Театр поэзии это: «Что такое поэтический театр». Давид Самойлов — о спектакле «Пугачев»

Содержание

В Москве появится Театр поэзии / Авторские материалы / Радиостанция "Вести FM" Прямой эфир/Слушать онлайн

В столице начинается новый театральный сезон. Это событие ознаменовалось не только списком премьерных спектаклей от ведущих театров столицы, но и тем, что в Москве скоро появится еще одна площадка - Театр поэзии. Его руководителем стал Влад Маленко, известный своими актерскими работами в Театре на Таганке. Как может измениться в скором времени театральная жизнь Москвы, задумался культурный обозреватель "Вестей FM" Григорий Заславский.

Появление нового руководителя в Центре драматургии и режиссуры - Владимира Панкова, известного режиссера и создателя целого нового направления в театре - саунд-драмы, - как оказалось, стало только началом больших перемен в столичной театральной жизни. Пока что на словах, но почему-то кажется, что скоро они проявят себя и в новых спектаклях - или, как когда-то написал Маяковский, "в пароходах, строчках и других добрых делах".

Дело в том, что Центр драматургии и режиссуры как своего рода театральное объединение в течение последних многих лет просто так, без особой мысли, вбирал в себя разные другие театры, преимущественно - экспериментальные, небольшие. В этом центре одним из первых оказался Театр киноспектакля - про него никто ничего не слышал, но, как выяснилось, был в системе столичного департамента культуры и такой. И вот этот театр, обладающий, между прочим, неплохой площадкой в самом центре Москвы - в районе Патриарших, Владимир Панков предложил возглавить Владу Маленко, человеку, как говорится, широко известному в узких кругах, впрочем, не таких уж и узких - его знают многие как актера Театра на Таганке, вернее - знали, потому что, получив новое интересное предложение, Влад Маленко из Театра на Таганке ушел (проработал он в нем, наверное, лет двадцать). Но Москва, думается, получила еще одно новое интересное место притяжения, поскольку Маленко - чистой воды таганковский актер - именно на Таганке было принято не только играть, но еще и стихи писать, вот и Маленко писал стихи, а главное - басни, причём смешные, злободневные.

В общем, хорошие басни. И Таганка - редкий театр, у которого всегда был вкус к поэзии. А рядом с нынешним новым Театром поэзии, куда пришел Маленко, находится театр "Практика", где тоже полюбили и умеют читать стихи, и некоторые из героев "Практики" теперь "перекочуют" - об этом уже стало известно - к Маленко.

Хочется надеяться, что результаты новых назначений как-то проявятся в театральной жизни уже в этом сезоне, а ещё лучше - до конца этого года.

«Открытие Театра поэзии – это большое событие для Дагестана и пример для всей России»

По инициативе Главы Дагестана Рамазана Абдулатипова год назад в республике открылся Театр поэзии «От Пушкина до Гамзатова и…». Это событие в культурной среде республики восприняли с энтузиазмом. Перед театром поставлены задачи привлечь внимание общества к литературе, увеличить зрительский интерес к поэзии, возродить традиции поэтического исполнительства, а в перспективе – расширить культурные связи с другими регионами и популяризировать поэзию Дагестана за пределами республики.

В беседе с корреспондентом РИА «Дагестан» поэт и художественный руководитель Театра Магомед Ахмедов рассказал о проводимых в его стенах мероприятиях и поделился своим видением истории дагестанской поэзии.

– Уже прошел год с момента открытия Театра Поэзии в Махачкале, в котором Вы являетесь художественным руководителем. Какие мероприятия и встречи проводятся в театре?

– Открытие театра поэзии было очень большим событием для Дагестана и примером для всей России, так как в последние годы поэзия потеряла свою актуальность и великое назначение.

В стенах театра мы проводим встречи с интересными дагестанцами, с теми, кто является примером для подражания. Не обязательно, чтобы этот человек был поэтом, главное, чтобы он был интересным, образованным. К примеру, недавно состоялись встречи с руководителем Клуба любителей авторской песни «Порт-Петровская гавань» Мусой Гаджиевым, с директором и художественным руководителем театра «Камерный балет» Мусой Оздоевым и многими другими.

Раз в месяц проводятся тематические выставки на любые темы. Недавно состоялся показ картин о войне, селах, природе, экстремизме в лесу. На мой взгляд, живопись созвучна музыке и крайне важна для понимания поэзии.

– Какая работа проводится в театре по классическому репертуару?

– На данный момент Театр поэзии проводит большую работу по классическому репертуару. Проходят встречи с поэтами, которые читают свои поэтические дневники. На сцене они зачитывают стихи не только собственного сочинения, но и известных классиков, которые оказали какое-либо влияние на душу или на судьбу автора. Я сам недавно принимал участие в данном мероприятии и читал свой поэтический дневник.

В театре также востребованы моноспектакли таких произведений, как «Евгений Онегин», «Мцыри», «Полтава». Ставили спектакли также по Марине Цветаевой, Владимиру Высоцкому и по многим другим авторам русской литературы.

Также здесь проходят вечера памяти. Недавно вспоминали Булата Окуджаву и Фазу Алиеву. К годовщине ее смерти собираемся провести «Конкурс-фестиваль памяти Фазу Алиевой», где будет показан спектакль, посвященный этой великой поэтессе.

Также хотелось бы отметить, что к концу года все двенадцать театров Дагестана должны подготовить по одному поэтическому конкурсу, посвященному классикам. Также состоится конкурс на лучший спектакль  на национальных языках среди дагестанских театров.

– Чем, на Ваш взгляд, отличается литература Дагестана от других народов России?

– Дагестанцы никогда не скрывали своей любви к Родине, писали стихи о ней и, в отличие от других народов, они прямо выражали свою любовь. Фольклор Дагестана славился своими произведениями о мужестве и силе духа. У нас великолепные сказки, рассказы, легенды, фольклор и колыбельные.

К примеру, Омарла Батырай. Его любовные песни пронизаны не совсем характерным для горцев того времени человеческим отношением к женщине. Его поступки противоречили традиционному укладу общества горцев и воспринимались большинством его современников как вызов всему общественному мнению.

Старшины селения Урахи не любили поэта за его независимый характер, за любовные песни и запрещали ему петь. За каждую спетую песню на Батырая накладывался штраф в виде быка. Современники поэта рассказывают о случаях, когда люди в складчину покупали быка, чтобы иметь возможность послушать его песни.

Где еще вы видели, чтобы народ платил штраф за то, чтобы поэт пел песню? Это уникум в дагестанской литературе.

– Какие дагестанские поэты внесли большой вклад в развитие литераторы Дагестана?

– На мой взгляд, дагестанское творчество не уступает по своей значимости и красоте ни одной другой литературе мира.

Когда Сулейман Стальский, великий лезгинский поэт, отправился на первый съезд писателей, Максим Горький назвал его «Гомером 20-го века». Он был первым, кто вывел дагестанскую поэзию на всероссийский уровень. Поэзия Стальского стала символом того времени. Он был одним из немногих, о ком хорошо отзывались такие известные русские писатели, как Михаил Шолохов, Александр Твардовский, Борис Пастернак, Осип Мандельштам, Александр Фадеев и многие другие. Они дали очень большую оценку его творчеству.

Рассвет дагестанской поэзии выпал на 60-е годы прошлого века, когда Расул Гамзатов получил «Ленинскую премию» и выпустил сборник «Высокие звезды». Именно тогда о нашей литературе заговорили во всем мире. Помимо Расула Гамзатова, были такие выдающиеся писатели, как Ахмедхан Абу-Бакар, Фазу Алиева, Руслан Магомедов, Магомед Сулейманов, Алимирза Саидов, Магомед Атабаев, Муталиб Митаров и другие.

Поэзию в Дагестане всегда сравнивали с молитвой, они были взаимосвязаны. И многие дагестанские классики не получили всемирную известность лишь потому, что их не могли перевести на русский язык. Если бы Омарла Батырая перевели на все языки мира, он прозвучал бы не хуже Омара Хайяма или Махмуда из Кахаб-Росо. На мой взгляд, он писал стихи не хуже Петрарки.

Сколько в наших поэтах энергии, сколько мощи, таланта при том, что они не имели высшего образования! Они учились лишь выражать словами свежесть гор и пение рек, красоту горянок и отвагу джигитов, и это получалось у них лучше всего.

Евгений Евтушенко. «Все лучшее в мире – это поэзия» — Театрал

Премьера поэтического шоу Евгения Евтушенко «Идут белые снеги» состоится 12 декабря 2007 года в Концертном зале «Олимпийский». В шоу принимают участие: Михаил Задорнов и его молодежный театр романтической комедии из Риги; композитор Глеб Май (создатель, как уже определили газеты, чисто русского «березового рока») и его оркестр; актеры Дмитрий Харатьян и Александр Домогаров (поющие вживую!) ; киноактер Денис Константинов (сыгравший когда-то роль молодого Жени Евтушенко в автобиографическом фильме «Похороны Сталина»).

В природе Евгения Евтушенко творческая составляющая неразрывно связана с гражданской. О своем гражданско-поэтическом участии в борьбе с «глобальным похолоданием» во всех областях человеческой жизни Евгений Александрович говорил с Катериной АНТОНОВОЙ.

– Сейчас идет возрождение интереса к публичному исполнению поэзии: началось это с клубов, почти с квартирников, вылилось – в битком набитые концерты в Кремлевском дворце съездов, в Зале Чайковского, в Политехническом, а теперь вы хотите собрать почти двадцать тысяч зрителей в «Олимпийском». С чем, по-вашему, связана эта возрастающая у людей потребность слушать, а не только читать стихи? Ведь в какой-то момент казалось, что это ушло, и навсегда.

– Именно тогда, когда кажется, что нечто прекрасное может уйти навсегда, надо сделать все, чтобы его вернуть. Поэзия должна вернуться к людям, потому что люди затосковали по ней. А знаете, почему затосковали? Потому что все меньше поэзии жизни. Глобальное потепление парадоксально сочетается с похолоданием человеческих отношений. Сейчас во всем мире вопиющий недостаток теплоты людей друг к другу. Холодная «как бы любовь», холодная «как бы дружба», холодная политика, холодная логика, холодная прагматика, холодные речи, холодные рукопожатия. «Зимние глаза», как некогда точно определил Герцен, на лице царя, миллионно растиражированы сверху донизу аж до клерков и милицейских сержантов. Даже попсовая пошлятина и та стала холодная, как позавчерашнее мясо из холодильника. Харизма и то замороженная. Взаимоотношения «бойфренд – герл-френд» подменили романтическую влюбленность. Очень редко можно наткнуться на «одну, но пламенную страсть», которая иногда кажется выдумкой романтиков прошлого. Между прочим, и у многих современных поэтов, когда хочешь их проверить, есть ли у них температура хотя бы человеческого тела, натыкаешься пальцем на лакированную холодную хитиновую поверхность панциря, скрывающего душу, а вот теплую ли? А если она все-таки теплая, то не теплее комнатной температуры. Ну как же тут не затосковать по истинной поэзии, а? Ведь все лучшее в мире – это поэзия. Поэзия любви, дружбы, творчества, отношения к природе.

– На ваш взгляд, «похолодание» в отношениях и отказ от романтики – это сознательный выбор человека? Или чья-то воля?

– Одни хотят превратить страну в казарму, другие – в полуказино-полубардак, третьи – в сплошной бюрократический офис, но все на зыбкой сырьевой основе, а вот что за идеалы предполагаются в таком обществе, неясно. А как же не догадаться о том, что человек – это животное, которое грезит, то есть животное поэтическое, и ему необходимы идеализм, романтика, поэтичность жизни для оправдания его существования на земле. А что такое настоящая литература, в том числе и поэзия? Именно поиск смысла жизни. Так же как в религии, если она не превращается из поиска в механическое затверживание канонов, не перестает быть живой, ищущей поэзией, какой была изначально. Я глубоко верю, что, несмотря на триумфальное обезинтеллигентивание человечества средствами массовой информации и шоу-биза, безнадежных по отношению к поэзии людей нет. Надо только помочь им найти ее в себе и в книгах.

Поэтому так важно возродить сегодня большие поэтические выступления.

– Вы думаете, что возможно повторить поэтический бум шестидесятых? Ведь тогда поэты были настоящими звездами…

– Нам тогда никто этого не подарил – права выступать на площадях и в «Лужниках». Мы этого сами добились. Мы сначала читали в библиотеках, красных уголках, рабочих клубах, студенческих аудиториях. Мы вернули доверие к поэзии. Мы так себя вели, как будто за нашей спиной находились сильные покровители – и они были. Это наши читатели, люди самых разнообразных профессий – инженеры, учителя, геологи, врачи, молодые актеры, физики, металлурги, биологи, журналисты, художники и, конечно, студенчество. Мы, поэты-шестидесятники, все были разные, но тогда держались дружно. На совместных наших вечерах звучала будущая классика – «Мастера», «Осень в Сигулде», «Ты меня никогда не забудешь / Ты меня никогда не увидишь» хрупкого порывистого Вознесенского; «Сказка о Дожде», «Моим товарищам не надобно удачи / Мои товарищи добьются своего» Беллы Ахмадулиной с косами, уложенными венком; первые песни Булата еще в облаке непокорных черных волос «Надежда, я вернусь тогда. ..», «Последний троллейбус»; потом появился Высоцкий, бешено рвавший струны гитары: «Чуть помедленнее кони, чуть помедленнее...», но он, как сам собою вконец загнанный конь в мыле, не слушал собственных уговоров… Теперь он тоже стал памятником. Читал, слегка заикаясь, похожий на баскетболиста, Рождественский, и кто мог тогда представить, что он покорит даже тех, кто не очень-то его принимал вначале, своими безыскусными прощальными стихами «Что-то я делал не так. Извините. Жил я впервые на этой земле». Вечера поэзии то и дело запрещали, но их тогда устраивали в своих засекреченных исследовательских институтах наши выдающиеся ученые – Ландау, Капица, Флоров. Директор крупнейшего атомного комбината в Ангарске В. Новокшенов организовывал вечера Высоцкого и мои, когда они были запрещены в Москве.

– Гражданская поэзия уместна для площадей, для больших залов. А как быть с лирикой?

– Мои первые стихи, получившие общенародное распространение, были вовсе не гражданскими, а лирическими, любовными: «Ты спрашивала шепотом / А что потом, а что потом?» (1954) и «Со мною вот что происходит». Только потом родились такие гражданские стихи, как «Бабий Яр» (1961), который в течение недели был переведен на 72 языка мира и напечатан на первых полосах всех крупнейших мировых газет; «Наследники Сталина», посланные Хрущевым на военном самолете в «Правду»; «Письмо Есенину», прочитанное мной в Колонном зале в 1965 году, когда телевидение оборвало передачу после строк «Когда румяный комсомольский вождь / На нас поэтов кулаком грохочет / И хочет наши души мять, как воск / И вылепить свое подобье хочет / Его слова, Есенин, не страшны / Но тяжко быть от этого веселым / И мне не хочется, поверь, задрав штаны / Бежать вослед за этим комсомолом» – все эти три стиха подверглись жесточайшим нападкам и были во второй раз напечатаны лишь в 1985 году. Зато тогда была такая техника – четверо молодых студентов, сидящие рядом, записывали стихи с голоса в тетради по строчке – затем соединял все вместе, а на следующее утро эти стихи бесцензурно гуляли по России. Вспомню еще одну свою строчку: «Поэзию рождает ожиданье Поэзии-народом и страной». Сейчас такое ожидание есть. Значит, и поэзия будет. Мы, все те, кто выйдут на сцену «Олимпийского» 12 декабря, хотим этим поэтическим вечером поддержать веру нашего народа в русскую поэзию.

– Как вы в принципе относитесь к современным молодым поэтам? Кого читаете? Кто вам интересен? Поддерживаете ли вы как-то тех, кто только вступает в литературный мир, или считаете, что каждый должен карабкаться сам?

– Если подсчитывать тех молодых, которых я впервые включил в антологию «Строфы века», то не хватит пальцев на всех бесчисленных руках индусского бога Шивы. Естественно, что и в моей новой антологии «Десять веков русской поэзии» появится много новых имен – ее я дал себе слово закончить в будущем году. За это время раскрылось, к сожалению, предсмертно, дарование Рыжего, ушла Таня Бек, оставившая много серьезных стихов, появилась спорная, но уже завоевавшая свое место в поэзии Вера Павлова, Инна Кабыш написала гениальное стихотворение, где есть такие незабываемые строки «Кто варит варенье в России, тот знает, что выхода нет», хотя до сих пор издатели преступно медлят с ее избранным, Дмитрий Быков – вот уж кто воистину Шива! – успевает один за другим печатать романы, впечатляющее исследование о Пастернаке, на «Времечке» с хитренькой загадочностью поухмыляться – наконец-то издал классно написанную, полную противоречий крупную книгу стихов, и печатает поражающие среди обеззубевшей сатиры дерзостью пера Письма Счастья в долгожданно возродившемся «Огоньке». Одним из самых главных открытий в нашей поэзии последних 30–40 лет считаю публикацию из 22 стихотворений «Венички Ерофеева из Самары» Михаила Анищенко, напечатанную с моей вступительной статьей в «Новых Известиях» в этом году. Там нет не только ни одного плохого стихотворения, но и ни одной плохой строки – все эти стихи достойны войти в антологию «Десять веков русской поэзии». Это исповедальная, очень русская, близкая к Есенину и Рубцову лирика, и в то же время своя. Однако, несмотря на мой призыв к издателям, никто из них пока, насколько мне известно, и пальцем не пошевелил, чтобы издать его книгу. А автору этих стихов уже 57 лет. Ну и что! Искусственно делить поэтов на молодых и немолодых глупо. Любой настоящий поэт молод – возьмите хотя бы примеры Пастернака, Тютчева – как молодо они писали о любви уже далеко не в молодости: «Ты так же сбрасываешь платье / Как роща сбрасывает листья / Когда ты падаешь в объятья / В халате с шелковою кистью», Пастернак; «Помедли, помедли вечерний свет, Продлись, продлись очарованье. ..», Тютчев. Помогать надо, но не нянькаться.

