последующий шедевр, David , закрепил за художником известность как скульптора с исключительными техническими навыками и силой символического воображения. Давид был создан из цельного мраморного блока и стоит больше, чем жизнь, поскольку изначально предназначался для украшения Флорентийского собора. Работа отличается от предыдущих представлений тем, что библейский герой не изображен с головой убитого Голиафа, как на статуях Донателло и Верроккьо; оба представляли героя, победившего над головой Голиафа. Ни один из ранее флорентийских художников не обходился без гиганта. Вместо того, чтобы казаться победителем над врагом, лицо Дэвида выглядит напряженным и готовым к бою.Сухожилия на его шее туго выступают, лоб нахмурен, а глаза, кажется, пристально смотрят на что-то вдалеке. Вены выступают из его опущенной правой руки, но его тело находится в расслабленной позе контрапоста , и он несёт перевязь, небрежно перекинутую через левое плечо. В эпоху Возрождения отличительной чертой античной скульптуры считалось контрапостов, поз.

Давид Микеланджело, 1504 : Давид Микеланджело стоит в позе контрапоста.

Скульптура предназначалась для установки снаружи Дуомо и стала одним из самых узнаваемых произведений скульптуры эпохи Возрождения.

Картина:

Страшный суд

В живописи Микеланджело известен своими работами в Сикстинской капелле. Первоначально ему было поручено покрасить казны tromp-l’oeil после того, как на первоначальном потолке образовалась трещина. Микеланджело лоббировал иную и более сложную схему, представляющую творение, падение человека, обещание спасения через пророков и генеалогию Христа.Работа является частью более крупной схемы украшения внутри часовни, которая представляет большую часть доктрины католической церкви.

В итоге композиция содержала более 300 фигур, а в центре — девять эпизодов из Книги Бытия, разделенных на три группы: сотворение Богом Земли, сотворение Богом человечества и их падение от Божьей благодати и, наконец, состояние человечества в лице Ноя и его семьи. Двенадцать мужчин и женщин, пророчествовавших о пришествии Иисуса, нарисованы на подвесках, поддерживающих потолок.Среди самых известных картин на потолке — Сотворение Адама, Адама и Евы в Эдемском саду, Великий Потоп, Пророк Исайя и Кумская Сивилла. Вокруг окон нарисованы предки Христа.

Фреска «Страшный суд » на алтарной стене Сикстинской капеллы была заказана Папой Климентом VII, и Микеланджело трудился над проектом с 1536–1541 годов. Работа находится на алтарной стене Сикстинской капеллы, что не является традиционным местом для объекта.Обычно сцены Страшного суда помещались на стене у выхода из церквей, чтобы напомнить зрителю о вечных наказаниях, когда они покидали богослужение. Страшный суд — это изображение Второго пришествия Христа и апокалипсиса; где души человечества поднимаются и участвуют в своих различных судьбах, судимые Христом, в окружении Святых. В отличие от более ранних фигур Микеланджело, нарисованных на потолке, фигуры в Страшный суд сильно мускулистые и находятся в гораздо более искусственных позах, демонстрируя, насколько эта работа выполнена в стиле маньеризма.

В этой работе Микеланджело отверг упорядоченное изображение Страшного суда, установленное средневековой традицией, в пользу закрученной сцены хаоса, когда судят каждую душу. Когда картина была представлена, она подверглась резкой критике за включение классических образов, а также за количество обнаженных фигур в несколько наводящих на размышления позах. Плохой прием, который получила работа, может быть связан с Контрреформацией и Тридентским собором, которые привели к предпочтению более консервативного религиозного искусства, лишенного классических отсылок.Хотя некоторые фигуры были сделаны более скромными с добавлением драпировки, изменения были внесены только после смерти Микеланджело, демонстрируя уважение и восхищение, которые были ему оказаны при его жизни.

Страшный суд : фреска Страшный суд на алтарной стене Сикстинской капеллы была заказана Папой Климентом VII. Микеланджело работал над проектом с 1534–1541 годов.

Архитектура: Базилика Святого Петра

Наконец, несмотря на участие других архитекторов, Микеланджело спроектировал собор Св.Базилика Петра. Главный вклад Микеланджело заключался в использовании симметричного плана в форме греческого креста и внешней каменной кладки массивных размеров, при этом каждый угол был заполнен лестничной клеткой или небольшой ризницей. Эффект представляет собой непрерывную поверхность стены, которая изгибается или ломается под разными углами, не имея прямых углов, которые обычно определяют изменение направления в углах здания. Этот фасад окружен гигантскими коринфскими пилястрами, которые расположены под немного разными углами друг к другу, что соответствует постоянно меняющимся углам поверхности стены.Над ними огромный карниз колышется непрерывной полосой, создавая впечатление, что все здание находится в состоянии сжатия.

