Дима Ребус о таланте, гражданской позиции и отношениях с аудиторией
Диме Ребусу — Не Вантузу и Не Тубусу, это важно отметить — 28 лет, а он уже один из самых популярных художников нового поколения и признанный мастер акварельной живописи (или — придуманного им же «жанра» underground aquarellka)
Дима родился в Набережных Челнах, сегодня же работает в Москве, а также готовит проекты на Западе. Он успел попробовать себя в качестве иллюстратора. И если вы видели хотя бы книгу сказок Андерсена, оформленную Ребусом, то понимаете, что на этой ниве художник также добился большого успеха. Но сейчас Ребус сотрудничает с галереей Artwin Gallery и занимается лишь собственно искусством — создает свои акварельные полотна и работает над другими проектами.
Свою новую работу Ребус представил в рамках V Московской международной биеннале молодого искусства. Художник создал стрит-арт-проект на Трехгорной мануфактуре. Роспись здания внутри мануфактуры шла недолго и активно — стена двухэтажного дома превратилась в произведение искусства всего за девять дней. Ребус рассказал, что во время работы к нему часто подходили — познакомиться и пообщаться. А один пожилой мужчина даже отреагировал на его шутку вызовом полиции. Впрочем, история с полицией превратилась в забавную байку, а стена на Трехгорке продолжает восхищать и случайных прохожих, и тех, кто специально приехал посмотреть на новую работу художника.
Поговорим о вашей работе для биеннале. Она поддается какому-то жанровому описанию? В чистом ли виде это стрит-арт?
Это стрит-арт. Любое искусство, созданное на улице, — это стрит-арт. Но я специально подчеркнул, что идея в том, что проект сделан для биеннале. Это лежит в основе концепции, и на этикетке об этом написано. Я создал «постный» стрит-арт, а тот, кто считает, что это не уличное искусство, тот домосед. (Улыбается.)
Как родилась идея проекта?
Моя галерея предложила мне эту стену. Я приехал посмотреть, и стена оказалась ужасной… Это была розовая бойлерная, с очень неровной поверхностью, пилястрами, проводами и рольставнями. Здесь вот (указывает рукой на ближайшую стену) рисовать намного легче, чем там. А на моем объекте невозможно было сделать какой-то внятный рисунок. Так что я решил создать некий паттерн. Придумал пленку. «Обтянуть» поверхность, «упаковать» для потребителя-зрителя. А потом уже появилась ирония: подчеркнуть, что стена разукрашена специально для биеннале.
Как вы оцениваете это пространство — Трехгорную мануфактуру, где обосновался ваш новый проект? И вообще, как относитесь к новым московским индустриальным пространствам?
Считаю, что появление подобных пространств — это здорово. На открытии моего объекта были разные мнения. Были те, кто хватался за голову и говорил: «Что сделали с заводом?…». И их можно понять: завод должен работать. Когда завод превращают в арт-кластер — это вроде бы немного странно. Завод должен выполнять свою первичную функцию, а арт-кластеры — свою. Но раз уж так получилось, что территория все равно пустует, почему бы и не переформулировать идею пространства. В других странах, как мы знаем, подобное очень развито. В арт-столицах, в Лондоне, Нью-Йорке, это распространено.
Важно подчеркнуть, что этот проект придуман Artwin Gallery не ради денег. Это не частный заказ, и здание никто не приобретет, как, например, картину. То есть это сделано исключительно для того, чтобы привлечь внимание проходящего мимо этой стены человека, внедрить ему некую мысль, подтолкнуть к размышлению. Это не значит, что я несу какое-то знание и мир в его голове должен перевернуться после этой стенки. Но он точно не перевернется возле пустой стены, и если объект по крайней мере отвлечет его от бытовухи, то я буду рад.
Чувствуете ли вы в этой тенденции перехода в индустриальные пространства снижение «градуса» элитарности искусства? Важный ли это процесс?
Я считаю, что искусство вообще не поддается оценочной категории «элитарное — не элитарное». Сейчас оно доступно для понимания абсолютно всем. Главное, чтобы они сами захотели его понять.
Начало вашего пути связано с уличной культурой. Какое влияние она оказала на ваше творчество в целом?
Было так: я учился в художественной школе и параллельно делал какие-то граффити со знакомыми ребятами. Все это было несерьезно, мы были детьми. Но потом это перерастало в какие-то более или менее крупные проекты. Крупные для 14—16 лет, конечно. И да, на меня влияла и музыка, и граффити, какие-то общие увлечения. Но в первую очередь это дружба с ребятами, которые занимались тем же. А еще мы играли в футбол (у Ребуса немало работ, связанных с футболом. — Прим. Buro 24/7
Я на протяжении своей жизни пытаюсь бороться… Ох, «бороться» — слово-то какое! Бороться с какими-то претенциозными, надуманными вещами в мире и в арт-сообществе в частности. И название underground aquarellka — это, наверное, самое претенциозное название, которое я мог бы придумать, — стеб над снобизмом несуществующего андеграунда.
Ну и еще стрит-арт выходит из андеграунда — вот опять это слово.
Андеграунда, мне кажется, сейчас вообще не существует. Вернее сказать, технически он есть, но в наше время он настолько деклассирован, существует только в виде одного модного слова. Он как призрак. Как бесплатная медицина. Как футбольный клуб «Торпедо Москва», есть громкое название, но нет никакой сущности.
Есть ли художники, которые, на ваш взгляд, на вас повлияли?
Хочется сказать, что все хорошие художники на меня и повлияли. (
Я смотрю очень много разного арта, и у меня много любимых художников. Но я сознательно стараюсь огораживать себя от «влияния» — это очень опасно. Я смотрю на чужие работы, любуюсь, восторгаюсь, но все же не могу сказать, что они на меня повлияли. Только в эмоциональном смысле — они могут, и они делают. Это вдохновляет. Влияние заключается скорее в стимуляции к дальнейшей работе.
Как вы видите социальную функцию художника в этом мире? Должна ли она вообще быть как-то сформулирована? Может ли художник влиять на общество и должен ли об этом думать?
Должен ли он об этом думать? Это выбор каждого. Хочу ли я влиять на общество? Если бы я действительно мог знать, как я на что-то повлияю, то я бы, наверное, с ума сошел от радости. Но, мне кажется, это настолько непостижимая вещь, что даже не стоит о ней как-то особо фантазировать. Тут как с прогнозом погоды. Художник не может предугадать, как повлияет его творчество на общество. Он может предугадать приблизительную разовую реакцию, но не само влияние. В наше бешеное время, с бесконечным потоком информации, любая работа может быть переварена обществом как угодно и выйти самым непредсказуемым образом.
В таком случае — важна ли для художника гражданская позиция? Должна ли она находить отражение в творчестве?