– Ваши слова: «Редактуру у нас выплеснули вместе с официальной цензурой». В какой степени редактура должна стоять между поэтом и читателем?

– Искусственно, по моей или по чьей-то другой рецептуре, нельзя создавать редакторов, так же как искусственно невозможно создавать поэтов. Главное, чтобы редактор обладал вкусом, но не узким, и делал бы замечания и предложения, исходя из стиля каждого редактируемого им писателя, а не из собственных догматов, и второе, чтобы редактор не был трусом. Правила эти просты, а жить по ним нелегко.

– Не кажется ли вам, что маргинальное положение писателя в обществе, его весьма относительный вес, весьма относительное значение, звучание его слова – это нормальное его положение в нормальном, не тоталитарном обществе?

– «Не могу молчать» Золя о деле Дрейфуса не было написано в тоталитарном обществе, но сразу оказалось в центре политической жизни Франции. Американские писатели шестидесятых годов Артур Миллер, Норман Майлер, Эдвард Олби, Вильям Стайрон, Ален Гинсберг и многие другие сыграли огромную роль в том, чтобы война во Вьетнаме была все-таки остановлена, а тогдашнюю Америку все-таки нельзя назвать тоталитарным обществом. Генрих Белль, выдвинувший Александра Солженицына на Нобелевскую премию, сделал большое дело для борьбы за свободу слова. Голос Пабло Неруды имел огромное звучание в Чили еще до пиночетовского режима. Эхо каждого слова Габриэля Гарсиа Маркеса о современной политике немедленно звучит во всей Латинской Америке, и не только в ней. Неужели нам нужно восстанавливать тоталитарное общество по типу сталинского только для того, чтобы писатели перестали быть маргиналами? Гражданское неравнодушие – это норма поведения каждого уважающего себя писателя, а не унижающая его скучная и хлопотная задача.

– Сейчас в России, как и во всем мире, есть простой и наглядный показатель истинной востребованности произведения искусства: продажи книг или билетов на выставку (в кино, в театр, на концерт). Однако многие не согласны с такой системой «измерения» известности и значимости. Вы согласны?

– Если согласиться с этими цифрами, то фильм «Ночной дозор» в десяток раз лучше, чем «Летят журавли», а Дарья Донцова более значительный писатель, чем Булгаков, потому что даже его большие посмертные тиражи выглядят карликовыми по сравнению с ее прижизненными.

– Говорят, что чем жестче система в стране, тем больше интерес к искусству. Нет ли у вас ощущения, что нынешний всплеск интереса и к поэзии, и к кино, и к музыке – это следствие закручивания гаек в государстве?

– Тогда их надо еще сильнее закручивать, что ли? Это из той же оперы, что для поднятия духа гражданственности весьма пользительна тоталитарная система. Гражданственность для полноценного гражданина своей страны и мира, что не должно противоречить друг другу, – это внутренняя необходимость при любой системе. Если не будет гражданственности, тогда все системы рано или поздно станут тоталитарными.

– На ваш взгляд, Россия когда-нибудь избавится от страха топора над головой, железного занавеса, террора? Что нужно сделать для того, чтобы этот страх ушел?

– Я, автор стихотворения «Страхи», надеюсь, что никогда мне не придется переделать строку «Умирают в России страхи» на «Умирали в России страхи», хотя столько нераскрытых убийств наших журналистов иногда наводят на горькие мысли. Но я глубоко верю в такое будущее нашего народа, где правят совесть и справедливость, и, надеюсь, имею право сказать, что работаю на это будущее. Наши некоторые сограждане вообще считают, что Россией можно руководить, только держа ее в страхе, по принципу «надо бы Россию подморозить». Но это неправда, что страх замораживает в людях самые худшие инстинкты. Наоборот, страх их выпускает наружу, а сковывает все лучшее. Лишь очень сильные люди способны преодолеть страх, и тогда даже во время террора могут рождаться гениальные произведения. Но сколько замечательных писателей, деятелей искусства и науки погибло в лагерях, а вместе с ними погибли их потенциальные великие романы, стихи, научные открытия! Россию от ее бед надо лечить не «подмораживанием», а «растеплением» человеческих взаимоотношений. И какой жанр искусства в этом может помочь больше, чем поэзия?

Вера Полозкова биография, фото, личная жизнь

Профессиональная деятельность

Вера Полозкова — настоящая законодательница поэтической моды. Первой из российских поэтов она записывает альбом «Знак не/равенства», где читает свои стихотворения под музыкальный аккомпанемент. Затем этот тренд подхватывает множество других современных поэтов, и поэтическо-музыкальные произведения становятся необычайно популярными в нашей стране.

Кроме того, Вера играет в современных театральных проектах — «Театр.doc» и театр «Практика» (позднее «Политеатр»).  На основе своих стихотворений создает целые спектакли: «Стихи о любви» и «Стихи о Москве». Получает престижные литературные и поэтические награды: «Неформат» и премия имени Риммы Казаковой от Союза писателей. Номинируется на премию «Парабола», учрежденную фондом Андрея Вознесенского, и становится женщиной года по версии глянцевого журнала Glamour.

После выхода в 2009 году ее первой аудиокниги «Фотосинтез» и музыкального сборника «Знак не/равенства» Веру приглашают выступать и вести популярные поэтические и музыкальные мероприятия и даже номинируют на независимую музыкальную премию «Степной волк». Вера начинает гастролировать со своими выступлениями по стране и миру (от Лондона до Нью-Йорка), где неизменно собирает полные залы слушателей. Ее книги выходят тиражами в десятки тысяч экземпляров, но спрос на них настолько высокий, что их приходится постоянно переиздавать.


Стихи Веры Полозковой

В творчестве Веры Полозковой можно выделить несколько поэтических циклов. В последнем музыкальном альбоме «Города и числа» (выпуск 2015 года) поэтесса и сама разделила стихотворения на 4 темы: север, юг, запад и восток. Герои ее «западных» произведений носят соответствующие имена: Говард Кнолл, Барбара Грейн, Джеффри Тейтум. Но от этого смысл стихотворений не теряет для нас своей актуальности.

Значительная часть «восточных» стихов Веры посвящена Индии, где она впервые побывала в 2008 году. Индия для нашей героини — место силы, отдыха и вдохновения. Среди самых известных ее индийских произведений — стихотворение «Что рассказал Шанкар своему другу Раджу» и цикл «Письма из Гокарны».

Еще одна часто встречающаяся тема в стихотворениях Веры — море. Например, «Надо жить у моря, мама» и «Гляди на море впрок». В ее произведениях море — это не только энергия и сила, но и отличный врачеватель душ.

В большую тему можно выделить и «семейные» стихотворения Веры Полозковой. Сюда входят  не только ее произведения для детей, но и стихи, посвященные сыновьям и маме. Вообще мама в качестве собеседника появляется еще в самых ранних ее произведениях. Например, в том же «Надо жить у моря, мама» или в «Письме маме».


Книги

2008, 2010 поэзия Непоэмание«Непоэмание» — первая книга в то время уже известной в интернете поэтессы Веры Полозковой. Свои стихи Вера начала публиковать в 2003 году в ЖЖ под псевдонимом Miss Understanding. К моменту выхода первого печатного сборника у нее уже был престижный титул «Поэт года ЖЖ», 17 тысяч читателей и поэтические концерты. Наконец в 2008 году все самые известные ее произведения были объединены и выпущены в сборнике «Непоэмание». В книгу вошло 114 стихотворений. В 2010 году сборник был переиздан с увеличенным тиражом, а затем в 2011 и 2012 годах тираж допечатывался.2008поэзияФотосинтезВторой сборник «Фотосинтез» был выпущен в том же 2008 году. В него вошло еще 38 стихотворений, а также фотографии Ольги Паволги, известной фотохудожницы и подруги Веры Полозковой. В аннотации к книге авторы объяснили, что под «фотосинтезом» понимают как раз соединение иллюстраций и стихотворных форм, которые таким образом рождают новые смыслы. Действительно фотографии, использованные для иллюстрирования сборника, идеально дополняют и помогают раскрыть смысл стихотворений. Сборник «Фотосинтез» переиздавался трижды, а его общий тираж составил порядка 30 000 экземпляров.

2013поэзия Осточерчение Следующий печатный сборник Веры Полозковой «Осточерчение» увидел свет лишь через долгие 5 лет. В него включили 12 стихотворных циклов, написанные нашей героиней в предыдущие годы. «Осточерчение» стало своего рода подведением творческих итогов поэтессы. В сборник вошли как наиболее известные стихотворения, уже опубликованные в предыдущих книгах или прочитанные на выступлениях, так и новые, недавно написанные произведения. Сборник вышел тиражом 15 000 экземпляров.

2017 детская поэзия Ответственный ребенок В 2017 году Вера Полозкова попробовала себя в новом качестве — детского поэта. В печатный сборник «Ответственный ребенок» вошли стихотворения, написанные поэтессой после рождения сына Федора. Сборник разошелся небывалым тиражом для детских книг, а тем более для детской поэзии, — 10 000 экземпляров. Пожалуй, за последнее столетие это были первые популярные детские стихотворения, заучиваемые наизусть малышами по всей стране наравне с произведениями Агнии Барто и Сергея Михалкова.

Коляда-Театр – Екатеринбург – официальный сайт

«В свой день рождения, 4 декабря, я получил документы так называемого Некоммерческого партнерства «Коляда-Театр». Мании величия у меня нет, но я решил назвать свой театр именно так – был языческий бог Коляда, рождественская песня зовётся колядой. Мне хочется, чтобы в этом театре был постоянный праздник для зрителя, а для актёров – радость, жизнь. Я в лепёшку расшибусь, но это будет лучший театр в городе. У него будет своя труппа, свой штат и зал мест на 100-120», – Николай Коляда, из интервью журналу «Деловой квартал», №43, 2001.

Первым спектаклем Николая Коляды в статусе директора и худрука своего театра был спектакль «Персидская сирень» в Свердловском академическом театре драмы с Вероникой Белковской и Вячеславом Мелеховым.

В Малом драматическом театре «Театрон» Николай Коляда ставит спектакли:

  • К. Костенко «Клаустрофобия» – в ноябре 2003 г. показан в Польше на международном фестивале «Новое слово»;
  • У. Шекспир «Ромео и Джульетта» – второй вариант, впервые спектакль был поставлен на сцене Свердловского академического театра драмы в 2001 г.;
  • А. Архипов «Дембельский поезд»;
  • Н. Коляда «Селестина»;
  • А. Линдгрен «Карлсон вернулся».

На сцене «Театрона» был впервые представлен проект «Суп-Театр»: зрители усаживаются за столики для совместного ужина – им предлагается чашка супа, приготовленного Николаем Колядой, хлеб, чай; а после артисты показывают спектакль-капустник, уникальное действо, которое больше не повторится.

В это же время, ещё не имея собственного помещения, «Коляда-Театр» проводит первый и второй конкурсы драматургов «Евразия». Сегодня один из самых престижных драматургических конкурсов на территории СНГ.

В мае 2004 г. театр получает площадку в подвале Краеведческого музея на пр. Ленина 69/10.

«Руководителем театра я работаю уже три месяца. С того момента, когда мы начали преображать помещение молодежного центра поэзии в новый театр. Участие в этом принимали и актёры, и мои студенты, и простые люди с улицы. Сегодня по техническому оснащению наш зал – лучший малый зал в городе Екатеринбурге. Очень радостно и тепло от этого на душе.

Я не собирал труппу специально. Сюда пришли те, кому дорога свобода творчества. У меня много интересных идей, которые я собираюсь воплотить в театре. Мы будем читать пьесы молодых драматургов, устраивать презентации драматургических сборников и новых выпусков журнала ”Урал“. Будет много мероприятий, причём вход на них будет свободный.

Сейчас меня переполняет ощущение невероятного счастья: здесь всё родное, всё наше, всё сделано своими руками», – Н. Коляда, из интервью ИТАР ТАСС 02.08.2004.

Выходят спектакли:

  • Николай Коляда «Кармен жива»
  • Николай Коляда «Птица Феникс»
  • Шарль Перро «Золушка»
  • Эмиль Ажар «Мадам Роза»
  • Николай Коляда «Старик Хоттабыч»

В ноябре стартовал проект «Театр в бойлерной»: артисты «Коляда-Театра» читают пьесы молодых уральских драматургов. Проект стал регулярным, многие из прочитанных пьес получают награды престижных конкурсов, а их авторы становятся известными далеко за пределами Екатеринбурга.

В январе Николай Коляда восстанавливает на новой сцене спектакль по пьесе Константина Костенко «Клаустрофобия».
«Коляда-Театр» начинает выпускать «Театральную газету», которую критики называют «самой сытной газетой о театре».
Одновременно из-за помещения, переданного «Коляда-Театру» в аренду на три года, разгорается затяжной имущественный конфликт с Молодёжным центром поэзии.
Но работа продолжается. Почти каждый вечер в зале аншлаг. «Коляда-Театр» продолжает нарабатывать репертуар.

Выходят спектакли:

  • Николай Гоголь «Ревизор»
  • Василий Сигарев «Чёрное молоко»
  • Татьяна Ширяева «Русские сказки»
  • Николай Коляда «Тутанхамон»
  • Николай Коляда «Нежность»
  • Николай Коляда «Амиго»

Николай Коляда придумывает и реализует новые проекты.

«Мне кажется необходимым каждый месяц придумывать в театре какой-то новый проект, поскольку театр, прежде всего, организм живой и должен постоянно обновляться. Какие-то из тех проектов, что мы придумывали, – не находили отклика у зрителей и исчезали. А какие-то прочно вошли в репертуар», – Н. Коляда, из интервью «GorodFM», 02.09.2005.

Так совместно с ФГУП «Фильмофонд Свердловской киностудии» появился проект «Кино-Коляда»: в зале на большом экране демонстрировались старые фильмы Свердловской киностудии.

А в сентябре возле театра выросла будка под названием «Колядоскоп» – бесплатный уличный театр. Куклы разговаривают с тем единственным зрителем, который подходит к окошечку, рассказывают ему историю, а напоследок дарят малышу (или взрослому) маленькую звёздочку из цветной бумаги с напутствием: «Если звезду положить вечером под подушку и загадать желание, то оно обязательно исполнится».

В это же время при театре была набрана студия, где бесплатно обучались восемь человек. Кто-то из них по окончании обучения, уже в 2006 году, вошёл в труппу театра.

Ситуация с помещением, арендуемым «Коляда-Театром», становится всё более сложной.

«За последние полгода было всё: суды, оккупация здания, ОМОН, баррикады, ультиматумы и взаимная злоба. Власть, похоже, не вмешивалась, дожидаясь, как оно само пойдет. Сегодня ситуация такова: суд о незаконном «проживании» «Коляда-Театра» в помещении Театра поэзии выигран, а власть говорит Коляде одно и то же: мы не властны изменить решение суда». Павел Руднев, «Взгляд», 21.02.2006

Тем не менее, театр не сдавался и продолжал функционировать. В апреле Николай Коляда выпускает спектакль «Землемер» по собственной пьесе, идёт подготовка к первым большим гастролям «Коляда-Театра» в Москве. И в конце мая театр привозит в столицу шесть спектаклей.

«В прошлом году на фестивале ”Реальный театр“ мы с огромным успехом сыграли спектакль ”Ревизор“, который смотрели сразу четыре эксперта ”Золотой маски“. Нас уверили, что мы на эту самую ”Маску“ поедем – сто процентов. Но потом состоялось заседание экспертного жюри, на котором было сказано о нашем спектакле: ”В Москве это не покатит“. Меня это разозлило до смерти. Потому что это обидно не только для меня, но и для Екатеринбурга: мол, в этой дыре всё съедят, а вот у нас в Москве... Тогда мы решили, что будем экономить деньги, будем получать маленькую зарплату, но поедем на гастроли в Москву и повезём сразу несколько спектаклей», – Н. Коляда, из интервью «Российской газете», 29.05.2006.

Интерес к «Коляда-Театру» возрастает, на осень намечены поездки на российские и зарубежные фестивали. В июне в репертуаре театра появляется новое название – «Старая зайчиха» (Н. Коляда).

