Эрмитаж представил выставку работ важнейших представителей модной фотографии XX-XXI веков — Культура
САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, 12 декабря. /ТАСС/. Государственный Эрмитаж открыл в Главном штабе экспозицию об истории модной фотографии, на которой представлены работы почти двух десятков культовых авторов, в числе которых — Ирвин Пенн, Хельмут Ньютон, Херб Ритц.
«Это классика не просто модной фотографии, это классика вообще фотографии XX-XXI веков. Здесь и Ирвин Пенн, и Ричард Аведон, и другие — два десятка невероятных имен, — сказал журналистам куратор выставки, заведующий отделом современного искусства Эрмитажа Дмитрий Озерков. — Мы захотели эти работы показать как некую квинтэссенцию красоты, стиля, моды, достоинства. <…> Это такой «код человечества», который мы хотим сохранить в вечности. То есть, если бы мы улетели на Марс, мы взяли бы эти снимки с собой».
Фотографии для выставки предоставлены Фондом Still Art, который управляет на сегодняшний день самым масштабным в России собранием западной модной фотографии XX-XXI вв.
«Мы решили всю эту выставку построить в виде такой космической станции, которая готова к взлету. Мы ее собрали из специального пластика, изготовленного намеренно для этого зала. Нам показалось очень интересным, что все работы, когда они висят на полукруге, они все видны», — отметил Озерков. Экспозиция выстроена таким образом, что между фотографиями возникает множество разных перекличек — хронологических, личностных, тематических. Среди персонажей в объективе — супермодели Наталья Водянова, Кейт Мосс, Клаудиа Шиффер, модельеры Коко Шанель, Жан-Поль Готье и Карл Лагерфельд и многие другие знаменитые представители мира моды.
«Каждый из отпечатков имеет свою историю. Они куплены в фондах, на аукционах, у владельцев, часто — у фотографов.
У них есть тираж, у них есть номер по тиражу, это официальные отпечатки», — подчеркнул Озерков. Самая ранняя из представленных работ — классический авторский отпечаток 1939 года «Корсет Mainbocher» Хорста П. Хорста, который считается ярким символом Европы между двумя мировыми войнами и своего рода точкой отсчета истории модной индустрии.Выставка «Красота и стиль. История модной фотографии из собрания Фонда Still Art» подготовлена в рамках проекта «Эрмитаж 20/21». Ее открытие стало частью программы Дней Эрмитажа, ежегодно проводимых в честь покровительницы музея святой Екатерины. Экспозиция будет доступна по 13 марта 2022 года.
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Билл Каннингем
БИЛЛ КАННИНГЕМ
МОДА НА ПОДИУМАХ И ТРОТУАРАХ
Куратор: Анна Зайцева
Проект представлен:
Стратегический партнер музея: Mastercard
В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии-2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва впервые представляет выставку легендарного американского фотографа Билла Каннингема.
Выставка «Билл Каннингем. Мода на подиумах и тротуарах» включает 150 снимков, которые не только демонстрируют хронику пяти десятилетий элитарной и уличной моды, но и рассказывают о жизни большого города, который в те годы был совсем не похож на современный Нью-Йорк.
Билл Каннингем родился в 1929 году в Массачусетсе, где провел детство и юность. Некоторое время учился в Гарвардском университете, а затем переехал в Нью-Йорк, чтобы попробовать себя в качестве дизайнера головных уборов. В течение нескольких лет он изготавливал шляпки для сети магазинов Chez Ninon, но затем понял, что головные уборы теряют свою актуальность в сфере женской моды, и в середине 60-х решил переквалифицироваться в журналисты. Этот выбор оказался удачным, а работа обозревателем Women’s Wear Daily и нью-йоркским корреспондентом The Chicago Tribune стала отправной точкой его длительной карьеры в модной журналистике. Изначально Каннингем писал статьи и колонки, но с 1967 года начал также работать фотокорреспондентом.
Каннингем пристально следил за изменениями, происходившими в космополитичной среде мегаполиса. На его снимках представлены три главные арены, где проявлялись новейшие тенденции моды: показы от-кутюр, вечеринки и, в первую очередь, улицы Нью-Йорка и Парижа. Эти фотографии помогают подробно проследить эволюцию модных течений и общественных настроений, отражавших политические события и культурные преобразования того времени. Обычные люди попадали в объектив Каннингема наравне со знаменитостями. Он с одинаковым удовольствием фотографировал стильных персонажей, выделявшихся из толпы на 57-й улице, и таких звезд, как Диана Вриланд, Анна Винтур, Жаклин Кеннеди Онассис, Барбра Стрейзанд, Элизабет Тейлор, Лайза Миннелли, Дэвид Боуи, Джанни Версаче, Карл Лагерфельд, Лучано Паваротти, Михаил Барышников и др.
В 2019 году Кэти Хорин, знаменитый критик моды и бывший контрибьютор The New York Times, писала в предисловии к книге «Билл Каннингем. На улице: пять десятилетий культовой фотографии»: «[Билл] первым запечатлел женщин, которые отказались от каблуков и начали ходить на работу в кроссовках, показал возвращение широких костюмов 30—40-х, появление джинсов с низкой посадкой, моду на камуфляж, а также добрую сотню стильных нарядов, защищавших ньюйоркцев от непогоды. Он считал, что истинный портрет моды — и, опосредованно, эпохи — определяется тем, как одеваются реальные люди, будь то подростки в экстравагантных толстовках или богачи на благотворительных приемах. Модных подиумов ему было недостаточно, поэтому каждый день он брал в руки камеру и выходил с ней на улицу».
Авторская рубрика Evening Hours в The New York Times свидетельствует о том, что Каннингем практически не пропускал светские рауты и вечеринки, иногда посещая до двадцати мероприятий в неделю.
Также нельзя не упомянуть о скромности и щедрости Билла Каннингема. Многие из его друзей пострадали от эпидемии СПИДа, поэтому на протяжении всей своей жизни фотограф жертвовал большую часть доходов благотворительным организациям, помогающим ВИЧ-инфицированным.
Творчеству Каннингема посвящены многочисленные публикации. Его биография легла в основу отмеченного наградами документального фильма «Билл Каннингем. Нью-Йорк» (2010), а также недавно вышедшего «Эпоха Билла Каннингема» (2018). Кроме того, незадолго до смерти Каннингем закончил автобиографическую повесть Fashion Climbing, которая была опубликована в 2018 году.
Красота и стиль. История модной фотографии. Из собрания Фонда Still Art
Экспозиция рассказывает об истории фэшн-фотографии второй половины XX – XXI веков и знакомит с основными мотивами современной модной репрезентации на примере работ из коллекции Фонда Still Art. На выставке представлены авторские отпечатки Эрвина Блюменфельда, Хорста П. Хорста, Ричарда Аведона, Ирвина Пенна, Хельмута Ньютона и Ги Бурдена, уже ставшие классикой. В конце XX – начале XXI веков модная индустрия приобретает все больший масштаб, а феномен моды и модного образа переживает резкий взлет и становится предметом глубокой философской и культурной рефлексии. Современная мода – это работа с проекцией чужих желаний, мнений, предрассудков и амбиций, а модная фотография – лаборатория, в которой эта работа происходит. Критики признают, что в XX веке мода и модная фотография становятся практически неотделимы, создавая одно общее пространство: зрелищные проекты развиваются на разворотах глянцевых журналов, со страниц прессы грандиозная фантазия мира «фэшн» обольщает и искушает, формулы модного языка оттачиваются в снимках и фотопроектах.
Постепенно, с ростом благосостояния и притоком капитала в индустрию, модные съемки становятся все более масштабными и дорогостоящими, а фантазии фотографов – все более причудливыми. Символом амбиций и напора модной съемки этого десятилетия становятся серии Ричарда Аведона, сделанные в экзотических уголках мира. С 1970-х годов модная фотография начинает аккумулировать мрачную и подчас протестную энергию субкультур – особенно ярко мотивы вуайеризма, эротики выразились в снимках Хельмута Ньютона. К концу 1980-х годов в массовой культуре появляется феномен “супермодели”: героини обложек журналов получают колоссальный капитал публичности и почитаются наравне с кинозвездами. Снимок Херба Ритца с пятью супермоделями (1989) отражает этот новый статус моделей как селебрити. В 1990-е годы догматичному языку традиционного глянца молодые модные фотографы противопоставляют непринужденность, постмодернистский юмор, прямоту и дерзость интонаций. Сегодня модная индустрия не просто играет с тенденциями, производя привлекающие внимание символы, она постоянно переосмысляет свой изобразительный канон, этические и эстетические законы.
«Экспоцентр» представит актуальные тренды детской моды на выставке «CJF – Детская мода2022. Весна»
Международная выставка «Детская и юношеская мода. Одежда для будущих мам» – «CJF – Детская мода-2022. Весна» пройдет в ЦВК «Экспоцентр» с 21 по 24 февраля.
В преддверии весны состоится самое значимое событие в мире детской моды – 27-я Международная выставка «Детская и юношеская мода. Одежда для будущих мам» – «CJF – Детская мода-2022. Весна». Мероприятие пройдет в ЦВК «Экспоцентр» с 21 по 24 февраля при поддержке Министерства промышленности и торговли РФ и под патронатом Торгово-промышленной палаты РФ.
«CJF – ДЕТСКАЯ МОДА-2022. ВЕСНА» это:
- Коллекции новых брендов в сфере детской fashion-индустрии;
- Лучшие, качественные и безопасные товары для детей, собранные на единой площадке;
- Актуальные тренды и общие тенденции индустрии детской одежды, обуви и аксессуаров;
- Встречи, общение и обмен опытом с партнерами;
- Коммуникации с профессионалами и экспертами сферы;
- Новые эффективные решения для продвижения продукции;
«Экспоцентр» проводит выставку дважды в год – первый раз в феврале, а затем в сентябре, что совпадает с периодом оптовых закупок в отрасли.
Согласно сложившейся традиции, на выставку съедутся российские и иностранные производители, дистрибьюторы и представители торговых компаний отрасли детской моды.
В этом году выставка собрала более 220 брендов из России, Австрии, Беларуси, Великобритании, Германии, Испании, Италии, Кыргызстана, Польши, Турции, Украины, Узбекистана, Финляндии и Швеции. Регионы нашей страны представлены компаниями из Иркутской и Костромской областей, разместивших свою продукцию на коллективных экспозициях.
Для удобства гостей и экспонентов выставка, площадь которой превышает 5 тыс. кв. м, разделена на тематические зоны. Вниманию посетителей представлены лучшие товары в категориях:
- детская одежда;
- детская обувь;
- аксессуары для детей;
- Premium – одежда премиальных брендов;
- Teens – одежда для подростков;
- торговое оборудование, ткани и фурнитура.
Организаторы выставки приготовили насыщенную деловую программу.
Признанные эксперты индустрии детской моды проведут более 30 актуальных мероприятий. В рамках тематических форумов, семинаров, круглых столов и мастер-классов специалисты
- дадут советы по монетизации и продвижению бизнеса в условиях пандемии;
- откроют перспективы и возможности развития бизнеса в условиях ковидных ограничений;
- расскажут об изменениях в области сертификации и маркировки детской одежды и обуви.
А феерический шоу-показ «Выбор юных чемпионов», организованный АО «Экспоцентр» в партнерстве с Центром художественной гимнастики «Пелагея» (г. Москва) откроет развлекательную часть выставочной программы. Юные, но уже титулованные, спортсменки продемонстрируют детскую одежду мировых производителей – «Смена», «Noble People», «Bodo» и многих других.
Лекторий и виртуальная выставка «Мода XIX века» в коллекциях Ленинки
На сайте Российской государственной библиотеки проходят онлайн-выставка и модный лекторий «Мода XIX века» о способах самопрезентации, существовавших в XIX веке, и о том, как можно ими пользоваться сегодня.
Можно ли изменить судьбу, меняя образ? В XIX веке массовая мода впервые ответила на этот вопрос утвердительно. Удачно найденный имидж тогда открывал многие двери, так происходит и сегодня. Но что же на самом деле? Переодеваясь, меняя свой образ, мы обманываем других? Или наоборот — проявляем себя, свою мужественность или женственность, деловитость, респектабельность?
Проект «Мода XIX века» позволяет прикоснуться к загадке превращения внешнего во внутреннее и наоборот. Это не погружение в историю моды, это, возможно, ключ к самому таинственному процессу — процессу моделирования себя.
Российская государственная библиотека как огромная коллекция ответов на все вопросы предлагает взглянуть на образы, рожденные в XIX веке. Материалы, представленные в подборке, составляют лишь малую часть коллекции РГБ и знакомят с периодикой и книгами, раскрывающими тему.
Небольшой видеоподкаст с Полиной Ухановой, специалистом Музейно-выставочного центра «Музей моды» до 2020 года, рассказывает, как исторические события формировали подходы к созданию модного образа.
Ведь то, что мы сегодня носим, — это результат долгого исторического процесса.
«Как библиотека мы хотели бы прежде всего поделиться первоисточниками, в которых наглядно видны процессы. Для нас важно делиться красотой, предлагать её как отправную точку для начала личных размышлений, новых решений своего образа и создания, как сейчас говорят, „личного бренда“. Процесс развития массового „глянца“ формировался в основном в XIX веке, и мы как раз хотели дать почувствовать этот процесс через представление изображений, книг и периодики, которые можно изучать, вычитывая неожиданное и любопытное», — отмечает руководитель проекта, начальник отдела организации социокультурных мероприятий Ксения Филатова.
Открытие персональной выставки «Фарфоровая мода» от Татьяны Чапургиной
4 декабря в Главном штабе Государственного Эрмитажа состоялась церемония открытия персональной выставки «Фарфоровая мода» от Татьяны Чапургиной, ведущего художника Императорского фарфорового завода.
«Фарфоровая мода» – это эссе о взаимоотношениях высокого стиля и искусства в творчестве Татьяны Чапургиной.
С легкой руки Татьяны Михайловны в лексикон индустрии моды вошел новый термин – «фарфоровая ткань». При этом речь идет не о скульптуре из фарфора в форме одежды, и не об одежде, декорированной фарфором. Здесь мы говорим о сложном материале и создании уникальной технологии – ткани из фарфора, которую автор создает для своих работ из тысяч фарфоровых пайеток-пластин, толщиной не превышающих 1,5 миллиметра!
На экспозиции в Главном Штабе представлено более 90 экспонатов, поражающих воображение. Посетители смогут увидеть уникальные фарфоровые платья из коллекций «Belle Époque», «Движение белого», «Та-кемет» и «Francisco».
Линия «Belle Époque», что в переводе с французского означает «Прекрасная эпоха», демонстрирует нам цветочную тему фарфора Татьяны Чапургиной. В серию вошли платья, пояса, воротники, вазы и предметы мебели.
Коллекция «Движение белого» является настоящим признанием любви Татьяны Чапургиной к этому благородному цвету. Интерес художника к искусству авангарда, в особенности, к творчеству Казимира Малевича, привел к осмыслению теории супрематизма и заставил обратиться к беспредметной живописи.
В серии «Та-кемет», что в древнеегипетской мифологии означает «плодородную, дающую жизнь землю», нашли свое воплощение фантазии художника на ориентальную тему.
Динамика «безумных» 60-х воплотилась в коллекции «Francisco», названной в честь Пако Рабана (Франсиско Рабанеда-и-Куэрво) – французского модельера, революционера в искусстве высокой моды.
Гости выставки также смогут познакомиться и с другими работами Татьяны Чапургиной: предметами интерьера – вазами, фарфоровыми панно-коврами; линиями мебельного декора – столешницами, рамами для зеркал.
Фарфоровые предметы Татьяны Чапургиной – сплетение интуитивной эмоциональности, сентиментальных историй, фантастических снов. Воплощенный замысел ее произведений всегда становится отражением внутренних переживаний автора, обнаруживая их сюжеты, лежащие в основе творческих решений.
К выставке выпущен цветной иллюстрированный каталог «Фарфоровая мода от Татьяны Чапургиной» (Издательство «Пропилеи»), который по достоинству будет оценен любителями прекрасного.
Выставка организована отделом «Музей Императорского фарфорового завода» Государственного Эрмитажа и АО «Императорский фарфоровый завод».
Куратор выставки ‒ Инна Майстренко, старший научный сотрудник Отдела «Музей императорского фарфорового завода» Государственного Эрмитажа.
Напомним, цикл персональных выставок художников Императорского фарфорового завода в Государственном Эрмитаже – совместный проект ведущего музея страны и старейшего в России художественно-промышленного предприятия, запущенный в преддверии 275-летнего юбилея Императорского фарфорового завода.
Выставка продлится до 10 марта 2019 года.
«Ювелирные украшения — это тоже искусство»: нижегородцев приглашают на эксклюзивную выставку брошей
13 февраля 2022 года, 15:15
На ней можно увидеть драгоценные изделия XVIII — XXI веков от именитых домов моды и российских мастеров.
Уникальная выставка исторических брошей открылась в Нижегородском государственном художественном музее (Верхне-Волжская набережная, 3) в пятницу, 11 февраля, сообщает корреспондент ИА «Время Н», которая познакомилась с шедеврами ювелирного искусства.
В экспозиции представлены 70 украшений — это изделия XVIII — XXI веков от таких «гигантов» ювелирного мира, как Фаберже, Cartier, Tiffany и других именитых домов моды, включая российских мастеров Ильгиза Фазулзянова, Виктора Моисейкина и других.
Некоторые броши существуют только в единственном экземпляре и приобретены на закрытых аукционах. Самая старейшая из них датирована концом XVIII века и сделана из подвески для часов.
«На выставке представлены не только исторические украшения, но и изготовленные в XXI веке. Тут есть замечательные работы наших мастеров Александра Барсукова и Владимира Маркина, которые получили широкое признание. Ведь ювелирные изделия — это тоже искусство», — сказал журналистам коллекционер Дмитрий Володин.
Он обратил внимание посетителей выставки на то, что экспонаты расположены не в хронологическом порядке, поэтому работы старых мастеров соседствуют с произведениями современных ювелиров. Так, на одном из стендов рядом лежат брошь Карла Фаберже — «Лист березы» и «Лист крапивы» — украшение, созданное почти через 120 лет.
«Для меня „Лист березы“ — самая удивительная вещь Фаберже. Перед вами маленький листочек с алмазными каплями, но если присмотреться, веточка, которая его держит, напоминает палитру художника. Работа 1913 года, расцвет искусства, которое вошло в историю как a la Russe. Около него расположен „Лист крапивы“, выполненный ювелиром Владимиром Маркиным уже в начале XXI века», — подчеркнул Дмитрий Володин.
Тут же можно увидеть и другую параллель: брошь-трансформер «Букет незабудок» все того же Фаберже и современную «Сирень» с огромный хризолитом.
«Мы провели опрос и обнаружили, что современные девушки выбирают „Сирень“ без всякого почтения к великому Фаберже», − заметил коллекционер Володин.
Конечно же, у всех экспонатов есть своя «душа» и удивительная история создания. Например, раньше фиалки считались «похоронными» цветами, но все поменялось, когда в Австрии обнаружили месторождение аметистов. Один из мастеров XVIII века, имя которого, к сожалению, неизвестно, нашел несколько кристаллов и посадил их на пружинки в букет фиалок, который преподнес в дар королеве Марии Терезии. С тех пор там изготавливают украшения из аметистов в виде фиалок.
Часть представленных предметов имеют легенды, связанные с христианскими символами. Вот одна из таких.
«До XX века ландыш был исключительно христианским символом — это слезы Богородицы, которые, попадая на землю, превращаются в кровавые ягоды.
Но однажды, в 1896 году, в Санкт-Петербурге нашли украшение в виде серебряной корзинки с остатками нефритовых листьев и разбитым жемчугом.
Позже ее восстановил Фаберже, и во время визита царской семьи на Нижегородскую ярмарку местные купцы подарили Александре Федоровне эту золотую корзинку с ландышами. Она простояла в Зимнем дворце до последнего дня пребывания там императрицы. Потом была продана и сегодня украшает галерею Фаберже в музее „Метрополитен“ в Нью-Йорке.
Это яркий пример того, как христианский символ превращается в модный аксессуар, и как нижегородское купечество этому поспособствовало», — рассказал Дмитрий Володин.
Специалист добавил, что ландыш был самым любимым цветком французского модельера Кристиана Диора.
«Для него этот цветок стал символом аромата — ведь во всех его духах, которые были выпущены при жизни французского модельера, был с ноткой ландыша. И в подол финальных платьев для модных показов зашивали ландыш в качестве талисмана на удачу», — уточнил Володин.
В 2014 году модный дом Christian Dior выпустил серебряную брошь, которая будет на обложке одного из известных журналов с актером и шоуменом Дмитрием Нагиевым, что подтверждает: этот аксессуар охотно носят не только женщины, но и мужчины.
Видео: Валерия Евстигнеева и Николай Прохоров
Для нижегородцев этот красивый проект стал большим подарком в преддверии предстоящих праздников. Выставка будет работать до 10 марта. А первые ее посетители уже поделились своими впечатлениями.
«Экспонаты этой выставки — прекрасные мгновения разных времен, запечатленные в произведениях ювелирного искусства, которые так неожиданно встретились на одной площадке, где прошлое пересеклось с настоящим.
Мне было интересно рассмотреть в деталях не только произведения знаменитых мастеров из прошлых веков, но и изделия современных ювелиров. Здесь у каждого произведения есть своя „душа“, к каждому из них была приложена рука мастера», — сказала нижегородка Марина.
Справка
Брошь — ювелирное изделие, прикалываемое на одежду. Обычно изготавливается из металла, золота или серебра, и украшается драгоценными камнями или эмалевыми вставками. Как правило, брошь используется только в качестве украшения, однако она может нести и утилитарную функцию — например, застежки.
Возрастное ограничение: 0+.
Автор: Ольга Ковалева
лучших модных выставок Нью-Йорка, которые стоит посетить прямо сейчас
выставки моды в Нью-Йорке, которые стоит посетить прямо сейчас
Три нью-йоркские выставки моды, которые стоит посетить прямо сейчас, поскольку стиль демонстрирует ошеломляющее поглощение в The Met; Бруклинский музей; и Музей моды при Технологическом институте
Любители моды, отметьте свои культурные календари! Здесь мы представляем крупнейшие музейные выставки в Нью-Йорке, от передвижных дизайнерских ретроспектив до тематических феерий.
Посетите эти нью-йоркские выставки моды, чтобы увидеть культурный и модный хит.
Выставки моды в Нью-Йорке
Выставка: «В Америке: Лексикон американской моды»
Место проведения: The Met
Даты проведения: Часть первая, 18 сентября 2021 г. — 5 сентября 2022 г.
Вид установки, Принадлежность (слева), Ностальгия (справа) . Изображения: © Метрополитен-музей
Первая из двух частей годичного феерического шоу «В Америке: лексикон американской моды» представляет собой экспозицию из 100 предметов одежды, датируемых с 1940 года по настоящее время, в инсталляции, вдохновленной лоскутным одеялом.Ссылаясь на одеяло 1856 года в Американском крыле музея, созданное Аделиной Харрис Сирс, с белыми шелковыми ромбовидными квадратами, подписанными некоторыми из самых известных американцев того периода, выставка состоит из белых гофрированных футляров — трехмерного лоскутного одеяла — каждый содержит образец американской истории моды.
Организованный в 12 разделов, которые призваны определить эмоциональные качества в американской моде, такие как Ностальгия, Принадлежность, Радость и Сила, каждый экспонат сопровождается головным убором, разработанным Стивеном Джонсом, со словом, суммирующим соответствующее чувство, таким образом формируя всеобъемлющую визуальный словарь.В частности, в витрине представлен широкий круг дизайнеров, как прошлых, так и настоящих, разного возраста, происхождения, культуры и пола, что отражает то, насколько красочна американская культура. Сценарист: Пей Ру-Кех
Выставка: «Кристиан Диор: Дизайнер мечты»
Место: Бруклинский музей
Даты: 10 сентября 2021 г. — 20 февраля 2022 г.
Когда Кристиан Диор впервые приехал в Америку в 1947 году после дебюта со своим спорным «Новым взглядом», его турне по стране встретило некоторое сопротивление со стороны тех, кто был шокирован предложенным им силуэтом.
Теперь вся история парижского лейбла представлена в нью-йоркском Бруклинском музее благодаря американской версии блокбастера « Кристиан Диор: Дизайнер мечты». V&A в Лондоне.
Шоу посвящено истории дизайна и языку не только мсье Диора, но и его креативных директоров: Ива Сен-Лорана, Марка Боана, Джанфранко Ферре, Джона Гальяно, Рафа Симонса и Марии Грации Кьюри.Выставка, организованная Флоренс Мюллер, куратором отдела текстильного искусства и моды фонда Avenir в Художественном музее Денвера, в сотрудничестве с Мэтью Йокобоски, старшим куратором отдела моды и материальной культуры Бруклинского музея, также акцентирует внимание на отношениях Дома с Америкой и демонстрирует центральный атриум двора изящных искусств, переделанный в заколдованный сад.
Выставка: «Восторг: Роза в моде»
Место проведения: Музей Технологического института моды
Сроки проведения: 6 августа – 28 ноября 2021 г.
Цветущий прекрасный способ отметить открытие Технологического института моды, который был закрыт с начала пандемии Covid-19? Выставка мод, посвященная разнообразному символизму розы в моде.
Это цветок, обозначающий множество эмоций и духовных коннотаций, в том числе страдание, чистоту и быстротечность, на который часто ссылаются дизайнеры, начиная от Кристиана Диора и заканчивая Скиапарелли, от Хальстона до Нуар Кей Ниномия.
« Ravishing: The Rose in Fashion» включает 130 предметов, в том числе сотканные вручную и вышитые шелка 18-го века, большую коллекцию редких шляп с розами и одежду от Comme des Garçons, Charles James и Gucci, а также исследует символику роз различных цветов, таких как красный, розовый и черный.Введение в шоу включает более 75 оригинальных фотопортретов людей с розами, как настоящими, так и искусственными, датируемых 1850–1920-ми годами, когда цветок использовался в качестве обычного преображающего реквизита.
Выставка: «Сара Мун: В неподвижной точке»
Место: Fotografiska New York
Даты: 14 октября 2021 г. — 6 февраля 2022 г.
Восьмидесятилетний французский фотограф и режиссер Сара Мун рассказывает о 30-летнем опыте работы в Fotografiska New York, охватывающем моду и фантазию, тайну и мрачность.
Выставка, состоящая из фотографий, а также фильмов и книг, выпущенных за последние 30 лет, демонстрирует как литературный подход Мун к работе, так и ее способность создавать сказочные образы, независимо от их назначения и средства. — говорит Аманда Хаджар, директор выставки Fotografiska New York. «Она выходит за рамки простой фэшн-фотографии и делает что-то более концептуальное, но мы все же можем признать ее сфокусированной на моде.Эта неожиданность вызывает у нас интерес и удивление». Сценарист: Пей-Ру Ке. §
New York’s Met объявляет о второй выставке американской моды | Мода
Метрополитен-музей объявил о своей последней выставке моды, которая станет продолжением выставки In America: A Lexicon of Fashion.
В Америке: Антология моды расскажет о зарождении американского стиля, уделив особое внимание периоду с 19 века до конца 20 века. Открывшийся в мае в нью-йоркском художественном музее, он определит тему и дресс-код для Met Gala в этом году.
Если фокус звучит академично, выставка спонсируется Instagram, а презентация более 100 экспонатов представляет собой современную, удобную для социальных сетей линзу.
Восемь разных кинорежиссеров, в том числе Том Форд, София Коппола и Джуди Дэш, снявшие влиятельный фильм «Дочери пыли» 1991 года, создадут трехмерные кинематографические «стоп-кадры» с изображением одежды. Вместо стерильной галереи с белыми стенами они будут созданы в старинных залах музея, которые варьируются от гостиной 19-го века до гостиной, спроектированной архитектором Фрэнком Ллойдом Райтом.
Эндрю Болтон, главный куратор Института костюма Метрополитена, объяснил, что основное внимание было уделено дизайнерам и портнихам, имена которых не были известны всем, тем, кто стал «сносками в анналах истории моды».
«Именно благодаря этим в значительной степени скрытым историям выявляется детальная картина американской моды, — сказал он, — та, в которой сумма ее частей столь же значительна, как и целое».
Эта выставка призвана привлечь внимание к давно забытым талантам.Среди них Энн Лоу, афроамериканский дизайнер, которая научилась шитью у своей бабушки и впоследствии сшила свадебное платье Жаклин Бувье, в котором она вышла замуж за Джона Ф.
Кеннеди в 1953 году, и Элизабет Хоуз, своего рода Эльза Скиапарелли из Америки. Представленное здесь платье 1937 года, которое Хоуз назвал «Платьем пирога», было украшено стрелками, указывающими на грудь и низ его обладательницы. В дополнение к этому будут представлены платья Чарльза Джеймса, Халстона и Стивена Берроуза.
Шесть тематических исследований конкретных предметов также обеспечат темы для обсуждения.Среди них куртка, которую предположительно носил Джордж Вашингтон во время своей инаугурации в 1789 году, и две вещи Brooks Brothers — одну носил Авраам Линкольн, а другую — ливрею неизвестного раба примерно с 1857 по 1865 год.
С момента открытия в сентябре журнал «В Америке: лексикон моды» подвергался некоторой критике. Корина Эммерих, наряд которой представлен на выставке, рассказала о том, что она была единственным местным дизайнером, представленным на выставке. «Я наполовину белый и городской — я не вырос в резервации.Я знаю, что я более приемлема в таких ситуациях», — сказала она Cut.
«Но есть люди, которые занимаются кутюрье намного дольше, чем я: знаменитые старейшины в нашем сообществе».
Экипировка Эммериха была протестом — полосы отсылают к полосам на одеяле Гудзонова залива, которые были розданы или проданы коренным народам и распространяли оспу среди их населения. В журнале America: A Lexicon of Fashion этот наряд был показан рядом с нарядом с похожими полосками от Андре Уокера. В то время как подписи объясняют проблемную историю этих полос и намерения Эммериха, дизайн Уокера помечен как «комфорт».
Когда в сентябре Метрополитен поделился плащом Уокера в Instagram с подписью «Этот плащ Андре Уокера будет олицетворять тепло и комфорт», он получил негативную реакцию. «Символ геноцида и колониализма, а не тепла и уюта», — гласил один комментарий.
Выставка «Лексикон» будет проходить одновременно с «Антологией». Болтон сказал, что в конце марта к текущей выставке будут добавлены еще 30 предметов одежды, ориентированных на новых дизайнеров. «Эти дополнения будут отражать жизненную силу и разнообразие современной американской моды», — говорится в пресс-релизе.
Западная мода и китайское мастерство на выставке K11 Musea в Гонконге | Выставки | ЗНАЧЕНИЕ
Восток и Запад. Мода и искусство. Дизайнеры и мастера. Прошлое и настоящее.
Эти слова описывают выставку K11 Musea Savoir-Faire: The Mastery of Craft in Fashion . В нем представлены модели 22 всемирно известных домов моды, в том числе Alexander McQueen, Celine, Chanel, Christian Dior, Givenchy, Iris van Herpen, Loewe, Louis Vuitton, Saint Laurent, Schiaparelli и Tom Ford, наряду с 12 китайскими произведениями искусства. изделия от K11 Craft & Guild Foundation (KCG).Фонд, основанный Адрианом Ченгом в 2018 году, является зарегистрированной благотворительной организацией искусства и культуры в Гонконге. KCG сохраняет и омолаживает быстро исчезающие китайские ремесла.
Этот диалог между модой и искусством является творением Адриана Ченга, генерального директора компании New World Development, которой принадлежит K11 Musea; и Карин Ройтфельд, бывший главный редактор Vogue Paris.
Выставка разделена на пять разделов – Atelier Tailleur , Bridal Couture , Modern Reinvention , Extreme Craft и Tales from the Runway .Шоу посвящено 30-летию культового дизайна одежды и более чем 700-летию китайского мастерства.
В конце Artisan Lounge есть пять тематических напитков, соответствующих каждому из разделов выставки.
Сен-Лоран, осень 2020 г.
Chanel, 2020/2021 Metiers d’Art
A guangcai фарфоровая тарелка
Ателье Тайлера
Представленный в черном парижском салоне, этот номер фокусируется на мастерстве пошива каждого дома высокой моды — от тщательного изготовления пурпурного жакета Сен-Лорана до классического твидового костюма Шанель.Наряду с обоими дизайнерами, работы Кристиана Диора, Жана Поля Готье и Мюглера.
Здесь можно обнаружить начало кросс-культурных инноваций, исследуемых двумя волнами: эволюция женского костюма на протяжении последних десятилетий в сравнении и сопоставлении с межкультурным обменом между Востоком и Западом во времена династии Цин (1644–1644 гг.
). 1911 г.), в результате чего появилась сложная фарфоровая посуда guangcai .
В качестве примера возьмем пару фарфоровых тарелок гуанцай — мотив хризантемы показан на синем фоне.
В этом произведении современного искусства сочетаются старые мотивы и новые техники. Guangcai представляет собой сплав wucai (пять цветов) , стиля украшения китайского фарфора; и famille rose с западным влиянием.
Каждый лепесток рассказывает о новой композиции художника – цветущие хризантемы яркими цветами, похожими на фейерверк в ночном небе. Узор millefleurs с синим фоном встречается редко и еще больше подчеркивает утонченное мастерство мастера.
Этот мотив хризантемы представляет четырех джентльменов в китайском искусстве и традициях — прямоту, чистоту, смирение и настойчивость.
Пара фарфоровых тарелок guangcai с позолоченной хризантемой
Крупный план цветочного мотива
Шанель, Осень 2017
Мюглер, Осень 1999 г.
Кутюр
Свадебная мода
День свадьбы – знаменательный день, наполненный символикой.
На Западе невеста находится в центре внимания благодаря своей потрясающей моде в свой важный день. Дизайнеры этой темы — Atelier Versace, Chanel, Givenchy, Mugler, Oscar de la Renta и Valentino. Каждая из них предлагает сокровенный идеал совершенства — будь то шелк, перья, тюль и бисер — и все это переплетается с их восточными аналогами.
На Востоке день свадьбы — это демонстрация социального статуса, демонстрация богатства и получение разрешения от родителей и старших, что выражается в тщательно изготовленных и драгоценных подарках или церемониальной чайной посуде.
A baibaoqian лак играющие дети двухдверный шкаф (верхняя левая секция)
A baibaoqian лак играющие дети двухдверный шкаф с мотивом (верхняя правая часть)
Одним из предметов, олицетворяющих важность брака, является искусно выполненный туалетный шкаф baibaoqian , сочетающий в себе мотивы, пропитанные историей.
Техника baibaoqian появилась 400 лет назад во времена династии Мин (1368-1644).Это относится к сложной деревянной инкрустации, состоящей из полудрагоценных материалов, таких как нефрит, перламутр и янтарь.
Тема детей, играющих , восходит к династии Сун (960–1279 гг. н.э.) и представляет собой пожелание плодотворной семейной жизни и большого количества благословенного потомства.
Аналогичный шкаф есть во Дворце-музее в Пекине. Музей говорит, что его мастерство редко встречается среди существующей лаковой мебели династии Мин (1368-1644).
Шанель, Весна 2017
Ричард Куинн, осень 2020 г.
Новое изобретение
Вдохновленные историей, дизайнеры постоянно придумывают новые изобретения, выводя дизайн и мастерство на новый уровень.
Это сочетание старого и нового наиболее заметно в роботизированной фигуре Шанель, одетой в ее культовый твидовый жакет, наряд Ричарда Куинна напоминает о средневековой моде, а полированное черное платье Ирис ван Херпен напоминает о викторианских платьях.
Наряду с этими тремя дизайнерами представлены работы Balenciaga, Loewe и Schiaparelli.
KCG привезла три антикварных предмета, которым почти 500 лет, демонстрируя различные интерпретации традиционного луодианского мастерства в разные периоды.
Лаковая круглая шкатулка luodian с фигурными сценами была изготовлена в Китае с 13 по 14 века. Обложка инкрустирована сценой павильона на вершине горы, среди тени сосен, демонстрируя гениальную композицию. До наших дней сохранилось очень мало старинных предметов в форме коробок династии Юань (1279–1368), среди которых в основном квадратные, а не круглые, поскольку требуется превосходное мастерство.
A luodian круглая лаковая шкатулка с фигурками
Шкаф с четырьмя ящиками 17–18 веков инкрустирован тонкой luodian , что указывает на то, что этот предмет происходит из Янчжоу – города, известного этим художественным тонким luodian ремеслом.
На трех боковых панелях изображены мотивы четырех искусств китайского ученого ( qinqishuhua ) — игра на музыкальном инструменте ( qin ), игра в китайские шахматы ( qi ), демонстрация каллиграфии ( shu ) и живопись ( хуа ). В верхней части шкафа находится изображение играющих детей, которое олицетворяет благоприятное супружеское благословение для продолжения семейной линии, вечное потомство и большие надежды на то, что дети вырастут успешными.
Еще одно произведение искусства – пара резных луодианских восьмиугольных шкатулок – собрана в позолоченных рамах.Это был распространенный рисунок в резьбе по слоновой кости в провинции Гуандун, но редко в морских ракушках. В 1760-х годах британцы изобрели Spinning Jenny — многоверетенную машину времен Первой промышленной революции в Европе. Судя по тому факту, что эти рабочие ящики были экспортированы Тринадцатью фабриками в Гуанчжоу, считается, что эти рабочие ящики были изготовлены примерно в 1760-х годах.
A Луодиан Лак Четыре искусства китайского ученого Шкаф с надписью Цяньли
Пара резных луодианских восьмиугольных коробок
Пара резных луодианских восьмиугольных коробок
Ричард Куинн, осень 2021 г.
(слева направо): Valentino, Весна 2018 Couture; Селин, весна 2019 г.; Мэтти Бован, осень 2021
Истории с подиума
Сквозь зеркальные стены зрители могут почувствовать, как будто они окутаны захватывающими мирами искусства и моды в фантастических дизайнах и нарисованных вручную иллюстрациях.
Творчество безгранично и может исходить из разных концепций. От видений в стиле Тима Бертона до научно-фантастических фантазий – произведения отражают трансформирующее и абстрактное путешествие. В этой теме представлены дизайнеры Celine, Christian Dior, Louis Vuitton, Matty Bovan, Richard Quinn и Valentino.
A guangcai фарфоровый остров-гардероб со сценами из романа Тао Юаньмина «Весна цветения персика» стихотворение
Левая часть шкафа
Гардероб-остров guangcai с картинами, рассказывающими историю знаменитой китайской поэмы в прозе, Весна цветущего персика, , является еще одной достопримечательностью.Стихотворение было написано Тао Юаньмином, китайским поэтом и политиком примерно с 4 по 5 век нашей эры.
Это изображено в современной версии известной поэмы, где современный человек находит утопию в прекрасном пейзаже и открывает радость скрытой деревни. Он наполнен разными животными, людьми всех возрастов, внушительными домами, плодородными полями, тутовыми деревьями и прудами.
В совокупности эти работы служат средством иллюстрации манифестов дизайнеров — они становятся холстами, на которых дизайнеры рисуют свои творческие замыслы.Здесь, через различные материалы в разных культурах, высокое мастерство выражается разными способами.
Центральная часть гардероба
Правая часть шкафа
Реплика льва из гипса и платье от Viktor & Rolf, весна 2019 Couture
Том Ван Дер Борхт, Осень 2020
Том Ван Дер Борхт, Осень 2020
Экстремальное судно
В этом разделе рассказывается о том, как дизайнер раздвигает границы норм красоты и использования материалов при создании чудес.
Посетители могут восхититься уровнем мастерства, терпения и самоотверженности, необходимых для создания каждого шедевра – изобретательность дизайнера или ремесленника в использовании универсальных повседневных материалов, натуральных тканей или новейших искусственных материалов для выражения своего видения и эстетики.
Одним из ярких моментов является платье Viktor & Rolf из коллекции Couture Spring 2019 голландского бренда под названием Fashion Statements .
Эти экстравагантные платья были напечатаны с такими лозунгами, как Нет фотографий, пожалуйста , Я моя собственная муза и Чем меньше, тем лучше .В этой теме также представлены Александр МакКуин, Живанши, Пако Рабанн, Том Форд и Том Ван Дер Борхт.
Реплика льва из гипса
Уровень мастерства еще больше подчеркивается многослойным лепным львом из гипса — копией замысловато украшенной крыши Зала предков клана Чэнь в Гуанчжоу, южный Китай.
Зал был построен в конце 1894 года во время правления цинского императора Гуансюя (1875-1908). Он является крупнейшим в своем роде в провинции Гуандун и известен своей сохранностью, яркими цветами и исключительным мастерством в традиционном архитектурном стиле Линнань.
Его крышу украшают почти 30 лепных львов, символизирующих уважение и влияние в китайской культуре. Украшения со львами на коньках крыш олицетворяют высокие ожидания патриарха от своего потомства — приносить честь семье и подниматься по социальной лестнице.
Но лев служит не только декоративным элементам на коньках крыши, но и практическому назначению. Из-за используемых материалов, таких как гипс, бумага, солома, коричневый сахар и клейкая рисовая мука; гипсовые лепные конструкции способны улучшить циркуляцию, заставляя горячий воздух подниматься вверх и сохраняя прохладу в помещении.В экстремальных погодных условиях они могут стабилизировать крышу, удерживая черепицу плотно уложенной под ней, чтобы противостоять сильным штормам.
Аукцион
13 декабря состоялось торжественное открытие выставки — перед сверкающим вечерним видом на остров Гонконг. Гости гала-концерта, такие как Уэсли Нг (основатель и генеральный директор Casetify) и Стефани Ау (четырехкратная олимпийская чемпионка из Гонконга), присоединились к тихому аукциону, организованному Open Heart. В нем были представлены изделия, отобранные вручную домами высокой моды и традиционными мастерами в сотрудничестве с KCG, и он будет доступен для всеобщего обозрения до середины января 2022 года.
Скины для рисования Ruinart Champagne x Guangcai под названием Five Balances вдохновлены тигром, путешествующим через пять стихий: горы (храбрость), воздух (облегчение), бамбук (сочетание работы и отдыха), вода (состояние покоя). и комфорт) и огонь (психические и физические нагрузки надо пройти). Каждая шкура представляет разные встречи, которые может преподнести нам жизнь, и состояние, в котором находится тигр.
Доходы от проданных на аукционе предметов помогут ЮНЕСКО и KCG в дальнейшем развивать глобальные усилия по сохранению культурного наследия.
Пять тематических напитков
В дополнение к путешествию Savoir-Faire: Mastery of Craft in Fashion , Artisan Lounge выпустил пять тематических коктейлей в сотрудничестве с Fok Hing Gin, брендом местного джина, произведенным в Великобритании и названным в честь улицы в Гонконг.
Углубляясь в слияние культур чаепития Китая и Англии, Fok Hing Gin включает в свой рецепт зеленый чай с жасмином и растительные травы.
Каждый коктейль создается специально для каждого тематического зала выставки:
- Delicate Craft – Atelier Tailleur
- Смелый шаг – Новое изобретение
- Цветы и лес – Байки с подиума
- Красное сияние — Экстремальное ремесло
- Фея – Свадебная мода
(слева направо): Флора и лес, фея, тонкое ремесло, смелый шаг и красное сияние
Цветы и лес (слева) и Delicate Craft (справа)
K11 Craft & Guild Foundation (KCG) — зарегистрированная благотворительная организация в области искусства и культуры в Гонконге.Он сохраняет и омолаживает быстро исчезающие китайские ремесла, создавая ремесленную экосистему. Путем включения создания общей ценности (CSV), чтобы объединить ремесла, предприятия и общество; Фонд делает ремесла более доступными для общества, обучает общественность с помощью исследовательских инициатив и курирует сотрудничество с ремесленниками, стремясь преодолеть разрыв между культурой и экономикой.
Детали выставки:
Название выставки: Savoir-Faire: The Mastery of Craft in Fashion
Место: Центр искусства и культуры K11, 6/F, K11 Musea
Адрес: Victoria Dockside, 18 Salisbury Road, Tsim Sha Tsui, Kowloon, Hong Kong
Дата: 13 декабря 2021 г. – 14 февраля 2022 г.
Время: ежедневно с 12:00 до 20:00 (последний сеанс в 19:00)
Вход:
- Понедельник – Четверг | 70 гонконгских долларов;
- Пятница – воскресенье, праздничный день | 100 гонконгских долларов
- *Бесплатный вход для студентов очной формы обучения / детей до 18 лет
Бронируйте через сайт K11 Musea
Салон ремесленников:
Местонахождение: K11 Musea, 008 & 008A, G/F
Специальный коктейль: 158 гонконгских долларов за стакан
V&A проведет выставку африканской моды в июле
Сегодня Музей Виктории и Альберта объявил подробности о предстоящей выставке-блокбастере «Африканская мода», которая откроется в июле этого года.
Знаменательная выставка, посвященная непреодолимому творчеству, изобретательности и непреодолимому глобальному влиянию современной африканской моды, станет самой обширной выставкой на эту тему в Великобритании на сегодняшний день.
На выставке будет представлено более 250 предметов, взятых из личных архивов знаковых представителей моды середины двадцатого века и влиятельных представителей современной африканской моды, а также ткани и фотографии из коллекции Виктории и Альберта.
Дефиле Альфади, 1992Альфади
45 дизайнеров из более чем 20 стран континента будут представлены в разное время.На выставке будет представлена одежда из личных архивов культовых африканских дизайнеров середины двадцатого века, в том числе; Shade Thomas-Fahm, Chris Seydou, Kofi Ansah и Alphadi, отметив, что их работы впервые будут показаны в лондонском музее.
Он также будет отмечать влиятельных современных африканских модных дизайнеров, включая Имане Айисси, IAMISIGO, Moshions, Thebe Magugu и Sindiso Khumalo, демонстрируя предметы и истории, стоящие за ними, а также личные идеи дизайнеров, а также эскизы, редакционные развороты, фотографии, фильмы и кадры с подиума.
Фабрис Малар
«Африканская мода» расскажет о том, как исторически мода является неотъемлемой частью африканской культуры, а также о работе современных дизайнеров, стилистов и фотографов, работающих на континенте сегодня, и о том влиянии, которое эта новая волна креативщиков оказывает на весь мир.
«Нашим руководящим принципом является выдвижение на передний план индивидуальных африканских голосов и точек зрения», — сказала доктор Кристин Чечинска, куратор отдела моды Африки и африканской диаспоры.«На выставке африканская мода будет представлена как самоопределяющаяся форма искусства, раскрывающая богатство и разнообразие африканской истории и культуры.
«Продемонстрировать все моды в таком огромном регионе было бы попыткой невозможного», — продолжила она. Вместо этого Africa Fashion будет отмечать жизненную силу и новаторство избранных модных креативщиков, исследуя работу авангарда в двадцатом веке и креативщиков, находящихся в центре этой эклектичной и космополитической сцены сегодня.
Мы надеемся, что эта выставка вызовет пересмотр географии моды и изменит правила игры в этой области».
Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти дополнительную информацию об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Специальная выставка | МОДА?! | Landesmuseum Württemberg
Как создается мода? Кто решает, что входит, а что нет? Как меняется значение одежды и почему?
Государственный музей Вюртемберга рассмотрит эти и многие другие вопросы на специальной выставке «Мода?! Элементы стиля», который пройдет в Штутгарте с 24 октября 2020 года по 24 апреля 2022 года.
Как мы используем одежду каждый день? Начиная с этого элементарного вопроса, выставка исследует сложность системы моды критическим, но в то же время интересным способом. Он расскажет о том, как отдельные предметы одежды могут менять свое значение, и покажет, как передается мода.
В нем будут рассмотрены пол и образ тела, эволюция икон стиля и описание меняющихся потребительских привычек.
«Мода?! Выставка «Элементы стиля» представит основные моменты международной истории моды с 1950-х годов до наших дней: роскошные модели от-кутюр известных дизайнеров, повседневную одежду, модные фотографии и модные журналы.Особое внимание будет уделено платьям известных домов моды, таких как Dior или Chanel, а также моделям, созданным известными дизайнерами, такими как Карл Лагерфельд или Вивьен Вествуд. Еще одной изюминкой выставки станут оригинальные платья бывших икон стиля, таких как императрица Сисси или Дэвид Боуи. Будут представлены примеры из региональной индустрии моды и текстиля, чтобы продемонстрировать взаимосвязь между местным и мировым производством модной одежды. Выставка также будет посвящена центральной роли социальных сетей в современной модной сцене.
Целью нашей специальной выставки является показать моду как сложное явление, выделить различные факторы, влияющие на нее, а также поставить под сомнение индивидуальность и свободу личных решений.
Эстетически привлекательные объекты и интерактивные выставочные элементы подарят посетителям выставочный опыт, сочетающий в себе удовольствие от размышлений о моде и критическое осмысление темы.
В то же время в «Junges Schloss» — Молодом замке, детском музее в Штутгарте — будет проходить выставка модной одежды «Попробуй свои силы в моде! Практическая выставка для детей и родителей».
Выставку будет сопровождать 128-страничная книга со 160 цветными иллюстрациями. Он будет опубликован издательством Belser Verlag в октябре 2020 года. Стоимость музейного издания составляет 10 евро. Издание каталога стало возможным благодаря щедрой поддержке Фонда Рудольфа-Августа Эткера.
Кратко
Название выставки: Мода?! Элементы стиля
Продолжительность: с 24 октября 2020 г. по 24 апреля 2022 г.
Место проведения : Государственный музей Вюртемберга, Альтес-Шлосс, Шиллерплац 6, 70173 Штутгарт
Специальное посещение, чтобы гарантировать вам нашу выставку 001703
9000 МОДА?! ЭЛЕМЕНТЫ СТИЛЯ и на выставку ПОПРОБУЙ СЕБЯ В МОДЕ! в детском музее «Junges Schloss», мы предлагаем временные интервалы для вашего посещения.
Пожалуйста, бронируйте билеты заранее в нашем интернет-магазине ! Чтобы обеспечить вам безопасное посещение, мы просим вас соблюдать наши правила гигиены. Все необходимые правила и информацию вы найдете здесь . Ждем Вас!
Ваша команда в Государственном музее Вюртемберга
Мир Анны Суй – Художественный музей НГУ Форт-Лодердейл
Художественный музей НГУ Форт-Лодердейл представит большую ретроспективную выставку модельера Анны Суй с 28 февраля по 3 октября 2021 года.С более чем 100 образами, Мир Анны Суи исследует гламурный и эклектичный мир одного из самых любимых и опытных дизайнеров Нью-Йорка и предлагает зрителям погрузиться в воображение Суи, чтобы открыть для себя ее творческий процесс и разнообразные влияния, которые на нее повлияли. фирменная эстетическая чувствительность. Мир Анны Суи организован Музеем моды и текстиля в Лондоне и курируется Деннисом Нотдруфтом.
«Первоначально выставленный в Музее моды и текстиля в 2017 году, «Мир Анны Суй» продолжает подчеркивать свежую и увлекательную культурную перспективу.
Выставка демонстрирует модельера, который не только очень креативен и предприимчив, но также игрив и позитивен», — сказал Нотдрафт. «Я рад, что по мере того, как выставка продолжает гастролировать по всему миру, радостная и влиятельная работа Анны Суи будет отмечена все большей аудиторией. После успешных выступлений в Шанхае, Токио и Нью-Йорке я с нетерпением жду еще одного захватывающего воплощения «Мира Анны Суи» в Художественном музее NSU в Форт-Лодердейле».
Анна Суи сказала: «Я рада сотрудничать с Художественным музеем NSU в Форт-Лодердейле и иметь возможность еще раз увидеть выставку Мир Анны Sui , которая оживет в феврале этого года.Мне не терпится поделиться всеми моими заветными дизайнами, коллекциями, вдохновением и многим другим с прошлых выставок. До скорой встречи, Форт-Лодердейл!»
С момента своего первого дефиле в 1991 году Анна Суи стала известна созданием невероятно оригинальной одежды, вдохновленной интенсивными исследованиями винтажной моды и популярной культуры.
На выставке представлены ранние образы, такие как роскошные наряды школьниц с Карнаби-стрит, которые супермодели Линда Евангелиста и Наоми Кэмпбелл на первом показе в 1991 году продемонстрировали, до ковбойши и чирлидерши, смоделированных Джиджи и Беллой Хадид во время весенне-летнего сезона 2017 года. тематическая коллекция.
«Выставки Художественного музея НГУ исследуют весь спектр визуальной культуры как выражения современной жизни», — отмечает Бонни Клируотер, директор Художественного музея НГУ и главный куратор. «Анна Суи разделяет с другими художниками ее поколения возобновившийся интерес к рассказыванию историй и исследованию социальных архетипов. На протяжении всей своей карьеры Суи изобретательно смешивала мировую историю искусства, музыку и поп-культуру для каждой новой коллекции. Ее дизайны вдохновлены неординарными и творческими женщинами, а сотрудничество в различных дисциплинах позволяет ей оставаться в авангарде моды, искусства и дизайна.Мы рады представить эту захватывающую выставку».
Суи родилась в пригороде Детройта и присоединилась к нью-йоркскому культурному андеграунду в бурное творческое время 1970-х годов, установив важные связи в мире моды, фотографии, искусства, музыки и дизайна. Выставка рассказывает о художественном путешествии Суи через ее творческий процесс, коллекции, интерьеры и сотрудничество.
Тематически организованная выставка исследует отношения Суй на протяжении всей ее жизни с целым рядом «архетипов», включая рок-звезду, школьницу, панка, кочевников и серферов — мотивы, которые присутствуют в ее работах.От сказок и басен до викторианской эпохи Суи исследует свои нынешние культурные навязчивые идеи в мельчайших деталях, чтобы создать новую историю с каждой коллекцией.
Наряды Hallmark включают «Серебряный перуанский ансамбль» Суи и культовое платье из шелковой органзы с пайетками «Babydoll Dress» весны 1994 года. Представленные образы будут показаны в контексте с оригинальными фонами, которые Суи использовала на захватывающих показах мод.
Среди представленных предметов также будет одежда, которую носят такие иконы стиля Суи, как Анита Палленберг и Джейн Хольцер.
Sui известна богатством своих набивных тканей, сочетающих в себе сложную многослойность и смешение узоров, текстур и цветов. На выставке представлены собственные графические ткани Sui, а также ткани, созданные совместно с известными партнерами, такими как Ascher Studio, Zandra Rhodes, Jeffrey Fulvimari и Barbara Hulanicki. Кроме того, выставка исследует ее процессы проектирования с помощью мудбордов, фотографий, эскизов, снимков с подиумов и культурной эфемеры. Раздел о сотрудничестве документирует ее многолетнее творческое партнерство с такими моделями, как Линда Евангелиста, Кристи Терлингтон и Наоми Кэмпбелл, а также с визажистами Пэт МакГрат и Франсуа Нарс, ювелиром Эриксоном Бимоном, дизайнером трикотажных изделий и модисткой Джеймсом Ковиелло и парикмахером. Гаррен.Влияние музыки видно на протяжении всей выставки, от неизменной любви Суй к богемному шику до ее оригинальных коллекций в стиле гранж 1993 года.
Ассортимент различных стилей, представленных на выставке, подчеркивает последовательный подход Анны Суи к дизайну, поскольку она воплощает свои текущие увлечения в каждый предмет одежды. Прославляя американскую моду, выставка также представляет собой увлекательный путеводитель по истории американской поп-культуры, а также взгляд изнутри на творческий процесс и уникальный взгляд на мир этого культового дизайнера, чей смелый и экспериментальный подход к дизайну стал основой международная сцена моды.
Выставка моды в музее де Янга в Сан-Франциско исследует образы расы и наследия дизайнера
САН-ФРАНЦИСКО (KGO) — Новая выставка в музее де Янга в Сан-Франциско представляет собой радостный взгляд на одного из самых известных афроамериканских модельеров в мире. Патрик Келли имеет почти столько же интригующих слоев, сколько и его дизайны. Прогулка по выставке «Патрик Келли: Подиум любви» в музее де Янга может быть ближе всего к тому, чтобы пройтись по подиуму мод самостоятельно, с видео с винтажных показов, демонстрирующих ритм, и экзотическими красочными платьями, струящимися вокруг вас.
Это чувство причастности, как говорят друзья, исходило прямо из сердца Келли.
СВЯЗАННЫЕ: Художница-феминистка Джуди Чикаго исследует темы исчезновения на выставке де Янга
«Часть нашей работы заключалась в том, чтобы разговаривать с его друзьями и коллегами. Они всегда возвращались к тому, сколько радости было в нем как человеке, сколько радость была в одежде, как он хотел, чтобы его одежда вызывала у вас улыбку», — говорит куратор выставки Лаура Камерленго.
К 1980-м годам Келли стала сенсацией в американских и европейских модных кругах.Он был первым американским и первым чернокожим дизайнером, вступившим в должность в престижную федерацию моды Франции Chambre Syndicale du Prt—Porter des Couturiers et des Créateurs de Mode. Но хотя его взлет был стремительным, по словам куратора выставки Лауры Камерленго, он был далеко не гладким.
«Патрик преодолел огромные препятствия, чтобы стать знаменитостью Парижа до 35 лет — он родился и вырос в Виксбурге, штат Миссисипи, в 1950-х и 60-х годах в изолированной среде, в среде, где он пережил жестокие акты расизм», — объясняет Камерленго.
И этот ранний опыт буквально вплетен в его творчество. Работа, которая была частично вызвана подарком, который его бывший партнер Бьорн Амелан купил на барахолке в Париже. Это была фарфоровая пепельница, выполненная в виде лица чернокожего человека.
ВИДЕО: закулисный взгляд на выставку Фриды Кало в Музее де Янга в Сан-Франциско
«Я дал ему это. или даже объяснить мне, что означают эти кусочки, чего он никогда не делал, и что я действительно понял только со временем.Он сказал мне: «Мы начнем собирать это», — вспоминает Амелан.
Келли не только собирал расово-заряженные предметы, он начал превращать их в заявление, превращая их в одежду и украшения.
«Его отношение было сказать, что, пряча такие артефакты и отказываясь их видеть, мы сохраняем их власть над нами, их негатив», — считает Амелан.
Представляющий куратор Камерленго соглашается.
с образами и как бы возвращая их публике в своих модных проектах», — говорит она.
СВЯЗАННЫЕ: Выставка в Музее де Янга в Сан-Франциско рассказывает историю 2020 года глазами художников
На пике своего развития мода Келли обращалась к гей-сообществу и цветным сообществам, традиционному миру моды и широкой публике одновременно. Но, как и его некоторые из его крутящихся тканей, собственные времена Патрика Келли вскоре окутали его.
«Когда нам обоим поставили диагноз летом 87-го, мы были ВИЧ-позитивными», — вспоминает Амелан.
Он говорит, что пара изначально держала свой диагноз в секрете из деловых соображений.Только после его смерти в 1990 году общественность начала поглощать борьбу. Амелан выжил благодаря лечению, и у него были десятилетия, чтобы наблюдать, как рост Келли продолжает расти, на таких выставках, как «Подиум любви» де Янга.
«О, я думаю, это было бы очень приятно. Думаю, это было бы похоже на широкую улыбку и большой палец вверх», — говорит Амелан. демонстрация чувство вдохновения чувство радости и чувство, что они знают Патрика Келли на очень близком уровне.