Базилика Святого Петра : Микеланджело спроектировал купол базилики Святого Петра в 1564 году или ранее, хотя на момент его смерти он оставался незаконченным.

Венецианские художники высокого Возрождения

Джорджоне, Тициан и Веронезе были выдающимися венецианскими художниками Высокого Возрождения.

Цели обучения

Обобщить влияние картин Джорджоне, Тициана и Веронезе на искусство венецианского Высокого Возрождения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Венецианские художники Высокого Возрождения Джорджоне, Тициан и Веронезе использовали новые техники цвета, масштаба и композиции, которые сделали их известными художниками к северу от Рима.
• В частности, эти три художника следовали предпочтению цвета венецианской школой над дизайном.
• Джорджио Барбарелли да Кастлфранко, известный как Джорджоне (ок. 1477–1510), — художник, оказавший значительное влияние на венецианский высокий ренессанс. Джорджоне первым начал писать маслом на холсте.
• Тициано Вечелли, или Тициан (1490–1576), был, возможно, самым важным членом венецианской школы, а также одним из самых разносторонних. Его использование цвета окажет глубокое влияние не только на художников итальянского Возрождения, но и на будущие поколения западного искусства.
• Паоло Веронезе (1528–1588) был одним из основных художников эпохи Возрождения в Венеции, известным своими картинами, такими как Свадьба в Кане и T Пир в доме Леви .

Ключевые термины

• Дизайн : Чертеж или дизайн.
• Венецианская школа : Самобытная, процветающая и влиятельная художественная сцена Венеции, Италия, начиная с конца 15 века.

Джорджоне, Тициан и Веронезе были выдающимися художниками венецианского Высокого Возрождения.Все трое одинаково использовали новые техники цвета и композиции, которые сделали их известными художниками к северу от Рима. В частности, Джорджоне, Тициан и Веронезе следует из предпочтения венецианской школы цвета над дизайном.

Джорджоне

Джорджио Барбарелли да Кастлфранко, известный как Джорджоне (ок. 1477–1510), — художник, оказавший значительное влияние на венецианский высокий ренессанс. К сожалению, историки искусства мало что знают о Джорджоне, отчасти из-за его ранней смерти в возрасте около 30 лет, а отчасти из-за того, что художники в Венеции не были такими индивидуалистическими, как художники во Флоренции.Хотя ему аккредитовано только шесть картин, они демонстрируют его важность в истории искусства, а также его новаторские способности в живописи.

Джорджоне первым начал писать маслом на холсте. Раньше люди, которые использовали масло, рисовали на панно, а не на холсте. Его работы не содержат большого количества рисунков, демонстрирующих, что он не придерживался флорентийского дизайна, а его темы остаются неуловимыми и загадочными. Одна из его работ, демонстрирующая все три элемента, — The Tempest (c.1505–1510). Эта работа написана маслом на холсте, рентгеновские снимки показывают, что рисунков очень мало, а сам предмет остается одним из самых обсуждаемых вопросов в истории искусства.

Буря , c, 1505–1510, Джорджоне. : Эта работа Джорджоне воплощает в себе все инновации, которые он привнес в живопись во время венецианского Высокого Возрождения, и остается одной из самых обсуждаемых картин всех времен из-за своего неуловимого сюжета.

Тициан

Тициано Вечелли, или Тициан (1490–1576), был, возможно, самым важным членом венецианской школы 16 века, а также одним из самых разносторонних; он одинаково хорошо разбирался в портретах, пейзажах, мифологических и религиозных сюжетах.Его методы рисования, особенно в применении и использовании цвета, окажут глубокое влияние не только на художников итальянского Возрождения, но и на будущие поколения западного искусства. В течение его долгой жизни художественная манера Тициана кардинально изменилась, но он на протяжении всей жизни сохранял интерес к цвету. Хотя его зрелые работы могут не содержать ярких, сияющих оттенков его ранних работ, их свободная манера письма и тонкость полихроматических модуляций не имели прецедента

В 1516 году Тициан завершил свой известный шедевр, Успение Богородицы, или Ассунта, для главного алтаря церкви Фрари.Это необыкновенное колористическое произведение, выполненное в столь широком масштабе, которое раньше редко можно было увидеть в Италии, произвело фурор. Изобразительная структура Успения — , объединяющая в одной композиции две или три сцены, наложенные на разных уровнях, землю и небо, временное и бесконечное, — была продолжена в серии его работ, наконец достигнув классической формулы в году. Мадонна Пезаро (более известная как Мадонна Мадонна ди Ка ‘Пезаро ). Возможно, это наиболее изученная работа Тициана; его терпеливо разработанный план изложен с высочайшим проявлением порядка и свободы, оригинальности и стиля.Здесь Тициан дал новую концепцию традиционных групп жертвователей и святых, движущихся в воздушном пространстве, планы и различные степени, установленные в архитектурном каркасе.