Но конфликт с Молодёжным центром поэзии вспыхнул с новой силой. Разразился скандал. «Коляда-Театр» лишился здания. Труппа оказалась на улице. «Театр закрывается», – объявил журналистам Николай Коляда.

«Гастроли в Москве в конце мая – в начале июня прошли триумфально.

Стало ясно, что Коляда на свои собственные деньги, которые получает от успешного проката написанных им пьес и от продажи билетов на спектакли, то есть буквально «на коленке» создал настоящий репертуарный театр. Воспитал актеров – не каждая столичная труппа может похвастаться такой актрисой, как Ирина Ермолова, или таким, как премьер его труппы Ягодин.

И все эти годы театр жил в чужом подвале на птичьих правах. Построил там сцену, играл по тридцать спектаклей в месяц, приручил публику. Исправно платил коммунальные платежи. Но когда появились более приглядистые арендаторы, хозяева попросили театр освободить помещение». Григорий Заславский, «Независимая газета», 24.07.2006

14 июля неизвестные устроили в театре погром: забили все выходы, сломали сцену, закрасили окна белой краской, написали везде «Ремонт».

18 июля актёрам разрешили зайти в театр и собрать все ценные вещи.

«Мы пришли в помещение, увидели снова всю разруху и решили не сдаваться. Мы объявляем голодовку и не выйдем из театра до тех пор, пока вопрос не будет урегулирован», – Николай Коляда.

Голодовка продолжалась в течение суток, после чего было получено постановление Арбитражного суда о запрещении Молодёжному центру поэзии выселять «Коляда-театр» до 23 августа, то есть до рассмотрения дела в суде.

2 августа «Коляда-Театр» открыл новый сезон.

4 августа Николай Коляда получил ключи от нового здания театра на ул. Тургенева, 20.

«Ходили вокруг дома часа два. Уже прикинули, где будет гримёрка, где костюмерная. Это не театральное помещение, здесь всё нужно перестраивать. Здесь нет электричества, нет места для сцены. Работы предстоит много. Но, когда мы въезжали в здание на Ленина, и там вода стояла по колено, тоже не было света, однако всё сделали», – Николай Коляда, «Накануне.ru», 04.08.2006

За месяц силами труппы и друзей театра деревянный дом Ивана Маева XIX века был превращён в театр. И с 20 сентября начинается полноценная работа на новом месте.

До конца года «Коляда-Театр» побывал на фестивалях в Благовещенске, Нитре (Словакия), Дюссельдорфе (Германия), а также представил новый спектакль «Букет» по пьесе Николая Коляды.

Виртуальный тур
по зданию
на ул. Тургенева, 20

Пройти

Спектакли:

  • Уильям Шекспир «Гамлет»
  • Николай Коляда «Курица»
  • Николай Гоголь «Женитьба»
  • Николай Коляда «Морозко»

Фестивали:

  • «Passages» (Нанси, Франция) — «Ревизор», «Гамлет», «Король Лир»
  • «Золотая маска» (Москва)
  • «Dialog» (Вроцлав, Польша)
  • «Эй, ты, здравствуй» (Волгоград)
  • «Театр без границ» (Магнитогорск)
  • «Реальный театр» (Нижний Новгород) и др.

Спектакли:

  • У. Шекспир «Король Лир»
  • М. Себастьяну «Безымянная звезда»
  • Н. Коляда «Группа ликования»

Фестивали:

«Браво!» (Екатеринбург)

«Радуга» (Санкт-Петербург)

«Камерата» (Челябинск) и др.

«Коляда-Театр» проводит II Международный театральный фестиваль современной драматургии «Коляда-Plays». Первый фестиваль «Коляда-Plays» прошёл в 1994 г., и спустя 14 лет его работа возобновилась. В Екатеринбург приехали 23 театра из пяти стран. И несмотря на то, что для реализации этого проекта Николай Коляда был вынужден взять кредит в залог собственной квартиры, фестиваль было решено проводить ежегодно.

«Это был очень энергетический фестиваль. Дерзкий и точечный, резкий и неудобный, он оказался пассионарным взрывом, который безусловно породит позитивное эхо. Он собирался хаотично и нахрапом, но оказался твердым и внятным по программе – полностью отвечающим своим целям и задачам: собрать спектакли по современной пьесе», – Павел Руднев, 08.07.2008.

Спектакли:

  • Теннесси Уильямс «Трамвай «Желание»
  • Антон Чехов «Вишнёвый сад»
  • «Мойдодыр» (по мотивам произведения К. Чуковского)

Фестивали:

  • «Passages» (Нанси, Франция) — «Ревизор», «Гамлет», «Король Лир»
  • «Золотая маска» (Москва)
  • «Золотой конёк» (Тюмень)
  • «Гаврош» (Москва)
  • «Реальный театр» (Екатеринбург)
  • «Два века с Гоголем» (Челябинск)
  • «Норильские сезоны» (Красноярск)
  • Международный Волковский фестиваль (Ярославль)
  • «Молдфест.рампа.ру» (Кишинёв, Молдова)
  • «Дуэль» (Санкт-Петербург)

О спектаклях «Коляда-Театра», показанных во Франции, написала газета «Le Monde»:

«В день открытия фестиваля Коляда показал «Ревизора» Гоголя. Затем в программе 2 пьесы Шекспира … Счастливы те, кто сможет это увидеть! Они познакомятся с театром, каких сейчас не бывает нигде, кроме как в русской глубинке: полунищий, но полный образов, китча и абсолютно подчинённый мастеру. В его труппе, в  единении своём подобной пальцам руки её руководителя, 51-летнего Николая Коляды, лидирует Олег Ягодин, актёр, которого Лучино Висконти, будь эти двое современниками, не раздумывая, выкрал бы – чтобы снять в «Гибели Богов».

Результатом поездки в Нанси подписание договора о больших гастролях «Коляда-Театра» по 16 городам Франции в 2010 году.

Спектакли:

  • Анна Батурина «Фронтовичка»
  • Николай Коляда «Всеобъемлюще»
  • Николай Коляда «Два плюс два»
  • Ярослава Пулинович «Наташина мечта»
  • Николай Коляда «Крошечка-Хаврошечка»

За год «Коляда-Театр» дважды побывал во Франции: турне в течение месяца со спектаклями «Ревизор», «Гамлет», «Король Лир», а также участие в «Осеннем Парижском фестивале» со спектаклем «Гамлет».

Кроме того театр участвовал в фестивалях:

  • «Браво!» (Екатеринбург)
  • «Золотая маска» (Москва)
  • «Ново-Сибирский транзит» (Новосибирск)
    • Приз за «Лучшую женскую роль» получила Ирина Ермолова за роль Бланш в спектакле «Трамвай «Желание»
    • Премию «Лучший театральный менеджер» получил Николай Коляда
  • «Конфронтация» (Люблин, Польша)
  • «Молдфест. рампа.ру» (Кишинёв, Молдова)
  • «Большая перемена» (Москва)
  • «Мистерия Буфф» (Санкт-Петербург)

Спектакли:

  • Александр Пушкин «Борис Годунов»
  • Николай Коляда «Баба Шанель»
  • Ярослава Пулинович «Золочёные лбы» (по мотивам сказок Б. Шергина)
  • Андрей Крупин «Луна и трансформер»
  • Николай Коляда «Гуси-лебеди»

Фестивали:

«Март.Контакт» (Могилёв, Белоруссия)

«Золотая маска» (Москва)

«Европейская весна» (Архангельск)

«Браво!» (Екатеринбург)

  • Лучший постановщик в драматическом театре: Николай Коляда, режиссер спектаклей «Два плюс два» и «Фронтовичка» «Коляда-Театра»
  • Лучшая роль в драматическом театре: Сергей Колесов за роль Саши в спектакле «Два плюс два» «Коляда-Театра»
  • Лучший дуэт в драматическом театре: Ирина Ермолова и Вера Цвиткис в спектакле «Два плюс два» «Коляда-Театра»
  • Лучшая мужская роль второго плана в драматическом театре: Сергей Федоров за роль Марка Анатольевича в спектакле «Фронтовичка» «Коляда-театра»
 

«Живая Пермь» (Пермь)

«Athens & Epidaurus Festival» (Афины, Греция) – «Гамлет»

Международный Шекспировский фестиваль (Гданьск, Польша) – «Борис Годунов»

«Текстура Олимп» (Сочи)

В ноябре с большим успехом прошли гастроли «Коляда-Театра» в ТЦ «На Страстном» в Москве: за одиннадцать дней театр представил тринацать спектаклей.

«В блогах о гастролях пишут: "Какое счастье, что они приехали!", "Таких актеров в Москве нет – они какие-то настоящие!", "Кажется, я влюбляюсь в этот театр!". Это правда: "Коляда-театр" – сгусток неистовой, подпитанной корневыми соками энергии. Он простодушен, искренен, проницателен и эмоционален. Он балансирует на грани театрального карнавала и грубоватого народного балагана, и, казалось бы, нарушает все каноны нынешней "продвинутой" сцены, возвращаясь к тому театральному действу, что "обращает глаза зрачками в душу". И он возвращает театру - театр. Такое случалось на вековой давности "Турандот" вахтанговцев. Потом – в товстоноговских "Хануме" и "Истории лошади". Теперь зал рыдает от смеха на екатеринбургской "Женитьбе", зрители говорят о театральном катарсисе. Его позывные – смех, замирающий в сдавленном от слез горле», – Валерий Кичин «Слагаемые ренессанса», «Российская газета», 21.11.2011

4 декабря 2011 года театр отметил десятилетие с момента официальной регистрации.

Спектакли:

  • Николай Коляда «Девушка моей мечты»
  • Михаил Лермонтов «Маскарад»
  • Тая Сапурина «Банка сахара»
  • Николай Коляда «Большая советская энциклопедия»
  • Карло Гольдони «Слуга двух господ»
  • Ирина Васьковская «Уроки сердца»
  • Николай Коляда «Аленький цветочек»

Фестивали:

«Ново-сибирский транзит» (Новосибирск)

«Шекспировский фестиваль» (Бухарест, Румыния)

«Браво!» (Екатеринбург)

  • Лучший постановщик в драматическом театре: Николай Коляда, режиссер спектакля «Борис Годунов» «Коляда-Театра»
  • Специальная номинация Жюри «За многогранность актерского мастерства»: Ирина Ермолова за роль Кабанихи в спектакле «Гроза» Свердловского государственного академического театра драмы и роль Марины в спектакле «Борис Годунов» «Коляда-Театра»

«Новая европейская классика» (г. Лодзь, Польша)

В 2012 г. был проведён юбилейный десятый Международный конкурс драматургов «Евразия», финальные торжества которого прошли вместе с VI фестивалем «Коляда-Plays» в конце июня.

С 31 октября по 3 ноября «Коляда-Театр» осуществил успешные гастроли в г. Костроме.

Спектакли:

  • Ж.-Б. Мольер «Играем Мольера»
  • Н. Гоголь «Мёртвые души»
  • В. Шергин «Концлагеристы»
  • Н. Коляда «Мальчик с пальчик»

Фестивали:

«Passages» (Метц, Франция)

«Камерата» (Челябинск)

«Браво!» (Екатеринбург)

  • Лучшая мужская роль в драматическом театре: Олег Ягодин, роль Арбенина в спектакле «Маскарад» по пьесе М.Ю. Лермонтова, режиссёр Николай Коляда.

Театр открыл год традиционными гастролями в Москве, в Театральном центре СТД РФ «На Страстном», где в течение десяти дней с большим успехом были представлены 14 спектаклей.

С 4 по 16 мая 2013 года «Коляда-Театр» побывал на гастролях во Франции, где в семи городах представил спектакль «Баба Шанель» по пьесе Николая Коляды. В том числе спектакль был показан на фестивале «Пассаж» в г. Метц.

В июне 2013 г. был проведён одиннадцатый Международный конкурс драматургов «Евразия», финальные торжества которого прошли вместе с VII фестивалем «Коляда-Plays». В фестивале приняли участие 22 театра из 16 городов России и 5 зарубежных стран (Казахстана, Кыргызстана, Молдовы, Польши, Франции).

4 декабря 2013 года «Коляда-Театр» отметил своё двенадцатилетние, день рождения художественного руководителя Николая Коляды и двадцатилетие «уральской школы драматургии».

Спектакли:

  • Юлия Тупикина, Светлана Баженова «Ба |По-другому»
  • Николай Коляда «Скрипка, бубен и утюг»
  • Николай Коляда «Дюймовочка»
  • Антон Чехов «Свадьба» (спектакль студентов актёрского курса Николая Коляды)

Фестивали:

«Ново-Сибирский транзит» (Новосибирск): спектакль «Мёртвые души».

«Браво!» (Екатеринбург):

приз  «За лучший актёрский ансамбль в драматическом театре» – спектакль «Мёртвые души»,
– специальный приз газеты «Уральский рабочий» – Сергей Фёдоров за роль Собакевича в спектакле «Мёртвые души».

«Festival Kolady» (Варшава, Польша): спектакли «Борис Годунов», «Вишнёвый сад», «Гамлет», «Трамвай “Желание“».

Гастроли:

15-26 января – Москва, Театральный центр «На Страстном» (16 спектаклей, 2 презентации пьес)

6-9 февраля – Красноярск, Академия музыки и театра (5 спектаклей)

17 ноября – Катовице, Польша (спектакль «Вишнёвый сад»).

Главным событием 2014-го года для «Коляда-Театра» стал переезд в новое здание – отремонтированное помещение бывшего кинотеатра «Искра» по адресу проспект Ленина, 97, где театр начал работу 21 апреля. Теперь в театре два зала: Малахитовый (120 мест) и Гранатовый (60 мест), буфет, удобное фойе и гардероб. Прекрасное техническое оснащение сцены Николай Коляда продемонстрировал во время торжественного открытия театра 25 апреля. А уже в июне «Коляда-Театр» принимал в новом доме участников VIII Международного театрального фестиваля «Коляда-Plays».

Фестиваль «Коляда-Plays» прошёл с 20 по 30 июня, свои спектакли показали 29 театральных коллективов из 21 города России и 2 зарубежных стран (Казахстана и Соединённых Штатов Америки). В рамках основной программы фестиваля было представлено 36 спектаклей на восьми театральных площадках города. Участниками фестиваля «Коляда-Plays» и финальных торжеств конкурса «Евразия» стали 512 человек. Спектакли посмотрели около 4200 зрителей, мероприятия офф-программы посетили около 1500 зрителей.

А с 7 по 17 ноября фестиваль «Коляда-Plays» впервые прошёл за пределами Екатеринбурга – в столице Польши Варшаве в Театре «Studio». Он носил название «Festival Kolady». В его программе были представлены спектакли «Коляда-Театра», а также постановки, осуществлённые Николаем Колядой в Польше: Н. Гоголь «Ревизор» (Театр «Studio», Варшава), Я. Пулинович «Наташина мечта» (Театр им. Стефана Ярача, Лодзь), М. Лермонтов «Маскарад» (Театр им. Юлиуша Словацкого, Краков). Прошли читки пьес молодых уральских драматургов, мастер-классы, кинопоказы и концерт группы «Курара».
Кроме того, в 2014-м году Олег Ягодин стал лауреатом театральной  премии за исключительные достижения в области актёрского искусства «Фигаро» имени Андрея Миронова.

В новом здании театра заработала «Коляда-почта»: каждый зритель может подписать тематическую открытку, посвящённую одному из спектаклей театра (художник – Александра Микляева), а мы отправим её адресату.

Спектакли:

  • Владимир Зуев «Пусть Хрустальный»
  • Екатерина Бронникова, Семён Вяткин «Дом у дороги»
  • Уильям Шекспир «Ричард III»
  • Михаил Себастьян «Безымянная звезда» (восстановление)
  • Теннесси Уильямс «Кошка на раскалённой крыше»
  • Николай Коляда «Клуб брошенных жён»
  • Николай Коляда «Кот в сапогах»

Фестивали:

«ПоМост: Провинциальные театры России», г. Новокуйбышевск (А. Батурина «Фронтовичка»)

«БТК-фест», г. Санкт-Петербург (У. Шекспир «Ричард III»)

«Молдфест.Рампа.Ру», г. Кишинёв, Молдова (Я. Пулинович «Наташина мечта»)

Гастроли:

15-28 января – Москва, Театральный центр «На Страстном» (20 спектаклей, 2 презентации, 1 кинопоказ)

4-8 ноября – Тюмень, Молодёжный театр им. В.С. Загоруйко (12 спектаклей, 1 презентация пьесы)

13 ноября – Нефтекамск, Городской центр культуры (спектакль «Баба Шанель»)

21-29 ноября – Санкт-Петербург, Новая сцена Александринского театра (12 спектаклей, 3 кинопоказа, 2 презентации пьес)

С 19 по 29 июня 2015 года прошёл IX Международный театральный фестиваль «Коляда-Plays», в котором приняли участие 24 театральных коллектива из 12 городов России и 4 зарубежных стран (Польши, Сербии, Молдавии, Казахстана). В рамках основной программы было представлено 29 спектаклей на семи театральных площадках города. В рамках офф-программы было показано ещё 17 спектаклей, проведено 6 читок пьес, показано 10 кинофильмов (документальных и художественных), проведены презентации и творческие встречи.