Гражданская позиция есть всегда и заключается в том, что художник делает, и в том, чего не делает. Сложно сказать… Здорово ли, если она активна. Или нет… Вы знаете, я не могу сказать, что у меня есть какая-то активная гражданская позиция. Какая-то есть, безусловно. У меня бывает, что я о каких-то вещах думаю определенным образом, а потом думаю о них уже иначе. Я пытаюсь разобраться. Но, наверное, да, не могу назвать свою гражданскую позицию какой-то слишком активной в своем творчестве. По сути ведь это просто отношение художника к окружающему его обществу. Это набор каких-то внутренних принципов, с которыми ты живешь в обществе. Я не думаю, что кто-то живет вообще без каких-либо принципов, будь он художником или нет.
Раз уж мы затронули тему зрителя. Насколько художнику, живописцу, важен зритель, обратная связь?
Я считаю, что, если художник скажет, что ему зритель не важен, он соврет. Это будет прямо совсем неправда. Любому человеку, который что-то выпускает, любому творцу, важно мнение других людей, важно, чтобы кто-то слушал его музыку, смотрел на его картины, смотрел его фильмы и так далее. То, что у меня есть аудитория, — это счастье. Если бы ее не было, было бы хуже. Когда у художника нет аудитории (а таких много) и он декларирует, что он в «андеграунде», это плохо. Он страдает от этого. Никто не может увидеть его гражданскую позицию, даже если она есть. Никто вообще ничего не видит. Все словно слепые котята! Никто не видит, какой он гениальный гений!
Сталкивались ли вы с феноменом «лишних людей» — то есть людей, родившихся отчего-то не в свое время? Ведь многие великие художники были признаны уже после смерти. Такое сейчас вообще бывает: вот вы видите человека, понимаете, что он талантлив, но у него нет аудитории и это чертовски несправедливо?
Бывает, конечно. Наверное, такое будет всегда. Это обсуждать очень грустно. В искусстве нет никакой объективности. Вот, например, для меня очень важно, чтобы художник хорошо владел техникой. А сейчас это уже устаревшее понятие и владение техникой не считается чем-то обязательным. Например, я прихожу на выставку и смотрю на двух авторов. Один рисует как бог, а другой рисует просто плохо. Там плохо все: и техническая составляющая, и общий концепт. А в итоге работы того, кто рисует плохо, стоят дороже. Мне этот момент непонятен. Это необъективно. Кто-то мне попробует объяснить, в чем дело, а я в очередной раз буду сокрушаться: «Это какая-то ерунда!». В ответ услышу: «Сокрушаешься? Значит, автор выполнил свою задачу, он вызвал у тебя эмоцию!». Это уловки, кажущиеся мне очень претенциозными. Это все какие-то правила игры, в которую даже играть неохота, потому что это бесконечно тупо и скучно для меня.
Без чего художник не может быть художником?
Наверное, без мысли. Для того, чтобы что-то делать, нужно, чтобы в голове что-то было. Если голова пустая, то любое творчество, любое дело, тоже будет пустым. Мысль нужна любому автору. Даже если это безумная мысль. Не только художнику — вообще автору.
Вы работаете в разных жанрах. С разными материалами. Чувствуете ли вы какую-то разницу в подходе к работе — скорее не с технической точки зрения, а с эмоциональной?
Подход мысли всегда один и тот же: ты придумываешь какую-то историю, начинаешь ее прорабатывать, «высиживать» и, если она проходит твои внутренние фильтры, сам ее для себя утверждаешь и делаешь. То есть, в принципе, все то же самое с эмоциональной точки зрения. Технические аспекты же не менее важны. Когда рисуешь акварелью, тебе нужен лист бумаги, а для стрит-арта нужны печеньки. Отличия только в технической стороне.
Есть что-то, без чего вы не можете работать?
Без здоровья не могу. Вот у меня в субботу подскочила температура, здоровья не было, и я работать не мог. Наверное, это будет честный ответ. Если есть здоровье, можешь поработать. Все остальное — отмазки.
Вопрос воли?
Да. Или лени. «Ой, сегодня воду горячую отключили, я не буду работать». А почему? Как это может на тебя повлиять? Это с одной стороны. А с другой, как бы это нежно ни звучало: «Я не могу сегодня рисовать, у меня нет вдохновения». Но правда же, вдохновение очень важно! Иногда бывает, что ты вообще ничего не можешь сделать, сидишь и не можешь… И здоровье у тебя есть. Все в порядке. Просто берешь кисти в руки и понимаешь, что хочешь голову в песок засунуть. Неинтересно рисовать сегодня. Сегодня хочется заниматься чем угодно, только не рисованием. Это, наверное, как раз и называется «нет вдохновения».
Внутренняя дисциплина для художника важна?
Вообще, да. Но кому-то ведь подход к работе дается легко, а кому-то тяжело. Я много размышлял о понятии «талант». Сначала я думал, что талант существует, потом — что его вообще нет. Просто нужно стараться и все. Ну рисовать там, фильмы снимать, еду готовить — в общем, кто чем хочет заниматься. И тогда ты точно будешь талантлив — просто оттачивая свое мастерство. А потом я все-таки решил для себя, что нет. Действительно есть такое понятие, как талант. Ну или способность… Есть люди, которым легко даются какие-то штуки, а есть — которым трудно. Мне рисование дается легко. Мне трудно дается, ну не знаю, например, пение. Поэтому я не пою. Наверное, даже если я пойду заниматься пением, буду ежедневно оттачивать свое мастерство, вряд ли из этого что-то выйдет действительно хорошее. Даже если из меня выйдет неплохой певец, я не смогу считаться талантливым. Хорошим, но не талантливым — в этом есть разница. Есть вещи, под которые у тебя «заточены руки», и это надо развивать, это нельзя упускать.
Да, муза приходит к тем, кто ее ждет.
Ну да…Через большую лень.
У вас были трудности с самоопределением? Или вы принадлежите к числу тех счастливых людей, которые всегда понимали, чем они будут заниматься?
Я не хотел быть художником, я хотел быть футболистом. Мама заставила в детстве пойти в художественную школу. И я жутко тогда с ней ругался — вы не представляете, как я хотел быть футболистом. Я активно занимался футболом, был в юниорской команде местного клуба. Не знаю, может быть, у меня был талант. Теперь уже никогда не узнаю. Но да ладно, помер Максим, да и хрен с ним! Я получаю удовлетворение от того дела, которым я сейчас занимаюсь. Получал бы я удовлетворение от футбола? На самом деле, вряд ли бы я был сейчас футболистом — скорее всего, нет. Я могу рисовать, и мне это нравится. Полюбил рисование и начал проецировать на это свою жизнь.
Были ли у вас какие-то открытия в искусстве в последнее время?
Надо подумать… Есть такие вещи, с которыми ты как бы знаком, но потом узнаешь их заново. Книга, которую ты уже читал, фильм, который ты уже смотрел… А потом как-то по-другому все понял. У меня недавно такое было. У меня такое часто бывает. Я перечитал книгу Воннегута «Завтрак для чемпионов». Я ее впервые прочел давно и подумал тогда, что книга скучная. А недавно перечитал — и она показалась мне намного интереснее. Ну это такой простой пример. А если говорить про какие-то масштабные публичные события, которые бы меня зацепили или что-то открыли новое, то даже не знаю… Я смотрю очень много фильмов, но не могу сказать, что какой-то, из новинок, мне прямо очень понравился. Или какая-то выставка особо зацепила. Хотя я пропускаю большое количество выставок. Сейчас такой огромный поток информации! Вот Бэнкси и его «Дисмаленд» (в прошлом году Бэнкси создал масштабную выставку на месте заброшенного парка аттракционов. — Прим. Buro 24/7). Это было очень круто! Столько труда, столько людей, идей. На меня эта история произвела впечатление.
Теперь к утилитарным темам. Какие сложности существуют в работе художника на заказ? Работаете ли вы на заказ сегодня?
Сейчас я не работаю на заказ, только если проект очень интересный. В основном рисую для себя, занят в своих проектах. Ну а сложности… Я думаю, они остались теми же, когда я активно занимался иллюстрацией. Основная сложность — это когда заказчик сам не понимает то, чего он хочет. Занимается самодурством. Хотя кто-то скажет, что это твоя работа, ты на это подписался.
Как я понимаю, есть такая проблема, что художника часто воспринимают как обслуживающий персонал. Культуру — как сферу услуг… Это только у нас в стране?
У нас еще хуже, к сожалению. У нас художник не считается профессионалом. Это грустная история. Я, например, не могу зайти на кухню ресторана и сказать: «Я лучше приготовлю!». Там повар стоит, он профессионал, у него уже отработанное меню. А художнику, его вкусу, его видению, его умениям, часто просто не доверяют. А ведь он разбирается в своем деле не хуже, чем повар — в своем.
Это только у нас или это общее место в мировой практике?
Я не помню, чтобы такое было где-то еще. У меня были заказы из Европы и Америки, и там как-то все глаже происходило. И в России, конечно, были отличные заказы! И большое количество! Но часто были и сложности… Замечу, что не знаю, что сейчас происходит в коммерческой иллюстрации. Может быть, уже все прекрасно. У меня есть куча знакомых иллюстраторов. Я периодически с ними общаюсь, и из этих бесед у меня возникает ощущение, что сейчас лучше, чем было.
Есть ли какой-то проект, который вы хотели бы реализовать, но пока не представилось возможности? На самом деле это вопрос про мечту.
Я бы очень хотел сделать по-настоящему классную выставку. Большую, продуманную. Буквально срежиссировать ее максимально масштабно. Чтобы был не один концепт, а сочетание идей. Чтобы человек, приходя на мою выставку, спрашивал не «где здесь вход?», а «где здесь выход?!». (Смеется.)
А есть ли у нас галеристы, которые на это способны?
Я надеюсь, что моя галерея с этим мне поможет. Они по-настоящему рискуют, ведь акварель вне закона, поэтому я и вынужден скрывать свое лицо, но они знали, на что идут. А что касается пространства — не проблема найти площадку. Столько мест по всему миру. Были бы идеи!
Сбер представил инсталляцию «Сбереги планету» на Российской креативной неделе: Деловой климат: Экономика: Lenta.ru
Сбер показал арт-инсталляцию «Сбереги планету», которая создана тандемом промышленного дизайнера и инженера в области устойчивого развития Буляш Тодаевой и художником Димой Ребусом. Инсталляция представлена на Российской креативной неделе, которая проходит 26–29 августа 2021 года в Парке Горького в Москве. Об этом «Ленте.ру» сообщили в пресс-службе Сбера.
Арт-объект от Сбера — размышление об ответственности человека за экологический след и современных технологиях ресайклинга, которые должны уменьшить негативное воздействие человека на природу. Естественные природные формы в виде густых зеленых растений отражаются в рукотворных формах арт-объектов из переработанных материалов. Прозрачная геометрическая фигура инсталляции, разделенная на отсеки, стала метафорой процесса сортировки. Каждый фрагмент напоминает о переработке одного из популярных видов фракций — бумаги, пластика, металла и стекла. Инсталляция отсылает зрителя в контекст экологических проблем, показывая при этом позитивные возможности технологий переработки и потенциал использования вторичных материалов в искусстве.
«Мы живем в эпоху атнропоцена, когда наши действия оказывают серьезное влияние на состояние окружающей среды. Понимая свою ответственность в этом вопросе, Сбер не только стремится к собственной «зеленой» трансформации, но и выводит эту тему на широкое обсуждение. С помощью искусства и визуальных образов мы хотим привлекать внимание всех людей к проблемам окружающей среды, рассказывать о том, что именно каждый из нас может делать для того, чтобы сберечь планету. Малые, возможные для каждого шаги, которые ведут к большим изменениям, — наша программа «Сбереги планету» об этом. И о том, что вместе мы можем делать больше», — рассказала старший вице-президент Сбербанка по ESG Татьяна Завьялова.
«По моей задумке, арт-объект символизирует стремление к естественному единению с окружающей средой, поиск жизненно необходимого баланса между человеческой жизнедеятельностью и экологией. Забота об окружающей среде и понимание пользы устойчивого развития должны быть такими же естественными, каким сегодня является понимание о пользе личной гигиены. Человек, превративший сортировку отходов в простую повседневную привычку, делает важный и полезный шаг на пути к собственному благополучию и благополучию окружающей его среды», — подчеркнул соавтор арт-инсталляции, современный художник Дима Ребус.
«Смешение цветов внутри расплава пластика позволяет создавать любые текстуры и фактуры, а абстрактные формы стеклянного и металлического объекта будто остановлены в момент перехода из одной формы в другую. Объекты из самых популярных видов фракций показывают безграничный художественный потенциал вторично переработанных материалов, и помогают разобраться с маркировками. Обозначения материалов, которые нанесены на зеркальную поверхность, — это визуальное подкрепление всей истории, которая нужна для того, чтобы зрители смогли сразу сопоставить образ и знак. А когда им понадобится сдать отходы на вторичную переработку, эти знания пригодятся уже на практике», — отметила соавтор арт-инсталляции, промышленный дизайнер и инженер в области устойчивого развития Буляш Тодаева.
Появление инсталляции приурочено к запуску масштабной программы Сбера «Сбереги планету», целью которой является вовлечение широкой аудитории, включая наших сотрудников, клиентов и партнеров в экологическую и социальную повестку, привлечение внимания к решению значимых для каждого человека задач в области улучшения качества природной среды, социального развития, популяризации более здорового образа жизни, заботы о том, какой мир мы оставим нашим детям.
Помимо инсталляции Сбер проведёт тематическую дискуссию с представителями креативного сообщества о том, как продвигать экологическую культуру в мегаполисах. Модератором сессии «Зеленый город: как художники, дизайнеры, креаторы и урбанисты продвигают экологическую культуру в мегаполисах» выступит управляющий директор Сбербанка по ESG Милана Верхунова.
Сбер — генеральный партнёр Российской креативной недели. На мероприятии участники презентуют проекты в области креативной экономики, а площадка станет единым пространством для открытого диалога всех вовлечённых в развитие креативного сектора страны. Российская креативная неделя — главное федеральное событие в сфере креативных индустрий, витрина достижений российских организаций в области креативной экономики и единое пространство для открытого диалога всех вовлечённых в развитие креативного сектора страны.