Ассунта, Тициан : Тициану потребовалось два года (1516–1518), чтобы завершить свою Ассунту. Динамичная трехуровневая композиция и цветовая схема картины сделали его выдающимся художником к северу от Рима.

Веронезе

Паоло Веронезе (1528–1588) был одним из первых художников эпохи Возрождения в Венеции, хорошо известен своими картинами, такими как Свадьба в Кане, и Пир в доме Леви. Веронезе известен как величайший колорист и за свои иллюзионистские украшения фресками и маслом. Его самые известные работы — тщательно продуманные повествовательные циклы, выполненные в драматическом и красочном стиле, полные величественных архитектурных декораций и блестящего зрелища.

Его большие картины с изображением библейских праздников, выполненные для трапезных монастырей Венеции и Вероны, особенно примечательны. Например, в картине «Свадьба в Кане», , написанной в 1562–1563 годах в сотрудничестве с Палладио, Веронезе расположил архитектуру так, чтобы она шла в основном параллельно картинной плоскости, подчеркивая процессионный характер композиции.Художественный гений художника заключался в том, что он осознавал, что драматические эффекты перспективы были бы утомительны в гостиной или часовне, и что повествование картины лучше всего было бы воспринято как красочное развлечение.

Свадьба в Кане мало что дает в изображении эмоций: скорее, она иллюстрирует тщательно скомпонованное движение ее предметов вдоль преимущественно горизонтальной оси. Прежде всего, речь идет о накале света и цвета. Даже когда использование цвета Веронезе достигло большей интенсивности и яркости, стало очевидным его внимание к повествованию, человеческим чувствам и более тонкому и значимому физическому взаимодействию между его фигурами.

Свадьба в Кане, Паоло Веронезе (1562–1563) : Декоративный гений художника в «Свадьбе в Кане» заключался в том, чтобы признать, что драматические эффекты перспективы были бы утомительны в гостиной или часовне и что повествование картины лучше всего можно было бы принять как красочную забаву.

Искусство эпохи Возрождения | Безграничная всемирная история

Итальянское Возрождение

Цели обучения

Искусство итальянского Возрождения на протяжении веков оказывало влияние на всю Европу.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Флорентийская школа живописи стала доминирующим стилем эпохи Возрождения. Произведения эпохи Возрождения изображали более светские темы, чем предыдущие художественные направления.
• Микеланджело, да Винчи и Рафаэль — одни из самых известных художников Высокого Возрождения.
• За Высоким Возрождением последовало движение маньеристов, известное своими удлиненными фигурами.

Ключевые термины

• фреска : Тип настенной росписи, в которой цветные пигменты смешиваются с водой и наносятся на влажную штукатурку.По мере высыхания штукатурки и пигментов они сливаются, и картина становится частью самой стены.
• Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.

Ренессанс начался в 14 веке и оставался доминирующим стилем в Италии и в большей части Европы до 16 века. Термин «ренессанс» был разработан в 19 веке для описания этого периода времени и сопровождающего его художественного стиля.Однако люди, жившие в эпоху Возрождения, действительно считали себя отличными от своих средневековых предшественников. Из множества сохранившихся текстов мы знаем, что люди, жившие в эпоху Возрождения, считали себя разными в основном потому, что они сознательно пытались подражать древним в искусстве и архитектуре.

Флоренция и эпоха Возрождения

Когда вы слышите термин «Возрождение» и представляете себе стиль искусства, вы, вероятно, представляете стиль Возрождения, который был разработан во Флоренции, который стал доминирующим стилем искусства во время Возрождения.В средние века и в эпоху Возрождения Италия была разделена на несколько городов-государств. Каждый город-государство имел собственное правительство, культуру, экономику и художественный стиль. В эпоху Возрождения в Италии было развито множество различных стилей искусства и архитектуры. Сиена, которая была политическим союзником Франции, например, сохраняла готический элемент в своем искусстве на протяжении большей части эпохи Возрождения.

Определенные условия способствовали развитию стиля Ренессанс во Флоренции в этот период.В 15 веке Флоренция стала крупным торговым центром. Производство ткани стимулировало их экономику, и появился купеческий класс. Гуманизм, развившийся в XIV веке, оставался важным интеллектуальным движением, которое также повлияло на производство искусства.

Раннее Возрождение

В период раннего Возрождения художники начали отказываться от византийского стиля религиозной живописи и стремились создать реализм в изображении человеческой формы и пространства. Эта цель к реализму началась с Чимабуэ и Джотто и достигла своего пика в искусстве «совершенных» художников, таких как Андреа Мантенья и Паоло Уччелло, которые создавали работы, в которых использовалась одноточечная перспектива и играли с перспективой для своих образованных, знающих искусство. зритель.

