Пикассо скульптуры: Пабло Пикассо и его грань как скульптор

Пикассо и скульптура в Нью-Йоркском музее современного искусства

Ретроспектива в музее MoMA поможет разобраться в творчестве Пикассо-скульптора, а также в техниках и сюжетах, к которым он обращался

Экспозиция под названием Picasso Sculpture — первая для Америки за последние почти 50 лет, так прицельно сосредоточившаяся на творчестве Пабло Пикассо как скульптора. Кураторы выставки явно хотели не просто собрать многие его работы, но и показать все этапы исканий художника, для которого скульптура, наравне с живописью, стала очередной возможностью самовыражения. К этому виду искусства он обращался на протяжении всей жизни, так что увидеть в музее можно и самые первые произведения и, напротив, одни из последних.

Охватывая период в 60 лет, ретроспектива представляет 140 работ, среди которых оказываются скульптуры маленькие и большие, преувеличенно тонкие или, наоборот, объемные, вырезанные из дерева, отлитые в бронзе, слепленные из гипса и даже собранные из попавшегося под руки хлама — последние особенно ярко демонстрируют изобретательность Пикассо. Не уставая обращаться к новым материалам и сюжетам, художник продолжал свои поиски. Каждый зал музея рассказывает свою историю: вот, например, скульптуры образца 1902 года, периода, когда 21-летний Пикассо вернулся в Испанию из Парижа и жил в Барселоне, а вот работы 10-х годов, где господство кубизма уже очевидно. Переходя из одного пространства MoMa в другое, стоит обратить внимание и на яркие цвета, которые выбирал скульптор: элемент поиска в его работах присутствовал всегда и порой затрагивал не только материал и форму, но и цвет. 

В отличие от своих занятий живописью, к скульптуре Пикассо обращался время от времени, но тем не менее за эти периоды успел создать изрядное количество произведений искусства, демонстрирующих, как широки были проявления его таланта. 

Ретроспектива Picasso Sculpture открыта в Нью-Йоркском музее современного искусства до 7 февраля. 

Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.

Купить билет

Выставка скульптур Пикассо в Брюсселе

Во Дворце изящных искусств Брюсселя (Palais des Beaux-Arts) проходит выставка скульптур, картин и керамики работы Пабло Пикассо, а также художественных изделий из частной коллекции испанского художника.

Эта экспозиция продолжает серию выставок, начатых  Нью-Йоркским Музеем современного искусства и продолженных Национальным музеем Пикассо в Париже в 2015 году. Музей в Нью-Йорке выставлял скульптуры в отрыве от других работ художника, парижский музей сделал акцент на трехмерных предметах. В Брюсселе 80 скульптур, представленных в экспозиции, ведут диалог с картинами Пикассо, керамикой и другими экспонатами, которые художник собирал в течение жизни.

При таком подходе к формированию экспозиции становится очевидна связь между культурой прошлого, которая всегда подпитывала творчество Пикассо, живописными полотнами и трехмерными предметами. Организаторы выставки предлагают осмотр в хронологическом порядке и по тематическому принципу, где скульптуры представлены в оригинальном контексте через призму картин и предметов иберийского искусства, африканских статуэток и этнографических коллекций из частного собрания художника.

Несмотря на то, что Пикассо не получил специального образования в области скульптуры, этот вид искусства присутствовал в творчестве мастера на протяжении всей жизни.  Скульптура была частью его мира, жила в тесной связке с картинами, рисунками и гравюрами.

Ранние скульптуры родоначальника кубизма продолжали пластическую традицию Огюста Родена. Первая работа датирована 1902 годом, когда Пикассо создал «Сидящую женщину», маленькую фигурку из глины, за ней последовали «Безумец» и «Женская голова».

Весной 1906 года художник перебрался в маленький городок Госоль в восточных Пиренеях, и в картинах этого периода и первых деревянных скульптурах чувствуется влияние каталанских художников. Летом 1907 года в Париже Пикассо продолжает работать с деревом, создает скульптуры «Фигура» и «Голова».

На выставке также представлены работы, относящиеся к первым экспериментам в жанре кубизма, коллажи и композиции, созданные между 1912 и 1914 гг. А еще – макеты заказанного художнику памятника в честь погибшего друга, поэта Гийома Аполлинера.

Продолжают экспозицию скульптуры, отлитые в металле, многие – в сотрудничестве с каталанским художником и скульптором Хулио Гонсалесом. К 30-м годам относятся многочисленные женские бюсты, вдохновением для которых стала возлюбленная и муза художника, Мари Тереза Вальтер.

Завершает выставку скульптура «Человек с ягненком», одна из наиболее сильных в творчестве Пикассо, созданная во время войны и относящаяся к периоду, когда художник открыто говорил о вооруженных конфликтах 40-х годов ХХ века.

Выставка «Picasso. Sculptures» открыта во Дворце изящных искусств Брюсселя до 5 марта 2017 года. 

Пабло Пикассо и «Большая женщина»

Монументальную (и самую масштабную) скульптуру Пабло Пикассо — проект, который так и не был реализован – установят виртуально.

30-метровая абстракция под названием The Bust of a Woman – «Бюст женщины», должна была стать лэндмарком кампуса Университета Южной Флориды, США, где она органично вписалась бы в архитектурный ансамбль рядом со зданием арт-центра, спроектированным бруталистом Полом Рудольфом.

Фотоколлаж, подготовленный Пабло Пикассо для утверждения проекта

Визуализация здания Пола Рудольфа со скульптурой Пикассо

Изначально «Бюст женщины» Пикассо создавал для музея в Швеции, но решил пожертвовать его арт-центру во Флориде. Наброски к проекту Пабло Пикассо предоставил руководству университета в начале 1973 года и комиссия утвердила его 9 апреля, на следующий день после смерти художника.

Выпуск «The St. Petersburg Times» от 4 июня 1978 года

Установка памятника во Флориде могло стать грандиозным событием – так, к примеру, в Чикаго, открытие скульптуры Пикассо в 1967 году собрало десятки тысяч людей.

Открытие монумента в Чикаго

Но ни арт-центр, ни скульптура в университетском городке так и не были возведены – этому помешала высокая стоимость проекта ($10 млн).

О монументе благополучно забыли почти на полстолетия, но несколько месяцев назад одна из сотрудников университета – искусствовед и археолог Камила Олес – обнаружила фотографии и запись дискуссии, на которой обсуждалась установка памятника с участием соавтора Пикассо – норвежского скульптора Карла Несьяра (он работал с Пикассо в течение 20 лет, превращая его рисунки и модели в монументальные скульптуры, такие, как 10-метровая «Бюст Сильветт», установленный в Нью-Йоркском университете.)

Единомышленники Карл Несьяр и Пабло Пикассо с картонными моделями монументов

Камила Олес организовала кампанию, цель которой – воплотить в жизнь самый масштабный проект Пикассо в виртуальной реальности.  Как считает Олес, «сам Пикассо с большим энтузиазмом отнесся бы к этой идее».

Макет и магнитофонные записи, найденные в архивах Университета Южной Флориды, США

Компьютерная визуализация. Источник изображения © К. Олес, CVAST

Компьютерная визуализация. Источник изображения © К. Олес, CVAST

«Роден сделал всё, чтобы музею хватало денег после его смерти» | Статьи

Огюст Роден собирал египетские саркофаги и по любвеобильности мог сравниться с Пикассо, а цены на работы скульптора не столь высоки, поскольку работы существуют в нескольких экземплярах. Об этом «Известиям» рассказала директор Музея Родена Катрин Шевийо в преддверии открытия одной из главных выставок года — «Роден–Пикассо», куратором которой она выступила. Зрители увидят около 500 экспонатов — картины, скульптуры, рисунки, фотографии, архивные материалы.

— Как возникла идея устроить эту первую совместную выставку в Музеях Родена и Пикассо?

— В свое время я принимала участие в подготовке экспозиции скульптуры Пикассо в его парижском музее и обратила внимание на то, что у него и Родена немало общего помимо того, что уже раньше было известно. Мы начали изучать их взаимосвязь и общие подходы к созданию своих работ.

Фото: Musée national Picasso-Paris

Автопортерт Пабло Пикассо

— Пикассо помогает нам лучше понять Родена?

— У него свой взгляд на творчество предшественника. Пикассо понимал, что их многое сближает — в частности, незаконченная скульптура, повторение в работах одного и того же образа, исключительный интерес к природе. Оба коллекционировали одни и те же вещи — морскую гальку, ракушки, муляжи листьев, занимались ассамбляжем. Раньше считалось, что ассамбляж придумал Пикассо, но в дальнейшем стало ясно, что первооткрывателем был Роден, который соединял в скульптурах разные предметы. Каждый из них интуитивно совершал открытия, обогатившие искусство. Новаторский подход Родена повлиял на мастеров последующих поколений, которые развивали его идеи и занимались теми же проблемами.

Фото: musée Rodin/Jean de Calan

Автопортет Родена

— «Закончить работу? Завершить картину? Что за чушь! Закончить — значит перешагнуть через нее, убить ее, лишить ее души, нанести последний смертельный удар. Это конец не только для картины, но и для самого художника», — цитируете вы Пикассо в каталоге.

— В таком подходе они очень близки друг к другу. Это то, что Микеланджело вызывал non finito — незавершенность. Его наследником, несомненно, считал себя Роден. Он видел в каждой своей скульптуре не законченный объект, а работу, которая менялась вместе с автором на протяжении его жизни. Что же касается Пикассо, он с начала 30-х годов прошлого века специально оставлял незавершенными некоторые свои творения. Оба не прекращали работу над одним и тем же образом — отсюда их увлеченность сериями. В нынешней экспозиции мы показываем вместе «Гернику» Пикассо и роденовские «Врата ада». Они развивают в них тему плакальщиц.

— В характерах Родена и Пикассо есть что-то общее или они абсолютно разные?

— Скорее похожи. Оба знали себе цену, были высокого мнения о своем искусстве и очень увлекались женщинами. Их объединял поиск новых форм и подход к творческому процессу, который во многом имел экспериментальный характер. Их мастерские играли роль творческих лабораторий. Они были не из тех, кто вначале придумывает образ, а потом его воплощает.

— Некоторые биографы утверждают, что Роден и Пикассо видели в женщине главным образом «объект вожделения».

— Так оно и было. Их интимная жизнь была очень, скажем так, насыщенной. Обоих завораживало женское тело.

Фото: Musée national Picasso-Paris/musée Rodin

Картина Пикассо «Поцелуй» и скульптура Родена «Поцелуй»

— «Искусство всегда эротично», — любил повторять Пикассо. Роден мог бы сказать то же самое?

— Роден считал примерно так же. Чтобы в этом убедиться, достаточно посмотреть его работы. Обоих отличал гедонистический подход к искусству и, в частности, к скульптуре.

— Можно ли считать Родена и Пикассо мачо?

— Пикассо в этом отношении был типичным испанцем. Родена я бы не стала причислять к мачо, но он был продуктом своего времени, в котором не могло быть речи о равенстве мужчин и женщин. Тогда царили иные нравы.

— Могли бы два гения стать друзьями?

— Не уверена. Все-таки они жили в разные эпохи. Роден одновременно притягивал и отталкивал Пикассо. Испанец относился к нему с презрением, ни в грош не ставил его монументы, хотя копировал роденовский памятник Бальзаку, вырезал его фото из журнала и прикрепил на стену мастерской в Барселоне. В этом было что-то парадоксальное. Он хотел дистанцироваться от Родена, но не смог преодолеть сильного притяжения. С точки зрения Пикассо, Роден не был настоящим авангардистом, что связано, разумеется, с тем, что они жили в разные эпохи.