в центре современной культуры «Смена» открыта новая выставка
В Казани свои художественные работы представил уроженец Татарстана Дима Ребус. Картины современного набережночелнинского автора, проживающего ныне в Москве, не раз становились достоянием персональных выставок в столице и за рубежом. В Татарстане же работы Ребуса представлены впервые.
«Я вижу перед собой талантливые работы. Гениальны эти работы или нет – рассудит время. Но я очень горд, что Дима Ребус позиционирует себя как татарстанский художник, несмотря на то, то живет в Москве», — заметил руководитель Аппарата Президента Республики Татарстан Асгат Сафаров.
Дима Ребус известен своими детализированными акварельными работами непривычно большого для этой техники формата. Сам художник определяет, что в его картинах находит место эстетика абстрактной, мультипликационной и сверхреалистичной техник.
Для знакомства казанцев с футуристичной вселенной Underground Aquarellka, которую создает в своих картинах Дима Ребус, автор выбрал две серии работ: инсоляционная и серия экзопланет. Выставка, которая получила название «Нормы инсоляции», представляет собой ретроспективу творчества художника за последние семь лет. Экспозиция позволяет проследить эволюцию смыслообразующих элементов создаваемой художником вселенной.
Название экспозиции выбрано неслучайно. По словам Димы Ребуса, инсоляция – это термин, который используется в архитектуре. Он означает количество солнечных лучей, попадающих на какую-либо поверхность, в частности, в окно дома. В свое время медики и архитекторы объединились, чтобы вычислить, достаточно ли солнечного света приходится жителям домов.
«Выяснилось, что хорошая инсоляция только в тех квартирах, которые находятся на пятом этаже и выше. В связи с этим решетки, которые устанавливаются на окнах первого этажа, стали делать в форме заходящего солнца, чтобы хоть как-то компенсировать эту несправедливость с инсоляцией. Весьма поэтичная история. Мне она показалась одновременно интересной и очень грустной. В своем творчестве я прослеживаю некоторые понятия норм, анализирую их, и вот одна из таких норм – это норма инсоляции», — рассказал Ребус.
Сама выставка поделена на темное и светлое пространства, где в первом посетителей встречает мистер Ребус – мультипликационный персонаж.
«Невозможно говорить о работах автора в отрыве от самого художника, но, тем не менее, моего “я” здесь нет, по крайне мере, я об этом не задумывался. Здесь точно прослеживаются черты моего отца, так как в молодости он был обладателем яркой внешности. Но почерпнул я лишь его внешность», — заметил Ребус.
Визуально глаза персонажа кажутся пустыми, однако вернее будет сказать, что у него нет глаз и вовсе. Это так называемые порталы в бескрайние космические просторы.
Работы в светлом зале представляют внутренний мир мистера Ребуса, те метаморфозы, которые переживает герой. Неудивительно, что второй зал больше первого в несколько раз. Здесь же нашлось место и для инсталляции, формирующей собой ландшафт, по которому путешествуют зрители. Подобный прием заставляет гостя чувствовать себя не просто зрителем, а участником событий, происходящих на той или иной картине.
Гостем открытия выставки стала министр культуры РТ Ирада Аюпова, которая поделилась своим мнением.
«Когда люди приходят в такие пространства, и они видят не тривиальную картинку, а своеобразный ребус, который нужно разгадать – это и есть настоящее искусство. Интересно, что каждый расшифрует ту или иную картину по-своему и будет по-своему прав», — заметила министр культуры.
Она отметила, что радеет за идею создать как можно больше проектов, которые бы помогали обычному зрителю формировать свой взгляд на искусство.
«Вопрос не только в том, что есть талантливые люди, которые могут себя выразить. Вопрос в том, что должны быть не менее талантливые зрители, посетители галереи, которые умеют чувствовать замысел автора или, напротив, формировать свое видение, свое суждение, посмотрев ту или иную картину», — заметила Аюпова.
Она призналась, что выставка – не единственное, что сделает для Татарстана Дима Ребус. Планируется серия встреч, на которых художник поделится своим опытом.
Выставка продолжит свою работу до 12 сентября этого года.
Q&A: Дима Ребус | Читать design mate
Современный художник, создатель авторского жанра, который он иронично называет «underground aquarellka». Участник Московской международной биеннале молодого искусства (2016).
В какой технике ты работаешь?
В основе это акварель. Но она у меня перетекает и в другие медиа.
Когда ты решил, что станешь заниматься именно этим?
Еще в детстве. Когда стало ясно, что совмещать на должном уровне художественную школу и футбольную секцию не представляется возможным.
На кого ты учился, и как это отразилось на твоем творчестве?
После окончания художественной школы я поступил в Московский художественно-промышленный институт на факультет графического дизайна. Опыт дизайнера вносит существенную ноту рациональности в мою нынешнюю работу. Это помогает отсекать лишнее.
Где ты работаешь над своими проектами?
В лаборатории. В большей степени у меня лабораторная работа.
Какой свой проект ты любишь больше всего?
Я хочу отметить самый последний — выставку «Now Open», которая прошла в Лондоне при поддержке Artwin Gallery. В ней я переосмыслил все то, что делал до этого. Совершенно точно она является для меня переломным моментом, и мне любопытно ощущать этот момент.
Какая у тебя цель в творчестве?
Моя цель — это явление, состоящее в почти однородном и изотропном расширении квартирного пространства в масштабах всего дома, выводимое через наблюдаемое со двора космологическое красное смещение. Иными словами, я не только охочусь за горизонтом, но и стараюсь делать это максимально грациозно.
Чем ты сейчас увлекаешься, и как это влияет на твою художественную практику?
Меня часто увлекает совершенная ерунда, на которую тратится уйма времени и от которой страдает мой рабочий график. Например, недавно увлекся ремонтом газовых котлов. И ладно бы мне нужен был этот ремонт — нет, у меня и котла нет. На форумах по эксплуатации бытового газового оборудования настоящий дремучий лес. В видео-сегменте ситуация не лучше. Подавляющее большинство газовиков — люди в возрасте, консерваторы, без опыта операторской работы, и от того сильно страдает качество изображения на YouYube. Трясущиеся руки, постоянный расфокус и все это в самые важные моменты по замене мелкой детали. Ненавижу. В целом, если опустить подробности, я понял, что с котлами нужна только практика. Еще недавно я снова полюбил газировку «Байкал». Чтобы никто не подумал, что это реклама, скажу сразу — это вредно. Но вкус у нее отличный. Вообще люди, пьющие колу в России, поступают очень несправедливо по отношению к «Байкалу». Газовики на форумах меня поддержат.
Какие книги сейчас лежат у тебя на прикроватном столике?
В основном там лежат книги по архитектуре, которые мне дарят.
Откуда ты узнаешь, что происходит в мире, черпаешь информацию?
Стараюсь оплачивать интернет.