В эпоху Раннего Возрождения мы также видим важные изменения в предметной области, помимо стиля. Хотя религия была важным элементом повседневной жизни людей, живших в эпоху Возрождения, и оставалась движущим фактором художественного производства, мы также видим новый путь, открытый для дыхания — мифологический сюжет. Многие ученые указывают на картину Боттичелли «Рождение Венеры » как на самое первое панно с мифологической сценой. В то время как сама традиция, вероятно, возникла из картины кассона, которая обычно включала сцены из мифологии и романтических текстов, развитие мифологической живописи открыло бы мир для художественного покровительства, производства и тем.

«Рождение Венеры»: «Рождение Венеры» Боттичелли было одним из важнейших произведений раннего Возрождения.

Высокое Возрождение

Период, известный как Высокое Возрождение, представляет собой кульминацию целей Раннего Возрождения, а именно реалистичное представление фигур в пространстве, переданных с достоверным движением и в должным образом благопристойном стиле. Самые известные художники этого периода — Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан и Микеланджело.Их картины и фрески являются одними из самых известных произведений искусства в мире. Картина Да Винчи «Тайная вечеря» , Рафаэля Афинская школа и роспись потолка Сикстинской капеллы Микеланджело являются шедеврами этого периода и воплощают элементы Высокого Возрождения.

«Свадьба Девы», по Рафаэлю: На картине изображена церемония бракосочетания Марии и Иосифа.

Маньеризм

Живопись высокого Возрождения во Флоренции переросла в маньеризм.Художники-маньеристы, сознательно восставшие против принципов Высокого Возрождения, имели тенденцию изображать вытянутые фигуры в нелогичных пространствах. Современная наука признала способность искусства маньеризма передавать сильные, часто религиозные эмоции, в то время как Высокому Возрождению этого не удавалось. Некоторые из главных художников этого периода — Понтормо, Бронзино, Россо Фьорентино, Пармиджанино и ученик Рафаэля Джулио Романо.

Искусство и меценатство

Семья Медичи использовала свое огромное состояние, чтобы контролировать флорентийскую политическую систему и спонсировать ряд художественных достижений.

Цели обучения

Обсудите взаимосвязь между искусством, покровительством и политикой в ​​эпоху Возрождения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Хотя Ренессанс был в самом разгаре до того, как семья Медичи пришла к власти во Флоренции, их покровительство и политическая поддержка искусства помогли превратить Ренессанс в полноценное культурное движение.
• Богатство и влияние Медичи первоначально были связаны с торговлей текстилем, которой руководила гильдия Арте делла Лана; благодаря финансовому превосходству Медичи доминировали в правительстве своего города.
• Патронаж Медичи отвечал за большую часть флорентийского искусства во время их правления, поскольку художники обычно создавали свои работы только тогда, когда они получали заказы заранее.
• Хотя сами Медичи не были учеными, хорошо известно, что семья была покровителями знаменитого Галилео Галилея, воспитавшего несколько поколений детей Медичи.

Ключевые термины

• Лоренцо Медичи : итальянский государственный деятель и фактический правитель Флорентийской республики, который был одним из самых могущественных и восторженных покровителей эпохи Возрождения.
• патронаж : Поддержка, поощрение, привилегии или финансовая помощь, которую организация или человек оказывает другому, особенно в области искусства.

Обзор

Давно обсуждается, почему Возрождение началось во Флоренции, а не где-либо еще в Италии. Ученые отметили несколько уникальных особенностей флорентийской культурной жизни, которые могли вызвать такое культурное движение. Многие подчеркивали роль Медичи, семьи банкиров, а затем и герцогского правящего дома, в покровительстве и стимулировании искусства.Лоренцо Медичи (1449–1492) стал катализатором огромного количества меценатов, побуждая своих соотечественников заказывать работы ведущих художников Флоренции, в том числе Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Микеланджело Буонарроти. Работы Нери ди Биччи, Боттичелли, да Винчи и Филиппино Липпи были заказаны дополнительно монастырем Сан-Донато-агли-Скопети ордена августинцев во Флоренции.

Покровительство Дома Медичи

Дом Медичи был итальянской банковской семьей, политической династией, а затем и королевским домом, который впервые начал приобретать известность при Козимо де Медичи во Флорентийской республике в первой половине 15 века.Их богатство и влияние изначально были связаны с торговлей текстилем, которой руководила гильдия Arte della Lana. Как и другие семьи синьоров, они доминировали в правительстве своего города, они смогли подчинить Флоренцию своей семье и создали среду, в которой могли процветать искусство и гуманизм. Они, наряду с другими семьями Италии, такими как Висконти и Сфорца из Милана, Эсте из Феррары и Гонзага из Мантуи, способствовали рождению итальянского Возрождения.