— Роден видел работы Пикассо? Согласно легенде, однажды он якобы посоветовал младшему коллеге подписать свою картину, чтобы знать, как правильно ее повесить.

— Возможно, Роден видел его картины, но не думаю, что они общались. У нас нет никаких тому свидетельств. Но испанец, несомненно, испытал на себе влияние Родена. Обратите внимание на картину Пикассо «Большая купальщица с книгой», персонаж которой частично повторяет позу «Мыслителя».

Фото: Musée national Picasso-Paris/musée Rodin

Картина Пикассо «Большая купальщица с книгой» и скульптура Родена «Мыслитель»

— Почему оба были так увлечены Бальзаком? Пикассо иллюстрировал, в частности, его «Неведомый шедевр» и «Отца Горио».

— Этому есть простое объяснение. Гениев всегда притягивают другие гении. Оба восхищались бальзаковской эпопеей «Человеческая комедия». Как я уже говорила, Роден притягивал Пикассо. В его рисунках 1950-х годов мы видим скульптуры с выставки «Бальзак в творчестве Родена».

— Пикассо и Родена сближала и любовь к стихам. Оба жалели о том, что не стали поэтами.

— Пикассо писал стихи. Оба увлекались литературой и дружили с известными писателями. Роден — с Райнером Марией Рильке, Пикассо — с Аполлинером, Кокто и другими. Рильке был даже какое-то время секретарем Родена, а потом посвятил ему немало прекрасных страниц — это лучшее из того, что о нем написано.

— Несколько лет назад в Париже проходила выставка «Пикассо и мэтры», на которой последних представляли Рафаэль, Веласкес, Рембрандт, Давид, Гойя, Мане и другие. Публика уходила из Гран Пале убежденной, что Пикассо заметно уступает грандам. Вас это удивляет?

— Мне кажется, что это неправильный подход к искусству. На подобных выставках не нужно искать ни победителей, ни проигравших. Они помогают понимать процесс эволюции искусства за минувшие столетия. То же самое относится к попыткам сравнения Пикассо и Родена. Оба жили и творили в различные времена, решали разные художественные задачи. Поэтому надо не пытаться определить в этом противопоставлении победителя и побежденного, а оценивать каждого художника по отношению к его времени.

— Визитная карточка Родена — его «Мыслитель». А какая работа, на ваш взгляд, лучше всего отражает творчество Пикассо?

— Для меня — «Герника» и «Авиньонские девицы», хотя выбрать одну или две среди сотен шедевров крайне трудно. Так или иначе, историческое значение «Герники» несоизмеримо со всеми остальными его работами.

Фото: Musée d’Unterlinden

Картина Пикассо «Герника»

— Пикассо был правоверным коммунистом. Интересовался ли политикой Роден? Он был правым или левым?

— Его интересовало только собственное искусство. Ко всему остальному он относился равнодушно. Родена не слишком волновали социально-политические проблемы, от которых он всегда хотел держаться в стороне.

— Однако он дружил с премьер-министром Жоржем Клемансо по прозвищу Тигр, изваял его бюст. Со своей стороны политик приходил ему на помощь, в том числе тогда, когда кипели страсти вокруг его памятника Бальзаку, многими принятого в штыки.

— Действительно, Родена тогда поддерживали политики-республиканцы. В свое время некоторые деятели предложили профинансировать установку памятника Бальзаку, который превратился в объект полемики. Но Роден отказался, чтобы не стать жертвой политических дискуссий. Те, кто защищал памятник Бальзаку, были левыми, а кто его атаковал — правыми. Он не хотел участвовать в этих сражениях.

— Оказывают ли Роден и Пикассо заметное влияние на нынешнее искусство?

— Не сказала бы, что они влияют, но художники, несомненно, проявляют к ним интерес. Современные мастера увлечены Роденом. Они с огромной радостью выставляют свои работы вместе с роденовскими. Мы с готовностью открываем двери нашего музея для современных мастеров. Например, несколько лет назад у нас показывал свои произведения Ансельм Кифер (немецкий живописец и автор инсталляций. — «Известия»).

— Почему Пабло Пикассо доминирует на арт-рынке на протяжении многих десятилетий? В первой двадцатке самых дорогих картин целых пять его полотен.

— Потому что он продемонстрировал абсолютно новый подход ко всем аспектам живописи и скульптуры. И сегодня любой художник, который задается теми же вопросами, должен обязательно понять, какие ответы предложил на них Пикассо. Он может следовать в его фарватере или выбрать собственный путь, но должен себя позиционировать по отношению к автору «Герники».

Фото: Musée Rodin

Скульптура Родена «Движение танца»

— Так или иначе, сегодня выставок Пикассо во всем мире многократно больше, чем Родена.

— Опять-таки, это связано с тем, что они творили в разные эпохи: Роден — на рубеже XIX и XX столетий, тогда как Пикассо стал знаменем авангарда всего минувшего века. Однако и Родена постоянно показывают в разных странах.

— «Алжирские женщины» Пикассо ушли с молотка на аукционе за рекордные для него $179,3 млн, тогда как лучший результат Родена — всего $20,4 млн за «Вечную весну».

— Как вы понимаете, цены диктуются рынком. Есть и еще один момент: картины Пикассо существуют в одном экземпляре, тогда как роденовские скульптуры — в нескольких.

— Не так давно вы рассказывали «Известиям», что для пополнения бюджета во время пандемии Музею Родена приходится продавать официальные копии его произведений.

— Речь идет не о копиях, а о строго зафиксированном тираже его скульптур. Следуя воле Родена, мы продолжаем их продавать и обеспечиваем существование музея на протяжении целого столетия. В прошлом году они по-прежнему пользовались большим спросом. Роден оказался человеком очень предусмотрительным и сделал всё, чтобы музей в финансовом плане мог существовать долгие годы после его смерти. Нам это до сих пор удается.

— Сейчас все французские музеи во главе с Лувром остаются закрытыми, тогда как все магазины — от больших до самых маленьких — продолжают работать. Разве это справедливо?

— Мы ждем с нетерпением момента, когда нам удастся снова распахнуть двери. На днях открылся наш сад при Музее Родена. Публика очень рада, потому что это еще и сад скульптур, в котором установлены десятки его работ во главе с «Мыслителем».

Фото: Musée national Picasso- Paris

Картина Пикассо «Голубой акробат»

— Покажете ли вы выставку «Роден–Пикассо» онлайн, если ее придется в последний момент отложить из-за коронавируса?

— Заранее мы ничего не готовили. Но начинаем это делать, поскольку ситуация остается тревожно-неопределенной. Мы не исключаем, что выставку надо будет перенести на какое-то время. Так или иначе, экспозиция двух музеев будет проходить в течение целого года. Если ее придется отложить на несколько недель, у нас останется достаточно времени, чтобы показать ее публике. Поэтому мы сейчас готовы к любым неожиданностям.

— В настоящий момент COVID-19 явно сильнее искусства?

— Несомненно, но это временный успех пандемии. В конце концов, верх одержит искусство, без которого общество не может существовать.

— Несмотря на наступление коронавируса, вы готовите новые проекты?

— На следующий год у нас намечена выставка «Роден и египетское искусство». Великий скульптор собрал огромную коллекцию, насчитывающую более тысячи артефактов, включая саркофаги, которая до сих пор почти неизвестна широкой публике.

Справка «Известий»

В собрании Музея Родена около 7 тыс. скульптур, столько же рисунков, 10 тыс. фотографий и несколько тысяч других произведений искусства. Среди них самые знаменитые творения мастера — «Мыслитель», «Врата ада», «Поцелуй» и другие. Часть из них выставлена в парке, который примыкает к музею. Специальный зал посвящен скульптору Камилле Клодель, которая была музой и спутницей Родена. В обычное время Музей Родена ежегодно посещают около 600 тыс. человек.

Скрытая часть

Пабло Пикассо установил новый мировой рекорд

На нью-йоркских торгах Christie’s Пикассо возвращено звание автора самого дорогого художественного произведения, проданного на аукционе. Именно по результатам аукционных, публичных, продаж это звание и присваивается. В частных сделках, случалось, за картины платили и больше.

В почетном статусе самого дорогого художника Пикассо пребывал с 2004 г., когда его «Мальчика с трубкой» продали за $104,2 млн. Но в феврале года нынешнего, совершенно неожиданно даже для людей, вовлеченных в арт-рынок, «Мальчика» Пикассо обошел «Шагающий человек» Альберто Джакометти – $104,3 млн. И это казалось нонсенсом – Джакометти, конечно, скульптор знаменитый, но популярностью и коммерческим успехом с Пикассо состязаться никак не может.

К тому же если на звание главного скульптора ХХ века есть несколько претендентов, то первенство Пикассо среди художников прошлого столетия не оспаривается – он и самый знаменитый, плодовитый, скандальный и гениальный. Логично, что его картины и должны быть самыми дорогими.

Так что на торгах искусством импрессионистов и модернистов Christie’s произошло то, что и должно было, – Пикассо опять первый. И по праву. В списке самых дорогих произведений искусства, проданных на аукционах, верхние строчки принадлежат нескольким художникам. В это общество импрессионистов, модернистов, поп-артистов и абстрактного экспрессиониста из старых мастеров проник лишь Петер Пауль Рубенс (его «Избиение младенцев» ушло несколько лет назад за $76,6 млн). Но только имя Пикассо в списке самых дорогих встречается несколько раз.

Поэтому $106,4 млн, заплаченных за «Обнаженную на фоне бюста и зеленых листьев», не кажутся суммой сенсационной. Это третья картина Пикассо, за которую отдают около ста миллионов, – за «Дору Маар с кошкой» отдали $95,2 млн.

Общий итог продаж на прошедших торгах Christie’s – $335,548 млн. Это, безусловно, превосходный результат, примечательный еще тем, что самые дорогие лоты после Пикассо – это три скульптуры Джакометти. Его «Большая голова» ушла за $53,28 млн.

М. А. Бусев Скульптура в раннем творчестве Пабло Пикассо

М. А. Бусев

Скульптура в раннем творчестве Пабло Пикассо

Произведения Пикассо стали хорошо известны в России уже сто лет тому назад. Благодаря подвижнической собирательской деятельности известного московского предпринимателя и коллекционера Сергея Ивановича Щукина в его доме на Знаменке к 1914 году находилось около пятидесяти работ испанского мастера, представлявших его творчество «голубого», «розового» и кубистического периодов лучшими вещами. Большей частью это были картины, написанные маслом, а также пастели, гуаши, акварели и рисунки. Еще три живописных шедевра Пикассо находились в коллекции другого крупного собирателя французской живописи Ивана Абрамовича Морозова.

Однако о том, что молодой испанец создавал еще и скульптуры, публика того времени, и не только российская, но и парижская, не была осведомлена. Впрочем, даже для знатоков и ценителей творчества Пикассо эта сторона его деятельности долгое время оставалась в тени.

