Пивоваров художник: 10 хрестоматийных работ Виктора Пивоварова • Arzamas

Содержание

Виктор Пивоваров | Арт-сообщество

Художник, один из основателей московского концептуализма.

Родился в Москве 14 января 1937 года. Окончил Московское художественно-промышленное училище им. Калинина (1957) и Московский полиграфический институт (1962). После окончания института несколько лет посвятил книжной иллюстрации, прежде всего иллюстрации детских книг. Из наиболее значительных его работ в этой области — иллюстрации к сказкам Ганса Христиана Андерсена, стихам Генриха Сапгира, Овсея Дриза, Ирины Пивоваровой, к сказке Антония Погорельского «Черная курица, или Подземные жители», к «Скандинавским сказаниям» и др.

С 1967 года систематически работает в различных графических техниках, а с 1970 года — в живописи. В 1970-е годы вслед за Ильей Кабаковым разрабатывает новый синтетический жанр, соединяющий рисунок и текст и получивший название «альбом». В этом жанре с некоторыми перерывами Пивоваров работает до настоящего времени. Им созданы альбомы: «Слезы» (1975), «Лицо» (1975), «Конклюзии» (1975), «Сад» (1976), «Эрос» (1976), «Забор» (1977), «Сакрализаторы» (1978), «Микрогомус» (1979), «Кабаков и Пивоваров» (1982), «Красивые действия» (1989), «Агент в Норвегии» (1993), «Мамлеев и Гипермамлеев» (1995), «Плохое настроение» (1995), «Если» (1995), «Действующие лица» (1996), «Шаги механика» (1999), «Свидетельства современников» (1988–2000), «Желтый» (2001), «Заблудившийся Данте» (2001), «Небольшие идеи» (2011) и др.

В области живописи Пивоваров отдает предпочтение тематически связанным концептуальным циклам и сериям картин. Например: «Проекты для одинокого человека» (1975), «Семь разговоров» (1976), «ИЮНЬ – ИЮНЬ» (1978), «Дневник подростка» (1986–1988), «Время РОЗЫ» (1988), «Китайские руководители» (1989), «Белые шарики» (1990), «Квартира 22» (1992–1995), «Неограниченные возможности живописи» (1992), «Метампсихоз» (1993), «Небесный Хелом» (1998), «Кабинет доктора Фрейда» (1999), «Эйдосы» (2001–2003), «Разрезные картинки» (2003), «Темные комнаты» (2003), «Едоки лимонов» (2005), «Окружности круга» (2007–2008), «Дети богов» (2012), «Сады монаха Рабиновича» (2013) и др.

С 1982 года живет в Праге.

Персональные выставки:

1984
Kresby a akvarely. Ustav makromolekularni chemie,
Прага

1987
Ilustrace. Pamatnik narodniho pisemnictvi, Прага

1988
Kresby a akvarely. Kulturni centrum Opatov, Прага
Koncert (совместно с И. Кабаковым). Neue Galerie,
Gotzental, Люцерн

1989
Retrospektivni vystava. Lidovy dum ve Vysocanech,
Прага

1990
Obraz a text. Dum umeni mesta Brna, Брно

1991
Kleine Weisse Kugeln. Galerie Krings-Ernst, Кельн
Drawings. Washington Project for the Arts, Вашингтон

1992
Bilder 1970–1990. Galerie Krings-Ernst, Кельн

Neomezene moznosti malby. Galerie Behemot, Прага
Male radosti velkeho smutku. Kulturni centrum Opatov, Прага

1993
Метампсихоз. L галерея, Москва

1994
Агент в Норвегии. Галерея Obscuri Viri, Москва
Man sieht uns nicht, aber wir sind da. Galerie Krings-Ernst, Кельн

1995
Нечто вроде дневника. Галерея Red Art, Москва
I’m Animal. Window Gallery, Прага
Neztracene iluze. Galerie Ruce, Прага
The Flat No. 22. Grazer Kunstverein, Грац

1996
The Flat No. 22. Galerie der Stadt Wels, Вельс
Sona a andele. Galerie Rudolfinum, Прага
Metempsychoza. Galerie U dobreho pastyre, Брно
Hry na vode. Galerie Sypka, Брно
Skupina Jauza. Galerie ve dvore, Весели над
Моравой

1997
Sonja und die Engel. Leopold-Hoesch-Museum,

Дюрен
Действующие лица. Галерея Obscuri Viri, Москва
Sonia et les anges. Musée d’Art Moderne, Сент-
Этьен
Metempsychoza. Narodni technicke museum, Прага

1998
Урок китайского. Галерея «Велта», Москва
Nektere podrobnosti melancholie. Galerie Sternberg,
Штернберг
Ost-trava. Vystavni sin Sokolska 26, Острава
Nebesky Chelm. Galerie Vaclava Spaly, Прага

1999
Vater und Sohn (совместно с П. Пепперштейном). Kunsthaus, Цуг

2000
Вещи в ландшафте (совместно с П. Пепперштейном), Галерея Obscuri Viri, Москва
Zwei Agenten (совместно с П. Пепперштейном). Kulturzentrum bei den Minoriten, Грац

2001
Philemon. Ifa-Galerie, Берлин
Spaziergang ins Nichts. Arbeiten aus den Jahren 1971–2001. Galerie Sandmann, Берлин

2003
Eidos s kapkou krve. Galerie Ztichla klika, Прага

2004
Temne pokoje. Galerie Pecka, Прага
Шаги механика. Государственная Третьяковская галерея, Москва; Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Темные комнаты. XL галерея, Москва
Темные комнаты. Галерея Дмитрия Семенова, Санкт-Петербург
Morce a kouzelnik. Galerie ad astra, Курим
Gesprach uber eine Zitronenschale. Galerie M. Sandmann, Берлин

2005
Lisky a slavnosti. AP Atelier Josefa Pleskota, Прага
Едоки лимонов. Московский музей современного
искусства, Москва
Если. XL галерея, Москва

2009
Svab k veceri. Galerie Svestka, Прага
ONI. Vychodoceska galerie, Пардубице
ONI. Moravska galerie, Брно

2010
Dedication. Galerie Kewenig, Кельн
Dark Nights, Light Days. Galerie Kamm, Берлин

2011
ОНИ. Московский музей современного искусства

2012
Дневник рисовальщика. Пушкинский дом, Лондон
The Philosophical Papers of Olga Serebryanaya. Galerie LA BRIQUE, Frankfurt am Main
Офелия. (совместно с П. Пепперштейном). Галерея «РИДЖИНА», Лондон
Text — Bild — Konzept (совместно с П. Пепперштейном). Kunstverejn Rozenheim, Розенхайм

2013
Svědectví současníků. Galerie Ztichla klika, Прага

2014
Cake and Lemon Eaters (Ged Qwinn). Galerie Rudolfinum, Прага

2016
Потерянные ключи. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва
След улитки. Музей современного искусства «Гараж», Москва

Работы художника В. Пивоварова

Страна:	Россия
Родился:	14 января 1937 г.

Виктор (Виталий*) Дмитриевич Пивоваров — живописец, книжный и станковый график.

Художественное образование получил сначала в Московском Художественно-промышленном училище им. Калинина (1951-1957 гг.), затем в 1962 году окончил художественное отделение Московского Полиграфического института.

По окончании учебы в институте Виктор Дмитриевич несколько лет занимался в основном иллюстрированием книг, преимущественно детских. Позже, одновременно с «большим искусством», Виктор Пивоваров продолжил занятие детской книжной иллюстрацией, оформив за свою жизнь более 50 книг, изданных огромными тиражами. Несколько поколений советских детей воспитывались на его прекрасных иллюстрациях. Практически все сказки Андерсена, стихи Овсея Дриза, «Чёрную курицу» дети увидели глазами Виктора Пивоварова.

В 1967 Пивоваров выполнил серию монотипий «Искушение Св. Антония», которую считает началом своей творческой деятельности. В начале 70-х годов под впечатлением стендов на железнодорожных станциях создает серию живописи нитроэмалью с заметным влиянием сюрреализма («Синие очки безумного милиционера»).

Вслед за Ильей Кабаковым Пивоваров начинает работать в жанре альбомов. Однако, в отличие от Кабакова, сюжет у Пивоварова не несет никакой социальности, у него преобладают сюрреалистические образы, балансирующие между литературностью и сновидением.

В 1982 году переехал в Прагу, где с тех пор живет и работает.

Уезжая в Прагу, художник обратился в Детгиз с официальным письмом: мол, не предатель родины, уезжаю по своим личным мотивам в дружественную Чехословакию, прошу оставить в действующем резерве издательства. Не оставили. В результате Виктор Пивоваров переключился на литературу взрослую, проиллюстрировал Хлебникова, Пастернака, Вагинова, Холина и Хармса.

Автор книг: «Влюбленный агент» (2000 г.), «Серые тетради» (2002) и «О любви слова и изображения»

В выставках принимает участие с 1977 года

ИЗБРАННЫЕ ПЕРСОНАЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ

1984 «Рисунки и акварели». Прага. Чехословакия

1987 «Выставка иллюстраций». Музей национальной письменности. Прага. Чехословакия

1988 «Концерт» (Совместно с Кабаковым). Люцерн. Швеция

1989 Ретроспективная выставка живописи 1969-89 гг. Народный дом. Прага. Чехословакия

«Образ и текст». Дом искусств. Брно. Чехословакия

1993 «Метапсихоз». L-Галерея. Москва

1996 «Действующие лица», ЦСИ. Москва

РАБОТЫ ПРЕДСТАВЛЕНЫ В КОЛЛЕКЦИЯХ

Государственной Третьяковской галереи. Москва

Государственного Русского музея. Санкт-Петербург

Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина. Москва

Государственного литературного музея. Москва

Музея Ф. М. Достоевского

Пражской национальной галереи

Музея «Людвиг Форум». Аахен. Германия

Художественного музея. Карловы Вары. Чехия и др

а также в частных собраниях России, Швейцарии, Германии, Чехии и США.

Семья:

Жена — Ирина Михайловна Пивоварова — русская детская писательница, иллюстратор.

Сын — Павел Витальевич Пепперштейн — художник, литератор, критик, теоретик искусства, создатель арт-группы «Инспекция «Медицинская герменевтика»».

______________________________________________________ _____________

*В Реестре русских художников XVIII–XXI веков второе имя художника так и указано, в скобках. По паспорту — Пивоваров Виталий Дмитриевич.

Зачем идти на выставку художника Виктора Пивоварова

Екатерина Иноземцева, куратор выставки Виктора Пивоварова «След улитки» в «Гараже», рассказала «Афише Daily», на какие работы стоит обратить внимание и чем отличается эта экспозиция пионера московского концептуализма от предыдущих.

Екатерина Иноземцева

Куратор выставки Виктора Пивоварова в «Гараже»

Выставка Виктора Пивоварова в музее «Гараж» уникальна по многим причинам. Во-первых, «Гараж» впервые в своем новом пространстве показывает работы классика российского концептуального искусства. В отличие от предыдущих выставок на других московских площадках мы показываем одновременно как самые ранние, так и поздние его работы. Представлены вещи 1970-х годов, созданные до отъезда художника в Прагу, и самые последние циклы работ. Выставку вряд ли можно считать ретроспективой — она имеет отчетливый сюжет и логику «разворачивания в пространстве», она раскрывает базовую стратегию художника, который всю жизнь рассказывает о герое, скрывающемся от агрессивного внешнего мира, устраивая собственное пространство, обживая его.

Название выставки — «След улитки» — отчасти раскрывает суть происходящего. Улитка в данном контексте — универсальный образ интровертного сознания, принципиальной отгороженности от внешнего мира, стремления деликатного, незаметного выхода из него. Зритель на нашей выставке передвигается по тайным комнатам человеческой души, переживая экстремальное одиночество, любовь, множество страхов и сомнений. Организованная как странствие, выставка «След улитки» до известной степени отсылает к тем путешествиям, в которые отправлялись практически все романтические герои, перемещаясь на самом деле не по реальным ландшафтам, а совершая путешествие внутрь себя.

Читающая птица в ландшафте (по картине Карла Шпицвега), 1998

1 из 8

Скажи «А-а-а!», 2010

2 из 8

Белая птица, 1977

3 из 8

Выбор, 1976. Из цикла «Семь разговоров»

4 из 8

Метафизическая композиция, 1972

5 из 8

Лампочка перегорела, 1992–1996

6 из 8

Эйдетический сад, 2010

8 из 8

«Семь разговоров» — это один из самых важных циклов Пивоварова, который открывает выставку. Он состоит из семи работ — впервые с 1979 года все части полиптиха собраны вместе.

Другой важный цикл, который нам удалось привезти, — это «Июнь-Июнь» 1978 года. Это абстрактная живопись, которая на самом деле является дневником встречи художника с его будущей женой, зашифрованным любовным посланием.

Значительное место на выставке уделяется самому оригинальному жанру в русском искусстве второй половины ХХ века — концептуальному альбому, на страницах которого объединяются изображение и парадоксальное высказывание. Впервые в полностью будут показаны обе уцелевшие части альбома-трилогии «Сад» (1976). Также впервые Виктор Пивоваров выступит в качестве автора тотальных энвайронментов (одной из форм авангардистского искусства), усиливая переживание зрителя, полностью погружая его в магическое пространство.

Виктор Пивоваров — о политик-арте, снах и смерти

— Может быть, слишком много всего одного и того же?

— Значит, что ты не видишь, что буквально рядом, в двух сантиметрах или двух миллиметрах, находится нечто, о чем ты вообще не знаешь ничего и что не менее интересно и богато, чем то, что тебе наскучило. Конечно, мы живем в рутинном и повторяющемся мире, но достаточно чуть-чуть нарушить рутину, я не знаю: лечь мордой в траву и посмотреть на нее в упор, и ты уже в другом измерении.

— Какие сны вам снятся?

— Я их не запоминаю, и вообще неохота, чтобы они снились. А то иногда бывают тревожные сны. Для меня сны не очень важная часть жизни.

— Какой-нибудь из снов одинокого человека вам снился?

— Что-то подобное было. У меня есть несколько снов, которые запомнились на всю жизнь. Один из них такой: мы жили в панельном доме, а напротив тоже был панельный девятиэтажный дом, который стоял одиноко, на фоне неба. И мне приснилось, что за этим домом по небу летели огромные животные: слоны, волки, зайцы. И все это на фоне заходящего золотого солнца. Это был очень сильный образ. Еще мне запомнился один очень эротический сон. Мне приснилось, что я плаваю в бассейне с арбузом и этот арбуз раскрылся.

— Этот сон как-то повлиял на ваше творчество?

— Не знаю, повлиял ли сон, но образ раскрытия есть в одной из картин моего цикла «Сады монаха Рабиновича», где тоже есть эротический контекст. [На картине написано] «раздвинуть лепестки».

— Какие у вас основные версии того, что будет после смерти?

— Ну и вопросы вы мне задаете, я должен сказать! (Смеется.) Я же вам сказал, что я ни в чем ничего не понимаю. В отношении этого тоже.

— А если бы вы могли решить, что там будет, что бы вы сделали?

— (Пауза в 40 секунд.) Я хотел бы, чтобы там со мной постоянно была моя любимая жена. Такое у меня скромное желание.

Пивоваров Виктор Дмитриевич — 15 произведений

Ви́ктор Дми́триевич Пивова́ров (настоящее имя Вита́лий; род.

14 января 1937, Москва) — советский и российский художник, представитель «неофициального» искусства, один из основоположников московского концептуализма.

Родился в семье без отца. По словам самого художника, первое художественное произведение сделал в пять лет: «Мы были с мамой в эвакуации в глухой деревне в Татарии. Три дня на санях от железной дороги. Ни радио, ни электричества. На задворках я нашел несколько лоскутов, выстирал их и выгладил, скроил из них платьице и нарядил в них деревянную чурку. Смастерил себе куклу от одиночества. Я и сейчас такой же. Сущность моих занятий искусством не изменилась».

В 1951–1957 годах учился в Московском художественно-промышленном училище им. М. И. Калинина, после чего неудачно пытался поступить в Московский государственный академический художественный институт им. В. И. Сурикова (получил «неудовлетворительно» по всем экзаменам).

В 1957–1962 годах учился в Московском полиграфическом институте, где познакомился с Павлом Кориным, учеником которого стал. Однако вскоре их творческие контакты прервались, о чём сам Пивоваров писал: «Художник он значительный, но искал я совсем другое. Не годился он мне в учителя».

В 1963 году познакомился со своей будущей женой Ириной Пивоваровой. Вместе они подготовили и выпустили такие детские книги, как «Всех угостила», «Паучок и лунный свет», «Тихое и звонкое», «Тик и так», «Два очень смелых кролика» и другие. Ирина выступала как автор стихов и сказок, а Виктор иллюстрировал их (а также «взрослую» лирику Пивоваровой: «Слова», «Яблоко», «Разговоры и миниатюры»).

В 1966 году у Виктора и Ирины родился сын Павел.

В издательстве «Детская литература» Пивоваров познакомился с представителями «Лианозовской группы» — Игорем Холиным и Генрихом Сапгиром, а через них — с Овсеем Дризом и Ильёй Кабаковым. В 1967 году благодаря Давиду Когану получил собственную мастерскую и впервые обратился к живописи: в том же году выполнил серию монотипий «Искушение Св. Антония».

В 1974 году Виктор и Ирина развелись.

В 1978 году познакомился со своей второй женой, чешским искусствоведом Миленой Славицкой. В 1982 году эмигрировал в Чехословакию, поселился в Праге.

В мае 1989 года, за полгода до Бархатной революции, открылась большая ретроспективная выставка Пивоварова в Высочанах. В 1991 году Союз художников СССР объявил открытый конкурс на художественное руководство одного из пражских выставочных залов Союза. Виктор Пивоваров, Милена Славицка, Андриена Шимотова и Вацлав Стратил выиграли этот конкурс. Галерея получила название «Пи-Пи-Арт» (Prague Project for the Art), однако вскоре помещение было отобрано, и она прекратила своё существование.

В 19901–1997 неофициально являлся главным художником журнала по современному искусству «Výtvarné umění», главным редактором, а позже и издателем которого стала в 1990 году Милена Славицка.

Помимо деятельности в среде неофициального искусства Виктор Пивоваров создавал иллюстрации для детских книг: это был способ его существования, впрочем, популярный среди андерграундных художников того времени. Дебютировал в 1964 году в издательстве «Детская литература», с тех пор проиллюстрировал более 50 книг. С 1969 года иллюстрировал детский журнал «Весёлые картинки», а в 1979 году создал его знаменитый логотип из букв-человечков, существующий с небольшими изменениями по сей день. С 1968 по 1979 иллюстрировал «Мурзилку».

Знаковой стала его работа с книгой «Необычный пешеход», выпущенной в 1965 году. Иллюстрации Пивоварова к этой книге вызвали широкий резонанс: многие обвиняли его в том, что за его простыми иллюстрациями кроются неоднозначные тайные символы. Позже сам Пивоваров признавался в том, что любил иллюстрировать детские стихи, потому что они дают свободу интерпретации текста. Благодаря этой работе он получил признание как иллюстратор, его заметили.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё .

«Потерянные ключи» и «След улитки» Виктора Пивоварова – Москва 24, 25.04.2016

Виктор Пивоваров «Читающая птица в ландшафте (по картине Карла Шпицвега)», 1998

По понедельникам многие из московских музеев не работают. Но это не значит, что у публики нет возможности познакомиться с прекрасным. Специально для понедельников редакция m24.ru запустила новую рубрику «10 неизвестных», в которой мы знакомим вас с десятью произведениями мирового искусства из собрания московских музеев, объединенных одной тематикой. Распечатывайте наш гид и смело отправляйтесь с ним в музей.

Сейчас в Москве можно посмотреть сразу две уникальных выставки. В Музее «Гараж» (он работает ежедневно) и в ГМИИ им. А.С. Пушкина открыты выставки работ Виктора Пивоварова, одного из ведущих представителей московского концептуализма, ключевой фигуры российского послевоенного неофициального искусства наряду с Ильей Кабаковым и Андреем Монастырским. В ГМИИ, в зале Микеланджело будет показан новейший цикл «Потерянные ключи», вдохновленный искусством немецких и голландских художников XVI–XVII веков.

Виктор Пивоваров «Предчувствие», 1977

В преддверии 80-летия Виктора Пивоварова Музей современного искусства «Гараж» и ГМИИ им. А.С. Пушкина представляют масштабные выставки художника, одного из главных героев московского концептуализма. При этом выставки, кажущиеся абсолютно независимыми друг от друга и тематически, и стилистически, на самом деле тесно связаны друг с другом. Проект «Гаража» представляет работы, созданные с 1970 года, и посвящен путешествию главного героя через философские контексты и духовные миры, а выставка в ГМИИ является оммажем к классическому искусству и работам мастеров Северного Возрождения.

Виктор Пивоваров «Лампочка перегорела», 1992–1996

Виктор Дмитриевич Пивоваров родился 14 января 1937 года в Москве. В 1951–1957 годах получил художественное образование в Московском художественно-промышленном училище им. Калинина. Широкому зрителю Пивоваров был знаком в основном не по концептуальным работам, а по работе с журналами «Мурзилка» и «Веселые картинки». Также он занимался оформлением детских книг. Именно под влиянием стилистики журнальной иллюстрации во многом сложился индивидуальный почерк художника. В отличие от современников концептуалистов Пивоваров всегда в большей степени исследовал тайную жизнь человеческой души, чем откликался на социальную проблематику. Или, как говорит сын художника Павел Пепперштейн, «Пивоваров всю свою жизнь рисует комнату души. <…> Все возможные здания, все возможные ландшафты скрываются внутри комнаты – все внешнее становится фрагментом внутреннего пространства». Эта самая комната, или даже путешествие через комнаты, и составляют «гаражную» экспозицию.

Виктор Пивоваров «Говорит Москва…», 1992

На выставке «След улитки», которая работает в Музее «Гараж» представлены как раз самые ранние живописные циклы начала 1970-х годов, когда Пивоваров пытался работать в духе европейских и американских художников. Используя таблицы, графики, детские иллюстрации, плакатную стилистику, он создает схемы и ребусы, которые зритель может разгадать при помощи путеводителя по выставке, написанного самим художником и куратором Екатериной Иноземцевой. В то же время, на выставке в ГМИИ одна из работ, выполненных в 2015 году, получила такое же название, «След улитки». И, возможно, именно эта работа объясняет весь проект: история маленького существа в сумасшедшем агрессивном мире. Путешествие по «гаражной экспозиции» завершается философско-поэтическим эпилогом:

Улитка оставила след на песке

Полетов своих траекторию

Узкий путь

Шлифовальщика

Перламутровых пуговиц

Виктор Пивоваров «Умиление», 2003

Улитка стала для Виктора Пивоварова наиболее полным символом укрытия от внешнего агрессивного мира. Значительное место на выставке в Музее «Гараж» уделяется также самому оригинальному жанру в русском искусстве второй половины ХХ века – концептуальному альбому, на страницах которого объединяются изображение и парадоксальное высказывание. Так, например, в одном из залов представлен альбом, получивший название «Сутра страхов и сомнений», имитирующий сакральные свитки наподобие Торы или древних китайских манускриптов. В свитке среди схематичных рисунков, коротких магических рассказов и заговоров спрятаны очень личные и трогательные страхи, как то «Страх, что задавит автобус», «Страх ленточек», «Страх вечерних теней» и т.д.

Виктор Пивоваров «Автопортрет в юности», 2015

А в ГМИИ им. А.С. Пушкина работает выставка «Потерянные ключи», которая раскрывает другую грань творчества автора. Здесь представлены работы Виктора Пивоварова, выполненные в 2015 году и вдохновленные произведениями старых европейских мастеров. Такие выставки-интервенции, предусматривающие агрессивное вторжение актуального искусства на территорию классического, или, напротив, их мирное сосуществование на одной выставочной площадке, сегодня стали неотъемлемой чертой современного художественного пространства. ГМИИ уже делал подобные проекты: выставка «Оммаж Луи Галле» прошла в музее в феврале, а «Мимикрия. Вим Дельвуа в Пушкинском музее», была организована в 2014 году. В сентябре 2015 года, в рамках VI Московской биеннале современного искусства, кураторы представили выставку «Рембрандт. Другой ракурс». В экспозиции были показаны работы московского художника Дмитрия Гутова в параллели с произведениями Рембрандта Харменса ван Рейна.

Виктор Пивоваров «Философская собака», 2015

В контексте подобных выставок художник и зритель свободно разговаривают на «чужих языках», играют культурными кодами минувших эпох, старинной символикой и атрибутикой. В этом приеме скрывается желание классического искусства и традиционного музея быть современным и понятным, а актуального искусства – найти свои корни и показать преемственность от старых мастеров. Тем не менее, Виктор Пивоваров, скорее не раскрывает суть и концепцию исторических произведений, а, наоборот, запутывает зрителя, уводя его из привычной системы координат классической живописи.

Виктор Пивоваров «Два зеркала», 2015

Восемь картин из цикла «Потерянные ключи», объединенные стилистической игрой с искусством XV–XVI столетий, создают внутри музейного зала игровое пространство. Эти образы рождают у зрителя ощущение чего-то очень знакомого за счет вплетения узнаваемых деталей ренессансной живописи в сложную концептуальную ткань современного искусства. Образы Иеронима Босха, Питера Брейгеля, Лукаса Кранаха, Джованни Беллини оказываются настоящими ловушками, в которые попадает каждый зритель, пытаясь увидеть за узнаваемыми образами знакомые сюжеты.

Виктор Пивоваров «Меланхолия», 2015

Выбрав в качестве отправной точки в своем историческом путешествии живопись эпохи Возрождения, Виктор Пивоваров сознательно адресует зрителя к золотому веку мирового искусства, причем к самому моменту сложения станковой картины в классическом понимании этого термина. Сформулированные в творчестве титанов Ренессанса принципы пластической светотеневой моделировки и линейной перспективы стали одной из отправных точек развития европейской живописной традиции. Понимаемая как «окно, распахнутое в мир» (пользуясь словами Леонардо да Винчи), новая живописная система ставила перед художником задачу иллюзорного продолжения реальности, утверждая высшие принципы и идеальность миропорядка. Однако, используя формальные приемы ренессансной картины, Виктор Пивоваров добивается прямо противоположного эффекта: пространство картины перестает быть иллюзией реального мира и становится проекцией мира воображаемого. И в этом выставка в ГМИИ сближается с экспозицией «Гаража»: и тут, и там мы оказываемся в воображаемом мире невидимого героя.

Виктор Пивоваров «След улитки», 2015

В работах «Мыслитель» и «След улитки», Пивоваров визуализирует попытку скрыться в ракушке внутреннего мира, окруженного хаосом. Сам художник в путеводителе по выставке раскрывает этот образ через попытку найти ответы на вопросы «Где я?», «Кто я?», через самоидентификацию. Он пишет: «Если отбросить такие идентификационные маски, как «Я – мужчина», «Я – отец», «Я – гражданин», «Я – художник», «Я – русский», «Я – житель Москвы» и т.д., что останется в конечном итоге? И останется ли что-либо вообще?»

Виктор Пивоваров «Мыслитель», 2015

Подобно тому как это происходит на полотнах Босха и Брейгеля, в цикле «Потерянные ключи» прямо на глазах у зрителя рождается странный мир удивительных существ, любые попытки интерпретации которого, по мнению Пивоварова, оказываются обречены на провал и становятся «лишь бессмысленным подбиранием отмычек к широко распахнутым дверям искусства». Литературо- и культуроцентричность автора, использование огромного количество цитат и философских идей, перемешанных друг с другом, вновь и вновь будут запутывать зрителя, опровергая все предположения и догадки.

Ссылки по теме

С неба упала лиса | Журнал Eclectic

В Государственном музее Востока завершила свою работу грандиозная и нетипичная для музея выставка «Лисы и праздники» знаменитого художника, писателя, родоначальника московского концептуализма и иллюстратора Виктора Пивоварова. Виктора Пивоварова знают все! Все, кто когда-либо читал сказки Андерсона, листал «Мурзилку» и взрослел на фоне бурно развивающегося «неофициального» искусства столицы в далеких 70-ых. Российскую публику своим внимание художник балует не часто – по выставке в пятилетку, поэтому журнал Eclectic решил не упускать момент и побеседовал с художником на закрытии его крайней московской выставки.

Почему вы выбрали именно лису центральным персонажем экспозиции? Вы ведь могли обратиться к любому животному, но вы решили исследовать концептуальный вопрос лис?

Дело в том, что творческое сознание мое ходило вокруг лис очень давно. Это не просто так — с неба упала лиса! Я сначала придумал картину, где на берегу моря должны были сидеть девушки с лисьими хвостами и лисьими ногами. И я очень хотел сделать именно картину с большой буквы, так сказать. Даже сделал под нее большой картон, но… Я с ней не справился, картины не получилось! Однако это стало одним из первых моих обращений к вопросу лис.
Второе обращение было связано с работой над графическим циклом, который называется «Зимний путь». Я работал над ним примерно в 84-85-ом. Тогда совсем немного времени прошло после моего переезда из Москвы в Прагу. И с такой тривиальной точки зрения, можно сказать, что это был ностальгический цикл. Мне хотелось запечатлеть образ России так, как я её вынес сам в себе. И образ этот у меня формировался вокруг двух слов: «снег» и «сон» — я рисовал заснеженные равнины с такими небольшими человечками, которые затеряны в этих пространствах, а лиса как герой появилась потому… Может с этого нужно было бы начать?.. С моего первого воспоминания, или скорее встречи с живой лисой! Это случилось, когда я был еще ребенком. Мы с семьей были в эвакуации во время войны, помню, как мы ехали с мамой на санях, а за нами бежала лиса! Этот образ: заснеженная равнина с невероятно темным небом и бегущая по снегу лиса — он остался у меня на всю жизнь. И время от времени выплывал в моей памяти и в моих работах, а именно в серии «Зимний путь» образ лисы уже появляется несколько раз, в том числе в картине «Ловись рыбка, большая и маленькая», где происходит соединение фольклорных и чисто личных мотивов.
Надо сказать, что лиса, которую рисую я, она очень отличается от лисы восточной, и связана больше с русским фольклором. Иногда в сказке лиса попадается, конечно, коварная, но лисичка-сестричка — ласково к ней обращаются, поэтому в моих лисах только иногда демоническое начало проступает, а так они достаточно позитивные.

Вы сказали, что цикл «Зимний путь» — это некое ваше личное воспоминание о России. А сейчас претерпели ли метаморфозы ваши воспоминания?

Конечно, но дело в том, что я уже более 30 лет живу вне России и только приезжаю иногда. Это, во-первых, а, во-вторых, я просто москвич! Кроме Москвы для меня ничего не существует, поэтому я ничего не могу сказать о чем-то, что называется Россия. Но, тем не менее, образ Родины есть у каждого художника и у меня тоже. И меняется он, конечно, меняется! В моем сознании остались осколки прошлого — представления о Советском союзе, воспоминания о России — все это разбито и в виде осколков плавает в моей памяти, художественном сознании.

Вам никогда не хотелось вернуться в Россию, в вами любимую Москву?

Это не простой вопрос. Я думаю… Я думаю, что нет. У меня была любимая женщина, семья, и я очень привязан к ним. И это определяло мой выбор. Поэтому о возвращении речи быть не могло. А какое-то время здесь жить и быть — да, такие настроения у меня бывали. Но мне уже некуда было возвращаться, так что это были такие кратковременные мечты.

Повлиял ли переезд из России на творческую сторону вашей жизни?

Я должен сказать, что первые несколько лет был полностью потерян, мне очень трудно пришлось выкарабкиваться из этого состояния, но потом вроде получилось, так что все по-разному, индивидуально, переносят, но это не такая простая вещь – смена места жительства. И это не связано с обесцениванием личности художника, там, в иммиграции, это еще хуже, потому что здесь хотя бы существовала культура «официальная» и «неофициальная». И у «неофициальной» культуры был свой зритель, который ценил и любил этих людей, а если ты переезжаешь в другую страну, где тебя никто не знает — там даже этого нет. И мне с большим трудом пришлось завоевывается свое место.

Художник — бесценен, но обесцененность никуда не деласьВиктор Пивоваров

Иллюстрация занимала важную часть вашей творческой жизни до переезда в Прагу, сейчас вы что-то иллюстрируете, ведь на книги с вашими иллюстрациями сейчас настоящий «бум»?

Надо сказать, что «бум» этих книжек для меня большая, запредельная и абсолютно полная неожиданность, потому что не то, чтобы я этому не придавал значения в юности, наоборот, я этому очень много сил посвятил. Но, к сожалению, я был настолько невнимателен к этой части моей жизни, что иллюстрации у меня просто исчезли, большинство оригиналов иллюстраций потеряны, поэтому печатают со старых изданий, и качество оставляет желать лучшего.
Иллюстрирую я сейчас очень и очень редко, а что касается детских иллюстраций, которыми я занимался и по которым меня знают, совсем нет. Так получилось, что когда я переехал в Чехословакию, тогда она так называлась, у меня не получилось… Я хотел! Я предлагал свои услуги в качестве художника иллюстратора, но у меня не получилось, и постепенно это просто умерло во мне и всё.

Но книга… Я книжник и фарисей – я очень люблю книгу и все-таки время от времени возвращаюсь к ней. Последние мои работы были иллюстрации к стихам Холина (Игорь Холин — русский поэт, прозаик, участник Лианозовской группы, прим. ред.). Большая была книга, и она вышла по-чешски. А крайняя книга, над которой я работал и, которая доставила мне колоссальное наслаждение, было бы хорошо, чтобы вы опубликовали пару иллюстраций из нее. Книга называется «Николай Николаевич» Юза Алешковского. Дело в том, что она тщательно запечатана в этот презерватив, а под ним два объявления о цензуре! Потому что Алешковский пишет отборнейшим матом, отборнейшим! И картинки там непристойного содержания, но, к сожалению, поскольку книга запечатана, то очень плохо продается. Люди же не могут полистать, если бы они открыли ее, я уверен, она бы исчезла мгновенно с прилавков! Вот эта книжка, работа над которой доставила мне колоссальное удовольствие — я люблю похулиганить и там такая возможность была.
И благодаря этой работе я познакомился с самим Юзом, ему сейчас 85 лет, по-моему, живет в Америке, и он страшно бодрый. Приехал в Прагу познакомиться со мной лично. У нас, к слову, состоялась замечательная встреча. Так что обязательно прочитайте эту книгу, вы получите колоссальное удовольствие. Она про человека – уголовника, который работает в институте генетики и сдает сперму… И там приключения накручены… Прочитайте, прочитайте!

Сознание человека нуждается в загадочном, далеком и недоступном, по их логике, местеВиктор Пивоваров

Сейчас вас можно отнести к концептуалистам?

Нет, нельзя так сказать. Дело в том, что, конечно, для людей требуется, чтобы художник был поставлен на какую-то полочку, нишу. Легче с этим обращаться: «Вот он — концептуальный художник!» А сам я не чувствую себя только концептуальным художником и последние годы очень много времени и сил уделяю живописи в её абсолютно традиционном понимании, а это очень с большими натяжками можно пришить к концептуализму. Сам я начинал, как концептуальный художник, и сейчас у меня возникают такие проекты, я делаю работы концептуального типа. Но чтобы я понимал себя как только концептуального художника — нет.

Виктор Пивоваров

Российский художник, живописец, книжный и станковый график, представитель «неофициального искусства»*, один из основоположников московского концептуализма.
Художественное образование получил в Московском Художественно-промышленном училище им. Калинина (1951-1957 гг.). В 1962 году окончил художественное отделение Московского Полиграфического института.
В 1967-м году создает серию монотипий «Искушение Св. Антония», которую считает началом своей творческой деятельности.

В 70-е годы разрабатывает новый синтетический жанр, соединяющий рисунок и текст, который получил название «альбомы». В этом жанре с некоторыми перерывами Виктор Пивоваров работает до настоящего времени.

Помимо живописи Пивоваров известен своими иллюстрациями к детским книгам и журналам, среди которых «Мурзилка» и «Веселые картинки». В общей сложности оформил более 50 книг.

В 1982-м году переехал из Москвы в Прагу, где живет и работает в настоящее время.

Автор книг:

«Влюбленный агент» (2001)
«Серые тетради» (2002)
«О любви слова и изображения» (2004)

Работы в коллекциях:

Государственной Третьяковской галереи, Москва
Государственного Русского музея, Санкт-Петербург
Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Москва
Государственного литературного музея, Москва
Музея Ф. М. Достоевского
Пражской национальной галереи
Музея «Людвиг Форум». Аахен, Германия
Художественного музея. Карловы Вары, Чехия,
а также в частных собраниях России, Швейцарии, Германии, Чехии и США.

*Неофициальное искусство СССР (или другое искусство, альтернативное искусство, нонконформистское искусство, подпольное искусство, андерграунд) — под этим названием объединяют представителей различных художественных течений в изобразительном искусстве СССР 1950—1980-х годов, которые по соображениям политической и идеологической цензуры были вытеснены официальными властями из публичной художественной жизни.

Елена Новикова
Фото: Владимир Поморцев
Иллюстрации: Виктор Пивоваров

Метка арт, Интервью

Еще на эту тему

пивоварня и ресторан | www.thebrewersart.com

Закажите онлайн в любое время или позвоните нам в рабочее время по телефону (410) 547-6925

7 дней в неделю

Кухня с 16 до 20

Напитки с 16 до 21

Outdoor Parklet открывается каждый день в 16:00

В настоящее время мы ограничиваем время пребывания на открытом воздухе до 2 часов

Нужны подарочные карты? Заказывайте в любое время!

Теперь открыт для ужина на открытом воздухе,

Выполнение и доставка

ДОБРО ПОЖАЛОВАТЬ В

Паб и ресторан, расположенный в историческом особняке
в самом сердце Mt.Вернон в Балтиморе.

Дом Воскресения, Бизли, Скворечник,
Чоптанк’д, Споук»д, Святой Фестивус и многие другие.

Заказать онлайн в любое время или позвонить нам в рабочее время по телефону (410) 547-6925

7 дней в неделю

Кухня с 16 до 20

Напитки с 16 до 21

Outdoor Parklet открывается каждый день в 16:00

В настоящее время мы ограничиваем время пребывания на открытом воздухе до 2 часов

Нужны подарочные карты? Заказывайте в любое время!

Из-за Covid 19 мы вводим строгую программу обмена гровлеров.Мы будем использовать только Brewer’s Art Growlers, и это работает так:

Ваш первый гроулер будет стоить 18 долларов, и он будет наполнен вашим выбранным разливным пивом. Просто нажмите на «Первый гроулер» по вашему выбору, и мы сделаем все возможное, чтобы ваш гроулер был охлажден и готов к вашему приезду.

Вашим следующим гроулером будет обменник, поэтому нажмите на «Обменять гроулер» по вашему выбору за 15 долларов и не забудьте принести свой пустой гроулер для обмена на свежего гроулера, который мы сделаем все возможное, чтобы охладить и дождаться, когда вы прибыть.

Пожалуйста, не приносите собственного гроулера, мы не можем его использовать.

Элегантное пространство, свежеприготовленная современная континентальная кухня, отмеченный наградами домашний эль и отличная карта вин в сочетании с очень разумными ценами сделали нас популярным местом для всего, от репетиционных обедов до деловых встреч и праздничных вечеринок.

Из-за определенных физических ограничений нашего уникального пространства, мы не можем предложить отдельные комнаты для вечеринок, хотя наша задняя столовая вмещает максимум 40 человек для ужина.Мы можем разместить 75 человек для ужинов, распределенных между двумя столовыми. Сборы варьируются в зависимости от сезона, но основаны на средних продажах в этот день недели и время года.

Обратите внимание, что не все элементы, которые вы видите в разделах меню этого веб-сайта, могут быть доступны для обслуживаемых функций, хотя большинство из них будут доступны.

Пожалуйста, позвоните по основному телефону (410) 547-6925 или отправьте электронное письмо по адресу, чтобы получить дополнительную информацию о ценах и назначить конкретную дату.

Произведение «Art of Words» посвящено 50-летию бейсбола Брюэрса

Если картина стоит миллиона слов, каждое произведение Дэна Даффи должно стоить, ну, по крайней мере, триллион.

Даффи, основатель и художник «Art of Words», уже более десяти лет создает уникальное спортивное искусство. Его последняя работа, выпущенная 30 сентября, посвящена 50-му сезону Milwaukee Brewers в 2020 году.

Издалека произведение Даффи выглядит как красивое изображение фанатов Милуоки, идущих в Миллер-парк, домашний стадион Брюэрс с 2001 года.Но присмотритесь поближе, и вы найдете уровни глубины, которые заполнят вашу ностальгию по пивоварам.

Каждый вентилятор, дерево, облако и столб стадиона состоит из тысяч букв, образующих имена всех 919 игроков, которые участвовали хотя бы в одной игре в истории франшизы Brewers, начиная с одиноких сезон «Пилоты Сиэтла» в 1969 году. Имя каждого игрока написано в хронологическом порядке от верхнего левого угла до нижнего правого, и эта пьеса переносит зрителя в путешествие по бейсболу Милуоки.

Первым игроком, указанным вверху, является правша Джек Акер, который участвовал в 15 соревнованиях пилотов Сиэтла в 1969 году. Последним игроком, указанным в правом нижнем углу, является кэтчер Омар Нарваез, который дебютировал за Милуоки в 2020 году. Робин Имя Йонта можно найти прямо над «Миллер-парком» в облаке. Найджер Морган, фаворит фанатов пивоваров и герой пятой игры NLDS 2011 года, можно увидеть прямо под лысиной человека в майке Райана Брауна. Помощник Грант Бальфур, который разбил все 2/3 подач за Милуоки в 2007 году, находится там.

Верно. Представлен каждый игрок, даже если он только что выпил чашку кофе с командой.

«Мы ищем веские причины делать вещи», — сказал Даффи. «Мы думали, что это будет отличная памятная вещь в честь 50-летия пивоваров. Это было на нашем радаре даже в прошлом году ».

Для Даффи идея «Искусства слов» началась с Райана Ховарда, Чейза Атли и Филадельфии Филлис 2008 года. Филлис обыграли Тампа-Бэй в пяти играх, завоевав свой второй титул Мировой серии в истории франшизы и свой первый с 1980 года.

Даффи, страстный фанат спорта из Филадельфии и выпускник Русской школы искусств в Филадельфии, хотел создать что-то, чтобы увековечить историческую победу. Он вспомнил школьное упражнение по пуантилизму, технике рисования, популяризированной Жоржем Сёра в конце 1880-х годов, в которой маленькие цветные точки представляли большую картину чего-то другого. В проекте Даффи писал маленькие буквы, и эти буквы становились изображением. Чем больше букв использовалось, тем больше деталей можно было включить.

Итак, Даффи записал все результаты кампании Филлис-2008, начиная с проигрыша Вашингтону в открытии сезона 11-6 и заканчивая победой в Мировой серии над Тампа-Бэй со счетом 4-3. В письмах Филлис был изображен Брэд Лидж, который упал на колени после записи финала года.

Он показал эту идею своей тогдашней девушке, а теперь жене, и она подумала, что эта вещь станет отличным подарком для ее отца, который также был большим поклонником Филлис.

Так родилось «Искусство слов».

Сначала это был побочный проект Даффи. В 2009 году он ходил в парк Citizens Bank и продавал свои произведения искусства по выходным на стоянке Philadelphia Eagles (которая, как он объяснил, по-прежнему остается тем местом, где можно побывать даже во время игры Филлис).

«Это были небольшие побочные деньги, немного денег на пиво», — сказал Даффи. «Мы спускались, тусовались с любителями, и люди говорили мне, что им нравятся мои работы, и давали мне деньги. И тогда мы просто постараемся избежать ареста.Это было здорово.»

В конце концов Даффи начал продавать свои работы на блошином рынке. По мере того, как он создавал все больше и больше разных произведений, у него, наконец, закончились легенды Филадельфии, которые он мог бы изображать. (Да, он действительно создал дань уважения Рокки Бальбоа.) Сначала он расширился до Балтимора, а затем расширился оттуда. Он сделал все: от записи даты, счета и соперника каждой победы на стадионе Мичиган до написания текста песни «Рожденный бежать» на портрете Брюса Спрингстина.

Но, конечно, Даффи в первую очередь фанат, а во вторую — художник.Есть некоторые черты, которые он просто не переступит. У Даффи есть три команды, которых он не трогает — «Даллас Ковбойз», «Питтсбург Пингвинз» и «Огайо Стэйт Баки».

«Если я смогу придерживаться этих трех и помириться со всеми другими командами, в конечном итоге мне придется», — сказал Даффи.

Теперь, когда Даффи имеет официальную лицензию на работу в Высшей лиге бейсбола, многословное творение Даффи — это его постоянная работа в «Art of Words», где в настоящее время помимо него работают четыре штатных сотрудника.

«Вот и мы, 11 лет спустя», — сказал Даффи.«Это стало реальностью, без сомнения».

Когда он решил почтить память пивоваров и Миллер Парк, он поискал в Интернете идеальный ракурс для рисования на стадионе.

Оттуда Даффи закончил простой карандашный рисунок стадиона. После того, как это было закончено, он вычислил количество имен пивоваров в пьесе и сколько букв он мог уместить в каждой строке. Член команды «Искусство слов» использовал MLB.com и baseball-reference.com для просмотра каждого списка Брюэрс.После того, как был составлен полный список всех 919 игроков, его передали Даффи, чтобы тот начал писать.

Даффи сначала написал каждое имя пивовара легко ручкой, а затем, наконец, вернулся и добавил цвет к буквам, чтобы завершить проект.

Он проработал где-то 150-200 часов над пьесой Милуоки.

«Было время, когда я думал, что будет круче, если я буду говорить меньше слов», — сказал Даффи. «Я мог бы сделать больше произведений искусства. Но все происходит наоборот.Я думаю, что круче немного напугать людей. «Вы написали , что ?» »

Этот предмет не только служит данью уважения первой полувековой истории бейсбола Брюэрс, но и увековечивает знаменитую вывеску «Миллер Парк» за пределами стадиона, которая, вероятно, долго не будет стоять в Милуоки.

Контракт между Miller Brewing и Brewers, который действовал с тех пор, как Миллер Парк заменил стадион округа Милуоки в 2001 году, истек в конце сезона 2020 года.American Family Insurance станет спонсором права на название стадиона в 2021 году, в первом сезоне 15-летнего контракта.

«Это такой классный стадион», — сказал Даффи. «Название [Miller Park] скоро изменится, поэтому я хотел создать дань уважения, чтобы фанаты запомнили этот стадион как Miller Park на долгие годы».

Будучи преисполнен решимости изменить мир к лучшему в своем искусстве, часть доходов от работы Даффи в Миллер Парке пойдет на пользу Среднему Западу «Спортсмены против детского рака» (MACC Fund), организации, которая вложила почти 70 миллионов долларов в исследования детских онкологических заболеваний.The Brewers уже много лет сотрудничают с Фондом MACC.

«Что круто в [пьесе], так это то, что она возвращает вас к тому моменту, когда вы видели, как играют эти парни, — сказал Даффи. «Это также отлично подходит для начала разговора. Многие люди рассказывали мне, как можно иметь дедушку с двумя другими поколениями в одной комнате, рассказывая другим о своих любимых игроках ».

И точно так же стресс от праздничных покупок для фанатов Brewers перестает существовать.

Щелкните здесь, чтобы поближе познакомиться с произведением в Миллер Парке или посетить веб-сайт «Искусство слов».

Milwaukee Brewers Дизайнером «мяча в перчатке» был студент из Висконсина.

ЗАКРЫТЬ

Том Майндел, создавший знаменитый логотип «мяч в перчатке» для Milwaukee Brewers, жил в Орегоне после конца 90-х годов. (Фото: отправленное фото)

Тому Скибошу показалось, что каждый участник конкурса логотипов Milwaukee Brewers каким-то образом привносит кружку пива. И они не были хорошими.

В 1977 году Скибош был директором по рекламе пивоварни. Команда предложила представить логотип, и он проанализировал 1931 запись от начинающих художников.В то время у него был домашний офис, и записи были повсюду.

«Многие из этих вещей были просто ужасны, — вспоминал он. — Были человечки с бутылкой пива и тому подобное. У нас был один с действительно толстым пакетом, который должен был быть толщиной в дюйм, и это адвокат, объясняющий, как он получает все права, если мы выберем его логотип. Это тоже был человек с кружкой пива. Он проделал больше работы по составлению этой гарантии, чем над своими произведениями искусства. Я начал паниковать, потому что все это ничего не стоило; они были довольно плохими.”

Пивовары искали новый бренд. Более или менее изменив цвета и внешний вид униформы Seattle Pilots 1969 года, когда франшиза переехала в Милуоки в 1970 году, фронт-офис теперь искал что-то более характерное.

Скибош сказал, что тогдашний вице-президент по маркетингу Дик Хакетт предложил пивоварам дать фанатам возможность принять участие в этом процессе, учредив конкурс на подачу новых логотипов.

Примерно в 250 милях к северо-западу от Милуоки, 29-летний студент факультета искусств Висконсин-О-Клэр Том Майндель услышал рекламу конкурса, когда слушал радиопередачу выступления команды New York Yankees, сражавшейся с Los Angeles Dodgers в 1977 году. Мировая серия.

СВЯЗАННЫЙ : Новый логотип Brewers, униформа в 2020 году: Milwaukee возвращается к форме мяча в перчатке

СВЯЗАННЫЙ : Популярные логотипы, скрывающие изображения на видном месте, такие как мяч в перчатке Brewers

Он представил концепцию дизайна для его жена, Элейн, еще одна студентка факультета искусств.

«Я сразу знала, что я выиграю, я просто знала это», — сказала она из своего дома в Грин-Бей. «Я сказал ему:« Ничего не меняйте, присылайте прямо сейчас ». ”

Это, конечно же, произведение искусства, которое так или иначе будет ассоциироваться с Milwaukee Brewers в течение следующих 40 лет.Логотип «мяч в перчатке» стал основным символом клуба в 1979–1993 годах. В 2006 году пивовары создали промо-акцию «Ретро-пятница», регулярно возвращаясь к логотипу, и в последние годы он был возрожден еще больше, в том числе для 52 игр в 2019 году.

В понедельник пивовары объявили о ребрендинге, который включал новую форму, которая будут использовать трикотажные изделия из своей истории и слегка обновленную версию работы Майнделя.

По мере того, как франшиза отмечает свое 50-летие, пивовары возвращаются к логотипу, который широко считается лучшим.

«В этом и в Милуоки было что-то особенное, — сказал Бад Селиг, почетный комиссар Высшей лиги бейсбола и владелец пивоварни на момент создания логотипа. «Он был действительно популярен, потому что, если взглянуть на него, он отражал как Brewers, так и Milwaukee. Думаю, именно поэтому фанатам он так понравился».

Изображение появилось в ноябре 1977 года в Milwaukee Sentinel после того, как Том Майндель выиграл конкурс дизайна нового логотипа Brewers. (Фото: фото из архива)

Явный победитель

Беспокойство Скибоша о поиске правильного логотипа быстро испарилось после того, как он увидел в своей стопке заявку Майнделя.

«Это была карточка, а логотип был вырезан, поэтому он выглядел как трехмерный», — сказал Скибош. «Его цвета были коричневыми и желтыми, которые, как я знал, никогда не перейдут на второй план, потому что (пивовары) любили синий. Но я открыл ее … и подумал: «Круто, у него есть М и Б как часть перчатки. Это действительно хорошо. ‘ ”Для логотипа рядом с мячом в перчатке, которые обязательно должны были быть отвернуты.«Я никогда никому не звонил», — сказал он. «Том — единственный парень, которому я звонил. Другие люди не выиграют.

Meindel согласился передать права на произведение искусства за 2000 долларов. У ветерана ВВС и его жены было двое детей, и деньги стали залогом их дома.

Пивовары ушли с образами, которые со временем стали легендарными. Найдите в любом онлайн-опросе лучшие логотипы в истории профессионального спорта, и вы найдете этот логотип Brewers вверху.

«Он ходил в Shopko и говорил:« Он в ведрах с обедом, он в пижаме, он есть во всем, и я ничего не получаю », — сказала сестра Тома, Бини Майндель-Кунс.

В конце концов, он смирился с ситуацией.

«Возможно, какое-то время он немного огорчился, но когда он проходил через это, он пытался ходить в школу, зарабатывать на жизнь и платить за дом», — сказала она.

«Он всегда был делать художественные работы для кого-то. Каждое лето он устраивал на ярмарке киоск и делал карикатуры на людей по паре долларов за штуку.Он никогда не был большим деловым человеком. Это было своего рода его падением; все было об искусстве. Он был так талантлив. Было просто страшно, насколько он талантлив ».

Meindel получил разрешение продавать пряжки со своим логотипом во время участия в Мировой серии 1982 года. (Фото: предоставленное фото)

Элейн, которая была замужем за Томом с 1972 по 1992 год до их развода, сказала, что никогда не чувствовала особой горечи. И это ее тоже не беспокоит, хотя она засмеялась и признала, что «дешево обошлись.»

Пивовары действительно разрешили Тому продавать пряжки для ремней с логотипом во время проведения Мировой серии в Милуоки в 1982 году, и, по ее оценкам, он получил еще 3000 долларов от продаж. франшизы заключают контракты с профессиональными дизайнерскими фирмами не только для того, чтобы придумать логотип, но и для целой «системы» брендинга, как она теперь известна. Это может означать униформу, товары, рекламные акции и многое другое, часто также с участием офиса лиги.

1978: The Brewers представляют логотип «Ball-In-Glove». Пальцы образуют букву «M», а большой палец и рукавица — букву «B». Этот логотип стал фаворитом поклонников с момента его кончины в 1992 году (Фото: Milwaukee Journal Sentinel files)

«Они называли это Лапой».

Первый победный сезон Милуоки пришелся на первый год своего существования с логотипом, в 1978 году, когда он пошел со счетом 93-69. Пивовары выиграли не менее 86 игр в пяти из пяти. первые шесть лет с мячом в перчатке, включая первую поездку в плей-офф в 1981 году и поездку на седьмую игру Мировой серии в 1982 году.В 1987 году «Командная серия» ознаменовала собой следующую главу успеха Брюэрса, серию бейсбольных матчей, в которых в основном выигрывало, которая в конечном итоге закончилась после 92 побед в сезоне 1992 года. об этом в 94-м, когда наши маркетологи решили изменить цветовую схему », — сказал Марио Зиино, который начал работать на пивоваров в штате отдела по связям с общественностью в 1978 году.

Зиино также сказал, что фанатам потребовалось много убеждений, чтобы согреться. в первую очередь до логотипа, и не зря.Многие изо всех сил пытались увидеть скрытые изображения M и B.

«Они называли это Лапой, потому что это было похоже на собачью лапу, и они это видели», — сказал Зиино. «Изначально это было настолько необычно, настолько продвинуто для логотипов высшей бейсбольной лиги. NY (для янки) и староанглийское D (для Детройта)… вот к чему люди привыкли. Пивоварня М была просто М; это то, к чему они привыкли в логотипах бейсбола.

«Эта штука только что пришла с Марса или что-то в этом роде», — сказал Зиино.«Он был настолько продвинутым. Я очень благодарен создателю за такое видение логотипа. Но сначала он не был хорошо принят, потому что он был таким другим».

Действительно, даже сегодня многие, кто видел логотип много раз, не понимают, что скрыто внутри, — особенность, которая, несомненно, является частью его очарования. Зиино сказал, что постоянно отвечал на телефонные звонки и объяснял логотип фанатам.

Крейг Конселл (слева) с игроком пивоварни Беном Огливи и Дженнифер Конселл (справа) в 1978 году, когда был представлен логотип «мяч в перчатке».(Фото: любезно предоставлено Яном Конселлом)

Менеджер пивоварни Крейг Конселл, сын бывшего сотрудника пивоварни Джона Конселла, был 7-летним мальчиком в соседнем Уайтфиш-Бэй, когда начался сезон пивоваров 1978 года. Каунселл сказал, что всегда думал, что хороший логотип — это признак того, что его можно увидеть в других городах.

«В наших путешествиях вы воспринимаете это как проявление моды. Это классная шляпа», — сказал он. «Вот откуда вы знаете, что это отличный логотип, когда вы едете в Нью-Йорк и кто-то носит полностью черную шляпу Брюэрса или традиционную кепку« мяч в перчатке », обычную игровую шляпу.Люди хотят, чтобы их видели ».

Наследие, которое переживает

Том покончил с собой в мае 2018 года в возрасте 71 года в Юджине, штат Орегон, где он жил с 1990-х годов. У него остались двое взрослых детей с Элейн, Адам и Анна. Его сестра сказала, что он в течение длительного времени боролся с финансовыми проблемами и алкоголем.

Но его наследие живет не только в логотипе Brewers. Том вырос в О-Клэр и учился в средней школе Региса, и Бини сказала, что его артистические способности всегда были превосходны.

«Он был великим художником», — сказала она. «Он мог рисовать идеальные круги, когда все еще сидел на высоком стуле. Дайте ему карандаш и лист бумаги … мы будем смотреть телевизор, он рисовал одного из нас, и это было так правдоподобно ».

Его работа распространилась на картины маслом, а затем и на корпоративные вывески. Бини сказала, что вдоль Уотер-стрит в О-Клэр можно увидеть работы Тома.

«Он делал их меню и большие вывески на фасаде магазина», — сказала Бини. «Вы могли пойти по улице и сказать:« Том сделал то, Том сделал то, Том сделал то ».«Том спроектировал всю схему вещей».

Tru-Lock & Security в Eau Claire по-прежнему использует оригинальный логотип, нарисованный Томом в 1970-х годах, и поклонники Брюэрса узнают умную визуальную логику, объединяющую букву «Т» и «L», при этом скрывая силуэт ключа в корпусе. графический.

Tru-Lock в Eau Claire по-прежнему использует дизайн Тома Мейндела 1970-х годов для своего логотипа. (Фото: фотография предоставлена Tru-Lock)

«Он работал на Menards, был внештатным сотрудником и был нанят одним из моих клиентов (Ларри Барр), чтобы основать дизайнерскую фирму, расположенную наверху над Хулигансом в центре города О-Клэр», — сказал Джон Лоулер. который был главой отдела графического дизайна и коммуникаций в UW-Eau Claire, когда Том был студентом.

«(Барр) владел хулиганами, шенаниганами, Фанни Хилл и некоторыми другими. Я работал над логотипом и меню для мест, прежде чем Том взял на себя ответственность и продолжил маркетинг ».

Жизнь в конечном итоге привела Тома на запад, чтобы быть ближе к его родителям, которые переехали в Орегон. Бини сказала, что Том пожертвовал почку их матери, Джоан, и сделал это в короткие сроки, когда врачи выяснили, что они перепутали результаты тестов, определяющих, какой ребенок совместим. За две ночи до операции Том узнал, что он будет наиболее подходящим донором, а не его брат Дик.

Том также участвовал в ряде мероприятий «Свидания», исторических реконструкциях, изображающих торговлю мехом и дни пионеров. Элейн помогала создавать его костюмы.

Том Майндель принял участие в историческом празднике «рандеву» на Тихоокеанском Северо-западе. (Фото: предоставленное фото)

«Из оленьей кожи, рубашки речного судна в Миссури… сшили его кожаные штаны и кожаные сумки. Я была матерью-землей, я была как мама-хиппи », — сказала она со смехом.

Элейн и Том остались друзьями после развода, но она сказала, что дружба пришла в душераздирающий конец, когда Том прислал чек на 2000 долларов и теплую благодарственную записку по почте незадолго до своей смерти.Элейн сказала, что этот неожиданный жест подсказал ей, что что-то не так.

Она сказала, что надеется, что логотип поможет людям сосредоточиться на положительных аспектах наследия Тома.

«Я спросил его однажды, давным-давно:« Если бы я сказал вам, не присылайте это, вы бы отправили это? », И он сказал:« Нет, я бы не стал , — сказала Элейн. «Я никогда не говорил об этом много, а теперь, когда я вижу людей с логотипом, я всегда говорю:« У вас есть время для истории? Расскажу действительно классную историю.’»

JR Radcliffe можно связаться по телефону (262) 361-9141 или [email protected]. Следуйте за ним в Twitter по адресу @JRRadcliffe.

Наши подписчики делают эту отчетность возможной. Пожалуйста, подумайте о поддержке местной журналистики, подписавшись на Journal Sentinel по адресу jsonline.com/deal.

Пивоварня сочетает искусство с ремеслом

ШАРЛОТ, Северная Каролина — компании, располагающие более чем 340 пивоварнями и пивоварнями в Северной Каролине, ищут способы выделиться.

Что нужно знать

Art позволяет компании Resident Culture Brewing продвигать свой бренд и привлекать клиентов

Марисса Пикетт создала уникальный дизайн в Resident Culture

Произведения искусства сейчас более важны для Resident Culture, потому что они распространяются в продуктовых магазинах и магазинах бутылок

Некоторые из них, например компания Resident Culture Brewing Company, сопоставляют искусство со своим ремеслом.

«Мы стараемся подходить к пиву, которое мы варим, довольно креативно, и хотели, чтобы это отразилось на бренде и художественном оформлении, которое у нас есть на внешней стороне банок», — говорит совладелец и главный пивовар Resident Culture Крис Тропеано.

Марисса Пикетт — автор уникальных дизайнов пивоварни.

«Приятно видеть свою работу над готовым продуктом, который покупает покупатель», — говорит Пикетт.

Пикетт переехала в Северную Каролину в 2017 году на работу в Resident Culture, и с тех пор она создает различные лейблы, от веселых и беззаботных до более чувствительных и мрачных.

«Я думаю, это действительно круто, когда пиво и произведения искусства могут идти рука об руку, чтобы действительно довести что-то до того уровня, когда люди по-другому относятся к этому», — говорит Пикетт.

Tropeano говорит, что клиенты часто комментируют этикетки.

«У нас есть клиенты, которые постоянно пишут нам, просто спрашивают [о] них, просят прислать им этикетки и банки», — говорит Тропеано.

Он надеется, что покупателям понравится и пиво, и произведения искусства, но он благодарен за этикетки. выделяют свою продукцию, особенно сейчас, когда пивоварня распределяет ее по продуктовым магазинам и магазинам бутылок.

«Мы считаем, что художественные работы, безусловно, являются важной частью того, почему продажи были для нас хорошими во время пандемии», — говорит Тропеано.

В условиях пандемии Resident Culture Brewing также разливает в бутылки больше пива, чем раньше, чтобы наверстать упущенное. меньшее количество гостей в таверне.

Stone Brewing предоставляет лейблы для художников в составе приглашенного художника IPA Mixed Pack

ЭСКОНДИДО, Калифорния — В любом отличном пивном баре всегда можно ожидать интересных персонажей, и именно с этой правдой стремилась Stone Brewing и собрал четырех приглашенных художников для разработки коллекционных этикеток для специального ограниченного выпуска своих самых популярных IPA.Для Stone Guest Artist IPA Mixed Pack артисты — как любители, так и профессионалы — привнесли свое собственное самовыражение на каждый из лейблов, которые теперь можно найти по всей стране.

Четыре удачливых и талантливых художника были найдены с помощью призыва к действию в социальных сетях Stone. «Художников попросили переосмыслить каждую из четырех пивных этикеток с их собственной точки зрения», — пояснил Грег Кох, соучредитель Stone Brewing и активный участник дизайна каждой пивной этикетки Stone. «Это четыре наших самых известных и уважаемых сорта пива, так что, надо признать, это было немного пугающе для нас.В конце концов, нам пришлось просто закрыть глаза, откинуться назад, отпустить и поверить в процесс, что привело к «падению доверия к артистам». Наш риск феноменально окупился, и какой лучший способ выделить некоторых заслуженных художников, чем медиум, который есть в домах сотен тысяч людей по всей территории США? »

Stone IPA Mixed Pack — это круглогодичное предложение, выбор пива и упаковка постоянно меняются в течение года. Stone включает в себя одноразовые специальные выпуски, которые можно найти только в смешанном наборе, или, в данном случае, бестселлеры с уникальной упаковкой и участием гостей.Смешанный набор Stone Guest Artist IPA будет доступен до мая 2021 года.

Чтобы найти смешанный набор Stone Guest Artist IPA, используйте Stone’s Beer Finder: Find.stonebrewing.com.

Stone Delicious IPA :

The Artist: Edweird See — это один из жителей района Норт-Парк в Сан-Диего, где родился Стоун. Его искусство можно увидеть в местных барах и всплывающих магазинах. @edweird_see

The Beer: IPA, достойный своего названия, Stone Delicious IPA — №1 в стране по продажам пива с пониженным содержанием глютена, известного своим ярким хмелевым вкусом с цитрусовыми нотками.

Факты о пониженном содержании глютена: www.stonebrewing.com/beer/gluten-information Крепость 7,7%, StoneBrewing.com/Delicious

Stone ///Fear.Movie.Lions Hazy Double IPA

Художник: Джимбо Филлипс почти 30 лет занимается дизайном и графической иллюстрацией. Его возмутительные сногсшибательные дизайны хорошо узнаваемы среди брендов серфинга, скейтбординга и сноубордов, звукозаписывающих лейблов и компаний по производству одежды, включая Santa Cruz Skateboards, Volcom, Nike и других. @jimbophillips

Пиво: Рецепт, созданный на заводе Stone’s в Ричмонде, штат Вирджиния, 8.Пиво крепостью 5% — это настоящий представитель Stone в духе Востока и Запада. Он нефильтрованный и насыщенный с массивными тропическими и цитрусовыми нотами и сбалансирован с правильной ноткой горечи Западного побережья в послевкусии. Крепость 8,5%, StoneBrewing.com/FML

Камень IPA

Художник: Бен Феллоуз — рисовальщик, рисовальщик, писатель, создатель контента и заядлый любитель пива Stone. Родом из Лидса в Великобритании, теперь он живет в SoCal. Его взгляд на Stone Gargoyle, вдохновленный Джеймсом Бондом, отражает те качества, которые Fellows использует для описания Stone IPA: превосходный вкус, сила и изысканность.
@benfellowesart

The Beer: Один из самых уважаемых и пользующихся наибольшим спросом IPA в стране, этот золотой красавец взрывается вкусом и ароматом тропических, цитрусовых, соснового хмеля, идеально сбалансированных тонким солодовым характером. Крепость 6,9%, StoneBrewing.com/IPA

Stone Tangerine Express Hazy IPA

Художник: Макбифф (Дэвид МакНели) специализируется на акриловой живописи и цифровом искусстве, заказав искусство для таких крупных компаний, как The Walt Disney Company.Его уникальный стиль New Mid-Century Pop — это его самоучка, который принес ему признание в поп-культуре и культуре тики. @mcbiffart

The Beer: Это не просто добавление сока. Это заварено с обильным пюре из цельного мандарина и ананаса. Он освежающе горький, с пикантными, хрустящими нотками цитрусовых фруктов и сочной дымкой.
6,7%, StoneBrewing.com/TangerineExpress ИЗОБРАЖЕНИЯ ДЛЯ ПРЕССЫ Загрузить ресурсы БЫСТРЫЕ ФАКТЫ Имя : Stone Guest Artist IPA Mixed Pack

Release Web : StoneBrewing.ru / MixedPack

Упаковка : Бутылки по 12 унций в упаковке

Найди пиво: Find.stonebrewing.com

О КАМЕННОМ ПРОИЗВОДСТВЕ

Stone Brewing из Сан-Диего — 9-е место по величине крафтовой пивоварни в США. Лидер отрасли в области экологической устойчивости, Stone в среднем расходует 4,5 галлона воды на 1 галлон пива по сравнению с отраслевым стандартом 7: 1. Stone управляет пивоварнями в Эскондидо, Калифорния и Ричмонд, штат Вирджиния, а также девятью пивными барами и бистро, а также одним из крупнейших в стране дистрибьюторов напитков, специализирующихся на ремеслах, Stone Distributing Co.Длинный список усилий компании по охране окружающей среды включает Серебряный сертификат LEED, рекультивацию воды мирового класса, солнечные батареи, творческое использование отработанного зерна и даже живых коз для экологического управления растительностью. Stone дважды был назван журналом BeerAdvocate «Лучшей пивоварней всех времен на планете Земля». Чтобы найти пиво Stone, посетите find.stonebrewing.com. Для получения дополнительной информации о Stone Brewing посетите stonebrewing.com, Facebook, Instagram или Twitter.

Брюэр, Адриан Луи — Энциклопедия Арканзаса

Адриан Луи Брюэр, уроженец Миннесоты, известен в Арканзасе прежде всего своими портретами выдающихся граждан, но его художественный гений заключался в пасторальных пейзажах Юго-Запада и сельских пейзажах Арканзаса, его приемного штата.Работы Брюера находились под влиянием американских импрессионистов и отражали неугомонность современных художников. Дэвид Дерст, профессор искусства в Университете Арканзаса (UA) в Фейетвилле (округ Вашингтон), признал его вклад в «здоровый рост» искусства и художественной деятельности в Арканзасе и поддержание «искры эстетической восприимчивости в течение всего периода жизни». тяжелые годы культурного забвения ». Вероятно, его самая известная картина — это «Страж свободы» 1941 года, который был воспроизведен миллионы раз и получил широкое распространение в Америке и за рубежом.

Адриан Брюэр, родился 2 октября 1891 года в Сент-Поле, штат Миннесота, был одним из шести сыновей художника Николаса Ричарда (Н. Р.) Брюера и Роуз Кемпель Брюэр. Он был назван в честь фламандского художника семнадцатого века Адриана Брауэра. На Брюэра большое влияние оказали жизнь и искусство своего отца, который был известен в художественных кругах Нью-Йорка, Миннеаполиса, Чикаго, Калифорнии и Юго-Запада как художник-портретист. Он был представлен на выставках Национальной академии дизайна в Нью-Йорке с 1885 года.

Семья Брюэров несколько раз переезжала из Миннесоты в Нью-Йорк в детстве. В 1909 году он посещал колледж Св. Томаса, подготовительную школу в Св. Павле, ныне университет, но вскоре оставил его, потому что строгая католическая программа не позволяла ему роскошь читать и изучать книги, которые он хотел. Он поступил на художественный факультет в Миннесотский университет (UM) в 1911 году.

Во время учебы в UM Брюэр начал изучать искусство в Художественном институте Св.Пол под руководством Делле Э. Рэндалла. Он на короткое время записался в Лигу студентов-художников в Нью-Йорке, где смог учиться у известных художников в их студиях. Он узнал больше об искусстве от некоторых соратников своего отца, чем на уроках.

Хотя он и не получил ученой степени, он вернулся в Сент-Пол примерно в 1915 году и два года преподавал в художественных институтах в Сент-Поле и Миннеаполисе. Затем он открыл студию коммерческого искусства в Миннеаполисе и занимался рекламой для ряда компаний.

Когда Соединенные Штаты вступили в Первую мировую войну в 1917 году, Брюэр записался в состав 444 ^-й авиационной строительной эскадрильи. Однако из-за его художественного таланта он был назначен на то, что одно национальное периодическое издание назвало «самой уникальной рекламной кампанией в Америке» — рекламой патриотизма. Его плакаты, карикатуры и картины распространялись по всем штатам Тихоокеанского побережья, чтобы заручиться поддержкой населения в военных действиях. Его иллюстрации для публикаций 444 ^-й авиаэскадрильи и портрет бригадного генерала Брайса Диска привели к его назначению вторым лейтенантом.

В 1917 году он также путешествовал со своим отцом в различные регионы Соединенных Штатов в качестве бизнес-менеджера и помощника своего отца при рисовании пейзажей, что он мог делать во время войны, поскольку у него была офисная работа, которая позволяла ему уезжать в разные места. интервалы. Он выиграл бронзовую медаль за свою работу Миссисипи зимой на конкурсе 1917 года в Институте искусств Св. Павла.

Брюэр продолжил обучение у ряда выдающихся художников Чикаго.В 1920 году Брюэр, только что уволенный из армии, сопровождал своего отца в Хот-Спрингс (округ Гарленд), чтобы помочь ему с заказными портретами; Старший Брюэр в прошлом году приехал в Литл-Рок (округ Пуласки) на выставку своих картин, спонсируемую Художественной ассоциацией Литл-Рока. Помогая своему отцу в портретной студии, которую они открыли в отеле Eastman, Брюэр познакомился с Эдвин Кук и провел зиму в Хот-Спрингс, ухаживая за ней. Он вернулся в Миннеаполис, чтобы преподавать в течение года в качестве инструктора рисунка и живописи в Миннеаполисе и Св.Павла художественные институты. Он также стал факультетским художественным критиком в Federal Schools Inc., написав критические статьи для The Federal Illustrator . Он вернулся в Хот-Спрингс в 1920 году, чтобы жениться на Куке 15 февраля 1921 года. В конце концов у них родились дети.

Вскоре после женитьбы Брюэр вернулся в Миннеаполис, где устроился на работу в качестве художника-эскиза в компанию Thomas Cusack. Вскоре он разочаровался в рекламе и в течение следующих нескольких лет стал менеджером выставок своего отца на Юге и Среднем Западе, продолжая рисовать пейзажи.Он много путешествовал по Техасу, Арканзасу и Нью-Мексико, совершенствуя свой стиль и пытаясь содержать семью. Покровители в Техасе и Арканзасе, разбогатевшие благодаря нефтяному буму, обеспечивали ему жизнь портретной живописью, а также давали ему время поэкспериментировать с живописью на пленэре , то есть рисованием на открытом воздухе.

После поездки в Остин, штат Техас, вместе со своим отцом в апреле 1928 года, чтобы нарисовать поля голубых головных уборов, Брюэр получил первый приз Эдгара Б. Дэвиса в размере 2500 долларов за свою картину В год в голубых шляпах на выставке, спонсируемой Сан-Антонио. Art League, в коллекции которой до сих пор хранится картина из голубого чубака.После выставок и продаж картин голубого чепца в Техасе и Нью-Йорке он решил пойти в другом направлении. Он отправился в Аризону, Техас и Нью-Мексико, где создал 126 западных пейзажей. Способность Брюэра превращать почти безнадежные декорации в сказочные романтические места стала его визитной карточкой.

В конце 1920-х — начале 1930-х Брюэр также рисовал пейзажи Арканзаса, часто выбирая высокие точки обзора, такие как Пти-Жан-Маунтин (округ Конвей) или Гора Гейлор (округа Кроуфорд и Вашингтон), для панорамных видов на пышные долины реки или Озарк. холмы.Опыт, полученный в поездках в Техас и Нью-Мексико, повлиял на пейзажи Арканзаса. Стиль квазиимпрессионизма сохранился, но в картинах Арканзаса свет и цвета менялись меньше, а естественные детали почти фотографические; мазки яркого цвета указывают на более романтичный подход к природе.

В 1933 году Брюэр основал Художественную школу Адриана Брюера в центре Литл-Рока с помощью Пауэлла Скотта, художника и литографа из Чикагского художественного института, который познакомился с Брюером там в 1930 году.В школе, расположенной по адресу 105 West 8 ^th Street, в первый год обучалось около тридцати учеников. Во время перерывов в уроках учеников развлекали опытные художники в других областях: Джон Гулд Флетчер читал стихи, Йозеф Розенберг играл на пианино, или Макс Майер читал лекции по архитектуре или играл на скрипке. Хотя школа была успешной в учебе, экономические условия Великой депрессии привели к ее закрытию в 1933 году.

Хотя он и раньше писал портреты, в 1929 году Брюэр всерьез занялся портретной живописью, чтобы поддержать себя, написав за свою жизнь более 300 арканзанцев.В 1934 году он написал портрет сенатора США Джозефа Т. Робинсона, который сейчас висит в Капитолии штата Арканзас. Сенатор Робинсон добился приглашения Брюэра нарисовать портрет президента Франклина Д. Рузвельта, но он упустил возможность и дал это задание своему семидесятисемилетнему отцу. Позже Брюэр нарисовал портреты многих известных людей Арканзаса, в том числе политиков и ректоров университетов.

В 1935–36 Брюэр отправился в Нью-Йорк, чтобы создать портреты известных общественных деятелей, в том числе г.и миссис Аллан Бонд, которая предоставила ему целый этаж Bond Building в качестве студии на год. В 1940 году он написал портрет человека из Озарка под названием Hillbilly ; за это он получил медаль и денежный приз от International Business Machines (IBM). Этот портрет также был удостоен золотой медали Джона Фланнагана от Галереи науки и искусства на международной выставке «Золотые ворота» в Сан-Франциско в том же году.

Во время Второй мировой войны талант Брюера снова был использован на войне.В 1942 году он произвел печать, использованную для обложки автографического списка и пластинки. Военнослужащие США принесли копии этой книги на память о служении. Брюэр также руководил художественными классами для военнослужащих в United Service Organization (USO) в Литл-Роке. Джин Келли, танцор и актер, был среди учеников его класса. Брюэр и Адель Гукерт, которые впоследствии основали Центр искусств Арканзаса (ныне Музей изящных искусств Арканзаса), возили студентов на экскурсии, чтобы рисовать акварелью знаменитых домов и построек Арканзаса.Его класс USO был сфотографирован журналом Life во время одного из туров. Брюэр руководил солдатами в росписи гигантской фрески в клубе USO на Третьем и Мэйн в Литл-Роке.

Это было также во время войны, когда Брюэр приступил к проекту, чтобы принести искусство Арканзаса рядовым гражданам штата. Он создал серию гравюр на дереве известных достопримечательностей Арканзаса, сделанных в виде открыток с помощью своих маленьких сыновей-близнецов, Адриана-младшего и Эдвина. Брюэр был полон решимости использовать только бумагу, произведенную в Арканзасе, и рамы из местного дерева.Отпечатки продавались в розничных магазинах и сувенирных магазинах по всему штату.

После войны Брюэр перенес свою студию из центра Литл-Рока в свой дом на 510 North Cedar Street. Он и его сыновья построили студию, спроектированную архитекторами Максом Майером и Джорджем Траппом, в задней части своего дома.

В 1953 году Брюэр и его сын Эдвин организовали Арканзасскую художественную лигу, которая при поддержке Арканзасской компании Power and Light в качестве спонсора провела в 1954 году конкурс Арканзасской художественной лиги «Портрет власти».В 1955 году Брюэр был среди горстки художников, приглашенных представлять Техас, Луизиану, Арканзас и Оклахому на Юго-западной выставке современного искусства, спонсируемой Государственным колледжем Стивена Ф. Остина в Накогдочес, Техас. Для этой выставки, которая была его последней, он создал несколько абстрактный автопортрет « Зеркала ».

Брюэр умер от рака легких 23 июня 1956 года.

Для дополнительной информации:
Флетчер, Джон Л. «Адриан Брюэр. Портрет художника.” Arkansas Gazette , 11 января 1953 г.

Халински, Джолинда Гамак. «Адриан Луи Брюэр (1891–1956): видения художника из Арканзаса». Магистерская работа, Арканзасский университет в Литл-Роке, 1997 г.

«Портретист оставил след своими усилиями». Арканзас Демократ , 28 марта 1986 г.

Jolynda Hammock Halinski
Виксбург, Миссисипи

Последнее обновление: 02.02.2021

Kris Brewer Fine Art

Fairview Capital, постоянная коллекция и комиссионные, Гринбрей, Калифорния

Peninsula Museum of Art, групповая выставка, Белмонт, Калифорния

Gambs Residence, приобретение картины, Тибурон, Калифорния

Представительство Jeep в Marin, постоянная коллекция, Corte Madera, CA

Becarris Residence, приобретение картин и комиссионные, Mill Valley, CA

Terrain Gallery, групповые и персональные выставки, Сан-Франциско, Калифорния

Йерба 3-я, 4-я и 5-я ежегодная прогулка скульптур Buena Gardens, Сан-Франциско, Калифорния

Generations Fine Art Gallery, групповые и персональные выставки, Yountville, CA

Ramnarine Gallery, групповые и персональные выставки, Манхэттен, Нью-Йорк

Дворец изящных искусств, персональная выставка, Сан-Франциско, Калифорния

Зал сохранения Сан-Франциско, tw o персональная выставка, Сан-Франциско, Калифорния

Галерея Эксплораториум, В.A.R.I.O.U.S. Медиа, групповое приглашение, Сан-Франциско, Калифорния,

Резиденция Замост-Райман, комиссия по живописи, Милл-Вэлли, Калифорния

Гарднер-билдинг, постоянная коллекция, Гринбрей, Калифорния

Ресторан Fusion, персональная выставка, Лос-Анджелес , CA

Резиденция Мэри Эллен Квентц, комиссия по скульптуре, Лагуна-Бич, Калифорния

Резиденция Джеффа Боудена, комиссия по скульптуре, Тибурон, Калифорния

Artwalk Милл-Вэлли, Магазин, Милл-Вэлли, Калифорния

Marin Open Studios, Mill Valley, CA

Terrain Gallery, Вечер с Коко и друзьями, групповая выставка, Сан-Франциско, Калифорния

Marin Masquerade Soiree & Sculpture Walk, персональная выставка, Милл-Вэлли, Калифорния

San Francisco’s Preservation Hall, персональная выставка, Сан-Франциско, Калифорния

Inktomi Corporation, постоянная коллекция, Сан-Матео , CA

Резиденция Дэна Уитмора, комиссия по скульптуре, Corte Madera, CA

48 Market Street Gallery, избранные групповые и персональные выставки, Венеция, CA

Global Gallery, групповое приглашение, Тибурон, Калифорния

Sol Y Luna, персональная выставка, Сан-Франциско, Калифорния

Галерея колледжа Санта-Моника, Выставка гравюр, групповое приглашение, Санта-Моника, Калифорния

Художники против СПИДа, Галерея Уильяма Тернера и Галерея 48 Маркет-Стрит, группа invitational, Венеция, Калифорния,

Выставка «Шесть женщин на благо детей, больных СПИДом», Галерея Уильяма Тернера и Галерея 48 Маркет-Стрит, Венеция, Калифорния,

Городская галерея, Городской колледж Санта-Моники, избранные групповые и персональные выставки, Санта-Моника, CA

Картины Криса Брюера 2018, представленные в статье газеты Ark, посвященной теме «Резиденция Бекаррис.