Самыми большими достижениями Медичи были спонсорство искусства и архитектуры, в основном искусства и архитектуры раннего и высокого Возрождения. Медичи были ответственны за большую часть флорентийского искусства во время своего правления. Их деньги были значительными, потому что в этот период художники, как правило, делали свои работы только тогда, когда получали заказы заранее. Джованни ди Биччи де Медичи, первый покровитель искусств в семье, помогал Мазаччо и заказал Брунеллески реконструкцию базилики Сан-Лоренцо во Флоренции в 1419 году.Известными соратниками Козимо Старшего были Донателло и Фра Анджелико. Самым значительным дополнением к списку за многие годы был Микеланджело Буонарроти (1475–1564), создавший работы для ряда Медичи, начиная с Лоренцо Великолепного, который, как говорили, очень любил молодого Микеланджело, приглашая его учиться. семейное собрание античной скульптуры. Лоренцо также был покровителем Леонардо да Винчи (1452–1519) в течение семи лет. Действительно, Лоренцо был сам по себе художником, автором стихов и песен; его поддержка искусства и литературы рассматривается как высшая точка покровительства Медичи.

Дом Медичи: Члены семьи Медичи аллегорически помещены в окружение короля из Трех волхвов в сельской местности Тосканы на фреске Беноццо Гоццоли, ок. 1459.

В архитектуре Медичи ответственны за некоторые примечательные особенности Флоренции, включая галерею Уффици, сады Боболи, Бельведер, часовню Медичи и Палаццо Медичи. Позже, в Риме, Папы Медичи продолжили семейную традицию, покровительствуя художникам в Риме.Папа Лев X в основном заказывал работы Рафаэлю. Папа Климент VII поручил Микеланджело расписать алтарную стену Сикстинской капеллы незадолго до смерти понтифика в 1534 году. Элеонора Толедская, принцесса Испании и жена Козимо I Великого, купила дворец Питти у Буонаккорсо Питти в 1550 году. Козимо, в свою очередь, покровительствовал Вазари, который построил галерею Уффици в 1560 году и основал Accademia delle Arti del Disegno («Академию художеств рисования») в 1563 году. Мария Медичи, вдова Генриха IV из Франции и мать Людовика XIII, является предметом заказанного цикла картин, известного как цикл Марии Медичи, написанного для Люксембургского дворца придворным художником Питером Полем Рубенсом в 1622–1623 годах.

Хотя сами Медичи не были учеными, хорошо известно, что семья была покровителями знаменитого Галилео Галилея, воспитавшего несколько поколений детей Медичи и являвшегося важной фигурой в стремлении своего покровителя к власти. В конце концов, Фердинандо II отказался от покровительства Галилея, когда инквизиция обвинила Галилея в ереси. Однако семья Медичи действительно предоставляла ученому безопасную гавань на долгие годы. Галилей назвал четыре самых больших луны Юпитера в честь четырех детей Медичи, которых он обучал, хотя имена, которые использовал Галилей, не используются в настоящее время.

Леонардо да Винчи

Хотя Леонардо да Винчи восхищается как ученый, академик и изобретатель, он наиболее известен своими достижениями как художник нескольких шедевров эпохи Возрождения.

Цели обучения

Опишите работы Леонардо да Винчи, демонстрирующие его самые новаторские техники как художника

Основные выводы

Ключевые моменты

• Среди качеств, делающих работы да Винчи уникальными, — новаторские техники, которые он использовал при нанесении краски, его детальное знание анатомии, его новаторское использование человеческой формы в фигуративной композиции и его использование сфумато.
• Среди самых известных работ, созданных да Винчи, — небольшой портрет под названием Мона Лиза , известный неуловимой улыбкой на лице женщины, вызванной тем, что да Винчи тонко затемнил уголки рта и глаза, так что точный характер улыбки не может быть определен.
• Несмотря на свои знаменитые картины, да Винчи не был плодовитым живописцем; он был плодовитым рисовальщиком, вел дневники с небольшими набросками и подробными рисунками, фиксировавшими все, что его интересовало.

Ключевые термины

• сфумато : В живописи — нанесение тонких слоев полупрозрачной краски, чтобы не было видимых переходов между цветами, тонами и часто объектами.

Хотя Леонардо да Винчи вызывает восхищение как ученый, академик и изобретатель, он наиболее известен своими достижениями как художник нескольких шедевров эпохи Возрождения. Его картины были новаторскими по разным причинам, а его работы подражали студентам и подробно обсуждались знатоками и критиками.