Ситуация изменилась в начале 1930-х годов, когда художник увлеченно занялся скульптурой, получив возможность в своем имении Буажелу под Парижем устроить настоящую скульптурную мастерскую (систематические занятия этим видом искусства требуют особых материальных условий). Тогда же появилась великолепная серия фотографий скульптурных творений Пикассо, сделанная известным фотографом Брассаем. Опубликованная в первом номере сюрреалистического журнала «Минотавр» вместе с текстом Андре Бретона, она впервые раскрыла широкой публике испанского мастера как скульптора[393]. Тогда-то и стало ясно, что Пикассо – не только великий живописец, график, сценограф, но и значительный и оригинальный скульптор.

Первая монография о Пикассо-скульпторе, написанная его маршаном, другом и художественным критиком – Даниелем-Анри Канвейлером, появилась лишь в конце 1940-х годов[394]. Позднее к этой теме обращались такие видные ученые и знатоки творчества Пикассо, как Роланд Пенроуз[395], Вернер Шпис[396], Элен Секель[397]. В двухтысячном году в Национальном Центре искусства и культуры Жоржа Помпиду в Париже состоялась большая выставка, посвященная скульптуре Пикассо[398]. Она сопровождалась фундаментальным каталогом-резоне, подготовленным Вернером Шписом при участии Кристины Пио. Экспозиция в Центре Помпиду со всей очевидностью показала, что Пикассо, несомненно, явился крупнейшим скульптором ХХ века. Одной из привлекательных сторон этой выставки стало то, что на ней были представлены не только бронзовые отливки, но и глиняные или гипсовые модели, с которых они делались. Благодаря этому зритель мог лучше ощутить, как работал мастер.

Отечественными искусствоведами тема «Пикассо и скульптура» почти не затрагивалась. В монографиях о художнике ей отводилось довольно скромное место. Единственная публикация, специально посвященная этой теме, – небольшая статья Н. Дубовицкой «Скульптура Пабло Пикассо (1881–1973)»[399].

Широкая российская публика смогла по-настоящему познакомиться со скульптурным творчеством великого испанца сравнительно недавно, в 2010 году, когда в Москве и Санкт-Петербурге триумфально прошла обширная ретроспективная выставка его произведений из Национального музея Пикассо в Париже[400]. Здесь шедевры великолепного собрания пластики испанского художника прозвучали во весь голос. Стало ясно, что если бы не существовало живописи, графики, керамики, театральных работ Пикассо, а была бы только его скульптура, то он все равно вошел бы в число мастеров, определивших пластическое мышление ХХ столетия.

Чем же была для Пикассо скульптура, с какого момента он сам ощутил себя не только живописцем, но и скульптором? В 1937 году в его пропуске на Всемирную выставку в Париже, где В. И. Мухина выставила знаменитых «Рабочего и колхозницу», а Пикассо показал «Гернику», значилось: «Пабло Пикассо. Художник-живописец». Так он осознавал себя, и именно живописцем считали его окружающие. Но вот выразительная фотография 1939 года, на которой запечатлен Пикассо и исполненная им статуя – «Стоящий персонаж». Здесь мастер по-хозяйски держит скульптуру, ощущается его мощь как скульптора, власть над своим творением.

Если обратиться к его самым ранним скульптурным произведениям «голубого» и «розового» периодов, то приходится отметить, что в те годы искусство пластики находилось на втором плане творческих интересов Пикассо. Время от времени он работал в глине, но работал для себя, не предназначая результаты своих первых скульптурных опытов для постороннего глаза. Недаром бронзовые отливки с подобных скульптур, как правило, делались существенно позднее, современникам же эти произведения оставались малоизвестны. Показательно, что скульптуру «Сидящая женщина», которую считают самым первым примером занятий Пикассо пластикой, сам автор впоследствии затруднился точно датировать и назвал годом ее создания 1901-й, хотя и согласился с составителем каталога В. Шписом, который отнес ее исполнение к 1902 году, времени пребывания художника в Барселоне[401].

Небольшая, высотой всего лишь четырнадцать с половиной сантиметров, «Сидящая женщина» вылеплена в глине (спустя много лет с нее было сделано 13 отливок в бронзе), и по своим размерам, и по моделировке производит впечатление скульптурного этюда. Фигура женщины трактована общо, несколько более проработаны черты ее лица и прическа. Какое-либо сюжетное начало в скульптуре отсутствует. Если в экзальтированных лицах и вытянутых, изможденных фигурах персонажей, предстающих в «голубых» полотнах Пикассо этого же времени, художник стремился передать трагизм мироощущения, то «Сидящая женщина» по своему характеру ближе более земным и умиротворенным персонажам «розового» периода.

Стилистика и образность «голубого» периода явственно сказалась в двух скульптурах Пикассо, исполненных в 1903 году – «Голове пикадора со сломанным носом» (19 ? 14,5 ? 12 см) и «Слепом певце» (13 ? 7 ? 8). В отличие от круглой «Сидящей женщины», работы 1903 года тяготеют к барельефному изображению, к типу скульптурной маски. И художника здесь интересуют не столько формально-пластические качества модели, сколько психологические особенности запечатленного персонажа. Лицо пикадора со сломанным носом кажется портретным; создается ощущение, что художник шел от реального прототипа – привыкшего рисковать своей жизнью сильного, волевого мужчины, который смотрит прямо перед собой, плотно сжав губы. Энергичная лепка чуть асимметричного лица передает внутреннее напряжение персонажа, его готовность встретить лицом к лицу любые перипетии судьбы.

Коррида притягивала Пикассо с детства. Еще в Малаге им была написана небольшая картинка «Пикадор» (1889) и исполнен рисунок «Сцена корриды и голуби» (1890), говорящие об интересе маленького Пабло к национальному испанскому увлечению. Тема корриды часто возникает в живописи и графике Пикассо 1900–1901 годов, но для «голубого» периода она нехарактерна. В этом смысле «Голова пикадора со сломанным носом» оказывается исключением.

В отличие он нее, «Слепой певец» и по сюжету, и по манере изображения близок живописи «голубого» периода. Сходный мотив нетрудно отыскать в картинах, рисунках и гравюрах Пикассо тех лет, например, в выполненном в Барселоне полотне «Старый гитарист» (1903, Чикаго, Институт искусств). Кажется, что перед нами один и тот же персонаж. Художник утрирует, заостряет черты лица, придает им повышенную экспрессивность. Бросается в глаза пластическая перекличка отдельных форм: открытый рот певца явно «рифмуется» с запавшими глазными впадинами. Говоря о возможных влияниях современников и предшественников на самые ранние работы Пикассо-скульптора, называют имя прославленного Огюста Родена, с произведениями которого Пикассо мог знакомиться не только по репродукциям, но и непосредственно, во время посещения Всемирной выставки в Париже в 1900 году, когда творения патриарха современной французской скульптуры были широко представлены в отдельном павильоне на площади Альма[402].

Следующее обращение Пикассо к скульптуре происходит на новом витке его творчества, в 1905 году. Этим годом датируются две работы: «Женская голова (Алиса Дерен)» и «Шут».

Скульптура «Шут» (41,5 ? 37 ? 22,8) тематически входит в серию произведений, связанных с изображением странствующих комедиантов. Живущие на краю общества, эти люди по-своему свободны, им дано то, чего лишены обыватели, но вместе с тем актеры и циркачи так же зависимы от публики, как и обычные люди от окружающего их общества. История создания этой скульптуры известна, она приводится биографом художника Р. Пенроузом: «Пикассо рассказал, как поздно вечером, вернувшись с Максом Жакобом из цирка, лепил эту голову. Поначалу глина приобрела облик его друга; он продолжил работу до тех пор, пока сходство скульптуры с моделью сохранилось только в нижней части лица. Пикассо был все более увлечен игрой света на неровной поверхности скульптуры и вдобавок увенчал голову скульптуры шутовским колпаком»[403]. Конкретное портретное изображение трансформировалось здесь в собирательный образ – образ странствующего комедианта, шута; в манере лепки чувствуется перекличка с приемами импрессионистической скульптуры, желание растворить скульптурную массу в обволакивающей ее атмосфере.

Обращение к традиции импрессионистической скульптуры явственно звучит и в выполненной в том же году «Женской голове (Алиса Дерен)» (27 ? 27 ? 14). Ее формы приводят на память пластику Медардо Россо и Родена. В отличие от дробной поверхности «Шута», портрет Алисы Дерен трактован более обобщенно, его плавные линии отсылают к стилистике ар нуво.

Созданные в самый расцвет «розового» периода «Шут» и «Женская голова (Алиса Дерен)» отражают отход Пикассо от выразительных средств и тематики «голубого» периода. Происходит смена общего настроения: отчаяние, безысходность, повышенная эмоциональность сменяются в «розовом» периоде сначала печалью, грустью, меланхолией, а затем спокойствием и самоудовлетворенностью. Вместо сострадания картина или скульптура требуют теперь от зрителя сочувствия, а порой и просто созерцания. Символизм и трагизм произведений «голубого» периода изживаются. Психологизм образов, интерес к индивидуальному, острохарактерному сменяются более объективной трактовкой человека, желанием запечатлеть общее, типическое даже в том случае, когда первоначальным толчком к изображению был конкретный персонаж. Происходит реабилитация материального, телесного, внешнего. Возникает мотив любования красотой человеческого тела. Порой он связан с избранным сюжетом, скажем, изображением причесывающейся перед зеркалом женщины, иногда же сюжетное начало отсутствует, персонажи просто позируют.

Эти тенденции наиболее полно проявились в работах, созданных в 1906 году. В пластическом решении «Головы женщины (Фернанда)» (35 ? 24 ? 25) – моделью для которой, безусловно, послужила Фернанда Оливье – спутница Пикассо тех лет, – явственно чувствуется тяготение к классической традиции, к гармоническому началу. Подобная стилистическая тенденция характерна для нескольких полотен того времени («Туалет», 1906 и др.). К использованному здесь приему «антикизации» облика портретируемого персонажа Пикассо вновь будет возвращаться в неоклассических работах 1920-х годов.

Еще одно качество, которым поражает скульптурный портрет Фернанды – изощренная работа мастера с фактурой. Пикассо передает легкую пористость кожи лица и шеи своей модели, отпечатывая на поверхности еще не застывшей глины тонкую тюлевую ткань[404]. Контраст между матовой кожей и волнистой прической, вылепленной более традиционно, придает скульптуре особую выразительность.

Более частое обращение Пикассо к скульптуре начиная с 1905–1906 годов, думается, связано с тем, что с этого времени особенно важными для него становятся собственно пластические качества произведения. Повествовательное, сюжетное, символическое, порой сентиментальное начало, которое доминирует в работах «голубого» периода и продолжается в «розовом» периоде, в картинах и скульптурах 1906 года постепенно уходит. Художника теперь в первую очередь интересует пластика человеческого тела, ему важны какие-то новые формально-стилистические средства, которые он впоследствии найдет в кубизме.

Определенное движение в этом направлении можно почувствовать в скульптуре «Причесывающаяся женщина» (42,2 ? 26 ? 31,8), которая, по словам художника, была выполнена уже после его возвращения из Госоли, горной деревушки в Испании, где он провел часть лета 1906 года. Известно, что время пребывания в Госоли стало для Пикассо поворотным пунктом в его пластических поисках, что ярко проявилось в решительной переработке живописного портрета Гертруды Стайн после возвращения из Испании в Париж.

