Левитт сол картины: Сол Левитт. Параграфы о концептуальном искусстве

Содержание

Сол Левитт. Параграфы о концептуальном искусстве

В одном полученном мною от некоего редактора письме упоминалось, что он не склонен считать, что «художник – это своего рода обезьяна, поведение которой становится понятным лишь благодаря цивилизованному критику». Пожалуй, это хорошая новость и для художников, и для обезьян. Преисполненный такой уверенности, я надеюсь оправдать редакторские надежды. Воспользуюсь бейсбольной метафорой (если один художник предпочитает отбить мяч в поле, то другой – спокойно постоять и подождать, когда мяч питчера сам попадет в него) и поблагодарю за возможность отбиться самостоятельно.

Тот вид искусства, которым я занимаюсь, назван мною концептуальным искусством. В концептуальном искусстве самый важный аспект произведения – это идея или концепция. Это означает, что все планы и решения принимаются заранее, а само выполнение является формальностью. Идея становится тем механизмом, который создает искусство. Этот вид искусства не является теоретическим и отнюдь не иллюстрирует некую теорию. Концепту­альное искусство интуитивно; оно задействует все типы мыслительной активности; оно бесполезно. Как правило, оно не зависит от ремесленного мастерства художника. Для художника, занимающегося концептуальным искусством, важно, чтобы зритель с интересом интеллектуально воспринял произведение, поэтому он постарается сделать его эмоционально сухим. Впро­чем, нет оснований предполагать, что концептуальный художник собирается наводить на зрителя скуку. Един­ственное, что может оттолкнуть зрителя от восприятия этого искусства, – это ожидание эмоционального удовольствия, воспитанного привычным общением с экспрессионистским искусством.

Концептуальное искусство отнюдь не обязательно логично. Логика работы или серии работ – это инструмент, используемый порою лишь для того, чтобы быть уничтоженным. Логика может применяться в качестве камуфляжа подлинных намерений художника. Она может соз­дать у зрителя иллюзорное ощущение, будто он понимает это искусство. Иногда логика нужна для создания парадоксальных ситуаций (например, логичное versus алогичное). Некоторые идеи логичны в виде концепции, но нелогичны при восприятии. Идеям вовсе не нужно быть сложными. Многие успешные идеи до смешного просты. Видимая простота успешных идей связана с тем, что они кажутся очевидными. Работая с идеями, художник волен удивить даже самого себя. Идеи возникают интуитивно. Не очень важно, как выглядит произведение искусства. Ему непременно надо выглядеть, как что-то, если у него есть физическая форма. Не важно, какую форму оно примет в итоге, важно, чтобы оно начиналось с идеи. Художника больше всего заботят процессы продумывания и реализации концепции. В тот момент, когда произведение наделяется физической реальностью, оно становится открыто восприятию каждого, в том числе и художника. (Слово «восприятие» я использую для обозначения способности к представлению реальности, данной в чувствах, объективного понимания идеи и одновременной субъективной ин­терпретации и того и другого). Произведение искусства может быть воспринято лишь после того, как оно завершено.

Сол Левитт. «Графическая серия II», 1968

Искусство, которое ориентируется преимущественно на зрительные ощущения, будет называться скорее перцептивным, нежели концептуальным. Оно будет включать в себя почти все оптическое, кинетическое, световое и колористическое искусство.

Функции концепции и перцепции противоречат друг другу (одна опирается на замысел, вторая – на конечный результат), поэтому привнесение художником субъективности в произведение может привести к упрощению его идеи. Если же художник хочет проанализировать идею достаточно глубоко, он сведет к минимуму произвольные или случайные решения; при этом каприз, вкус и прихоть будут исключены из процесса создания искусства. Вовсе не обязательно отказываться от произведения, если оно плохо смотрится. Иногда то, что сначала представляется корявым и неуклюжим, в итоге оказывается приятным глазу.

Избежать субъективных привнесений можно, четко следуя заранее разработанному плану. Благодаря ему необязательно продумывать каждое произведение по очереди. План определит замысел произведения. Некоторые пла­ны допускают сотни вариаций, некоторые сводятся к ограниченному числу, но в обоих случаях число вариаций конечно. Другие планы предполагают бесконечное множество вариаций. В лю­бом случае, однако, художник должен выбрать основную форму и правила, которые будут определять решение проблемы. Затем, чем меньше решений будет принято в процессе завершения произведения, тем лучше. Это позволит оптимально исключить все случайное, произвольное и субъективное. Вот причина для использования этого метода.

Если художник использует метод многократной модуляции, он, как правило, выбирает простую и легко доступную форму. Значение формы как таковой весьма ограничено; она становится грамматической основой для всего произведения. На самом деле лучше всего сознательно подобрать неинтересный базовый элемент, чтобы он скорее стал имманентной частью всего произведения. Применение сложных базовых элементов лишь нарушает единство целого. Пов­торное использование простой формы сужает область работы и позволяет сконцентрировать мысль на упорядоченности. Упорядоченность становится целью, в то время как форма оказывается средством.

Концептуальное искусство в действительности слабо связано с математикой, философией или какой-либо другой интеллектуальной дисциплиной. Та математика, к которой обращаются в большинстве своем художники, – это простая арифметика или простые числовые системы. Фило­софия произведения подразумевается самим произведением; речь не идет об иллюстрации некой философской системы.

Совершенно не важно, понимает ли зритель концепцию художника, когда видит его искусство. После того как произведение покинуло «мас­терскую», художник не может проконтролировать, каким образом зритель его воспримет. Разные люди по-разному понимают одни и те же вещи.

В последнее время много писалось о минимализме в искусстве, но я еще не встретил никого, кто признался бы, что работает в этом направлении. Существуют и другие подобные виды искусства, определяемые как «первичные структуры», «упрощенное искусство», «отверженное искусство», «прохладное искусство» и «мини-арт». Опять же, никто из моих знакомых художников не станет причислять свое творчество к какому-нибудь из этих направлений. Отсюда я заключаю, что это часть тайного языка, на котором критики коммуницируют друг с другом пос­редством журналов об искусстве. Лучше всех мини-арт – он напоминает о мини-юбках и длинноногих девчонках. Этот термин, должно быть, относится к очень маленьким произведениям искусства. Очень хорошая идея. Воз­можно, выставки «мини-арта» можно отправлять в турне по стране в спичечных коробках. Или, может быть, мини-художник – это человек очень маленького роста, скажем, не выше ста пятидесяти сантиметров. Если так, то много хороших работ этого направления можно обнаружить в начальных классах (первые классы – первичные структуры).

Если художник доводит свою идею до конца и облекает ее в видимую форму, тогда значение имеют все этапы творческого процесса. Сама идея, даже если она не визуализирована, является произведением искусства в той же степени, что и материально осуществленный ре­зультат. Все промежуточные этапы – заметки, наброски, чертежи, неудачные работы, модели, эскизы, мысли, обсуждения – представляют интерес. Те из них, которые показывают мыслительный процесс художника, порою бы­вают интереснее конечного результата.

Определить, какого размера должно быть произведение, очень сложно. Если идея требует воплощения в трех измерениях, то может показаться, что любой размер подойдет. Вопрос в том, какой размер окажется самым подходящим. Если сделать вещь огромной, сам размер окажется настолько впечатляющим, что идея полностью затеряется. Опять же, если сделать вещь слишком маленькой, она может стать совсем незначительной. Рост зрителя может иметь некоторое отношение к произведению, равно как и размер пространства, в котором оно выставлено. По своему желанию художник может поместить объекты выше или ниже уровня глаз зрителя. Я думаю, вещь должна быть достаточно большой, чтобы дать зрителю ту информацию, которая ему нужна для понимания произведения, и помещена таким образом, чтобы это способствовало пониманию (если только сама идея не связана с помехами и не требует затруднений при рассматривании).

Пространство можно представить как куб, заполненный трехмерным объемом. Пространство может занимать любой объем. Это воздух, и его не видно. Это интервалы между предметами, и их можно измерить. Ин­тервалы и измерения могут иметь принципиальное значение для произведения. Если важны промежутки определенного размера, их следует сделать очевидными. Если пространство относительно не важно, оно может быть отрегулировано и выровнено (фрагменты произведения будут располагаться на одинаковом расстоянии друг от друга) для того, чтобы снизить интерес к интервалам. Регу­лярное пространство также может стать метрическим элементом времени, своего рода ритмичным биением пульса. Если интервал задается как регулярный, все нерегулярное приобретает большее значение.

Архитектура и трехмерное искусство имеют диаметрально противоположную природу. Архитектура задается целью создать помещение, соответствующее специфическим функциям. Архитек­турное сооружение вне зависимости от того, имеет ли оно художественную ценность, должно быть утилитарно, в противном случае оно обречено на провал. Искусство не утилитарно. Если трехмерное искусство приобретает какие-нибудь дополнительные ха­рак­теристики, например задает форму утилитарного помещения, то ослабевает его функция как искусства. Когда зритель ощущает себя карликом, глядя на огромные размеры произведения, это давление акцентирует физическое и эмоциональное преобладание формы, в результате чего теряется идея работы.

Новые материалы – это одна из самых больших бед современного искусства. Некоторые художники путают новые материалы с новыми идеями. Нет ничего хуже искусства, барахтающегося среди цветастых побрякушек. Большинству художников, привлеченных этими материалами, недостает строгости ума, которая позволила бы им мудро их применить. Надо быть хорошим художником, чтобы использовать новые материалы и создать с их помощью произведение ис­кусства. Опасность, как мне кажется, заключается в том, что физические свойства материалов оказываются настолько важны, что становятся основной идеей произведения (новый тип экспрессионизма).

Сол Левитт. «Настенный рисунок № 391», 1983

Трехмерное искусство любого рода – это физический факт реальности. В его материальности заключается наиболее очевидное и экспрессивное содержание. Концептуальное искусство создается для того, чтобы привлечь ум зрителя, а не его взгляд или эмоции. Материальность трехмерного объекта при этом оказывается противоречием по отношению к его нечувственному содержанию. Цвет, поверхность, текстура и форма лишь подчеркивают физические аспекты работы. Все, что привлекает внимание и вызывает интерес к материальности, уводит нас от понимания идеи и используется как экспрессивное средство. Концептуальный художник будет стремиться к тому, чтобы свести к минимуму акцент на материальной стороне произведения либо представить эту сторону парадоксальном способом (обратить ее в идею). Этим видом искусства следует заниматься с предельной экономией средств. Любую идею, которую можно лучше выразить в двухмерном измерении, не следует представлять в трех измерениях. Идеи могут также быть выражены в числах, фотографиях, словах или любым иным способом по выбору художника, при этом форма будет не важна.