Среди качеств, делающих работы да Винчи уникальными, — новаторские техники, которые он использовал при нанесении краски, его детальное знание анатомии, его использование человеческой формы в фигуративной композиции и его использование сфумато. Все эти качества присутствуют в его самых знаменитых произведениях: Мона Лиза , Тайная вечеря и Дева в скалах .

Мадонна в скалах, Леонардо да Винчи, 1483–1486: На этой картине изображены Мадонна с младенцем Иисусом с младенцем Иоанном Крестителем и ангелом в скалистом окружении.

Тайная вечеря

Самая известная картина да Винчи 1490-х годов — это Тайная вечеря , написанная для трапезной монастыря Санта-Мария-делла-Грацие в Милане. На картине изображена последняя трапеза Иисуса и 12 Апостолов, где он объявляет, что один из них предаст его. По завершении картина была признана шедевром дизайна. Эта работа демонстрирует то, что да Винчи сделал очень хорошо: взял очень традиционный сюжет, такой как Тайная вечеря, и полностью заново изобрел его.

До этого момента в истории искусства все изображения Тайной вечери следовали одной и той же визуальной традиции: Иисус и апостолы сидят за столом. Иуда находится на противоположной стороне стола от всех остальных, и зритель легко узнает его. Когда да Винчи писал «Тайную вечерю», он поместил Иуду с той же стороны стола, что и Христос и апостолы, которые, как показано, реагируют на Иисуса, когда он объявляет, что один из них предаст его. Они изображены встревоженными, расстроенными и пытающимися определить, кто совершит действие.Зрителю также предстоит определить, какая фигура — Иуда, который предаст Христа. Изображая сцену таким образом, да Винчи привнес в свою работу психологию.

К сожалению, этот шедевр эпохи Возрождения начал портиться сразу после того, как да Винчи закончил рисовать, во многом из-за выбранной им техники рисования. Вместо того, чтобы использовать технику фрески, да Винчи использовал темпера на грунте, который был в основном левкасом, пытаясь передать тонкие эффекты масляной краски на фреске.Его новая техника не увенчалась успехом и привела к образованию плесени и отслаиванию поверхности.

Тайная вечеря: «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, хотя и сильно испорчена, демонстрирует мастерство художника в фигуративной композиции человеческого тела.

Мона Лиза

Среди работ, созданных да Винчи в 16 веке, есть небольшой портрет, известный как Мона Лиза , или Ла Джоконда , «смеющаяся». В настоящее время это, пожалуй, самая известная картина в мире.Его слава основана, в частности, на неуловимой улыбке на лице женщины — ее таинственности, вызванной, возможно, тем фактом, что художник тонко затемнил уголки рта и глаз, так что точный характер улыбки не может быть определен.

Темное качество, которым славится эта работа, было названо сфумато, нанесением тонких слоев полупрозрачной краски, чтобы не было видимого перехода между цветами, тонами и часто объектами. Другие характеристики, обнаруженные в этой работе, — это платье без украшений, в котором глаза и руки не конкурируют с другими деталями; драматический пейзажный фон, на котором мир кажется пребывающим в постоянном движении; приглушенная окраска; и чрезвычайно гладкий характер живописной техники с использованием масел, но нанесенных во многом как темпера и смешанных на поверхности, так что мазки кисти неразличимы.И снова да Винчи вводит здесь новаторский вид живописи. В эпоху Возрождения портреты были очень распространены. Однако женские портреты всегда были в профиль, что считалось правильным и скромным. Здесь да Винчи представляет портрет женщины, которая не только смотрит на зрителя, но и следит за ним глазами.

Мона Лиза: В «Моне Лизе» да Винчи применяет свою технику сфумато для создания тени.

Богородица с младенцем и Святой Анной

На картине Богородица с младенцем и св.Anne , композиция да Винчи снова поднимает тему фигур в пейзаже. Что делает эту картину необычной, так это то, что на ней наложены две наклонно поставленные фигуры. Мария сидит на коленях своей матери, Святой Анны. Она наклоняется вперед, чтобы удержать Младенца Христа, который грубо играет с ягненком, что является знаком его собственной неминуемой жертвы. Эта картина оказала влияние на многих современников, в том числе на Микеланджело, Рафаэля и Андреа дель Сарто. Тенденции в его композиции были приняты, в частности, венецианскими художниками Тинторетто и Веронезе.

Богоматерь с младенцем и святой Анной: Богородица с младенцем и святой Анной (ок. 1510 г.) Леонардо да Винчи, Лувр.

Микеланджело

Микеланджело был флорентийским художником 16 века, известным своими шедеврами скульптуры, живописи и архитектурного дизайна.

Цели обучения

Обсудить достижения Микеланджело в скульптуре, живописи и архитектуре

Основные выводы

Ключевые моменты

• Микеланджело создал свою колоссальную мраморную статую Давида из цельного куска мрамора, что сделало его выдающимся скульптором необычайного технического мастерства и силы символического воображения.
• В живописи Микеланджело известен потолком и Страшный суд Сикстинской капеллы, где он изобразил сложную схему, представляющую Творение, Крушение человека, Спасение человека и Генеалогию Христа.
• Главный вклад Микеланджело в создание базилики Святого Петра заключался в использовании формы греческого креста и массивной внешней каменной кладки, где каждый угол был заполнен лестничной клеткой или небольшой ризницей. Эффект представляет собой сплошную поверхность стены, которая кажется изломанной или изогнутой под разными углами.

Ключевые термины

• контрапост : стоячее положение фигуры человека, когда большая часть веса приходится на одну ногу, а другая нога расслаблена. Эффект контрапоста в искусстве делает фигуры очень натуралистичными.
• Сикстинская капелла : Самая известная часовня Апостольского дворца.

Микеланджело был флорентийским художником 16 века, известным своими шедеврами скульптуры, живописи и архитектурного дизайна.Его самые известные работы — Давид , Страшный суд и Базилика Святого Петра в Ватикане.

Скульптура:

Давид

В 1504 году Микеланджело было поручено создать колоссальную мраморную статую, изображающую Давида как символ флорентийской свободы. Последующий шедевр, David , закрепил за художником известность как скульптора с исключительными техническими навыками и силой символического воображения. Давид был создан из цельного мраморного блока и стоит больше, чем жизнь, поскольку изначально предназначался для украшения Флорентийского собора. Работа отличается от предыдущих представлений тем, что библейский герой не изображен с головой убитого Голиафа, как на статуях Донателло и Верроккьо; оба представляли героя, победившего над головой Голиафа. Ни один из ранее флорентийских художников не обходился без гиганта. Вместо того, чтобы казаться победителем над врагом, лицо Дэвида выглядит напряженным и готовым к бою.Сухожилия на его шее туго выступают, лоб нахмурен, а глаза, кажется, пристально смотрят на что-то вдалеке. Вены выступают из его опущенной правой руки, но его тело находится в расслабленной позе контрапоста , и он несёт перевязь, небрежно перекинутую через левое плечо. В эпоху Возрождения отличительной чертой античной скульптуры считалось поз контрабандистов, поз.

Давид Микеланджело, 1504 : Давид Микеланджело стоит в позе контрапоста.

Скульптура предназначалась для установки снаружи Дуомо и стала одним из самых узнаваемых произведений скульптуры эпохи Возрождения.

Картина:

Страшный суд

В живописи Микеланджело известен своими работами в Сикстинской капелле. Первоначально ему было поручено покрасить казны tromp-l’oeil после того, как на первоначальном потолке образовалась трещина. Микеланджело лоббировал иную и более сложную схему, представляющую творение, падение человека, обещание спасения через пророков и генеалогию Христа.Работа является частью более крупной схемы украшения внутри часовни, которая представляет большую часть доктрины католической церкви.

В итоге композиция содержала более 300 фигур, а в центре — девять эпизодов из Книги Бытия, разделенных на три группы: сотворение Богом Земли, сотворение Богом человечества и их падение от Божьей благодати и, наконец, состояние человечества в лице Ноя и его семьи. Двенадцать мужчин и женщин, пророчествовавших о пришествии Иисуса, нарисованы на подвесках, поддерживающих потолок.Среди самых известных картин на потолке — Сотворение Адама, Адама и Евы в Эдемском саду, Великий Потоп, Пророк Исайя и Кумская Сивилла. Вокруг окон нарисованы предки Христа.

Фреска «Страшный суд » на алтарной стене Сикстинской капеллы была заказана Папой Климентом VII, и Микеланджело трудился над проектом с 1536–1541 годов. Работа находится на алтарной стене Сикстинской капеллы, что не является традиционным местом для объекта.Обычно сцены Страшного суда помещались на стене у выхода из церквей, чтобы напомнить зрителю о вечных наказаниях, когда они покидали богослужение. Страшный суд — это изображение Второго пришествия Христа и апокалипсиса; где души человечества поднимаются и участвуют в своих различных судьбах, судимые Христом, в окружении Святых. В отличие от более ранних фигур Микеланджело, нарисованных на потолке, фигуры в Страшный суд сильно мускулистые и находятся в гораздо более искусственных позах, демонстрируя, насколько эта работа выполнена в стиле маньеризма.

В этой работе Микеланджело отверг упорядоченное изображение Страшного суда, установленное средневековой традицией, в пользу закрученной сцены хаоса, когда судят каждую душу. Когда картина была представлена, она подверглась резкой критике за включение классических образов, а также за количество обнаженных фигур в несколько наводящих на размышления позах. Плохой прием, который получила работа, может быть связан с Контрреформацией и Тридентским собором, которые привели к предпочтению более консервативного религиозного искусства, лишенного классических отсылок.Хотя некоторые фигуры были сделаны более скромными с добавлением драпировки, изменения были внесены только после смерти Микеланджело, демонстрируя уважение и восхищение, которые были ему оказаны при его жизни.

Страшный суд: Фреска «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы была заказана Папой Климентом VII. Микеланджело работал над проектом с 1534–1541 годов.

Архитектура: Базилика Святого Петра

Наконец, несмотря на участие других архитекторов, Микеланджело спроектировал собор Св.Базилика Петра. Главный вклад Микеланджело заключался в использовании симметричного плана в форме греческого креста и внешней каменной кладки массивных размеров, при этом каждый угол был заполнен лестничной клеткой или небольшой ризницей. Эффект представляет собой непрерывную поверхность стены, которая изгибается или ломается под разными углами, не имея прямых углов, которые обычно определяют изменение направления в углах здания. Этот фасад окружен гигантскими коринфскими пилястрами, которые расположены под немного разными углами друг к другу, что соответствует постоянно меняющимся углам поверхности стены.Над ними огромный карниз колышется непрерывной полосой, создавая впечатление, что все здание находится в состоянии сжатия.

Базилика Святого Петра: Микеланджело спроектировал купол базилики Святого Петра в 1564 году или ранее, хотя на момент его смерти он был незаконченным.

Маньеризм

Художники-маньеристы начали отвергать гармонию и идеальные пропорции эпохи Возрождения в пользу иррациональных настроек, искусственных цветов, нечетких предметов и удлиненных форм.

Цели обучения

Опишите стиль маньеризма, его отличие от стиля Возрождения и причины его возникновения.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Маньеризм пришел после Высокого Возрождения и до барокко.
• Художники, пришедшие на поколение после Рафаэля и Микеланджело, столкнулись с дилеммой. Они не могли превзойти великие произведения, которые уже были созданы Леонардо да Винчи, Рафаэлем и Микеланджело. Именно тогда мы начинаем видеть появление маньеризма.
• Якопо да Понтормо (1494–1557) представляет собой переход от эпохи Возрождения к стилю маньеризма.

Ключевые термины

• Маньеризм : Стиль искусства в Европе с ок. 1520–1600. Маньеризм пришел после Высокого Возрождения и до барокко. Не каждый художник, работающий в этот период, считается художником-маньеристом.

Маньеризм — это название, данное стилю искусства в Европе с ок. 1520–1600. Маньеризм пришел после Высокого Возрождения и до барокко.Однако не каждая картина художника в этот период считается художником-маньеристом, и среди ученых есть много споров о том, следует ли считать маньеризм отдельным движением от Высокого Возрождения или стилистической фазой Высокого Возрождения. Здесь маньеризм будет рассматриваться как отдельное направление в искусстве, поскольку существует много различий между стилями Высокого Возрождения и стилями маньеризма.

Стиль

Что делает произведение искусства маньеристом? Прежде всего мы должны понять идеалы и цели Возрождения.В эпоху Возрождения художники по-новому познакомились с классической античностью. Кроме того, они разработали теории перспективы и всеми способами стремились создавать произведения искусства, которые были бы совершенными, гармоничными и демонстрировали идеальные изображения мира природы. Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело считаются художниками, достигшими величайших достижений в искусстве эпохи Возрождения.

Ренессанс подчеркивал гармонию и красоту, и никто не мог создать более прекрасных работ, чем три великих художника, перечисленные выше.Художники, пришедшие на смену поколению, столкнулись с дилеммой; они не могли превзойти великие произведения, которые уже были созданы да Винчи, Рафаэлем и Микеланджело. Именно тогда мы начинаем видеть появление маньеризма. Молодые художники, пытающиеся создать что-то новое и непохожее, начали отказываться от гармонии и идеальных пропорций в пользу иррациональных декораций, искусственных цветов, нечетких сюжетов и вытянутых форм.

Якопо да Понтормо

Якопо да Понтормо (1494–1557) олицетворяет переход от эпохи Возрождения к стилю маньеризма.Возьмем, к примеру, его «Снятие с креста », алтарь, написанный для часовни в церкви Санта-Феличита во Флоренции. Фигуры Марии и Иисуса, по-видимому, являются прямой ссылкой на пьету Микеланджело . Хотя работа называется « осаждение», на крестика нет. Ученые также называют эту работу «Погребение», но гробницы нет. Отсутствие ясности в предмете — отличительная черта маньеристской живописи. К тому же сеттинг иррационален, как будто не в этом мире, а цвета далеки от натуралистических.