Стремление к архаизации облика изображаемого персонажа ощущается и в трактовке лица «Причесывающейся женщины». Сам сюжетный мотив, избранный для скульптуры, довольно часто встречается в это время в живописных и графических произведениях Пикассо, хотя сам по себе он не важен, является всего лишь предлогом для изображения обнаженной натуры. Жест сидящей на коленях причесывающейся женщины динамичен, но он контрастирует со спокойным лицом модели, не выражающим никаких эмоций. Глядя на черты ее лица, отмечаешь, как мимолетное увлечение классикой сменяется у Пикассо растущим интересом к доклассическим, архаическим формам искусства.

Интересно, что оригинал скульптуры создавался в технике керамики в парижской мастерской соотечественника Пикассо Франсиско Дуррио (там же ранее шла работа над портретом Фернанды). Пикассо стремится попробовать себя в разных материалах и техниках. Неудивительно, что в том же году он пробует себя в резьбе по дереву.

Известны две статуэтки, выполненные из самшита во время пребывания в Госоли. Моделью для обеих послужила Фернанда Оливье. В «Женском бюсте (Фернанда)» (77 ? 15,5 ? 15) хорошо проработанная голова модели контрастирует с ее едва намеченным телом, где лишь обозначены руки. В лице модели чувствуется сходство со скульптурным бюстом Фернанды, но черты лица даны более условно, геометризованно. Если «Женский бюст (Фернанда)» можно отнести к круглой скульптуре, то вырезанная также из самшита «Обнаженная с поднятыми руками» (46,5 ? 4,5 ? 6,5) характером трактовки ближе к рельефу. Пикассо достаточно тщательно прорабатывает не только лицо, но и всю фигуру обнаженной, а его резец едва углубляется в дерево. Несомненно, что работая над этими скульптурами, мастер вспоминал не только живопись и графику, но и пластику недавно ушедшего из жизни Поля Гогена, смело опиравшегося в своих поисках на опыт неевропейских художественных культур.

Если в первой половине 1900-х годов развитие художественного языка Пикассо шло сравнительно быстро, то с 1906–1907 годов оно стало стремительным: эволюция сменилась революцией. И в выработке новой эстетики – эстетики кубизма – искусство пластики сыграло немаловажную роль. С этого времени поиски Пикассо кардинально новых форм в живописи и в скульптуре идут рука об руку, а возможно, что порой его скульптура в чем-то обгоняла живопись.

Миниатюрная «Женская голова» (11 ? 8 ? 9), выполненная зимой 1906–1907 годов, подчеркнутой стилизацией, геометризмом форм, обобщенностью трактовки предвосхищает законченных несколькими месяцами позднее «Авиньонских девиц» (1907). Еще ближе к изображенным в знаменитом полотне лицам девушек вырезанная в дереве «Маска» (1907; 15,8 ? 11 ? 4,5). Здесь черты лица персонажа, о котором нельзя сказать, женщина это или мужчина, становятся совершенно условными. Особую выразительность маске придает заметная асимметрия черт лица, особенно носа, который дан анфас, и в то же время как бы в три четверти (одна его сторона намного шире другой).

В 1907 году Пикассо продолжает резать в дереве. Хотя образцы подобных работ немногочисленны, по ним можно судить о напряженных пластических поисках мастера, ведущих его к кубизму. Как правило, это изображение отдельных обнаженных фигур; их отличительная черта – усиливающаяся тяга к предельному упрощению, геометризации форм, в чем нетрудно усмотреть влияние примитивной неевропейской пластики. В подобных произведениях Пикассо начинает опираться не столько на привычное визуальное восприятие, сколько на некие ментальные структуры, на некое представление о пластике, о реальности, которое есть у человека, есть у любого художника, и которое было у мастеров тропической Африки или Океании. Это качество, по мнению хорошо знавшего художника поэта Андре Сальмона, и роднило его с африканскими мастерами скульптуры.

1908 годом датируются две маленькие скульптуры Пикассо, в которых очевидно сходство с персонажами его полотен. «Женская маска» (19 ? 16 ? 12) и «Сидящая обнаженная» (11 ? 9 ? 10,5) смотрятся как маленькие скульптурные этюды или эскизы к таким полотнам, как «Дружба» (зима 1907–1908. Гос. Эрмитаж), «Дриада» (весна – осень 1908. Гос. Эрмитаж), «Лежащая обнаженная» (весна 1908, Париж, Музей Пикассо).

В 1909 году Пикассо почти не занимается скульптурой, однако создает несомненный шедевр, подводящий итоги его ранних занятий пластикой. Моделью «Женской головы (Фернанда)» (40,5 ? 23 ? 26) вновь стала парижская подруга и муза Пикассо. По своим формально-пластическим особенностям эта скульптура – один из лучших образцов зрелой фазы раннего кубизма. Она входит в цикл кубистических портретов Фернанды, выполненных в живописи. Пикассо словно переводит в трехмерное пространство образ, созданный на плоскости. Определенное портретное сходство сохраняется, но главным становится новая система выразительных средств, основанная на тонкой парадоксальной игре плоскостями, выпуклыми и вогнутыми формами, которыми работает скульптор. При этом выступающая вперед форма может передаваться заглублением, и наоборот. Возникает богатая светотеневая игра; условная, казалось бы, форма оживает, становится динамичной, наполненной внутренней энергией.

Стремительная эволюция кубизма приводит к тому, что в ближайшие годы Пикассо перестает заниматься скульптурой в ее традиционном понимании. Через развитие коллажной техники его живопись выходит в третье измерение. Сначала живописные композиции испанского кубиста становятся своеобразными рельефами, а затем все больше и больше приобретают объемность. При этом материалом таких трехмерных композиций может стать все что угодно – куски дерева или железа, веревки или опилки, ненужные предметы, найденные на свалке. Кардинально меняется и метод создания произведения: на смену традиционному живописанию с помощью красок и кисти, лепке или резьбе приходит конструирование. Но это уже новая страница в творчестве Пикассо-пластика, требующая специального рассмотрения.

Таким образом, в кубистическом периоде скульптура Пикассо своими пластическими новациями уже соперничает с его революционными открытиями в живописи. Если к тому многообразию форм скульптуры, которое Пикассо демонстрирует на протяжении первого десятилетия ХХ века, добавить его блестящие творческие находки последующих десятилетий, то нужно признать, что величайший реформатор живописи входит в число самых крупных, самых авангардных скульпторов ХХ столетия. Некоторые его новации не имели непосредственного продолжения в силу того, что были неизвестны публике и коллегам. Сейчас же выдающееся значение Пикассо как скульптора становится все более и более очевидным. Его скульптурные работы и ныне выглядят чрезвычайно современно, остро и провокационно, они открывают новые пути для пластики XXI века.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Мюзикл Сапоги с выкрутасами и скульптуры, изготовленные Пабло Пикассо

Пабло Пикассо и его скульптуры

Скульптуры, изготовленные Пабло Пикассо в течение всей жизни, экспонируются на выставке в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке.

Это — первая всеобъемлющая выставка скульптур художника: древнейшую среди них он изготовил в 1902 году, когда ему было чуть за 20, а позднюю — в 1964-м, когда ему было за 80.

Для своих скульптур Пикассо использовал разнообразные техники и материалы, в том числе клей, бронзу, бумагу, штукатурку, дерево и железо.

«Определяющим для его скульптуры является нехватка последовательного стиля. Каждый раз, когда он начинал лепить новую скульптуру, в новом десятилетии, он выбирал новые материалы, новую технику», — говорит куратор выставки Анн Темкин.

Всемирно известным он стал благодаря своей живописи, Пикассо, однако, в течение всей жизни отдавал должное скульптуре. Он лепил человеческие лица и тела, животных и даже музыкальные инструменты.

«Он всегда сосредоточивал внимание на людях или животных. Обобщая, можно сказать, что, несмотря на кажущуюся детскую легкость и игривость стиля, тема его работ всегда серьезная», — рассказывает дальше Анн Темкин.

Выставка скульптур Пикассо в Музее современного искусства в Нью-Йорке работает от 14 сентября по 7 февраля.

Сапоги с выкрутасами

В Лондоне состоялась премьера мюзикла под названием Kinky Boots (Сапоги с выкрутасами), который еще в 2013 году был единодушно признан всеми критиками лучшей бродвейской постановкой года. Мюзикл получил тогда 13 номинаций на основную театральную награду «Тони» и выиграл 6.

Эта история о владельце обувной фабрики. Чарли Прайсу пришлось создавать экстравагантную обувь для спектаклей, где главные роли исполняют трансвеститы.

Итак, музыку и слова к песням написала Синди Лопер, а сценарий — легенда Голливуда, известный постановщик Харви Фирштейн. Оба очень довольны тем, что привезли постановку «домой».

«Мы — в Лондоне. Знаете, когда сидишь в Нью-Йорке и пишешь шоу, действие которого происходит в Лондоне, то пытаешься представить себе, как там все и к чему. Мы просто привезли шоу домой», — говорит Харви Фирштейн.

«Написание музыки чем-то напоминает приготовления пищи. Вы можете добавлять разнообразные ингредиенты, и это всегда увлекательно. На спектакль приходят люди разного возраста, поэтому следует учитывать это, вводить в шоу как современную музыку, так и несколько более давнюю, если хотите завоевать сердца людей всех возрастов», — добавляет Синди Лопер.

Мюзикл «Сапоги с выкрутасами» можно посмотреть в лондонском театре «Адельфи» до 6 февраля.

Да, в нашем современном мире востребована самая разнообразная обувь. Для крепких и рослых мужчин, к примеру, нужна обувь мужская больших размеров Где купить такую обувь? — а купить её можно, посетив специализированный интернет-магазин MoltoAlta.

Пабло Пикассо — Скульптура

Пикассо не так много афишировал свои эксперименты в скульптуре, хотя этот вид искусства его привлекал, поскольку он всегда стремился попробовать свои силы в чем-то новом. Только в 1966 году скульптуры Пикассо были представлены в Лондоне, Париже и Нью-Йорке на специальных выставках, насчитывающих более 200 экспонатов. 85-летний артист раскрыл новую грань своего таланта, которая раньше не была известна публике, хотя он постоянно практиковался в этой сфере.

Искусство ранней пластмассы

Первая скульптура Пикассо датируется 1901 годом. Еще будучи в Барселоне, он сделал скульптурный эскиз из бронзы «Сидящая женщина». Через два года были отлиты две бронзовые маски: «Слепой певец» и «Пикадор со сломанным носом». «Джокер», «Алиса Дерен» и «Женщина, причесывающаяся» пополнились скульптурой Пикассо в Париже. Все эти скульптуры по-прежнему вдохновлены реалистической пластикой Родена, но эмоционально ближе к живописным произведениям меланхоличного «голубого периода».

Кубизм

Когда в живописном языке мастера произошли кардинальные изменения, мутировали и его скульптуры. «Женская голова (Фернанда)» (1909) уже кубистская. Хаотичное пересечение плоскостей и объемов не мешает достичь живого сходства с Фернандой Оливье. «Стакан абсента» (1914) существует в шести вариациях. Каждая бронзовая отливка была окрашена художником по-своему. Что касается формального поиска, то эти работы — первые, в которых Пикассо созерцает столкновение реальности и ее интерпретации.Изображение бокала в бронзе сочетается с настоящей ложкой для абсента: принято наливать напиток через кубик сахара, помещенный на шумовку. Сам Пикассо редко комментировал свои работы, но на этот раз признал, что столкновение «реального» (ложка) и «нереального» (стекло) послужило мотивом для создания серии слепков. Позже он продолжает воплощать «настоящее» и «искусственное» в своих скульптурах и картинах, создавая коллажи и ансамбли.

Сюрреализм

В конце 1920-х Пикассо экспериментировал с проволочными конструкциями, а затем перенес свои сюрреалистические композиции в скульптуру.Дерево, металл и гипс использовались отдельно или в сочетании друг с другом. Первая композиция в этой технике — «Женщина в саду», созданная совместно с Хулио Гонсалесом. После покупки имения в Буазгелупе в 1932 году Пикассо основал скульптурную мастерскую в каретном сарае. Он обратился к анималистическим жанрам: «Голова коровы», «Петух». Тогда же наряду с сюрреалистическими картинами «Голова женщины» (1932) создавались скульптурные портреты его юной возлюбленной Мари-Терез Вальтер.Примечательно, что сходство очевидно, несмотря на деформацию. Кстати, гробница Пикассо также увенчана скульптурой «Женщина с вазой», изображающей Мари-Терезу.

Сборка

В период оккупации Франции Пикассо останавливался в Париже. В то время изобретенная им техника сборки достигла своего апогея. Собирая элементы композиций из мусора и мусора, Пикассо делал из них скульптуры, которые затем отливал в бронзе. Умение по-новому использовать вещи и внедрять их в произведения искусства — свидетельство безудержной фантазии и чувства юмора мастера.Так была сделана «Бычья голова» (1943 г.) из руля и сиденья велосипеда. В 1944 году Пикассо создал большую статую «Человек с ягненком» как символ гуманизма (которая позже была установлена ​​на площади в Валлорисе) и «Смертную голову», связанную с ужасами войны. В послевоенные годы Пикассо продолжал свои фантазии. Создавал композиции из разного мусора: колес, обуви, корзин, дверей и т. Д. Среди них «Маленькая девочка-скакалка», «Женщина с детской коляской», изображения животных: «Сова», «Коза», «Бабуин». и молодой »,« Бык »,« Голубь »и др., а также натюрморты.

Скульптуры из плоских пластин

В 1960-х Пикассо создает цветные скульптуры из листового металла. Скульптура в Чикаго была кульминацией этой техники. В 1967 году художник подарил городу пятнадцатиметровое сооружение весом 162 тонны. Он отказался получить за это 100 000 долларов. Существуют разные мнения о том, что именно изображено в металле. Пикассо не раскрыл секрет, и зрители могут увидеть на безымянной скульптуре голову павиана, афганскую борзую, муравьеда или птицу. Внук Пикассо считает, что Сильветт Дэвид может быть для него образцом.Так или иначе, памятник стал гимном кубизму и рукотворным памятником великому мастеру, открывшему новые возможности в пластическом искусстве.

Все работы по

году

Чикаго Пикассо, 1962-64 Пабло Пикассо

Чикаго Пикассо , посвященный 15 августа 1967 года в Дейли Плаза в кольце Чикаго, его высота составляет 50 футов (15,2 м), а вес — 162 тонны. Это было первое такое крупное публичное произведение искусства в центре Чикаго, и стала известной достопримечательностью.

Это произведение основано на многих художественных экспериментах Пикассо над годы, с его дислокацией и искажением формы, сетчатая структура, соединяющая минималистичные контуры лица с огромные стальные конструкции в форме крыльев для волос.

Скульптура выполнена по заказу архитекторов Центр Ричарда Дж. Дейли в 1963 году. Пикассо завершил макет, или модели скульптуры в 1965 году и утвердили окончательную модель скульптура 1966 года.Финальная модель, сварная сталь и стоящая 20 м (60 футов) высоты. Стоимость строительства скульптуры составила 351959,17 долларов США, выплачиваются в основном тремя благотворительными фондами: The Woods Благотворительный фонд Чонси и Марион Диринг Маккормик Фонд и Полевой фонд штата Иллинойс. Сам Пикассо ему предложили выплату в размере 100000 долларов, но он отказался от нее, заявив, что хотел подарить свою работу.

Несомненно, самая известная из множества уличных скульптур Чикаго, Чикаго Пикассо был открыт 15 августа 1967 года в центре города. Круговой район Чикаго, через дорогу от другой большой публики скульптура Чикаго Миро работы известного художника Жоана Миро.Сначала приветствовали криками, презрением и насмешками скульптура обозначила начало романа Чикаго с современным искусством, любовь дело, которое через несколько лет привело к кончине постановление, требующее, чтобы город откладывал процент от его годовой бюджет строительства и ремонта на покупку произведений искусства. Последние 40 много лет видели, как Чикаго стал мечтой туриста — на открытом воздухе скульптуры усеивают город десятками.

Несмотря на плохой прием, скульптура изначально получила статуя стала одним из неофициальных символов Чикаго. с Центром Джона Хэнкока, Солдат Филд и Художественным институтом львы.Немногие граждане Чикаго сейчас не признают и указать с гордостью на эту колоссальную работу.

Сегодня Чикаго Пикассо стал известным местом встреч для чикагцев. В зависимости от сезона и времени месяца есть музыкальные представления, фермерские рынки и другие чикагские дела, которые проводятся вокруг статуи Пикассо перед Дейли Плаза.

Почему некоторые ненавидели чикагскую скульптуру Пабло Пикассо? — Public Delivery

Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, 15.2 м (50 футов) в высоту, 147 тонн, вид с инсталляции, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY-SA 2.0, tacvbo

Кем был Пабло Пикассо?

Пабло Пикассо родился в 1881 году в Малаге, Испания. Его отец был уважаемым учителем рисования, и из-за этого Пабло посещал престижную Академию в Барселоне, когда ему было всего 14 лет. Именно здесь он написал свою первую работу под названием Девушка босиком . После двух лет в Академии Пикассо перешел на более продвинутое обучение. Но поскольку это его не интересовало, он обнаружил, что проводит время в кафе и публичных домах.

В 26 лет он начал заниматься кубизмом и уже был успешным художником. Он привел эволюцию кубизма к году, избежав угнетения законов материального мира, чтобы вырваться за пределы всех деградаций лжи, глупости критики, к той полной свободе, которая вдохновляла его юность года.

За свою жизнь Пикассо создал более 50 000 работ, в основном это картины и скульптуры. Другие работы включали безымянные гравюры, иллюстрации классических текстов, декорации, керамику, пьесу, литографию и два сборника стихов.Пикассо был творческим художником, и именно его художественное мастерство позволило ему пройти через различные периоды, включая Голубой период с 1900 по 1904 год и период Роз с 1904 по 1906 год.

Пикассо, возможно, самый известный художник нашей жизни. и считается одним из величайших творческих умов всех времен.

Чикаго Пикассо

Одна из его самых выдающихся работ обычно называется «Чикаго Пикассо ». Скульптура без названия находится в Чикаго, штат Иллинойс, США, и впервые была представлена ​​15 1967 года на площади Дейли в районе Чикагской петли.

Его высота составляет 50 футов (15,2 метра), а вес — 162 тонны (147 тонн). Чикагский Пикассо — кубистская скульптура и первая крупная общественная скульптура, установленная в центре Чикаго. Сегодня работа является одной из самых популярных достопримечательностей города Чикаго.

Скульптура Чикаго Пикассо является общедоступной, и она обладает манящими чертами обезьяньего бара. Из-за этих привлекательных особенностей посетители могут взбираться и скользить по основанию скульптуры.Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м, 147 тонн, вид на инсталляцию, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY 2.0), автор: Lightmatter

How & когда он был создан

Чикаго Пикассо был заказан в 1963 году архитекторами Центра Ричарда Дж. Дейли при содействии архитектора Уильяма Хартманна из Skidmore, Owings & Merrill. Художник завершил черновой набросок скульптуры в 1965 году и утвердил окончательную модель в 1966 году.

Предполагается, что стоимость работ составила 351 959 долларов, что сегодня эквивалентно 2,7 миллионам долларов. Эти расходы были оплачены благотворительными фондами, в том числе Благотворительным фондом Вудса, Полевым фондом штата Иллинойс и Фондом Мэрион Диринг Маккормик. Три благотворительные организации хотели заплатить Пикассо 100 000 долларов за его труд и художественные навыки, но художник отказался платить, заявив, что хочет сделать свою работу подарком. Скульптура была построена из стали Cor-Ten, материала, похожего на тот, который использовался для экстерьера центра Дейли.

У Пабло были близкие отношения с Чикаго, начиная с 1913 года, когда Институт искусств Чикаго стал первым художественным музеем в Соединенных Штатах, в котором была представлена ​​работа Пабло. Пабло Пикассо — прототип Чикаго Пикассо , вид инсталляции, Искусство Институт Чикаго, фото: CC BY 2.0, автор b0jangles Пабло Пикассо — Прототип Чикаго Пикассо , вид инсталляции, Институт искусств Чикаго, фото: CC BY-NC-ND 2.0, Меган Моррис

Противоречие

Хотя скульптура представляла некоторые из Существенные художественные способности Пикассо, это не перестало вызывать споры.Работа приводила в ярость и озадачивала некоторые политические круги, в основном из-за левых взглядов Пикассо. Некоторых представителей общественности возмутила абстрактность скульптуры.

На самом деле, Джон Хеллен, олдермен городского совета Чикаго, рекомендовал заменить скульптуру статуей бейсболиста Эрни Бэнкса. Чикагский трибунал провел неофициальный опрос представителей общественности, проходящих мимо памятника, в результате которого были шокированы сравнения с летающей монахиней, павианом или коровой, высунувшей язык .Но со временем скульптура начала покорять публику и стала символом города. Поскольку никто не защищал авторские права на произведение искусства, его изображение стало появляться на различных товарах и сувенирах.

Как только вы видите, что он появляется на кнопках и кофейных кружках, он перестает вызывать споры , сказал общественный историк Пол Дурика. Скульптура даже стала появляться в таких фильмах, как «Выходной день» Ферриса Бьюллера и «Братья блюз». Вскоре дети начали скользить по этой работе, превратив ее в де-факто интерактивную скульптуру в Чикаго.Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо) , 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м, 147 тонн, вид на инсталляцию, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY-NC-ND 2.0, автор: yooperann

Значение

Хотя скульптура является огромным произведением искусства, многие жители города до сих пор не знают, что она на самом деле означает, кроме того, что она просто достопримечательность перед площадью. Было бы легче понять смысл, стоящий за этим, если бы у него было официальное название, но Пикассо так и не назвал его; таким образом, имя Пикассо или столько же чикагцев называлось Чикаго .

Существует множество интерпретаций скульптуры даже в художественной сфере. Многие наблюдатели пришли к своему собственному пониманию, включая какое-то животное — слона, лошадь, птицу, жирафа, собаку, льва или павиана, что, по-видимому, является наиболее распространенной интерпретацией. Некоторые даже зашли так далеко, что предположили, что это скрипка ударила молнией.

Эрик Кеуне, директор по дизайну Skidmore, Owings & Merrill, заявил, что скульптура была в основном вдохновлена ​​второй женой Пикассо, Жаклин Рок.По словам Кеуне, при рассмотрении работы с выгодного угла можно увидеть профиль женщины.

Вы действительно можете увидеть профиль ее лица, профиль губ и подбородка, если взглянуть на него со спины. Это также комбинация ее профиля — они взяты из сделанных им эскизов — вместе с их афганской борзой в Кабуле.

Другие считают, что скульптура представляет собой женщину с длинной шеей и высоким хвостом, вдохновленную музой Пабло Пикассо Сильветт Дэвид, ныне известной как Лидия Корбетт.Во время строительства работы Корбетту было 19 лет, он жил в Валлори, Франция. Она часто сопровождала своего парня-художника, когда он поставлял стулья из дерева, металла и веревки. В свое время парень доставил стулья Пикассо, который был поражен длинной шеей Корбетта и высоким хвостом. С тех пор Пикассо сделал много ее портретов. В то время большинство людей думали, что он рисует актрису Брижит Бардо. Но на самом деле он был вдохновлен [Корбеттом] , — рассказал в 2014 году Chicago Sun-Times внук художника Оливье Видмайер Пикассо.По словам внука, создание Чикагской скульптуры также было вдохновлено Корбеттом. Пикассо создал 40 работ, вдохновленных Корбеттом. Пабло Пикассо — Портрет Сильветты Давид , 1954, холст, масло. 130,7 x 97,2 см, Художественный институт Чикаго, фото: CC BY-NC-ND 2.0) Little Koshka

В 1970-х годах Жаклин Пикассо сказала Нилу Томасу, что скульптура на самом деле представляет собой самца павиана, если смотреть с головы. на.

Пикассо нравилось, как существо менялось, если смотреть на него с разных сторон.

Эта фигура также ассоциировалась с богом с головой шакала Анубисом.
Один полковник Джек Рейли, однако, не был поклонником чикагского Пикассо. Его раздражение было не из-за художественной работы. Он был директором по особым мероприятиям в Чикаго и часто устраивал сложные приемы для приезжих светил в Дейли Плаза. А поскольку скульптура занимала большую часть места, кажется, что у него осталось мало места, чтобы выстроить в ряд марширующие отряды и воинские формирования. Рейли сказал в «Чикаго Трибьюн»:

Если это птица или животное, они должны поместить их в зоопарк.Если это искусство, то пусть в Художественный институт.

Пабло Пикассо — Эскиз Чикаго Пикассо , вид инсталляции, Художественный институт Чикаго, фото: CC BY-NC-ND 2.0, Фрэнк Фудзимото

Другие реакции

До того, как скульптура была установлена ​​в Чикаго, публичные статуи в основном представляли собой исторические личности. Рейли был не единственным, кто выступал против этого произведения искусства. Альгис Будрис — чикагский публицист и писатель-фантаст — установил на этом месте массивный огород перед тем, как была установлена ​​скульптура Пикассо.

Обозреватель Майк Ройко считал, что Пикассо уловил суть города Чикаго:

Можно подумать, что он ездил на L всю свою жизнь. Его глаза похожи на глаза каждого хозяина трущоб, который наживает деньги на маленьком и слабом. И каждого строительного инспектора, взявшего пачку у хозяина трущоб ».

Но это было до того, как Ройко сказал:

Уверен, интересный дизайн. Но факт в том, что у него длинное глупое лицо и похоже на какое-то гигантское насекомое, которое вот-вот съест насекомое поменьше и слабее.

Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м, 147 тонн, вид на инсталляцию, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY 2.0, Кан У.

Пикассо и политика

Правильно будет сказать, что политика Пикассо спровоцировала споры о достоинствах скульптуры. Один из авторов Tribune осудил это и назвал это так называемой статуей , подаренной коммунистом Пикассо с карточкой.

Пабло Пикассо вступил в Коммунистическую партию Франции в 1944 году, всего за несколько лет до того, как создал Голубя мира — эмблему, которую приветствуют антивоенные активисты, особенно те, кто обвиняет Соединенные Штаты больше, чем Советский Союз. Холодная война 1940-х годов.

Во время войны во Вьетнаме Соединенные Штаты разделились: одна фракция решительно выступала против участия страны, а другая поддерживала его.

Сразу после открытия скульптуры Пикассо антивоенному пикетчику было предъявлено обвинение в преступном посягательстве и хулиганстве после того, как он отказался прекратить демонстрацию на площади .

Однако Дейли не смутил язвительные критики художника. Он сказал:

С политикой мы справимся сами.Пикассо — лучший художник в мире, и это то, о чем мы заботимся.

Пабло Пикассо — Прототип Чикаго Пикассо и изображение открытия статуи, вид из инсталляции, Художественный институт Чикаго, фото: CC BY-NC 2.0 Эмили Барни

Последствия

Пикассо не только отключился оплату работы, которую он проделал при создании скульптуры, но он также отказался передать авторские права. Это означает, что город Чикаго не может собирать лицензионные сборы за реплики статуи, которые разрослись по мере того, как работа стала культовым памятником в Чикаго.

Однако в 1970 году федеральный судья постановил, что, поскольку скульптура является технической копией макета, она не может быть защищена авторским правом. Для многих это стало хорошей новостью, так как произведение многократно тиражировалось. Некоторые копии были проданы за миллионы. Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), сварная сталь, частная коллекция, фото: CC BY-NC 2.0, rocor

Чикагская скульптура вдохновляла таких художников, как Жан Дюбюффе, Марк Шагал и Жоана Миро устанавливать свои работы на известных сайтах.

Во время 25-летия скульптуры городской пожарный маршал Эммет МакШейн воздал ей должное, сказав:

Это то, что мы думаем о городе. «L» там, Пикассо, мэр.

Несмотря на все споры, вызванные этой скульптурой, ее открытие заслужило неохотное уважение. В статье для Chicago Daily News Майк Ройко сказал:

Это было не что иное, как большая домашняя металлическая вещь… Все говорили, что в ней был дух Чикаго.И за тысячи миль случайно или намеренно Пикассо запечатлел его.

Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м, 147 тонн, монтажный вид, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY-NC 2.0, автор rocorPablo Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м (50 футов), 147 тонн, монтажный вид, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY 2.0 by southie3

Заключение

Пабло Сам Пикассо никогда не был в Чикаго, или в Америке, если на то пошло, но его следы остались по всему городу.Возможно, он никогда не был в городе, даже во время торжественного открытия скульптуры, из-за своего твердого мнения о коммунизме. Поскольку это было в 1940-х годах, в разгар холодной войны, его не пустили в Соединенные Штаты.

На последнем этапе жизни Пикассо ничего не писал, кроме женских портретов. Его последний портрет был его последней женой, Жаклин Рок.

Его 90-летие стало его последним празднованием и одной из высших наград, когда-либо удостоенных живого художника.8 апреля 1973 года Пикассо скончался в возрасте 92 лет. Его работы по-прежнему, пожалуй, самые дорогие по сравнению с работами других художников его поколения и современности. Одна из его работ, алжирских женщин , была продана на аукционе Christie’s в 2015 году за колоссальные 179 миллионов долларов.

Сегодня Чикаго Пикассо — одно из самых известных мест встречи для многих жителей Чикаго. В зависимости от времени года вы найдете музыкальные представления, фермерские рынки и многие другие чикагские мероприятия, устроенные вокруг скульптуры перед Дейли Плаза.Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м (50 футов), 147 тонн, монтажный вид, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY 2.0) от dandeluca

Но это не означает, что чикагцы наконец поняли, что означает скульптура. Хотя публичные скульптуры призваны опровергнуть предвзятые представления об искусстве — и есть множество примеров даже у Пабло Пикассо — но Chicago Picasso может оказаться одним из самых сложных для интерпретации.

Расположение

50 W Washington St, Чикаго, Иллинойс 60602

+ 1312-744-5000 Пабло Пикассо — Без названия (Чикаго Пикассо), 1967, сталь Cor-ten, высота 15,2 м (50 футов), 147 тонн, инсталляция, Дейли Плаза, Чикаго, фото: CC BY 2.0, автор: southie3

Еще Пабло Пикассо

Новые измерения в скульптуре Пабло Пикассо

Нельзя отрицать или игнорировать важность Пабло Пикассо для развития искусство и то, что мы сегодня считаем наиболее важными и влиятельными сдвигами в его истории.Именно скульптура Пабло Пикассо вдохновила знаменитого Владимира Татлина на создание революционного художественного движения в России, его коллажи вдохновили термин смешанная техника , а его сотрудничество с Жорж Брак произвело один из самых плодотворных авангардных произведений. -гардовые движения начала ХХ века. Известный как отец кубизма , этот блестящий и часто жестокий человек создал и доминировал во множестве художественных дисциплин и сред.Наиболее известный своими живописными работами экспериментальный ум Пикассо, вполне возможно, нашел наиболее свободу и игривое выражение в его скульптурах . Именно здесь знаменитому художнику не хватало формального образования, которое он рано начал рисовать и рисовать, но это его не остановило. Признанный изобретателем сборочной скульптуры , эту сторону своего творчества Пикассо держал в себе до конца 1960-х годов ^[1] , когда общественность осознала его любовь к металлу, дереву, гипсу, керамике и любой повседневной жизни. объект, окружавший его в оккупированном Париже во время войны и отлитый художником из бронзы.Эта игривость преследовала Пикассо до конца, и некоторые из самых известных примеров его более поздних разработок в скульптуре стали самыми запоминающимися произведениями современной общественной скульптуры. Один из таких примеров находится в Чикаго и, несомненно, является гордостью этого города.

Игра и нарушение правил — вот чем был весь Пикассо, и теперь мы приглашаем вас рассказать историю его трехмерного путешествия и некоторые из его лучших примеров, чтобы продемонстрировать, как этот творческий ум перевернул все правила и внес свой вклад в понимание нынешний срок — , современная скульптура .

Пабло Пикассо — Голова женщины. Изображение взято с wikipedia.org

Пабло Пикассо и любовь к скульптуре

В некоторые из решающих моментов своей продолжительной карьеры Пикассо отказался от двумерных экспериментов, чтобы исследовать отношения между пространством и объектом и использовать полученные знания, чтобы раздвинуть границы традиционного понимания того, что такое искусство. . Его трехмерная постановка была для некоторых даже отправной точкой для основных идей движения кубизма .Знаменитый портрет Фернанды Оливье с бронзовой головой, названный просто Голова женщины , с его предложением различных точек зрения и большим объемом массы, считается важным фактором изменения подхода Пикассо к живописи и его основных идей о стиле кубизма. ^[2] . Рано Пикассо отвернулся от традиционного искусства лепки, отдав предпочтение идее сборки и конструирования . Об этом свидетельствует его знаменитая работа « Guitar », трехмерный объект, сделанный из струн, картона и бумаги.Демонстрируя свой интерес к космосу и найденным материалам, подход Пикассо считается важным для понимания истории старья: сочетает в себе известного американского художника Роберта Раушенберга. Подобно тому, как Пикассо подошел к включению повседневных предметов в свои коллажи, его скульптура демонстрирует правило, согласно которому все можно и можно использовать, а также отход от традиционных материалов и определения среды. Превращение повседневного в искусство , конечно, лежит в основе понимания реди-мейдов Дюшана, но в произведениях Пикассо мы наблюдаем большее уважение к ресурсам, найденным объектам и игривую игру ассоциаций.Это очевидно в знаменитой работе Bull’s Head, , где Пикассо использовал велосипедное сиденье и ручки для создания детали. За исключением литой бронзы, которая, казалось, его не особо интересовала, Пикассо не нашел материала, который он не мог контролировать или использовать.

Пабло Пикассо — Голова женщины, 1929-1930

Основные влияния

Именно в постановке известного художника Поля Сезанна Пикассо нашел ключ к своим творческим достижениям. Понимание Сезанном того, как отобразить самое главное в природе и реализовать это для создания единой поверхности, было тем, что Пикассо увидел на ретроспективной выставке этого мастера в Salon d’Automne в 1906 году , и это произвело на него наибольшее впечатление.В то же время на это проявилось еще одно большое влияние — преобладающий интерес к примитивным скульптурам и ритуальным предметам Африки и Океании . Обращаясь к традициям африканской скульптуры, из-за его сложной абстракции формы и мгновенного признания духовного , Пикассо был не единственным творцом, осознавшим магию и свободу этой культуры. Это нашло отражение на поверхности и стилизации фигур в его знаменитой картине Les Demoiselles d’Avignon . граненых женских тел и маскоподобных лиц фигур на этой картине ^[3] продолжали интересовать автора, создавшего большое количество эскизов и скульптур, которые воспроизводили и исследовали идеи примитивной скульптуры , ритуалов и т. Д. главное маски . Наряду с двумя упомянутыми влияниями мы не можем избежать того факта, что скульптуры Пикассо идут рука об руку с его работой на холсте, и для многих его скульптуры — это прыжок его живописи в третье измерение.Поэтому неудивительно, что мы являемся свидетелями аналогичного подхода к геометрическому исследованию и дроблению поверхностей на его картинах, а также в его скульптурных произведениях.

В какой-то момент Пикассо описал свою скульптуру как « неизвестной цивилизации », и многие видят эту почву, возможно, не столь плодотворную, как его двухмерные работы, но наверняка более раскрепощающую и игривую. Автобиографический элемент его творчества нашел свое отражение и в его скульптурах, а его более поздние работы включали игрушки сына, с самого начала следуя принятому им методу использования повседневных предметов.В конце концов, беспокойное эго автора все еще просило большего, а его скульптура требовала большего монументального масштаба. Многие считали скульптуры спутниками жизни Пикассо, и существует огромное количество фотографий, отражающих его образ жизни с доказательством его любви к этой среде.

Пабло Пикассо — Стул Канны, 1961

Знаменитые скульптуры Пикассо

Люди не склонны думать о Пикассо как о скульпторе, но он был потрясающим скульптором. Он подошел к медиуму с самоучкой свободой, нарушив все правила.Его скульптуры неоднократно подвергались исследованиям и выставкам. В 2015 году Музей современного искусства в Нью-Йорке организовал масштабное исследование его влиятельных работ в трех измерениях под названием Скульптура Пикассо . После организованной MoMA в 1967 году выставки под названием « Скульптура Пикассо, » это была первая подобная музейная выставка в Соединенных Штатах почти за полвека. Глядя на скульптурное творчество известного художника, мы составили список самых известных скульптур Пикассо !

Бабуин и молодые, 1951

Отлитая из бронзы скульптура « Бабуин и детеныш » 1951 года изображает бабуина-бабуина, держащего свое потомство.В качестве примера найденного искусства произведение было создано путем моделирования сборки предметов с помощью гипса. Голова павиана создана из двух игрушечных машинок, позаимствованных у его сына Клода, и ручек для чашек, изображающих уши, в то время как горшок из керамики используется для формирования его тела и формы плеч, а автомобильная пружина — для формирования его хвоста. Эта работа, созданная на его вилле недалеко от Валлариуса, является прекрасным примером способности Пикассо метафорической трансформации . Он создал несколько фигур заботы и заботы из предметов домашнего обихода.

Пабло Пикассо — Бабуин и молодые, 1951

Без названия, 1967

Произведение Без названия 1967 года, также известное как Chicago Picasso , представляет собой монументальную скульптуру, установленную в Daley Plaza в Чикаго . Эта скульптура весом 162 тонны и высотой 50 футов является первым крупным произведением искусства Пикассо. Опираясь на многие эксперименты Пикассо на протяжении его карьеры, эта работа демонстрирует смещение и искажение формы и структуру корзины с минималистскими контурами.На нем изображен бюст женщины, и считается, что он был вдохновлен Сильветтой Давид, с которой у Пикассо были платонические отношения. По заказу архитекторов Центра Ричарда Дж. Дейли в 1963 году стоимость строительства составила 351 959,17 долларов. Пикассо предложили 100000 долларов за произведение, но он отказался от денег, заявив, что это произведение было подарком городу.

Пабло Пикассо — Без названия, 1967

Женщина в саду, 1929-30

Изделие Женщина в саду представляет собой большую белую скульптуру из сварного металла.Это было одно из последних произведений, представленных мемориальному комитету в поисках памятника на могиле поэта Гийома Аполлинера . Пикассо создал несколько форм представления в сотрудничестве со скульптором Хулио Гонсалесом. Изделие создано путем сварки литой бронзы. Изображенная женщина сидит на невысоком постаменте, а ее передняя часть состоит из множества металлических кусочков и бобов. Пять развевающихся кусочков металла для завивки венчают украшение. Считается, что пластинка в форме почки посередине — это ее матка.Он был сфотографирован печально известным фотографом Брассаи в 1932 году в саду Пикассо в замке Буа-Желуп.

Пабло Пикассо — Женщина в саду, 1929-30

Макет для гитары, 1912

Изделие Maquette for Guitar 1912 года — одно из первых произведений, которое переопределило скульптуру как нечто более близкое к архитектуре и сборку открытых плоских компонентов. Сборка или трехмерный коллаж. Этот кусок создан из картона, бумаги, веревки и проволоки, скрученных, продетых и склеенных.Это была первая скульптура, созданная из разрозненных частей , и она не походила ни на одну скульптуру, которую когда-либо видели. Плавно объединяя массу и окружающую ее пустоту, эта работа переводит кубистские интересы Пикассо во множестве перспектив и геометрических форм в трехмерный объект, продолжая стирать различие между высоким искусством и культурой. В 1914 году Пикассо воссоздал эту скульптуру в более фиксированной и прочной форме из листового металла.

Слева: Пабло Пикассо — Макет для гитары, 1912/ Справа: Макет для гитары на выставке скульптур Пикассо в МоМА

Бокал абсента, 1914 год

Изделие Стакан абсента отличается использованием настоящей ложки для абсента , которая использовалась без каких-либо дополнительных изменений.В век аллегорических скульптур изображение стакана с алкоголем шокировало своей банальностью. Это конкретное включение ложки, которой была отведена репрезентативная роль, выросло из его коллажных работ, но открыло совершенно новую категорию сборки найденных объектов. Пикассо отлил шесть бронзовых копий из воскового оригинала, каждая из которых украшена уникальным образом. Говоря о своем желании исследовать различные способы изображения, он заявил: «Меня интересовала связь между настоящей ложкой и смоделированным стаканом.В том, как они столкнулись друг с другом ». ^[4]

Пабло Пикассо — Стакан абсента, 1914

Коза, 1950-1952

Изделие Коза представляет собой массивное бронзовое изделие в натуральную величину, состоящее из плетеной корзины, тыльной стороны пальмового листа, двух керамических вазонов для вымени и других элементов. Большинство этих предметов было найдено на полях возле мастерской Пикассо Валлори. После того, как он сформировал из них скелет, он залил его гипсом. Козлиный мотив , глубоко укоренившийся в европейском искусстве с классических времен, изображен здесь как беременный, и он представляет определенный оптимизм после войны и развития его личной жизни с тех пор, как его юная любовница Франсуаза Жило недавно родила второго ребенка .Коза здесь олицетворяет плодородие и обновление жизни.

Пабло Пикассо — Коза, 1950-1952

Центавр, 1961-67

Эта красивая и простая скульптура высотой пять с половиной дюймов под названием Centaure отлита из 18-каратного золота . Это изделие, выпущенное ограниченным тиражом в десять экземпляров, украшено ювелирным клеймом Франсуа и Пьера Гюго. Это произведение было создано после того, как Пикассо женился на своей возлюбленной Жаклин . Пикассо интересовался мифологией на протяжении всей своей карьеры, и все же это еще одно изображение древнегреческой фигуры Гомера.Сведенный к двухмерному линейному рельефу и отличающийся простотой линий, это произведение идеально передает динамику этого мифологического животного. Обращаясь к древнегреческому устройству плодородия, кентавр имеет одну дополнительную фаллическую ногу .

Пабло Пикассо — Centaure, 1961-67

Bull’s Head, 1942

Произведение Голова быка — еще одна из найденных работ Пикассо. Создан в 1942 году из сиденья и руля велосипеда .Описанный Роландом Пенроузом как самое известное открытие Пикассо и простое, но «поразительно завершенное» метаморфозы , это произведение было выставлено в Осеннем салоне в Париже в 1944 году, шокировав посетителей и вызвав демонстрацию. Как объяснил сам Пикассо, он обнаружил эти ржавые части, которые соединились в его голове, прежде чем он успел подумать. Искусствовед Эрик Гибсон назвал произведение уникальным среди скульптур Пикассо своей честностью и прозрачностью. ^[5] Изделие производит сильное визуальное впечатление и почти таинственное, простое чудо.

Пабло Пикассо — Голова быка, 1942 (Фотография Брассая)

Козий череп и бутылка, 1951

Окрашенная в оттенков серого , которые напоминают палитру Пикассо во время и после Второй мировой войны, изделие « Козий череп и бутылка » 1951 года было создано из найденных материалов, отлитых из бронзы. В этот период Пикассо создал несколько монохромных произведений, напоминающих зверства войны .Свеча и череп служат напоминанием о человеческой смертности . Руль велосипеда используется как козлиные рога, а большие болты — как его глаза. Гофрированный картон, покрывающий голову, подразумевает ее волосы. Как и во многих скульптурах Пикассо, эти найденные элементы, составляющие единое целое, не полностью отказываются от своей первоначальной идентичности.

Пабло Пикассо — Козий череп и бутылка, 1951

Беременная женщина, 1950

Изделие Беременная женщина было создано в 1950 году в Валлариусе.Грудь и раздутая матка фигуры сделаны из горшков и вазы. Используемая керамика хорошо видна и, возможно, относится к керамическим произведениям Пикассо . Его возлюбленная Франсуа Жило , которая жила с ним между 1946 и 1953 годами, считала, что этот кусок означает исполнение желания , когда она отказалась иметь с ним третьего ребенка. Она сказала, что когда он сделал эту фигуру, и она заявила, что ей не нравится, он отрубил ей ноги.

Пабло Пикассо — Беременная женщина, 1950

Совет редакции: Скульптура Пикассо

Эта книга была издана в связи с первой крупномасштабной выставкой трехмерных работ Пикассо в MoMA.Красиво иллюстрированный, он показывает богатую продукцию и одно из самых больших увлечений художника, которое оставалось в тайне до исторической выставки 1967 года. Книга, организованная в хронологическом порядке для отображения основных стилистических сдвигов, отражает и комментирует периоды, которые Пикассо посвятил скульптуре, позволяя читателю лучше понять одного из самых влиятельных умов и персонажей 20-го века.

Автор: Силка П. и Елена Мартиника.

Источники:

1. Луиза Малер, Скульптура Пикассо , Amazon Books, ноябрь 2015 г.
2. Аноним, Фокус: Скульптура Пикассо , Выставки, MoMa, 3 июля, 3 ноября 2008 г.
3. Дениз Мюррелл, Африканские влияния в современном искусстве , Хейлбрунн Хронология истории искусства, апрель 2008 г.
4. Аноним, Пабло Пикассо, Бокал абсента , МоМА, [23 августа 2016 г.]
5. Аноним, Голова быка , Википедия, [23 августа 2016 г.]

Все изображения использованы только в иллюстративных целях.Лучшее изображение в слайдере: Вид установки — Скульптуры Пабло Пикассо, MoMA, 2015. Изображение с сайта moma.org; Пабло Пикассо — Гитара. Изображение с сайта theartblog.org; Пабло Пикассо — Без названия, общественная скульптура, Чикаго. Изображение взято с loopchicago.com

Общественная карта искусства | Центр визуальных искусств MIT List

С постоянным ростом коллекции произведений искусства Института кампус MIT стал местом для любителей искусства. Чтобы поддержать растущий интерес к коллекции со стороны сообщества в целом, List Center недавно запустил новую программу экскурсий под руководством студентов Массачусетского технологического института и новую расширенную карту паблик-арта в сочетании с мобильным веб-приложением.Вы можете посетить listart.oncell.com для самостоятельной экскурсии по коллекции с использованием GPS.

Публичная коллекция произведений искусства и выставки в List Center всегда бесплатны и открыты для широкой публики. Чтобы запланировать групповой тур, свяжитесь с Эмили А. Гарнер, менеджером кампуса и общественных программ (адрес электронной почты скрыт; требуется JavaScript).

Public Art Update

В 2019 году Алисии Кваде было поручено создать Against the Run , 2019, новую работу Percent-for-Art для коллекции паблик-арта в кампусе Массачусетского технологического института.Это скульптурное произведение, находящееся на Кендалл-сквер, участок 4 проекта Kendall Square Initiative Массачусетского технологического института, представляет собой действующие часы, которые не оправдывают ожиданий зрителей. Сам циферблат вращается против часовой стрелки, двигаясь прямо напротив секундной стрелки, которая кажется неподвижной. Минутная и часовая стрелки работают нормально, а часы показывают правильное время, несмотря на одновременное движение в обратном направлении. В этой работе Кваде бросает вызов нашему восприятию знакомых объектов и предлагает нам переосмыслить время и его визуальное представление.

В 2018 году два процента художественных заказов Олафура Элиассона и Ника Маусса были выполнены и добавлены в Коллекцию общественного искусства Института.

Северо-западный проход Олафура Элиассона расположен на потолке прохода здания 12, MIT.nano. Инсталляция Элиассона охватывает 90 футов и состоит из 7 светодиодных колец, свисающих с 30 полированных панелей из нержавеющей стали и отражающихся в них, приветствует посетителей здания и выходит на пешеходную дорожку на северной стороне комплекса.

Ника Маусса Dispersed Events состоит из семи керамических оловянных фресок разного масштаба, установленных в атриумах и на лестницах здания химического машиностроения Ландау имени И.М. Пея (1976). Задуманные как ансамбль произведений, занимающих несколько этажей, эти фрески освещают бетонные интерьеры исторического здания и активизируют проходы, показывая, как зритель движется и останавливается в этом уникальном и сложном здании.

Пабло Пикассо — 1168 произведений

Пабло Пикассо был самым влиятельным и влиятельным художником 1-й половины 20-го века. Связанный больше всего с новаторским кубизмом, он также изобрел коллаж и внес большой вклад в сюрреализм. Он считал себя прежде всего художником, но его скульптура оказала большое влияние, и он также исследовал такие разнообразные области, как гравюра и керамика. Наконец, он был известной харизматичной личностью, ведущей фигурой в Ecole de Paris.Его многочисленные отношения с женщинами не только проникали в его искусство, но и, возможно, определяли его курс, и его поведение стало воплощением поведения современного богемного художника в народном воображении.

Пикассо отверг взгляд Матисса на первостепенную важность и роль цвета и вместо этого сосредоточился на новых живописных способах представления формы и пространства. Под влиянием новинок Сезанна, а также африканской скульптуры и древнего иберийского искусства он начал придавать своим фигурам больше структуры и деконструировать условности перспективы, которые доминировали в живописи со времен Возрождения.Это привело его (вместе с Жоржем Браком) к развитию совершенно нового кубистского движения, которое быстро стало передовым направлением современного искусства. В то же время сам Пикассо отказался от ярлыка «кубизм», особенно когда критики начали различать два ключевых подхода, которые он преследовал — аналитический и синтетический.

В 1920-е и 1930-е годы Пикассо принял неоклассический образный стиль. Повзрослев, он работал над собственными версиями канонических шедевров таких художников, как Пуссен, Энгр, Веласкес, Гойя, Рембрандт и Эль Греко.

Влияние Пикассо было глубоким и далеко идущим на протяжении большей части его жизни. Его работа в области новаторского кубизма установила набор изобразительных проблем, приемов и подходов, которые оставались важными вплоть до 1950-х годов. Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA) был назван «домом, который построил Пабло», потому что в нем так широко представлены работы художника. Пикассо создал одни из величайших картин 20-го века, некоторые из которых достигли культового статуса («Авиньонские девицы», «Герника», «Плачущая женщина»).

Более …

Пабло Пикассо (/ pɪˈkɑːsoʊ, -ˈkæsoʊ /; испанский: [ˈpaβlo piˈkaso]; 25 октября 1881 г. — 8 апреля 1973 г.) был испанским художником, скульптором, гравером, керамистом, сценографом, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей взрослой жизни. во Франции. Считается одним из самых влиятельных художников 20-го века, он известен как соучредитель кубистского движения, изобретением искусственной скульптуры, совместным изобретением коллажа и широким разнообразием стилей, которые он помогал разрабатывать и исследовать. .Среди его самых известных работ — прото-кубистские «Авиньонские девицы» (1907) и «Герника» (1937), драматические изображения бомбардировок Герники немецкими и итальянскими военно-воздушными силами.

Пикассо в ранние годы проявил незаурядный художественный талант, рисовал в естественной манере в детстве и юности. В течение первого десятилетия 20-го века его стиль изменился, поскольку он экспериментировал с различными теориями, техниками и идеями. После 1906 года работы в стиле фовизма более старшего художника Анри Матисса побудили Пикассо исследовать более радикальные стили, положив начало плодотворному соперничеству между двумя художниками, которых впоследствии критики часто объединяли в пары как лидеров современного искусства.

Работы Пикассо часто делятся на периоды. Хотя названия многих из его более поздних периодов обсуждаются, наиболее общепринятыми периодами в его творчестве являются Голубой период (1901–1904), период роз (1904–1906), период африканского влияния (1907–1909), Аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919), также называемый периодом кристаллов. Большая часть работ Пикассо конца 1910-х — начала 1920-х годов написана в неоклассическом стиле, а его работы середины 1920-х годов часто имеют черты сюрреализма.Его более поздние работы часто сочетают в себе элементы его более ранних стилей.

Исключительно плодовитый на протяжении своей долгой жизни, Пикассо добился всемирной известности и огромного состояния за свои революционные художественные достижения и стал одной из самых известных фигур в искусстве 20-го века.

Пикассо был крещен Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, серия имен, посвященных различным святым и родственникам.Руис и Пикассо были включены для его отца и матери, соответственно, в соответствии с испанским законодательством. Родился в городе Малага в Андалузском регионе Испании, он был первым ребенком Дона Хосе Руиса и Бласко (1838–1913) и Марии Пикассо и Лопес. Его мать была итальянского происхождения с территории Генуи. Хотя Пикассо крестился как католик, позже он стал атеистом. Семья Пикассо принадлежала к среднему классу. Его отец был художником, который специализировался на натуралистических изображениях птиц и других диких животных.Большую часть своей жизни Руис был профессором искусства в Школе ремесел и хранителем местного музея. Предки Руиза были мелкими аристократами.

Пикассо с ранних лет проявлял страсть и умение рисовать. По словам его матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от lápiz, испанского слова «карандаш». С семи лет Пикассо получил формальное художественное образование у своего отца в рисовании фигур и масляной живописи. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что для надлежащего обучения требуется дисциплинированное копирование мастеров и рисование человеческого тела по гипсовым слепкам и живым моделям.Его сын стал заниматься искусством в ущерб своим классным занятиям.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

художников по направлению: постимпрессионизм

Художественное движение

Постимпрессионизм (также называемый постимпрессионизмом) — это преимущественно французское художественное движение, которое развивалось примерно между 1886 и 1905 годами, от последней выставки импрессионистов до зарождения фовизма.Постимпрессионизм возник как реакция на заботу импрессионистов о натуралистическом изображении света и цвета. Из-за широкого акцента на абстрактных качествах или символическом содержании постимпрессионизм включает в себя неоимпрессионизм, символизм, перегородчатость, школу Понт-Авена и синтетизм, а также некоторые работы более поздних импрессионистов. Движение возглавляли Поль Сезанн (известный как отец постимпрессионизма), Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сёра.

Термин «постимпрессионизм» впервые использовал искусствовед Роджер Фрай в 1906 году.Критик Фрэнк Раттер в обзоре Осеннего салона, опубликованном в Art News 15 октября 1910 г., охарактеризовал Отона Фриеса как «лидера постимпрессионистов»; Была также реклама шоу «Постимпрессионисты Франции». Три недели спустя Роджер Фрай снова использовал этот термин, когда организовал выставку 1910 года «Мане и постимпрессионисты», определив ее как развитие французского искусства со времен Мане.

Постимпрессионисты расширили импрессионизм, отвергнув его ограничения: они продолжали использовать яркие цвета, часто толстое нанесение краски и реальные предметы, но были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать форму для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольный цвет.

Постимпрессионисты были недовольны тем, что, по их мнению, было тривиальностью сюжета и потерей структуры в картинах импрессионистов, хотя они и не пришли к единому мнению о дальнейших действиях. Жорж Сёра и его последователи интересовались пуантилизмом, систематическим использованием крошечных цветных точек. Поль Сезанн намеревался восстановить чувство порядка и структуры в живописи, «сделать из импрессионизма нечто прочное и прочное, как искусство музеев». Он достиг этого, уменьшая объекты до их основных форм, сохраняя при этом насыщенные цвета импрессионизма.Импрессионист Камиль Писсарро экспериментировал с идеями неоимпрессионизма в период с середины 1880-х до начала 1890-х годов. Недовольный тем, что он называл романтическим импрессионизмом, он исследовал пуантилизм, который назвал научным импрессионизмом, прежде чем вернуться к более чистому импрессионизму в последнее десятилетие своей жизни. Винсент Ван Гог использовал цвета и яркие кружащиеся мазки кисти, чтобы передать свои чувства и душевное состояние.

Хотя они часто выставлялись вместе, художники-постимпрессионисты не пришли к согласию относительно единого движения.Тем не менее, абстрактные соображения гармонии и структурного устройства в творчестве всех этих художников преобладали над натурализмом. Такие художники, как Сёра, придерживались строго научного подхода к цвету и композиции.

Молодые художники в начале 20-го века работали в географически разрозненных регионах и в различных стилистических категориях, таких как фовизм и кубизм, отходя от постимпрессионизма.

Этот термин использовался в 1906 году и снова в 1910 году Роджером Фраем в названии выставки современных французских художников: Мане и постимпрессионисты, организованной Фраем для галерей Графтона в Лондоне.За три недели до шоу Фрая художественный критик Фрэнк Раттер опубликовал термин «постимпрессионист» в Art News от 15 октября 1910 года во время обзора Осеннего салона, где описал Отона Фриеса как «лидера постимпрессионистов». ; в журнале была также реклама шоу «Постимпрессионисты Франции».

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Post-Impressionism .