Также был проведён XIII Международный конкурс драматургов «Евразия», итоги которого были подведены 29 июня.

Спектакли:

  • Екатерина Бронникова, Николай Коляда «Фальшивый купон»
    по мотивам повести Л. Н. Толстого
  • «Весна советская», спектакль-концерт
  • Николай Коляда «Пиковая дама»
    по мотивам повести А. С. Пушкина
  • Николай Коляда «Дыроватый камень»
  • Николай Коляда «Старосветская любовь»
    по мотивам повести Н. В. Гоголя
  • Николай Коляда «Сказка о золотом петушке»
    по мотивам сказки А. С. Пушкина

Фестивали:

24–26 марта – «Российская неделя», г. Тарб, Франция («Борис Годунов», «Гамлет», «Вишнёвый сад»)

20–22 мая – «Браво!», г. Екатеринбург («Кошка на раскалённой крыше», «Безымянная звезда»)
Награды:

Премия «И мастерство, и вдохновение…» – Тамара Зимина

Гастроли:

15–31 января – г. Москва, Театральный центр «На Страстном» (23 показа спектаклей, 3 презентации пьес)

29 марта–8 апреля – Польша: г. Катовице («Борис Годунов», «Гамлет»), г. Бельско-Бяла («Вишнёвый сад»)

10-11 апреля – г. Белград, Сербия («Большая советская энциклопедия», «Наташина мечта»)

22–24 апреля – Пермь, Пермский театр юного зрителя (5 спектаклей)

С 20 по 30 июня 2016 года в Екатеринбурге прошёл юбилейный X фестиваль «Коляда-Plays». В основной программе приняли участие 27 театров из 20 городов России (Москва, Санкт-Петербург, Екатеринбург, Пермь, Казань, Йошкар-Ола, Уфа, Вологда, Кострома, Рязань, Ижевск, Новоуральск, Тюмень, Саратов, Астрахань, Нижний Тагил, Тобольск, Курск, Киров, Дзержинск) и 2 городов Польши (Варшава, Катовице). Они представили 30 спектаклей по пьесам 17 современных драматургов на девяти театральных площадках города.

Спектакли:
  • Илья Ильф, Евгений Петров «Двенадцать стульев»
    инсценировка Николая Коляды
     
  • Николай Коляда «Змея золотая»
     
  • Николай Коляда «Амиго» (восстановление)
     
  • Николай Коляда «Тутанхамон» (восстановление)
     
  • Николай Коляда «Мата Хари – Любовь»
     
  • Николай Коляда «Красная Шапочка»
     

Фестивали:

4–8 мая
«Пассаж», г. Метц, Франция («Ричард III»)

10–11 мая
Фестиваль современной русской драмы, г. Белград, Сербия («Ричард III», «Скрипка, бубен и утюг»

20 мая
«Браво!», г. Екатеринбург («Фальшивый купон»)
Награды:

– Лучший спектакль в драматическом театре
– Лучшая роль в драматическом театре (Ирина Плесняева за роль Проститутки)

Также призом «Лучший ансамбль в драматическом театре» награждён Центр современной драматургии за спектакль «Москва–Петушки»

29 октября
«Молодые театры России», г. Омск («Двенадцать стульев»)
 

Гастроли:

13–31 января – г. Москва, Театральный центр «На Страстном» (25 показов спектаклей, 6 презентаций пьес, суп-театр и показ фильмов мастерской «КиноLook»)

7-9  ноября – г. Рудный, Казахстан («Баба Шанель»)

С 20 по 30 июня 2017 года в Екатеринбурге прошёл XI Международный театральный фестиваль современной драматургии «Коляда-Plays». В основной программе приняли участие 35 театральных коллективов из 24 городов России от Калининграда до Уссурийска и из 5 зарубежных стран (Румынии – 2 коллектива, Сербии – 2 коллектива, Македонии, Казахстана, Венгрии). Они представили 37 спектаклей по пьесам 16 современных драматургов на девяти театральных площадках города.

Был создан «Театр новых пьес» в Москве, который будет работать под руководством Николая Коляды и заниматься продвижением современной уральской драматургии.

Спектакли
  • Николай Коляда по мотивам произведений Николая Гоголя
    «Иван Фёдорович Шпонька и его тётушка»
     
  • Николай Коляда «Между небом из землёй жаворонок вьётся...»
     
  • Екатерина Бронникова, Роман Дымшаков «Научи меня любить»
     
  • Николай Коляда «Капсула времени» (по пьесам «Капсула времени» и «Трёхглазка»)
     
  • Николай Коляда «Киргиз-кайсацкая орда»
     
  • Николай Коляда «Крест, кладбище, камея» (по пьесе «Моцарт и Сальери»)
     
  • Александр Грибоедов «Горе от ума»
     
  • Всеволод Вишневский «Оптимистическая трагедия»
     
  • Екатерина Васильева «У вас всё хорошо?» (по пьесе «Я боюсь любить тебя»)
     
  • Николай Коляда «Снежная королева»

 

Фестивали

28 апреля – 2 мая
I Фестиваль негосударственных театров «Центр», г. Воронеж («Змея золотая»)

22–30 мая
V Фестиваля-конкурса «Ново-Сибирский транзит», г. Новосибирск («Двенадцать стульев»)

22–31 мая
Летний фестиваль губернских театров «Фабрика Станиславского», г. Москва («Большая советская энциклопедия»)

Награды:
              – Лучшая женская роль (Алиса Кравцова за роль Веры)

9-12 июня
Международный театральный фестиваль «Толстой Weekend», Ясная Поляна («Фальшивый купон»)

10–12 июля
Международный Шекспировский фестиваль, г. Дьюла, Венгрия («Гамлет»)

22 мая
«Браво!», г. Екатеринбург («Двенадцать стульев»)

25–30 ноября
Фестиваль-лаборатория «NEDRAma International»
, г. София, Болгария («Большая советская энциклопедия», «Наташина мечта», «Научи меня любить»)

 

Гастроли

15 января – 2 февраля – г. Москва, Театральный центр «На Страстном» (23 показа спектаклей, презентации 4 пьес, суп-театр и показ фильмов мастерской «КиноLook»)

21 ноября – г. Тель-Авив, Израиль («Ревизор»)

С 5 по 15 ноября 2018 года «Коляда-Театр» провёл в Екатеринбурге XII Международный театральный фестиваль современной драматургии «Коляда-Plays». В основной программе приняли участие 35 театральных коллективов из 26 городов России, а также из столицы Сербии Белграда. Они представили 38 спектаклей по пьесам 16 современных драматургов на девяти театральных площадках города.

 

Спектакли

  • Николай Коляда «Дурак и дурнушка»
     
  • Уральские драматурги «Хабибулин едет из Владивостока в Калининград к Зое»
     
  • Николай Коляда «Затмение»
     
  • Николай Коляда по мотивам романа Фёдора Достоевского «Раскольников»
     
  • Николай Коляда «Носферату»
     
  • Николай Коляда «Калигула»
     
  • Николай Коляда по мотивам повести Максима Горького «Детство»
     
  • Роман Козырчиков «Тихий свет»
     
  • Николай Коляда «Пузырь, соломинка и лапоть»
     
  • Николай Коляда «Белоснежка и семь гномов»

    ---------

  • В Камерном театре Николай Коляда поставил спектакль «Гробовщик» с участием артистов «Коляда-Театра»

 

Фестивали

22 мая
«Браво!», г. Екатеринбург («Иван Фёдорович Шпонька и его тётушка»)

  • «Лучшая мужская роль в драматическом театре» (XXXIX Свердловский областной фестиваль «Браво», 2019 г.) – Олег Ягодин
  • «Лучшая женская роль второго плана в драматическом театре» (XXXIX Свердловский областной фестиваль «Браво», 2019 г.) – Татьяна Бунькова


20 сентября
«Камский», г. Березники («Вишнёвый сад»)

27 сентября
«Свой», г. Екатеринбург («Дурак и дурнушка»)

8 октября
«Русская комедия», г. Ростов-на-Дону («Капсула времени»)

20 октября
Фестиваль им. М. Горького, г. Нижний Новгород («Детство»)

27 октября
«Сообщение», г. Кудымкар («Баба Шанель»)

21 ноября
«Мост дружбы», г. Йошкар-Ола («Раскольников»)

 

Гастроли

12–31 января – г. Москва, гастроли сразу на двух площадках: в Театральном центре «На Страстном» и в Театре им. М.А. Булгакова.
1–10 февраля – г. Санкт-Петербург, гастроли на Новой сцене Александринского театра.
25–25 мая – г. Москва, проект «Ты чё, с Урала?» в Театральном центре «На Страстном».
8–20 октября – г. Тюмень

С 1 по 10 ноября 2019 года «Коляда-Театр» провёл в Екатеринбурге XIII Международный театральный фестиваль современной драматургии «Коляда-Plays». В основной программе приняли участие 12 театральных коллективов из 9 городов России, Финляндии, Казахстана. Они представили 19 спектаклей по пьесам 17 современных драматургов на театральных площадках города.

ЗАРНИЦА | ЦЕНТР имени Вс. МЕЙЕРХОЛЬДА

Внимание! В некоторых сценах спектакля присутствуют громкие звуки и мигающий свет, которые могут быть опасны для людей с эпилепсией и высокой чувствительностью. Пожалуйста, учитывайте это при выборе спектакля.

«Зарница» — новый проект театра «Мастерская Брусникина», режиссёра Юрия Квятковского, драматургов Андрея Родионова и Екатерины Троепольской, а также художницы Полины Бахтиной. Одна из частей театральной вселенной, где все говорят стихами. Предыдущий опыт команды — «Сван» — успешно идет в Центре им. Вс. Мейерхольда уже четвёртый сезон. Спектакль создан совместно с Театром музыки и поэзии Елены Камбуровой.

В «Зарнице» в поэтическом российском будущем восстановили патриотический квест. Подростки проходят инициацию в волшебном лесу, и там, в шекспировском «Сне в летнюю ночь», старые русские боги враждуют с новыми, а идеологически правильные подростки под действием волшебного сока влюбляются не в тех, в
кого надо.

Лес в «Зарнице» — это экспериментальные художественные панк-решения Полины Бахтиной и Алексея Наджарова. Шум леса — артисты Театра Елены Камбуровой. Движение духов — хореография Иры Га.

Выражаем благодарность за поддержку спектакля лично Лену Блаватнику.

Спектакль создан при поддержке Департамента культуры г. Москвы, проекта «Открытая сцена» и Театра музыки и поэзии Елены Камбуровой, а также при участии пространства «Хлебозавод» и и студии интерактивных медиа Sila Sveta.

Спектакль номинирован на премию «Золотая маска-2020» в категориях «Спектакль малой формы», «Работа режиссера», «Работа художника» и «Работа художника по свету».

Премьера: 18 и 19 января 2019

Пьеса Андрея РОДИОНОВА и Екатерины ТРОЕПОЛЬСКОЙ
Режиссер: Юрий КВЯТКОВСКИЙ
Художник: Полина БАХТИНА

Медиахудожник и композитор: Алексей НАДЖАРОВ
Хореограф: Ира ГА
Художник по свету: Сергей ВАСИЛЬЕВ
Звукорежиссер: Сергей ВОЛКОВ

Выпускающий продюсер: Анна-Мария АПОСТОЛОВА
Помощник режиссера: Татьяна КУТАЛО
Ассистент художника: Мария ЗАЙЦЕВА
Технический директор: Кирилл АСТАХОВ
Художник по гриму: Анна МЕРКУШЕВА
Ассистент по костюмам: Анна БРАУДЕ

Исполняют:

Актеры МАСТЕРСКОЙ БРУСНИКИНА: Павел МИСАИЛОВ / Денис ЯСИК, Ирина ПЕТРОВА / Елизавета ЕРМАКОВА, Илья БАРАБАНОВ, Андрей РОДИОНОВ, Родион ДОЛГИРЕВ, Тасо ПЛЕТНЕР, Мария ЛАПШИНА, Богдан КИБАЛЮК

Артисты Театра музыки и поэзии Елены Камбуровой: Виктория БИРЮКОВА, Юлия ЗЫБЦЕВА, Галина ВОЙНИЧЕНКО, Анна КОМОВА, Евгения КУРОВА, Виктория ТИХОМИРОВ, Антон СОБОЛЕВ, Иван ЖУРАВЛЕВ, Антон БАБИЧЕВ, Андрей НИКИФОРОВ

Ольга Тараканова для The-Village: «Огромный блэкбокс ЦИМа позволяет «Зарнице» приблизиться к статусу, в котором она смотрится максимально органично: это именно что масштабное шоу, почти бродвейский мюзикл — с закрученным сюжетом, злой, актуальной сатирой и не без сентиментальности»

Ваш досуг: «Технолес» не только светится, но и поет: акустическое пространство спектакля создают артисты Театра музыки и поэзии Елены Камбуровой, одетые в оранжевую спецодежду рабочих. Они словно духи леса – всегда нигде и повсюду. Их хоровая музыка окутывает со всех сторон, будто и сам находишься в этом лесу»

Российская газета: «Мир бесполезно бетонировать — в нем неистребимы вечные духи ручьев, деревьев и ветра, в чьем присутствии мертвые пеньки вдруг пускают тонкие стрелы синих лучей, поляны дрожат красными огоньками, а неведомые голоса поют все громче, создавая высокую турбулентность. Визуальную и звуковую среду спектакля создал Алексей Наджаров, а причудливую партитуру исполнили актеры Театра музыки и поэзии Елены Камбуровой»

Москвич.Mag: «Несмотря на тревожно-винтажное название постановки, в ней нет ни грамма ностальгии по тому советскому миру, в котором вынесенная в заглавие игра была придумана (скорее приходится воспринимать как данность, что серпов с молотами уже нет, а «Зарница» и в будущем оказывается живее всех живых). Зато есть лес из лазерных лучей, фантастические костюмы и свет, любовное и сонное зелья, превращения персонажей из трепетных молодых душ в циников и трусов и обратно, их беззащитность перед природой и злом того мира, который ждет на выходе из леса; сказка и антиутопия одновременно. <…> Все это складывается в редчайшее явление — современный, а в чем-то даже авангардный театр тем не менее доступен для восприятия безо всякой подготовки и вводных курсов по истории современной сцены»

Алла Шендерова для «Коммерсанта»: «Да тут все — по отдельности — красиво: оформление и костюмы Полины Бахтиной (ассистент художника — Мария Зайцева, художник-технолог — Екатерина Крайнева), пластика (Ира Га), отражающая обряды новых русских пионеров и их богов; точные и остроумные актеры, из которых особенно выделяется Родион Долгирев. Его пионер — всем рэперам пример: такой крутой флоу редко встретишь»

Карина Чаплинская для LocalDramaQueen: «Премьерная «Зарница» получилась таким глотком свежего воздуха и ярким примером современного театра, говорящего со зрителем на важные темы сегодняшним понятным языком, хоть и в рифму»

Дмитрий Лисин: «Сказка о будущих пионерах страны, вернувшейся в хтонические времена, тревожит не по-детски. Тревога сгущается в тех местах текста, где нынешние реалии, означающие мутацию общества, переносятся в будущее: пионер стучит на пионера, используя казус влюбленности девочки в девочку (за «неуставные» склонности могут отправить на био-психическое исправление).
Классическая ошибка превращений брата в сестру и обратно, ради проникновения в центр мистерий, чтобы пройти инициацию — вот что устроили Журчунья и Ветродуй, внесшие не поднадзорные эротические нотки в зрелище. Здесь авторы и режиссер идут в фарватере шекспировской «Двенадцатой ночи». Но на мистерию и эротику глубоко начхать постсоветскому вымороженному обществу, воспитывающего пионеров. И это четко проявляется в диалогах будущих строителей пост-путинского постмодерна. То есть они в сказочном будущем говорят на языке нынешних юных карьеристов»

Porusski.me: «Почему из «Зарницы» не получились «Голодные Игры»? Такую задачу себе просто не ставили создатели, все проблемные темы общества в спектакле отражены мимоходом, без каких-то рассуждений, изображения политической деятельности или борьбы за право любить без предрассудков. Если вам хочется посмотреть спектакль с хэппиэндом – спешите за билетами на на этот спектакль, а бонусом получите отличные шутки, электронную музыку, четкий рэпчик, стильный технолес («ЛЕС НАШ!») и крутую работу со светом. Также  внимательно изучите плакат с планом здания перед входом в зал: нам кажется, что это загадка и намек на следующий спектакль серии»

Алексей Киселёв: «Зарница» в ЦИМе: в прекрасном советском будущем тинейджеры попадают в загадочный лес, встречают там косматых духов, страдающих от алкоголизма, далее ничего не понятно, в финале все поют. Как если бы Пелевин был сценаристом сериала «Очень странные дела» (и поэтом!)»

Юрий Квятковский о своём спектакле: «Театр не может быть про пропаганду. Если он и должен транслировать какие-то мысли, то это поддержка всего, что связано с меньшинством. Почему? Вспомните, все самое страшное, что происходило в 20-ом веке, было с одобрения большинства. Театр – то место, где поддерживают инаковость, и спектакль, по сути, тоже об этом»

Татьяна Старостина, блогер: «Никакой бритвой Оккама по спектаклю не пройтись – он весь настолько единая плоть, что мысленно в нем трудно что-либо подправить, хотя порой жалко ускользающего от внимания текста (например, в финальной, важной, песне героев он почти не распознается). Чем-то напомнивший советский период 30-х, он скроен презанятно – лексика и синтаксис крайне просты, а многозначительности хоть отбавляй. Актеры же не только прекрасно и точно его подают, но и создают совершенно волшебные, с эффектом параллельной реальности, образы, которыми можно и просто так полюбоваться, даже отстранившись от содержания»

Как начать свой путь поэта?

В современном мире поэт – это уже не интроверт, безвылазно сидящий в комнате и днями напролет записывающий что-то у себя блокноте. Сегодня поэт – это человек, который активен в социальных сетях, постоянно участвует в различных поэтических мероприятиях и не боится издавать книги. Я начала писать стихи уже очень давно, но бо́льшая их часть так и оставалась на бумаге. Я решалась показать их всего нескольким близким друзьям. Тогда мне не хватало смелости поделиться своими стихами с широкой аудиторией, так как я считала их недостойными публикации. Предположения, которые мы строим, неуверенность, в которую мы кутаемся, - это та одежда, которую необходимо скинуть с себя, прежде чем она скует наши души забвением.

Я начала свой путь с создания странички в Facebook, где регулярно публиковала свои стихотворения, иллюстрируя их броскими картинками для привлечения внимания читателей. Этот первый шаг дал мне возможность увидеть, как люди воспринимают мои работы и как реагируют на них. В тоже время я отправляла свои стихи на разные поэтические конкурсы и в литературные журналы. Не стоит надеяться, что вы станете победителем первого же конкурса или ваши произведения сразу выберут для печати в журнале. Есть и другие хорошие поэты. Но помните, что в ваших стихотворениях есть своя изюминка, которая делает их уникальными и запоминающимися. Вы поймете в чем ваша уникальность по отзывам людей. Мне потребовалось некоторое время, чтобы осознать эту простую истину. Отправляйте свои произведения во все возможные журналы, чтобы ваш редактор наконец нашел вас.

Кроме того, я начала читать стихотворения современных поэтов и стала членом поэтического сообщества, чтобы всегда быть в курсе новых событий и немного уйти от классических форм стихосложения (где ритм и рифма считаются основой строфы). Именно в этот момент я поняла, что мне надо учиться. Большое количество хороших семинаров и курсов доступно онлайн. Я выбрала курс поэзии в Лондонской Школе Журналистики. Дистанционное обучение позволило мне лучше понять современную поэзию и усовершенствовать свои стихи благодаря упражнениям и советам преподавателей. Если вы прочтете мою первую и вторую книги, то почувствуете как полученные знания повлияли на форму и содержание моих стихов. К слову, не так давно я записалась на еще один семинар, который проводит Калифорнийский институт искусств за очень символическую плату.

Я уже выпустила за свой счет два сборника стихов. Своим «коллегам по цеху» я бы посоветовала избавиться от предрассудков и смело публиковать свои произведения. Издание книги открыло мне широкий круг возможностей: участие в различных проектах, интервью для журналов и знакомство с другими поэтами. Отнеситесь к своей книге как к портфолио. При подготовке к изданию обратите внимание на порядок стихов, общую концепцю книги, а также на дизайн обложки.

Не задирайте планку ожиданий слишком высоко на каждом из этапов своей поэтической деятельности. Научитесь оценивать свой успех и радоваться ему.

Помните, что все начинается с цели, которой вы ходите достичь в мире поэзии. Моя цель заключается в том, чтобы сделать поэзию повсеместной, популяризировать ее: донести до людей, которые не читают книг, а для тех, кто любит читать, оживить произведения на сцене.

А какая цель у вас?

6 подсказок на пути: 

  1. Будьте активны в социальных сетях

  2. Принимайте участие в поэтических конкурсах и смело отправляйте свои работы в литературные журналы

  3. Учитесь. Проходите онлайн-курсы и записывайтесь на поэтические семинары

  4. Не бойтесь опубликовать книгу

  5. Оценивайте свой успех и радуйтесь ему

  6. Последнее, но не маловажное: четко сформулируйте свои цели

Театр Поэта: Введение | ПОСТМОДЕРН КУЛЬТУРА

Этот специальный выпуск журнала Postmodern Culture поднимает тему, которая до сих пор редко обсуждалась в анналах академической науки: театр современного американского поэта. Но что такое «театр поэта»? Является ли это в первую очередь типом сочинения поэтов для сцены - так сказать, пробующих свои силы в театральном жанре, как это однажды сделал писатель Генри Джеймс, не получив признания публики? Представляется ли это какая-либо поэзия в публичном пространстве перед аудиторией, включая, например, как современный поэтический слэм, так и классическое чтение стихов? Недавние критические исследования, посвященные последнему, помогли нам услышать множественные звуковые и слуховые отражения, характерные для американской поэзии. 1 Но то, что мы подразумеваем под «театром поэта» в статьях этого номера, не было в центре внимания этих писаний. Скорее, для наших авторов театр поэта - это театральное мероприятие по сценарию и заранее продуманное, но также открытое и зависящее от места проведения. Его значения разворачиваются не в соответствии с заранее определенным повествованием или социальной ситуацией, а скорее перформативно, с учетом местного контекста, состава аудитории и условий выступления. В своих попытках дать определение театру поэта Кевин Киллиан и Дэвид Бразил, редакторы только что опубликованной Антологии театра поэтов Кеннинга, 1945–1985 гг., В качестве определения просто предлагают нам «попытаться поймать его, выполняя свою социальную функцию» ( xiii).Мы согласны с этим активным предположением.

Размышляя о том, что мы подразумеваем под театром поэта, мы могли бы также подумать, почему за последние шесть десятилетий в таком разнообразии регионов США, площадок для выступлений и площадок возникло несколько примеров театра поэта, причем некоторые из них приняли ту или иную версию название «Театр Поэтов» в качестве официального названия: Кембриджский Театр Поэтов, основанный в 1951 г. «Банни» Лэнг; Театр поэтов Нью-Йорка, он же Американский театр поэтов, основанный в 1961 году Дайан ди Прима, Лерой Джонс / Амири Барака, Алан С.Марлоу, Джон Герберт Макдауэлл и Джеймс Уоринг; Театр «Аппаратных поэтов» в Нью-Йорке, 1962-1964 гг., основанный Питером Левином, Одри Дэвис, Джерри и Элейн Блоедоу; Театр поэтов Джадсона, основанный в 1960-х годах Аль Карминесом; кафе Nuyorican Poets, основанное в 1973 году Мигелем Альгарином; и Театр поэтов в Сан-Франциско, 1979–1984, 2 , основанный Ником Робинсоном и Эйлин Кордер и связанный с писателями района Залива L = A = N = G = U = A = G = E (или «Язык»). Практически во всех случаях театр поэта, кажется, был не столько целостным художественным движением, сколько творческим выходом и контркультурным сообществом, которое объединило поэтов, танцоров, музыкантов, визуальных художников, театральных художников и артистов-исполнителей в продуктивное сотрудничество друг с другом.И тем не менее, если поместить эти действия в более длительную историческую траекторию, выявляются ключевые сходства, из которых мы могли бы начать предлагать определение.

Перекрестное опыление художественных средств массовой информации и политических идеологий, которое способствовало развитию послевоенного поэтического театра, отчасти стало возможным благодаря социальным и художественным условиям 1950-х годов. Как объясняет Стивен Боттомс в своем замечательном исследовании андеграундных театров Нью-Йорка 1950-х и 60-х годов, Гринвич-Виллидж, и особенно Ист-Виллидж, позволяли богемным художникам всех мастей смешаться в дымной дымке оживленного бара, кофейни и джаза. -клубная культура.В этих временных помещениях проходили поэтические чтения и театральные представления за пределами институциональных структур, которые в экономических трудностях послевоенного периода не решались поддерживать что-либо, что не гарантировало финансового успеха. Небольшие слепки, запасные наборы и простые сюжеты делали эти постановки доступными для ограниченного бюджета, и их можно было легко выполнять в скромных барах и кофейнях. Такой эстетический выбор, возможно, был обусловлен экономической необходимостью, но, как отмечает Боттомс, они имели дополнительный эффект, фокусируя внимание аудитории на телах и речи самих исполнителей, поскольку ничто другое не отвлекало от них (16-18 , 125).Подобная низкобюджетная эстетика, ориентированная на перформанс, также характеризовала боевик, джазовые джемы и чтения стихов, и действительно артисты, музыканты и поэты часто составляли публику друг друга.

Это распространение эстетики, ориентированной на перформанс, совпало с критическим поворотом в сторону перформанса, который, можно сказать, уходит своими корнями в 1950-е годы, десятилетие, когда Дж. Л. Остин читал лекции о перформативности языка в Гарварде (опубликовано в 1962 г. как How to Do Вещи со словами) и Эрвинга Гоффмана 1959 года «Представление себя в повседневной жизни», анализ перформативности социальной жизни, смешанный, например, с исследованиями «Живого театра» как в поэтической драме, так и в театре представлений, вдохновленных Арто, а также в работах Аллана. Капроу «События.«Частью того, что продвигается в каждом из этих междисциплинарных применений концепции производительности, является понятие производительности как конститутивного акта. Фактически, современные критики часто идентифицируют перформанс, как метко отмечает Джулия А. Уокер, как «постмодернистский поворот» в критическом дискурсе (149).

Именно на этой благодатной почве вырос театр послевоенного поэта - не как окончательная практика, а как обмен идеями и практиками между СМИ и идеологиями. После Второй мировой войны политика сенатора Джо Маккарти, основание Комитета Палаты представителей по антиамериканской деятельности в 1947 году и нападение на художников, в частности, способствовали разделению искусства и политики, смоделированному, например, в аполитичности абстрактного искусства. Экспрессионизм.Но в 1960-х художники повторно политизировали эстетику, обратившись к моделям, рутинам и практикам «повседневной жизни». В этот переходный период возникает современный театр поэта, о котором идет речь. Каждое из включенных здесь эссе обращается к вовлечению театра поэта в политику повседневной жизни - через, например, модель поэтического театра поэтики окружающей среды (в эссе Джеймса Шерри о Фионе Темплтон), через этические последствия колебания аудитории между индивидом и человеком. коллективный прием (в Хайди Р.Эссе Бина о Карле Гарриман), через политические последствия исполненного взаимопроникновения поэзии с городской уличной культурой (Насер Хуссейн о Роне Силлимане) и через пространственную модель мышления, которая поощряет открытость к «дырам» в знаниях (Каринн Кейтли Сайерс на Mac Wellman).

Поэтическая поэтическая драма - это, конечно, одна из древнейших форм литературной деятельности и культуры, включая ритуальные драмы древних греков, и главный жанр в английской литературе, определенно со времен Возрождения.Но театр современного американского поэта не столько основан на стихотворных драмах Эсхила; или в так называемый «золотой век» английского театра, канонически представленного драматургами, такими как Бен Джонсон, Марлоу или Шекспир; или даже в сценических произведениях поэтов-модернистов, таких как У.Б. Йейтс, Т. Элиот и У. Оден. Вместо этого в сценариях исполнительских работ этих конкретных современных американских поэтов-драматургов застенчиво исследуются отношения между дискурсивным языком, исполнительскими телами и взаимодействиями и опытом членов аудитории.Таким образом, театр поэта обязан развитию концептуальных искусств с их акцентом на мультимедийные формы, а также историям поэзии, драмы и театра. Обитая, как выразились Киллиан и Бразилия, «напряженное социальное пространство между спорными территориями перформативности, театральности и текстуальности» (xiii), театр поэта лучше всего можно охарактеризовать как застенчивое наслоение различных способов репрезентации, начиная с от лингвистического к воплощенному, что нацелено на исследование концептуальной логики, которая соединяет репрезентацию с социально-человеческим опытом.

Таким образом, говоря о поэтическом театре, мы хотим подчеркнуть не только его формально-эстетическую гибридность и творческое сотрудничество, но и критический эффект этих обменов. Театр недавнего американского поэта, который является темой нашего номера, возможно, наиболее решающим образом проинформирован теоретической диалектикой, воспринимаемым «расколом» между литературной текстуальностью и перформансом. Модернистские дебаты о соотношении текста и перформанса восходят к авангардным кругам, начиная с 1870-х годов.В «Авангарде и семиотике антитекстового жеста» Эрика Фишер-Лихте пишет, что, в то время как некоторые немецкие романтики, такие как Гете и Вагнер, возможно, «считали перформанс произведением искусства», большинство их современников считали «художественное произведение». характер исполнения », как« в первую очередь утверждаемый через исполнение литературы, через драматический художественный текст, который должен был направлять и контролировать исполнение »(80).

Такой антитеатрализм, особенно в начале двадцатого века, был частично мотивирован страхом перед публичной сферой, сопротивлением как сотрудничеству театра, так и предполагаемым рискам коллективного приема.Эта версия модернизма, как пишет теоретик театра и историк Мартин Пухнер, прославляла «фигуру отдельного художника, который уходит из публичной сферы и якобы недифференцированных масс» и отстаивала модель восприятия, которая идеализировала индивидуальное созерцание в уединении (9). И эта модель отдельного художника, создающего очень сложное произведение, и частный прием, требуемый такой работой, «являются ответами, - утверждает Пухнер, - на опасения, что театр фактически станет форумом, на котором формируется общественное мнение. может иметь место »(11).Критика реализма и олицетворения высоким модернизмом и его акцент на восприимчивой ценности поглощения, следовательно, работают в тандеме, как заговорщические «барьеры, воздвигнутые против возможности публичной роли искусства, предлагаемой театром» (11).

В отличие от анти-театральности высокого модернизма, модернистский авангард был решительно протеатральным, даже если он также часто критиковал условности самого традиционного театра. Пухнер приписывает Вагнеру и его понятию gesamtkunstwerk, или «тотальный театр», превращение театра из формы искусства в ценность - ценность, которая ставит в центр не только произведение искусства, но и условия его производства и восприятия. модернистские дебаты (31).Принятие авангардом театральности, пишет Пухнер, демонстрирует его «большую близость к популизму и массам» и демонстрирует «скрытую диалектику» Андреаса Хюйссена между экспериментальным или авангардом и массовой культурой общества (9). 3 Безусловно, театр послевоенного поэта, который начал распространяться в гостиных, кофейнях, городских улицах, открытых галереях и других импровизированных пространствах, обязан авангардистским объятиям сотрудничества и коллективного приема под знаком театральности.

И все же, хотя театр современного американского поэта в долгу перед модернистским авангардом, его не следует рассматривать просто как про-театральный разрыв с модернистской поэтической драмой. Вместо этого мы могли бы лучше воспринимать театр этого послевоенного поэта как слияние авангардного театрального искусства и антитеатральных стратегий литературного модернизма. Действительно, как убедительно доказали Сара Бэй-Ченг и Барбара Коул в своей недавней антологии модернистской поэтической драмы Poets at Play, категория модернистской поэтической драмы должным образом включает в себя как литературные стили Х.Д. и Уоллеса Стивенса, чьи явно анти-театральные «скрытые» драмы сопротивлялись условиям материального театра, и про-театральные пьесы Эдны Сент-Винсент Миллей и Э. . Бай-Ченг и Коул утверждают, что модернистские поэты-драматурги часто использовали поэзию в качестве намеренно антимиметической стратегии, которая могла бы предложить «признак истины в театральной иллюзии реализма» (21). Таким образом, хотя ее традиционно списывают как на то, что воспринимается как ее менее чем серьезное взаимодействие с театром, так и на ее предполагаемую незначительность в дискурсе американского модернизма, модернистскую поэтическую драму на самом деле можно лучше понять как важный отход. из представительного театра.Эту черту театр послевоенного поэта не только наследует, но и расширяет.

Неудивительно, что мы предпочитаем здесь термин не драма, обозначающий литературную постановку, предназначенную для чтения, а скорее театр и / или перформанс, поворот, который указывает на пространство и отношения разыгрывания как на центральную проблему. Перекодируя это «разделение» текста и перформанса, театр поэта ставит под сомнение сами его термины: что такое «текст», что такое «перформанс», как эти определения соотносятся с условиями их производства и восприятия. , и когда одно может повлиять, затенять или даже стать другим? С этой точки зрения театр американского послевоенного поэта можно лучше всего понять как наследника литературного модернизма и модернистского авангарда, причем сам термин «театр поэта» риторически сигнализирует одновременно об отказе от драматического реализма и принятии театральности.Если реализм стирает собственные средства производства, достигая чувства «реальности», удаляя следы театрального опосредствования, тогда театр поэта явно антиреалистичен в том смысле, что он ставит на передний план театральное событие и даже отмечает его. Однако, в отличие от модернистского поэтического театра, который строит свою постановку согласно (отсутствующему) словесному тексту, ни текст, ни перформанс не определяют значение или эффект послевоенного американского поэтического театра.

Как театр языка, который некоторые называют поэтическим языком, театр американского поэта уделяет особое внимание воплощенному и исполненному языку.«Поэтический» язык представляется здесь многими театральными писателями и постановщиками поэта не как стабильная форма «содержательного» смысла или коммуникации, а как децентрализованный, скользкий, очень активный, подвижный и / или конфликтный. Язык становится своим собственным исполнением «действием». В качестве оздоровительного переосмысления перформансной практики, встроенной в любое лингвистическое высказывание, театр поэта артикулирует внутренние языковые конфликты между означающим и означаемым и пересматривает бинарные отношения субъект-объект, имплицитно установленные в любой образной и / или пространственной форме искусства.Театр поэта, особенно как воплощенный текст перформанса, действует как зеркало перформанса и критикует эти традиционные языковые процессы. Это достигается за счет того, что ставится под сомнение стабильность не только семантического «значения», но и социальной идентичности человека, воспринимаемой в концепции «я» Эмиля Бенвениста как «быть» только этим преходящим, нестабильным лингвистическим «субъектом», 4 и в «представлении» идентичности, которое Джудит Батлер классно описала в гендерных и квир-исследованиях. 5

Как формальный гибрид часто конкурирующих дискурсов и средств массовой информации, театр поэта - это не «стихотворение» и даже не серия стихотворений, не просто сценарий пьесы.Напротив, театр послевоенного поэта для наших целей является активным спектаклем, который сосредоточен на языке, но не ограничивается им. И, что особенно важно, в исполнении (читателем, актером или поэтом) он выполняет и пересматривает лингвистически-интерпретативную ценность. Театр Поэта, таким образом, воздействует на саму нестабильность языка, провозглашенную в работах стольких постструктурных теоретиков, от Ролана Барта до Джулии Кристевой и Жака Деррида, - тех, кого приписывают «письму», «нулевой степени» в поэтическом письме, «Пограничный психоз», который, по крайней мере, Кристева считает экспериментом поэтического языка.Таким образом, хотя театр этого поэта искренне охватывает воображаемое этой странной письменной сцены / письменного текста, он противоречит условностям того, что ученый-перформанс Дуайт Конкергуд назвал «текстоцентризмом» (151), то есть смыслом текста как авторитетного и авторитетного. авторитетный, как прочный документ, за которым всегда остается последнее слово.

А перформанс? Концептуальная поэтика? Любая работа по сценарию, выполненная в специально отведенном для этого месте, противоречит более академически признанным канонизированным литературным театрам? Пожалуй, можно сделать вывод, что театр современного американского поэта - это все вышеперечисленное.Театр Поэта можно рассматривать как особую категорию «постдраматического театра», влиятельный термин Ханса-Тиса Лемана для нефармакологического, не повествовательного, многоголосого, часто мультимедийного, нестабильного «нового» театра, который «подтверждает не такое новое понимание, что гармоничных отношений никогда не бывает, а скорее постоянный конфликт между текстом и сценой »(145). Избегая реалистичных изображений персонажей, сцен и темпоральности, театр поэта освобождает перформанс от регуляции драмы, даже если он усиливает сложности, диссонансы и возможности собственной языковой игры, особенно в том, что касается theatrum mundi повседневной жизни.

Театр поэта, о котором идет речь в этом специальном выпуске, таким образом тренирует его осведомленность как о театральных процессах, так и о создании смысла в повседневной жизни, а театрализованное представление часто функционирует как своего рода социальная и лингвистическая лаборатория. Большинство эссе здесь также сосредоточено на том, как языковая игра и воплощенная и / или постановочная работа взаимодействуют друг с другом или по отношению друг к другу. Будь то эпическое сольное прочтение произведения Рона Силлимана на углу улицы Сан-Франциско в 1970-х годах, или в художественном пространстве пост-тысячелетия в мультимедийном сотрудничестве с рядом художников, исполняющих Зеркальную пьесу Карлы Гарриман почти три десятилетия спустя, концепция перформанса, охватывающая театральные, социальные, дискурсивные и материальные разыгрывания, а также их отношения друг с другом, лежит в основе концептуальных и постструктурных средств, лежащих в основе театральных работ этих поэтов.

Как показывает Нассер Хуссейн в своей статье «Исполнение Кетжака: Театр наблюдаемого», прочитанное Роном Силлиманом на углу улицы Кетжак в 1978 году в Сан-Франциско было чем-то большим, чем просто открытое - очень открытое - «чтение стихов». Это был также язык в действии и близкий родственник событий в стиле Fluxus и «Хеппенингов» 1950-х и 60-х годов. «Событие» сольного голоса Силлимана построило общественное восприятие «языка, исполняемого независимо на сцене повседневного опыта», как пишет Хуссейн, и противопоставило поэтическую игру авангарда словоформе, синтаксическому паратаксису повседневному миру Сан-Франциско. Вырезка р-на.Поскольку последнее стало или становится в эссе Хуссейна аутентичной пространственной публичной ареной, на которой было разыграно это театральное представление, событие затрагивало природу поэтической формы, макияжа аудитории и театрального приема. В анализе Хуссейна он также ставит под сомнение реальные и множественные смыслы, генерируемые - то есть перформативно доступные - в поэтике, предлагаемой в публичном пространстве.

Точно так же в фильме Фионы Темплтон «ВЫ - Город» (1988) городское общественное место используется как пространственная публичная театральная арена.В спектакле, анализируемом здесь, место проведения - это сумасшедшая, беспокойная и в некоторой степени изнеженная среда, которая была (в 1980-х и 90-х годах, во время постановочной постановки), а иногда и сейчас остается Таймс-сквер в Нью-Йорке. Эссе Джеймса Шерри «Поэтический театр Фионы Темплтон: взгляд на окружающую среду» объединяет приверженность поэта Шерри «экологической поэтике» (в отличие от «эко-поэтики»), которая, по его мнению, является поэтикой, которая полностью и философски-структурно вовлечен в свое окружение, будь то городское, природное или и то, и другое - с прочтением этого «события».Сама пьеса Темплтона предлагает «клиента», а не актера и / или публику, который, соблюдая назначенную встречу, начинает тур по городу: населяя, наблюдая, а также становясь единым целым с преходящей городской экосистемой. Экологический взгляд, пишет Шерри, «[s] существенно изменяет наше взаимодействие с миром», бросая вызов на некоторой фундаментальной основе нашим субъектно-объектным отношениям, а также картезианскому, а не интегрированному взгляду человечества на его роль в окружающей среде. Шерри показывает, как театр поэта Темплтона создает театральную сцену как среду, делая поэзию в исполнении концептуально изменчивым действием с политическим подтекстом.

Активность и опыт аудитории исследуются в эссе Хайди Р. Бин, которая, как и Шерри, находит этические последствия в построении поэтического театра отношений с аудиторией. В книге «Не / репрезентация Карлы Гарриман и этика дисперсионного перформанса» Бин исследует недавние постановки пьес Карлы Гарриман, которую обычно связывают с тем, что стало известно как «язык». «Зеркальная игра» Гарримана (2005) - это прямой ответ на недавнюю милитаризацию США, а также попытку переосмыслить социальные и глобальные отношения в том виде, в каком они выражаются языком и языком.Одна из целей пьесы, пишет Бин, состоит в том, чтобы «исследовать не только структуру практик интерпретации, но и сам импульс интерпретации». Таким образом, Бин предлагает термин «дисперсионный театр» для размышления о том, как театр послевоенного поэта, такой как театр Гарримана, конструирует интерпретирующее «сообщество», отмеченное, как это ни парадоксально, прерывностью и дисперсией. Дисперсионный театр в том виде, в каком он здесь концептуализирован, - это не просто интерпретируемая свобода для всех, а, скорее, воплощение этической дилеммы в эпоху постмодерна - противоречия, как выразился Джеффри Галт Харфем, между тем, «Как следует жить? ” и «Что мне делать?» между обобщаемыми нормами и индивидуальными действиями в реальных (и уникальных) ситуациях (26).В результате появился театр, который не только отвергает апелляцию реалистического повествовательного театра к общественной морали, которая становилась все более подозрительной за последнее столетие, но также предлагает себя как парадигму отношений, лучше подходящую для сложных взаимосвязей современного мира.

Одно из допущений, которое разделяют эссе в этом сборнике, заключается в том, что театр поэта, по своей сути, является критикой и переосмыслением соучастия языка в создании и навязывании обобщаемых норм.В «Этот театр - странная дыра: Поэтика внешнего вида Мак Веллмана» Каринн Кейтли Сайерс демонстрирует через препятствия интерпретации и ненатуралистическое исполнение требование поэта-драматурга Мак Веллмана к открытости незнанию или тому, что Сайерс называет «поэтикой дыры». ” «Вместо того, чтобы в очередной раз узнать, что инцест причиняет боль или что расизм - это плохо, - объясняет она, - Веллман предлагает позволить театру заставить нас отправиться в места, где мы еще не знаем ответа». Читая «Антигону» Веллмана наряду с представлениями о ландшафтной композиции, работами Уильяма Джеймса о сознании и обработке языка и классическим греческим театром, Сайерс утверждает, что театр Веллмана действует как на зрителей, так и на них, заставляя их осознавать психические скачки, характерные для актов повествования, создавая в них чувства к новым отношениям.Таким образом, традиционная ориентированная на зрелище модель пейзажного театра становится, во взаимодействии Сайерса с Веллманом, управляемой языком «экспедиции по дикой природе, совершенно не связанной с какой-либо формой завоевания» - полем, ямой, топографическим неизвестным на грани мышления.

Учитывая существенную гибридность поэтического театра, возможно, неудивительно, что роль - и дисциплинарный центр - театра поэта в академии постоянно меняется. Критическое внимание к театру поэта (и, по сути, к театру поэта как к критической деятельности) возросло с появлением как культурологии, так и перформанса.Эссе, представленные здесь, извлекают выгоду из этого более широкого круга научного внимания и используют историю производства и публикаций, анализ производительности, культурный контекст, эстетические идеологии и художественные практики, даже если они сами стараются проигрывать тексты, чтобы узнать, что они могут рассказать нам о риторика и практика текстуальности и перформанса. В давно назревшем перекрестке театральной науки и критики поэзии, созданном этими четырьмя эссе, мы также можем выявить общий педагогический интерес: театр поэта как альтернативная и часто новаторская социально-экспериментальная модель.Это театральный активистский характер послевоенного поэта, выросший из современного представления о самом перформансе как критической парадигме. И все же это лишь частичный отчет. Несомненно, есть еще много критических подходов, которые нужно опробовать, а истории, которые нужно конкретизировать, через более пристальное внимание к театру послевоенного поэта. Многие из наиболее активных критиков послевоенного поэтического театра на самом деле являются новыми или начинающими учеными, чьи критические способности к поэтическому театру стали возможны благодаря обучению, которое становится все более междисциплинарным.Поэтому мы рассматриваем этот сборник как открытие, которое, возможно, может проявиться только на этом критическом стыке, и мы с нетерпением ждем как расширения, так и углубления театра поэта как пространства и катализатора критической деятельности.

Создание театра из шлема Поэзия

Поэт, драматург, сценарист, исполнитель, автор текстов. Квир, транс, желтый американец. Кит Ян занят, и его роли и личности бесчисленны. После более чем десятилетнего успеха в качестве поэта и исполнителя, Ян в настоящее время является стипендиатом 2018 года в игровой группе Trans Lab, поддерживаемой Театром WP и Общественным театром.

В феврале этого года я видел отмеченное наградами сольное шоу поэзии Кита Queer Heartache в Обероне, второй сцене Американского Репертуарного Театра (ART), где после аншлагов в 2017 году спектакль снова принимал участие. ID АРТ Фестивальная серия, посвященная транс-артистам и их разнообразному опыту. Переполненный грубостью, честностью, юмором, остротой и очарованием выступления Кита, я сел с ним после шоу, чтобы поговорить о работе в разных жанрах, изучении различных идентичностей, а также о вовлечении аудитории и сообщества в его работу.

Ян Чен: Вы были в основном поэтом-слэмом примерно до пяти лет назад, когда вы начали писать и выступать для театра. Ваши стихи всегда были связаны с исполнением?

Кит Ян: Поэзия - это не всегда театр, но она очень театральная, особенно поэзия перформанса. Я любил поэзию с детства, и впервые попробовал выступить на шоу талантов, когда мне было девять. В то время я этого не знал, но это был первый проблеск того, как моя жизнь будет выглядеть в тридцать три года.Я вырос в Королевстве Гавайи и никогда не был в континентальной части США до того, как переехал в Бостон, чтобы поступить в Бэбсон-колледж. Произошел огромный культурный шок, но у меня была возможность выяснить, какие части моей квир- и транс-идентичности были важны для меня. Я начал ходить на все фестивали и открытые микрофоны в Бостоне, когда был студентом, и когда я думаю о Бостоне, я думаю о Gender Crash, этом открытом микрофоне, которым мой друг Ганнер Скотт уже более десяти лет управляет, где люди нашли пристанище. для множественности и пересечения голосов.Люди разглагольствовали, сочиняли стихи, монологи, сцены или просто рассказывали о своих днях, а Лесбийские Мстители всегда продавали выпечку. Это было место, где я нашел много утешения, радости и голоса.

Впервые я действительно испытал себя в театре, когда Майкл Браун, один из первых людей на сцене, когда хлопковая поэзия как форма искусства превратилась в американское соревнование, захотел сделать эту труппу поэтического театра под названием «Путешествующее поэтическое шоу Дока Брауна». . Я был в этом пару лет.Затем я долго сочинял сольные стихи, примерно до пяти лет назад, когда я начал работать над мюзиклом Interstate с Мелиссой Ли, певицей и автором песен и моим партнером по сотрудничеству. Мы с Мелиссой выступали в Жаке, странном кабаре в Бостоне. Затем мы уволились с работы и отправились в путь в составе устной поэтической группы под названием Good Asian Drivers. Теперь мы соавторы полуавтобиографического мюзикла о квир-азиатской группе, которая путешествует по стране и вдохновляет молодого южноазиатского подростка, чья семья, сообщество и церковь ненавидят его.

Кит Ян исполняет Queer Heartache в Обероне в Кембридже, Массачусетс. Фото Катрины Систаре.

Ян: Ваша персональная выставка Queer Heartache сочетает в себе поэзию слэма и театр посредством исполнения серии автобиографических стихов, которые прослеживают ваш путь роста. Как вы оцениваете отношения между поэзией и театром?

Kit: Был момент, когда я не думал, что поэзия - это театр. Но я всегда буду помнить, когда Реджи Кабико, действительно удивительный квир-американский филиппинский поэт, сказал мне, что слэм-поэзия - это трехминутный спектакль. Queer Heartache и Interstate Режиссер Джесси Хилл и я много говорили о том, что такое слэм-поэзия и что такое театр. Правила слэм-поэзии включают микрофон, ограничение по времени, отсутствие реквизита ... все это вы не можете делать. Помещение поэзии в театр и просто снятие некоторых из этих правил освобождает историю во многих отношениях.

Поэзия шлема сильно зависит от личного, личного как политического и конфессионального. Не всегда есть четкие разрывы между тем, говорю ли я сам с собой, говорю с вами, разговариваю с миром в целом или с кем бы то ни было в этой комнате.Играть с этим очень весело, а понимание этого голоса для меня и персонажа - действительно прекрасный опыт.

Поэзия шлема часто становится действительно глубокой, действительно сырой, очень быстрой, и мы всегда пытаемся поддержать эту уязвимость. В Queer Heartache шестнадцать произведений. Как сказал бы Реджи Кабико, это шестнадцать коротких пьес, шестнадцать эмоциональных путешествий, шестнадцать эмоциональных дуг. Когда соединительная ткань соединяет их вместе, и то, как я эмоционально перехожу от части к части, соединяюсь с аудиторией и вовлекаю их в это путешествие, было действительно большим разговором.

Поэзия шлема - часто очень доступная форма искусства. Мое любимое занятие - пойти на молодежную поэзию, чтобы посмотреть, о чем молодые люди пишут и что для них важно. Часто пожилые люди, старейшины в нашем сообществе, тоже сочиняют слэм-стихи. Это форма искусства, которая гласит: Иди сюда, тебе есть микрофон на три минуты, держи его . При этом это не всегда доступно для всех. Иногда заведением управляют исключительно цисгендерные, прямые, белые мужчины, и вы задаетесь вопросом: Я хочу рассказать вам эту историю? Это место, где я хочу найти дом? У этого есть две стороны, но самое прекрасное в том, что это искусство, в котором многие люди могут узнать свой голос.

Ян: Кто на вас повлиял и вдохновил поэзию слэма или театр?

Комплект: Все исполнители Gender Crash и моя партнерша Мелисса Ли. Есть актер и поэт по имени Д'Ло, транс-художник из Южной Азии, который тоже очень важен для меня. В наши дни я в основном пишу пьесы и мюзиклы, и меня тоже очень вдохновляли драматурги из моих кругов. Машук Муштак Дин проводит шоу под названием « Нарисуй круг» , и это прекрасно.Я действительно смотрю на цветных трансгендеров.

Самоидентификация для меня - это медленный процесс пробования вещей, перестановки и замены некоторых вещей по мере роста и изменения моей личности.

Ян: Вы описываете себя как писатель-самоучка.

Kit: Да, я не изучал поэзию или драматургию по специальности, хотя я ходил на уроки поэзии в Бэбсоне. Я считаю важным отдавать дань уважения родословной моей работы, а именно старейшинам, рассказчикам, людям, пишущим стихи в открытые микрофоны и на улице.Из этого я получил свой самый плодотворный опыт перформанса, поэзии и письма. Я думаю, что для меня было действительно полезно испытать множество голосов, а также понять и знать, что сила, письмо и истории могут исходить от обычных людей. Как писатель, я никогда не хочу забывать об этом: для кого я это делаю и почему. Я также много читаю и смотрю, и я постоянно учусь на своих совместных работах.

Ян: Есть ли в написании пьес что-то такое, что делает сотрудничество настолько необходимым?

Kit: Написание пьес может быть настолько изолированным, и я действительно не хочу работать изолированно.Частично это связано с тем, что я трансгендерный человек, и чувство изолированности от своей личности и сообщества не так уж и велико для меня лично. Когда я пишу на эти темы, я хочу почувствовать общность во время написания.

Кроме того, я действительно верю в коллективную силу и знания, и я считаю, что другой писатель действительно считает меня ответственным за материал. Я исхожу из прозрачного, основанного на подотчетности способа создания произведений искусства, и для меня очень важно иметь другую перспективу в качестве партнера по подотчетности.Мне нравится, когда кто-то видит личности и переживания персонажей под другим углом и задает героям сложные вопросы: почему они это делают? Есть ли возможность представить этого человека или эту историю в более тонкой форме, или способом, о котором я не думаю, который может исходить из другого опыта трансгендеров?

Что касается транссексуалов, которые я пишу, я особенно хочу, чтобы со мной был трансгендерный человек с другим жизненным опытом. У транс- и гендерно-неконформных людей есть множество голосов, идентичностей и красивых историй, которые можно рассказать, и я один определенно не могу этого сделать.Например, я только что закончил писать пьесу под названием « (T) эстостерон » с Симоной Вольф на основе интервью с трансфолксом, принимающим тестостерон. Мы с Симоной - два трансгендера с совершенно разным полом, классом и расовой принадлежностью. Я желтый транс-иммигрант из Америки, а они небинарные евреи намного моложе. У нас есть разные места в спектре женственности или мужественности, и очень здорово иметь такую ​​точку зрения.

Ян: Похоже, сегодня много говорят о том, что люди обладают множеством идентичностей.Каково вам было исследовать и утверждать все грани своей личности на траектории своего роста? Вы когда-нибудь чувствовали необходимость в том, чтобы одна идентичность преобладала над другой?

Kit: Самоидентификация для меня - это медленный процесс пробования, перестановки и замены некоторых вещей по мере роста и изменения моей личности. Мне потребовалось некоторое время, чтобы определить каждую идентичность, которую я использую. Недавно я вынул из своей биографии «американец азиатского происхождения» и переключил его на «желтый американец», чтобы восстановить эту фразу и признать историю того, чтобы быть азиатом в Америке.

Раньше я играл для разных аудиторий. Раньше я думал, что если я занимаюсь азиатскими вещами, я буду исполнять азиатский материал, но теперь я этим не занимаюсь. Сейчас я просто пишу шоу. Люди хотят пойти на это шоу или нет, хотят привести это шоу к себе домой или нет.

Ян: Не могли бы вы подробнее рассказать о том, как вы взаимодействуете с сообществом через свою работу?

Kit: Всю свою карьеру я построил на участии в сообществе, организации сообщества, творчестве сообщества и самопроизводстве, и я до сих пор считаю, что это в основе всего.Исторически американский театр - это преимущественно белая, цисгендерная, ориентированная на мужчин форма искусства, поэтому, когда я думаю, Что такое театр? , думаю, Для кого я делаю искусство? Кто смотрит, делает, покупает театр? Это тот народ, с которым я общаюсь? Это я? Если эти люди не пойдут в театр, как я могу это изменить? Я хочу, чтобы мои спектакли доходили до людей, которые обычно даже не ходят в театр, людей, которые боятся театра, людей, которые не думают, что театр их включает.Либо я делаю свои спектакли в театрах с более гостеприимной обстановкой, либо выхожу из театра на улицу, поэтому я интересуюсь сценарием, потому что я думаю, что истории могут распространяться на экране все шире и дальше.

Я провожу много общественных выставок и общественных работ. (T) эстостерон - это исследовательская и документальная пьеса. Мы опросили так много людей, мы провели онлайн-опросы, чтобы узнать больше о перспективах, мы опросили друг друга ... Для меня очень важно получать критические отзывы от людей, которые испытывают мою работу, а не только отзывы от людей, которые контролируют учреждение, производящее работу.Для меня также очень важно иметь обратную связь, и мне нравится проводить дни сообщества.

Что еще очень важно для меня, так это правильно отливать как можно более достоверно. Иногда в прошлом мы не всегда могли это сделать. Я понимаю, насколько это становится все более важным, потому что недавно для (T) эстостерон мы провели два чтения с полным преобразованием, и обратная связь, которую мы получили от актеров и увидела, как работают наши актеры, просто так ценно для развития произведения.Какие разговоры происходят, когда мы вместе находимся в комнате? Такого рода разговоры нужны нам, чтобы творить искусство.

Ян: Не могли бы вы рассказать о своем отношении к публике на ваших концертах?

Комплект: С таким шоу, как « Queer Heartache », в котором рассказываются истории очень личных переживаний из моей жизни, я надеюсь, что эти истории станут достоянием всего мира и станут предметом обсуждения и общения с людьми.Надеюсь, они могут вдохновить людей сделать то же самое: рассказать свои истории, полюбить себя, найти странное исцеление и понять, кто они такие, точно так же, как персонаж в сериале тоже идет на самообладание. открытие путешествие.

Чувство, когда я смотрю в толпу и вижу людей, которые являются гомосексуалистами и трансгендерами, цветными людьми, молодыми людьми, людьми, которые приводят своих детей, заставляет меня думать, что это тот мир, в котором я хочу жить, и это причина, по которой мое искусство существует - создать мир, в котором мы хотим жить.Иногда я думаю: Я все время проповедую хору? Но моя подруга Келли Цай, которая также является устным артистом, сказала мне то, что я всегда буду помнить об аудитории: «Иногда хору нужно проповедовать». Я действительно чувствую это в своей жизни и в том искусстве, которое ищу. Я хочу оказаться в мире рискованного квир-искусства, которое отражает тот мир, который я хочу построить, и тот опыт, с которым я связан.

Театр "Поэзия смеха" | Мир образования


Субъектов

  • Искусство и гуманитарные науки
    --Языковые искусства
    - Литература
    - Визуальное искусство

Марка

Краткое описание

Студенты исполняют сценарии «Театра поэзии хихикают», которые доступны бесплатно в Интернете.

Цели

студентов

  • спланировать выступление.
  • собирают или создают реквизит, декорации и костюмы для использования в своих выступлениях.
  • представляют свои стихи с большим выражением и юмором.

Ключевые слова

поэзия, театр, смешное, юмористическое, стихотворение, глупое

Необходимых материалов

План урока

Вы заглянули на сайт Giggle Poetry? Там вы найдете сотни стихов, написанных одними из самых любимых детских поэтов Америки. И они абсолютно бесплатны! Изучите сайт, изучите идеи уроков и поделитесь интервью с поэтами со своими учениками.

Но будь уверен, что ты не пропустишь

секция Театра поэзии. Там вы найдете более десятка простых сценариев стихотворений. Посмотрите, распечатайте. В большинстве стихов есть два, а может и три персонажа. Назначьте ученикам роли и попросите их вместе собрать реквизит, который им понадобится, отрепетировать стихи и представить их своим одноклассникам.Giggle "Театр поэзии" - отличный и увлекательный инструмент для обучения детей выражению чтения.

Вот список стихов из Сборника Giggle Poetry "Poetry Theatre". Мы предоставили вам ссылки на стихи и список персонажей в каждом стихотворении. Примечания рядом с каждым персонажем предназначены для помощи в распределении ролей; Возможно, вы не захотите назначать большую роль одному из своих слабых читателей. Кроме того, некоторые из более мелких ролей требуют суперзвезд «Театра поэзии»!

Вы можете задать тон этому занятию с помощью стихотворения «Пустоголовый» из «Театра поэзии».Распечатайте стихотворение и нарежьте роли на листки. Попросите учащихся прочитать роли по порядку. Затем все они присоединяются к двум последним строчкам стихотворения.
Больше скриптов, по одному ...

"Лаки Трэйд"

  • Мать - малая роль
  • Ребенок - средняя роль
«Иш»
  • Рассказчик - средняя роль
  • Бабушка - малая роль
  • Фредерик - малая роль

"Саманта Золушка Скотт"

  • Врач - большая роль
  • Рассказчик, Саманта - объедините эти две крошечные роли; ученик может создать два забавных голоса для разных ролей

«Правила для автобуса»

  • Ребенок - большая роль
  • Водитель - большая роль

"Вставай с постели!"

  • Мама - средняя роль
  • Ребенок - средняя роль

«День плохих волос»

  • Студент - малая роль
  • Одноклассники, Учитель - совместите эти две крошечные роли

"Выключить телевизор!"

  • Ребенок - большая роль
  • Мать, Отец - совместите эти две крошечные роли; ученик может использовать низкий голос для отца и другой тон для матери

«Сходила к врачу»

  • Ребенок - большая роль
  • Доктор - средняя роль для сильного читателя

"Я звоню первым!"

  • Студент 1 - средняя роль
  • Студент 2 - средняя роль
  • Студент 3 - средняя роль

«Мои пальцы»

  • Ребенок - большая роль
  • Мать - средняя роль

«Моя собачка съела мою домашнюю работу»

  • Студент - очень большая роль
  • Учитель - крошечная роль (вы, учитель, можете работать с этим учеником и играть роль учителя)

"У моей собаки нет манер"

  • Ребенок - большая роль
  • Мама - крошечная роль

В перечисленных выше стихах всего 25 ролей, которых достаточно для каждого ученика в большинстве классов.Если вам нужны дополнительные сценарии стихотворений, вы найдете их еще на главной странице Giggle Poetry "Poetry Theater".

Продлить урок
Предложите учащимся изучить обширную коллекцию стихов на GigglePoetry.com, чтобы найти стихотворение, которое они хотели бы превратить в презентацию «Театра поэзии хихикающего». На этот раз позвольте учащимся создавать сценарии!

Оценка

Вы можете попросить учащихся оценить лучшие поэтические выступления.Они могут дать "Оскар" "Театру поэзии" командам, которые в целом проделали самую лучшую работу, наиболее драматичны (то есть смешные) и лучше всего сыграли свои роли. Дополнительные награды могут получить команды, создавшие лучшие декорации, лучший реквизит и лучшие костюмы. Короче, дайте награду каждой команде «Театра Поэзии»!

Источник плана урока

EducationWorld.com

Отправлено

Гэри Хопкинс

Национальные стандарты

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО: Театр
КЛАССЫ K - 4
NA-T.K-4.2 Действуя, принимая роли и взаимодействуя в импровизациях
NA-TK-4.3 Проектирование путем визуализации и организации среды для театральных представлений в классе
NA-TK-4.4 Режиссура путем планирования театрализованных представлений в классе
КЛАССЫ 5-8
NA-T.5 -8.2 Действие, выполняя роли и взаимодействуя в импровизациях
NA-T.5-8.3 Проектирование путем визуализации и организации среды для театральных представлений в классе
NA-T.5-8.4 Режиссура путем планирования театрализованных представлений в классе

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО: Изобразительное искусство
КЛАССЫ K - 4
NA-VA.K-4.1 Понимание и применение средств массовой информации, методов и процессов
NA-VA.K-4.3 Выбор и оценка диапазона предметов, символов и идей
УРОВНИ 5-8
NA-VA.5-8.1 Понимание и оценка Применение средств массовой информации, методов и процессов
NA-VA.5-8.3 Выбор и оценка диапазона темы Материя, символы и идеи

ЯЗЫК ИСКУССТВА: английский
КЛАССЫ K - 12
NL-ENG.K-12.1 Чтение в перспективе
NL-ENG.K-12.2 Чтение для понимания
NL-ENG.K-12.4 Навыки общения

Смотрите больше планов уроков на день в нашем архиве планов уроков на день. (Там же вы можете искать уроки по предметам.)

Дополнительные уроки искусства можно найти на следующих ресурсах Education World:

Дополнительные планы уроков по искусству / чтению можно найти на следующих ресурсах Education World:

Education World®
Авторские права © 2010 Education World

Первоначально опубликовано 18.04.2006
Последнее обновление 22.03.2010

Лала, Майк: 9781885635532: Амазонка.com: Книги

Exit Theatre Майк Лала отворачивается, поворачивается, поворачивается к своему iPhone, к Саю Твомбли, к Каталлусу, но нет выхода из лабиринта мира, который находится в« нашем времени », как знал Хемингуэй. - шкаф с оружием. И каждое ружье - это жизнь, стоящая по стойке смирно и заряженная, как знал Дикинсон. В этих лирических медитациях, пересекающих поля личной, национальной и международной истории, усыпанных телами, Лала противостоит, не вздрагивая, ужасным красавицы, рожденные пессимизмом и оптимизмом конца века: мы остаемся в туалете.
- Тайрон Уильямс, судья последней инстанции

«Это замечательная книга - обширная, щедрая, злая, деликатная. Exit Theater с помощью заимствованных слов и постановочных диалогов спрашивает, как индивидуальный опыт насилия сочетается с мифом. создать коллективное настоящее, в которое мы выглядываем из «оружейного шкафа». Шкаф с оружием - страшное место, где можно действовать как друг, действовать как любовник, разговаривать с семейными призраками. Книга Лалы разрывает бархатную подкладку."
- Кэти Вагнер

" Майкл Лала Exit Theater раскрывает тайну и неизвестность. Этот поэт мастерски раскрывает личное наряду с публикой на интимном, ищущем и уникально его языке. Читатель становится способным детективом, готовым просеивать воображаемые и устные свидетельства того, где сосуществуют повседневное и фантастическое. Exit Theatre - действительно сложное и соблазнительное путешествие во внутреннее святилище грез ».
—Yusef Komunyakaa

« элегическая дебютная коллекция, предназначенная для того, чтобы ее можно было увидеть и разыграть.Эта провокационная книга задумана как иммерсивный опыт, в котором представлены стихи, которые можно отнести к поэзии только в том случае, если они заявляют о себе как таковые: это перформанс, создание мифов и сплоченный клич. В своей сдержанной конфронтации с формами общественного насилия - милитаризмом, изменением климата, экономическим коллапсом - Лала уделяет внимание музыкальности языка, соблазнительно противопоставляя пышность редкому. . . . Это насыщенное и интересное, но полезное чтение; Лала задействует игровые структурные элементы, экспериментируя с альтернативными способами допроса и репрезентации."
- Publishers Weekly

" Вся книга представляет собой чудо жанровых перформансов, которые усложняют различие между читателем и текстом. . . . Exit Theater повышает нашу осведомленность о том, как мы придаем смысл и уклоняемся от ответственности. Это не звучит как властное обвинительное заключение, но просит нас пересмотреть вместе с текстом наши предположения о нашем окружении ».
—Fanzine

« Книга Лалы демонстрирует эти совокупные чувства нашего времени. , тупая, жужжащая неизбежная боль, которая возникает, когда оружие отрывается от сцены и составляет настоящее.. . . [ Exit Theater ] в конечном итоге ставит новый вопрос, возможно, неизбежный вопрос, для эстетической работы в эти времена насилия: что происходит, когда пистолет Чехова становится дроном, тающей ледяной шапкой, цветением токсичных водорослей? »
—Jacket2

Майк Лала является автором Exit Theater (победитель Колорадской премии 2016 года в области поэзии, выбранный Тайроном Уильямсом) и нескольких сборников, в том числе In the Gun Cabinet (The Atlas Review, 2016) и Twenty-Four Exits : A Closet Drama (Брошюры в настоящем времени, Музей искусств Мэри и Ли Блок, Северо-Западный университет, 2016).Поэт, драматург и звукорежиссер, Лала опубликовала в таких изданиях, как Boston Review , Fence , The Brooklyn Rail , Denver Quarterly , Jubilat , The Awl , PEN Poetry Series . , и VOLT , и представил свои работы в Соединенных Штатах и ​​Канаде, в 92-м Центре поэзии Сент-И-Унтерберг (для Десятой музы Анны Карсон), в The Poetry Project, в Метрополитен-музее и на Второй выставке Pioneer Works 'Second Воскресенье для современного временного :: Звуковые произведения и музыка.Сцены из новой оперы « Эдип в округе » (либреттист; в сотрудничестве с композитором Джошуа А. Гетманом) недавно дебютировали в Джульярдской школе, а затем в «Национальных опилках» в Бруклине. Он живет в Нью-Йорке. mikelala.com

Поэзия вслух | Театральная компания Хантингтона

«Поэзия вслух» - это национальный конкурс декламации, в котором отмечается сила устного слова и мастерство публичных выступлений, а также воспитание уверенности в себе и признание литературного наследия учащихся, переносящих стихи со страницы на сцену.Poetry Out Loud вдохновила сотни тысяч старшеклассников открыть для себя и оценить как классическую, так и современную поэзию.

Присоединяйтесь к нам для поэзии вслух
Массачусетс 2021 События:

Центральные и западные региональные
Трансляция полуфиналов

Суббота 6 марта 2021 г., 10:00

Ответить на приглашение

Восточный региональный
Трансляция полуфинала

Воскресенье, 7 марта 2021 г., 10:00

Ответить на приглашение



Greater Boston Regional
Трансляция полуфиналов

Понедельник 8 марта 2021 г., 19:00

Ответить на приглашение

2021 Поэзия вслух
Финал штата Массачусетс

Воскресенье, 14 марта 2021 г., 9:30

Ответить на приглашение


Прочитать программу:

Чемпион Poetry Out Loud 2020, Аня Барретт , 3-е место Кайла Тернер из старшей школы Sacred Heart и 2-е место Эндрю Шапиро из Чартерной школы Innovation Academy; фото: Дэвид Маршалл

финалисты конкурса Poetry Out Loud, Массачусетс, 2020; фото: Дэвид Маршалл

Поэзия вслух в Массачусетсе: история и статистика

Зачем участвовать в "Поэзии Массачусетса вслух"?

Примите участие в поэзии вслух

Дополнительную информацию о Poetry Out Loud можно найти на официальном веб-сайте poryoutloud.орг. Для получения информации о конкурсе в Массачусетсе, пожалуйста, напишите в Департамент образования по адресу [email protected]

«POETRY OUT LOUD» помогает учащимся овладеть навыками публичных выступлений, развить уверенность в себе и узнать об их литературном наследии. Поощряя своих учеников изучать, запоминать и исполнять некоторые из самых влиятельных и вечных стихов английского языка, вы погрузите их в яркое выражение и провокационные идеи. Хотя многие ученики могут поначалу нервничать из-за того, что читают их перед своими сверстниками, этот опыт окажется бесценным - не только в школе, но и в жизни.Во многом будущий успех студентов будет зависеть от того, насколько хорошо они представят себя на публике. Публичные выступления - это навык, который люди используют каждый день как на рабочем месте, так и в обществе ». - Национальный фонд искусств и фонд поэзии

Представлено Национальным фондом искусств и Фондом поэзии в партнерстве с Советом по массовой культуре и театральной труппой Хантингтона.


В театре - Архив стихов

«Из-за проблем с кровяным давлением был назначен только местный анестетик.Таким образом, пациент полностью бодрствовал на протяжении всей операции. Но в те дни - в 1938 году, в Кардиффе, когда я был костюмером Ламберта Роджерса - они не могли точно определить местонахождение опухоли мозга. Слишком много нормальной мозговой ткани было разрушено, когда хирург грубо искал ее, прежде чем он почувствовал ее сопротивление… все было несколько удачно. Одна операция, которую я никогда не забуду… »

Сестра говорит: «Скоро ты вернешься в палату»,
сестра думает: «В списке еще двое»,
пациентка говорит: «Спасибо, я чувствую себя хорошо»;
тихих голосов, мелкая ложь, ничего плохого,
, хотя скоро он будет моргать снова и снова
из-за пальцев Ламберта Роджерса,
сыпь, как у слепого, внутри его мягкого мозга.

Если предметы ужаса могут рассмешить человека
, то посмейтесь над этим: час спустя рост
все еще не обнаружен, отсчитывая свое дикое время; Еще
мозгов разгромлено из-за траектории Брайля зонда;
Ламберт Роджерс в отчаянии, все еще перебирая пальцами;
его комод думает: «Христос! Еще два в списке:
- цистернальная пункция и нервная киста ».

Затем, внезапно, треснувшая запись в мозгу,
голос чревовещателя, который кричал: «Господи,
оставь мою душу в покое, оставь мою душу в покое» -
фиктивные губы пациента движутся к этому припеву,
глаза пациента слишком широкий.И, потрясенный,
Ламберт Роджерс вытаскивает зонд
с медсестрами, студентами, сестрой, окаменевшими.

«Оставь мою душу в покое, оставь мою душу в покое»,
этот голос такой арктический и этот крик такой странный
некуда было деваться - пока старинный граммофон
не свернулся и слова не стали
размываться и замедляться, «… … Моя… душа… одна… »
прекратилось, наконец, когда умерло что-то другое.
И тишина соответствовала тишине под снегом.

из «Новые и собранные стихотворения» (Хатчинсон, 2003), авторское право © Dannie Abse 2003, использовано с разрешения автора.

АМЕРИКАНСКИЙ ТЕАТР | Поэзия в движении: Август Уилсон и Соня Санчес вдохновляют на создание двух новых мюзиклов

Алексис Симс и Кори Пуллам в спектакле «ДЕВУШКА качается свободно» в театре «Пенумбра». (Фото Аллена Уикса)

В UniSon , новом мюзикле резидентного ансамбля Орегонского Шекспировского фестиваля Universes, молодой ученик остается с ящиком стихов от старого наставника. Примерно так и развивалось само шоу - за исключением того, что ящик стихов в самом начале был заполнен словами драматурга Августа Уилсона.

Еще в 1995 году соучредитель Universes Стивен Сапп неожиданно услышал, как Уилсон читал свои стихи на собрании в Питтсбурге.

«Когда я на самом деле услышал, как этот человек, которого я знал только как драматурга, читал стихи, я подумал:« Погодите, он настоящий поэт », - вспоминал Сапп. Фактически, Уилсон начал с поэзии, прежде чем заняться театром. В 1960-х он присоединился к Мастерской Театра поэтов на Сентр-авеню в Питтсбурге и вместе с поэтами из Сентр-авеню основал театр «Черный горизонт».Когда Уилсон умер в 2005 году, заголовок его некролога в New York Times назвал его «Театральный поэт Черной Америки».

Поэзия Уилсона осталась у Саппа, но только когда он встретил вдову Уилсона Констанцу Ромеро на показе Party People от Universes в OSF в 2012 году, Сапп смог узнать больше. Эта встреча привела к тому, что члены Universes прочитали сборник неопубликованных стихов Уилсона, который является основой персонажей и истории UniSon .

Шоу, премьера которого OSF состоялась в апреле и продлится до октября.28 - не единственный новый мюзикл, уходящий корнями в движение черных искусств 1960-х годов. Также в апреле мюзикл о взрослении Закийи Александра и Имани Узури GIRL Shakes Loose в театре Penumbra в Сент-Поле, Миннесота, был проникнут поэзией Сони Санчес. (Шоу будет продемонстрировано на фестивале новых мюзиклов Национального альянса музыкального театра в октябре.)

Эти последние работы, а также смешение музыки, театра и поэзии являются частью «большего континуума», - сказала Николь Ходжес Персли, доцент театра в Канзасском университете.

«То, что мы наблюдаем прямо сейчас, зародилось очень давно, - сказал Персли, исследовательские интересы которого включают афроамериканский театр и перформанс, а также хип-хоп. Оба шоу объединяют в себе различные музыкальные жанры, включая джаз и хип-хоп, и это не случайные ассоциации; Джаз, как заметил Персли, оказал влияние на поэтов движения Black Arts в 60-70-х годах, что, в свою очередь, помогло вдохновить движение театра хип-хоп.

Стивен Сапп, Асия Марк, Кевин Кенерли и Иветт Моник Кларк в фильме «UniSon» на Шекспировском фестивале в Орегоне.(Фото Дженни Грэм)

Поэзия, читаемая вслух, особенно стихи, написанные с неистовым целеустремленным смыслом, может передать послание так, как никакая традиционная пьеса не может, сказал Персли, который также играет и руководит в региональном театре. Быстрый стих может быстро и ярко передать сообщение, для передачи которого потребуются страницы диалога. «Когда у вас возникнет срочность, почему вам нужно создавать свое искусство, это будет отражено на странице», - сказал Персли. «Когда это оживляется дыханием, это очень волнует людей, когда они могут почувствовать это своим телом.Думаю, это помогает людям общаться ».

Связь с поэзией Сони Санчес была одной из причин, по которой художественный руководитель Penumbra Сара Беллами сказала, что хочет создать GIRL . Беллами впервые узнал о сериале около трех лет назад во время чтения в Центре разработки Lark Play в Нью-Йорке.

«Я не думаю, что он был бы таким глубоким и богатым без поэзии, и я не думаю, что это вскружило бы мне голову без поэзии», - сказал Беллами, чей отец основал Penumbra - форум африканских Американские голоса, которые питали сценическую работу молодого Августа Уилсона - 40 лет назад, когда зарождалось движение черных искусств.

Перед открытием GIRL, около 200 посетителей Penumbra узнали о работе Санчеса на бесплатном просмотре документального фильма BaddDDD Sonia Sanchez . Сейчас Санчес за 80, она известна тем, что объединяет музыку с традиционными поэтическими форматами и является автором более десятка сборников стихов. То, что творчество Санчеса охватывает как литературное, так и исполнительское искусство, было одной из причин, по которой композитор Имани Узури сказала драматургу Закийя Александру, что она заинтересована в работе над проектом, включающим поэзию Санчеса.

«Для меня письмо Сони Санчес - священный текст, - сказал Узури. «У меня было видение переложить некоторые из ее стихов на музыку. Она давно была моим творческим героем, и мне казалось, что звуки ее стихов манят меня. Как композитор, я был заинтригован ее великолепным использованием метафор и различными ритмами, найденными в ее повествовании ».

Когда Санчес согласилась на использование ее работы, она попросила создателей рассмотреть ее работу полностью. Александр и Узури сказали, что это им выгодно, так как канон Санчеса предлагает как взгляды молодой женщины, так и взгляды старейшины, позволяя им выбирать фрагменты, которые лучше всего подходят для пути их главного героя и других персонажей.В результате получился мюзикл - с названием, которое отсылает к ретроспективе Санчеса Shake Loose My Skin - ставит стихи Санчеса на музыку, причем стихи выступают в качестве лирики, чтобы выразить эмоции персонажей, объяснил Узури.

Эти эмоциональные сцены имеют решающее значение в GIRL , рассказывающей историю молодой женщины, ищущей свое место в мире. Увидев провал своего стартапа в Bay Area, Девушка сбегает в Нью-Йорк. Но когда семейная трагедия вызывает ее дом в маленьком городке Джорджия, Девушка должна противостоять своему прошлому - и своей отчужденной матери.Тем временем Девушка пытается смириться со своими чувствами к брошенной женщине, а также разобраться с повторным появлением старого парня.

Работа со стихами позволила творческому коллективу найти неожиданный выход в повествование, - сказал Александр.

«Раньше я работал в стиле коллажа, используя другой материал, плавно складывающийся в мой собственный, и думал, что здесь возможен такой же подход», - сказал Александр. «Повышенный язык поэзии послужил бы более глубоким пониманием характера, если бы мы были осторожны.”

Она указала на сцену во втором акте сериала « GIRL », где поэзия Санчеса работает как песня, плавно продвигая историю вперед. Когда девочка оказывается в доме своей покойной бабушки, она поет стихотворение, которое Санчес написал о ее собственной бабушке. По словам Александра, использование голоса известного писателя не препятствовало ее собственному писательскому процессу. Во всяком случае, это позволило развиваться, поскольку Санчес стал наставником для Александра и Узури.

«В конце концов, это было похоже на молчаливое сотрудничество между нами троими», - сказал Александр.«Соня всегда была готова поддержать наш прогресс и временами делала заметки о намерениях стихотворения, которое мы использовали, но позволяла нам рассказать нашу историю».

Само шоу предполагает, что мудрость извлекается из прошлого. Символ, который появляется в GIRL , - это западноафриканская птица Санкофа, обычно изображаемая в виде птицы с повернутой назад головой, срывающей со спины яйцо. В сериале это соотносится с возвращением девушки на место своего рождения. По словам Беллами, это также может иметь отношение к созданию самого шоу.

«Другая параллель, конечно же, восходит к писателям, которые проложили для нас путь, возвращаясь к творчеству Сони Санчес, продвигая ее вперед и заставляя жить в этот современный момент», - сказал Беллами. «Наши предки создали для нас мощную плодородную почву, если мы хотим посеять там свои семена».

Включение стихов Санчеса дало актрисе Алексис Симс хорошую основу для создания персонажа «Девушка в спектакле« Пенумбра »», режиссером которого был Мэй Адралес.Симс сказал, что поэзия позволила ей общаться с аудиторией способом, выходящим за рамки обычного музыкального театра.

«В музыкальном театре вы поете, потому что слов недостаточно, и вы танцуете, потому что пения недостаточно», - сказал Симс. «Это возвышения текста, и я думаю, что использование поэзии поднимает его еще больше». Симс добавил, что знакомство с Шекспиром помогло ей почувствовать себя комфортно с повышенным языком в GIRL .

Добавление слов Санчеса также создало определенный ритм и темп, сказал Симс.Это можно услышать, когда ее персонаж исполняет строки из одного из любовных стихотворений Санчес: «Секс странный и чисто выбритый / секс прямой, а геи / секс все равно занимаются этим».

«Даже говоря эти слова, в них есть чувственность, которую вы действительно можете найти только в поэзии, где слова, соединенные вместе, создают инстинкт, а также создают чувство», - сказал Симс.

Ансамбль UniSon на Шекспировском фестивале в Орегоне. (Фото Дженни Грэхем)

В то время как стихи Санчеса подчеркивают лирику GIRL , чтобы помочь рассказать историю, поэзия Уилсона «сотворила целый мир для Вселенных», как сказал директор UniSon Роберт О’Хара.Хотя слова Уилсона являются частью постановки, О’Хара подчеркнул, что спектакль не является пьесой Августа Уилсона.

«Никто не может сравниться с тем, чего Август Уилсон добился в театре, и мы не пытались это сделать», - сказал О’Хара. «Скорее, мы просто пытались выразить нашу любовь и человечность его поэзии, создавая что-то в качестве вдохновения из них, но не пытаясь уравнять их, что невозможно».

Производственная группа хотела «поднять язык Августа Уилсона», - сказал О’Хара; поместье Уилсона также заказало постановку основных работ Уилсона.Каждый раз, когда появляется ссылка на одно из стихотворений Уилсона, текст или название стихотворения отображается на видеоэкране. Обращаясь к мультимедийным концертам за вдохновением, О'Хара сказал, что не хотел бы, чтобы постановка выглядела как чтение стихов.

«Я искал идею концертов определенных артистов, таких как Майкл Джексон, Мадонна или Бейонсе, - сказал О’Хара. «У них есть огромные сюжетные линии. Они рассказывают историю на своем концерте, есть много видео и много театральных представлений.”

В процессе написания Сапп сказал, что Вселенные считали Уилсона еще одним (отсутствующим) членом группы. Помимо Саппа, над проектом работали участницы Universes Милдред Руис-Сапп и Уильям Руис, также известный как Ninja, вместе с соавторами Broken Chord и Тоши Рейгоном.

Universe сосредоточились на двух стихотворениях Уилсона, в частности, «Идентификация семи ужасов» и «Свидетельство свидетеля», чтобы создать всеобъемлющую историю UniSon . Сапп объяснил, что описание Уилсона в «Идентификации» помогло Вселенным найти персонажей для шоу.

«Он описал это так:« Ужас первый, все бедра и ноги, и наступает медленно ». И у каждого ужаса была особенность, и мы говорили:« Боже мой, это семь символов прямо здесь », - вспоминает Сапп. , который также изображает Поэта в UniSon. На сцену к Саппу присоединяются другие участники Вселенных, которые берут на себя определенные персонажи, а также роли в ансамбле.

Сапп сказал, что процесс превращения коробки стихов Уилсона в живых персонажей на сцене был ошеломляющим, даже после всех лет, когда он и Universes работали.Но это работа, которую Universes готовили на протяжении всей своей карьеры, задолго до того, как американские театры знали, что с ними делать.

«Когда мы были на поэтической сцене, мы были поэтами, но то, что мы делали с этим, - создавали на сцене музыкальные театральные пьесы, поэтому люди вроде как:« Что это? »- вспоминал Сапп. Все изменилось, когда The New York Times назвала их «театральной труппой». Хотя Сапп сказал, что предпочитает называть группу «театральным ансамблем поэтической музыки», жребий был брошен.Как во времена Шекспира или греков, поэты создают театр, и наоборот.

Поддержите американский театр: экология справедливого и процветающего театра начинается с информации для всех. В этот благотворительный сезон, пожалуйста, присоединяйтесь к нам в этой миссии, сделав пожертвование нашему издателю, Theater Communications Group. Когда вы поддерживаете журнал American Theater и TCG, вы поддерживаете давнее наследие качественной некоммерческой журналистики в области искусства. Щелкните здесь, чтобы сделать свое пожертвование без вычета налогов уже сегодня!

Связанные

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *