Музей изобразительных искусств имени пушкина в москве официальный сайт: Государственный музей А.С. Пушкина

Портрет доктора Феликса Рея особенный по той простой причине, что этот человек спас Ван Гогу жизнь. Это врач, который дежурил, когда Ван Гог наткнулся на операцию после того, как жестоко избил собственное ухо. Он был в тяжелом состоянии, и, если бы не доктор Клэр,Мастерство и профессионализм Рея На этом, возможно, и закончилась жизнь Ван Гога.

Реплика картины маслом Винсента Ван Гога на продажу

Портрет доктора Феликса Рея был написан в знак благодарности доктору Рей. Он не только сделал операцию Винсенту, но и помог ему в последующие месяцы справиться с его тяжелым настроением и убедил его поступить в приют в соседнем Saint-Rémy .Считается, что хотя доктору Рей нравился Ван Гог, ему не очень нравился его портрет, и он отдал его своей матери, которая, как говорят, использовала его, чтобы залатать дыру в своем курятнике.

Ван Гог умел запечатлеть свой расслабленный и сосредоточенный взгляд своими фирменными толстыми и точными мазками. Он стоит перед стеной с рисунком зеленый с элементами желтого и красного , которые одновременно конфликтуют и дополняют его темно-синий жакет синий .

Красный виноградник известен как одна картина, которую Ван Гог продал при жизни.А «Морской пейзаж в Сент-Мари» — Ван Гог, наконец, попытался нарисовать «Морской пейзаж », то, что он давно хотел сделать, и которая стала частью его серии «Сент-Мари».

Студия Ван Гога

Мы отправили в более чем 20 стран мира многим довольным клиентам.Кроме того, масляные репродукции, которые вы получите, будут выглядеть так же, как оригиналы. Но на случай, если вас не устроит финальный рисунок; Вы можете воспользоваться нашей 100% гарантией возврата денег.

Некролог Ирины Антоновой | Арт.

Ирина Антонова, скончавшаяся в возрасте 98 лет, более полувека проработала директором знаменитого Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина в Москве. Будучи страстным сторонником тесных связей между русской и западноевропейской культурой, она расширила экспозицию музея импрессионистов и модернистов, многие из которых были спрятаны в хранилищах прежними директорами.Противодействуя цензуре и политической ортодоксии в советский период, она осмелилась сотрудничать с музеями в Берлине и Париже, чтобы организовать выставки, показывающие, как русские, немецкие и французские художники-авангардисты влияли друг на друга.

Ее успех в оспаривании официального мышления и преодолении деспотической бюрократии был достигнут благодаря ее грозной личности, интеллектуальной силе и стойкости в сочетании с публичным выражением экстравагантной лояльности советской идеологии.В 1990 году она была выбрана для выступления с программной речью на последнем праздновании Коммунистической партией Октябрьской революции 1917 года перед распадом партии.

Антонова родилась в Москве в семье рабочего. Ее отец, Александр Антонов, по образованию электрик, был одним из первых членов большевистской партии, вступившей в нее в 1906 году. Ее мать, Ида Михайловна Хейфец, родившаяся в Литве, училась на певицу, но сначала нашла работу только в качестве певицы. уборщица в типографии. Они познакомились в Харькове, на Украине, во время гражданской войны, но брак был хрупким.

Александр часто отсутствовал, а затем завел вторую семью. Но в 1929 году он взял с собой семилетнюю Ирину и ее сводную сестру, когда его отправили в советское посольство в Берлине. Они прожили в Германии четыре года, пока Гитлер не пришел к власти.

Вернувшись в Москву, Антонова продолжала свое обучение до 1940 года, когда поступила в студенческую школу. истории искусств в МГУ.После нападения Гитлера на СССР в июне 1941 года она начала учиться на медсестру. Через четыре месяца они с мамой присоединились к массовой эвакуации москвичей на Урал. Это был ужасный опыт, который Антонова наглядно описала в интервью 2003 года с бывшим послом Великобритании Родриком Брейтуэйтом в своей книге «Москва 1941».

Поезд подвергся сильной бомбардировке примерно в 10 км от Москвы. Все бросились искать убежище в окрестный лес, но Ирина осталась в поезде, чтобы утешить тяжело беременную женщину.

Когда они добрались до Куйбышева (ныне Самара), им негде было жить, поэтому они с матерью провели зиму в железнодорожном спальном вагоне, готовя и стирая под открытым небом. В январе 1942 года, после того как немецкие войска начали отступление после героического сопротивления на окраине Москвы, она и ее мать вернулись в город.

Не считаясь незаменимым работником, Ирина должна была остаться в Куйбышеве, но с типичной решимостью и мужеством она пряталась в багажнике, когда патрули объезжали поезд, а также сумела уйти от них на Московском вокзале.

Работая по совместительству медсестрой, она вернулась в университет в Москве и после его окончания в 1945 году присоединилась к коллективу ГМИИ, где провела следующие 75 лет. Одной из первых ее работ была помощь в хранении коллекций произведений искусства, вывезенных победоносной Красной Армией из Германии. Среди них были «Сокровища Приама», клад золотых корон и драгоценностей, раскопанный Генрихом Шлиманом в Трое, а также более 700 картин из Дрезденской галереи.Части Дрездена были возвращены в 1955 году в город, который находился в контролируемой коммунистами Восточной Германии. Троянские работы остаются в Москве.

Другой проблемой было размещение огромной коллекции картин преимущественно французских импрессионистов (Матисс, Моне, Гоген, Дерен), купленной до революции двумя купцами-миллионерами из Москвы Сергеем Щокином и Иваном Морозовым. Они были экспроприированы советским правительством при Ленине и помещены в Государственный музей современного западного искусства. Музей был распущен Сталиным в 1948 году, когда началась холодная война, и картины были распределены между Пушкинским музеем и Эрмитажем в Ленинграде.

В 1961 году Антонова получила массовое повышение от хрущевского министра культуры Екатерины Фурцевой, чье бесстрашие и сила характера не уступали ее собственным. Антонова была назначена директором Пушкинского музея.

Ее новый пост сделал ее одной из ведущих общественных деятелей Советского Союза и часто брала ее за границу на собрания директоров других всемирно известных музеев. В Париже она познакомилась с Марком Шагалом после того, как их представил директор Лувра. Она упорно боролась за проведение выставки работ Шагала в Москве, но только при более либеральном режиме Михаила Горбачева она наконец состоялась в 1987 году, через год после смерти Шагала.

Париж был также местом, где она убедила великого русского пианиста Святослава Рихтера организовать международный музыкальный фестиваль в Москве. Он уже давал регулярные сольные концерты в Лувре, а в 1981 году под патронатом Антоновой начал ежегодный фестиваль в залах Пушкинского музея под названием «Декабрьские ночи Святослава Рихтера», который она продолжила после его смерти в 1997 году.

Антонова читала многочисленные публичные лекции в России и за рубежом и свободно говорила на немецком, французском и итальянском языках. Она всегда чувствовала себя ближе к искусству континентальной Европы, чем к Британии, но она согласилась провести выставку работ Генри Мура в Пушкинском музее в 1991 году. Ее почти пришлось отменить, когда в августе 1991 года реакционеры коммунистической партии устроили переворот против Горбачева. , но переворот сорвался.

Единственная заметная неудача Антонова связана с ее стремлением вернуть картины Щокина и Морозова под одну крышу, как это было, когда Ленин национализировал их.Она обращалась к каждому российскому лидеру по этому поводу, включая Владимира Путина во время одного из его прямых телефонных разговоров с представителями российской общественности. Но директор Эрмитажа был против проекта, и картинами по-прежнему можно любоваться в двух самых посещаемых городах России.

В 2013 году, в возрасте 91 года, Антонову наконец убедили взять на себя недавно созданную и во многом почетную роль президента Пушкинского музея и отказаться от этой должности.

В 1947 году она вышла замуж за друга-искусствоведа Евсея Ротенберга; он умер в 2011 году.Их сын Борис выживает.

Антонова Ирина Александровна, директор музея, родилась 20 марта 1922 г .; умер 30 ноября 2020 г.

Уильям Блейк и британское визионерское искусство, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Москва | Вера Сердечная | Blake / An Illustrated Quarterly

И если выставка разделяет немного безумия и радикализма своего художника, ее цель достигнута: Блейк поднял много насущных вопросов о месте человека в мире — похоже, ответы можно найти навсегда.
В. Дьяконов, Коммерсантъ-Власть [ Бизнесмен-Власть ]

В конце 2011 года в Москве произошло удивительное и беспрецедентное событие, когда открылась выставка картин Уильяма Блейка. Такой показ работ Блейка — большая редкость, ведь в собраниях русского искусства нет картин Блейка. На выставке было представлено около 150 работ Блейка и некоторых его «британских визионеров» из собраний восьми крупнейших музеев Великобритании.Согласно веб-порталу Gazeta.ru , «лишь немногие британцы смогли увидеть столько прекрасного наследия Блейка».

Для России выставка имела большое значение как литературное событие, потому что в целом для русского сознания Блейк остается лирическим поэтом, чьи короткие произведения известны в отличных переводах, но и его эпосы, и его картины малоизвестны. В досоветскую эпоху в российской критике Блейк считался предшественником символистов.В советское время он, наряду с Байроном, считался «революционным» романтиком. Но 2010-2012 годы стали для Блейка настоящим возрождением в России, когда его стали воспринимать как гениального, так и эксцентричного человека.

В преддверии выставки появилось несколько книг о Блейке на русском языке, в том числе новое собрание переводов Песни невинности и — красивой и дорогой книги с оригинальными переводами стихов и цветными факсимиле гравюр Блейка. [см. обзор].В начале 2011 года вышел спецвыпуск журнала « Иностранная литература », посвященный наследию Блейка. В начале 2012 года вышла моя монография на русском языке о коротких пророчествах Блейка, в которой содержится повествовательный анализ его стихов и прослеживается восприятие его творчества в культуре двадцатого века. После выставки вышел специальный выпуск журнала Blake [ Language. Литература. Культура. ] (2013).

Стоимость входа на выставку была очень скромной, всего 300 рублей (около 10 долларов).Когда я приехал в половине одиннадцатого утра, очереди не было, но к вечеру она растянулась на два квартала. Музей также продавал роскошный каталог выставки, напечатанный на Красной площади, за 800 рублей (около 25 долларов). Работы Блейка никогда не публиковались в России с таким высоким качеством печати. Жалко, что у этого каталога так мало рекламы.

В галереях картины Блейка (вместе с работами Россетти, Палмера, Бердсли, Бэкона и др.) Были представлены бок о бок с работами из постоянных экспозиций Пушкинского музея — репликами античных, средневековых и ренессансных скульптур.В то же время в музее проходила выставка работ совершенно другого провидца Караваджо, чьи картины удивительно освещались в темноте. Картины Блейка висели на темно-бордовом и сером фоне в коридорах, где высокие колонны поддерживают потолок. В этой среде Блейк казался великим и строгим художником-классиком, и его связь с высшими литературными традициями подтверждается иллюстрациями к Данте и Мильтону.

В холле музея организаторы демонстрировали фильмы о Караваджо и Блейке, а для прогулки по коридорам можно было взять напрокат аудиогид.Выставочные залы, где выставлены работы Блейка, были украшены сильно увеличенными изображениями гравюр из Песней невинности и опыта. К сожалению, я пропустил музыкальные вечера, мастер-классы и лекции, приуроченные к выставке.

Что могу сказать о самой выставке? Для меня это был Блейк со всей его сложностью и прямолинейностью, замысловатыми линиями и символикой. Это был он. Только позже я поймал себя на мысли, что это те самые кусочки бумаги, дерева и меди, которых он коснулся двести лет назад.Все, что я мог сделать, это посмотреть и попытаться уловить послание, которое, как я теперь впервые увидел, так очевидно вырвалось из двумерной плоскости работ передо мной. Девильский образ головы Блейка казался мне магическим артефактом, к которому нельзя было прикоснуться, даже сфотографировать. Суровое лицо, большие глаза, поджатые губы и нахмуренный лоб выглядели так, как будто мужчина, закрыв веки, бесстрашно и отстраненно думал о точиле гнева, о Судном дне и реве разгневанного Ринтры.Это было лицо ветхозаветного пророка. Этот состав заставил меня поверить в реальность существования Блейка, как если бы он воплощал его творчество, связывая Лондон и начало девятнадцатого века с настоящим местом и датой. Как сообщалось в «Независимой газете », , «Один из самых удачных экспонатов, сопровождающих видения Блейка о его беспокойных героях, — это гипсовая голова, сделанная в 1823 году Джеймсом Девиллем, где его закрытые глаза, которые, конечно, требует гипсовая повязка, подчеркивают метафору дальновидный глаз.«Мое внимание также привлекла статуэтка под названием Newton , созданная Эдуардо Паолоцци, который был вдохновлен цветными принтами Блейка.

На представлении было довольно много людей, особенно опрятно одетых старушек, студентов в группах, мужчин и женщин среднего возраста. Судя по всему, среди зрителей были и те, кто приехал специально на эту выставку, и те, кто раньше ничего не знал о Блейке. Мне было очень интересно: что они увидели в его картинах, будучи знакомыми с его работами только понаслышке? А как быть тем, кто впервые в жизни увидел эти картины?

Я нашел ответы на свои вопросы в книге ответов, наполненной замечательными и откровенными комментариями.Вот наиболее яркие отрывки в порядке записи строк:

Творец
Страж проявился в тебе
Дождь излил благодать
Вошел в твой мозг
И излил величие творения
(Посвящается Уильяму Блейку, Татьяна Логунова, Киев)

Возможно, сегодня самое подходящее время для разделяют точку зрения У. Блейка, поскольку современный мир вступает, по-видимому, в наиболее трагическую фазу своего существования. (без знака)

Мне очень не нравился Блейк.Но спасибо за выставку. (Корея)

Выставка оставила у меня болезненное впечатление. Было очевидно, что этот человек был мастером письма, но впечатление, произведенное на аудиторию, было своего рода безумием. Душа может расслабиться, согреться только на выставке Караваджо… А здесь? Какие-то черви для души не годятся. (Исаева Е.Ю., педагог, 54 года)

… скучный однообразный шизофреник. Лучше было бы отправить больше Караваджо, чем этот ненормальный старик, упокой Господи его душу. (Яша)

Благодаря искусству У. Блейка, немедленно, прямо с сегодняшнего дня, я начну читать библейские рассказы. Это было испытанием для неподготовленных посетителей и мучило мою совесть…. (без подписи)

В течение многих лет я мечтал увидеть выставку наследия Блейка. Атмосфера — нечто среднее между божественным и ужасным. (без подписи)

Мнений было много, многие сильно разошлись. Некоторые говорили о полной непонятности Блейка, в то время как другие советовали организаторам не навязывать зрителям идею романтического безумия, столь обманчиво простую.Однако во времена Блейка никто бы не стоял в очереди на его шоу: он просто не был хорошо известен, и в целом он не был нужен публике. Как написано на сайте Gazeta.ru , «для среднестатистического ценителя искусства получить глубокое представление об историях Блейка все равно придется войти в темный лес. Между нами и его современниками есть небольшая разница, за исключением того, что общая оценка изменилась с отрицательной на положительную ».

И все же очередь в полкилометра, стоявшая перед музеем ближе к вечеру, показала, что Блейк, возможно, обосновался в России.Его работы произвели глубокое впечатление на некоторых зрителей, и обзоры прессы свидетельствуют как о глубоком безразличии, так и о ярком впечатлении, произведенном произведениями Блейка в России.

Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина | Sartle

Украденное искусство в храме, который был почти что посвящен старину Джо Сталину после Второй мировой войны.

Пушкин был первоначально назван в честь царя Александра III его сыном, тогдашним царем Николаем II. Изначально музей был отделением Московского университета, предлагая своим студентам возможность увидеть копии статуй античности и множество художественных работ в нижней части страницы.После того, как царская монархия была свергнута в результате русской революции, новое правительство хотело чего-то более впечатляющего. Были установлены перелива-пробки из музеев России, таких как Эрмитаж и Кремль, и музей был переименован в честь одного из тяжеловесов русской литературы: Александра Пушкина. Скомбинируйте все это со зданием, спроектированным как старый классический храм, и у вас будет одно шикарное место, где можно полюбоваться искусством.

Вторая мировая война превратила музей в золотую жилу.Русские солдаты привезли в Пушкин неплохую часть произведений искусства, украденных из Германии, в том числе тонну золота, вывезенного немцами из древнего города Троя. Совет от Русского музея: если это классная вещь в русском музее, скорее всего, она была украдена из Германии или немца после Второй мировой войны. Большинство материалов для чтения о Пушкине в сети описывает вынужденную миграцию как «искусство, которое советские солдаты спасли от гибели».

Советская враждебность по отношению к нацистам не была лишней.Нацисты оставили Россию более разрушенной, чем все другие союзные страны вместе взятые. Вернуть некоторые из бесценных шедевров из Рейха на Родину было низко висящим плодом для Советского Союза — показывать средний палец Германии за то, что она развязала войну в Европе, и хорошим способом возместить часть потерь. Сам Пушкин даже пострадал во время войны. Музей подвергался бомбардировкам так часто, что некоторые из лучших произведений искусства были разложены на полпути через Азию в более безопасные российские города. Музей был закрыт с 1941 года до окончания войны в 1946 году.Однако осмотр всех произведений искусства после торжественного открытия был недолгим, поскольку в период с 1949 по 1953 год музей поместил большую часть своего фонда на хранение, чтобы продемонстрировать дары, полученные Иосифом Сталиным от мировых лидеров.

Живопись ГМИИ им. А.С. Пушкина в Москве: 6 шедевров, которые стоит посмотреть

Галерея искусства Европы и Америки XIX и XX веков входит в состав ГМИИ в Москве (находится в соседнем здании по адресу ул. Волхонка). , 14).

Здесь находится одна из лучших в мире коллекций импрессионизма и постимпрессионизма. С этим могут поспорить только музей д’Орсе в Париже и музей Метрополитен в Нью-Йорке.

Здесь всего 7 картин, мимо которых невозможно пройти.

Часть текста выделена другим цветом: это означает, что вы можете наблюдать эти особенности картин только вживую.

1. Пьер Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари.1877.

Этот портрет — набросок другого парадного портрета Жанны Самари. Сейчас он хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Однако большинство искусствоведов считают это исследование одним из главных шедевров Ренуара.

Эта картина — квинтэссенция женской чувственности и очарования.

Это маленький секрет. Если вы посмотрите прямо на платье актрисы, оно зеленого цвета. Если посмотреть на него сбоку, платье станет синим.

Когда Ренуар показывал портрет на выставке 1873 года, многие современники этого не понимали: «Ее руки, как рыбья чешуя!»

Но были сторонники: «Этот портрет можно есть ложкой!»

Ренуар украсил внешность молодой женщины. В жизни Жанна была не такой хорошенькой. Но она была смешной и очаровательной улыбкой.

Однажды в нее влюбился молодой человек из богатой семьи. Аристократы не хотели брать в семью представителя легкомысленной профессии. На свадьбу никто из них не пришел.

Жанна умерла в 32 года от брюшного тифа. У мужа остались две дочери. А также этот портрет. Он висел в его квартире до самой его смерти.

2. Винсент Ван Гог. Красные виноградники в Арле. 1888.

Ван Гог создал эту картину в провинциальном городке Арль. Он приехал сюда из Парижа в поисках ярких красок.

Его поиски увенчались успехом. Здесь он создал самые яркие и известные картины: свои знаменитые «Подсолнухи» и «Ночное кафе». В том числе «Красные виноградники».

На самом деле виноградники не красные. Зелень лишь на время приобрела красный оттенок под лучами заходящего солнца.

Ван Гог не мог обойтись без такого оптического эффекта.

Ван Гог написал «Красные виноградники» в технике импасто.Краска наносится плотно крупными мазками.

Картина известна еще и тем, что была куплена за приличные деньги — 350 франков. До этого Ван Гог успел продать не более 20 своих работ за гораздо более скромные деньги.

Считается, что это было началом его признания. Ван Гог очень скоро стал бы баснословно богатым, если бы не тот роковой выстрел в 1889 году.

3. Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин. 1888.

Поль Сезанн был полным антиподом импрессиониста. Он стремился создать монумент, существующий вне времени. В отличие от импрессионистов, стремившихся передать впечатление момента.

Клод Моне создавал свои картины за часы и даже минуты.

Сезанн работал над Пьеро и Арлекином 2 года! Ему позировал сын и друг сына.Никто другой не согласился бы на сотни изнурительных сеансов.

Обратите внимание, как тщательно прорисован костюм Пьеро. Только издалека он кажется белым. Рядом вы увидите, что складки одежды созданы с использованием зеленого и синего цветов.

Необычна и композиция картины. Пьеро тычет кулаком в спину Арлекина. Он услышал еще одну насмешку от высокомерного Арлекина. И чуткий, но трусливый Пьеро не решился показать кулак в ответ в лицо обидчику.

Художник не раз менял позу Арлекина. В результате его нога оказалась на самом краю полотна. Сезанн даже согнул его так, чтобы подошла ступня.

4. Поль Гоген. Ты ревнуешь? 1892.

Гоген не особенно любил пуританскую Европу. Наполовину перуанец по материнской линии, он прожил до семи лет среди экзотической природы Южной Америки.

Поэтому неудивительно, что однажды он сбежал из Парижа на Таити.

Картина «А ты ревнуешь?» — одно из лучших его таитянских произведений.

Она яркая, экзотическая. Именно по таким работам можно узнать Гогена.

На картине запечатлен момент из жизни таитянских девушек, подглядывавших за художником. Они ведут неторопливую беседу, принимая расслабленные позы.

Один удивляется, почему другой ревнует. Мы понимаем тему разговора по фразе, написанной Гогеном ниже: «Ах, ты ревнуешь?»

Для нас эта сцена будет непонятна, если не знать обычаев таитян.

Таитянцы были сторонниками свободной любви. Даже замужняя девушка могла переночевать с другим мужчиной. Ревность считалась неуместной.

Поэтому одна девушка удивляется, почему ее друг ревнует. Да, она провела ночь со своим возлюбленным. Почему бы нет? Такая мораль.

В отличие от Ван Гога, Гоген не любил технику импасто. Наложил тонкий слой краски. Поэтому сквозь краску легко увидеть плетение холста.

5. Эдгар Дега «Голубые танцоры».1897.

Считается, что Эдгар Дега был художником танцоров. Но как он сам утверждал, ему нравились не танцоры, а движение и красивые платья. Это то, что он искал в балеринах.

Вы можете подумать, что на картине танцуют четыре танцора. На самом деле они не танцуют. И их совсем не четыре!

Скорее всего, Дега изобразил одну девушку с разных сторон.После его смерти в его архивах были обнаружены фотографии. На нем запечатлена одна и та же девушка в разные моменты движения.

Мы видим, как она наклонилась, чтобы поправить пуанты. В следующее мгновение она поправляет бретельки платья. А затем она держится за пейзаж, чтобы осмотреть свое платье.

Дега необычным образом добился голубого сияющего цвета. Картина написана пастелью. Это разновидность восковых мелков.

Дега работал пастелью паром.Под воздействием пара он размягчился, и художник кисточкой распределил его по холсту. Это сделало его более сияющим.

6. Клод Моне. Кувшинки белые. 1899.

Ближе к 50 годам Клод Моне наконец получил заслуженное признание. Его картины стали покупать за приличные деньги.

Не долго думая, он купил дом в живописной провинции Живерни.Здесь он разбил великолепный сад с прудом.

Изначально на купленном участке не было пруда. Мане создал его искусственно, изменив русло соседней реки.

Моне прожил в Живерни 43 года. Он создал сотни картин в своем саду.

12 работ с японским мостом. Один из них хранится в ГМИИ.

Кстати, кувшинки в пруду появились незадолго до создания этой картины. До этого мост простирался над прозрачной водной гладью, как на картине «Мост в саду Моне».