Расскажи что-нибудь, что ты узнал недавно и что тебя поразило?
Поразило, что астрономы обнаружили аккреционный диск чёрной дыры, который вообще не должен существовать. В комментарии на сайте была примерно такая аналогия. Женщина крутит хула-хуп, чтобы согнать жир. Она продолжает крутить хула-хуп до тех пор, пока не станет худой, но так как постоянно жрет, ей все-равно приходится крутить хула-хуп. Но тут странная ситуация: женщина не жрет, но все-равно крутит хула-хуп, чего в природе происходить не может.
Artwin Gallery — Художник Дима Ребус рассказал о любимых…
Уже завтра Artwin Gallery представит совместный проект Евгения Антуфьева и Любови Налогиной в рамках ярмарки современного искусства Cosmoscow.
Специальный проект художников: стенд-орнамент. Мозаики, сделанные в соавторстве, соседствуют с личной коллекцией сибирской археологии, этнографии, с игрушками, мебелью из дома, книгами из библиотеки. Все это помогает нам попасть в мастерскую художников и понять творческий метод.
Кресла маршала Гречко, стул, вдохновлявший Матисса, хрустальные вазы, произведённые в Гусь-Хрустальном в соавторстве с архитектором Ольгой Трейвас. Мрамор, оникс , малахит и лазурит на мозаиках. Археология Сибири и Урала. Чайная пара бабушки Антонины Васильевны. Восковая кукла, серебряная маска. Обои с витражами и мозаиками Московского метро.
Символы и формы переплетаются, цветы ползут как змеи, а птицы поют свои песни.
▪️Стенд B10, Центральный Манеж, Манежная пл., 1.
▪️Вход на ярмарку осуществляется по QR-коду.
__
Opening tomorrow a new project by Evgeny Antufiev and Lyubov Nalogina in the framework of Cosmoscow contemporary art fair.
A special project consists of an elaborate booth-ornament. Mosaics which they made in collaboration are exhibited side by side with a personal collection of Siberian archeology, ethnography, toys, home furniture, books from their library — all this helps us to get into the artists workshop and understand their creative method.
There are also Marshal Grechko chairs, a chair that inspired Matisse, crystal vases produced in Gus-Khrustalny in collaboration with the architect Olga Treivas. Marble, onyx, malachite and lapis lazuli adorn the mosaics. Archeology of Siberia and the Urals. Tea set of grandmother Antonina Vasilyevna. A wax doll, a silver mask. Wallpaper with stained glass windows and mosaics from the Moscow metro.
Symbols and shapes are intertwined, flowers crawl like snakes, and birds sing their songs.
▪️Booth B10, Manege Central Exhibition Hall, Manege square, 1.
▪️Due to safety requirements, entrance is available with QR-code only.
Открылась вторая выставка SOVRISK #напотоке
20 мая обновились два из трех центральных произведения экспозиции SOVRISK #напотоке. Сейчас в Подземном музее представлены работы:
«Министерство инсоляционной поддержки» Димы Ребуса. 2 июля в Центре современной культуры «Смена» в Казани откроется персональная выставка художника «Нормы инсоляции». На ней организатор выставки Artwin Gallery представит работы из нескольких проектов, созданных Ребусом за последние 7 лет. Премьерная работа, показанная в «Зарядье», относится к ключевой для казанской выставки серии «Инсоляция».
«Безмолвный проводник» Дмитрия Аске — первый показ нового многослойного рельефа из фанеры, в котором затрагиваются темы поиска и выбора, а также доверия своему внутреннему «проводнику».
«Эта работа о том, как в каких-то сложных или затруднительных ситуациях в жизни внутренний голос помогает найти решение у себя внутри, а не ориентируясь на внешние обстоятельства, которые кажутся более важными. На самом деле, все ответы — внутри», — рассказал Дмитрий Аске.
Третья работа — в соответствии с концепцией проекта — это победитель зрительского голосования на первой выставке. Им стала работа «Горностай» Виктории Вейсбрут.
Частью экспозиции, не выставляемой на голосование, стал российский NFT-арт — видео трех художников, загруженное на блокчейн-платформы. Арт-группа ППСС (Павел Пепперштейн и Соня Стереостырски) представили свою первую NFT-работу «Новый мир». С 15 мая она выставлена на онлайн-аукционе на платформе Rarible. Артем Ткач представил видео “Fractal Reflection”, выставленное на продажу на Foundation.
«Я вдохновился “Фрактальной геометрией природы” Мандельброта, прочитав книгу, и сделал свое видение фрактальной геометрии на основе математических алгоритмов, только в объеме — в 3D-пространстве. В этой работе есть некое олицетворение человеческой жизни, потому что, как и у фракталов, в ней всегда есть закономерности и паттерны, которые можно проследить. Например, рождение, движение и завершение пути», — рассказал Артем Ткач.
Третьим стало видео “Waves” Фаяза Азизова — lве работы из этой серии доступны сейчас на аукционе Rarible.
Дима Ребус — современный российский художник, автор интерактивной вселенной Underground Aquarellka (Андеграунд Акварелька), в которой основное внимание уделяется биологии поведения человека и эволюции его бытовой нормы. Дмитрий знаменит своими крупноформатными акварельными произведениями, созданными на основе собственных химических растворов.
Дмитрий Аске — один из идеологов и самых знаменитых художников «уличной волны». Начал свою карьеру в 2000 году как граффитист. Со временем перешел к графическому дизайну, типографике, иллюстрации, панно и современному искусству. Сотрудничал с Nike, Reebok, Nokia, Sony, Red Bull и другими крупными компаниями.
Виктория Вейсбрут — художник, чья живопись похожа на синтез различных образов, выхваченных из контекста, наслаивающихся друг на друга и частично повторяющихся. Вокруг одной конкретной идеи она выстраивает целую совокупность неоднородных изображений, которые тем не менее подчинены общему замыслу. Герои ее работ покрыты своеобразной «мозаикой», напоминающих искусство татуировки, с которого Виктория начинала свою карьеру.
Билеты на выставку можно приобрести на входе в Подземный музей, в платежно-навигационных терминалах на территории парка или в разделе «Афиша и билеты»: https://www.zaryadyepark.ru/schedule/116146/
чистый холст и математический ребус • Интерьер+Дизайн
Современное американское искусство невозможно представить без концептуалиста и изобретателя новых жанров Джона Балдессари (17 июня 1931— 6 января 2020).
По теме: Art Basel 2017: 5 cамых зрелищных проектов Art Unlimited
В портфолио Балдессари — самые разные серии, включая театральные постановки, расписные автомобили, зонты, ювелирные украшения и пр. А вот некоторые факты, которые сделали его биографию незабываемой.
1. Выше многих. Долгое время считался одним из самых высоких художников. Его рост был два метра четыре сантиметра.
2. Кризис перепроизводства. В 1970 году Балдессари реализовал The Cremation Project: художник принял окончательное решение раз и навсегда порвать с живописью и сжег в крематории все работы, сделанные в период с 1953 по 1966 годы, а пепел поместил в урну в форме книги. В 1971-м Балдессари записал часовое видео, в котором монотонно исписывает блокнот одной фразой: «Я больше не буду создавать скучное искусство».
«В какой-то момент я понял, что мои картины не покупают, а они у меня копятся и копятся. И тогда я их сжег, а пепел поместил в урну в виде книги. Это было для меня перерождением».
3. Личный рекорд. Финансовое положение Балдессари кардинально изменилось 1999 году, когда его произведения начала представлять ньюйоркская галерея Marian Goodman. В 2007 году его работа Quality Material была продана на аукционе Christies за 4,4 млн. долларов.
4. Сотни выставок, тысячи работ. Лауреат множества премий в области искусства Джон Балдессари дважды участвовал в Венецианской биеннале, в 1997 и 2009 (в 2009 получил Золотого Льва). Его выставку 1+1=1 осенью 2013 года показал Центр современной культуры «Гараж».
5. Широкий диапазон. Балдессари любил цитировать историю искусства. Он вставлял фрагменты картин Шардена, Де Кирико, Курбе, Давида, Дюшана, Матисса, Малевича, Магритта, Уорхола и Хокни. Больше всего на Джона Балдессари повлиял Марсель Дюшан: Балдессари увидел его ретроспективу в начале 1960-х. С 1971 года в арсенал Балдессари вошли фото, видео, инсталляции и скульптура. Он отказался от фигуративного искусства в пользу коллажа. В 90-е годы Балдессари начал сотрудничать с Mixografia Workshop, компанией по производству 3D-принтов. В 2014 Дом YSL выпустил капсульную коллекцию John Baldessari x Saint Laurent.
По теме: Джон Балдессари (John Baldessari): арт-кар для BMW
Репродукции Балдессари как декорации к балету «Между собакой и волком» в Парижской опере, 2016. Украшение Mr. Blue Bird on my Shoulder (with Diamonds) для проекта Селии Форнер Portable Art Project, 2013. Украшение Crowd Arm для проекта Селии Форнер Portable Art Project, 2016.
6. Школа Балдессари. Американский концептуалист калифорниец Джон Балдессари родился в семье датчанки Хедвиг Йенсен и итальянца Антонио Балдессари. Автор более 15 книг по искусству, знаменитый художник был еще и известным учителем: начал преподавать искусство в школьной системе Сан-Диего, потом в колледже и университете. В 1970-м — в Калифорнийском институте искусств, следом в Калифорнийском университете, где проработал тридцать лет, вплоть до 2008 г. В его активе — три докторские степени в крупнейших университетах США.
Работа Beethoven’s Trumpet (With Ear) Opus # 133, 2007.7. Балдессари в лагере. «В начале карьеры я считал искусство некой формой взаимной мастурбации. Собирался стать социальным работником, так как считал, что искусство никому не помогает. Меня пригласили в лагерь для несовершеннолетних преступников, у которых внимания хватало на пять минут. Один из них спросил, могу ли я открыть вечерний класс искусств и ремесел. Я понял, что искусство нужно им больше, чем мне, и это стало поворотным моментом в моей жизни».
Зонт для поп-ап магазина Джона Балдессари, открытого в течение недели в лондонской галерее Marian Goodman, 2017.8. Балдессари — художникам, которые хотят зарабатывать. Из рекомендаций Tips for artists who want to sell: «Картины в светлых тонах продаются быстрее, чем в темных. Хорошо продаются: Мадонны с младенцами, пейзажи, цветы, натюрморты (без зловещих мертвых птиц и т.п.), обнаженная натура, марина, абстракции и сюрреализм. Важен предмет изображения: считается, что картины с коровами и курами собирают пыль, в то время как аналогичные картины с быками и петухами идут «на ура».
Дима Ребус — Городская нация
Москва / РоссияРусский художник Дима Ребус живет и работает в Москве (Россия), Нью-Йорке и Балтиморе (США). Его работы, выполненные в основном акварелью, колеблются между реальностью и сюрреализмом. В своих картинах он часто обращается к тревожным ситуациям, сочетая их с провокационными названиями, и таким образом проникает в самое сердце того времени, в котором мы живем. Ребус изучал графический дизайн в Московском художественно-промышленном институте.Затем он учился в Институте современного искусства, тоже в Москве. Он сочетает свои русские корни и свою безупречную и детальную технику с хорошей провокацией, чтобы создать свое собственное видение мира. […]
Биография / Ребус Дима
Русский художник Дима Ребус живет и работает в Москве (Россия), Нью-Йорке и Балтиморе (США). Его работы, выполненные в основном акварелью, колеблются между реальностью и сюрреализмом.В своих картинах он часто обращается к тревожным ситуациям, сочетая их с провокационными названиями, и таким образом проникает в самое сердце того времени, в котором мы живем. Ребус изучал графический дизайн в Московском художественно-промышленном институте. Затем он учился в Институте современного искусства, тоже в Москве. Он сочетает свои русские корни и свою безупречную и детальную технику с хорошей провокацией, чтобы создать свое собственное видение мира.
О своем творчестве Биеннале ООН // «Натянутые веревки»
ПОДЗЕМНАЯ АКВАРЕЛЛКА — так Ребус описывает свой индивидуальный стиль, в котором он сочетает известные научные явления с мистическими элементами.Иногда это приводит к смешным ситуациям, которые одновременно излучают страх и неуверенность. Помимо двух главных героев своей вселенной, мистера Ребуса и Идена, российский художник уделяет внимание биологии человеческого поведения и эволюции его повседневных норм.
Дима Ребус | Widewalls
Создавая работы, которые парят где-то между реальностью и сюрреалистичностью, Дима Ребус — молодой русский художник, работающий преимущественно акварелью.Его картины, часто описываемые как тревожные, изображают людей и их жуткие ситуации, сопровождаемые часто дерзкими названиями, которые напоминают о современности, в которой мы живем. Его практика также включает в себя создание иллюстраций для журналов и издательств — совсем недавно одна из его работ стала изображением фильма «Святые и незнакомцы» National Geographic. Родился в Набережных Челнах, в 2011 году окончил факультет графического дизайна Московского художественно-промышленного института, а в 2016 году поступил в Институт современного искусства в Москве. Обладая безупречной техникой, чрезвычайно детализированной, заставляющей задуматься и временами вдохновляемой своими русскими корнями, Ребус изображает уникальное видение современного мира.
Дима Ребус — Я уверен, 2016
Работа Димы Ребуса — Подземная Акварелька
Его начало — несколько уличных работ, в частности граффити. Изначально в этом не было ничего серьезного, но затем это превратилось во что-то большее и значимое (по крайней мере, для 15-летнего). Все было там, музыка, граффити и очень важная дружба с людьми, которые делали то же самое.Все это повлияло на то, что Ребус делает сегодня, и отражает его. Говоря о стиле, художник всегда специально пытался игнорировать одержимость каким-то одним предметом. Даже его так называемый стиль — андеграундная акварель — в каком-то смысле шутка. Название «андеграундная акварель», возникшее в результате борьбы с претенциозными, надуманными вещами в мире и, в частности, в художественном сообществе, — это , «вероятно, самое претенциозное название, которое я мог придумать — подшучивание над несуществующим андерграундным снобизмом. [1] Говоря о других художниках и их влиянии, Ребус упоминает своего друга и коллегу-художника Мишу Вырцева , говоря, что именно он заставил его заниматься иллюстрацией. Он также признается, что любит работы разных художников, но сознательно пытается оградить себя от «влияния», так как это может быть очень опасно. Их «влиятельная» роль больше в эмоциональном плане, поскольку они вдохновляют, и их влияние заключается в том, чтобы стимулировать Ребуса к дальнейшей работе.