Нижеследующие параграфы не носят характер категорического императива, однако изложенные в них идеи в наибольшей степени отвечают моим размышлениям последнего времени. Эти идеи суть результат моей работы как художника, и они изменяются по мере того, как изменяется мой опыт. Я постарался изложить их с предельной ясностью. Если мои формулировки неясны, это может означать, что мышление неясно. Еще при написании этих тезисов возникали очевидные противоречия (я постарался их исправить, но некоторые из них, возможно, проскользнули в текст). Я вовсе не пропагандирую концептуальное искусство для всех художников. Также я не думаю, что все концептуальное искусство заслуживает внимания зрителей. Концептуальное искусство хорошо лишь тогда, когда хороша идея.

 

Тезисы концептуального искусства

1. Концептуальные художники скорее мистики, нежели рационалисты. Они приходят к таким заключениям, к которым логика привести не может.

2. Рациональные суждения повторяют рациональные суж­­дения.

3. Иррациональные суждения приводят к новому опыту.

4. Формальное искусство в высшей степени рационально.

5. Иррациональные идеи следует проводить последовательно и логично.

6. Если художник изменяет решение на полпути к завершению работы, он пересматривает результат и повторяет прошлые результаты.

7. Воля художника вторична по отношению к инициированному им процессу от замысла до завершения. Его своеволие происходит от его эго.

8. Если используются такие слова, как «живопись» и «скульптура», они подразумевают художественную традицию и предполагают последовательное принятие этой традиции, ограничивая тем самым художника, который неохотно делает искусство, «выходящее за рамки».

9. Концепция и идея суть разные вещи. Концепция задает общее направление, идея является компонентом произведения. Идеи позволяют реализовать концепцию.

10. Идеи могут быть произведениями искусства; они включены в цепь развития, которая в итоге может приобрести форму. Идеи не долж­ны быть непременно реализованы в материи.

11. Идеи не обязательно развиваются в соответствии с логическим принципом. Они могут задать неожиданное направление, однако идея непременно должна получить завершение в уме прежде, чем появится новая.

12. Для каждого произведения, получившего физическую форму, существует много вариаций, которые не были воплощены в материи.

13. Произведение искусства можно рассматривать как проводник между умом художника и умом зрителя. Однако произведение может никогда не достичь зрителя или оно также может никогда не покинуть ум художника.

14. Слова одного художника в адрес другого могут породить цепь идей, если оба художника разделяют общую концепцию.

15. Ни одна из форм ничем не превосходит остальные, поэтому художник может использовать любую форму – от словесного выражения (записанного или высказанного) до физического объекта.

16. Если используются слова и они проистекают из идей об искусстве, тогда они суть искусство, а не литература; числа не являются математикой.

17. Все идеи являются искусством, если они связаны с искусством и подпадают под нормы искусства.

18. Обычно искусство прошлого понимают, соотнося его с нормами настоящего, отчего понимание искусства прошлого оказывается ошибочным.

19. Произведения искусства изменяют нормы искусства.

20. Успешное искусство изменяет наше понимание норм, изменяя наше восприятие.

21. Восприятие идей ведет к появлению новых идей.

22. Художник не может представить себе свое искусство и не может постичь его до тех пор, пока оно не завершено.

23. Художник может ложно воспринять чужое  произведение искусства (отлично от художника-автора), однако это недопонимание может инициировать в нем собст­венную цепочку размышлений.

24. Восприятие субъективно.

25. Художник не обязательно понимает собственное искусство. Его восприятие не лучше и не хуже, чем у других.

26. Художник может воспринимать чужое искусство лучше, чем свое.

27. Концепция произведения искусства может включать в себя материал, в котором выполнена работа, или технику его создания.

28. После того как идея работы определилась в уме художника и принято решение о конечной форме, процесс протекает вслепую. Воз­никает множество побочных эффектов, которые художник не мог себе представить. Они могут использоваться как идеи для новых произведений.

29. Процесс носит механический характер, не следует в него вмешиваться. Он должен идти своим ходом.

30. В произведении искусства задействовано множество элементов. Самые важные из них – самые очевидные.

31. Если художник использует одну и ту же форму в серии работ и меняет материал, можно предположить, что концепция художника связана с материалом.

32. Банальные идеи не спасет прекрасное выполнение.

33. Сложно испортить хорошую идею плохим вы­полнением.

34. Когда художник чересчур отточит свое мастерство, у него начнет получаться гладкое искусство.

35. Эти тезисы суть комментарии к искусству, но не искусство.

 

Опубликовано впервые в «0-9» (Нью-Йорк), 1969, и «Art-Language» (Англия), 1969.

Перевод с английского Полины ЖУРАКОВСКОЙ

Сол Ле Витт: жизнь и творчество художника

Сол Ле Витт (англ. Sol LeWitt; 9 сентября 1928 года — 8 апреля 2007 года) — американский художник, одна из ключевых фигур минимализма иконцептуализма, автор теоретических работ по концептуализму.

СОДЕРЖАНИЕ

Биография художника

Творчество

Интересные факты из жизни художника

Картины Сол Ле Витт

Библиография

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Родился в 1928 году в городе Хартфорд (США, штат Коннектикут) в семье еврейских эмигрантов из России. Благодаря инициативе матери начал учиться в школе искусств Хартфорда.

С 1949 года изучал историю искусств в Сиракузском университете, после окончания обучения путешествовал по Европе.

Участвовал в Корейской войне: служил сначала в Калифорнии, потом в Японии и Корее. Переехал в Нью-Йорк в 1950-х, где учился в Школе визуальных искусств, параллельно работая в журнале.

Позднее работал дизайнером у архитектора Пея. В 1960 году начал работать в Музее современного искусства (MoMA).

Принимал участие в проектах концептуального искусства и лэнд-арта.

В 1978-1979 гг Музей современного искусства в Нью-Йорке устроил первую ретроспективу Ле Витта.

В 1992 году состоялась выставка Sol LeWitt Drawings 1958—1992 в Нидерландах, которая потом путешествовала три года по музеям Великобритании, Германии, Франции, Испании, США.

В 1996 Музей современного искусства в Нью-Йорке организовал выставку Sol LeWitt Prints: 1970—1995.

В 2007 году умер в Нью-Йорке, причиной смерти стал рак.

ТВОРЧЕСТВО

На Ле Витта оказали сильное влияние русские авангардисты и конструктивисты.

Можно сказать, что как художник, Сол Ле Витт вышел из «Черного квадрата» Малевича.

 Куб Ле Витт называл своей «базовой единицей». Он то усекал его грани, превращая куб в решетку, то множил кубы, создавая хаос.

Художник экспериментировал с формой и цветами объектов, работая с простыми геометрическими фигурами, преимущественно в монохромной технике. На более поздних этапах творчества Ле Витт создавал скульптуры и графические серии, делал настенные росписи. Работы художника находятся в крупнейших собраниях современного искусства.

В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им «настенные структуры». Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии различных геометрических форм: кубов, квадратов, параллелепипедов и включении одной фигуры в другую. Знаменитые «модульные структуры» Сола Левитта – трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба.

Wall Floor Piece #1
9-8-7-6-5-4-3-2-1 Half Off
Corner Piece No. 2
Cube Structure Based on Five Modules

Американский художник завоевал свою известность благодаря изобретению сложных композиций, составленных из обманчиво простых геометрических форм и цветов. Эти взгляды Ле Витта сыграли решающую роль в формировании новой радикальной эстетики 1960-х, которая полностью исключала повествовательность в искусстве. В данном случае цель художника не в том, чтобы рассказать историю и вызвать эмоциональный отклик у зрителя.

Как говорил сам Ле Витт: «Цель художника, занимающегося концептуальным искусством, — сделать свою работу интеллектуально интересной для зрителя, и при этом не затрагивающей его душу».

В своей статье для журнала Артфорум в 1967 году, Сол Ле Витт привел такое определение концептуального искусства: «Когда художник прибегает к концептуальной форме искусства, это означает, что все планирование производится заранее, все решения принимаются заранее, и исполнение происходит формально, поверхностно, неглубоко…цель художника, занимающегося концептуальным искусством, — сделать свою работу интеллектуально интересной для зрителя, и при этом не затрагивающей его душу».

Левитт нечасто создавал живописные произведения. Наиболее известная его работа – «Красный квадрат, белые буквы» – относится к 1963 году. С 1970-х Левитт начинает работу над ранней графикой – трафаретной печатью. Затем в творчество художника вошли углубленная гравюра, а впоследствии – гравюра на дереве и в других техниках.

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ ИЗ ЖИЗНИ ХУДОЖНИКА

Будучи увлеченным математикой, Левитт вел поиски простейших элементов произведений искусства. Он урезал художественное содержание своих графических работ и настенных рисунков до базовых форм, цветов и линий. Настенные рисунки Левитта – чистая геометрическая абстракция.

БИБЛИОГРАФИЯ

  • «Актуальное искусство, 1970—2005»
  • Kimmelman M. Sol LeWitt, Master of Conceptualism, Dies at 78 // The New York Times. — 2007

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org, bestin.ua, geometry-and-art.ru

Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.

Сол Ле Витт: картины художника


Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Сол Ле Витт: жизнь и творчество художника

Проголосуйте

Скульптурные структуры Сола Левитта — Look At Me

В 60-е годы XX века на смену господствовавшему в американском искусстве 50-х абстрактному экспрессионизму и, во многом как ответ на него, возникает несколько крупных новых течений, существенно изменивших американскую художественную среду: минимализм, поп-арт, концептуализм. Малозаметный в среде абстрактных экспрессионистов, с появлением новых течений Сол Левитт выступает на первый план и обретает известность как минималист и концептуалист. 

Минимализм

В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им wall structures («настенные структуры»). Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии различных геометрических форм: кубов, квадратов, параллелепипедов и включении одной фигуры в другую. 

Wall structures – это не живопись и не скульптура, но и то, и другое одновременно. Ранние работы были одними из первых экспериментов Сола Левитта по созданию серий, хотя в них еще нельзя уловить той строгой взаимосвязи и последовательности, которая характерна для его последующего творчества. 

1964 год знаменателен появлением Standing Open Structure («Стоящей открытой структуры»). Именно с нее начинается отход Левитта от цельных, монолитных произведений к созданию «скелетных» структур, где работа с контуром подталкивает художника отказаться от «наполнения». 

С этого времени начинают появляться знаменитые modular structures («модульные структуры») Сола Левитта – трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба. Большинство этих работ подкрепляется обильными предварительными эскизно-вычислительными материалами, где можно наблюдать детальную математическую проработку формы. Это связано, в первую очередь, с опытом, приобретенным в 50-е годы – временем, когда художник работал чертежником у знаменитого архитектора Ио Мин Пея. 

К «модульным структурам» относятся такие работы Сола Левитта, как «Floor Structure» («Напольная структура», 1965) , «Modular Wall Piece with Cube» («Модульное настенное произведение с кубом», 1965), «Modular Piece/Double Cube» («Модульное произведение/Двойной куб», 1966), «Open Modular Cube» («Открытый модульный куб», 1966). 

«Open Modular Cube», 1966

Своими чертами работы середины 60-х еще связаны с минимализмом. В ранних модульных структурах Сола Левитта крайне важна одна из основных установок минимализма – отказ от эмоционального восприятия и интеллектуального осмысления произведения. Как писал один из художников и теоретиков минимализма Фрэнк Стелла: "Ты видишь то, что ты видишь, – ничего более". Домысливание здесь не предполагается. Следствие из этого – безраздельное господство формы, чистый формализм. Содержание исключается как нечто лишнее и мешающее работе формы. 

Помимо этого, установкам минимализма у Левитта соответствует оперирование первичными структурами и мышление простыми формами. Не менее важна работа с реальным пространством, которое произведение призвано делить со зрителем. Это проявляется, в первую очередь, в отсутствии пьедестала, проводящего границу между искусством и реальностью. 

В работах Левитта середины 60-х годов с минимализмом связана также важность повторения, проявляющаяся на нескольких уровнях. В первую очередь – внутри произведения, где неоднократно повторяется базовый кубический модуль. Но повторение проявляет себя и во внутренних связях между работами, образующих группы, сходство которых основано на повторении инварианта. От работы к работе мы видим один и тот же исходный вариант, который каждый раз преобразуется по-своему. Эта работа с инвариантом наталкивает на мысль о сведении работы к формуле, где постоянный элемент, константа, подвергается искажающему воздействию переменных, дающих каждый раз иной результат.

Именно работа с инвариантом впоследствии легла и в основу концептуальных произведений Сола Левитта, базирующихся на идее куба. Именно она повернула развитие творчества художника от минимализма к концептуальному направлению, подготовила переход от одного течения к другому, осуществление которого происходило во второй половине 60-х годов. 

Концептуализм

Переходным звеном, своего рода шагом в сторону концептуализма, была работа «Serial Project No. 1 (ABCD)» («Серийный проект № 1») 1966 года. В его основе лежала совокупность изменений, вариация различных способов размещения элементов, пошаговое преобразование от двумерного к трехмерному, от квадрата – к кубу, от открытого – к закрытому кубу. Этот проект демонстрирует нам важность осмысления в творчестве Сола Левитта куба как формы. Для художника куб становится важен не как форма, а как идея. 

Куб – основа большинства скульптурных работ Сола Левитта. Хотя его скульптура и не всегда представляет собой полноценный, завершенный куб, имеющий все грани, но подобная форма непременно прослеживается в очертаниях. Это может быть куб, срезанный по диагонали (как в «Corner piece №2» («Угловое произведение № 2», 1976), куб, из которого «извлечены», вырезаны другие формы (как в «Inverted Six Towers» («Шесть перевернутых башен», 1987), или несколько раз повторенный куб (как в «Open Geometric Structure IV» («Открытая геометрическая структура IV», 1990). Левитт размышляет над идеей куба, образующей его структурой, особенностями, делающими возможным прослеживание этой формы даже при отсутствии некоторых граней. 

«Corner piece №2», 1976

«Open Geometric Structure IV», 1990

«Inverted Six Towers», 1987

Таким образом, начиная с конца 60-х, в искусстве Сола Левитта происходит огромное смещение в соотношении «идея – форма» (по сравнению с минимализмом). Из области минимализма он перемещается в область концептуализма, смещая свое внимание от формы к идее. 

Об этом свидетельствуют и манифесты Сола Левитта, написанные в 1967 и 1969 годах, «Параграфы о концептуальном искусстве» и «Высказывания о концептуальном искусстве», в которых он утверждает главенство идеи над формой и дает теоретическое обоснование концептуализма. 

Сол Левитт довольно точно определил концептуализм как течение, в котором «идея становится машиной, производящей искусство». Идея в концептуализме приобретает первостепенное положение, форма же напрямую подчиняется ей, обеспечивает ее успешное воплощение. 

Главенство идеи над ее воплощением делает возможным внедрение в произведение практически любых материалов, а также и вовсе их отсутствие. Ведь, согласно Левитту, «для каждого произведения искусства ставшего материальным существует множество нематериальных вариаций». 

Этот отход от минимализма подтверждает и чисто концептуальная акция Левитта 1968 года «Buried Cube Containing an Object of Importance but Little Value» («Зарытый куб, содержащий объект крайне важный, но малой ценности»), в рамках которой он зарыл в земле металлический куб и задокументировал это в серии фотографий, последовательно демонстрирующей этапы осуществления акции. 

Sol Lewitt. Modular Cube.

Sol LeWitt. Open Geometric Structure 2-2,1-1, painted wood, 20x29½x20 inches, 1991.

Sol LeWitt. Floor plan №4, 1976, painted wood, 43.1/4x43.1/4x43.1/4 in.

Графика и настенные рисунки Левитта, прежде всего, ассоциируются с его поздним творчеством. Между этими сферами деятельности и скульптурными работами художника имеется тесная связь.

"Квадрат, поделенный на 4 равные части, каждую из которых заполняют параллельные полосы в различных направлениях", 1982.   Гравюра на дереве

Во-первых, она проявляется в том, что графические работы Левитта иногда ложились в основу его скульптуры. Это мы можем наблюдать на примере уже рассмотренной нами «Серии с неполными разомкнутыми кубами» 1974 года: сначала появился рисунок на эту тему, демонстрирующий все возможные вариации, и лишь затем – скульптура, отталкивающаяся от рисунка.

"Variations of Incomplete Open Cubes"Вариации с неполными разомкнутыми кубами, 1974

Во-вторых, настенные рисунки и графика, как и скульптурные работы, основаны на оперировании базовыми геометрическими формами, но здесь они становятся гораздо более разнообразными. Помимо привычных куба, параллелепипеда и квадрата появляются сферы, пирамиды, треугольники. Зачастую используются полосы, а также многие другие, иногда довольно сложные формы, которые при этом не теряют своей связи с геометрией.

Работа с этими элементами в первую очередь связана с тем, что, будучи увлеченным математикой (напомним, в молодости художник работал чертежником у знаменитого архитектора Ио Мин Пея), Левитт вел поиски простейших элементов произведений искусства. Он урезал художественное содержание своих графических работ и настенных рисунков до базовых форм, цветов и линий.

Живопись и графика

Левитт нечасто создавал живописные произведения. Наиболее известная его работа – «Красный квадрат, белые буквы» – относится к 1963 году. Это произведение – результат крайнего редуктивизма позднего модернизма. Произведение здесь сводится к его определению. Идея самоопределения станет основой всего последующего искусства концептуализма. В работе Левитта осуществляется то, что может быть названо перформативная модель: визуальная структура произведения подменяется цвето- и формоименованием. Левитт трансформирует работу зрителя в работу читателя, который проговаривает про себя информацию, содержащуюся на холсте.

"Red Square, White Letters", 1963

Красный Квадрат, Белые Буквы.   Холст, масло

С 1970-х Левитт начинает работу над ранней графикой – трафаретной печатью. Затем в творчество художника вошли углубленная гравюра, а впоследствии – гравюра на дереве и в других техниках. Само существование графических работ Сола Левитта демонстрирует стремление художника отойти от «уникальных» произведений искусства, существующих в единственном числе – поскольку гравюра предполагает многократное механическое воспроизведение одной работы.

"Шесть геометрических фигур трех цветов на трех разных фонах и все их комбинации", 1978.   Трафаретная печать

В основе рисунков и гравюр Левитта всегда лежит простая идея, выраженная в наборе логических инструкций. Левитт создает серии связанных между собой изображений. Эти изображения, как правило, имеют общий набор элементов, проходящих в произведении все возможные вариации. 

По мнению критика Дональда Каспита, автора статьи «Сол Левитт – Как выглядит мысль», искусство Левитта иллюстрирует сам акт познания. Форма, которую принимает акт познания, как бы центрирует мысль. Открытие этой формы есть открытие основного принципа, аксиомы, на основании которой можно просчитать все переменные в данной системе.

"Прямые линии в четырех направлениях и все их возможные комбинации", 1973

Углубленная гравюра

Американский арт-критик Люси Липпард писала о работах Левитта: «Только о его работах можно утверждать, что в них артикулируется тот момент художественного мышления, когда структура ставит себя под вопрос и реорганизует себя в соответствии с новым значением, которое остается значением той же структуры, только возведенным на новый уровень сложности».Графическая серия II. 1968.

Настенные рисунки

Настенные рисунки – искусство совершенно другого рода. Если графика и живопись Левитта относятся к станковым искусствам, то настенные рисунки – к монументальным. Монументальная живопись – древнейший вид живописи, известный еще с палеолита (росписи в пещерах Альтамира, Ляско и др.). Пещерная живопись, росписи римских жилищ, раннехристианские катакомбные росписи, живопись храмов средневековья, ренессансные фрески – на протяжении веков стены играли важнейшую роль в искусстве, но к середине XX века они потеряли свою былую популярность.

Левитт в своих настенных рисунках заново открывает поверхность стены как поле для художественной деятельности. Если в предшествующие века настенная живопись имела своей целью создание реальности или ее подобия, то настенные рисунки Левитта – чистая геометрическая абстракция.

С настенными рисунками художник начинает экспериментировать с конца 60-х. Один из первых его настенных рисунков экспонировался в Нью-Йорке в 1968 году. Этот рисунок был столь хорош, что у владельца галереи рука не поднималась закрасить его, когда выставку пора было закрывать, и потому галерист настоял, чтобы художник пришел и сам сделал это (что Левитт и сделал без колебаний).

При всей возможной сложности визуальных эффектов язык этих настенных рисунков предельно прост: линии, яркие цвета, однородный фон. Но, как оказывается, даже столь простой язык позволяет создавать бесконечное многообразие произведений, порой совершенно непохожих друг на друга.

Настенные рисунки – произведения, неразрывно связанные со стеной помещения, в котором созданы, будь то музей, галерея или любое другое место. Они взаимодействуют с архитектурой этого пространства, вписаны в реальное окружение.

Сол Левитт написал инструкции по нанесению его настенных рисунков – четкие, строгие предписания, изредка оставляющие некоторую свободу исполняющему. Он не считал, что художник обязательно сам должен изготовлять свои произведения, область его деятельности – лишь идеи, как он писал в своем теоретическом тексте («Параграфы о концептуальном искусстве»): «Идея становится машиной, производящей искусство». Обдумав свое произведение, написав к нему инструкцию, Левитт поручал выполнение другим людям.

Настенный рисунок N391. 1983

http://xz.gif.ru/numbers/69/paragr-concept/

Сол ле Витт - геометрия и искусство

Сол Ле Витт (9 сентября 1928 года — 8 апреля 2007 года) — американский художник, одна из ключевых фигур минимализма и концептуализма, автор теоретических работ по концептуализму.

В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им wall structures («настенные структуры»). Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии различных геометрических форм: кубов, квадратов, параллелепипедов и включении одной фигуры в другую.

Знаменитые modular structures («модульные структуры») Сола Левитта – трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба.

Переходным звеном, своего рода шагом в сторону концептуализма, была работа «Serial Project No. 1 (ABCD)» 1966 года. В его основе лежала совокупность изменений, вариация различных способов размещения элементов, пошаговое преобразование от двумерного к трехмерному, от квадрата – к кубу, от открытого – к закрытому кубу.  Для художника куб становится важен не как форма, а как идея.

Куб – основа большинства скульптурных работ Сола Левитта. Хотя его скульптура и не всегда представляет собой полноценный, завершенный куб, имеющий все грани, но подобная форма непременно прослеживается в очертаниях.

Настенные рисунки и графика, как и скульптурные работы, основаны на оперировании базовыми геометрическими формами. Помимо привычных куба, параллелепипеда и квадрата появляются сферы, пирамиды, треугольники. Зачастую используются полосы, а также многие другие, иногда довольно сложные формы, которые при этом не теряют своей связи с геометрией.

Будучи увлеченным математикой, Левитт вел поиски простейших элементов произведений искусства. Он урезал художественное содержание своих графических работ и настенных рисунков до базовых форм, цветов и линий. Настенные рисунки Левитта – чистая геометрическая абстракция.

Левитт нечасто создавал живописные произведения. Наиболее известная его работа – «Красный квадрат, белые буквы» – относится к 1963 году. С 1970-х Левитт начинает работу над ранней графикой – трафаретной печатью. Затем в творчество художника вошли углубленная гравюра, а впоследствии – гравюра на дереве и в других техниках.


Sol LeWitt — LiveJournal


«Никакое представление присутствующего в смысле пред-става и предмета, однако, никогда не достигает вещи как вещи. Вещественность чаши заключается в том, что она как вмещающий сосуд есть. <...> Пустота - вот вмещающее в емкости. Пустота, это Ничто в чаше, есть то, чем является чаша как приемлющая емкость. <...> Если же вмещающее заключается в пустоте чаши, то горшечник, формующий на гончарном круге стенки и дно, изготавливает, строго говоря, не чашу. Он только придает форму глине. Нет - он формует пустоту»*

М. Хайдеггер        


Это не клетка и это клетка. В клетку можно кого-то или что-то заточить. Внутри она пуста, она заполняема. У ЛеВитта же клетка не заполняема, она уже заполнена. Она не пуста, но в ней пустота. Пустота организованная, скованная, не имеющая возможности даже менять форму, не то чтобы привычно ее не иметь. Пустота приобретает здесь границы, некие виртуальные оси, образованные скелетом решетки, наделяющие пустоту формой, идеальной формой, формой идеального куба.
В этой модульной структуре стенки соседних кубов неразделимы, один куб плавно перетекает в другой, а за ним и пустота.
Один куб рядом с другим, один куб за другим, один куб над другим, образуют Куб, Куб испещренный множеством клетей, помещений, пространств для пустоты, единиц пустоты, кубометров пустоты.
  
Sol LeWitt.  "Open Modular Cube"
1966, Painted aluminum
Сол ЛеВитт, подобно горшечнику Хайдеггера, изготавливает не «сосуд», не «стенки и дно», а, в первую очередь, то что ими ограничено, то, что «сосуд» вмещает, а именно – пустоту. Именно пустота здесь является действительным произведением ЛеВитта: до вмешательства художника было лишь отсутствие, ничего не было. Неразделенность пространства никоим образом порождала ситуацию, в которой отсутствует даже пустота, поскольку пустота есть всегда в чем-то, между чем-то, она должна иметь некие оковы, быть чем-то ограниченной.
ЛеВитт не только внес недостающее – границы, между которыми пустота неизбежно являет себя, но и заставил пустоту существовать в строго определенном порядке, иметь форму куба. «Open Modular Cube» представляет собой хранилище пустоты, склад, в котором каждая единица пустоты покоится в своей «упаковке», в своем кубе, который, в свою очередь вписывается в общую организацию структуры, ложась в кубическую трехмерную решетку.

*Хайдеггер М. Вещь// Хайдеггер М. Время и бытие. М., 1993, с. 318.

Скульптурные структуры Сола Левитта - frying_fruitfox — LiveJournal


В 60-е годы XX века на смену господствовавшему в американском искусстве 50-х абстрактному экспрессионизму и во многом как ответ на него возникает несколько крупных новых течений, существенно изменивших американскую художественную среду: минимализм, поп-арт, концептуализм. Малозаметный в среде абстрактных экспрессионистов, с появлением новых течений Сол Левитт выступает на первый план и обретает известность как минималист и концептуалист.


Минимализм

В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им wall structures («настенные структуры»). Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии различных геометрических форм: кубов, квадратов, параллелепипедов и включении одной фигуры в другую.

Wall structures – это не живопись и не скульптура, но и то и другое одновременно. Ранние работы были одними из первых экспериментов Сола Левитта по созданию серий, хотя в них еще нельзя уловить той строгой взаимосвязи и последовательности, которая характерна для его последующего творчества.

1964 год знаменателен появлением Standing Open Structure («Стоящей открытой структуры»). Именно с нее начинается отход Левитта от цельных, монолитных произведений к созданию «скелетных» структур, где работа с контуром подталкивает художника отказаться от «наполнения».

С этого времени начинают появляться знаменитые modular structures («модульные структуры») Сола Левитта – трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба. Большинство этих работ подкрепляется обильными предварительными эскизно-вычислительными материалами, где можно наблюдать детальную математическую проработку формы. Это связано, в первую очередь, с опытом, приобретенным в 50-е годы – временем, когда художник работал чертежником у знаменитого архитектора Ио Мин Пея.

К «модульным структурам» относятся такие работы Сола Левитта, как «Floor Structure» («Напольная структура», 1965) , «Modular Wall Piece with Cube» («Модульное настенное произведение с кубом», 1965), «Modular Piece/Double Cube» («Модульное произведение/Двойной куб», 1966), «Open Modular Cube» («Открытый модульный куб», 1966).

Своими чертами работы середины 60-х еще связаны с минимализмом. В ранних модульных структурах Сола Левитта крайне важна одна из основных установок минимализма – отказ от эмоционального восприятия и интеллектуального осмысления произведения. Как писал один из художников и теоретиков минимализма Фрэнк Стелла, «ты видишь то, что ты видишь», – ничего более. Домысливание здесь не предполагается. Следствие из этого – безраздельное господство формы, чистый формализм. Содержание исключается как нечто лишнее и мешающее работе формы.

Помимо этого, установкам минимализма у Левитта соответствует оперирование первичными структурами и мышление простыми формами. Не менее важна работа с реальным пространством, которое произведение призвано делить со зрителем. Это проявляется, в первую очередь, в отсутствии пьедестала, проводящего границу между искусством и реальностью.

В работах Левитта середины 60-х годов с минимализмом связана также важность повторения, проявляющаяся на нескольких уровнях. В первую очередь – внутри произведения, где неоднократно повторяется базовый кубический модуль. Но повторение проявляет себя и во внутренних связях между работами, образующих группы, сходство которых основано на повторении инварианта. От работы к работе мы видим один и тот же исходный вариант, который каждый раз преобразуется по-своему. Эта работа с инвариантом наталкивает на мысль о сведении работы к формуле, где постоянный элемент, константа, подвергается искажающему воздействию переменных, дающих каждый раз иной результат.

Именно работа с инвариантом впоследствии легла и в основу концептуальных произведений Сола Левитта, базирующихся на идее куба. Именно она повернула развитие творчества художника от минимализма к концептуальному направлению, подготовила переход от одного течения к другому, осуществление которого происходило во второй половине 60-х годов.

Концептуализм

Переходным звеном, своего рода шагом в сторону концептуализма была работа «Serial Project No. 1 (ABCD)» («Серийный проект № 1») 1966 года. В его основе лежала совокупность изменений, вариация различных способов размещения элементов, пошаговое преобразование от двумерного к трехмерному, от квадрата – к кубу, от открытого – к закрытому кубу. Этот проект демонстрирует нам важность осмысления в творчестве Сола Левитта куба как формы. Для художника куб становится важен не как форма, а как идея.

Куб – основа большинства скульптурных работ Сола Левитта. Хотя его скульптура и не всегда представляет собой полноценный, завершенный куб, имеющий все грани, но подобная форма непременно прослеживается в очертаниях. Это может быть куб, срезанный по диагонали (как в «Corner piece №2» («Угловое произведение № 2», 1976), куб, из которого «извлечены», вырезаны другие формы (как в «Inverted Six Towers» («Шесть перевернутых башен», 1987), или несколько раз повторенный куб (как в «Open Geometric Structure IV» («Открытая геометрическая структура IV», 1990). Левитт размышляет над идеей куба, образующей его структурой, особенностями, делающими возможным прослеживание этой формы даже при отсутствии некоторых граней.

Примером подобного интереса к идее куба может послужить серия с неполными разомкнутыми кубами 1974 года («Variations of Incomplete Open Cubes»), где мы наблюдаем последовательное отсекание фрагментов куба, каждый раз при этом сохраняющее его идею.

Таким образом, начиная с конца 60-х, в искусстве Сола Левитта происходит огромное смещение в соотношении «идея – форма» (по сравнению с минимализмом). Из области минимализма он перемещается в область концептуализма, смещая свое внимание от формы к идее.

Об этом свидетельствуют и манифесты Сола Левитта, написанные в 1967 и 1969 годах, «Параграфы о концептуальном искусстве» и «Высказывания о концептуальном искусстве», в которых он утверждает главенство идеи над формой и дает теоретическое обоснование концептуализма.

Сол Левитт довольно точно определил концептуализм как течение, в котором «идея становится машиной, производящей искусство». Идея в концептуализме приобретает первостепенное положение, форма же напрямую подчиняется ей, обеспечивает ее успешное воплощение.

Главенство идеи над ее воплощением делает возможным внедрение в произведение практически любых материалов, а также и вовсе их отсутствие. Ведь, согласно Левитту, «для каждого произведения искусства ставшего материальным существует множество нематериальных вариаций».

Этот отход от минимализма подтверждает и чисто концептуальная акция Левитта 1968 года «Buried Cube Containing an Object of Importance but Little Value» («Зарытый куб, содержащий объект крайне важный, но малой ценности»), в рамках которой он зарыл в земле металлический куб и задокументировал это в серии фотографий, последовательно демонстрирующей этапы осуществления акции.

Абстрактный экспрессионизм, минимализм, концептуализм, стенные рельефы, скульптурные структуры, акция с зарыванием куба – мы видим, что Левитт пробовал свои силы в различных направлениях. Прослеженное нами – лишь малая часть его творчества. О графике, настенной живописи и настенных рисунках Сола Левитта – в следующем посте.

Дарья Атлас

ЛЕВИТТ, Сол. Artdic

АНДРЕ, Карл. (Andre, Carl., 1935-)
АРХИПЕНКО, Александр. (Archipenko, Alexander., 1887-1964)
БАРНИ, Мэтью. (Barney, Matthew., 1967-)
БАРТОЛЬДИ, Фредерик. (Bartholdi, Frederic Auguste., 1834-1904)
БЕКМАН, Макс. (Beckmann, Max., 1884-1950)
БОРГЛУМ, Гатсун. (Borglum, Gutzon., 1867-1941)
БУРЖУА, Луиза. (Bourgeois, Louise., 1911-2010)
ГЕРИ, Фрэнк. (Gehry, Frank., 1929-)
ГЕССЕ, Ева. (Hesse, Eva., 1936-1970)
ГОБЕР, Роберт. (Gober, Robert., 1954-)
ДЕ МАРИЯ, Уолтер. (De Maria, Walter., 1935-)
ДЖАДД, Дональд. (Judd, Donald., 1928-1994)
ДЖОНС, Джаспер. (Johns, Jasper., 1930-)
ДИ МОДИКА, Артуро. (Di Modica, Arturo., 1941-2021)
КАЦ, Алекс. (Katz, Alex., 1927-)
КЕЛЛИ, Эльсуорт. (Kelly, Ellsworth., 1923-)
КЕНТ, Рокуэлл. (Kent, Rockwell., 1882-1971)
КИНХОЛЬЦ, Эдвард. (Kienholz, Edward., 1927-1994)
КОЛДЕР, Александр. (Calder, Alexander., 1898-1976)
КОРНЕЛЛ, Джозеф. (Cornell, Joseph., 1903-1972)
КУНИНГ, Виллем де. (Kooning, Willem de., 1904-1997)
КУНС, Джефф. (Koons, Jeff., 1955-)
ЛЕВИТТ, Сол. (Lewitt, Sol., 1928-2007)
ЛИ ЛАВРИЕ. (Lee Lawrie., 1877-1963)
МАРИСОЛЬ, Эскобар. (Marisol Escobar., 1930-2016)
МЕШТРОВИЧ, Иван. (Mestrovic, Ivan., 1883-1962)
МОРРИС, Роберт. (Morris, Robert., 1931-)
МОХОЙ-НАДЬ, Ласло. (Moholy-Nagy, Laszlo., 1895-1946)
НАУМАН, Брюс. (Nauman, Bruce., 1941-)
НЕИЗВЕСТНЫЙ, Эрнст. (Neizvestny, Ernst., 1925-2016)
НОГУТИ, Исаму. (Noguchi, Isamu., 1904-1988)
НЬЮМЕН, Барнетт. (Newman, Barnett., 1905-1970)
ОЛДЕНБУРГ, Клас. (Oldenburg, Claes., 1929-)
ПРОКТОР, Александр. (Proctor, Alexander Phimister., 1860-1950)
РЕМИНГТОН, Фредерик. (Remington, Frederic., 1861-1909)
СЕГАЛ, Джордж. (Segal, George., 1924-2000)
СЕРРА, Ричард. (Serra, Richard., 1939-)
СМИТ, Дэвид. (Smith, David., 1906-1965)
УОРХОЛ, Энди. (Warhol, Andy., 1928-1987)
ФЛАВИН, Дэн. (Flavin, Dan., 1933-1996)
ХАНСОН, Дуэйн. (Hanson, Duane., 1925-1996)
ХАРИНГ, Кейт. (Haring, Keith., 1958-1990)
ЧЕМБЕРЛЕН, Джон. (Chamberlain, John., 1927-2011)
ШЕМЯКИН, Михаил. (Shemyakin, Mikhail., 1943-)
ШУКАЛЬСКИЙ, Станислав. (Szukalski, Stanislaw., 1893-1987)
ЯВАШЕВ, Христо. (Yavashev, Hristo., 1935-2020)

ЛЕВИТТ, Сол

ЛЕВИТТ, Сол. Open Modular Cube. 1966 г.

ЛЕВИТТ, Сол.

(Lewitt, Sol., 1928-2007) американский художник и скульптор, одна из ключевых фигур минимализма и концептуализма, автор теоретических работ по концептуализму. Родился в г. Хартфорде, штат Коннектикут, США, в семье еврейских эмигрантов из России, отец был врачом. Изучал историю искусств в Сиракузском университете (Нью-Йорк, 1945-1949 гг.), учился в Школе визуальных искусств (Нью-Йорк, 1950-е гг.). Осуществил путешествие по Европе. Служил сначала в Калифорнии, потом в Японии и Корее (участвовал в корейской войне). Вернувшись в Америку, Левитт в 1953 г. поселился в Нью-Йорке. В 1954-1955 гг. работал в журнале "Севентин", в 1955-1956 гг. - графиком у архитектора Ио Мин Пея. В 1957-1960 гг. - начал заниматься живописью, кроме того, по заказу торговых фирм, графическим дизайном. В 1960 г. он поступил на работу в Музей современного искусства (MoMA), где познакомился с другими будущими звездами своего поколения - художниками Р. Мэнгодлом и Р. Райманом, скульптором Д. Флавином. Преподавал в школах искусств в Нью-Йорке - при Музее современного искусства (1964-1967 гг.), Купер Юнион (1967-1968 гг.), Школе визуальных искусств (1969-1970 гг.) и др. Испытал влияние русских авангардистов и конструктивистов. Принимал участие в проектах концептуального искусства и лэнд-арта. Произведения Левитта - это геометрические структуры - металлические сетки, бетонные кубы и блоки, настенные росписи из простейших фигур и цветов, носящие подчеркнуто бесстрасный характер. В 1967 г. Левитт создал "Тезисы концептуального искусства" - манифест концептуалистов, обоснование теории концептуализма. В статье для журнала "Артфорум" (1967 г.), Левитт привел определение концептуального искусства: "Когда художник прибегает к концептуальной форме искусства, это означает, что все планирование производится заранее, все решения принимаются заранее, и исполнение происходит формально, поверхностно, неглубоко… цель художника, занимающегося коцептуальным искусством, - сделать свою работу интеллектуально интересной для зрителя, и при этом не затрагивающей его душу". Левитт опубликовал также декларацию "Суждения концептуального искусства" (1969 г.). Куб художник называл своей "базовой единицей". Он то усекал его грани, превращая куб в решетку, то множил кубы, создавая хаос. Художник экспериментировал с формой и цветами объектов, работая с простыми геометрическими фигурами, преимущественно в монохромной технике. На более поздних этапах творчества Левитт создавал скульптуры и графические серии, делал настенные росписи, оформлял книги, занимался керамикой, фотографией. Умер в Нью-Йорке (от рака). Произведения: "Штудии по произведениям Пьеро" (1958 г.), "Напольная структура" (1962 г.), "Настенная структура из девяти частей, каждая из которых содержит в себе произведения искусства других художников" (1963 г.), "Пять модулей одного куба" (1965 г.), "Напольная структура" (1965 г.), "Модульное настенное произведение с кубом" (1965 г.), "Модульное произведение/Двойной куб" (1966 г.), "Открытый модульный куб" (1966 г.), "Серийный проект № 1" (1966 г.), "Графическая серия II" (1968 г.), "Прямые линии в четырех направлениях и все их возможные комбинации" (1973 г.), "Кубические структуры, основанные на пяти модулях" (серия из 30 работ, 1971-1974 гг.), "Вариации с неполными разомкнутыми кубами" (1974 г.), "Настенный рисунок 260" (1975 г.), "Угловое произведение № 2" (1976 г.), "Шесть геометрических фигур трех цветов на трех разных фонах и все их комбинации" (Трафаретная печать, 1978 г.), "Настенный рисунок 346" (1981 г.), "Настенный рисунок 335" (1981 г.), "Настенный рисунок 354" (1981 г.), "Квадрат, поделенный на 4 равные части, каждую из которых заполняют параллельные полосы в различных направлениях" (гравюра на дереве, 1982 г.), "Настенный рисунок N391" (1983 г.), "Шесть перевернутых башен" (1987 г.), "Настенный рисунок" (1988 г.), "Открытая геометрическая структура IV" (1990 г.), "Красный квадрат, белые буквы" (холст, масло) и др. Основные персональные выставки: Гаага (1970 г.), Берн (1972 г.), Эдинбург (1975 г.), Лондон (1986 г.), Кливленд (1987 г.) и др. Работы Левитта находятся в крупнейших собраниях современного искусства.

Соль Левитт - 74 произведения

Соломон «Сол» Левитт (9 сентября 1928 - 8 апреля 2007) был американским художником, связанным с различными движениями, включая концептуальное искусство и минимализм.

Левитт прославился в конце 1960-х своими настенными рисунками и «структурами» (термин, который он предпочитал вместо «скульптуры»), но был плодотворным в широком спектре средств массовой информации, включая рисунок, гравюру, фотографию, живопись, инсталляцию и творчество художников. книги. С 1965 года он был участником сотен персональных выставок в музеях и галереях по всему миру.

Левитт родился в Хартфорде, штат Коннектикут, в семье еврейских иммигрантов из России. Его мать водила его в художественные классы в Wadsworth Atheneum в Хартфорде. После получения степени бакалавра искусств в Сиракузском университете в 1949 году Левитт отправился в Европу, где познакомился с картинами старых мастеров. Вскоре после этого он участвовал в Корейской войне, сначала в Калифорнии, затем в Японии и, наконец, в Корее. Левитт переехал в Нью-Йорк в 1953 году и основал студию в Нижнем Ист-Сайде, в старом еврейском поселении ашкенази на Хестер-стрит.В это время он учился в Школе визуальных искусств, а также интересовался дизайном в журнале Seventeen, где он делал макеты, механику и фотостаты. В 1955 году он в течение года работал графическим дизайнером в офисе архитектора И.М.Пея. Примерно в то же время Левитт также обнаружил работы фотографа конца 19-го века Идверда Мейбриджа, чьи исследования последовательности и передвижения оказали раннее влияние. Этот опыт, в сочетании с работой начального уровня в качестве ночного администратора и клерка, которую он взял в 1960 году в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, повлиял на более позднюю работу Левитта.

В MoMA в числе сотрудников Левитта были коллеги-художники Роберт Райман, Дэн Флавин, Джин Бири и Роберт Мангольд, а также будущий художественный критик и писатель Люси Липпард, которая работала страницей в библиотеке. Куратор выставки Дороти Каннинг Миллер, ставшая известной теперь выставкой 1960 года «Шестнадцать американцев» с работами Джаспера Джонса, Роберта Раушенберга и Фрэнка Стеллы, вызвала волну возбуждения и дискуссий в сообществе художников, с которыми ассоциировался Левитт. Левитт также подружился с Ханне Дарбовен, Евой Хессе и Робертом Смитсоном.

Левитт преподавал в нескольких школах Нью-Йорка, включая Нью-Йоркский университет и Школу визуальных искусств, в конце 1960-х годов. В 1980 году Левитт уехал из Нью-Йорка в Сполето, Италия. Вернувшись в Соединенные Штаты в конце 1980-х, Левитт сделал Честер, штат Коннектикут, своей основной резиденцией. Он умер в возрасте 78 лет в Нью-Йорке от рака.

Левитт считается основателем как минимального, так и концептуального искусства. Его плодотворные двухмерные и трехмерные работы варьируются от настенных рисунков (более 1200 из которых было выполнено) до сотен работ на бумаге, вплоть до структур в виде башен, пирамид, геометрических форм и прогрессий.Эти работы варьируются по размеру от инсталляций размером с галерею до монументальных произведений на открытом воздухе. Первые серийные скульптуры Левитта были созданы в 1960-х годах с использованием модульной формы квадрата в композициях различной визуальной сложности. В 1979 году Левитт участвовал в оформлении танцевального произведения Люсинды Чайлдс «Танец».

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →


Подробнее ...

Художников по направлению: концептуальное искусство

Художественное движение

Концептуальное искусство, иногда просто называемое концептуализмом, - это искусство, в котором концепция или идеи, задействованные в работе, имеют приоритет над традиционными эстетическими, техническими и материальными проблемами.Некоторые произведения концептуального искусства, иногда называемые инсталляциями, могут быть созданы кем угодно, просто следуя набору письменных инструкций. Этот метод был фундаментальным для определения концептуального искусства американским художником Солом Левиттом, одним из первых появившихся в печати:

Тони Годфри, автор книги «Концептуальное искусство (Art & amp; Ideas)» (1998), утверждает, что концептуальное искусство ставит под сомнение природу искусства, понятие, которое Джозеф Кошут возвысил до определения самого искусства в своем основополагающем раннем манифесте концептуального искусства. , «Искусство после философии» (1969).Представление о том, что искусство должно исследовать свою собственную природу, уже было мощным аспектом видения современного искусства влиятельным арт-критиком Клементом Гринбергом в 1950-х годах. Однако с появлением исключительно языкового искусства в 1960-х годах художники-концептуалисты, такие как Джозеф Кошут, Лоуренс Вайнер и English Art & amp; Языковая группа начала гораздо более радикальный допрос искусства, чем это было возможно ранее (см. Ниже). Одной из первых и наиболее важных вещей, которые они подвергли сомнению, было распространенное мнение о том, что роль художника заключается в создании особых видов материальных объектов.

Благодаря ассоциации с Молодыми британскими художниками и Премией Тернера в 1990-х годах, в популярном употреблении, особенно в Великобритании, «концептуальное искусство» стало обозначать все современное искусство, которое не использует традиционные навыки живописи и скульптуры. Можно сказать, что одна из причин, почему термин «концептуальное искусство» стал ассоциироваться с различными современными практиками, далекими от его первоначальных целей и форм, заключается в проблеме определения самого термина.Как предположил еще в 1970 году художник Мел Бохнер, объясняя, почему ему не нравится эпитет «концептуальный», не всегда полностью понятно, к чему относится «концепт», и есть риск того, что его перепутают с «намерением». Таким образом, описывая или определяя произведение искусства как концептуальное, важно не путать то, что называется «концептуальным», с «намерением» художника.

Французский художник Марсель Дюшан открыл дорогу концептуалистам, предоставив им образцы прототипов концептуальных работ - например, реди-мейды.Самым известным из реди-мейдов Дюшана был «Фонтан» (1917 г.), стандартный писсуар, подписанный художником псевдонимом «Р. Матт» и представленный для включения в ежегодную выставку Общества независимых художников Нью-Йорка без участия жюри. Йорк (который отверг его). Художественная традиция не рассматривает обычный предмет (например, писсуар) как искусство, потому что он создан не художником и не с каким-либо намерением быть искусством, а также не является уникальным или изготовленным вручную. Актуальность и теоретическая важность Дюшана для будущих «концептуалистов» была позже признана американским художником Джозефом Кошутом в его эссе 1969 года «Искусство после философии», когда он писал: «Все искусство (после Дюшана) концептуально (по своей природе), потому что искусство существует только концептуально".

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Conceptual_art

A Touch of Class / Hofstra отмечает 40-летие коллекционирования

В прошлом году, когда Художественный музей Метрополитен запросил

Картина молодой француженки работы Поля Гогена для выставки на

Художник

, музей Хофстра собрал портрет, приобретенный в 1964 и

годах.

отправил его на Манхэттен.

Вот прекрасный пример ранних экспериментов Гогена с импрессионизмом,

с его приятными пастельными тонами и яркими пятнистыми мазками вернулся домой - по адресу

.

Галерея Эмили Лоу при университете острова Хемпстед. Видно там

Подпишитесь на информационный бюллетень Points East!

Не пропустите этим летом выходные на востоке.Все, что есть в Северной и Южной Форк, прямо в вашем почтовом ящике

Нажимая «Зарегистрироваться», вы соглашаетесь с нашей политикой конфиденциальности.

С

до 13 апреля, а также 59 других избранных произведений искусства, отобранных из его постоянного

Коллекция

, в "Праздник: Музей Хофстра в 40 лет".

Через комнату от Гогена находится нигерийская маска с большой цифрой

.

тыквы цвета охры, которая также пересекла Ист-Ривер.

Необычный головной убор йоруба, приписываемый Латунджи Мосуди, был выбран в качестве детали

новаторской выставки африканского искусства 1997 г., проводившейся в Метрополитене.

раз, стремились идентифицировать отдельных художников.

Эти две работы, Гоген и Мосуди, представляют собой не только калибр

.

произведений искусства, которые можно найти в музее Хемпстеда, но разнообразие и

богатства его владений.Здесь есть что-то, что понравится почти

на любой вкус или, по крайней мере, вызывает интерес, из 16 века

Голова Будды из песчаника из Таиланда в безмятежный горный пейзаж к

Джеймс Макдугал Харт во втором поколении, художник Школы реки Гудзон - Джоан

Светящаяся, инкрустированная абстракция Митчелла.Фрагменты из произведений музея

на бумаге, которые столь же обширны, будут представлены в сиквеле

. Выставка

намечена на начало осени.

Наряду с предоставлением повода продемонстрировать некоторые из его лучших сокровищ,

Юбилейная выставка - это тоже возможность, - говорит куратор Элеонора Райт,

.

для галереи, чтобы выразить свою признательность коллекционерам, чей широкий

страсти наполняют коллекцию из почти 5000 экспонатов.

Университет впервые стал хранилищем изобразительного искусства в 1949 году.

дар г-жи В. Холстед ВандерПоэль, жены бывшего попечителя Hofstra,

из группы произведений, в которую вошли французские изделия из бронзы XIX века, картины и

декоративное искусство.Представлены две китайские гробницы седьмого века, an

конный чиновник и придворная дама из династии Тан, принадлежавший к

Коллекция Lillian Schloss - предмет передвижной выставки, организованной

Hofstra в 1993 году - номер среди последних подарков музея.

«Около 60 процентов предметов, переданных в дар музею, поступили из Лонга

.

Островных коллекционеров ", - говорит Дэвид Кристман, который был директором галереи

.

с 1993 года."Есть также много коллекционеров из Манхэттена, которые подарили нам

, и время от времени мы получаем замечательные изделия от кого-то из

.

другой регион страны, который слышал, что мы заинтересованы в конкретном

художник или работа ».

Среди местных коллекционеров, неоднократно жертвовавших музею,

Милтон Гарднер, чьи дары включают густо нарисованный, почти детский

изображение девушки голландским художником CoBrA Карелом Аппелем и капризным,

Бесплотный рендеринг двух валунов ранним американским модернистом Эдвином

Дикинсон; Джерри и Эмили Шпигель, представленные на выставке небольшим маслом на

.

бумага французского художника Жоржа Руо о меланхолическом клоуне, сюжет

он одобрил; и покойный Сол Левитт и его жена Жозефина, которые пожертвовали

африканских произведений галереи.

Не только частные коллекционеры обогатили музей. A

призовых недавних пополнения поступило от Фонда Артура М. Саклера, который

несколько лет назад узнал о голландских ассоциациях университета и предложил

галерея изображение канала 1862 года с обязательной ветряной мельницей к

Йохан Бартольд Йонгкинд.Приобретение приветствовали не только его тематические

.

связаны с университетом, но как яркий пример голландского пейзажа

традиции и как предшественник импрессионизма. "Потому что колледж и университет

музеев часто не имеют фондов закупок, в их коллекциях может не хватать

исторической глубины », - говорит Кристман.«Возрастающая редкость старых произведений составляет

.

их гораздо труднее получить ».

Художники тоже подарили музею Хофстра. Джимми Эрнст, сын художника

немецкого сюрреалиста Макса Эрнста, автор картины 1963 года «Хрустальная ночь»

, который обнажает свой фирменный паутинообразный дизайн и вызывает потрясение человеческих жизней

, произошедших во время Холокоста, в том числе и его матери.Еще одна работа от

Художник

, фреска, нарисованная на черепице, которая когда-то покрывала его дом в Ист-Хэмптоне, -

предоставлен музею и выставлен на обозрение в открытой витрине у входа в

галерея. Он входит в число 68 произведений паблик-арта, в том числе скульптуры

.

Генри Мур и Пол Мэншип, разбросанные по кампусу площадью 240 акров.Вращающийся

избранных работ регулярно можно увидеть на двух дополнительных выставочных площадках в

.

Библиотека Джоан и Дональда Э. Аксиннов, перешедшая под патронат музея в

году.

конца 1980-х, чтобы помочь разместить расширяющуюся коллекцию.

С впечатляющим списком художников, в том числе Джорджем Гросом,

Филип Эвергуд, Фрэнк Стелла, Альфред Маурер, Марисоль и Джордж Сигал, а также

как менее знакомые имена, такие как Стивен Браун и Джо Дэвидсон, годовщина

Выставка

действительно может быть слишком амбициозной по размаху и местами неровной.Но "А

Celebration "не уклоняется от заявленного намерения радоваться

творческого духа и отдадим дань уважения тем, кто доверил Hofstra

помогает сохранить его.

Дейдре Штайн Гребен - писатель-фрилансер.

ГДЕ И КОГДА "Праздник: 40-летний музей Хофстра" до 13 апреля

Галерея Эмили Лоу, Южный кампус Университета Хофстра, Хемпстед Тернпайк,

Хемпстед; вход свободный.Чтобы узнать часы работы и дополнительную информацию, звоните в музей по телефону

.

516-463-5672 или посетите сайт www.hofstra.edu/COM/Museum.

Автор: Дейдре Штайн Гребен. Дейдре Штайн Гребен - писатель-фрилансер.

Трудно увидеть Америку

Полностью заимствованный из коллекции Музея американского искусства Уитни, America Is Hard to See использует открытие нового здания музея как возможность пересмотреть историю искусства в Соединенных Штатах с начала двадцатого века до наших дней. .Выставка, включающая более шестисот работ, раскрывает темы, идеи, убеждения и страсти, которые вдохновляли американских художников в их борьбе за работу в рамках и против установленных конвенций, часто напрямую затрагивая их политический и социальный контекст. Многочисленные произведения, которые редко, если вообще показывались, появляются рядом с любимыми иконами в сознательной попытке опровергнуть предположения об американском художественном каноне.

Название « Америку трудно увидеть» взято из стихотворения Роберта Фроста и политического документального фильма Эмиля де Антонио.Образно говоря, название призвано отметить постоянно меняющиеся взгляды художников и их способность разрабатывать визуальные формы, отвечающие культуре Соединенных Штатов. Это также подчеркивает сложность четкого определения духа и жителей страны, задача, которая лежит в основе приверженности Музея и постоянно развивающегося понимания американского искусства.

В хронологическом порядке повествование выставки разделено на двадцать три тематических «главы», расположенных по всему зданию.Эти разделы пересматривают и пересматривают устоявшиеся стереотипы, создавая новые категории и даже расширяя определение того, кто считается американским художником. В самом деле, каждая глава берет свое название не от движения или стиля, а от названия произведения, которое вызывает оживляющий импульс раздела. Произведения искусства во всех средах отображаются вместе, признавая способы, которыми художники использовали различные способы производства и нарушили границы между ними.

America Is Hard to See отражает отчетливую историю приобретений и выставок Уитни, которая составляет своего рода коллективную память - такую, которая представляет собой диапазон индивидуальных, иногда противоречивых, взглядов на то, что американское искусство могло бы быть, означать или делать в в любой момент.Одновременно изучая и подвергая сомнению наше прошлое, мы приходим не к всеобъемлющему обзору или аккуратному подведению итогов, а, скорее, к важному новому началу: первой из многих историй, которые еще предстоит рассказать.

Америку трудно увидеть. организован группой кураторов Уитни во главе с Донной Де Сальво, главным куратором и заместителем директора по программам, включая Картера Э. Фостера, Стивена и Энн Эймс, куратора рисования; Дана Миллер, хранитель постоянной коллекции; и Скотт Роткопф, семейный куратор Нэнси и Стива Краун и заместитель директора программ; с Джейн Панетта, помощником куратора; Кэтрин Тафт, помощник куратора; и Миа Карран, помощник куратора.

При поддержке

Левиттов в сезоне Falls 2021 раскрыли наш город, нашу музыку - Совет искусств Су-Фолс

Sioux Falls, SD (29 апреля 2021 г.) Levitt at the Falls рад сообщить о возвращении к живым концертам в Sioux Falls Levitt Shell и о полном календаре на сезон 2021 года. Команда Levitt собрала захватывающий сезон профессиональных артистов, которые дадут 40 БЕСПЛАТНЫХ концертов в Levitt Shell в Falls Park West, начиная с пятницы, 11 июня, и заканчивая субботой, 11 сентября.Сезон 2021 года, спонсируемый Sanford Health, будет состоять из местных, региональных и национальных профессиональных артистов, предлагающих различные жанры и музыкальные стили. Предлагаются 8 различных музыкальных сериалов («Американа», «Женщины песни», «Кантри», «Свежий сад», «Доморощенные», «Мировая музыка», «Рок и блюз» и «Семейные сериалы»), каждый найдет что-то для себя.

«После года огромных испытаний для нашего сообщества мы очень рады принести новости надежды и радости с возвращением к бесплатной живой музыке на открытом воздухе и построению сообщества в Levitt Shell.Мы благодарны за поддержку нашим многочисленным спонсорам и донорам за то, что они инвестируют в силу живой музыки и нашу миссию », - сказала Нэнси Халверсон, исполнительный директор Levitt at the Falls.

концертов Levitt будут проводиться летом каждую пятницу и субботу вечером с 11 июня по 11 сентября, а концерты по четвергам будут добавлены в расписание в июле и августе. Мероприятия Levitt будут включать в себя вводные выступления с участием местных исполнителей, различных продавцов еды и напитков, доступных через JJ’s Wine & Spirits.Газон будет открываться в 18:00 каждый вечер, а в 18:30 будет звучать музыка. Кроме того, выступления Family Series для детских и молодежных групп будут проходить в 4 утра по пятницам в течение всего лета в 10:00.

В сообществе растет ожидание возвращения в Levitt. «Музыка объединяет людей и создает сообщество, поэтому вполне уместно, что серия концертов Левитта 2021 года предоставит сообществу возможность снова собраться вместе и насладиться живой музыкой после проблем прошлого года.Городские власти гордятся тем, что сотрудничают с Levitt at the Falls, чтобы привнести живость, динамику и активность в Falls Park West и в наш центр города », - сказал мэр Пол ТенХакен.

Сезон 2021 года представлен Sanford Health. «Обязательства Sanford Health по отношению к сообществу охватывают весь наш регион, - сказала Стейси Райтсман, исполнительный директор по связям с общественностью Sanford Health. «Музыка лечит, и человеческая связь очень важна. Благодаря работе Левитта прямо здесь, на заднем дворе, происходит строительство сообщества.Мы очень гордимся тем, что поддерживаем Левитта на водопаде и в их сезоне 2021 года.

На премьере в пятницу, 11 июня, в Levitt at the Falls выступит квинтет Ранки Танки, получивший премию Грэмми в 2020 году, который привнесет свежий и вдохновляющий джазовый оттенок в традиционную музыку Гуллы в Южной Каролине. Названный NPR «живым, душевным, мед для ушей», отмеченный наградами Ranky Tanky откроет сезон Levitt динамичным выступлением, которое нельзя пропустить. В субботу, 11 сентября, на заключительном вечере выступит чикагский духовой оркестр LowDown Brass Band - духовой оркестр, который в значительной степени опирается на танцевальный и уличный ритм, с энергией осознанного хип-хопа, джаза, регги и соула.

Levitt at the Falls - некоммерческая организация, деятельность которой направлена ​​на создание сообщества с помощью музыки. В 2019 году их первый сезон приветствовал более 58000 посетителей в Levitt Shell на 30 бесплатных концертов. В 2020 году их серия концертов померкла из-за пандемии, но развернутая информационная деятельность Levitt In Your Neighborhood и Levitt In Your Living Room охватила более 250 000 семей. Levitt Shell Sioux Falls является частью национальной сети уличных музыкальных заведений и концертных площадок Levitt, посвященных укреплению социальной ткани сообществ.Представляя широкий спектр музыкальных жанров и культурных программ, Levitt объединяет семьи, друзей и соседей любого возраста и происхождения. Отель Levitt Shell расположен в центре города Су-Фолс по адресу 504 N. Phillips Avenue в Falls Park West.

2021 ЛЕВИТТ НА КОНЦЕРТЕ ФОЛЛС СЕЗОН, ПРЕДСТАВЛЕННЫЙ SANFORD HEALTH

Вечерние представления: Лужайка открывается в 18:00 / Начало музыки в 18:30

Ранки Танки | Пятница, 11 июня

Лукас Хоге | Суббота, 12 июня

Bo DePeña | Пятница, 18 июня

Группа Мэй Симпсон | Суббота, 19 июня

Goodroad | Пятница, 25 июня

Два трека | Суббота, 26 июня

Напоминания | Пятница, 2 июля

К востоку от Вестревилля | Суббота, 3 июля

Диали Циссохо и Кайра Ба | Четверг, 8 июля

Коллективный ритм | Пятница, 9 июля

Коричневый целомудрие | Суббота, 10 июля

Джоселин и Крис | Четверг, 15 июля

Кольцо Керри | Пятница, 16 июля

Нур-Д | Суббота, 17 июля

Pert Near Sandstone | Четверг, 22 июля

Южный проспект | Пятница, 23 июля

Wild Earp | Суббота, 24 июля

Стальные диски | Четверг, 29 июля

Лисички | Пятница, 30 июля

Группа Esencia Latina | Суббота, 31 июля

Калеб Джонсон и Святые Рамблина | Четверг, авг.5

Прекрасное королевство | Пятница, 6 августа

Сирена Superior | Суббота, 7 августа

Теория мышц Элвина Янгблада Харта | Четверг, 12 августа

Шайна Стил | Пятница, 13 августа

Бритни Келлог | Суббота, 14 августа

Клодеты | Четверг, 19 августа

The Rad Trads | Пятница, 20 августа

Ведро с лимоном Orkestra | Суббота, авг.21

Мисс Майра и самогонщики | Четверг, 26 августа

Джеки Венсон | Пятница, 27 августа

Группа Тейлора Скотта | Суббота, 28 августа

Тоник Sol-fa | Пятница, 3 сентября

V The Noble One & The Knights Tempo | Суббота, 4 сентября

Прощай, Ангелина | Пятница, 10 сентября

Латунный браслет LowDown | Суббота, 11 сентября

Утренние представления для молодежи и семей: 10:00 по выбранным пятницам

Далласский главный орел | Пятница, 18 июня | Семья

Кельтский для детей | Пятница, 16 июля | Семья

Братья Оки Доки | Пятница, 23 июля | Семья

123 Andrés | Пятница, авг.6 | Семья

* Для получения полной информации о концерте и биографии артистов посетите сайт www.levittsiouxfalls.org *

Хелен Левитт фотографирует детские рисунки мелом на JSTOR

В этой статье исследуются ранние работы Хелен Левитт, в частности фотографии Левитт детских рисунков мелом, сделанные во время ее пребывания в Нью-Йорке в Федеральном художественном проекте в Нью-Йорке в 1937 году. В ней показано, как Левитт, не согласный с нормативными представлениями о городском ребенке, предложил прочитать дети, которые уделяли внимание своим способностям создавать места.В нем утверждается, что благодаря ее постоянному вниманию к коллективным и маргинальным пространствам в городском ландшафте - тротуарам, ступеням, фасадам и дверям - Левитт признала способность детей создавать, определять и преобразовывать пространство в свое собственное. На фотографиях Левитт подопытные обычно захватывали уличные пейзажи посредством игры, раскрывая разрушительный потенциал этого энергичного ритуала. Левитт создал эти меловые картины как произведения искусства, примеры, которые раскрывают фольклор городских пространств Восточного Гарлема и внутреннюю работу детского ума.Внимательно изучив предметы, предметы и идеи, которые заполняют рисунки мелом, мы видим усилия детей по созданию и заселению их собственных воображаемых ландшафтов, которые вплетены в коллективное пространство городской улицы. Посредством этого создания, активации и социализации пространства - реального и воображаемого - они создали себе место на улицах оспариваемых городов.

Информация о журнале

Buildings & Landscapes исследует построенный мир - дома и города, усадьбы и переулки, церкви и здания суда, подразделения и торговые центры - которые составляют пространства, с которыми большинство людей сталкивается каждый день.Сильно основанные на полевых исследованиях и архивных исследованиях, которые рассматривают здания как окна в человеческую жизнь и культуру, статьи написаны историками, специалистами по охране природы, архитекторами, культурными и городскими географами, культурными антропологами и другими лицами, занимающимися документацией, анализом и интерпретацией построенного Мир.

Информация об издателе

Университет Миннесоты, основанный в 1925 году, известен прежде всего как издатель новаторских работ в области социальной и культурной мысли, критической теории, расовых и этнических исследований, урбанизма, феминистской критики и исследований средств массовой информации.The Press является одним из самых активных издателей переводов значительных произведений европейской и латиноамериканской мысли и науки. Миннесота также публикует разнообразный список работ, посвященных культурному и природному наследию штата и региона Верхнего Среднего Запада.

Говард Левитт: Почему я не смог устоять перед покупкой пресловутой картины Монкмена «Хэнки Панки»

Breadcrumb Trail Links

  1. Полный комментарий

Это вызвало гнев политически корректных, но я думаю, что картина озорная и поворачивается колониальный нарратив с ног на голову

Автор статьи:

Ховард А.Левитт, Национальная почта

Дата публикации:

30 мая 2020 г. • 30 мая 2020 г. • 3 минуты чтения • 116 комментариев Детали скандальной картины Кента Монкмана «Хенки Панки». Фото Postmedia News

Содержание статьи

Когда в прошлую среду я получил записку от Джона Кея: «Вам следует купить эту картину», я понял, что должен действовать быстро.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

Скандал охватил самого известного канадского художника Кента Монкмана, чьи картины теперь украшают вестибюль нью-йоркского музея Метрополитен (единственный канадский музей Монкмена, когда-либо имевший там выставку).А когда возникают скандалы, появляются возможности. Кей знал, что мне это будет интересно, так как он увидел на званом обеде, на видном месте у меня дома, «Мокрый сон мисс Шеф» Монкмана, большую и мощную работу, жестокую и эротическую, изображающую выдающихся мифологических и исторических кавказцев - Иисуса Христа, Наполеона, Мария-Антуанетта и другие - на плоту, воюющие с каноэ не менее выдающихся вождей аборигенов в бушующем, бурном океане.

Электронное письмо Кея было моим знакомством с последней работой Монкмена, Хэнки Панки, которую New York Times прокомментировала (к счастью после моей покупки): «Если мистерРаньше Монкман был на обочине культурных войн страны, и его последняя картина втянула его в ее центр ».

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

Кента Монкмана видели с произведением своего искусства в музее Гленбоу в Калгари 15 июня 2017 года. Фото Leah Hennel / Postmedia News

Я позвонил Монкмену, которого я знаю, и чьи большие картины неизменно стоили шесть цифры, надеясь на «сделку.К сожалению, ничего не получилось. Во всяком случае, скандал увеличил и без того пьянящую известность артиста кри, добавив изюминку дурной славы.

Получив удовольствие от участия во множестве других войн, я не мог устоять перед лицом этой культурной, ныне захватывающей канадские общины.

Картина вызвала гнев политически корректных, в том числе многих представителей аборигенного сообщества, за то, что перевернула историческое повествование с ног на голову, когда женщины-аборигены радостно смотрели на альтер-эго Монкмена, а бывшие канадские премьер-министры - более торжественно. Мисс Вождь Игл Яичник, устроивший премьер-министру Джастину Трюдо свой отпор в, позвольте мне сказать, сексуально провокационной позе.Воины культуры отмены осудили изображение аборигенов, демонстрирующих большое веселье над тем, что они воспринимают как унижение белых лидеров. Монкман, который был вынужден несколько извиниться за политическую бурю, отчасти для защиты моделей аборигенов, которые он использовал, которые подвергались личным нападениям за участие, сказал, что на самом деле он намеревался показать согласие (со стороны Трюдо), и что премьер-министр делает это. есть полуулыбка на картине. Монкман выбрал имя, Хэнки Панки, как отражение «характера персонажа, буйного смеха женщин из числа коренных народов, а также хитрости и обмана каждого последующего колониального правительства со времен Канадской Конфедерации».”

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

В любом случае, учитывая мою биографию, я мог легко оценить мотив - «око за око».

Критики говорят, что скандальная картина художника Кри Кента Монкмана «Хэнки Панки» изображает сексуальное насилие над премьер-министром Джастином Трюдо. Фото Postmedia News

У картины Человека-монаха есть защитники-аборигены. Сенатор Мюррей Синклер отметил, что «Кент Монкман представил еще одно монументальное свидетельство обращения с женщинами из числа коренного населения и отсутствия заботы со стороны общества.Я бы хотел, чтобы люди были так же шокированы и возмущены этим изображением, как и тем, что Монкман его изображает ».

Я считаю, что картина озорная, веселая и переворачивает колониальный рассказ с ног на голову. Я возражаю против этой смирительной рубашки художников из числа меньшинств со стороны членов их собственной группы, говорящих им, как они должны рисовать и думать. Кажется, что чем выше по иерархии «угнетенных», тем выше уровень аборигенов, в наши дни «воины социальной справедливости» соразмерно безжалостны в своей критике и даже более готовы действовать самостоятельно.Если только по той или иной причине, как демонстрация моей поддержки Monkman против этой группы соломенных мужчин (и женщин), я должен был купить это.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

Я возражаю против этой смирительной рубашки художников из числа меньшинств членами их собственной группы

Кей в колонке, посвященной этой картине, отмечает, что «это не совпадение, что почти каждый канадец, чьи работы имеют культурное влияние за пределами страны, Границы Канады - Маргарет Этвуд, Стивен Галлоуэй, Джордан Петерсон и Джозеф Бойдон (двое из которых я действую или действовал от имени, а третьему я давал советы) - в то или иное время привлекали толпу благочестивых никого, кто пытался их захватить. вниз.

Было ли это поддержать Монкмена против этой подавляющей сознание и культуру толпы, поддержать способность художников перевернуть мир с ног на голову и заставить нас думать о жизни по-новому, или потому, что я любил живопись, или Поскольку я знал, что это будет отличная инвестиция, я не колебался после телефонного звонка Кей.

Юрист по трудоустройству Говард А. Левитт ведет юридическую колонку для Financial Post.

  1. Джонатан Кей: Нужен настоящий художник, чтобы найти новые способы потрясти совесть.Кент Монкман сделал это. еще не загружен, но ваша статья продолжается ниже.

    NP Размещено

    Подпишитесь, чтобы получать ежедневные главные новости от National Post, подразделения Postmedia Network Inc.

    Нажимая на кнопку подписки, вы соглашаетесь на получение вышеуказанного информационного бюллетеня от Postmedia Network Inc. Вы можете отказаться от подписки в любое время, щелкнув ссылку для отказа от подписки внизу наших электронных писем. Postmedia Network Inc. | 365 Bloor Street East, Торонто, Онтарио, M4W 3L4 | 416-383-2300

    Спасибо за регистрацию!

    Приветственное письмо уже готово. Если вы его не видите, проверьте папку нежелательной почты.

    Следующий выпуск NP-Отправленного скоро будет в вашем почтовом ящике.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *