Беспредметная живопись: Беспредметное искусство | Блоги | BURO.

Беспредметное искусство | Блоги | BURO.

Он стал одним из самых известных русских художников XX века, чьи работы на родине были запрещены. Творческий путь Малевича — принципиален и назидателен, а его судьба — трагична и насыщена духовными и биографическими коллизиями. В 12 залах Tate Modern выставлено более 400 работ русского абстракциониста. Картины, рисунки, архитектурные идеи, эскизы к опере «Победа над солнцем», пробы в архитектурном дизайне раскрывают всю силу и масштаб его личности. Посетители могут проследить эволюцию художника, прошедшего через увлечение импрессионизмом, кубизмом, футуризмом и преобразившего эти мировые достижения в глубоко индивидуальный и одновременно универсальный художественный мир.

Теории Малевича не были изолированы от художественной жизни в целом. Отношения с художественной и научной интеллигенцией своего времени, а также степень и характер влияния философских и эстетических учений той поры на творчество Малевича также можно проследить на выставке.

Это влияние особенно очевидно в первых работах художника, например в его «Автопортрете».

Как видели мир художники в начале прошлого века? Их привлекала концепция «космического динамизма». Предметы, обладающие твердостью и формой, оказались иллюзией. А для того чтобы показать мир таким, каков он есть на самом деле, нужно заглянуть за внешнюю оболочку. Так как наши знания о мире напрямую зависят от наших чувств, то подлинная реальность есть ощущение. Малевич рассматривал ощущения как надындивидуальную способность, базирующуюся на психике. Супрематизм художника был основан на идее, что живопись выражает состояние психики и таким образом показывает психическую эволюцию. Кубическую форму Малевич рассматривал как признак развившейся психики. Это позволило мастеру вывести формулу супрематизма.

Так как Малевич хочет рассказать зрителю о том, что обыденный мир воспринимается не в своем обычном, а в более высоком уровне, он как бы приоткрывает предметы, стоящие за плоскостями.

В «Даме у афишного столба» он прячет половину фигуры за цветным прямоугольником, делая свое так называемое «частичное затмение».

Малевич считал, что есть два наиболее фундаментальных элемента в живописи — цвет и чувство динамизма. Художник утверждал: «Живопись — краска, цвет, она заложена внутри нашего организма. Ее вспышки бывают велики и требовательны. Моя нервная система окрашена ими. Мой мозг горит от их цвета». Цвет воспринимается как беспредметная энергия и предполагает выразительное средство, лишенное формы. По мере своего психического развития художники избавляются от формы. В итоге в супрематизме остались только динамические цветовые ощущения, которые передавались через цветовые прямоугольники.

В 1911—1914 годах в работах Малевича, которые он определял как «заумный реализм», происходят сдвиги, предвещающие выход из пластики кубофутуризма. В «Авиаторе» и «Англичанине в Москве» появляются большие локально окрашенные плоскости, растет тенденция к беспредметности.

Картины еще имеют верх и низ, но ощутимо стремление к преодолению пластическими структурами сил тяготения.

Последним шагом на пути к супрематизму стала постановка оперы Матюшина и Крученых «Победа над солнцем», для которой Малевич исполнил эскизы декораций. В этих рисунках и совершился перелом в сторону супрематизма. Художник сделал это бессознательно, но именно здесь фактическое начало и истоки супрематизма.

Поиски собственного пути с нуля и за пределами нуля увенчались появлением «Черного квадрата» — произведения, знаменующего новую эру в искусстве. С тех пор для одних Малевич стал богом, для других — дьяволом. В «Черном квадрате» все краски, формы, структуры сведены к нулю, и художник начинает творить новые миры из этого «ничто». В рамках экспозиции в Tate Modern впервые с 1915 года два «Черных квадрата» Малевича предстают вместе. Еще на выставке «0.10» в 1915 году свое самое знаменитое произведение художник повесил в верхний угол зала, заменив им православную икону.

В течение следующих пятнадцати лет он создал еще три версии «Черного квадрата». Два из них — один 1923 года из Русского музея и один 1929 года из Третьяковской галереи — демонстрируются в галерее Tate.

В процессе эволюции психика художника становится все более восприимчивой к энергиям, что предъявляет повышенные требования к чувствительности зрителя. Именно это и происходит в «Белом супрематическом кресте».

1920-е — возвратный ход Малевича от супрематизма к картинам крестьянской темы. Источники, оказавшие влияние на стилистику и генетику крестьянских образов художника, до сих пор занимают внимание исследователей. Одни видят корни этих образов в творчестве Пикассо или в африканском искусстве, другие — в русских иконах. Вторая крестьянская серия получила мощный заряд, инспирированный реальностью. С ее народной трагедией, голодом и разорением. Любовь к крестьянам нашла отражение в искусстве. Крестьянский мир предстает перед нами как рациональный организм, где нет ничего лишнего.

В поведении персонажей господствует принцип односложности. Ограничение движений приводит к доминанте статики. При этом Малевич утяжеляет массу фигур, тяготеет к квадратным формам. Из всех этих мотивов вырастает мир деревни — великий и грубый, трагический и неподвижный.

В «Жатве» лицо крестьянки утрачивает конкретные черты, превращаясь в пятно-овал, — это излюбленный прием Малевича в крестьянском цикле.

А затем и руки начинают мешать художнику. Сначала они отсекаются нижней рамой картины, а потом и вовсе исчезают, превращая фигуры в безрукие существа. Малевичу были нужны все новые и новые пластические доказательства безнадежности бытия, неисправимости утрат и катастроф. О том, что именно такие мысли владели художником, свидетельствует надпись, сделанная им на обороте картины «Сложное предчувствие (Торс в желтой рубашке)». После названия и даты Малевич написал: «Композиция сложилась из элементов, ощущения пустоты, одиночества, безвыходности жизни».

Супрематизм как бы замыкал всю живопись прошлого в одном кольце, тем самым он вместил в себя все недостатки и достоинства прошлого. В то же самое время он лишил живопись плоти, вещественности, вот почему он так легко применим в текстиле и в рисунках.

Даже если вы чувствуете, что в своей эволюции пока не вышли на уровень подсознания, на котором можете понять «заумное» творчество Малевича, то вам все равно следует сходить в Tate Modern, если будете в Лондоне до конца октября. Там вы сможете попробовать увидеть себя в пространстве, скрыться в цветных полосах и точках. И уйти среди них в бездну. Чтобы проникнуть в «узлы мудрости и освободить сознание краски».

 

Беспредметная живопись или по-простому — абстракция » Культура і мистецтво

Новое искусство рубежа XIX-XX веков бросило вызов общественным вкусам, посягнув на полное переосмысление изобразительного языка. В работах живописцев того периода предметный мир уступил место эмоциям, личным ощущениям, переживаниям, «очищенным» от реальности.

В искусстве началась эра абстракционизма (лат. abstractio — удаление, отвлечение), оказавшего влияние на многие художественные направления ХХ в. , которые на определенных этапах своего развития приходили к абстрактному видению композиции, фактуры, цвета.

Созвучие мысли

Об истоках беспредметной живописи теоретики искусства спорят до сих пор. Одни говорят, что первые полуабстрактные работы появились в начале XIX в., другие — что отсчет следует вести с конца XVIII в. Что же касается кандидатуры основоположника данного течения, то тут эксперты единодушны — на эту роль выдвигают русского художника Василия Кандинского, который первым отметил новые тенденции в живописи своих современников — стремление к творческой свободе, возведенной в абсолют.

В декабре 1911 г. в Мюнхене было опубликовано исследование Василия Кандинского «О духовном в искусстве», в котором он размышлял, в частности, об особенностях мировосприятия художника и возможности воплощения его внутреннего стремления к гармонии. Книга имела колоссальный успех. Достаточно сказать, что в течение года она была трижды переиздана, а впоследствии переведена на многие языки.

Современники называли ее новым Евангелием от искусства.

«В это же время Кандинский организовал общество “Синий всадник”, которое принято считать пионером абстрактного искусства», — рассказывает искусствовед Елена Самойлова. Франц Марк, Аугуст Маке, Давид Бурлюк, Арнольд Шенберг, Алексей Явленский и другие художники, входившие в это общество, стремились к выражению «внутренних закономерностей» и «космических начал» природы, изучали принципы формообразования и создавали «красочные гармонии».

Интересно, что свое название объединение получило от одноименной картины Василия Кандинского, написанной им еще в 1903 г., в период увлечения художника пейзажной живописью.

Но уже и в те годы красочные пятна и линии на его полотнах заметно вытесняли образы реальной действительности. И в этом смысле стремительное движение синего всадника — осознанный путь новатора к выявлению ассоциативных свойств цвета, линий, композиции, изображению беспредметного мира чувств и фантазий. В 1913 г.

“Синий всадник” был распущен.

Но к тому времени многие живописцы разделяли идеи Кандинского о том, что “искусство ведет унизительное существование, используется исключительно для материальных целей… так как более возвышенное ему неизвестно”. Все чаще звучала мысль, что искусство “обездушено”. А ведь художникам так хотелось “разукрасить” весь мир своими чувствами!

Мазки духовного

Переход к ассоциативной живописи сопровождался разнообразнейшими творческими экспериментами: художники разбрызгивали краски на холстах, предлагали нетривиальные цветовые решения, пробовали различные техники, стараясь всячески подчеркнуть условность образов.

Так, выпускники Московского училища живописи, ваяния и зодчества Михаил Ларионов и Наталья Гончарова фиксировали на холстах излучение отраженного света, так называемую “цветовую пыль”.

Созданные “лучистами” (так стали называть последователей данного течения) работы представляют собой сочетания разноцветных лучей, исходящих от предметов. Их внутреннюю энергию и предлагалось почувствовать зрителю.

Комбинируя простейшие геометрические фигуры, окрашенные в контрастные цвета, и утверждая принципы экономии художественных средств, кубофутурист Казимир Малевич разработал собственную систему абстрактного искусства — супрематизм.

Художник выступал против прямого изображения предметов, считая, что “действительность не может быть ни представляема, ни познаваема”. Он, как и его последователи, предпочитал произвольно располагать фигуры на полотне — так, как они бы могли зависнуть в космическом пространстве, где низ, верх, право и лево — понятия относительные.

Нидерландский живописец Пит Мондриан, глубоко проникшийся исканиями кубистов и формирующейся группы супрематистов, предпочел сосредоточиться на изучении пропорций и ритма в композиции, на взаимодействии основных цветов (красного, синего и желтого) и “нецветов” (белого, серого, черного).

Он, как и Казимир Малевич, пошел по пути “геометризации” живописи — на большинстве его полотен изображены группы прямоугольников, окрашенных в основные цвета, уравновешенные “нецветными” элементами. Творческие поиски художника увенчались появлением такого направления, как неопластицизм, исповедующего искусство чистой пластики.

Геометрическая, или, как ее еще называют, холодная, разновидность абстракционизма развивалась параллельно с лирической (психологической), предложенной Василием Кандинским.

Если во главу угла первой ставилось создание новой реальности и универсальной художественной системы, то вторая демонстрировала поток сознания автора, предлагала, так сказать, “моментальный снимок” его душевного состояния. Постепенно новые художественные идеи стали проникать и в другие виды искусства — архитектуру, скульптуру, кино.

Апеллировать к зрителю “формами, ничего не значащими, ничего не напоминающими, действующими, как музыка” призывал, к примеру, немецкий архитектор Август Эндель. Сам Василий Кандинский предлагал создавать живопись, которая брала бы за основу музыкальные ритмы и формы.

Проводя эксперименты в этой области (среди них — совместное сочинение с композитором Томасом Хартманом и танцовщиком Александром Сахаровым либретто к балету “Желтый звук”), он пришел к идее синтеза искусств. Несмотря на различие выразительных средств, внутренняя их суть одинакова, считал художник.

И если устранить “перегородки” между отдельными видами искусств и позволить им свободно взаимодействовать, будет создан единый художественный язык, который публика поймет на интуитивном уровне.

Шествие диких

Брошенное как вызов современному укладу, абстрактное искусство во многом оказалось не ко времени и не к месту. Удивительно, но Франц Марк еще в 1912 г. предсказывал: “В эпоху великой борьбы за новое искусство мы выступаем как “дикие”, не организованные против старой сплоченной силы. Бой неравных; но в сфере духовных ценностей побеждают не числом, а мощью идей. Внушающее страх оружие “диких” — новые мысли; они вернее, чем сталь, поражают наповал и разрушают считавшееся ранее несокрушимым”.

В СССР беспредметное творчество вообще объявили антинародным, а художников-абстракционистов подвергли преследованиям. К примеру, Казимира Малевича неким срочным официальным письмом отозвали с Большой берлинской художественной выставки, куда в 1930 г. он привез свои работы.

В Москве его арестовали по обвинению в сотрудничестве с немецкой разведкой (дескать, беспредметная живопись есть не что иное, как способ шифрованной передачи за границу секретных сведений о Советском Союзе) и в создании ряда контрреволюционных организаций в Ленинграде и Москве.

Василий Кандинский, вернувшийся в 1914 г. на родину после многолетнего пребывания за границей, спустя семь лет вынужден был вновь уехать в Германию. Оттуда в 1933 г. он эмигрировал во Францию, где и умер. Апогей репрессий приверженцев новых творческих методов в искусстве начался в Стране Советов в конце 1961 г. — после посещения Никитой Хрущевым выставки “Новая реальность”, открытой в “Манеже” к 30-летию московского отделения Союза художников.

Организаторы выставки тщетно старались убедить первое лицо страны в том, что автор имеет право на эмоциональные решения, рассказывали об ассоциативных свойствах картин. Никита Сергеевич молча трижды обошел экспозицию, закипая гневом. В конце концов он не выдержал и разразился непечатной бранью, что разошлось впоследствии в анекдотах.

Результат того визита оказался предсказуемым:запретить! И это в то время, как во всем мире абстракционизм переживал новый виток развития. Так, лирическая разновидность данного течения дала толчок зародившемуся в США абстрактному экспрессионизму, а также ташизму — живописи действия. Из геометрической абстракции выросли поп-арт, постживописная абстракция, оп-арт (оптическое искусство), минималь-арт.

В 1970-е годы появилась “неоабстракция”. В начале 1980-х годов, с развитием компьютерной графики, художники вновь подняли на знамена принципы холодного абстракционизма. Так называемая школа нео-гео (неогеометрический концептуализм) опять вернется к монотонно повторяющимся простым декоративным мотивам.

Увы, советские художники в течение всего этого времени оказались полностью вырваны из контекста актуального искусства. В качестве господствующего направления в стране был утвержден реализм, а уделом сторонников свободного творчества стали “квартирные” и “дачные” выставки. Абстрактное искусство в СССР по-настоящему актуальным стало только в 1980-х годах.

Полная абстракция

В Украине традиции современного абстрактного искусства заложил киевский художник Тиберий Сильваши. В 1992 г. он создал общество “Живописный заповедник”, участники которого, нынче экспонирующие свои работы в престижных галереях, музеях всего мира, продолжают отстаивать идеалы духовной свободы и верят в сакральные свойства цветописи. К признанным мастерам присоединяются и молодые художники.

Так, в начале этого года, в преддверии юбилея, в Каменце-Подольском стартовал проект “Пленэр абстракционистов”. Его участникам было предложено представить механизм возникновения ассоциативных образов.

“Художникам была поставлена творческая задача: конкретную вещь, например пейзаж, трансформировать в абстрактную форму”, — поясняет участник эксперимента художник Петр Лебединец.

“Поскольку у всех наших художников (в пленэре участвовали 14 человек. — Ред.) есть собственный творческий опыт, то и картины получились очень разные: это и авангард, и экспрессивная живопись, и импрессионистический пейзаж. Есть и классический рисунок”, — рассказывает автор проекта Елена Самойлова.

Оценить работы художников зрители смогли на организованных в Каменце-Подольском, а затем и в Киеве выставках. А с 25 марта их можно будет увидеть в Севастополе в информационно-образовательном центре “Русский музей: виртуальный филиал”.

Не секрет, что отношение к беспредметной живописи в обществе всегда было сложным. Многие, к примеру, не усматривают в работах абстракционистов ни высших сущностей, ни совершенства Вселенной. Некоторым просто любопытно разгадать, что скрывает внутренний мир художника.

Кого-то нехитрые с виду картинки заставят улыбнуться в дождливый день — порадуют своими яркими пятнами. А кто-то, глядя на них, внезапно осознает, что время остановилось. И долго потом будет спрашивать себя, как вернуть это дивное ощущение.

Как утверждал Василий Кандинский, “всякое произведение искусства есть дитя своего времени, часто оно и мать наших чувств”. Как бы там ни было, бесспорно одно: во все времена художники стремились воспевать прекрасное. В ХХ в. прекрасным стало внутреннее влечение к гармонии.

Как бы удивился Василий Кандинский, если бы узнал, что этому влечению дана вполне материальная оценка. В хит-параде самых дорогих живописцев абстракционисты занимают сегодня верхние строчки. Искусство опять используют “исключительно для материальных целей”.

Эксперт — о воспитании вкуса

Елена Самойлова, искусствовед, галерист:

— Считается, что настоящее искусство элитарно. По большому счету, это правильно. Однако разбираться в искусстве хотят все мало-мальски образованные люди.

Но когда им втолковывают, что понять абстракционизм может только хорошо подготовленный человек, обычно их это отпугивает, и они вообще отказываются от посещения выставок таких работ. Не надо бояться. Приходите с открытым сердцем, с хорошим настроением, подходите к работам, которые живут и дышат с вами в унисон, — и вы всегда их поймете.

Вы, совершенно очевидно, увидите всю живописную прелесть, гармонию цветов, настроения, композиции. Просто нужно ходить в музеи, где представлены проверенные временем ценности эстетического, культурного, исторического характера, и на выставки, которые часто открывают новые имена.

Художник — о восприятии

Петр Лебединец, художник-абстракционист:

— Абстракция — это возможность выразить свои чувства некими живописными знаками, дополнить техническую сторону творчества интуитивными, чувственными элементами. Все это спрятано в душе художника, и нужно через живопись найти адекватный язык, чтобы сказать об этом. Иногда публика досадует, что понять такое творчество сложно. Но, на мой взгляд, так и должно быть.

Ведь любое произведение искусства — это загадка, причем не только для зрителя, но часто и для самого автора. Когда он начинает осмысливать свое произведение, не все понимает до конца. И то, что зритель может что-то не так понять или вообще не понять, или представить что-то совершенно иначе, не так, как подразумевал автор, это нормально. Потому что речь идет не о классической живописи, в которой все лежит на поверхности.

Абстракционизм — совершенно другой мир, внутренний, скрытый, в нем и должна быть некая энигма. Тут не нужно все объяснять и рассказывать. Если зритель готов воспринимать этот условный язык, эти живописные коды, если он подготовлен эстетически, он справится с данной задачей. Это даже интереснее, чем если ему все растолковать.

Поділіться в соцмережах:

Схожі сторінки

В.В.Кандинский: символика метафизической реальности

В.В.Кандинский: символика метафизической реальности

Скачать PDF Смотреть текст

Глаголев В. С. В.В.Кандинский: символика метафизической реальности / В.С.Глаголев // Концепт: философия, религия, культура. — 2017. — №3 (3). — С. 120-128.

Интерес к творчеству В.В.Кандинского специалистов разных областей — историков, искусствоведов, художников-практиков, философов, — не только дань мастеру в честь недавно состоявшегося 150-летия со дня его рождения. Значение абстракционизма, одним из основоположников которого он стал, выходит далеко за рамки собственно эстетической концепции. Абстракционизм как стиль мышления роднит науку и искусство, выводя абстрактную живопись на уровень нового творческого метода, во многом определившего судьбы культуры ХХ века. При этом все еще требуют осмысления идеи Кандинского, насыщенные метафизическими коннотациями.

Особый интерес с этой точки зрения представляет специфический символизм, воплотивший в нефигуративной живописи идею синтеза искусств. С одной стороны, здесь Кандинский следует уже сложившейся традиции теоретических и практических поисков европейской философии искусства. С другой стороны, оригинальная версия анализа «параллели» звуков и «видов» позволила художнику вывести свою собственную «формулу», предшествующую всякой образности. Осуществленный им сплав психологического, религиозного и метафизического аспектов познания обрел при этом резонансные формы выразительности. Творческий прорыв, реализованный в «беспредметной живописи», претендует таким образом на решение как сугубо художественных задач, так и базовой задачи познания — выхода ума, «глаза», к самой действительности, а не ее «копиям»-образам, представленным в сознании с помощью тех или иных чувственных проекций.

Вместе с тем, Кандинский, как это не парадоксально, не третирует чувственность как таковую, оставляя за ней право давать то, что она может дать: впечатления. Задача абстрактной (беспредметной) живописи состоит таком образом в том, чтобы найти внутренне присущие предметам формы, сами по себе беспредметные и вместе с тем составляющие основу предметности. Здесь прослеживается влияние на Кандинского научных открытий начала ХХ века, им самим отчtтливо осознаваемое и признаваемое. В этом смысле Кандинский — не только художник, но и один из родоначальников современной версии метафизики, отталкивающейся от нового понимания формальных принципов бытия в их соотношении с предметной реальностью. Данное соотношение представляет собой символическое прочтение реальности, не перечеркивающее (как иногда считается) достижения предшествующей культуры, но придающее ее возможным интерпретациям новые ракурсы, интересные с различных точек зрения

Публичная дискуссия «Беспредметная живопись и идеи больших утопий»

Регистрация на событие закрыта

Извините, регистрация закрыта. Возможно, на событие уже зарегистрировалось слишком много человек, либо истек срок регистрации. Подробности Вы можете узнать у организаторов события.

Другие события организатора>

1556 дней назад

12 ноября 2017, начало в 16:00

Москва

Крымский вал, 10

Послереволюционная ситуация потребовала полного переосмысления изобразительного языка искусства. Беспредметная живопись стала флагманом новой революционной эстетики. В работах художников этого направления предметный мир уступил место переживаниям и идеям, «очищенным» от реальности. Беспредметная живопись во многом сформирована благодаря идеям больших утопий, которые несут в себе смысл невозможности изображения неизобразимого. Беспредметность фактически констатирует, что визуализация в прежнем понимании становится невозможной. Утопическое в массовой культуре, его связь с беспредметной живописью обсудят философы Елена Петровская и Андрей Парамонов.

Расскажите друзьям о событии

Участники:

Елена Петровская — кандидат философских наук, ведущий научный сотрудник, руководитель сектора эстетики Института философии РАН, доцент Института Русской антропологической школы, Лауреат премии Андрея Белого, главный редактор журнала «Синий диван».

Андрей Парамонов  — кандидат философских наук, доцент факультета гуманитарных наук ВШЭ, научный сотрудник Института философии РАН.

Публичная дискуссия проходит в рамках программы Философской школы, разработанной образовательным проектом Science.me эксклюзивно для Третьяковской галереи.

#РеволюцияИдей17

ТОП экспонатов Рязанского художественного музея. Часть 2

Рязанский художественный музей несколько лет назад отметил столетие. У музея есть стратегия развития, рассчитанная до 2025 года. Помимо роста посещаемости и высокого статуса выставок, документ предполагает создание маршрута «Рязань художественная». Поэтому музей — это не нечто застывшее во времени, это островок бессмертного творчества и постоянного изменения нас, его гостей.

Здание самого музея, видел, наверное, каждый рязанец, но, к сожалению, не каждый в него заходил. Мы искренне надеемся, что учреждения культуры не закроют снова из-за пандемии, и вы сможете посетить художественный музей в предстоящие зимние каникулы.

Мы уже рассказали в небольшой подборке о нескольких интересных экспонатах музея. Представляем вторую часть.

2021 год объявлен годом Александра Невского в России. В Рязани есть его уникальный портрет

Соответствующий указ «О праздновании 800-летия со дня рождения князя Александра Невского» подписал президент Владимир Путин. А в рязанском музее как раз оказался уникальный портрет легендарного воина и правителя.

Парсуна Федора Лысова «Александр Невский» является единственным известным произведением этого автора. Холст датирован 18 веком, временем, когда само понятие «парсуна» уходит в прошлое, уступая место полноценному светскому портрету.

В связи с этим закономерно, что несмотря на тяготение произведения к парсуне и сарматскому портрету, в его колорите все же прослеживаются приметы нового времени. Тень и свет теплые, цветовой контраст художник практически не использует, останавливается, в основном, на тональном. Красный цвет — символ царственности — доминирует в произведении. В чёткий уравновешенный треугольник вписываются красный царский венец и рукава шубы, красные рефлексы падают на золотой кушак, руку, лицо и отчасти бороду.

Установить авторство парсуны «Александр Невский» для музейных работников не составило труда — на обороте холста помещается надпись, дублированная реставраторами во время работ в 1972 — 1990 годах: «№ 26 коллежскаго асессора Петра Хлебникова, писал живописец Федор Лысов 1771 году». Однако никаких данных об авторе произведения получить не удается — это единственная подписная работа Федора Лысова, известная на сегодняшний день. А вот о личности первого владельца и вероятного заказчика произведения сведения есть: это коломчанин Пётр Хлебников —генерал-аудитор-лейтенант, известный библиофил, основатель Хлебниковской библиотеки.

Архангел Михаил, подчеркнувший самостоятельность Рязанского княжества

Святой архангел Михаил — архистратиг, глава небесного воинства и покровитель императоров, князей и ратной славы.

Икона «Архангел Михаил Лоратный с Чудом в Хонех» происходит из Архангельского собора Рязанского кремля. Уникальная в своей иконографии, не имеющая аналогов, кроме позднейшего списка, эта икона самим своим появлением в начале XVI века призвана была подчеркнуть самостоятельность Рязанского княжества, обозначить особое небесное покровительство его правящей династии. Соединение в одном памятнике иконографий репрезентативного и повествовательного характера не случайно – облаченный в одежды византийских императоров Архангел Михаил напоминает о священности княжеской власти, а эпизод с Чудом в Хонех призван обозначить готовность высших сил прийти на защиту праведников, подвергшихся опасности. Драматические обстоятельства последнего

двадцатилетия существования Рязанского княжества ясно читаются в идейной программе памятника.

Мастерство, с которым написана эта икона, отсылает нас к произведениям византийского круга. Размеренность и точность композиции, тонкий колорит и лиричные контуры фигур формируют пространство сакрального образа, в котором столкновение горнего и земного обозначено с монументальной ясностью.

Икона «Архангел Михаил лоратный с Чудом в Хонех» не имеет аналогов среди сохранившихся памятников. «Лор» — лента поверх одежд архангела на рязанской иконе включает в себя 16 медальонов с погрудными графичными изображениями ангелов. В нижней части композиции справа изображен сюжет из чудес архангела Михаила — «Чудо в Хонех». В селении Колоссах или Хонех возле храма появился целебный источник. Язычники решили разрушить храм, погубить молящихся христиан и уничтожить источник, соединив воды двух рек и направив на храм. Но по молитвам угодника Божия Архиппы явился Архангел Михаил и ударом жезла вверг воды внутрь скалы, защитив христиан от врагов.

«Архангел Михаил лоратный с Чудом в Хонех» — храмовая икона Архангельского собора Рязанского кремля, которая находилась в местном ряду иконостаса. Исследователи датируют икону в интервале от 80-х годов XV века до начала XVI века, относя памятник к немногим уцелевшим образцам предполагаемой местной школы.

Филипп Малявин и его виденье национального характера, принесшее художнику всемирную славу

Филипп Малявин, выходец из крестьян Самарской губернии, приобрёл имение в деревне Аксиньино недалеко от Рязани, где прожил около 20 лет. Здесь были созданы многие его масштабные полотна, утверждавшие новый подход к крестьянской теме, связанный с поиском национального идеала: крестьянские портреты-типы, знаменитые «малявинские бабы» и «девки», принесшие автору всемирную славу.