Его личный стиль — подпольная акварель.Дима Ребус — Эгоистичный ген, 2016
Предпосылки для художника
Размышляя о социальной функции любого художника в мире, Ребус признает, что знание того, что он может повлиять на что-то или на кого-то, действительно сводит его с ума от радости . Однако в это безумное время, постоянно бомбардируемое бесконечным потоком информации, любая работа может быть усвоена публикой, выходя из нее непредсказуемым образом.Итак, мысль о том, чтобы повлиять на кого-то, стала настолько непостижимой, что даже не стоит называть ее мечтой. С другой стороны, Ребус признает, что аудитория играет очень важную роль. Как создатель, жизненно важно иметь аудиторию и какую-то обратную связь. Наверное, самое главное в жизни художника — это мысль. «Чтобы что-то делать, нужно, чтобы что-то было в голове». Если голова пуста, то нет ни творчества, ни идей, ни новых картин.Даже сумасшедшие идеи заслуживают внимания, поскольку они могут быть очень важны. Хотя Ребус работает в разных жанрах и с разными материалами, мысли о подходе всегда одни и те же — он придумывает историю, начинает работать над ней, надеясь, что она пройдет его внутренние фильтры. Не менее важна техническая сторона. Когда он работает акварелью, ему нужен лист бумаги; работая на улице, он использует что-то другое. Поскольку эмоциональный подход всегда один и тот же, единственная реальная разница заключается в технической стороне.
Эмоциональный подход всегда один и тот жеДима Ребус — Нубус, 2015
Хорошая сделка — последнее персональное шоу Димы Ребуса
23 июня 2016 года в рамках параллельной программы V Московской международной биеннале молодого искусства в галерее Artwin был открыт последний сольный проект Димы Ребуса «Good Deal». По словам художника: «Я завернул здание для зрителей. Такой вид упаковки из пенополистирола для готовых блюд можно найти на полках любого продуктового магазина.Когда заходишь в магазин, за едой охотиться не приходится — она уже ждет тебя в этих пакетах. Все, что вам нужно сделать, это выбрать товары, которые лучше всего соответствуют вашим потребностям. Выставка немного похожа на магазин, где экспозиция уже расфасована, а места для импровизации мало. На этикетке моего упакованного арт-объекта есть линия, гарантирующая, что продукт «на 100% более бережлив». Это не случайно: в самом начале стрит-арт возник как стихийный творческий отклик на городскую среду.Стрит-арт, сделанный на заказ для художественной выставки или биеннале, не менее реален, но все же надо признать, что это что-то вроде оксюморон. Я не против природных заповедников, но есть очень четкое различие между настоящей дикой природой и контролируемой природой ».
Дима Ребус живет и работает в Нью-Йорке.
Артикул:
- Шамин Д., Дима Ребус о таланте, гражданственности и отношениях с аудиторией , Buro 24/7 [27 января 2017]
Изображение: Дима Ребус — портрет художника
Все изображения любезно предоставлены художником
Дима Ребус на УГЭУ
- Карта
- Добро пожаловать!
- Популярные темы
- Художественные движения
- Все темы
- Техники
- О USEUM
- Художники
- По направлениям искусства
- По периодам
- Вы художник?
- Музеи
- NFT ✨
- Бесплатные изображения
- Роялти-фри
- Практические руководства
- Электронные открытки
- По художественному движению
- По теме
- Для особых случаев
- Магазин
- +
- Как исполнитель или представитель
- Как участник
- 106 К Произведения были просмотрены 106 712 раз.
- 198 Произведения добавлены в избранное 198 раз.
- 39 39 работ.
- 51 51 подписчик.
The Modern Buys ‘Rebus’ — Нью-Йорк Таймс
Mr.Сам Раушенберг сказал, что имел в виду «Ребус» как «запись ближайшего окружения и времени». По словам г-на Элдерфилда, никто не знает, как картина получила свое название. Ребус — это головоломка, состоящая из изображений предметов, знаков и букв, но картина «не является строго картинной головоломкой», — сказал г-н Элдерфилд, добавив: «Чем больше вы смотрите на нее, тем больше вы в ней читаете».
Модерн присматривался к «Ребусу» более 40 лет, безуспешно пытаясь купить его в начале 1960-х годов.В 1963 году Альфред Х. Барр-младший, директор-основатель Modern, спросил Джаспера Джонса, какого Раушенберга он порекомендовал бы, если бы музей купил хотя бы один. Г-н Джонс немедленно сказал: «Ребус», — сказал г-н Элдерфилд.
Покупка считается удачным ходом, потому что произведения этого периода практически не поступают в продажу. «Сейчас мы находимся в ситуации, когда вы получаете только один удар по банке», — сказал г-н Элдерфилд. «То же самое и с« Дайвером »», — добавил он, имея в виду рисунок мистера Джонса 1962-63 годов, который широко считается одним из самых важных произведений 20-го века на бумаге.The Modern купил его в декабре 2003 года.
И «Дайвер», и «Ребус» принадлежали знаменитым нью-йоркским коллекционерам Виктору и Салли Ганц, которые купили «Ребус» непосредственно у г-на Раушенберга в 1968 году. В 1988 году, год спустя Г-н Ганц умер, его семья продала его на Сотбис шведскому девелоперу Гансу Тулину за 6,3 миллиона долларов, что на тот момент стало рекордом для художника на аукционе. Г-н Тулин пережил тяжелые финансовые времена, и в 1991 году он продал «Ребуса», также на аукционе Sotheby’s, Чарльзу Саатчи, британскому рекламному магнату и коллекционеру, за 7 долларов.3 миллиона — еще один рекорд Раушенберга. Г-н Саатчи, известный тем, что продал столько произведений искусства, сколько купил, продал картину Франсуа Пино, магнату предметов роскоши, который владеет Christie’s, менее чем через год после того, как купил ее, примерно по той же цене, которую он заплатил, — говорят эксперты, знакомые с Сказано в коллекции мистера Пино. Г-н Пино продал «Ребуса» Модерну, используя Christie’s в качестве агента. По оценкам экспертов в области современного искусства, цена будет около 30 миллионов долларов.
Музей выкупил картину частично на выкуп.Остальная часть цены была предоставлена Рональдом С. Лаудером, бывшим председателем и давним доверенным лицом Modern, и его женой Джо Кэрол.
Дима Ребус — Биография
Обратите внимание: Художники, не классифицированные как американские в нашей базе данных, могут иметь ограниченные биографические данные по сравнению с обширной информацией об американских художниках.
Создание биографий или их улучшение — это работа, и мы приветствуем информацию от наших знающих зрителей.
Если вы чувствуете, что у вас есть полезная информация, которую вы хотели бы поделиться, следующие способы подачи являются наиболее эффективными. Мы приветствуем ваше участие!
1. Уже для ведущих дилеров и музеев зарегистрировавшись в askART, ваш лучший подход — войти в систему, выбрать исполнителя (один раз он / она в вашем списке художников), и разместите там свою биографию. Если ты дилер или музей, который в настоящее время не зарегистрирован, пожалуйста нажмите здесь, чтобы зарегистрироваться, а затем вы можете выбрать своего исполнителя и отправить Биография.
2. Для всех, у кого есть полезная информация. об этом исполнителе, отправьте информацию по электронной почте на адрес [email protected]. Обратите внимание: все биографии будут полностью доступны для просмотра по пятницам, но биографии остальных дней недели доступны только для подписчики.
Руководство по биографии
При отправке биографической информации мы ценим ваше внимание к
следующее:
Имейте в виду, что askART не является рекламным сайтом, и соответственно биографические данные не должны использоваться в целях «рекламы» или художник.
Наш сайт про ХУДОЖНИКОВ, СКУЛЬПТОРОВ, ИЛЛЮСТРАТОРОВ. Если вы мало знаете о художника, но если у вас есть важная информация, мы будем рады, если вы прислали это также на [email protected]. Это для всех нас приятно видеть, как файлы художников растут, а другие могут захотеть чтобы дополнить то, что вы предоставили.
Не дилеры и музеи :
Пожалуйста, представьте свою информацию следующим образом: «Следующие биографические
Информация предоставлена племянницей художника Джейн Доу.»
Дилерам и музеям будет автоматически добавлена ссылка на их места.
Просто факты, пожалуйста. Наши редакторы обучены удалите любую шумиху или рекламное словоблудие, например «самые известные», «Всемирно известные», «необычайно красивые работы».
Если вы мало знаете о художнике, ответьте на как можно больше из следующих вопросов. Другие лица, видя вашу запись, часто добавляйте к данным.Вот сколько биографий расти.
Пожалуйста, включите в свою биографию ответа на as многие из следующих вопросов как возможные :
- Какие предметы и стили ( и другие отличительные характеристики), по которым работы художника наиболее известны?
- Отождествляется ли художник с каким-либо конкретным художественным движением , или художники , которые повлияли на его или ее творчество?
- Где, когда и у кого художник получил образования и обучение ?
- Можете ли вы предоставить все соответствующие личные данные информация о художнике?
- Членом каких Художественных организаций был художник?
- Можете ли вы предоставить список всех крупных музеев и художников? ассоциация выставок ? ( без учета коммерческих художественных галерей ).
- Какие награды или другое признание получил художник?
- Количество музеев, (название, город и штат) в настоящее время работы художника в их постоянных коллекциях?
- Обязательно : Какие источники для вашего Информация? Для книг: название списка, автор, дата публикации. (По желанию: укажите количество страниц и да / нет, если есть цветные изображения.) Для журнала статьи, укажите название статьи, автора, название публикации, дату и страницу номер, если возможно.
- Обязательно : имя лица, подавшего Информация.
Примечание дилера : Пожалуйста, введите книги, периодические издания и музей
ссылки в отведенном для этого месте. Не совмещайте информацию о книге с
биография.
Есть много ярких биографий, на которые вы можете ссылаться на нашем веб-сайте, например, Сесилия Бо, Эдвард Хоппер и Пол Сэмпл.Пожалуйста, не отправляйте биографии с минимальным количеством фактов или чрезмерно рекламными текстами, такими как следующие (непригодный) формулировка:
Что НЕ отправлять:
«Художник Джон Доу — квинтэссенция мастера.
света, цвета и сцены. Его блестящие полотна наполнены чувством, где
любовь можно почувствовать всеми органами чувств. Благодаря его умелой манере письма и
опираясь на свой жизненный опыт, он создает образы, в которых зритель чувствует, что он
действительно стал единым целым с предметом.Картины Доу обязательно будут искать
различающий коллектор. У меня / у нас есть множество впечатляющих работ Доу
В наличии для продажи »
Благодарим вас за участие в askART. Если у вас есть какие-нибудь вопросы по поводу подачи биографий отправляйте их по адресу [email protected]
Поделитесь изображением художника.
Линд | Роскошные кондоминиумы в центре города Роли, Северная Каролина
Это художественная галерея + магазин каркасов.Это кофейня. Это местный фермерский рынок. Встречайте Rebus Works — общественное пространство, в котором все, что вам нужно.
В мире массовых торговых центров и супермаркетов разговор о качестве превыше количества часто заглушается в пользу постоянной потребности в бесконечном разнообразии. На Кинси-стрит, 301-2, Шонна Гринвелл и Ли Мур выражают вызывающий протест во имя двух проверенных и верных концепций: меньше значит больше, а местное всегда лучше.
Rebus Works была основана в 2003 году как соседняя галерея, которой руководят художники для художников, из умы местного фотографа Шонны Гринвелл и гравера Ли Мура.Примечательно, что эти двое намеревались продемонстрировать уникальные художественные среды и художников, которые в то время часто игнорировались галереями Роли. С самого начала демонстрируется присущее магазину сопротивление «ожидаемому», но для многих лояльных посетителей магазина именно эта подлинность делает впечатления исключительными.
Эстетика и гипер-локальность, которую Гринвелл и Мур вкладывают в каждую операцию, — это отличие Rebus Works от остальной части Роли — сам магазин — это праздник Oak City + NC.
Несмотря на то, что выбор магазина с момента его основания вырос в геометрической прогрессии и включает в себя продукты питания, свежие продукты + травы и полностью укомплектованный кофе-бар, они удвоили свою приверженность распространению местных продуктов. Обладая обширной коллекцией товаров NC, в основном поставляемых с небольших специализированных ферм, вы можете гарантировать качество и свежесть того, что вы покупаете. Не говоря уже о том, что еженедельные и выходные рынки всегда снабжены широким выбором сезонных фаворитов на ваш выбор.Rebus Works на протяжении многих лет наладила личные отношения с местными производителями и поставщиками, чтобы постоянно и по доступной цене предлагать свежие и сезонные продукты.
Опыт Шонны как художника, галериста, фотографа и оформителя (мы знаем, что это длинный список) в корне изменил ее подход к магазину. Фактически, Гринвелл первой скажет вам, что она заполняет полки так же, как она курирует художественную галерею — скрупулезно и с вниманием к деталям. В здании под Rebus Works Гринвелл также является владельцем pH 7 Fine Art Framing , где она создает индивидуальные рамки для местного искусства и памятных вещей Роли.Работая со всеми, от местных художников до Музея современного искусства (CAM), Гринвелл сделала себе имя как художник по всему Ок-Сити.