«Мужской портрет» (1916 год) входит в число крестьянских портретов-типов, написанных Ф.А. Малявиным в преддверии революционных событий. Для большинства из них характерен тёмный, мрачный колорит и столь же мрачные образы, далекие от жизнеутверждающих красочных полотен художника предшествующего периода.

Долгое время «Мужской портрет» ассоциировался с образом Григория Распутина, хотя написан он в рязанской деревне. Произведение относится к типу жанрового портрета, получившего распространение в русском искусстве начала ХХ века. Опуская множество бытовых подробностей, художник сосредоточил внимание на заострении характера, социально-типических особенностей модели. Пластическое решение соответствует образу: темная и плотная манера письма, нарочитая «незаконченность» работы, когда белые нетронутые участки холста контрастируют с пастозной живописью изображения, рождают специфические колористические эффекты, усиливающие эмоциональное воздействие произведения.

В историю русского искусства рубежа XIX-XX веков Малявин вошёл как художник-новатор. Его масштабные полотна, написанные широкой динамичной кистью, утверждали новый подход к крестьянской теме, связанный с поиском национального идеала.

Примечательно, что «Старик у очага» (1915 год) поступил в музей в первые годы его существования с единственной в России прижизненной персональной выставки Малявина, состоявшейся в Рязани в 1919 году.

Эту картину можно назвать вершиной крестьянского портрета Малявина 1910-х годов по выразительности и психологической содержательности образа.

В преддверии великих исторических перемен художник почувствовал и передал особые грани народного характера: долготерпение, граничащее с затравленностью, и одновременно способность к отчаянному и безрассудному бунту.

Василий Кандинский и психологическое состояние человека

Живописец и график Василий Кандинский учился в студии в Мюнхене, и стал одним из основоположников абстрактного искусства.

Он стремился не к изображению предметов, а к выражению языком изобразительного искусства отвлечённых понятий и эмоций через предельное обобщение натуры или полный отказ от неё.

Представленная в экспозиции акварель «Беспредметная живопись» (1915 год) построена на сочетании спонтанно возникающих линий, точек, плоскостей. В беспредметных композициях-симфониях Кандинский приближает язык живописи к музыке, проводя параллель между способностью цвета и звука отражать эмоциональное и психологическое состояние человека.

Без голландцев не обойтись

XXVII век в истории — «золотой век голландской живописи», он получил такое название не только потому, что подарил миру великих живописцев Рембрандта, Яна Вермеера и других, но и благодаря появлению так называемых «малых голландцев». «Малые» они не по талантам, а по размерам холстов и сюжетам из жизни, пользовавшимся огромной популярностью у населения.

Среди них одно из самых видных мест принадлежит Адриану ван Остаде, который признан основателем крестьянского жанра в голландском искусстве. Испытав влияние Рембрандта, Остаде использует в своих живописных композициях золотисто-коричневый колорит, мастерски овладевая полутенями. В XVII веке историки искусства вообще ставили имена этих художников в один ряд.

Произведения малых голландцев нашли своих почитателей и в России, в частности, Петр I высоко ценил творчество ван Остаде. Полотна живописца привлекают искренней любовью к своей стране и ее народу со своей теплотой, лучистым юмором, мягкими очертаниями и живостью.

В экспозиции западноевропейского искусства Рязанского художественного музея в зале малых голландцев представлены две работы Адриана ван Остаде: жанровая сценка «Странствующие музыканты» 1655 года и интерьер «В сарае», датируемый 1639 годом. Это самая ранняя работа художника в музеях нашей страны, включая собрание Эрмитажа.

Музей находится в Рязани на улице Свободы, дом № 57. Сайт и страница «ВКонтакте».

Режим работы: ежедневно с 11:00 до 19:00 (вход до 18:00), кроме понедельника и первой пятницы каждого месяца.

Телефоны:

+7 (4912) 28-04-24

Заказ экскурсий: +7 (4912) 44-18-83.

Касса: +7(4912) 44-18-83.

Ирина Орлова

Иллюстрации:  Рязанский художественный музей

РАДИО ЭРМИТАЖ 90,1 FM

Абстракция в авангарде

Абстракция в авангарде
В Центре современного искусства им. Сергея Курёхина до середины декабря работает выставка «Абстракция в авангарде», подготовленная коллективом кураторов, среди которых участник Биеннале-2019 современного искусства в Венеции Ольга Тобрелутс,. искусствоведы Корнелия Конеска и Елена Спицына. Выставка включает в себя экспозицию, объединившую работы художников разных поколений, серию лекций, показ костюмированного авангардного спектакля, перформанс-монодраму и видеоарт. Основная цель проекта — исследование различий между абстрактным и беспредметным искусством. «Язык абстракции (термин Кандинского), чистой абстракции (термин Филонова), беспредметности (термин Малевича) давно понятен, так же, как язык всех предметно-фигуративных видов: примитива, “реализма”, символики, стилизации, фотографизма, — приводятся в каталоге выставке слова художницы Татьяны Глебовой (1900-1985), чьи работы также экспонируются на выставке. — Разница между абстрактной живописью и беспредметной… Беспредметная живопись воплощается от Высших вселенских законов. Абстрактная живопись есть отвлечение от предмета в силу внутренних переживаний (чувств) художника. Абстрактная живопись экспрессионистична. Беспредметная архитектонична. На западе искусствоведы этой разницы не делают, у них все абстракция. Высшие вселенские законы познаются художником интуитивно. Эмоции подчинены разуму и духовности. При абстрактной живописи тоже работает интуиция, но участвует весь комплекс матерьяльно-душевно-духовный. Она носит индивидуальный характер. При беспредметной живописи индивидуальность подчинена высшим Мировым законам».
Выставку открывают работы Татьяны Глебовой, развивавшей принципы чистой абстракции Павла Филонова, и Владимира Стерлигова, продолжателя традиции беспредметного искусства Казимира Малевича, и круга их соратников — Сергея Спицына, Павла Кондратьева, Владимира Волкова. В соседнем зале царит дух московской абстракции, где представлены работы  — Владимира Немухина, Лидии Мастерковой, Юрия Злотникова, Эдуарда Штейнберга, Льва Нусберга и других. Последующие залы стирают пространственные и временные границы абстрактного искусства, показывая преемственность старых и новых авангардистов, таких как македонский художник Мице Янкуловски, Александр Кожин, Елена Губанова, Ирина Аннина. Здесь же представлены видеоинсталяции медиахудожников Василия Шумова, Максима Свищева, македонской группы ОРА (Obsessive Possessive Aggression) и др.
По мнению московского искусствоведа Сергея Попова, эта выставка – явный прорыв. «Мои аплодисментам настоящим кураторам, которые взялись за титанически сложную задачу — показывать историю современной отечественной абстракции от 60-х до наших дней, да ещё при этом попробовать решить теоретические вопросы, которые ставили сами авторы — говорит Сергей Попов. — Надо сказать, на фоне этой вполне скромной, но с достоинством изложенной выставки вспоминается, что вообще серьезных выставок, посвящённых нашей абстракции, было ничтожно мало».
Выставка открыта до 13 декабря в Центре современного искусства им. Сергея Курёхина по адресу Лиговский пр. 73 с понедельника по субботу с12.00 до 21.00.
Оставить отзыв

Беспредметная Живопись | ГУМЕН ФЕЛИКС

акварель живопись натюрморт пейзаж портрет

Меню Перейти к содержимому

• Биография
• Выставки
• Контакт
• Галереи
  • натюрморты
  • пейзажи
  • портреты
  • Витебские мотивы
  • Живописная Германия
  • Русские просторы
  • Беспредметная Живопись
  • Из личной коллекции

Найти: Композиция №3 Композиция №4 Композиция №5 Композиция №6 Композиция №7. Композиция №8 Композиция №9 Композиция №10 Композиция №11 Композиция №12 Композиция 13 Композиция №14

Страницы

• Биография
• Выставки
• Галереи
  • Беспредметная Живопись
  • Витебские мотивы
  • Живописная Германия
  • Из личной коллекции
  • натюрморты
  • пейзажи
  • портреты
  • Русские просторы
• Контакт

Рубрики

• Uncategorized
• выставки
• жанры
• натюрморт
• пейзаж
• портрет
• события
• социальные сети
• юбилей

FelixGumen

• ПРЕСС-РЕЛИЗ выставки Феликса Гумена «Мастер и ученики». Выставка работает с 19 октября 2012 г. по 5 ноября 2012 г.
• Страница на facebook
• Феликс Гумен, суверенный человек…
• Сайт художника-акварелиста Рынкевича Владимира Ивановича
• Открытие выставки акварели Ф. Гумена в Полоцкой картинной галерее 31.03.17г.. Интервью с художником.
• Международный детский пленер в усадьбе Здравнево. Мастер-класс Ф. Гумена по акварели.
• Мастер-класс Ф.Гумена для студентов ВГУ им.П.М. Машерова. Апрель 2016 года.

Сайт работает на WordPress

Рождение беспредметной живописи

Например, Кандинский поздно расцвел. Он вырос в Москве и жил там до тридцати лет, а в Москве занимался не искусством, а юриспруденцией. Тем не менее в тридцать лет, вдохновленный художественными достижениями в Париже, он решил покинуть Москву и продолжить карьеру в искусстве в Мюнхене. В Мюнхене Кандинский блистал на своих занятиях, и он быстро вышел за пределы классной комнаты, чтобы сформировать прогрессивную организацию под названием «Фаланга»; обучать искусству самостоятельно; и выставить свои работы, которые были включены в Берлинский Сецессион, от которого он получил достаточно прессы, чтобы быть включенным в Осенний салон в Париже в 1904 году.

Но работы Кандинского на этих выставках считались второстепенными и в основном были интересны сказочным повествованием и яркими красками. См., например, его «Синий всадник» 1903 года. В результате в 1903 году Кандинский решил забрать из Мюнхена и отправиться в путешествие. Это ни в коем случае не было коротким путешествием — оно продолжалось до 1908 года. Смысл этого долгого странствования для Кандинского состоял в том, чтобы буквально подвести итоги того, что западное искусство «достигло к тому времени». Хотя путешествия Кандинского были разнообразными, большую часть времени он проводил в Париже.С самого начала своего переосмысления живописи Кандинский стал недоверчиво относиться к любым теориям относительно истины или реальности в искусстве. В частности, он укоренил это недоверие в недавнем распаде атома, который действительно потряс его и показал ему, что любые интерпретации реальности должны подвергаться сомнению; для него это также предполагало, что искусство должно быть связано с мистическим, метафизическим и духовным.

Кандинский начал создавать абстрактные картины в 1908 году. Как он к ним пришел, является предметом споров.Некоторые считают, что это был его опыт наблюдения работ Моне со стогом сена, ценность которых, как он считал, заключалась только в их цветах и ​​линиях. Есть также история о том, как он увидел одну из своих работ, подпертую на бок, светящуюся «внутренним сиянием», и понял, что ее фигуративные элементы второстепенны. В этот период Кандинский начал называть свои работы импровизациями и композициями , отражая его интерес к поиску способа провести параллель с непосредственно выразительной, нематериальной природой музыки в своем искусстве.

Беспредметное искусство: определение, художники и примеры — видео и стенограмма урока

European Non-Objective Artists

На протяжении веков художники писали в основном репрезентативные картины, такие как грандиозные сцены исторических событий, пейзажи и портреты. Но в начале 20 века представления об искусстве стали меняться. Приблизительно в 1918 году впервые появился термин «беспредметный», когда он был использован Александром Родченко (1891-1956), русским художником, который назвал некоторые из своих работ просто Беспредметная живопись .Другие русские художники, такие как Ольга Розанова (1886-1919), также экспериментировали с подобными концепциями и геометрическими формами.

Русский художник Казимир Малевич (1878-1935) особенно интересовался исследованием чистых геометрических форм. Начиная с 1910-х годов его полотна ограничивались основными цветными формами, такими как квадраты и треугольники на плоском фоне. Он назвал свой стиль работы супрематизмом , потому что считал, что чистые цвета и формы лучше изобразительного искусства, потому что они стояли сами по себе, а не полагались на повествование или изобразительное изображение.В 1927 году Малевич опубликовал свои взгляды в книге под названием « Беспредметный мир: манифест супрематизма».

Супрематическая композиция Казимира Малевича

Когда смотришь на картину Малевича, кажется, что фигуры висят в пространстве, неподвижные. Пространство плоское, ни один объект не кажется ближе другого, что создает спокойный и рациональный эффект.

Другой русский художник, Василий Кандинский (1866-1944), рассматривал живопись как духовную деятельность.Он также использовал геометрические формы и линии в своих картинах, но с другим эффектом.

Композиция VIII Василия Кандинского

Например, в «Композиции VIII » Кандинского , написанной в 1923 году, резкие края и линии соединяются с красочными формами и шахматными досками под углами и сквозными узорами. Он активен и полон движения, несмотря на то, что полностью абстрактен.

Американские необъективные художники

В конце 20-го и начале 21-го веков художники продолжали создавать беспредметное искусство.Например, американский художник Ellsworth Kelly (1923-2015) сосредоточился на формальных формах, таких как квадраты. Он использовал цвет, иногда яркий, а иногда однотонный, в простых композициях геометрических форм. Интересно, что Келли начал свою карьеру с рисования узнаваемых вещей, но со временем убрал из своих композиций все, кроме самых основных элементов.

Mediterannee Эллсворта Келли, 1952 г.

Другой американский художник, Фрэнк Стелла (1936 г.р.), намеренно подчеркивает плоскость холста и фокусируется на геометрических принципах, таких как линия, плоскость и точка.Его работы отличаются четкими, резкими краями и большими полосами цвета.

Итоги урока

Давайте повторим. Беспредметное искусство часто включает в себя элементы геометрии, поэтому его иногда называют геометрической абстракцией. Беспредметное искусство — это тип абстрактного искусства , при котором художники не озабочены изображением узнаваемых объектов из видимой реальности. Беспредметное искусство сильно отличается от репрезентативного искусства , целью которого является воспроизведение изображения животного, человека, места или предмета.

Александр Родченко , русский художник, был первым, кто использовал термин «беспредметный». Среди других русских художников, которые экспериментировали с яркими цветами и геометрическими формами, была Ольга Розанова. Казимир Малевич создал беспредметное искусство, которое он назвал супрематизмом , потому что он считал, что чистые цвета и формы лучше репрезентативного искусства, потому что они стояли сами по себе, а не полагались на повествование или изобразительную визуализацию. Василий Кандинский , рассматривавший живопись как духовную деятельность, использовал в своих картинах геометрические формы и линии, но с другим эффектом.Среди американских художников, создававших необъективных пациентов на протяжении 20-го и 21-го веков, были Эллсворт Келли и Фрэнк Стелла.

Что такое необъективное искусство — определение и примеры

Есть ли связь между атомным распадом и необъективным искусством ? А как насчет Эрнеста Резерфорда и Василия Кандинского? В начале 20-го века открытия в физике быстро изменили наше восприятие мира , дойдя до того, что показали нам, что даже самую маленькую составную единицу обычной материи можно разбить на еще более мелкие частицы. Эрнест Резерфорд, который сегодня считается отцом ядерной физики, опубликовал Theory of Atomic Disintegration в 1902 году вместе с Дж.Дж. Томсон. В книге они изложили радикально новую идею о том, что атомы радиоактивных веществ можно расщепить. Примерно в то же время Василий Кандинский решил покинуть Мюнхен, где он учился, и отправиться в путешествие по Европе, чтобы увидеть, чего западное искусство, по его словам, «достигло к тому времени». Это путешествие было спровоцировано мягким приемом его работ на выставке Берлинского Сецессиона и Осенний салон в Париже в 1904 году.С подозрением относясь к теориям, обнаруживающим истину окружающей нас действительности в произведениях искусства, и знакомый с теориями о распаде атома, Кандинский начал сомневаться в правдивости реальности , что вскоре привело его к определению новой линии в осмыслении искусства. , который имел дело не с реальным, чем бы это реальное ни было, а с метафизическим.

Слева: Марк Ротко — Черный в темно-красном. Изображение с сайта marcrothko.org/ Справа: Василий Кандинский — Голубой сегмент, 1921 год.Изображение с сайта wassilykandinski.net

Духовное искусство Кандинского

Этот сдвиг в мышлении об искусстве от представления реальности к представлению Stimmung или сущностного духа природы, который повлияет и вдохновит многих художников необъективного искусства, был разработан Кандинским в его тексте О духовном в ст. . Как он пишет, в большом искусстве:

«Зритель испытывает в себе соответствующий трепет.Такая гармония или даже контраст эмоций не может быть поверхностной или бесполезной; действительно Stimmung картины может углубить и очистить Stimmung зрителя. Такие произведения искусства хотя бы сохраняют душу от грубости; они, так сказать, «подтягивают» его до определенной высоты, как настраивающий ключ струны музыкального инструмента». ^[1]

Смотрите больше работ Василия Кандинского на нашей торговой площадке!

Очевидно, Кандинский видел в искусстве средство, помогающее настроиться на высшие, метафизические и духовные сферы, растворяющие грубость действительности, но и на материалистическое, позитивистское мышление XIX века .Однако его переход к абстракции не был внезапным, а происходил постепенно с годами, и его первым беспредметным произведением искусства стала акварель 1910 года. Позднее Кандинский поставил духовное выше материального, вдохновив художников на поиск чистого художественного выражения. отстраненная форма реальности в геометрических формах и цветах, которые определяют беспредметное искусство .

Хелен Миррен о Василии Кандинском

Определение необъективного искусства – абстрактное и нерепрезентативное

Беспредметное искусство — это общий термин, определяющий форм абстрактного искусства, которые не соответствуют идентифицируемым, количественным и наблюдаемым характеристикам живого мира . Его часто связывают с двумя знаковыми фигурами русского искусства, Александром Родченко и его соотечественником Казимиром Малевичем, которые стали пионерами абстрактного искусства, основанного на геометрических формах и линейности, которое также называют геометрической абстракцией . Термин «беспредметное искусство» впервые использовал Родченко, когда он назвал некоторые из своих картин, а затем его подхватили другие художники, такие как Малевич. Последний также написал книгу под названием Беспредметный мир: Манифест супрематизма , которая была опубликована в 1926 году.Определение беспредметного искусства вращается вокруг абстрактных выражений, но, выражаясь проще, можно сказать, что беспредметное искусство означает произведения искусства, которые создают новый мир, состоящий из элементов, которые обычно ничего не значат , таких как квадрат , линия или мазок цвета. Супрематизм, конструктивизм и де Стиль, с его самым известным представителем в лице Пита Мондриана, принадлежат к группе беспредметных художественных стилей, которые имеют некоторые взаимные различия. В то время как все они коренились в попытке изменить мир и создать новое искусство, функциональное и нормативное, Супрематизм был основан на дореволюционном анархизме в России, Конструктивизм подчеркивал технологическую и футуристическую эстетику, а Де Стиль придерживался четко определенной и очерченной плоскости.

Кристиан Роза-Паппи Чуло, 2013 г. Изображение из архива Widewalls.

Черно-белое беспредметное искусство Малевича

Малевич был одним из первых живописцев, пытавшихся достичь идеала абсолютной живописи, очищенной от всяких аллюзий и объективных референций . ^[2] Возможно, самый радикальный из необъективных художников и теоретиков, он настаивал в своих работах на том, что искусство и чувства, которые оно может порождать, важнее политических концепций и религиозных убеждений. ^[3] В 1913 году он основал супрематизм, и с этого момента его эстетика изменила направление. Одно из произведений искусства, которое знаменует собой супрематизм, — это его Черный квадрат на белом фоне 1913 года. Картина призвана вызвать «опыт чистой беспредметности в белой пустоте освобожденного ничто». ^[4] Это первая из серии так называемых «последних картин», в которой он пытался дойти до конца репрезентации, что впоследствии привело бы к гибели живописи.По его словам, он только что «ощутил ночь внутри себя и ощутил то новое, что я называю супрематизмом». ^[5] Кульминацией его поисков абсолютной беспредметности стал его Белый квадрат на белом фоне 1917 года. С этой картиной он достиг границы небытия:

«Я преобразился в ноль формы и вышел из ничего к творчеству, то есть к супрематизму, к новому реализму в живописи — к беспредметному творчеству. ^[6]

Слева: Казимир Малевич — Черный квадрат, 1915 г. / Справа: Казимир Малевич — Белым на белом, 1917 г. Изображения из архива Widewalls.

Необъективное искусство сегодня

Хотя сегодня говорить о беспредметном искусстве может показаться анахронизмом, поскольку этот термин использовался для определения искусства в конкретном историческом контексте, формальные элементы этого искусства остаются частью художественных изысканий и сегодня. Хотя контекст, который привел к появлению беспредметного искусства, резко изменился за десятилетия, сегодня мы видим использование одних и тех же геометрических форм и абстрактных элементов в произведениях искусства, созданных по всему миру.Абстракция вошла в художественный декорум модерна и сегодня является частью постмодернистского многообразия и свободной игры стилей и художественных форм. Кристиан Роза, Бен Берлоу, Аниш Капур, Кика Каради и Молли Цукерман Хартунг — вот лишь некоторые из имен художников, которые сегодня создают абстрактное и беспредметное искусство. Их работы были проанализированы и сравнены с их историческими предшественниками, но они также придают новый и современный оттенок этому художественному стилю. Духовность, поиск более глубоких смыслов и эмоциональная вовлеченность сегодня кажутся более выраженными, чем когда-либо, и искусство, безусловно, следует этим тенденциям.Мало того, что беспредметное искусство сегодня живо и процветает, без него мы едва ли можем представить современное искусство .

Совет редактора: О духовном в искусстве

Эта книга — новаторская работа в движении за освобождение искусства от его традиционных уз, связанных с материальной реальностью, — один из самых важных документов в истории искусства. Написанная известным необъективным художником Василием Кандинским (1866–1944), она объясняет собственную теорию живописи Кандинского и кристаллизует идеи, оказавшие влияние на многих других художников того периода.Наряду с его собственным новаторским искусством, эта книга оказала огромное влияние на развитие искусства. Идеи Кандинского представлены в двух частях. Первая часть, озаглавленная «Об общей эстетике», призывает к духовной революции в живописи и выражению в абстрактных, нематериальных терминах. Во второй части «О живописи» Кандинский рассуждает о психологии цвета, языке формы и цвета, а также об обязанностях художника.

Каталожные номера:

1. Попова М., Кандинский о духовном элементе в искусстве и трех обязанностях художника, www.brainpickings.org [26 января 2017 г.]
2. Рурберг К. и др., (2005), Искусство ХХ века. Живопись, Скульптура, Новые Медиа , Фотография, стр.164.
3. Малевич К., (1926), Беспредметный мир: Манифест супрематизма , с. 7.
4. Друтт М., (2003), Казимир Малевич: Супрематизм .
5. Рурберг К. и др., (2005), Искусство ХХ века , с.165.
6. Друтт М., (2003), Казимир Малевич .

Избранные изображения: Картина Казимира Малевича, изображение с сайта 100architects.com; Василий Кандинский — Композиция VII, 1913. Предоставлено Государственной Третьяковской галереей, Москва; Александр Родченко — Конструкция №95. Изображение с сайта magazineclick. com. Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Абстрактное искусство и беспредметное искусство

Что такое абстрактное искусство?

Возможно, вы взглянули на произведение абстрактного или беспредметного искусства и запутались.Может быть, вы сказали себе: «Какое это искусство?» или «Почему это искусство?»

Возможно, вас даже разозлило абстрактное искусство или беспредметное искусство. Возможно, вы подумали про себя: «Это может сделать каждый!» Или, может быть, «Это не искусство!»

Проблема с абстрактным искусством заключается в том, что большинство людей просто не тратят время на то, чтобы понять или оценить его. Они просто смотрят на навыки, необходимые для физического рисования и рисования изображения, и именно так они его оценивают.

Правда в том, что умение, связанное с абстракцией, заключается не в применении среды.Истинное мастерство заключается в видении художника и в том, как он общается через свои работы.

Легко упустить мастерство, существующее в абстракции и беспредметном искусстве, если вы не понимаете, что происходит. Итак, давайте погрузимся немного глубже с открытым разумом.

Различные формы искусства

Мир искусства огромен — с множеством разных стилей, течений, сред и художников. Довольно легко запутаться и запутаться. Но, к счастью, этот обширный мир можно упростить.Все произведения искусства попадут в одну из трех категорий. Произведение искусства бывает репрезентативным, абстрактным или беспредметным.

Репрезентативное искусство

Как следует из названия, репрезентативное искусство стремится воспроизвести наблюдаемый мир. Когда намерение состоит в том, чтобы создать репрезентативное произведение искусства, художник озабочен пропорциями, источником света, глубиной и пространством, перспективой, реалистичными текстурами и так далее. Художник использует элементы искусства, чтобы обмануть взгляд зрителя и создать убедительную иллюзию в рисунке или картине.

Существуют разные степени изобразительного искусства — но пока — давайте рассмотрим его как одну категорию. (Для некоторых людей это ЕДИНСТВЕННАЯ форма искусства в их представлении, но есть еще кое-что, что можно открыть и оценить.)

Абстракционизм

Самая непонятая форма искусства — это абстракция. Абстракция возникает, когда намерение художника состоит в том, чтобы создать измененное изображение предмета или концепции. Правила изобразительного искусства могут быть полностью отброшены, если того пожелает художник-абстракционист.В этом виде искусства художник использует элементы искусства, чтобы исказить то, как мы видим объект в реальности. Этого можно добиться несколькими способами — упрощением, изменением цвета, изменением вида и так далее.

В абстрактном искусстве художник начинает с конкретного предмета из реальности, даже если предмет может быть не полностью узнаваем в готовой работе.

Беспредметное искусство

Третья категория искусства называется «беспредметной». Эта форма искусства отличается от репрезентативного и абстрактного искусства тем, что ничего не берет от реальности.Единственная цель состоит в том, чтобы создать визуальную работу, созданную исключительно для эстетики. Хотя абстрактная работа может показаться похожей на беспредметную, отправная точка и намерение художника отличаются. По этой причине беспредметное искусство получает свою собственную категорию.

Ранние формы абстрактного искусства

Чтобы понять абстрактное искусство, мы должны сначала взглянуть на историю его возникновения.

Абстрактное и беспредметное искусство существует столько же, сколько и само искусство.Наскальные рисунки, подобные тем, что в Ласко во Франции, абстрактны. Эти плоские, упрощенные формы животных будут вдохновлять художников тысячи лет спустя, в двадцатом веке. Абстракция заключается в простоте. Это означает, что самые ранние и самые старые формы искусства являются произведениями абстракции.

Абстрактное и беспредметное искусство позже доминировало в начале двадцатого века. Однако в предыдущие века и большинство художников работали над репрезентативным изображением своего предмета.

Чтобы понять абстрактное и беспредметное искусство, нужно сначала рассмотреть репрезентативное искусство. Репрезентативное искусство, часто называемое реализмом, пытается скопировать естественный опыт видения. Приставка «ре» означает снова. Корень слова «присутствовать» может означать «показывать». Таким образом, «снова показывают» то, что впервые увидели при репрезентативной работе — копию натуры.

В начале двадцатого века абстрактное искусство было ответом изобразительному искусству.Абстракция — это изменение естественного способа видения чего-либо. Искаженные пропорции, неестественные цвета и упрощение форм — вот лишь несколько способов, которыми художник может изменить изображение определенного предмета.

Картина есть картина

В 1929 году Магритт завершил свою влиятельную и неоднозначную картину «Вероломство образов». На этой картине Магритт представил реалистическую картину трубки со словами внизу: «Ceci n’est pas une pipe». В переводе с французского эти слова гласят: «Это не трубка.

Для тех из нас, кто застрял в мире реализма, это утверждение может быть чрезвычайно запутанным. Ведь мы ясно видим, что на картине это трубка — верно?

Но трубка ли это? Можно ли набивать в него табак и курить? Вы можете держать его в руке?

Вы не можете делать ничего из этого, потому что это НЕ труба. Вместо этого картина трубы.

Эта картина может помочь нам лучше понять и оценить любую форму искусства, созданную вне сферы реализма.Картина есть картина. Картина — это не та реальность, которую она пытается скопировать. Чтобы картина получилась успешной, ее не обязательно заимствовать из реальности. Картина может быть чем угодно. Он не должен имитировать реальность.

Имея в виду эту концепцию, мы можем открыться миру абстракции и беспредметного искусства. Мы должны отказаться от того факта, что картина или рисунок должны быть репрезентативными, чтобы иметь ценность. Давайте сначала погрузимся немного глубже в абстрактное искусство.

Определение абстрактного искусства

Изменение находится в центре абстрактного искусства. Абстракция — это форма изменения предмета способом, отличным от того, как он рассматривается в реальности. Это может быть так же просто, как изменение цвета; или столь сложное, как смена предмета так, чтобы он был совершенно неузнаваем.

Достоинство абстрактного искусства двоякое. Можно оценить, как художник изменил тему, но также и формальные качества получившейся работы.

В некоторых случаях мы можем не знать мыслительный процесс, стоящий за абстракцией, но мы можем оценить получившуюся работу — цветовые отношения, композицию, использование элементов и принципов искусства и т. д.Но в некоторых случаях мы можем знать намерение художника и то, как он решил изменить тему, что дает нам другой способ оценить произведение.

Людям, которые не понимают цели абстракции, легко отмахнуться от нее как от низшей формы искусства, особенно если они судят о ней по тому, насколько репрезентативно художник делает свою работу. Однако, как только вы углубитесь в смысл и цель абстракции, мы сможем лучше ее оценить. Возможно, вы даже обнаружите, что цените это еще больше, когда пытаетесь сделать это самостоятельно.

Сравнение различных форм абстракции

Как упоминалось ранее, в искусстве существуют различные степени абстракции. Визуальную абстракцию лучше всего понимать как существующую в континууме. Представьте себе линию. На одном конце линии фотореалистичные произведения искусства. На другом конце — беспредметные произведения искусства без узнаваемого, именуемого предмета. Абстрактное искусство находится посередине, где-то между репрезентативным искусством и беспредметным искусством.

На этой линии есть точки, представляющие различные степени абстракции.Возьми свой любимый мультфильм. Есть ли в мультфильме черные контуры? Линии абстрактны. Подумай об этом. В «реальной жизни» нет очередей. Есть только ребер цвета и значения. Использование линии для определения контура на самом деле является изменением естественного способа видения.

Значит ли это, что мультфильм — это абстрактное искусство? Не совсем так, но это значит, что мультфильмы стилизованы. Считайте стилизацией первой остановкой на пути к абстракции.

Приведенный выше континуум представляет собой попытку организовать несколько художественных направлений в соответствии с их степенью абстракции.Художники и Движения на линии расположены не в хронологическом порядке. Крайний справа Чак Клоуз, фотореалист. Его художественные работы развивались с течением времени, но работы, которые он создавал в конце шестидесятых и начале семидесятых годов, определили фотореализм, наиболее репрезентативное искусство до сих пор. И Уинслоу Гомер, и Клод Моне представляют движения 1800-х годов, когда художники работали репрезентативно. Следующая картина Моне использовала объем и цвет для создания правдоподобного, реалистичного пространства.

Точка, в которой Поль Сезанн появляется на континууме, знаменует собой поворотный момент в истории искусства. Поля Сезанна часто называют «отцом современного искусства». Искусство Сезанна (см. ниже) имеет плоское качество, которое подчеркивали последующие художники. Посмотрите, как тарелка слева выглядит более круглой, чем тарелка справа. Кажется, они не принадлежат одному и тому же пространству вместе.

Двигаясь влево по континууму, художники-прецизионисты, такие как Чарльз Демут и, в меньшей степени, Джорджия О’Киф, рисовали легко узнаваемые абстрактные образы.Оба «приближали» свои объекты, уменьшая различие между передним, средним и задним планами.

Вместо этого их объекты кажутся тесными на поверхности их плоскости изображения, что опять же создает ощущение плоскостности. Кроме того, Демут рисовал длинные прямые линии прямо через свои композиции, чтобы создавать новые формы (см. Ниже). Таким образом, он брал что-то из реальности и менял ее.

Еще глубже в мир абстракции уходит Пабло Пикассо.Соучредитель Cubism , Пикассо рисовал свой предмет сразу с нескольких точек зрения. Подумайте о кубе. У него шесть сторон, но человек может видеть максимум три одновременно. Зная, что существуют три другие стороны, Пикассо мог бы нарисовать некоторые из них. Способ Пикассо изменить реальность заключался в том, чтобы нарисовать больше , чем то, что видно с одной точки зрения.

Посмотрите на изображение ниже. Это натюрморт, написанный в стиле кубизма. Желтый сосуд круглый сверху, но плоский снизу.Верхняя часть сосуда представляет собой вид сверху, а нижняя — вид сбоку, все одновременно. Кроме того, помидоры нарисованы с точек обзора, что исключает наложение, наблюдаемое на эталонной фотографии. Меньшее перекрытие увеличивает плоскость изображения. Сравните картину с эталонной фотографией.

Еще дальше по континууму мы находим Виллема де Кунинга и других абстрактных импрессионистов. Эти художники больше заинтересованы в качестве своих мазков, чем в изображении предмета.Эти художники действительно рисуют свою эмоциональную реакцию на предмет.

Ниже приведен пример произведения искусства, подражающего подходу де Кунинга к абстракции. Эталонная фотография, использованная для примера кубизма, была снова использована для примера ниже. Нарисовав уже две абстракции одного и того же натюрморта, я начал чувствовать некоторое презрение к аранжировке. Поэтому эмоция, выраженная в этом произведении, на самом деле является пренебрежением. Ты это видишь?

Беспредметное искусство

Необъективное искусство определяется как не имеющее узнаваемого предмета.Отправная точка ничего не берет из визуальной реальности. Вместо того, чтобы рисовать людей, деревья, здания или любые другие наблюдаемые объекты, необъективные художники используют элементы искусства в качестве своего предмета; линии, фигуры, формы, значения, цвета и текстуры. Посмотрите, как эти элементы использованы Кандинским в картине ниже.

Необъективное искусство бывает трудно классифицировать. Без дополнительной информации следующее изображение также может оказаться необъективным. Он основан на той же эталонной фотографии, что и кубистический пример.Тем не менее, это произведение искусства является лишь очень абстрактным и не беспредметным. Будучи сведенным к плоским, разрозненным формам, нельзя с уверенностью идентифицировать ни один из изображенных объектов.

И наоборот, зритель может увидеть произведение искусства, которое является необъективным, но считать его абстрактным из-за наложения собственного творчества. Все люди творческие в разной степени по сравнению с другими животными.

Подумай об этом. Вы когда-нибудь видели облако, похожее на что-то другое? Это творчество.То же самое происходит и с беспредметным искусством, к огорчению беспредметных художников. Люди верят, что видят то, что не задумано художником. По этой причине беспредметное искусство сложно отличить от абстрактного искусства.

Является ли следующая работа абстрактной или необъективной? Как вы можете быть уверены?

На самом деле это беспредметное произведение искусства. Это успешно? Это похоже на то, что вы видели раньше? Если изображение выше уникально для зрителя, то это успешное необъективное произведение искусства.

В случаях, когда мы не знаем замысла художника, бывает невозможно отличить абстрактную работу от беспредметной. Но это не главное. Нам не нужно знать, чтобы наслаждаться и ценить работу.

С чего бы ни начинал художник, цель конечного результата одна – создать эстетически удачное произведение искусства.

Заключение

И это цель любой работы, которую мы создаем – создать что-то, чего раньше не было, красивое, наводящее на размышления или каким-то образом обогащающее.Оно может быть репрезентативным, абстрактным или беспредметным. Но это все искусство, и все это можно оценить.

Это должно дать нам свободу. Свобода создавать то, что мы хотим, и свобода от критики, которая живет в наших умах. Что ты собираешься создать сегодня?

Беспредметное искусство: определение, история

Известные картины

Аннотация картины можно увидеть во многих лучших художественных музеев мира. Вот небольшая подборка таких работ, перечислены в хронологическом порядке художников.

• Василий Кандинский (1866-1944)
Композиция VIII (1923, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк)
Композиция IX (1936, Центр Жоржа Помпиду)

• Франк Купка (1871-1957)
Диски Ньютона: Эскиз фуги в двух цветах (1912, Музей National d’Art Moderne, Центр Жоржа Помпиду)

• Пит Мондриан (1872-1944)
Композиция (1917, Кроллер-Мюллер) Museum, Otterlo)
Композиция с желтым, синим, красным (1942, Коллекция Тейт, Лондон)

• Казимир Малевич (1878-1935)
Супрематизм (1915, Стеделийк Музей)
Супрематическая композиция: Белое на белом (1918, МоМА, Нью-Йорк)

• Пауль Клее (1879-1940)
Вечерний огонь (1929, Музей современного искусства, Нью-Йорк)

• Михаил Ларионов (1881-1964)
Красный лучизм (1913, собрание Мерцингера, Швейцария)

• Наталья Гончарова (1881-1962)
Районист Лес (1914) Е Рубин Коллекция

• Тео Ван Дусбург (1883-1931)
Композиция VII (Три грации) (1917, частное собрание)
Арифметическое сочинение (1930, частное собрание)

• Робер Делоне (1885-1941)
Ритм 1 (1940, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду)

• Соня Делоне-Тюрк (1885-1979)
Prismes Electriques (1914, Национальный музей современного искусства)

• Йозеф Альберс (1888–1976)
Фуга (1925, Художественный музей, Базель)
Трансформация схемы (1952, Художественная галерея Йельского университета)
Посвящение площади (1964, Лондон, Тейт)
Подтверждение (Этюд посвящения площади) (1971, частная коллекция)

• Любовь Попова (1889-1924)
Космонавтика (1920-1, частная коллекция)

• Александр Родченко (1891-1956)
Композиция (1918, МоМА, Нью-Йорк)
Композиция (Преодоление красного) (1918, Annely Juda Fine Art, Лондон

• Эль Лисицкий (1890-1941)
Proun 19D (1922, МоМА, Нью-Йорк)

• Ласло Мохой-Надь (1895-1946)
Черный четверть круг с красными полосами (1921, частная коллекция)

• Жан Хелион (1904-87)
Баланс (1933, Гамбургский Кунстхалле)

• Виктор Вазарели (1908-97)
Capella 4B (1965, Музей современного искусства, Нью-Йорк)
Пал-Кет (1973-4, Музей изящных искусств, Бильбао)

• Агнес Мартин (1912-2004)
Тремоло (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк)

• Элсворт Келли (род. 1923)
Четыре панели (1964, Галерея Близнецов, Лос-Анджелес)

• Кеннет Ноланд (р.1924)
Подарок (1962, Коллекция Тейт, Лондон)

• Роберт Райман (1930 г.р.)
Курьер II (1985, частная коллекция)

• Бриджит Райли (р.1931)
Fission (1963, MoMA, Нью-Йорк)

• Фрэнк Стелла (род. 1936)
Black Adder (1965, Галерея Лео Кастелли, Нью-Йорк)

Абстрактное и беспредметное искусство

Абстрактное искусство против беспредметного искусства Уважаемые художники: Мы с соседкой говорили на утренней прогулке о современном искусстве и не можем прийти к единому мнению, есть ли разница между «абстрактным искусством» и «беспредметным искусством».Можете помочь объяснить разницу, если она есть? Подписано, Объективно Абстрактное Уважаемый Объективно, Существует много путаницы в том, что подразумевается под абстрактным искусством и чем оно отличается от беспредметного искусства. Распространенной ошибкой является мнение, что все абстрактное искусство необъективно. По сути, разница в том, что абстрактное искусство определяет искусство, которое искажает фактическое представление чего-либо, например, кубизм — это тип абстрактного искусства, в котором любой предмет, такой как женское тело, будет искажен в геометрические формы.Необъективное, также называемое нерепрезентативным, искусство определяет искусство, которое не представляет и не изображает какое-либо идентифицируемое лицо, место или вещь. Содержанием произведения являются его цвет, формы, фактура, размер и масштаб. Живопись цветового поля (вспомните Марка Ротко) — пример беспредметного искусства. Один из художников, представленных нашей галереей, Филип Морсбергер, рисует как в беспредметном, так и в абстрактном стиле. Каждая из картин Морсбергера начинается как завершенная беспредметная картина различных цветов и форм.После того, как его беспредметная картина завершена, он созерцает законченную работу. После размышлений над произведением он начнет видеть образы из своей памяти и своего воображения, формирующиеся из форм и цветов его беспредметной живописи. Это похоже на видение фигур в облаках в небе. Затем он закрашивает беспредметную картину абстрактными фигурами, предметами и словами. На создание большинства его картин у него уходит много лет, потому что он вернется к живописи, когда увидит больше изображений в абстрактных формах и цветах.Иногда, как в одном из приведенных здесь примеров, он сохраняет в конкретной работе беспредметную картину цвета и формы. Можно ли беспредметную живопись также назвать абстрактным искусством? да. Все ли абстрактное искусство необъективно? Нет. Оба примера картин Морсбергера можно отнести к абстрактным, но только картины без идентифицируемого предмета можно назвать беспредметным или нерепрезентативным искусством. С уважением, Художники

Необъективная картина №80 (черное на черном)

 

Александр Родченко создал «Беспредметную картину No. 80 (черное на черном)» в 1918 году. Эта картина находится на заре творческой карьеры Родченко, которая приходится на годы, предшествовавшие русской революции. Карьера Родченко также пришлась на эпоху конструктивизма, и эта картина стала началом этой футуристической эпохи искусства. Родченко и другие конструктивисты считали себя больше, чем художниками, и хотели, чтобы их работы реализовывали больше, чем просто картину. Они хотели, чтобы их работа выходила за рамки холста или шаблона дизайна.При осмотре картины есть некоторые символы, которые пытался использовать Родченко. Эти символы включают в себя то, как Родченко пытался связать эту картину с некоторыми творениями Малевича, отношения к бесконечному пространству и непрерывности, а также символизм спирали в картине.

Произведения Родченко и Малевича очень сопоставимы по стилю и схожи с различными произведениями искусства, созданными в этот период в России. Оба пытались заново создать искусство в России и двигаться к светлому будущему искусства. Эта концепция положила начало конструктивизму. Художники стали считать себя не только художниками, но и нормальными людьми с талантами. С этими мыслями художник также хотел сделать свои работы более реалистичными или, по крайней мере, в каком-то отношении к реальной жизни. Родченко « Беспредметная живопись № 80 (черное на черном) » в основном передает работы Малевича и черный квадрат или Малевича белое на белом живописи. Малевич использует белый фон в качестве фона для этих картин, а Родченко использует черный фон.Оба должны представлять ощущение пространства или расширение за пределы самой картины. Однако при использовании черного в качестве фона больше используются другие цвета для символизации, и невооруженным глазом можно заметить различные оттенки черного или черные мазки. С черным фоном можно выразить любые цвета, например, используя «настоящий белый» по сравнению с «не совсем белым», который обычно используется на белом фоне. Выражение других цветов может быть таким же ярким на черном или белом фоне. Следовательно, белое на белом очень трудно увидеть, и Малевич использует «не совсем белый», чтобы отобразить квадрат на реальном фоне своей картины. На мой взгляд, версия Родченко с изображением бесконечного пространства с помощью черного цвета является лучшей из двух. Использование черного цвета в искусстве в качестве фона было более конкретной идеей и отношением к реальной жизни. Добавление черного цвета в качестве фона может усилить эффект создания портрета на холсте. Конструктивисты хотели перевести искусство в футуристическое движение, а модернизация искусства означала реалистичные ценности.

Пространство — это то, что, по мнению большинства, не может быть определено. Однако пространство может быть ограничено внутри зданий, классных комнат и т. д. Однако внутри всех вещей пространство бесконечно, даже если оно ограничено. Черный фон изначально изображает символику бесконечного пространства. Если подумать с астрономической стороны, то пространство за пределами этой атмосферы черное, которое только освещают звезды на небе. Это астрономическое пространство неизмеримо и бесконечно, подобно пространству, которое Родченко предлагает на этой картине.Бесконечность также может быть показана в виде фигур. Здесь Родченко использует круг, чтобы намекнуть на совершенную бесконечность. Я использовал совершенную бесконечность из-за идеального круга, нарисованного на картинке. Несмотря на то, что изображение черное на черном, круг, очерчивающий круг, определен, и его можно увидеть и проследить невооруженным глазом. Путем исследования можно очертить отличие круга и проследить его, когда он начнет закручиваться по спирали. Спираль известна как оптическая иллюзия, но также означает бесконечное движение.Спираль имеет иллюзию трехмерности на этом снимке из-за использования тени Родченко. Белая тень создает ощущение наслоения между черным и золотым цветами. Трехмерность сама по себе подразумевает пространство за пределами изображения.

Спираль на этой картине изображает бесконечность и идею непрерывного движения. Точного местоположения начала спирали нет; таким образом, конец также не имеет определенного местоположения. Зная, что мы живем в трехмерном мире, спирали — это иллюзия и аспекты повседневной жизни, которые вплетают трехмерные идеи в наш мир.Спираль показана как трехмерная из-за использования белой тени вокруг пятна спирали, чтобы создать ощущение многослойности спирали. От этого спираль как будто идет на тебя с картинки. Кроме того, кажется, что черный цвет поверх золотого скрывает какой-то свет. Я говорю это потому, что цвет становится темнее по мере приближения спирали к вам. Есть много мелких пятен на золоте, что подразумевает ощущение расстояния. И наоборот, есть большие сегменты черного, что означает, что черный становится все ближе и ближе по мере того, как изображение появляется перед вами.

 

Через эту картину Беспредметная картина № 80 Родченко выражает черты конструктивизма с мыслью о том, чтобы сделать что-то двумерное трехмерным. Здесь начинается поступательное движение русского искусства, и Родченко вместе с другими конструктивистами предвкушает благополучное будущее.