Классические зарубежные пьесы: 50 лучших классических пьес — 50 книг

Содержание

60 лучших пьес в истории — Театр — Культура ВРН

  • Текст: Юрий Данилов
  • Фото: 900igr.net

Все чаще в прессе появляются списки «самых великих» писателей, композиторов, книг, фильмов и так далее. Мы решили не отставать от веяний времени и попытались составить список самых выдающихся произведений мировой драматургии. Как говорится, их должен знать каждый.

Вот что у нас получилось. Соглашайтесь, спорьте, дополняйте.

Гамлет. Уильям Шекспир

Ромео и Джульетта. Уильям Шекспир

Отелло. Уильям Шекспир

Сон в летнюю ночь. Уильям Шекспир

Буря. Уильям Шекспир

Двенадцатая ночь. Уильям Шекспир

Макбет. Уильям Шекспир

Король Лир. Уильям Шекспир

Тартюф. Жан-Батист Мольер

Скупой. Жан-Батист Мольер

Чайка. Антон Чехов

Три сестры. Антон Чехов

Вишневый сад. Антон Чехов

Дядя Ваня. Антон Чехов

Медея. Еврипид

Маскарад. Михаил Лермонтов

На дне. Максим Горький

Женитьба Фигаро. Бомарше

Коварство и любовь. Фридрих Шиллер

Слуга двух господ. Карло Гольдони

Жизнь есть сон. Педро Кальдерон

Дама-невидимка. Педро Кальдерон

Собака на сене. Лопе де Вега

Любовью не шутят. Альфред де Мюссе

Стакан воды. Огюстэн-Эжен Скриб

Школа злословия. Ричард Бринсли Шеридан

Пигмалион. Бернард Шоу

Дом, где разбиваются сердца. Бернард Шоу

Синяя птица. Морис Метерлинк

Таланты и поклонники. Александр Островский

Доходное место. Александр Островский

Гроза. Александр Островский

Горе от ума. Александр Грибоедов

Ревизор. Николай Гоголь

Женитьба. Николай Гоголь

Гедда Габлер. Генрик Ибсен

Пер Гюнт. Генрик Ибсен

Разбитый кувшин. Генрих фон Клейст

Стулья. Эжен Ионеско

В ожидании Годо. Самюэль Беккет

Наш городок. Торнтон Уайлдер

Трехгрошовая опера. Бертольт Брехт

Мамаша Кураж. Бертольт Брехт

Все в саду. Эдвард Олби

Татуированная роза. Теннесси Уильямс

Трамвай «Желание». Теннесси Уильямс

Сторож. Гарольд Пинтер

Кабала святош. Михаил Булгаков

Дни Турбиных. Михаил Булгаков

Утиная охота. Александр Вампилов

Дом Бернарды Альбы. Федерико Гарсиа Лорка

Служанки. Жан Жене

Месяц в деревне. Иван Тургенев

Лев зимой. Джеймс Голдмен

Смерть Тарелкина. Александр Сухово-Кобылин

Опасный поворот. Джон Бойтон Пристли

Визит старой дамы. Фридрих Дюрренматт

Эвридика. Жан Ануй

Самоубийца. Николай Эрдман

Пять вечеров. Александр Володин

Объявление

Еще не знаете, где провести свадьбу и все существующие классические варианты ресторанов Вам не подходят? Обратите внимание на такой прекрасный вариант как свадьба в отеле. А если отель находится еще в живописном месте, то этот вариант обязательно заставит Вас на нем остановиться.

14 сильных пьес, чтение которых перенесет вас в лучшие театры мира

В драматических произведений есть как свои поклонники, так и те, кто обходит этот жанр. Первые считают, что сильные диалоги — основа любой истории; другим не хватает пространных описаний и размышлений автора. Мы убеждены, что чтение пьес — это не только интеллектуальное удовольствие, но и хороший тренинг воображения ведь погружаясь в такое произведение, мы в своей голове устраиваем целую театральную постановку.

В этой подборке вы найдете совершенно разные, но одинаково талантливо написанные пьесы. Итак, приятного чтения!


Джеймс Джойс «Вигнанці»

Единственное сохранившееся драматическое произведение выдающегося ирландского писателя, которого по праву считают одним из главных авторов двадцатого века. В «Изгнанниках» Джеймс Джойс размышляет над вопросом верности и пытается выяснить, существуют ли в этом мире чистая любовь и абсолютная свобода.

Критики отмечают, что «Изгнанники» напоминают пьесы Генрика Ибсена, творчеством которого восхищался Джойс. Хотя произведение и не стало популярным в 1919 году, когда его впервые поставили на театральной сцене, благодаря новому прочтению в 1970-х оно стало важной частью литературного наследия писателя, заняв место между «Портретом художника в юности» и «Улиссом».


Бернард Шоу «Вибрані твори»

Еще один талантливый ирландец, которого вместе с Генриком Ибсеном и Антоном Чеховым считают «отцом» интеллектуальной, остросоциальной драмы. В 1925 году Бернард Шоу получил Нобелевскую премию по литературе «за творчество, отмеченное идеализмом и гуманизмом, за искрометную сатиру, которая часто сочетается с исключительной поэтической красотой».

Среди лучших пьес Бернарда Шоу: «Пигмалион», «Ученик дьявола», «Кандида», «Доктора дилемма», «Человек и сверхчеловек», «Андрокл и Лев» и другие. Все эти произведения в украинском переводе можно найти в 3-томнике от Издательства Жупанского.


Эжен Ионеско «Носорог»

Эжен Ионеско — один из основателей «театра абсурда», ставший едва ли не главным из направлений драматургии ХХ века. За отрицанием реальных персонажей, непоследовательностью, бессмысленностью (впрочем, только на первый взгляд) диалогов авторы скрывали свои смелые позиции и острые темы, которые волновали общество.

За метафорой скрыто важную проблему и в «Носорогах». Пьеса переносит читателей (или зрителей в театре) в небольшой провинциальный городок, на улицах которого неожиданно появились носороги. Потом оказывается, что в этих носорогов превратились местные жители. Почему люди превратились в зверей? — Эжен Ионеско побуждает искать ответ самостоятельно.


Сэмюэль Беккет «В ожидании Годо»

Также ирландец и также лауреат Нобелевской премии по литературе Беккет сумел в своих произведениях передать духовный кризис, который стал признаком всего двадцатого века. Пьеса «В ожидании Годо» считается одним из ключевых его текстов и одним из ключевых текстов всего «театра абсурда» в целом.

Главные герои трагикомедии в двух действиях — Владимир и Эстрагон — продолжают ожидать Годо, который обещал прийти (хотя в этом персонаже тоже начинают каждый раз сомневаться). Их разговоры, воспоминания, надежды, страхи — все это становится бесконечно длинным диалогом и бесконечно долгим ожиданием спасения. На первый взгляд пьеса кажется абсолютно бессмысленной, впрочем, как и в самих именах героев, так и в каждой реплике спрятано куда более глубокий смысл.


Жан-Поль Сартр «За закрытыми дверями»

Именно в этом произведении возник один из самых известных афоризмов Жана-Поля Сартра: «Ад — это другие». Сначала пьеса «За закрытыми дверями» также должна была называться «Другие».

В этом произведении ад — это не метафорический образ, а место действия, куда после смерти попадают трое главных героев — Гарсен, Эстель и Инес. Ад Сартра — это обычная комната, из которой невозможно выйти. Таким образом французский экзистенциалист показывает, что самое страшное — это не вечное пламя и пытки, а мы сами.


Джоан Роулинг «Гарри Поттер и проклятое дитя»

Книга, ставшая подарком для всех фанатов «поттерианы». События пьесы «Гарри Поттер и проклятое дитя», которую Джоан Роулинг написала в соавторстве с Джоном Тиффани и Джеком Торном, разворачиваются 19 лет после битвы за Хогвартс, финального аккорда седьмой книги о мальчике-волшебнике со шрамом-молнией на лбу.

Сюжет новой истории не разворачиваются вокруг жизни Гарри Поттера, а выводит на первый план его сына — Альбуса, который только отправляется в Хогвартс. Неожиданная дружба и еще более неожиданные сюжетные повороты — такого продления главной сказки двадцать первого века не ожидал никто.


Мишель Марк Бушар «Том на фермі»

Эта смелая пьеса была написана в 2010 году. Произведение канадского драматурга Мишеля Марка Бушара стало еще более известным после одноименной экранизации Ксавье Долана 2013 года. В центре повествования — молодой редактор Том, который приезжает на похороны своего любовника Гийома и понимает, что родные Гийома ничего не знали ни о его нетрадиционной ориентации, ни о нем в целом.

Хотя может показаться, что «Том на ферме» — это история любви двух мужчин, впрочем, как утверждает сам автор, главной темой пьесы является тема потери.

Том на ферме. В Киеве и Львове презентуют спектакль о толерантности


Тадеуш Ружевич «Між двома картотеками.
Вибрані драми»

Тадеуш Ружевич — один из самых известных польских писателей второй половины двадцатого — начала двадцать первого века. Он писал не только прозаические и поэтические, но и драматические произведения. Недавно Издательство Анетты Антоненко презентовало книгу с украинскими переводами избранных драм автора.

В книгу вошло пять пьес: «Картотека», «Свидетели, или наша маленькая стабилизация», «Старая женщина высиживает», «Непорочный брак» и «Рассыпанная картотека». Каждое из произведений в полной мере демонстрирует разные грани таланта Ружевича и поражает актуальностью. Впрочем, наиболее интересным является сравнение двух пьес: «Картотеки», которая была написана в 50-е годы прошлого века, и «Рассыпаной картотеки», которая, по сути, является ее реконструкцией уже в 90-х.


Морис Панич «7 історій та інші п’єси»

Канадский драматург украинского происхождения Морис Панич много рассуждает о судьбе «маленького человека». Эта тема является сквозной и в «7 историях и других пьесах». Его произведения балансируют между комедиями и драмами и в многому тяготеют к «театру абсурда».

Завязка «7 историй» на удивление сильная — человек собирается покончить жизнь самоубийством, но выбирает для прыжка общий балкон, на который постоянно выходит кто-то другой со своей собственной историей.


Павел Арье «Баба Пріся та інші герої»

Павел Арье — один из самых талантливых современных украинских драматургов. Сейчас Павел занимает должность Художественного руководителя Львовского Драматического Театра Леси Украинки. В книгу «Баба Пріся та інші герої» вошло три его самые яркие пьесы — «На початку і наприкінці часів», «Слава героям» и «Людина в підвішеному стані».

Баба Прися — главная героиня пьесы  «На початку і наприкінці часів», рассказывающей о семье, которая продолжает жить в 30-километровой зоне отчуждения вокруг чернобыльского атомного реактора. Баба Прися не хочет покидать свой дом и всячески держится за тот мир, который является для нее родным и привычным. «Слава героям» — история двух разных героев — ветерана УПА Остапа и ветерана Красной армии Андрея. «Людина в підвішеному стані» — пьеса об актерах театра и режиссере, которые не прекращают выяснять свои отношения и после смерти.


Лесь Подервянский «ПЗТ. П’єси, оповідання, есеї, сценарії»

Автор сатирических пьес, классик современной украинской литературы Лесь Подервянский — мастер разрушения стереотипов. Его драматические произведения мало напоминают классику, а тексты доказывают, что ненормативная лексика — не табу для литературы, а действенное средство передачи эмоций и идей.

«ПЗТ» — самое полное собрание сочинений Подервянского. Если у вас есть чувство юмора и вы ищете пьесы, над которыми можно и нужно смеяться, то выбирайте этот пункт из цикла.


Николай Кулиш. Вибрані твори

Николая Кулиша заслуженно называют самым самобытным украинским драматургом двадцатого века. Издательство «Смолоскип» собрало главные произведения автора в одной книге. «Избранные произведения» — это десять мастерски написанных пьес Кулиша («97», «Отак загинув Гуска», «Зонá», «Хулій Хурина», «Народний Малахій», «Мина Мазайло», «Закут», «Патетична соната», «Вічний бунт», «Маклена Ґраса»), его дневниковые записи, отрывки из писем и статьи о писателе.

Книга позволяет заново открыть классика украинской литературы.


Владимир Винниченко «Чорна Пантера і Білий Медвідь»

Пьеса выдающегося украинского драматурга, прозаика, художника и политического деятеля Владимира Винниченко освещает тему конфликта художника с миром. Главный герой произведения — Корней Каневич (он же Белый Медведь) — стремится завершить свой шедевр — портрет жены Риты (Черной Пантеры) с ребенком на руках. Увлеченный творчеством, Белый Медведь не замечает куда более серьезной проблемы — болезни сына.

Винниченко заставляет читателей задуматься над проблемами морали и совести.


Леся Украинка «Камінний господар»

На написание пьесы «Камінний господар» Лесю Украинку вдохновила пьеса Александра Пушкина «Каменный гость». Украинская писательница также пишет о Дон Жуане, но предлагает собственную версию всемирно известного сюжета.

Лучше всего свою драму описала сама Леся Украинка: «Идея ее — победа каменного, консервативного принципа, воплощенного в Командоре, над раздвоенной душой гордой, эгоистичной женщины донны Анны, а через нее — и над Дон-Жуаном».


Осеннее бинго = финал совсем скоро! Задания для #YakabooBingoAutumn

Зарубежная драматургия, все книги жанра / 453 книги

Зарубежная драматургия

Выбираете что почитать из категории Зарубежная драматургия? Мы собрали небольшую статистику по самым популярным авторам, циклам книг и подразделам жанра. Возможно, она окажется полезной.

О чем тут пишут? Самые популярные подразделы и подборки жанра «Зарубежная драматургия». Топ 50.

Показать еще подразделы

Книги жанра Зарубежная драматургия по годам издания (в скобках указано количество книг за год)

Сохранить страничку в социалках/поделиться ссылкой:

Переключить стиль отображения :

Ревенант

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Одноактовка. Три актера (1 женская и 2 мужские роли). Ах, как хороши викторианские джентльмены. Дивно хороши. Но… Скелеты в шкафу. У всех, всех есть скелеты в шкафу. И если тебе об этом напоминают, становится больно, даже если ты – викторианский джентльмен. Поучительная притча. И у нее есть продолже…

Переулок Роз

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». Монолог Бена Палестрины, одного из основных героев Саги, персонажа многих пьес, включая «Морской пейзаж с акулами» и «Ведьмина пустошь». После очередной эмоциональной катастрофы – расстроившейся женитьбы, Бен прилетает в Лондон. Город, театры, мысли о жизни и сме…

Дождливый вечер в кафе «У Линди»

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Девять актеров (2 женские и 7 мужских ролей). Трагедия. Последний вечер в жизни Арнольда Ротштейна, знаменитого азартного игрока и мафиози. Он так и остался верен своим принципам, пусть и весьма своеобразным. Написано замечательно. Все эти переходы от трагедии к мелодраме, к комедии и обратно. Иногд…

Люси и тайна увитого плющом особняка

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. 3 актера. (1 женская и 2 мужские роли). Предостережение юным девушкам-писательницам. Так легко увлечься и неожиданно для себя оказаться персонажем собственного романа. Последствия могут оказаться весьма неожиданными, даже трагическими.…

В лесах Мэна

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Пять актеров (3 женские и 2 мужские роли). Одна из немногих пьес Дона, действие которой происходит в наши дни. Университет. Преподаватели и студентки. Любовь и ненависть. Отцы и дети. Джульетта, которая отчасти Офелия. Захватывающая история. Блестящая трагедия. Крутой замес традиций Шекспира, психол…

Мертвецы лыбятся на луну

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Три актера (1 женская и 2 мужские роли). История создания пьесы «Перикл» (одна из немногих пьес Шекспира, написанная в соавторстве), наложенная на отношения с молодой женщиной, внебрачной дочерью Барда, о чем он знает давно, а она узнает по ходу пьесы. Красивая, замечательно рассказанная, реальная д…

Испытание любви

Анатолий Амдур

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Любовь, попавшая в ловушку, неблагоприятных жизненных обстоятельств. Как эти обстоятельства повлияли на отношения героев повести?…

Ковидный карантин

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Цикл из четырех коротких пьес. Два актера (1 женская и 1 мужская роли). Юноша и девушка в квартире. Ковид. Карантин.…

Иероним Босх

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Одноактовка. Пять актеров (2 женские и 3 мужские роли). Пьеса-фантасмагория, такая же, как картины Иеронима Босха.

Вариации тутового дерева

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Четыре актера (2 женские и 2 мужские роли). Да, тутовое дерево проходит через эту необычную историю о безумном ученом, который готов искать научную истину, особенно, если речь о собственном бессмертии, любой ценой, не жалею никого, даже младенцев. К счастью, обычно находится тот, кто отправляет его …

Дьявол

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса по мотивам рассказа Ги де Мопассана. Три актера (2 женские и одна мужская роли). Дьявол этот всегда с нами, в той или иной степени. Имя ему жадность. Блестящий рассказ и блестящая инсценировка.…

Софи Бранкасс

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Монолог-исповедь старой женщины. Жизнь и смерть, любовь и ненависть, в какой тугой узел все завязано. На корабле с иммигрантами, плывущем из Бремена в Нью-Йорк, умирает молодая женщина. Убийца остается безнаказанным, потому что свидетельница преступления предпочитает видеть его своим мужем, а не каз…

Последние в голландском отеле

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Два актера (1 женская и 1 мужская роли). Одноактовка. Давние любовники, англичане, приехали в голландский отель в самом конце сезона. Чтобы отдохнуть, хорошо провести время, вспомнить прошлое. Но внезапно выясняется, последние клиенты так и остаются в отеле. Такие порядки в этой Голландии.…

Переднее крыльцо

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Два актера (2 мужские роли). Двое мужчин ведут неспешную беседу. И не сразу выясняется, что беседуют призраки. В реальной жизни они встретились только раз, в другом месте и при других обстоятельствах.

Как бы дала!

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Как бы дала! Сколько смыслов Вы видите в этой фразе? Один? Два? Герои данной пьесы расскажут Вам о трёх смыслах этого выражения. Расскажут, покажут и предоставят выбор того варианта развития событий, который близок именно Вам! Приятного погружения……

Personal ad. A play for 5.6 or 7 people

Nikolay Lakutin

Зарубежная драматургия

Отсутствует

How would You describe yourself if you were planning to place your ad on a Dating site? Would you write everything honestly, without embellishment, as it is, with all the flaws and nuances? Our hero decided on such a crazy act. Do you want to know what happened? Then we offer you the Comedy "Honest …

Сны темного замка

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж. Восемь актеров (4 женские и 4 мужские роли). Из саги «Пендрагон-Армитейдж». Остатки когда-то знаменитой гастролирующей труппы Эндрю Макдаффи приезжают в родовое гнездо Пендрагонов, теперь огромный, разваливающийся особняк. Дункан, Дафф и Элли Роузы, дети Джона Роу…

Жаршары

Ахметжан Абду-ль-Азиз

Зарубежная драматургия

Отсутствует

«Я – дерево. Мои ветви – это эмоционально комбинированное окружение. Корни – это талант, сила воли и потенциал. Моя любовь – это способность впитывать влагу. Вода – это милость Божья, распространяемая по всему крону до каждого его листа. Солнце, которое порой скрывается за тучами – это мнения людей.…

Ночи в кафе «Бродячая собака»

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Пятнадцать актеров (5 женских и 10 мужских ролей). Драма. Судьбы знаменитостей Серебряного века, преломленные через ночи, которые они проводили в петербургском кафе «Бродячая собака». Главная героиня – Анна Ахматова. Захватывающая, не отпускающая до последней реплики пьеса.…

Вокзал Техас – Луизиана

Элен Славина

Зарубежная драматургия

Отсутствует

В ночь 1975 года мир содрогнулся от боли, крика и отчаяния! Что это за мир такой, в котором дети становятся отвергнутыми, только появившись на свет? Как найти ту женщину в ажурном платье, которая оставила только что родившихся малюток у старой церкви в одну из осенних ночей? Чтобы понять ее помыслы,…

Могильщик

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». Пять актеров (3 женские и 2 мужские роли). Великая пьеса, великая роль для актера 55+. Трагическая история священника, который не смог устоять перед искушениями и сдержать свои страсти. Захватывает с самого начала и не отпускает до кровавой развязки.…

Приданое Макнотона

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Четыре актера (2 женские и 2 мужские роли). Древняя шотландская легенда о молодом человеке, который пообещал жениться на одной сестре, но влюбился в другую, и трагических последствиях, к которым это привело. Ужастик, хотя начиналось все так романтично.…

Козел

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Два актера (1 женская и 1 мужская роли). Библейская история. Лилит уговаривает дьявола убедить Еву отведать запретный плод. Несколько страниц, но как много в них заложено.…

Не оступись

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Два актера (1 женская и 1 мужская роли). Случайная встреча мужчины в возрасте и молодой девушки на вокзале. Общая заинтересованность в писателе. Но вокзал еще и место между жизнью и смертью. Кто-то живой, кто0то – призрак. Кто-то уходит обратно в жизнь, кто-то уезжает на поезде в сме…

Квинт и мисс Джессел в усадьбе Блай

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Три актера (1 женская и 2 мужские роли). Пьеса написана ровно через сто лет после великолепной мистической повести Генри Джеймса «Поворот винта». И ее главные персонажи, Квинт и миссис Джессел, те самые призраки, которые так донимали героев повести «Поворот винта». Они таки были живыми людьми до тог…

Мои четыре женщины из сна

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Сон – такой большой пласт жизни каждого из нас. Сколько там всего интересного происходит по ту сторону памяти. К герою нашей истории во сне приходят прекрасные дивы, которые стремятся сообщить ему то, что сыграет ключевую роль в переломном моменте жизни обычного парня. Услышит ли он, поймёт ли, смож…

Говорят женщины

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Пьеса-коллаж из трех женских монологов и короткой пьесы на трех актрис. Говорят они о разном, но исключительно о своем, о девичьем.…

Структура Молитвы

Diego Maenza

Зарубежная драматургия

Отсутствует

«Христианство, передаваемое через жизни священника и монаха, две истории, через которые проходят секреты, мучения от того, что герои не узнают себя в своих «грехах», отказом видеть реальность, которая каждый раз с еще большей силой показывает им, что они слабы перед признанием своих неоднозначных ре…

Сливовый пудинг

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Четыре актера (2 женские и 2 мужские роли). Одноактовка. Необычная пьеса. Учебная, можно сказать. Синхроничность – термин, введённый швейцарским психологом и мыслителем Карлом Юнгом. Юнг противопоставляет синхроничность фундаментальному физическому принципу причинности и описывает синхроничность как…

Другой мир

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Четыре актера (3 женские и 1 мужская роль). Одноактовка. Сюрреалистическая зарисовка по мифу о Персефоне, всякий раз осенью уходящей в мир мертвых, чтобы весной вернуться в мир живых. Без дьявола, он же Аид, конечно, не обходится.…

Пендрагон

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». 11 актеров (6 женских и 12 мужских ролей). 27 лет жизни Джона Риса Пендрагона, одного из важнейших персонажей вышеуказанной саги. Работа, женитьба, рождение дочери, много, много всего. Пьеса, которая держит в напряжении с первой до последней сцены. На мой взгляд,…

Марсианская готика

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Пять актеров (3 женские и 2 мужские роли). Необычная пьеса, «зеленая». Конфликт сторонников и противников атомной энергетики, показанный через призму семейного разлома. Захватывающая драма, не отпускающая с первой до последней страницы. Пожалуй, возникает аллюзия с «Королем Лиром», хотя здесь не три…

Лупи Рай

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

«Армитейдж, маленький город в округе Пендрагон, в холмистой части Восточного Огайо, в 1925 г. и раньше, в 1872 г. Справа у авансцены стул в пансионе «Цветы». Справа по центру стол БЛЕЙНА ПЛЮМА и стул, обращенный в авансцене. Слева – скамья на кладбище. Слева у авансцены надгробия под старым деревом.…

Дочери Эдварда Дарли Бойта

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Четыре актрисы. Пьеса-читка. Персонажи произносят текст, не сходя с места. Театр возникает в головах зрителей-слушателей. Высший пилотаж драматургии.…

Джейн Стренджуэйс

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Две актрисы. Классический случай раздвоения личности. Героиня, Джинн, уверена, что в ее доме живет некая Джейн Стренджуэйс, живет с давних пор, призрак, конечно, сама она так и не знает, когда она Джинн, когда – Джейн, где сон, а где явь, но надо отметить, что жить ей это особо и не …

Экспозиция

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Два актера. Знакомые нам по «Ревенанту» викторианские джентльмены, расположившиеся в уютном кабинете… Только не сами джентльмены, а их призраки обсуждают привычную композицию то ли романа, то ли пьесы. Но времена поменялись, и то, что воспринималось общепринятым, похоже, сдано в утил…

Проклятье оборотня

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Короткая пьеса. Пять актеров (2 женские и 3 мужские роли). Съемки фильма «Человек-Волк» (1941). Перерыв на ланч. Актеры беседуют о своем. Фильм стал классикой, хотя снимался, как один из множества, не в последнюю очередь из-за блестящего актерского состава. Актерам есть, что сказать, а нам – что пос…

Кошка на раскаленной крыше. Стеклянный зверинец

Теннесси Уильямс

Зарубежная драматургия

Эксклюзивная классика (АСТ)

В этот сборник вошли две классические пьесы Теннесси Уильямса, объединенные вечно актуальной, увы, темой женского одиночества. Мучительно одинока юная Лаура – беспомощная и безгласная жертва амбиций громкой, авторитарной матери, замкнувшаяся в игрушечном «стеклянном зверинце» своих грез и фантазий и…

Последняя схватка

Александр Яременко

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Каждый твой ход уже предопределен, но вот последнее сражение – сможешь ли выстоять? Главному герою предстоит пройти тяжелейшие испытания, обрести и потерять, но в конце увидит он свет или тьму?…

Анархия

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Входит в цикл «Пендрагон-Армитейдж». Девять актеров (3 женские и 6 мужских ролей). Ввод в пьесу о судебном процессе и казни знаменитых анархистов Сакко и Ванцетти журналиста Джона Риса Пендрагона, одного из основных персонажей цикла «Пендрагон-Армитейдж», и его дочери Анны, у которых весьма непросты…

Минни

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Объединяет пьесы главная героиня, Минни, жительница города Армитейдж, расположенного в восточной части штата Огайо…

American Horrors 2: Close your eyes

Max Koschenkov

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Какие тайны скрывают загадочные города Соединённых Штатов? Ещё страшнее, страннее и пугающе!…

Руны

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». Семь актеров (3 женские и 4 мужские роли). Город Армитейдж, штат Огайо. 1898 г. Ночное убийство. Жертва – отец. Обвиняется дочь. Шерифу все ясно. Адвокат пытается разобраться. Но вроде бы простая детективная история быстро разворачивается в клубок человеческих вз…

Кристабель

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Четыре актера (3 женские и 1 мужская роль). Романтическая история о девушке, которая пошла в лес на зов возлюбленного, но нашла женщину-вампира. И едва не погибла. Спастись удалось лишь с помощью призрака матери, которая и после смерти защитила свое дитя. Очень реалистично, пусть и с мистикой. Ну и …

Suicide or DAY FOR MARRIAGE. Play for 2 people

Nikolay Lakutin

Зарубежная драматургия

Отсутствует

When years old remind of themselves no longer with the most joyful emotions, and the success and achievements in life are very mediocre, then the internal age crisis can sometimes end tragically. BUT! What if two such characters on the threshold of their extremes in experiences suddenly collide on t…

Пьеса на 10,9,8 или 7 человек «Слышать или Видеть?»

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Что для Вас является приоритетом? Слышать или видеть? Каждый из Вас, в своё время сделал определённый выбор. Исходя из этого, формировалось мировоззрение, отношение, цели… Герой данной истории не отличался от большинства людей своим выбором. Он жил вполне себе «прекрасной» жизнью в счастливом неведе…

Play on 3, 4, 5 people. As if I gave it to you

Nikolay Lakutin

Зарубежная драматургия

Отсутствует

As if I gave it to you! As if she did! How many meanings do You see in this phrase? One? Two? The characters of this play will tell You about the three meanings of this expression. They will tell you, show you and provide you with a choice of the scenario that is close to You! Enjoy your dive… Содер…

Суицидники, или Сутки на замужество. Пьеса на 2 человека

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Когда годики напоминают о себе уже ни самыми радостными эмоциями, а успехи и достижения в жизни весьма посредственны, то внутренний возрастной кризис подчас может закончиться трагически. НО! Что если два таких героя на пороге своих крайностей в переживаниях вдруг столкнуться на границе решений?…

Необычная услуга. Пьеса на 3-4 человека

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Если психотерапевт поставил не самый приятный диагноз – это ещё не повод расстраиваться! Гораздо более разумно выявить сильные стороны деструктивного качества и сублимировать их в жизнь под выгодным углом. Именно так поступил наш герой и организовал оригинальный, прибыльный и весьма востребованный б…

"My four women from a dream”. Play on 7, 6, 5, 4 or 3 people

Nikolay Lakutin

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Sleep is such a large layer of life for each of us. How many interesting things are happening on the other side of memory. To the hero of our story in a dream come beautiful maidens who seek to tell him what will play a key role in the turning point of the life of an ordinary guy. Whether he hears, …

Көке

Жанат Асылбек

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Үш ағайынды бала 1932 жылы аштық кезінде жапан далада жалғыз қалады. Асылбек жастайынан жетім. Әділбек пен Нұрлыбектің әкелері совет жауынгерлерінің қолынан қаза тапқан. Шешелері қайтадан күйеуге шығып баларын тастап кеткен. Оларға 12 жасар жетім қалған Мадина қосылады. Төрт бала жапан далада өмір ү…

Библия

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Три актера (2 женские и 1 мужская роли). Чтение Библии детям, с одной стороны познавательное и поучительное занятие, но оно может стать весьма опасным при неудачном выборе материала (на примере главы 38 «Бытия»), особенно если при этом мать, читающая Библию, лечится горячительным.

Трамвай «Желание»

Теннесси Уильямс

Зарубежная драматургия

Зарубежная классика (АСТ)

Женщины любят. Страдают. Надеются на счастье. Кричат от боли… Медленно сходит с ума нищая южная аристократка, убегающая от реальности в мир фантазий. Замыкается в своем горе вдова, одержимая воспоминаниями о смерти обожаемого мужа. Робко мечтает о любви тихая девушка, годами окружавшая себя безмолвн…

Огр

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Восемь актеров (2 женские и 6 мужских ролей). Пьеса о любви, которая убивает, пусть и подсознательно. В 1898 г. известный американский писатель Стивен Крейн приехал в Англию со своей любовницей Корой Тейлор, которую выдавал за жену. Они арендовали старый, сырой, холодный, да еще с призраками, особня…

Подводя итоги

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Дон Нигро «Подводя итоги/In Conclusion». Пьеса-коллаж. В какой-то момент возникает желание подвести итоги. Об этом пьесы-монологи: «Открытие колдовства/ A Discoverie of Witchcraft», «Пантера/Panther», «Прослушка/ Listening», «Старая женщина в вагоне подземки/ Old Woman on the Subway». Познавательно.…

История Ривсов

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Шесть актеров (2 женские и 4 мужские роли). Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж», пусть только местом действия: старинный особняк Пендрагонов в маленьком городе Армитейдж, расположенном в восточной части штата Огайо. Необычная пьеса. По мнению автора, самая мрачная в истории особняка. Можно сказать, …

Две девушки

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

«Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». Изящная миниатюра из жизни Джун и Лорри, дочерей Бекки Армитейдж, которая входит в число основных персонажей саги. Девочки появляются и в других пьесах, в этой они совсем юные, но уже чувствуют, что пройдут по жизни вместе, никогда не бросят друг дружку…»…

Страсти пряничного домика

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Ганс и Грета выросли, но по-прежнему живут у ведьмы в Пряничном домике. А может, совсем и не живут, став ее фантазиями. Сюрреалистичное произведение. Перемешивается прошлое и настоящее, реальное и воображаемое.…

Новый год в пансионе «Цветы»

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». Пять актеров (2 женские и 3 мужские роли). Одноактовка. Продолжение пьесы «Руны». Вонни, главная героиня «Рун», родила, отдала ребенка в семью Фрэнни и Одина Гримов, стала экономкой и секретарем-регистратором доктора Брена. Для города имя отца так и остается неиз…

Электромагнитная фантасмагория

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Семь актеров (2 женские и 5 мужских ролей). Выдающиеся ученые интересуют Дона Нигро ничуть не меньше выдающихся художников, артистов, писателей. Потому что наука и искусство исследуют истину. А писать увлекательные пьесы о жизни великих Дон умеет. Одними архивами тут не обойдешься. Нужна ментальная …

Мария-Селеста

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Шесть актеров (4 женские и 2 мужские роли). Тайна исчезновения команды «Марии-Селесты», скорее всего, так и останется неразгаданной, так почему не предложить свою версию? Виновники – Голоса. Играют их невидимые актеры. На сцене только капитан, его жена и чудом спасшаяся дочь, которая говорит из буду…

Наблюдатель

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Триллер. Вечерняя прогулка. Мужчина случайно обращает внимание на женщину, раздевающуюся у окна. НЕ может забыть, начинает следить, тенет его к ней. В какой-то вечер проникает в дом и… Жизнь у женщины размеренная. Она следует череде ритуалов… Мужчина – не первый, обративший на нее внимание. Загорать…

Мэрилин и мороженое

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Два актера. Исповедь тридцатипятилетнего уборщика по имени Артур и прозвищу Колени. Роста он невысокого, вот и не везет ему в жизни. Только отношения с женщиной начинают налаживаться, обязательно случается облом. Скорее, грустно, чем смешно.…

Генри Миллер: О женщинах

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Монолог Генри Миллера. Сильный, красивый, затягивающий текст, полный эротики, любви, нежности. К этой пьесе плотно примыкают пьесы «Анаис Нин: В зеркальном лабиринте», монолог Анаис, и «Вдовствующая императрица в ночлежке»: о последней ночи, которую Анаис и Генри провели вместе.…

Бен Палестрина и его женщины

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Пьеса-коллаж. Два актера (1 женская и 1 мужская роли). Входит в сагу «Пендрагон-Армитейдж». Включает две короткие пьес о встречах Бена Палестрины с давней знакомой после возвращения из Лондона и, на склоне лет, с женщиной-призраком.…

Пьесы Зоара

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Пендрагон-Армитейдж

Шесть актеров (3 женские и 3 мужские роли). Из саги «Пендрагон-Армитейдж». Трагическая история любви Бена Палестрины и Анны, его немецкой переводчицы, рассказанная в девяти коротких пьесах, но из отдельных пьес складывается на удивление цельная история. У Дона мне ничего подобного не встречалось. Ес…

Пьеса на 3 женские роли, комедия. 90*60*18

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Три эпохи сошлись в одной точке. Бабушка, мама и дочка живут каждый своими канонами, но при этом стараются ужиться в одной квартире, что неизбежно порождает склоки. Они порой сcорятся, порядком потаскав друг дружку за волосы, но при этом очень любят друг друга, ценят, уважают и всячески поддерживают…

Суета вокруг Шекспира

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

Пьеса-коллаж. Творчество Шекспира, наряду с русским психологическим театром, часть фундамента, на котором строятся пьесы Дона Нигро. Поэтому он постоянно так или иначе возвращается к самому Барду, его пьесам, людям, имеющим отношение к этим пьесам, и актерам, в этих пьесах играющим.…

I will Bring out bedbugs, cockroaches, husband!!! Play for 4 people

Николай Лакутин

Зарубежная драматургия

Отсутствует

When the husband gets so that there are no more forces, you decide on a brave step-technically and competently to expel him. But how to do it so that it does not remain the last? It is for such cases that there is a service for the withdrawal of husbands. About how this problem will be solved and wh…

Три женских монолога

Дон Нигро

Зарубежная драматургия

Отсутствует

«Пересказ английской сказки главным действующим лицом – девушкой Розой, которая была луной в те далекие времена, когда с ней произошло это трагическое происшествие. О страхе одиночества и страхе близости с другим…»…

Великие российские драматурги. Список

Мы ответили на самые популярные вопросы — проверьте, может быть, ответили и на ваш?

  • Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день
  • Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура.РФ»
  • Мы — учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?
  • Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?
  • Как предложить событие в «Афишу» портала?
  • Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день

Мы используем на портале файлы cookie, чтобы помнить о ваших посещениях. Если файлы cookie удалены, предложение о подписке всплывает повторно. Откройте настройки браузера и убедитесь, что в пункте «Удаление файлов cookie» нет отметки «Удалять при каждом выходе из браузера».

Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура.РФ»

Подпишитесь на нашу рассылку и каждую неделю получайте обзор самых интересных материалов, специальные проекты портала, культурную афишу на выходные, ответы на вопросы о культуре и искусстве и многое другое. Пуш-уведомления оперативно оповестят о новых публикациях на портале, чтобы вы могли прочитать их первыми.

Мы — учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?

Если вы планируете провести прямую трансляцию экскурсии, лекции или мастер-класса, заполните заявку по нашим рекомендациям. Мы включим ваше мероприятие в афишу раздела «Культурный стриминг», оповестим подписчиков и аудиторию в социальных сетях. Для того чтобы организовать качественную трансляцию, ознакомьтесь с нашими методическими рекомендациями. Подробнее о проекте «Культурный стриминг» можно прочитать в специальном разделе.

Электронная почта проекта: [email protected]

Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?

Вы можете добавить учреждение на портал с помощью системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: all.culture.ru. Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши места и мероприятия в соответствии с рекомендациями по оформлению. После проверки модератором информация об учреждении появится на портале «Культура.РФ».

Как предложить событие в «Афишу» портала?

В разделе «Афиша» новые события автоматически выгружаются из системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: all.culture.ru. Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши мероприятия в соответствии с рекомендациями по оформлению. После подтверждения модераторами анонс события появится в разделе «Афиша» на портале «Культура.РФ».

Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Если вы нашли ошибку в публикации, выделите ее и воспользуйтесь комбинацией клавиш Ctrl+Enter. Также сообщить о неточности можно с помощью формы обратной связи в нижней части каждой страницы. Мы разберемся в ситуации, все исправим и ответим вам письмом.

Если вопросы остались — напишите нам.

Современная драматургия? Что это? | Театр To Go

Театр – живой и развивающийся организм, и ему постоянно нужны новые тексты. Заядлые театралы знают, что ежегодно проходят драматургические конкурсы и семинары, на которых звучат новые пьесы, а в театрах работают завлиты – сотрудники, которые занимаются отбором текстов. Для людей не театральных порой становится открытием то, что драматургия может быть современной, а драматурги живут среди них. Однако и те, и другие наверняка хотели бы знакомиться с драматургами, читать обзоры пьес или узнавать новости из мира драматургии. Поэтому мы решили открыть колонку, в которой будем рассказывать обо всём понемногу, а первым текстом в этой рубрике ответить на популярные вопросы о современной драматургии (их задавали друзья и знакомые автора).

Какую драматургию считать современной?

Понятие «современная драматургия» может трактоваться очень широко. Как отмечала филолог Маргарита Громова в учебном пособии «Русская современная драматургия» (издательство «Флинта», 2013): «Понятие «современная драматургия» очень ёмкое и в хронологическом, и в эстетическом плане. Здесь мы имеем дело уже с нашими новыми классиками (Алексей Арбузов, Виктор Розов, Александр Володин, Александр Вампилов), обновившими традиционный жанр русской реалистической психологической драмы и проложившими путь к дальнейшим открытиям. Свидетельство этого животворного процесса – творчество драматургов «новой волны» 70-80-х годов (XX века – прим.ред) (Людмила Петрушевская, Александр Галин, Владимир Арро, Алексей Казанцев, Виктор Славкин, Людмила Разумовская и др.) и постперестроечная «новая драма» с её экспериментами в области художественной формы (Николай Коляда, Мария Арбатова, Елена Гремина, Михаил Угаров, Алексей Шипенко, Алексей Слаповский и др.)».

В своём другом учебном пособии «Русская драматургия конца ХХ – начала XXI века» (издательство «Флинта», 2009) Маргарита Громова писала: «Прежде всего, современным принято считать любое выдающееся художественное произведение, поднимающее вечные, общечеловеческие проблемы, искусство вневременное, созвучное любой эпохе, вне зависимости от времени сотворения. Такова, например, мировая драматургическая классика, не прерывающая своей жизни на сцене. В узком смысле – это актуальная, злободневная драматургия остро публицистического звучания». Остаётся добавить своё сугубо субъективное авторское мнение. Я бы относила к современной драматургии пьесы, написанные в последние 20 лет, в период новейшей истории. Ведь в них отражено то, чем живут современники, чем они дышат и по поводу чего рефлексируют.

О чём пишут современные драматурги?

Современная драматургия поднимает самые разнообразные темы: социально-психологические, общественно-политические, духовные, семейные, межнациональные и многие другие. Через современные пьесы можно знакомиться с культурой мегаполисов и провинций, размышлять о самоидентификации и успешности, месте человека в эпоху цифровизации и ускорения жизни. Кроме того, сейчас запросто можно найти пьесы на темы, которые ещё недавно были табуированы: домашнее насилие, феминизм, абьюз, секс… Большой пласт в современной драматургии составляют документальные пьесы, в основу которых лёг вербатим: часто это либо монтаж монологов, либо реальная история, которая усилиями драматурга приобретает художественную форму.

Обязательно ли современная драматургия должна быть социально-политической? Есть ощущение, что это навязанная повестка.

Необязательно. Написание пьесы – свободный творческий процесс. Выбор темы, создание героев и обстоятельств, в которых они оказываются, зависят от замысла драматурга, и часто продиктованы его жизненным и профессиональным опытом, месседжем, который он хочет донести до читателя.

Пишут ли пьесы женщины?

Да, да, и ещё раз ДА! Можно смело говорить, что у современной русскоязычной драматургии женское лицо. Это Ярослава Пулинович, Юлия Поспелова, Юлия Тупикина, Ирина Васьковская, Ася Волошина, Светлана Петрийчук, Полина Бородина, Мария Огнева, Светлана Баженова, Екатерина Августеняк, Саша Денисова, Элина Петрова, Наталья Блок, Наталья Зайцева, Наталья Ворожбит и многие-многие другие. Любое из этих имён можно забить в Google и без труда найти информацию об этих прекрасных авторах и тексты их замечательных пьес.

Драматургом может стать любой или нужно специальное образование?

Поучиться на драматурга в России сейчас можно в Екатеринбургском государственном театральном институте, где под общим руководством выдающегося драматурга и режиссёра Николая Коляды ведётся преподавание уникального цикла творческих дисциплин, направленного на подготовку драматургов и литературных работников театра и кино. С Колядой связано понятие «уральская школа драматургии», и многие его ученики стали успешными драматургами и сценаристами.

Ещё одной кузницей драматургов является Российский государственный институт сценических искусств в Санкт-Петербурге, где под руководством сценариста, кандидата искусствоведения Натальи Скороход студенты изучают «Мастерство драматурга», «Сценарные стратегии», «Анализ драмы», «Работу с автором», «Основы инсценирования» и другие дисциплины.

Кроме того, многие состоявшиеся драматурги проводят лаборатории и семинары в разных регионах страны, где делятся секретами написания пьес. Анонсы таких мероприятий и правила отбора на них, как правило, публикуют площадки-организаторы. А драматург Юлия Тупикина обобщила свой драматургический и преподавательский опыт и написала книгу «Как разбудить в себе Шекспира. Драмтренировка для первой пьесы», которую можно использовать для самообразования.

Фото из свободных источников

И, конечно же, попробовать стать драматургом может каждый. Если душа просит и текст складывается, то почему бы и нет?

Что делать, если я напишу пьесу?

Если вы напишете пьесу, отправляйте её на всевозможные драматургические конкурсы. И не останавливайтесь, если вас поначалу не будут отбирать в шорт-листы. Не повезло на одном конкурсе, повезёт на другом! Драматургия – это творчество, и его оценка – дело субъективное.

Какие конкурсы современной драматургии есть в России?

В настоящее время конкурсы современной драматургии проводятся в разных уголках нашей страны. Информацию о них можно найти в интернете, а мы назовём самые, на наш взгляд, авторитетные.

Один из самых популярных конкурсов – фестиваль молодой драматургии «Любимовка», который проходит каждый сентябрь в Москве и становится знаковым событием открытия театрального сезона столицы. Изначально фестиваль проводился в исторической усадьбе Станиславского «Любимовка», а с 2007 года «прописался» в Театре.Doc. В «Любимовке» могут участвовать авторы, пишущие на русском языке, в возрасте до 45 лет, проживающие в любой стране мира.

Уральский драматург Николай Коляда в Екатеринбурге ежегодно проводит международный конкурс драматургов «Евразия». Он проводится в номинациях «Пьеса для большой сцены», «Пьеса для камерной сцены», «Пьеса для детского театра»; «Новая уральская драма». В нём участвуют авторы не старше 35 лет, пишущие на русском языке, однако в номинацию «Новая уральская драма» подают свои работы только студенты и выпускники курса Николая Коляды в Екатеринбургском государственном театральном институте.

Николай Коляда. Фото: Людмила Сафонова

Конкурс новой драматургии «Ремарка» проводит финал каждый год в новом городе, в непосредственном сотрудничестве с театрами принимающего региона. Конкурс был создан Олегом Липовецким в 2011 году в Петрозаводске для поддержки и продвижения талантливых драматургов Карелии и Северо-Запада, но вскоре он перерос региональные рамки. У конкурса нет возрастных ограничений, и у него есть отдельная программа, где участвуют пьесы для детей, – «Маленькая Ремарка».

Ежегодно с 2003 года Московский театр «Школа современной пьесы» проводит международный конкурс русскоязычной драматургии «Действующие лица». Его учредителями также являются Российская государственная библиотека искусств, радио «Культура», журнал «Современная драматургия». Никакого ограничения по возрасту, профессиональному статусу в конкурсе нет. Главное, чтобы пьеса была написана на русском языке и не была поставлена.

Конкурс современной драматургии «Кульминация» проводится с 2016 года Фондом развития современного искусства, «Мастерской Брусникина» и Союзом театральных деятелей при поддержке Фонда президентских грантов. «Кульминация» объединяет все действующие конкурсы драматургии России, выступая в роли конкурса конкурсов.

Публикуют ли современные пьесы для чтения?

Безусловно. На сайте театральной библиотеки Сергея Ефимова https://theatre-library.ru/ доступны современные и классические пьесы российских и зарубежных авторов. Усилиями Николая Коляды создана интернет-библиотека пьес уральских драматургов http://www.uralplays.ru/ Часто драматургические конкурсы выкладывают тексты пьес-участниц на своих сайтах. Например, «Любимовка» https://lubimovka.ru/piesy, «Ремарка» https://remarka-drama.ru/texts/plays_br2020/

В бумажном виде выходит журнал «Современная драматургия», где публикуются лучшие российские и зарубежные пьесы, актуальные материалы о драматургии и театре. Также в печати можно найти и сборники пьес. Например, в 2018-2019 годах вышел двухтомник пьес уральских драматургов «Первый хлеб», а в 2020 году был издан сборник «Любимовка. Пьесы».

Фото из свободных источников

Востребована ли современная драматургия театром или авторы пишут «в стол»?

Востребована. В репертуаре практически каждого российского театра есть спектакли по пьесам современных авторов. В 2017 году театральный критик Павел Руднев отмечал: «Где-то с конца 2000-х репертуарный театр восстановил баланс между современностью и классикой, поэтому хороший текст, появившись где-либо, рано или поздно доходит до сцены и получает резонанс». http://literratura.org/non-fiction/2215-sovremennaya-drama-put-k-zritelyu-ili-pauza-ozhidaniya.html

Однако процент постановок современных пьес по отношению к их количеству всё же достаточно мал. Очевидно, что взять в репертуар театра материал нового автора – риск не продать зал. Кроме того, современному автору положены «авторские отчисления», что также несёт финансовую нагрузку на театр.

Кто самые известные современные драматурги?

Николай Коляда, Иван Вырыпаев, Евгений Гришковец, Дмитрий Данилов, Ярослава Пулинович, Павел Пряжко, Олег Богаев… И это далеко не полный список.

Евгений Гришковец. Фото из свободных источников

Какие известные спектакли поставлены по пьесам современных драматургов?

Пожалуй, каждый интересующийся театром человек в последние годы слышал название «Человек из Подольска». Спектакли по этой пьесе Дмитрия Данилова сейчас идут во многих театрах страны, а недавно ещё вышел одноимённый фильм Семёна Серзина.

Одной из громких театральных премьер 2019 года стала «Иранская конференция» Виктора Рыжакова по пьесе Ивана Вырыпаева в Театре Наций, а в 2020 году в «Современнике» Рыжаков поставил не менее громкое «Собрание сочинений» Евгения Гришковца.

Хит режиссёра Юрия Бутусова «Человек из рыбы» на основной сцене МХТ им. А.П. Чехова сделан по пьесе Аси Волошиной. Её же пьеса «Мама» – в основе одноимённого популярного спектакля Владимира Панкова в Центре драматургии и режиссуры.

Можно набрать ещё пару десятков названий спектаклей, пользующихся успехом у зрителей и поставленных по пьесам современных драматургов.

А зарубежных современных драматургов у нас ставят?

Конечно. Например, спектакли Константина Богомолова «350 Сентрал-парк Вест, New York, NY 10025» и «Мужья и жёны» в МХТ им. А.П. Чехова – постановки пьес Вуди Аллена. «Палачи» в Гоголь-центре и БДТ им. Г.А. Товстоногова – спектакли по пьесе Мартина МакДонаха. Недавняя премьера «Сына» в РАМТе и ожидаемая премьера «Мамы» в «Современнике» основаны на пьесах Флориана Зеллера.

Любят ли молодых драматургов «возрастные» режиссёры, или им проще работать с классикой? Имеет ли тут значение возраст?

Скорей всего, возраст значения не имеет, важен интерес режиссёра к новым авторам и их текстам. Например, Галина Волчек на протяжении всего творчества работала с текстами современников, а Марк Захаров уже в почтенном возрасте обращался к произведениям Владимира Сорокина.

Пять главных послевоенных пьес и их лучшие постановки • Arzamas

Советские драмы и спектакли, выбранные совместно (и независимо друг от друга) литературоведом и театроведом, — о любви, мещанстве, жертвенности, пьянстве от тоски и семейных отношениях

  • Пять вечеров
  • В поисках радости
  • Мой бедный Марат
  • Утиная охота
  • Три девушки в голубом

«Пять вечеров»

Пьеса

Александр Володин, 1958 год

О чем: Оказавшись в Ленинграде по случаю командировки, Ильин внезапно решает зайти в квартиру, где семнадцать лет на­зад, уходя на фронт, оставил любимую девушку, и — о чудо! — его Тамара до сих пор живет в комнате над апте­кой. Жен­щина так и не вышла замуж: племянник-студент, которому она заменяет мать, да его взбалмошная подруж­ка — вот и вся ее семья. Продираясь сквозь страх непони­мания, неискренность, размолвки и примирения, двое взрослых людей в конце концов осознают, что счастье все еще возможно — «только бы войны не было!».

Почему стоит читать: Растянутая на пять вечеров встреча Ильина и Тамары — это не только история о поздней неприкаянной любви мастера фабрики «Красный треугольник» и завгара  Завгар — заведующий гаражом. северного поселка Усть-Омуль, но возможность вывести на сцену реальных, а не мифических советских людей: умных и совестливых, с изломан­ными судьбами.

Пожалуй, самая пронзительная из драм Володина, пьеса эта наполнена груст­ным юмором и высокой лирикой. Ее герои вечно что-то недоговаривают: под речевыми клише — «работа у меня интересная, ответственная, чувствуешь себя нужной людям» — ощущается целый пласт загнанных глубоко внутрь тяже­лых вопросов, связанных с вечным страхом, в котором вынужден жить человек, словно заключенный в огромном лагере под названием «родина».

Рядом со взрослыми героями живут и дышат молодые влюбленные: поначалу Катя и Слава выглядят «непугаными», но и они инстинктивно ощущают тот страх, что съедает души Тамары и Ильина. Так неуверенность в самой возмож­ности счастья в стране «победившего социализма» постепенно передается следующему поколению.

Постановка

Большой драматический театр
Режиссер Георгий Товстоногов, 1959 год

Зинаида Шарко в роли Тамары и Ефим Копелян в роли Ильина в спектакле «Пять вечеров». 1959 год© Большой драматический театр имени Г. А. Товстоногова

Можно немного представить себе потрясение, которым стал для зрителей этот спектакль, благодаря радиозаписи 1959 года. Публика реагирует здесь очень бурно — смеется, волнуется, затихает. Рецензенты писали о постановке Товсто­ногова: «Время сегодняшнее — конец 50-х — обнаруживало себя с поразитель­ной точностью. Почти все герои, казалось, выходили на сцену с ленинградских улиц. Одеты они были точно так, как одевались смотревшие на них зрители». Персонажи, выезжавшие из глубины сцены на платформах с выгородками бед­но обставленных комнат, играли прямо под носом у первого ряда. Это требо­вало выверенности интонаций, абсолютного слуха. Особую камерную атмо­сферу создавал и голос самого Товстоногова, произносившего ремарки (жаль, что в радиоспектакле текст от автора читает не он).

Внутренним конфликтом спектакля было противоречие между навязанными советскими стереотипами и естественной человеческой природой. Тамара в исполнении Зинаиды Шарко будто выглядывала из-за маски советской общественницы, прежде чем сбросить ее — и стать самой собой. По радио­записи понятно, с какой внутренней силой и удивительным богатством нюан­сов Шарко играла свою Тамару — трогательную, нежную, незащищенную, жертвенную. Ильин (его играл Ефим Копелян), проведший 17 лет где-то на Севере, с самого начала был внутренне гораздо более свободным, — но и он не сразу сумел сказать любимой женщине правду, выдал себя за глав­ного инженера. В радиоспектакле в игре Копеляна сегодня слышится много театральности, почти патетики, но много у него и пауз, тишины — тогда понимаешь, что самое главное с его героем происходит именно в эти моменты.

«В поисках радости»

Пьеса

Виктор Розов, 1957 год

О чем: В московской квартире Клавдии Васильевны Савиной тесно и многолюдно: здесь проживают четверо ее выросших детей и стоит мебель, которую беспрерывно приобретает Леноч­ка, жена старшего сына Феди — когда-то талантливого мо­лодого ученого, теперь же удачливого карьериста «от нау­ки». Прикрытые тряпками и газетами в ожидании скорого переезда в новую квартиру молодоженов, шкафы, пузатые буфеты, кушетки и стулья становятся в семье яблоком раздора: мать называет старшего сына «маленьким мещанином», а его младший брат, старшеклассник Олег, рубит «Леночкину» мебель саблей погиб­шего отца — героя войны. Попытки объяснения только ухудшают ситуацию, и в итоге Федор с женой покидают родной дом, оставшиеся же дети уверяют Клавдию Васильевну, что выбрали иной жизненный путь: «Не бойся за нас, мама!»

Почему стоит читать: Эта двухактная комедия поначалу воспринималась как «пустячок» Виктора Розова: к тому времени драматург уже был известен как автор сценария легендарного фильма Михаила Калатозова «Летят журавли».

Действительно, трогательные, романтичные, непримиримые к нечестности, стяжательству младшие дети Клавдии Васильевны Коля, Татьяна и Олег, а также их друзья и любимые составляли крепкую группу «правильной совет­ской молодежи», численно превосходящую круг представленных в пьесе «стя­жателей, карьеристов и мещан». Схематичность противостояния мира потреб­ления и мира идеалов особо не маскировалась автором.

Выдающимся оказался главный герой — 15-летний мечтатель и поэт Олег Савин: его энергия, внутренняя свобода и чувство собственного достоинства связались с надеждами оттепели, с мечтами о новом поколении людей, отметающем все виды социального рабства (это поколение бескомпромиссных романтиков так и стали называть — «розовские мальчики»).

Постановка

Центральный детский театр
Режиссер Анатолий Эфрос, 1957 год

Маргарита Куприянова в роли Леночки и Геннадий Печников в роли Федора в спектакле «В поисках радости». 1957 год© РАМТ

Самая знаменитая сцена этой пьесы — та, в которой Олег Савин рубит отцов­ской шашкой мебель. Так было в спектакле театра-студии «Современник», вышедшем в 1957 году, да и от фильма Анатолия Эфроса и Георгия Натансона «Шумный день» (1961) именно это прежде всего осталось в памяти — может, потому, что в обеих постановках Олега играл молодой и порывистый Олег Табаков. Однако первый спектакль по этой пьесе вышел не в «Современнике», а в Центральном детском театре, и в нем знаменитый эпизод с шашкой и погибшими рыбками, банку с которыми Леночка выбросила в окно, был хоть и важ­ным, но все же одним из многих.

Главным в спектакле Анатолия Эфроса в ЦДТ стало ощущение полифонич­ности, непрерывности, текучести жизни. Режиссер настаивал на значитель­ности каждого голоса этой многонаселенной истории — и сразу вводил зрителя в заставленный мебелью дом, выстроенный художником Михаилом Курилко, где точные детали указывали на быт большой дружной семьи. Не обличение мещанства, а противопоставление живого и мертвого, поэзии и прозы (как под­метили критики Владимир Саппак и Вера Шитова) — в этом была суть взгляда Эфроса. Живым был не только Олег в исполнении Константина Устюгова — нежный мальчик с высоким взволнованным голосом, — но и мама Валентины Сперантовой, решившаяся на серьезный разговор с сыном и смягчавшая инто­нацией вынужденную резкость. Очень настоящий и сам этот Федор Геннадия Печникова, несмотря ни на что очень любящий свою прагматичную жену Леночку, и еще один влюбленный — Геннадий Алексея Шмакова, и девочки-одноклассницы, которые приходили в гости к Олегу. Все это отлично слышно в радиозаписи спектакля, сделанной в 1957 году. Послушайте, как Олег произносит ключевую фразу пьесы: «Главное — чтобы много было в голове и в душе». Никакой дидактики, тихо и выношенно, скорее для себя.

«Мой бедный Марат»

Пьеса

Алексей Арбузов, 1967 год

О чем: Жила-была Лика, любила Марата, была им любима, а еще ее любил Леонидик; оба парня ушли на войну, оба верну­лись: Марат — Героем Советского Союза, а Леонидик без руки, и Лика отдала свою руку и сердце «бедному Леони­дику». Второе название произведения — «Не бойся быть счастливым», в 1967 году лондонскими критиками оно было названо пьесой года. Эта мелодрама — растянутая почти на два десятилетия история встреч и разлук трех взрослеющих от эпизода к эпизоду героев, соединенных когда-то войной и блокадой в холодном и голодном Ленинграде.

Почему стоит читать: Три жизни, три судьбы ужаленных войной советских идеалистов, пытающихся строить жизнь согласно пропагандистской легенде. Из всех «советских сказок» Алексея Арбузова, где героям обязательно воздавалось любовью за трудовые подвиги, «Мой бедный Марат» — сказка самая печальная.

Советский миф «живи для других» оправдан для персонажей — еще подрост­ков потерями и подвигами войны, а реплика Леонидика: «Никогда не изменять нашей зиме сорок второго… да?» — становится их жизненным кредо. Однако «уходят дни», а жизнь «для других» и профессиональная карьера (Марат «строит мосты») счастья не приносит. Лика руководит медициной как «неосво­божденная заведующая отделением», а Леонидик облагораживает нравы сбор­никами сти­хов, издающихся тиражом пять тысяч экземпляров. Жертвенность оборачи­вается метафизической тоской. В финале пьесы 35-летний Марат провоз­глашает смену вех: «Сотни тысяч умерли за то, чтобы мы были необык­новенны, одержимы, счастливы. А мы — я, ты, Леонидик?..»

Задушенная любовь равна здесь задушенной индивидуальности, а личностные ценности утверждаются всем ходом пьесы, что и делает ее уникальным явле­нием советской драматургии.

Постановка

Театр имени Ленинского комсомола
Режиссер Анатолий Эфрос, 1965 год

Ольга Яковлева в роли Лики и Лев Круглый в роли Леонидика в спектакле «Мой бедный Марат». 1965 год© Александр Гладштейн / РИА «Новости»

Этот спектакль рецензенты называли «сценическим исследованием», «теа­тральной лабораторией», где изучались чувства героев пьесы. «На сцене лабо­раторно чисто, точно и сосредоточенно», — писала критик Ирина Уварова. Художники Николай Сосунов и Валентина Лалевич создали для спектакля задник: с него на зрителей серьезно и немного печально смотрели трое персо­нажей, смотрели так, будто они уже знают, чем все закончится. В 1971 году Эфрос снял телеверсию этой постановки, с теми же актерами: Ольгой Яков­левой — Ликой, Александром Збруевым — Маратом и Львом Круглым — Леони­диком. Тема скрупулезного исследования характеров и чувств здесь еще усили­лась: телевидение позволило увидеть глаза актеров, давало эффект зритель­ского присутствия при близком общении этих троих.

Можно было сказать, что Марат, Лика и Леонидик у Эфроса были одержимы идеей докопаться до правды. Не в глобальном смысле — они хотели как можно точнее услышать и понять друг друга. Особенно это было заметно по Лике — Яковлевой. У актрисы существовало как бы два плана игры: первый — где ее героиня выглядела мягкой, легкой, ребячливой, и второй — проступавший, едва собеседник Лики отвернется: в этот момент в него впивался серьезный, внимательный, изучающий взгляд зрелой женщины. «Всякая действительная жизнь есть Встреча», — писал философ Мартин Бубер в книге «Я и Ты». По его мысли, главное в жизни слово — «Ты» — можно сказать человеку только всем своим существом, любое другое отношение превращает его в объект, из «Ты» — в «Оно». На протяжении всего спектакля Эфроса эти трое говорили другому «Ты» всем своим существом, больше всего ценя неповторимую личность друг друга. В этом было высокое напряжение их отношений, которым и сегодня невозможно не увлечься и которому нельзя не сопереживать.

«Утиная охота»

Пьеса

Александр Вампилов, 1967 год

О чем: Проснувшись в типовой советской квартире тяжелым похмельным утром, герой получает в подарок от друзей и коллег траурный венок. Пытаясь разгадать смысл розыгрыша, Виктор Зилов восстанавливает в памяти картины последнего месяца: вечеринку-новоселье, уход жены, скандал на работе и, наконец, вчерашнюю пьянку в кафе «Незабудка», где он оскорбил свою юную любов­ницу, своего начальника, коллег и подрался с лучшим другом — официантом Димой. Решив и вправду свести счеты с опостылевшей жизнью, герой обзванивает знакомых, приглашая их на собственные поминки, но вскоре меняет решение и отправляется с Димой в деревню — на утиную охоту, о которой все это время страстно мечтал.

Почему стоит читать: Виктор Зилов, соединяя в себе черты отъявленного негодяя и бесконечно при­влекательного мужчины, кому-то может показаться советской реинкарнацией лермонтовского Печорина: «портрет, составленный из пороков всего нашего поколения, в полном их развитии». Появившийся в начале эпохи застоя умный, породистый и вечно пьяный итээровец  ИТР — инженерно-технический работник. с энергией, достойной лучшего при­менения, последовательно избавлял себя от семейных, служебных, любовных и дружеских уз. Финальный отказ Зилова от самоистребления имел для совет­ской драмы символический смысл: этот герой породил целую плеяду подра­жателей — лишних людей: пьяниц, которым было и стыдно, и противно вли­ваться в советский социум, — пьянство в драме воспринималось как форма социального протеста.

Создатель Зилова Александр Вампилов утонул в Байкале в августе 1972-го — в расцвете творческих сил, оставив миру один не слишком увесистый том драматургии и прозы; ставшая сегодня мировой классикой «Утиная охота», с трудом преодолевая цензурный запрет, прорвалась на советскую сцену вскоре после смерти автора. Однако спустя полвека, когда уже и советского ничего не осталось, пьеса неожиданно обернулась экзистенциальной драмой человека, перед которым разверзлась пустота устроенной, зрелой жизни, а в мечте о поездке на охоту, туда, где — «Знаешь, какая это тишина? Тебя там нет, ты понимаешь? Нет! Ты еще не родился» — послышался вопль о навсегда утраченном рае.

Постановка

МХАТ имени Горького
Режиссер Олег Ефремов, 1978 год

Сцена из спектакля «Утиная охота» во МХАТе имени Горького. 1979 год © Василий Егоров / ТАСС

Лучшая пьеса Александра Вампилова до сих пор считается неразгаданной. Бли­же всего к ее толкованию подошел, вероятно, фильм Виталия Мельникова «Отпуск в сентябре» с Олегом Далем в роли Зилова. Спектакль, поставленный во МХАТе Олегом Ефремовым, не сохранился — даже во фрагментах. Вместе с тем он точно выразил время — самую беспросветную фазу застоя.

Художник Давид Боровский придумал для спектакля такой образ: над сценой, как туча, парил огромный целлофановый мешок, в котором находились сруб­ленные сосны. «Мотив законсервированной тайги», — рассказывал Боровский критику Римме Кречетовой. И дальше: «Пол покрыл кирзой: в тех местах ходят в кирзе и в резине. По кирзе рассыпал сосновые иголки. Знаете, как от новогод­ней елки на паркете. Или после траурных венков…»

Зилова играл Ефремов. Ему было уже пятьдесят — и тоска его героя была не кризисом среднего возраста, а подведением итогов. Анатолий Эфрос восхищался его игрой. «Ефремов до предела бесстрашно играет Зилова, — писал он в книге «Продолжение театрального рассказа». — Он его вывора­чивает перед нами со всеми потрохами. Безжалостно. Играя в традициях великой театральной школы, он не просто обличает своего героя. Он играет человека в общем неплохого, еще способного понять, что он заблудился, но уже неспособного выбраться».

Вот уж кто был лишен рефлексии, так это официант Дима в исполнении Алек­сея Петренко, другой важнейший герой спектакля. Огромный мужик, абсо­лютно спокойный — спокойствием убийцы, он нависал над остальными персо­нажами, как туча. Конечно, он пока никого не убивал — кроме животных на охоте, в которых стрелял без промаха, но вполне мог отправить в нокаут человека (предварительно оглянувшись, не видит ли кто). Дима больше, чем Зилов, был открытием этого спектакля: пройдет немного времени, и такие люди станут новыми хозяевами жизни.

«Три девушки в голубом»

Пьеса

Людмила Петрушевская, 1981 год

О чем: Под одной дырявой крышей три мамаши — Ира, Светлана и Татьяна — коротают дождливое лето со своими вечно дерущимися мальчишками. Неустроенность дачной жизни вынуждает женщин день и ночь ругаться на почве быта. Появившийся состоятельный ухажер увлекает Иру в другой мир, к морю и солнцу, она оставляет больного сына на ру­ках у своей слабой матери. Однако рай оборачивается адом, и вот уже женщина готова ползать на коленях перед дежур­ным аэропорта, чтобы вернуться к оставшемуся в одиночестве ребенку.

Почему стоит читать: Современников «Трех девушек» пьеса и по сей день поражает тем, насколько точно зафиксирована в ней эпоха «позднего застоя»: круг бытовых забот совет­ского человека, его характер и тип отношений между людьми. Однако кроме внешней фотографической точности здесь тонко затронута и внутренняя суть так называемого совка.

Ведущая диалог с «Тремя сестрами» Чехова, пьеса Петрушевской поначалу представляет своих «девушек» как три вариации на тему чеховской Наташи. Как и мещанка Наташа у Чехова, Ира, Светлана и Татьяна у Петрушевской непрерывно пекутся о своих чадах и ведут войну за сухие комнаты полуразва­лившейся подмосковной дачки. Однако дети, ради которых скандалят матери, на поверку никому не нужны. Пьесу пронизывает слабенький голосок больного сына Иры Павлика; мир мальчика полон сказочных образов, в причудливой форме отражающих реалии пугающей его жизни: «А когда я спал, ко мне луна прилетала на крыльях», — ребенка в этой пьесе не слышит и не понимает никто. С сыном же связан и «момент истины» — когда, осознав, что может его потерять, из «типичного советского человека» Ира превращается в человека, способного «мыслить и страдать», из чеховской Наташи — в чеховскую Ирину, готовую чем-то жертвовать для других.

Постановка

Театр имени Ленинского комсомола
Режиссер Марк Захаров, 1985 год

Татьяна Пельтцер и Инна Чурикова в спектакле «Три девушки в голубом». 1986 год © Михаил Строков / ТАСС

Эта пьеса была написана Людмилой Петрушевской по заказу главного режис­сера Театра имени Ленинского комсомола Марка Захарова: ему нужны были роли для Татьяны Пельтцер и Инны Чуриковой. Цензура не пропускала спектакль четыре года — премьера состоялась только в 1985-м; 5 и 6 июня 1988 года спектакль сняли для телевидения. Эта запись и сегодня производит очень сильное впечатление. Сценограф Олег Шейнцис перегородил сцену полупрозрачной стеной, за которой видны силуэты ветвей; на переднем плане стол, на нем букет сухих цветов, а в жестяном тазу, водруженном на табуретку, идет бесконечная стирка; вокруг устраивались склоки, флиртовали, испове­довались. Каждый был готов влезть в жизнь другого, да не просто влезть — основательно там потоптаться. Но это лишь поверхностное участие: на самом деле всем друг на друга было глубоко наплевать. Бубнила свое старуха Федо­ровна (Пельтцер), равнодушная к тому, что за стенкой лежит больной ребенок. Мгновенно взвинчивалась в припадке ненависти к интеллигентке Ирине и ее сыну Светлана (актриса Людмила Поргина): «Читает он! Дочитаетесь!» А сама Ирина — Инна Чурикова смотрела на все огромными глазами и мол­чала, пока были силы.

Признанный мастер сценических эффектов, Захаров выстроил в спектакле несколько опорных точек, выверенных, как балет. Одна из них — когда дачный ухажер Николай целует Ирину и та от неожиданности выделывает почти клоунский кульбит. Чурикова в эту минуту едва не падает со стула, припадает к плечу Николая, тут же резко отскакивает от него и, высоко вскидывая коле­ни, пробирается к двери, посмотреть, не видел ли поцелуй сын.

Другая сцена — трагическая кульминация спектакля: Ирина ползет на коленях за служащими аэропорта, умоляя посадить ее в самолет (дома ребенок остался один в запертой квартире), и хрипло, надсадно даже не кричит, а рычит: «Я могу не успеть!» В книге «Истории из моей собственной жизни» Людмила Петрушевская вспоминает, как однажды на спектакле в этот момент молодая зрительница вскочила с кресла и стала рвать на себе волосы. Смотреть на это действительно очень страшно.  

Пятерка лучших пьес для актеров

Актеры обязательно должны быть знакомы с величайшими шедеврами драматургии, уметь анализировать эти произведения и извлекать пользу для совершенствования своих профессиональных навыков. К тому же, есть вероятность, что вам доведётся столкнуться с этими пьесами в дальнейшем, так что стоит подготовиться заранее. Без лишних церемоний перейдем к списку пяти пьес, которые обязательны для чтения.

“В ожидании Годо”
Самюэль Беккет

Абсурдно, скучно, неясно и абсолютно великолепно – вот слова, которыми можно описать пьесу “В ожидании Годо”. Беккет размышляет о смысле человеческой жизни, о цели нашего существования, о том, что мы способны на страшные поступки. Два главных персонажа, которые ничего не делают, редкие диалоги, и, казалось бы, постапокалиптические декорации характеризуют пьесу. Тем не менее, между актерами в этой пьесе постоянно существует особая связь: они находятся в ожидании того, что никак не произойдет.

“Трамвай “Желание””
Теннесси Уильямс

Сценарий по этой пьесе был удостоен нескольких «Оскаров», Пулитцеровской премии и премии «Тони», а также положил начало успешной карьеры Марлона Брандо. И не без основания: “Трамвай “Желание”” – это легенда. Место действия пьесы – Новый Орлеан. Это история о молодой паре, которая принимает у себя сбившуюся с пути сестру жены, и о том, как жизнь всех троих меняется навсегда. Центральный конфликт происходит между грубым, взрывоопасным Стэнли и манипуляторшей-соблазнительницей Бланш.

“Как важно быть серьезным”
Оскар Уайльд

Вполне возможно, что это величайшая комедия всех времен. “Как важно быть серьезным” – шедевр Уайльда, является мастер-классом по комедийной актерской игре. Для игры в этой пьесе актерам необходимо проделать колоссальную работу: хорошо изучить то время, овладеть искусством инсинуации и мастерски исполнить ироничные диалоги. Никакая другая комедия не объединяет тактильные чувства и остроумие с постоянными социальными обращениями, как это делает Эрнест. Здесь есть роли для мужчин и женщин, как молодых, так и старых. Все они забавные, сложные и хорошо развиты в стиле Уайльда.

“Вишневый сад”
Антон Чехов

На этом месте может быть и любая другая пьеса Антона Чехова: “Три сестры”, “Чайка”, “Дядя Ваня”. Но “Вишневый сад” является особенным из-за истории создания. Пьеса была написана, как комедия, но интерпретируется, как трагедия. Дихотомия в пьесе образует деликатный баланс между смехом и слезами. Социальные проблемы, философские монологи, противоречивые действующие лица – все это вызов для актеров любого возраста. В пьесе “Вишневый сад” много действующих лиц, в ней достаточно интересных, как мужских, так и женских персонажей. Любой актер, работающий в театре, однажды столкнется с этой пьесой.

“Макбет”
Уильям Шекспир

Список не может быть полон без Барда. Сложная часть – выбрать пьесу, которую крайне важно прочитать всем актерам. Кто-то начнёт спорить, что это “Гамлет”, “Ричард III”, “Ромео и Джульетта”, и у каждого из них будут для этого весомые  аргументы.

Величайшая трагедия Шекспира “Макбет” – это динамичная, интригующая пьеса, в которой много материала для работы актерам. Два главных персонажа Макбет и леди Макбет – это сильные мира сего, каждый актер мечтает о такой роли. И, так как это одна из самых коротких пьес Шекспира, каждое мгновение в ней что-то происходит. Для участия в этом спектакле актеры должны быть податливыми, динамичными и в состоянии ходить “по лезвию ножа”.

Достойные внимания дополнения:

“Смерть коммивояжера”
Артур Миллер

Немногие пьесы западают вам в душу, как «Смерть коммивояжера». Вызов так называемой американской мечте, и вызов для актеров всех возрастов. Этот шедевр Миллера обязателен к прочтению.

“Кто боится Вирджинии Вулф?”
Эдвард Олби

Эта американская классика – две эпические роли для старших актеров и две замечательные молодые роли – равные части, веселые и пугающие.

“Фрекен Юлия”
Август Стриндберг

Удивительно, что Стринберга считали крайне консервативным, некоторые даже звали его женоненавистником. При этом его рукой был написан один из величайших женских персонажей. Убедитесь в этом сами.

“Август: Графство Осейдж”
Трейси Леттс

Ни одна пьеса последнего десятилетия не оказала такого влияния, как эта темная комедия. Она завоевала Пулитцеровскую премию и премию «Тони», и стало однимиз самых популярных произведений за последние годы.

Здесь вы можете подробнее узнать о факультете актерского мастерства New York Film Academy в филиалах Нью-Йорка, Лос-Анджелеса и Майами.

9 классических пьес, которые стоит посмотреть, получив степень актерского мастерства

От Макбета до Чикаго, в разнообразных классических пьесах представлены диалоги и персонажи, которые остаются актуальными для сегодняшней аудитории.

На современной сцене может быть множество смелых постановок, но и о классике есть что сказать. Независимо от того, происходят ли они от трагиков Древней Греции или дальновидных драматургов начала 20 века, эти пьесы обладают значительным влиянием.Их основные темы, привлекательные персонажи и увлекательные диалоги позволяют им постоянно очаровывать новую аудиторию.

Хотя классические пьесы заслуживают внимания, вот несколько, которые имеют решающее значение для развития всестороннего понимания театра.

Медея
Еврипид
Национальный театр Медея ; Изображение любезно предоставлено Telegraph

Греческие пьесы, такие как Медея , напоминают нам, что, хотя изменения неизбежны, определенные эмоции и переживания остаются неизменными.Эта пьеса Еврипида, основанная на мифологических персонажах Ясоне и Медее, содержит несколько увлекательных современных интерпретаций, но всегда сосредоточена вокруг мести. Независимо от того, исполняют ли они классическую версию или модернизированный дубль, актеры должны продемонстрировать мастерство персонажей и сюжета, чтобы добиться успеха.

Макбет
Уильям Шекспир
Macbeth ; Изображение предоставлено Hartford Stage

Классическая шекспировская трагедия «Макбет » на протяжении нескольких столетий была популярной в театре.Связанная с ним тема безудержных амбиций продолжает восхищать публику по сей день. Однако в театральной индустрии пьеса считается источником неудач. По этой причине многие актеры называют его «Шотландской пьесой», чтобы избежать якобы несчастья, вызванного настоящим названием постановки.

Жизнь - это мечта
Педро Кальдерон де ла Барка
«Жизнь - это мечта» театра Сэдлерс Уэллс ; Изображение предоставлено Independent

Книга Педро Кальдерона де ла Барки « Жизнь - это мечта », опубликованная в период испанского барокко, исследует взаимодействие судьбы и свободы воли.Несмотря на то, что он неоднократно адаптировался, оригинал остается столь же привлекательным, как и прежде. Только высококвалифицированные актеры могут внести глубину в интригующий сюжет спектакля.

Как важно быть серьезным
Оскар Уайльд
Театр Водевиль Как важно быть Эрнестом ; Изображение предоставлено Марком Бреннером

Спустя столетие после выхода в свет постановка Оскара Уайльда остается одной из самых узнаваемых пьес в мире. Во многом его привлекательность заключается в остроумном диалоге.Он также примечателен своей тривиальностью, которая работает только при съемке квалифицированным актерским составом. При получении степени актерского мастерства нюансы, необходимые для успешного запечатления знаковых персонажей пьесы, могут быть развиты с помощью таких курсов, как «Персонажи и предыстория».

Мелочи
Сьюзан Гласпелл ​​
мелочей театра Рук ; Изображение предоставлено Джоном Криспином

В книге Trifles Сьюзан Гласпелл ​​исследовала психологические различия между мужчинами и женщинами и влияние их социальных ролей.Сегодня эта влиятельная пьеса считается одним из самых ранних и эффективных примеров феминистской драмы. Гласпелл ​​также известна пьесой 1930 года « Элисон Дом », которая принесла ей Пулитцеровскую премию в области драматического искусства.

Чикаго
Морин Даллас Уоткинс
Чикаго ; Изображение предоставлено городом Чикаго

Как источник вдохновения для одного из самых популярных сегодня мюзиклов, оригинальная версия Chicago представляет собой сатирический взгляд на судебные дела нескольких женщин, обвиняемых в убийстве.Написанная Морин Даллас Уоткинс, пьеса 1926 года заставляет зрителей увлекаться перипетиями, захватывающими персонажами и умными диалогами.

Машинный
Софи Тредуэлл
Машинный Театрального центра оранжерей; Изображение предоставлено Эваном Ганновером

Как и Chicago , Machinal Софи Тредвелл исследует женскую преступность. Machinal был первоначально вдохновлен осуждением и казнью убийцы Рут Снайдер.Спектакль отражает лучшее из экспрессионизма, в котором изображение чувств играет огромную роль по сравнению с сюжетом.

Мать Мужество и ее дети
Бертольд Брехт
Государственный театр Райта «Мать Мужество и ее дети» ; Изображение предоставлено Государственным университетом Райта

Как одна из величайших антивоенных пьес всех времен, «Мать храбрость и ее дети» подчеркивает мастерство немецкого драматурга Бертольда Брехта.Пьеса, написанная как произведение сопротивления во время подъема нацизма, подчеркивает ущерб, нанесенный жестокими европейскими конфликтами. Нюансы исполнения имеют решающее значение, поскольку иначе пьеса может быть легко неверно истолкована публикой.

Смерть продавца
Артур Миллер
Бродвейский Смерть коммивояжера ; Изображение предоставлено журналом New York Magazine

Смерть коммивояжера Артура Миллера все еще свежо, несмотря на то, что он открылся в Театре Мороско в 1949 году.Эта дата позволяет назвать пьесу «классической», но многие считают ее квинтэссенцией спектакля ХХ века. Хронология пьесы прыгает между 1940-ми и 1920-ми годами - сложность, которую нужно выполнять ловко, чтобы зрители не запутались.


Классика дает нам больше признательности за концепции, которые продолжают вызывать глубокие размышления и эмоции у сегодняшней аудитории. Не бойтесь погрузиться в увлекательные миры, которые оживляют эти пьесы.В погоне за актерской карьерой время, потраченное на изучение театральной классики, никогда не теряется зря.

Если вы заинтересованы в актерском мастерстве в Академии художеств Университета, запросите информацию, чтобы узнать больше о программе. После того, как вы оценили свои варианты и решили присоединиться, подайте заявку, чтобы начать работу.

206 Классический греческий театр, Классическая драма и театр

206 Классический греческий театр, Классическая драма и театр

© Damen, 2021

Классическая драма и Театр


Вернуться к главам

РАЗДЕЛ 2: КЛАССИЧЕСКАЯ ГРЕЧЕСКАЯ ТРАГЕДИЯ И ТЕАТР

Глава 6: Ранний классический театр


Я.Введение: Обзор классической греческой драмы

Давайте начнем с обзора того, что мы рассмотрим в следующих двух разделах класс: Классическая греческая трагедия (Секция 2) и Греческая комедия (Секция 3).

Согласно Аристотелю, афиняне первыми разработали трагедию с комедией. через поколение или около того. Хотя эта оценка по сути верна, правда, кажется, была несколько сложнее. Комические драмы в отличие от в саму комедию - то есть юмористические пьесы против формального жанра «комедия» - появляются развиваться вместе со своим трагическим двойником, возможно, даже раньше.В частности, пьеса сатиров, которая состояла из фарсового изложения мифов, которые чаще всего трактовались серьезно и показал хор шумных, непочтительных сатиров (получеловек-полуживотных духи пустыни, печально известные своей похотью и обжорством), в традициях греческого театра, хотя точно не известно, насколько рано. Тем не менее, исторические источники для театральных представлений в классической эпохе в значительной степени на трагедии как средоточии ранней драматической деятельности, даже если ее первостепенное значение в ретроспективе, вероятно, выглядит яснее, чем казалось днем.

Три трагики вышли из пятого века до нашей эры как главные практикующие классической греческой трагической драмы: Эсхил, Софокл и Еврипид. Их единственные трагедии, сохранившиеся целиком. Прежде всего, Эсхил жил поколением раньше, чем два других, поэтому его работа является нашим первым трудным посмотрите на греческую драму. Даже если его пьесы могут показаться современным зрителям статичными и медленными, нет никаких сомнений в том, что они были захватывающими, новыми и противоречивыми в свое время.

Старший из более поздней пары, Софокл часто считается лучшим драматургом. из трех - по общей оценке многих в научном сообществе, Софокл остается лучшим представителем трагического искусства всех времен - и, конечно же, его отточенные драмы пользовались большим уважением в классическую эпоху, поскольку они был по большей части с тех пор. В таком случае довольно иронично отметить, что интерес к его драме в исполнении, кажется, угас вскоре после того, как он продолжительность жизни.

Напротив, Еврипид, отчуждая своих современников и считаясь за много секунд до Софокла, когда они оба были живы, оставленные позади тело драмы, которое господствовало на сцене после классической эпохи. Там может не сомневаюсь, почему: Еврипид умел ставить на сцене броские ситуаций и создание запоминающихся персонажей с крайними расстройствами личности. Соответственно, театральные записи показывают, что его произведения очень часто ставились. в более поздние времена, опередив по популярности Софокла и Эсхила.

Нет греческой трагедии четвертого века или позже (постклассическая эпоха) сохранился нетронутым, что затрудняет определение хода трагического драма в Греции после жизни Софокла и Еврипида (примечание). Однако мы можем проследить эволюцию его близкого родственника, комедии, в более позднем греческом языке. театр.

представление юмористического материала имеет глубокие корни в Древней Греции и, возможно, так же стара, как сама трагедия, но поскольку комедия рассматривалась как меньшее искусство, пока довольно поздно в эволюции западной цивилизации, свидетельства в пользу этого жанра драмы скудно.Исторические записи ясно показывают, что пародии, предназначенные для провокации смех писали повсюду и даже до классической эпохи - комедии официально премьера состоялась в Дионисии в какой-то момент в 480 г. до н.э., между Персидские войны - и этот тип театра, теперь называемый «Старая комедия», набирала популярность на протяжении пятого века. В частности, началось чтобы привлечь всеобщее внимание во время Пелопоннесской войны, когда постановки комедии обеспечили афинянам столь необходимое облегчение от тревог и печали. их конфликта против Спарты.

В то время как имена некоторых представителей этого жанра в пятом веке сохранились, а в некоторых случаях и фрагменты их произведений, пьесы только Драматург Старой Комедии, Аристофан, дошел до нас полностью. Его драма - и, вероятно, драма его предшественников и современников - была в первую очередь построены вокруг текущих событий и проблем. Действительно, все указывает на то, что на политическую и социальную сатиру как отличительную черту старой комедии, особенно конец классической эпохи.

После окончания Пелопоннесской войны, когда Греция перешла в постклассический периода, комедия претерпела серьезные преобразования. К концу четвертого века (300-е гг. До н.э.) комическая драма перестала высмеивать знаменитостей. а правящий режим превратился в новый и совершенно иной вид развлечений, сфокусированный на жизни и образе жизни менее известных людей. Вне пепел гражданской войны и завоеваний Александра, подпитываемый отчаянием верхний средний класс родился "комедийным сериалом".«

Мастером этой «Новой комедии» был Менандр, которого провозгласил по крайней мере один древний критик как автор непревзойденного качества. Однако по причинам не имея ничего общего с его блестящим сценическим искусством, его работы не сохранились средние века. К счастью, пески Египта всколыхнули несколько его пьесы, хоть и в «лохмотьях», но достаточно хорошо сохранившиеся чтобы мы увидели, как выглядела его драма. Управляемый характером, сильно стилизованный с множеством повторяющихся персонажей и более склонный к тонким, а не широким юмор, Menandrean New Comedy знаменует начало современной драма.


II. Театрон

Физические остатки греческого театра классической эпохи крайне малочисленны, превращая вероломное предприятие в реконструкцию театральных пространств, декораций, костюмы, музыка или любые материальные особенности театра, развернутые в преклонном возрасте который способствовал греческой трагедии (400 г. до н. э.). Итак, что известно о театре за столетие до этого, 500-е годы до нашей эры, время, когда впервые возникла сама драма, настоящий пробел.Большинство греческих театров, видимых сегодня в Средиземноморье бассейны были построены после классической эпохи, а те немногие, что принадлежат к самым ранним периодам развития театра почти повсеместно обновлялись в более поздние периоды античности, оставив им сомнительные источники информации о классический театр. То есть они представляют собой «вторичные источники», поскольку по большей части.

Наши данные о классических сценических практиках, таких как актерские стили, костюмы, музыкальное сопровождение и тому подобное, как правило, также нечеткие.Хотя некоторые исторические источники, кажется, предоставляют достоверную информацию о производительности классической трагедии, современная оценка этих данных все еще в значительной степени зависит от о драмах V века, которые случайно сохранились. Усугублять проблему, древний театр по своим обычаям и практикам был довольно подвижным предприятием, и какие правила применялись к одному периоду или даже одному десятилетию! обязательно обращалась к другому. Как следствие, обсуждение ниже это попытка рассмотреть основные моменты проблемы, окутанной тайной, и вникнуть в в некоторые из наиболее известных театральных практик классической и постклассической эпохи. период.

A. Фестивали и природа древних представлений

Для некоторое время - по крайней мере, до первой половины V века (ок. 450 г. До н.э.) - вся драма, похоже, была представлена ​​в Городе Дионисии , ежегодный афинский фестиваль, проводимый каждый весна в честь бога Диониса. Хотя ясно, что на этом празднике было соревнование среди драматургов, в которых работа одного из них была отмечена «первой место », многое еще остается неопределенным, например, количество трагиков, приглашенных для участия каждый год, сколько пьес было представлено и сколько дней длились эти постановки.Правила кажутся изменились в течение столетия. Что трагедии позже будут упаковано в трилогий - группы по три пьесы связаны сюжетом или темой, или тем и другим вместе - с комической пьесой сатиров добавлено позже, побудило некоторых ученых отбросить эту традицию обратно к самые ранние дни, но достоверность этого предположения невозможно определить учитывая скудность информации в пределах нашей досягаемости.

- это ясно, что у древних афинян интерес к театру как форма искусства стремительно выросла с конца доклассической эпохи (ок.500 г. до н.э.) и продолжал неуклонно расти в течение пятого века. Например, в 440-х гг. До н.э. еще одно соревнование драматургов-трагиков и комедийных драматургов. был учрежден на дополнительном празднике в честь Диониса, Лене , , строго внутриафинский роман, происходящий в середине зимы (конец января). К постклассический период (после 400 г. до н.э.) начались всевозможные фестивали включить драму в свои празднества, независимо от того, была ли у них естественная связь с театром или нет.Очевидно, что популярность театра сделала его привлекательным для широкий спектр культов как способ обслуживания публики. Это неудивительно, затем греческие пьесы начали распространяться в древние времена. мир, заложив основу не только театра как ключевой черты древнего Западная цивилизация, но также греческая как «обычная» ( koine ) язык международной торговли в этом регионе.

помещения для выступлений классической античности огромны по сегодняшним меркам, по размеру ближе к современным спортивным стадионам, чем театры, с которыми мы наиболее знакомы.На открытом воздухе и чаще всего на крутых склонах, огибать игровую площадку, многие древние театры могли вместить тысячи зрителей. Эти theatra (множественное число theatron ) призывают к определенному стилю исполнения. Чтобы быть услышанным, для Например, древний актер должен был иметь сильный голос . Так же, костюмы, декорации и движения также должны быть видны и понятны на больших расстояниях.В отличие от современных реалистичных пьес, которые по большей части требуют для интимных закрытых театральных пространств с регулируемым освещением, старинная драма у нас было больше ощущения, которое мы ассоциируем с крупномасштабными спортивными мероприятиями.

Собственно, если бы древние греки сравнивали драму с чем-либо в свое время, это было бы наверное было судебных процессов . Адвокаты тогда были рассматриваются как своего рода «актеры», поскольку они предоставили некоторые из сенсационные и театральные моменты греческой истории.Часто ходатайства перед тысячи людей и не стесняются драматизировать свое появление в суде, ораторы в древности редко боялись ссылаться на драму во время судебных тяжб, один, по крайней мере, даже зашел так далеко, что процитировал трагедию достаточно подробно, как если бы он актер. На самом деле древние афиняне довольно часто использовали свои большие, центральные расположена действующая площадка, Театр Диониса , а важных испытаний. Итак, если театр казался древним грекам чем угодно, то Скорее всего, это был судебный процесс, и поэтому греческие драмы иногда явно спорная атмосфера, в которой персонажи, кажется, преследуют друг друга, апеллируя иногда публике, как если бы это было жюри.И это вовсе не из соответствует действительности, поскольку большинство афинских зрителей служили бы члены жюри в какой-то момент своей жизни, некоторые смотрели спектакль из те самые места, на которых они сидели в качестве присяжных.

В этом свете древние греки не видели особых причин. для поддержания невидимой «четвертой стены» или построения персонажей с внутренностью (т.е. психологическая тонкость, достигнутая через подтекст), характерные для современного театра.Вместо презентационализма и открытое величие типично для греческого театра и драмы. Как испытания и общественность зрелища, на которые так часто похожа греческая драма и которые она, несомненно, сформировала, в свою очередь - у древнего театра в Греции не было иного выбора, кроме как встретить грандиозность арены, на которой он играл. Так оно и было, в высоком стиле, особенно в руках. из его величайших представителей. Таким образом, можно с уверенностью заключить, что древний театр и его близкий родственник, зал суда, разделяет давнюю традицию зрелищности.Другими словами, древние греки чувствовали себя как дома, наблюдая за любым о сенсационных судебных процессах, показанных сегодня по телевидению, особенно о судебном преследовании знаменитостей, и, вероятно, смотрели бы сенатские слушания по CSPAN в гораздо большем количестве чем мы.

B. Театр в эпоху классики

первичное и первозданное пространство для выступлений в древних Афинах и дом Город Дионисия был Театром Диониса.Построен на склонах Акрополь где он мог бы использовать естественную местность для сидения, этот "инструмент для просмотра "это если не место рождения, то колыбель западной драмы. Но его точная структура в классическую эпоху невозможна. определить. В древности его дважды реставрировали, один раз в позднее четвертого века (300-е гг. до н. э.) и еще раз во времена Римской империи, что делает это маловероятным что единственный камень, видимый сегодня в театре, был там в классическом Возраст.Таким образом, маловероятно, что кто-либо из классических трагиков признал бы большая часть театра, который мы видим сейчас, отличается от его местоположения.

Для Например, оркестр - «танцевальное место» (дословно, «инструмент для танца») - Театра Диониса, квартира площадь в нижней части театра, где пел и танцевал хор, - это циркуляр сегодня. Однако в V веке до нашей эры он был, скорее, прямоугольным. Это утверждение основано на двух, хотя и скудных, сведениях.Первый, древние хоровые танцы были «прямоугольными», в которых прямоугольное пространство подойдет лучше.

Второй, единственный известный театр, который не изменился с того дня, Театр в Торикосе - Торик был афинским деме («район, р-н») - оркестр прямоугольной формы с только его углы закруглены. Тем не менее нет уверенности в том, что Театр в Торикосе использовался как место для постановки спектаклей или просто как площадка для встреч.В Подводя итог, трудно однозначно говорить о физической сущности Театра. Диониса в том виде, в каком он существовал в классическую эпоху, за исключением того, что это был большое строение, способное вместить огромные даже по современным меркам толпы людей.

1. Модель Skene

Тем не менее, можно сделать несколько выводов. Например, с самого На заре греческой драмы, вероятно, было какое-то закулисное пространство, в которое актеры могли удалиться во время спектакля и сменить костюмы.Нет древнего Театр, который не сохранил и не имеет места для остатков "закулисья" какой-то. Греки называли эту часть театра skene . («палатка»), несомненно, напоминая о ее происхождении как временном сооружении, возможно, даже настоящая палатка, в которую удалились первые актеры древности во время выступления.

Однако ситуация не так проста. Например, ранние пьесы Эсхила ( Persae , Suppliants , Seven Against Thebes ). в Театре Диониса - это древнейшие сохранившиеся греческие трагедии целиком - но они не требуют постоянной структуры на сцене.Таким образом, неясно, имел ли Театр Диониса до 460-х гг. до н. э. строительство как таковое на сцене; в этом случае skene мог быть просто «палатка». Итак, мы можем быть уверены, что Театр Диониса имел постоянное здание skene только после первых десятилетий классической эпохи.

С другой стороны, маска и костюм меняют все драмы Эсхила. влекут за собой необходимость в какой-то структуре, в которой актер может ненадолго уйти на пенсию вне поля зрения публики во время выступления.Что более поздние пьесы Эсхила делают на самом деле требуется здание skene с крышей, достаточно прочной, чтобы удерживать актер, стоящий наверху, как в первой сцене Эсхила Агамемнон (первая игра трилогии Орестеи ), показывает, что по крайней мере 458 До н.э. в Театре должно было быть какое-то здание типа skene Диониса. Однако его архитектурный стиль и конкретные размеры лежат за пределами нашего понимания в настоящее время.

Другие драмы, сохранившиеся с классической эпохи, проливают немного больше света на природа здания скене в классическую эпоху. Например, они показывают, что у него должна была быть по крайней мере одна дверь, потому что несколько V в. трагедии требуют, чтобы актеры выходили из здания или хор прошел из оркестра в корпус скене . Следовательно, не было только какая-то закулисная структура, но относительно легкий доступ между ними и место, где танцевал хор.Кроме того, как отмечалось выше, крыша здания skene должно было быть плоским и достаточно прочным, чтобы выдерживать по крайней мере, вес одного актера - и два или более к концу Классической Возраст - значит, внутри должна быть лестница или лестница. skene , ведущий на крышу.

Но, к сожалению, это действительно все, что мы можем с уверенностью сказать о древний скене . Что сохранившиеся классические драмы не часто упоминают об этом или призывают к его широкому использованию, утверждают, что это не было особенно сложным в его дизайне или применении.Если это правда, то, возможно, о классической эпохе, то же самое не относился к постклассическому греческому миру. К тому времени «палатка» использовался для изображения постановки пьесы посредством процесса, который греки называли skenographia («рисунок палатки», подразумевающий своего рода нарисованный фон), откуда происходит слово "сцена" в чувство пейзажа. Итак, даже если skene начинал как слабое присутствие в классическом театре позже, в четвертом веке до нашей эры, он превратился в тщательно продуманный структура и, без сомнения, представляет собой начало декорационного дизайна.

C. Специальные эффекты

Другие потребности театра в классической драматургии. свет о природе Театра Диониса в пятом веке до нашей эры. Несколько Классические трагедии, например, требуют, чтобы здание skene откройте и покажите внутреннюю сцену. Используемое для этого устройство было названо греки ekkyklema («выкатная»), предположительно колесная платформа, на которой можно было установить внутреннюю сцену, а затем "катить" out »из здания skene через главный вход в зал для публики. Посмотреть.Поскольку в книге Эсхила Агамемнон (458 г. до н. Э.) откровением, ekkyklema , вероятно, вошла в обиход во время первого половина пятого века до нашей эры, что делает его одним из самых ранних спецэффектов. на записи.

Другие классические пьесы требуют еще более зрелищного эффект, чтобы актеры «влетали» в театр. Отчет из древних источников что это было сделано с помощью устройства под названием mechane («машина»), кран, который мог поднимать актеров по skene строить и подвешивать их в воздухе на веревке.Но история механа проблематичнее, чем у ekkyklema и вызывает несколько важные вопросы, на которые, к сожалению, нет ответа. Когда был механ впервые использовали? Как подвешенный в воздухе актер не закрутился на веревке? Была ли спрятана рука (сам кран) mechane, когда она не использовался, или древние даже заботились о том, чтобы его хранили вне общего зрение? В любом случае, где это было размещено? Наконец, как это было взвешено? что это было управляемо? Нет четких ответов ни на один из этих вопросов, хотя мы можем сделать некоторые обоснованные предположения.

Во-первых, mechane , вероятно, был представлен довольно поздно в классической версии. Возраст, поскольку ни одна пьеса, датируемая до конца 420-х гг. До н. Э., Абсолютно не требует Это. Можно было бы с уверенностью предположить, что это конец 430-х годов до нашей эры. Во-вторых, там - это простых способы удержать актера от вращения на веревке - например, с помощью привязать еще одну веревку к его спине - но это чистое предположение. Последний два вопроса - могла ли аудитория увидеть mechane , когда он не используется? и как команда справилась с этим? - имеют решающее значение, потому что они относятся к к другому вопросу, центральному в истории театра: насколько иллюзионистичным было классическое Греческий театр? То есть видели ли афинские зрители действие на сцене как реалистично, или для них это была стилизованная презентация, искусство и достоинства которой были не связаны с тем, насколько естественным и реалистичным выглядело драматическое видение? Там на эти вопросы нет немедленных или простых ответов, но если бы у нас было больше знаний, mechane , это, безусловно, поможет осветить этот и другие фундаментальные вопросы об эволюции античной драмы.

D. Как выглядела греческая трагедия: Финал Еврипида Орест

Что более определенно, и мы сами можем убедиться, как классические драматурги использовали механ и другие устройства, а также Театр Диониса в целом. Их драмы, по крайней мере, служат ориентиром для наших рассуждений. и стать своеобразной лабораторией наших реконструкций.Хороший пример - Еврипида Орест , его наиболее часто возрожденная пьеса в постклассической античности - так нам сказано в прилагаемых древних примечаниях к этой пьесе - и на примере экстремального поведения, психотических личностей и театральное великолепие. Финал этой трагедии показывает, как великий драматург может использовать имеющиеся в его распоряжении сценические инструменты для создания захватывающего панорамного крещендо действия в классическом театре.

Пьеса рассказывает о последствиях убийства Орестом его мать Клитемнестра , известная сага в греческом мифе. В ходе пьесы Еврипида Орест доведен до отчаяния, потому что никто не поможет защитить его, включая бога Аполлона, который первоначально приказал юноше совершить Матереубийство, по крайней мере, так утверждает Орест. Когда даже его дядя Менелай отказывается от помощи, Орест наконец сходит с ума, схватывает жену Менелая, красавицу Елену, которая вызвала Троянскую войну и убила ее - или кажется, потому что отчет о ее смерти не доказано - и затем, чтобы обеспечить свою безопасность, Орест похищает Гермиону, дочь Менелая, его двоюродную сестру, и держит ее в заложниках.[Щелкните здесь для более полного объяснения этой пьесы.]

Конец пьесы - это исследование возможностей создания спектакля в Театр Диониса. Еврипид постепенно заполняет сцену персонажами одного уровень за раз, буквально снизу вверх. В конце концов, все возможные действия пространство и практически все ресурсы, которыми в то время располагал драматург уже используется.

Финал начинается с того, что хор выходит на сцену в одиночку, поет и танцует в оркестр внизу театра.Затем входит Менелай со своим войском, вторичный тихий хор. Он - и они, вероятно, тоже - стоят на основной уровень сцены перед входом в корпус skene . Он требует, чтобы Орест открыл ворота дворца, но вместо него появляется Орест. на крыше с несколькими другими персонажами: его сестрой Электрой, его другом Пиладом и дочь Менелая Гермиона, которую Орест угрожает убить, если ее отец пытается пробиться во дворец.Они ссорятся, и Менелай дает сигнал к атаке. В ответ Орест приказывает своим друзьям поджечь дворец. и убить Гермиону.

Первозданный хаос кажется готовым к кульминационному крупному плану, когда в воздухе летает бог Аполлон на механе , парящий над шумом и дымом. Этот солнечный божество - божественное олицетворение света, разума и, в данном случае, «лучше поздно, чем никогда », - однако не парит только над Аргосом, а еще не умершая Хелен, летящая рядом с ним в первом классе.Он совсем недавно спас ее от нападения Ореста и превратил в богиню, чтобы она могла жить с ним.

Греческая сцена теперь заполнена как можно более говорящими персонажами. на каждом уровне снизу вверх: хор в оркестре, Менелай и его войска у дверей скене , Орест и его банда похитителей над ними на крыше скене , и боги, как новые, так и старые, качаю на механе над всем этим.Это очень искусно спланированный и продуманная последовательность действий, призванная привести к визуально ошеломляющему зрелищу пессимистического или, по крайней мере, ироничного величия! А если посчитать солнце - которое можно с уверенностью предположить, что это было сияние в тот день или любой другой день, когда представлены в Городской Дионисии - на самом деле существует пять уровней действия, с «звездой звезд», флагом Аполлона, бесстрастно сияющим на все это жалкое человеческое безумие.[Мы вернемся к этой трагедии позже. Это слишком театрально и хорошо написано, чтобы пройти мимо него без второго взгляда.]


III. Актеры и действия в Древней Греции

Таким образом, книга Еврипида Орест заканчивается тем, что должно быть одним из самых захватывающих сцены во всем греческом театре, используя все возможности Театр Диониса в классическую эпоху предлагал - конечно, трудно представить себе трагика об этой эпохе, требующей многого другого - все же, как ни трудно в это поверить, У Еврипида больше в рукаве, чем у этой трагической пробки.Понять что это такое, нужно принимать во внимание всю динамику греческих выступлений. То, что упускают из виду современная аудитория, хотя древняя аудитория не понимала, это что есть один говорящий персонаж или набор персонажей на каждом уровне сцена сверху вниз: Apollo ( mechane ), Orestes (крыша skene ), Менелай (сцена) и хор (оркестр).

A. Правило трех участников

Это демонстрирует еще одну важную грань классического греческого театра.Помимо хора, в трагедиях все говорящие роли исполняли всего три актера. произведено в Дионисии, хотя власти, которые наблюдали за этими празднованиями Диониса допускал на сцену любое количество немых актеров. Эти не говорящие части вероятно, играли молодые актеры-стажеры, чьи голоса еще не были полностью созрел и не мог проецировать достаточно хорошо, чтобы его можно было услышать на протяжении огромного арены в окружении классических театров.

Но все известные трагедии включают более трех говорящих персонажей, что означает актеры должны были играть более одной роли в пьесе.На современной сцене разыгрывание нескольких ролей иногда может вызывать трудности - аудитория сегодня те, кто сидит относительно близко к сцене, естественно, будут ожидать высокого уровня реализма, который может быть практически невозможен для актера, играющего более одного роль в действии - этого не было в Древней Греции. Смена ролей было вполне осуществимо на афинской сцене не только потому, что большинство зрителей сидели на некотором расстоянии от сцены, но, что более важно, потому что актеры были в масках и костюмах, что облегчало их способность играть разные части.То есть в рамках одной трагедии актер мог бы изобразить до пяти разных персонажей, иногда очень разных один, с относительной легкостью, так как он изменил свой фасад путем изменения маска и костюм были традиционным элементом греческого театра.

Действительно, дошедшие до нас драмы доказывают, что древнегреческий актер ожидалось, что он сможет олицетворять весь спектр человечества, начиная с молодых девушек к старикам, адаптируя его голос и манеры, как это делается до сих пор. в различных видах азиатского театра.И, как и в некоторых исполнительских жанрах, найденных там мужчины играли все роли, мужские и женские (примечание). В результате искусство древнего актерского мастерства было сосредоточено на гибкости исполнителя. осуществляется с помощью масок и костюмов, скрывающих собственное лицо и форма с точки зрения аудитории.

Кроме того, Понятно, что три актера исполнили все роли в любой классической драме, тенденция сегодня называется "правилом трех участников "." Что на самом деле это ограничение, строго соблюдаемое в Дионисии, также несомненно, и не только потому, что более поздние исторические источники, такие как Аристотель, ссылаются на к нему, но потому что сохранившиеся драмы этого периода показывают это правило в действии. Другими словами, спектакли представляют собой «первичные» свидетельство того, что не более трех актеров исполнили все говорящие роли в классических произведениях. трагедию и пьесы сатиров по той простой причине, что вся эта драма - даже сохранившиеся фрагменты! - требуется не более трех говорящих персонажей сразу на сцену.

Кроме того, две другие особенности классической драмы дают понять, что всего три актера играли все роли. Во-первых, не было организовано дошедшей до нас трагедии. до окончания Пелопоннесской войны требует, чтобы актеры сыграли свою роль. Что То есть древнегреческие драматурги так расположили действие в своих драмах, что персонажи, закрепленные за каким-либо конкретным актером, никогда не разговаривают на сцене. Что если один актер играет и Электру, и Менелая, эти конкретные персонажи никогда не встречайтесь и не говорите вместе перед публикой.Во-вторых, греческие трагики неизменно дают актерам определенный период времени вне сцены (обычно интервал охвачено около пятидесяти строк диалогов), чтобы изменить маску и костюм. Этот запас комфорта, так сказать, наряду с другими аспектами греческой трагедии Упомянутые выше аргументы подтверждают «правило трех участников».

Менее понятно, почему было всего три актера. Предположительно, имея исполнителей играть более одной роли было традиционным компонентом греческого театра, возможно с самого зарождения греческой драмы, когда был всего один актер и хор.Таким образом, древние зрители, без сомнения, ожидали некоторого количества многоразовых ролевых игр. в драме. Но причина, по которой рост числа актеров остановился на три - это вопрос, для которого, вероятно, никогда не будет полностью удовлетворительного ответ, и у этого правила не должно быть только одной причины. Одно достоверное объяснение который почти наверняка имел некоторую силу в создании и поддержании этого ограничение связано с религиозным элементом античного театра, консерватизм которого безусловно сопротивлялся переменам на всех фронтах, включая добавление все большего и большего числа актеров в сцена.Не менее убедительна, без сомнения, ревность ведущих исполнителей. соревновались друг с другом за престижную награду в Дионисии во время вторая половина классической эпохи. Это также должно было способствовать удержанию количество выступающих исполнителей уменьшилось. Зависть среди актеров-соперников - одна из несколько надежных констант в мире развлечений.

Б. Голоса на сцене: диалог и триалог

Какой бы ни была причина, правило трех участников видны в действии в трагедиях всех трех драматургов, даже самых ранних, Эсхил.Хотя у него редко бывают сразу все три говорящих актера, он делает это так часто - по крайней мере, в своих более поздних трагедиях, - что кажется вероятным, что в его распоряжении регулярно было три актера, или два, если он сам считается одним из исполнителей (примечание). Интересно отметить, что его персонажи никогда не участвуют в триалоге , т.е. все три актера разговаривают в сцене - даже если трое говорят актеры на сцене.Так, например, во время противостояния Агамемнона и Клитемнестра в «Агамемноне » Эсхила , актеры, изображающие эти два персонажа разговаривают друг с другом. Хотя другой актер на сцене одет как Кассандра (троянская наложница Агамемнона и военнопленный), этот актер не говорит ни слова во время этой сцены. Скорее, он молчит на сцене некоторое время. долгое время и только, наконец, говорит через две сцены. Таким образом, во время беседы Агамемнона и Клитемнестры Эсхил фактически ставит три говорящих актера вместе на сцене, даже если они не все присоединяются к такой же разговор или участие в триалоге.

Почему не Эсхил заставляет всех трех актеров говорить вместе в этом или какая-нибудь сцена? Внимательное изучение природы аттического театра и его разветвлений правил, касающихся производительности, дает несколько веских причин для это. Прежде всего, важно помнить, что драма была новым видом искусства. во времена Эсхила. Скорее всего, он вырос из спектакля одного актера с хором. в качестве резервной копии - на самых ранних этапах трагедии не упоминается актеров, только драматург и хор, что подтверждает предположение, что драматурги изначально исполняли все роли говорящих персонажей - арена для двух, а затем для трех исполнителей.С нашей точки зрения, этот переход кажется простым, но днем ​​спектакль с таким количеством актеров на сцене одновременно время, должно быть, выглядело как цирк с тремя кольцами, особенно для публики, привыкшей чтобы только один "голос" представлял всех персонажей рассказа, так, как поступали Гомер и все эпические поэты.

В результате в пьесах Эсхила виден консервативный подход к диалогу. где, когда два персонажа ведут диалог, ситуация всегда тщательно удалось.Например, действие, ведущее к диалогу в эсхиловском драма имеет тенденцию протекать следующим образом: каждый из говорящих персонажей вводится отдельно, они произносят дискретные монологи (часто с акцентами хоровыми междометиями), и только через некоторое время они наконец обмениваются слова туда и обратно. Этот осторожный подход, поскольку драматург следит за тем, чтобы аудитория слышала голоса обоих актеров и понимает двух персонажей » различные точки зрения, подтверждает, что в раннюю классическую эпоху аудитория требовалась некоторая подготовка, прежде чем разговор мог состояться на сцене.

Исторически это тоже имеет смысл. Если мы можем верить Аристотелю, который утверждает вторым действующим лицом было изобретение Эсхила, диалог такого рода не существуют не ранее 490 г. до н.э. С этой точки зрения драматурги самые ранние фазы греческой драмы напоминали бы эпических поэтов, которые доминировали публичное выступление в доклассическую эпоху, за исключением того, что эти драматурги-барды позади них хор, и они были одеты в соответствии с ролями, которые они исполняли вместо того, чтобы просто рассказывать о том, что произошло или было сказано.Ведь эпические поэты, не мог вести диалог так, как это было в трагедии, поскольку только одно из них исполнялось за раз. И драматурги на самом раннем этапе трагедии, пока Эсхил не представил второго исполнителя и первый диалог между актерами.

И все же иметь возможность сделать что-нибудь в театре - это одно и унести его на сцену - другое. Аудитория должна уметь следить за тем, что происходит на сцене и наслаждается этим, или в чем смысл? Яркий реализм сценического диалога, несомненно, поразил публику Эсхила, они привыкли к тому, что поэт-соло снабжает всех отдельных персонажей. голоса в спектакле.Если бы это сделала пара мужчин, это выглядело бы древней публике, как будто одновременно выступали два эпических поэта, прекрасное понятие, но также и ситуация, чреватая возможностью запутать зрители о том, что именно разворачивалось у них на глазах. Это объясняет почему Эсхил неизменно осторожен в подходах к диалогу. Он должен быть осторожны, чтобы не потерять публику во время выступления, например, когда два персонажа выходят на сцену, быстро обмениваются мнениями, что-то что почти наверняка перегрузило бы способность его аудитории следить что и кем говорилось на сцене.

Другой аспект трагического дискурса поддерживает точку зрения, что зрители Ранний греческий театр значительно больше нуждался в помощи в следовании любому дискурсу. сложнее простого обмена речами. Как поэзия, ритмы диалога в трагедии были несколько предсказуемы для зрителей, особенно если изменения речи оратора происходили в перерывах в поэтическом измерении, как, собственно говоря, они регулярно сделать в классической трагедии. То есть обычно один персонаж говорит один полный линия метра, а другой говорит следующее, а затем первое, еще и так на, в виде обмена, называемого stichomythy (по-гречески, stichomythia , «говорящая линия»).Этот ясный и предсказуемый схема обмена диалогами строка за строкой помогла древней аудитории понять какой персонаж говорил в данный момент, потому что они знали заранее когда один персонаж переставал говорить, а начинал следующий.

Stichomythy также является естественным продуктом того места, где он играл. В размер театров, в которых были представлены греческие драмы, положил конец большинству зрителей. на некотором расстоянии от места действия - добавьте к этому тот факт, что актеры были носить маски, чтобы зрители, даже находясь близко к сцене, не могли увидеть, как шевелятся губы исполнителей - так легко понять необходимость для такого стилизованного разговорного приема, как стихомифия.Тщательная подготовка прежде, чем диалог и предсказуемый обмен словами значительно улучшились бы способность аудитории следить за беседой на сцене, особенно когда она представлена с актерами в масках, игравшими на огромной арене. Учитывая все это, большинство зрители получили бы большую пользу от любой помощи в определении того, какой персонаж говорил в каждый конкретный момент.

И затем, чтобы в разговор вступил еще третий говорящий , без сомнения, сделать ситуацию почти безнадежно трудной для отслеживания, конечно, для публика, столь же новичок в драме, как Эсхил.Это что-то говорит их наследникам что только поколение спустя аудитория Софокла, очевидно, могла следить триалог. Это, однако, могло быть связано с растущими талантами исполнителей, которые помогли зрителям понять, какой персонаж говорит, - актеры с отличительными голосами значительно облегчили бы процесс - поскольку с возрастающей утонченностью древнегреческой публики в следовании театральному условности. Более того, растущий интерес к театру, несомненно, также стимулировал как действующие лица, так и их общественность должны искать способы обойти эти препятствия.

Драматурги тоже, возможно, не совсем осуждали ограничения, налагаемые на них этой ситуацией. Пьесы Эсхила, например, показывают больше, чем просто мастерство в этом техническом аспекте своего медиума. Ясно, что он также повеселился в процессе создания драмы, в которой использовалось ограниченное количество актеров - внимательное изучение его пьес предполагает, что ему, возможно, даже понравилось , это! - потому что в вышеупомянутой последовательности сцен, которые включают противостояние Агамемнона и Клитемнестры в Агамемнон г. что Эсхил играет с ожиданиями аудитории относительно того, сколько говорящих актеры на сцене, действительно дразня их самой возможностью "третьего" говорящий актер, что, наверное, было новостью для того времени.

В частности, он забавляется со своей аудиторией, решает ли Кассандра говорить. Сначала, в противостоянии Агамемнона и Клитемнестры, ее первое появление на сцене Кассандра не произносит ни слова. И в следующей сцене она снова не будет, когда Клитемнестра пытается поговорить с ней один на один. Хотя Кассандра молчание мотивировано сюжетом - она ​​пророчица и видит, что должно случиться, что Клитемнестра собирается убить и ее, и Агамемнона! немота играет и на другом уровне.Что, кажется, делает Эсхил? Кассандра отказывается говорить сначала в одной сцене, а затем снова в следующей. заставляя аудиторию предположить, что Кассандру играет не какой-то говорящий актер, но только немой. После такого продолжительного молчания и ее указательного отказ разговаривать с Клитемнестрой, многие из тех, кто был в аудитории Эсхила несомненно, пришла бы к выводу, что она никогда не будет говорить в этом играть, потому что роль не играет говорящий актер.

Но как раз тогда, когда это, кажется, так, Эсхил наконец-то захватил ее. перерыв в речи - на самом деле песня! - сопровождаемый продолжительным и движущимся сцена на сцене между ней и хором. Заманчиво предположить, что актер-певец дня прятался за маской и костюмом Кассандры так что затянувшееся извержение этого персонажа в песню - это уловка Эсхила чтобы удивить и ослепить толпу.

Это в некоторой степени объясняет значение бессловесного предложения в Поэтика Аристотеля (4), что Софокл, не Эсхил, познакомил «третьего» актера с трагедией.Если предположить, как отмечалось выше, когда взглянув на Эсхила, пьес Аристотель увидел, что нет никаких явных триалогов, и из этого заключил Эсхил не использовал трех актеров, тогда легко предположить, что он потерпел неудачу. полностью представить действие драмы Эсхила театрально и упустить из виду присутствие временно молчаливых «говорящих актеров», совсем другое вещь от настоящих "немых актеров", которые изображают персонажей, которые никогда не говорят на сцене.

Деталь из древней биографии Софокла. может дополнительно подтвердить утверждение, что Аристотель не смог оценить данные правильно. Хотя эта предполагаемая учетная запись изобилует ложными утверждениями, жизни великого трагика включает в себя, кажется, по крайней мере одну деталь подтверждено из других источников. Это говорит о том, что великий трагик не играет в собственных пьесах, потому что страдал от микрофона («малоголосость»).Другие источники, как документальные, так и художественные, поддержите эту общую идею. Например, Аристотель говорит нам, что когда Софокл играл в собственных пьесах, играл лишь второстепенные роли, такие как лировист, который имеет смысл, если драматург не обладал голосом, достаточно сильным, чтобы исполнить великие и сложные роли, написанные для греческой сцены. В дальнейшей поддержке По утверждению Аристотеля, нам также говорят, что известная картина в древности показал Софокла, играющего на лире.С такими подтверждающими доказательствами некоторые основания полагать, что биографические данные о его микрофон . Если так, становится легче понять, почему Аристотель мог следует отдать должное Софоклу, представившему на греческой сцене третьего актера, поскольку в в те дни человек со слабым актерским голосом - хотя это трудно представить любой, у кого есть более сильный голос драматурга ! - должен был сделать чем-то восполнить такой принципиальный недостаток.

Итак, если под «третьим актером» Аристотель имел в виду «третьего не драматурга». исполнитель ", то его слова можно считать технически правильными. Действительно, Софокл, из-за своего микрофона , возможно, был первым, кто принес "третий" актера на сцене, но это не значит, что он положил начало традиции три говорящих персонажа на сцене одновременно. То, что , на самом деле, было изобретением Эсхила. С этой точки зрения можно привести драматические доказательства. в соответствии с утверждением Аристотеля, которое теперь действительно, хотя и излишне лаконично. и нехарактерно сбивающий с толку.

Но в ситуации Софокла есть нечто большее, чем подсчет актеры. Полностью отдав сцену "актерам", то есть мужчинам, которые исполнил слова, написанные другими, он стал самым ранним известным "современным" драматург, в том смысле, что он первый известный нам драматург, который смотрел его собственные пьесы из театра . Это, в свою очередь, в некоторой степени способствует объясняя еще одну особенность его драмы, его умение создавать сложные, многослойные действие на сцене, где немые или второстепенные персонажи играют важные роли.Этот несомненно, результат того, что он был сценаристом, сидевшим вместе с аудиторией. принять участие в шоу, как и любой другой обладатель билетов. То есть в представлении пьесы он смотрел это как зритель, а не из-под маски, как Эсхил и все его предшественники. Так что если бы не новатор на актерской арене, Софокл заслуживает похвалы за то, что увидел драму с выгодной для публики точки зрения. о чем свидетельствует непреодолимая сложность его сценического действия, где ирония и персонажи на заднем плане часто комментируют происходящее впереди и по центру, а иногда и за кулисами.

К середине века актеры были установлены как приспособление в афинских театр. В какой-то момент в 440-х годах до нашей эры они начали получать свои собственные награды. в «Дионисии» - ясное признание их растущей роли в театре. Что это началось вскоре после того, как Софокл разделил драматургию и актерское мастерство. как неудивительно. Больше не подчиненные драматурга, который их так нанял. у него мог быть партнер по диалогу, актеры сами становились независимыми артисты, какими они являются сегодня, и без драматурга, чтобы затмить их на сцене их престиж взлетел до небес.Действительно, к IV веку наиболее известные Театральные имена, такие звезды, как Поло и Неоптолемос, принадлежали не драматургам. но актеры.

Примерно в то время театр, который никогда не обходился без кастовых систем. сложилась иерархия исполнителей. Позже - возможно, , намного позже, чем год. мы не знаем даты - были придуманы отдельные слова, относящиеся к трем разные актеры: главный герой , дейтерагонист и tritagonist , что означает соответственно «первый конкурент», «второй конкурент» и «третий конкурент»."В постклассическом В Греции эти термины также стали нести коннотацию качества. Так, например, tritagonist может означать «третьесортный». Но неясно, есть ли так было в классическую эпоху. Тем не менее, мы знаем, что дискриминация среди этих исполнителей восходит к пятому веку до нашей эры, потому что с в самом начале присуждения актерам премии в Дионисии только главный Премию удостоился актер, а не его сослуживцы.

Наконец, это свидетельствует о еще одном очень важном факте эволюции. актерского мастерства в классическом театре. Аудитория пятого века, должно быть, была умеет различать разных актеров на сцене, даже когда эти исполнители в маске на сцене. Чтобы уметь узнавать работу отдельного человека актер - а только он, а не его коллеги! - его публика иметь возможность следить за его ролями в драме.Более того, некоторые классические актеры были известны и хорошо известны по именам. Если бы зрители могли не различать их, поскольку они сыграли серию ролей на сцене, как они могли уважать и восхищаться ими? Это не могло быть лицом или фигурой, так чаще всего узнают современных актеров, потому что черты лица древнего актера не были видны на сцене. Вместо этого голос должен был быть основным актером. инструмент, абсолютная необходимость в его художественном арсенале, поэтому он, должно быть, прошел через их отличительные и мощные голоса, которые греческие актеры оставили свой след на мир, больше похожий на сегодняшних оперных певцов, чем на кинозвезд.

C. Продюсеры и спонсорство

И последнее, но не менее важное: организация и спонсорство Дионисии и Ленея, главный драматический фестиваль Афин, резко изменился время. Хотя сложно отследить все изменения, которые произошли всего за первые два века институционального театра на этом месте, есть некоторые константы. До эллинистического периода (ок. 300 г. до н. Э.) Драматурги и их постановки были спонсированы своего рода продюсером, называемым choregos (множественное число choregoi ), буквально «руководитель хора», кто обеспечил финансирование, которое позволило пьесе выйти на сцену.Обычно богатый человек, который по закону должен был выполнять какую-то государственную службу, choregos был своего рода производителем, на которого была возложена обязанность по обеспечению жильем. и кормление хора на протяжении всей репетиции и постановки. Он также купил костюмы, реквизит, декорации и все, что посчитал необходимым. для шоу. Это может быть очень дорогостоящее мероприятие, но оно также может отражать хорошо от его гражданственности и чувства долга перед государством.

Кроме того, даже с самых ранних дней Дионисии победившее имя хорего ' был записан на каменных памятниках, установленных в общественных местах, что привело к расходам производства потенциально хорошее вложение в рекламу. Довольно много из них «ангелы» со временем надели роскошные зрелища и завоевали всеобщее признание. для этого, что принесло и другие преимущества. Например, если он упал позже попал в какие-то юридические проблемы и был доставлен в суд, бывший choregos мог напомнить жюри, состоящее в основном из мужчин, видевших «его» показать, что он когда-то устраивал для государства большое угощение.Судить Судя по тому, как часто такие вещи упоминаются в записях древнегреческих судебных процессов, аргумент должен был работать.

Точный характер процесса отбора драматургов и хорегои собрались не понятно. Ни одна из административных процедур окружающие город Дионисию, в том числе многое, что мы хотели бы знать, например, точные методы, используемые при присуждении призов пьесам. Делать дела Хуже того, похоже, изменились способы подбора драматурга и продюсера. со временем, хотя некоторые особенности процесса выделяются на протяжении пятого и четвертый век.Например, в то время как choregos финансировали предприятие, именно драматург отвечал за постановку по большей части в классическую эпоху. С самого начала звонил на чородидаскалось («учитель хора»), драматург, видимо, «учил» припевала свои песни и танцы и наблюдала за репетиционным процессом в целом, даже если он не заплатил за это из собственного кармана.

Но к IV веку до нашей эры, как мы отмечали выше, роль драматурга в драма сильно уменьшилась, и актеры стали главной достопримечательностью в греческом театре.Таким образом, они начали отстаивать свою волю в отношении постановок. Как развивался театр, реконструировать еще сложнее, но в целом можно с уверенностью сказать, что материальные остатки античного театра и исторического источники, относящиеся к нему, а также сами дошедшие до нас драмы, показывают живую, развивающаяся форма искусства, которая, как бы сводила ее с ума, была яркой и жизненно важной часть мира древних греков: отголосок их сердечных струн, зеркало их души и пир для их умов..

Термины, места, люди и вещи, которые нужно знать
Город Дионисия
Трилогии
Satyr Play [SAY-turr]
Lenaea [luh-NIGH-uh]
Theatra ( Theatron ) [THAY-ah-trah; ТАЙ-а-тран]
Голос
Театр Диониса
Судебные процессы
Интерьер
Презентационализм
Акрополь
Оркестр
Театр в Торикосе [THORE-rick-koss]
Skene [SKAY-nay]
Skenographia [SKAY-know-graff-FEE-uh]

Эккиклема [э-КУК-глина-мах]
Механ [МАЙ-кан-най]
Орестес [весло-отдых-дразнить]
Орест
Клитемнестра [KLIGH-tem-NESS-trah]
Многопользовательская игра
Правило трех актеров
Триалог
Стихомифия [stick-KOMM-muth-ee]
Microphonia [mee-crow-phone-NEE-ah]
Главный герой
Дейтерагонист
Тритагонист
Choregos ( Choregoi ) [core-RAY-goss; core-RAY-goy]
Chorodidaskalos [core-oh-did-DASS-call-loss]


Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 Международная лицензия.

Еврипид, Классическая драма и театр

207 Классическая греческая трагедия: Еврипид, Классическая драма и театр

© Damen, 2021

Классическая драма и Театр


Вернуться к главам

РАЗДЕЛ 2: КЛАССИЧЕСКАЯ ГРЕЧЕСКАЯ ТРАГЕДИЯ И ТЕАТР

Глава 7: Классическая греческая трагедия, Часть 3

В. Еврипид (ок. 485-406 г. до н. Э.)

А.Наследие Еврипида: избранные и алфавитный

Еврипид произвел что-то на порядка девяноста драм, что несколько меньше, чем у его соперника Софокла но тем не менее тот, который включает не менее двадцати записей в Дионисии. Поскольку оба трагика великолепно писали и были примерно одного возраста - Софокл был немного старше и пережил Еврипида на несколько месяцев - они, должно быть, соревновались друг с другом в Дионисии, без сомнения, несколько раз.Вне из этого, однако, они, кажется, мало что поделили, особенно количество наград за первое место и заслуженного общественного признания.

Например, в начале своей жизни Софокл стал успешным драматургом Дионисия (468 г. до н.э.), тогда как Еврипиду пришлось ждать немного дольше, чтобы увидеть его первые работы (455 г. до н. э.) и получить высшую награду (441 г. до н. э.). И хотя Софокл преуспевал там много раз, за ​​всю свою карьеру Еврипид одержал всего пять побед - одна из них посмертно - но даже так, он продолжал писать и продюсировать новаторские драмы до самого конца. его жизни в буквальном смысле.Другими словами, один был из чистого золота, другой закаленная сталь.

Хотя никогда не был так популярен, как его высокопоставленные коллеги - не только Софокл но давно умерший Эсхил ценился выше Еврипида во времена классической Возраст, как наглядно демонстрирует Аристофан в своей комедии . Лягушки - Сохранившийся корпус Еврипида включает девятнадцать пьес и более чем то, что осталось от работы других вместе взятых. Это явная дань уважения его дальновидность художника и его настойчивость перед лицом неблагодарного толпа людей.Причина этого очевидна любому, кто когда-либо имел счастье увидеть его пьесу на сцене.

Еврипид представлял себе один из самых ярких и провокационных театров в истории. в западной цивилизации и, если его классические современники отказывались признавать это - без сомнения, огорченные тем, насколько им это на самом деле понравилось! - их дети и внуки были не такими скромными. Аудитории четвертого века Греция с энтузиазмом восприняла драму Еврипида, призывая к возрождению после возрождения его пьес и требования собственных артистов сочинять пьесы в еврипидовский стиль.Каждый художник, который боролся с бездушной публикой, должен посмотрите на Еврипида как на образец того, как и зачем продолжать творить перед лицом презрение, несправедливость и невежество.

Выжившие не только многочисленны, но и играют Еврипида предоставляют некоторые из наиболее важных сведений о греческих трагедия в целом. Девятнадцать дошедших до нас драм дошли до нас через две очень разные пути. Одна группа под названием select играет ( Alcestis , Андромаха , Вакханки , Гекуба , Ипполит , Медея , Орест , Финикийские женщины , Резус и троянских женщин ), были десятью предписаниями в обязательном чтении в позднегреческая и византийская школьная система - все четырнадцать трагедий, которые мы Софоклом и Эсхилом принадлежат к одной и той же категории - Скажем, все эти пьесы - признанная классика.(примечание)

другие группы называются алфавитными играми ( Electra , Елена , Геракл , Дети Геракла , Походы [ Поставщики ], Ион , Ифигения в Авлиде , Ифигения у тавров и киклопов [ циклопов ]), потому что они скорее всего, из одной части (второго тома?) полного собрания Еврипида. работа, изначально организованная примерно в алфавитном порядке.Это все драмы названия которых начинаются с букв от E до K (по-гречески от эта до каппа) или примерно вторая четвертая или пятая часть алфавита. Только из этого кажется Можно предположить, что они сохранились не потому, что учителя литературы видели их как наиболее эффективную драму для чтения в классе, но случайно, когда, без сомнения, один-единственный том из полного издания Еврипида появился на каком-то точка в истории и был включен в десять "избранных пьес"." (Примечание) Действительно, то, что было, вероятно, последним из этих алфавитных пьес ( Циклоп ) это даже не трагедия, а игра сатиров, фактически единственная сохранившаяся. (примечание)

Таким образом, алфавитные пьесы Еврипида представляют гораздо больше, чем просто несколько дополнительных трагедий из классического корпуса. Это группа , а не отобранных для сохранения читателями и поставщиками литературы, но случайный принцип алфавита.Таким образом, они показывают, насколько широк диапазон классических трагедия на самом деле была и сколько разных видов спектаклей в ней участвовало. Все в целом, не будет преувеличением сказать, что существование алфавитного пьесы - самый важный факт в классической драме.

А именно, если бы не этот набор пьес, сегодня мы не только не осознаем некоторых типов трагедий, в частности, мелодрам и спасательных пьес как его Хелен как мы увидим в следующем разделе, но наше определение классической трагедии также быть заметно уже, гораздо больше в соответствии с общепринятым взглядом на трагедию как «трагичный», то есть с преобладанием несчастных концовок, серьезных размышлений, угрюмые персонажи и так далее.Спасательные пьесы и мелодрамы показывают, что классические трагедия могла повлечь за собой очень разные элементы: счастливый конец, беззаботный персонажей и даже фарсовых ситуаций.

1. Елена : Мелодрама

Например, в Елена Еврипид преследует явно нетрадиционный взгляд на пресловутую красоту, "лицо, которое запустило тысяча кораблей.«Как показано в этой« алфавитной пьесе », главный герой не является ни невольной жертвой похищения Пэрис, ни его бессмысленный сообщник, тем самым обходя типичную дилемму противостоящий тем античным авторам, которые писали о Елене. Фактически, согласно Еврипиду в этой драме она вообще не была в Трою! Вместо этого для всех долгие годы, в течение которых греки сражались под Троей, а впоследствии возвращаясь домой, Елена жила на берегу Нила в Египет, куда боги волшебным образом перенесли ее до начала войны.Пленник там о правящем фараоне, который, как большинство мужчин, жаждет ее, она сумела ловко, чтобы держать его в страхе и ее добродетели нетронутыми, хотя и не без некоторой борьбы.

Далеко за морем, в Трое, кажется, что это Елена, женщина, Греки и троянцы считались самыми красивыми в мире, на самом деле не что иное, как «воздушный фантом», апокалиптическая голограмма, посланная разгневанными богами, чтобы обманывать и уничтожать смертных на войне.Игра Еврипида начинается с самой Хелен, объясняющей эту сложную и необычную ситуацию на открытии пьесы. Затем она уходит с хором, собранием верных женщин. ей, в храм ( skene ), который служит фоном для всего драма.

Вкл. на пустую сцену в середине пьесы - что-то весьма необычное в греческой трагедии - входит ее муж Менелай , который потерпел кораблекрушение по божественному замыслу в Египте.Он и привидение, которого он принимает за «Хелен», только что пережил шторм, который пронесся его корабль на всем пути от Трои до Египта и затонул это у побережья. Вымыв посуду на суше, он спрятал эту «Елену». в пещере на берегу моря и приходите в город в поисках помощи.

После комической сцены, в которой старая служанка угрожает избить благородный Менелай, если он попытается войти в храм, выходит Елена - настоящие Хелен, которая видит не мужа, идущего спасти ее, а мокрую, изношенную, очень нечеловеческое существо, выброшенное несчастным морем.Она кричит и бежит от него. Вместо этого он видит свою жену Хелен и преследует ее по сцене, умоляя, чтобы она не убегала от него.

Но потом он понимает, что эта женщина, которую он преследует , не может быть Хелен потому что «Елена» находится в пещере, где он ее спрятал. Вместо этого она должна быть какое-то демоническое египетское видение, поэтому он поворачивается и убегает от нее. На В тот же момент она слышит, как он говорит, и узнает его. Понимая, что это ее муж, который, по-видимому, пришел, наконец, спасти ее, она тоже поворачивается и начинает его преследовать.

Погоня меняется на противоположную - буквальное перипетий (внезапное изменение удача, по-гречески "поворот")! - пока Хелен, наконец, не улавливает Менелай и пара воссоединились. В конце концов, спектакль благополучно заканчивается, поскольку наша смекалистая героиня изгоняет своего похитителя, развратного фараона, с корабля, после чего героический муж и верная, хитрая, красивая, загорелая жена убегают и спешат дом.

Счастливый конец, немного комического насилия, прекрасная девица, нуждающаяся в спасении, день на пляже - это отличительные черты мелодрамы, комедии и популярного развлечение, а не трагедия в любом смысле слова, хоть какие-то современные смысл слова.Так что, если бы не случайное выживание «буквенного пьес "мы бы и не подозревали, что такие драмы вообще могут быть преподносится как трагедия на классической греческой сцене. Только за это мы многим обязаны благодаря упорно бунтующему Еврипиду и удачному несчастному случаю что сохранило для нас такие развлечения. В свете этого кажется можно с уверенностью сказать, что не все козлиные песни были нацелены на то, чтобы быть Эдипом Софокла, как Аристотель хотел бы заставить нас поверить.

Б. Жизнь Еврипида

Тем не менее, при всей своей нестандартности и непочтительности, Еврипид родился в респектабельная афинская семья, которая, хотя и не была такой зажиточной, как Софокл, была конечно выше среднего класса. Однако несколько раз в своих комедиях Аристофан попугаям популярную в свое время шутку о том, что мать Еврипида была «овощной бакалейной лавкой» - мы понятия не имею, о чем идет речь в шутке - означает ли это, что она продавала овощи на афинском рынке? Это кажется маловероятным для светской женщины. положение, которым пользовалась ее семья.

Насмешка комического поэта, даже если основана на необоснованной прихоти, указывает на одно как минимум важный аспект жизни трагика: как мало достоверных данных находятся. В отличие от Софокла, историю жизни которого можно хотя бы набросать практически все, что до нас доходит о Еврипиде-человеке попахивает сплетнями и сенсациями. Таким образом, можно смело выбросить биографии. которые утверждают, что его собственный неблагополучный дом и брак стимулировали множество трудности, с которыми так часто сталкиваются мифологические семьи в его пьесах.Такой рубец явно исторический наполнитель, явный признак того, что сами древние имел мало достоверной информации о человеке за масками.

Не имея даже намека на правду, эти тени обрамляют все большее и большее значительная правда. Тайна, окружающая жизнь Еврипида, несомненно, проистекает из от его очень приватной натуры. Опять же в резком контрасте с Софоклом, который играл видные общественные роли на протяжении всей классической эпохи, Еврипид был угрюмым и непривычно », согласно одному древнему источнику (Александр Этол), предпочитая побыть в одиночестве, а не делить компанию с другими.Это что-то довольно необычно среди древних, которые имели тенденцию тратить подавляющее большинство своих живет если не на улице, то хотя бы в окружении других.

Кроме того, он, как говорят, любил читать книги сам, опять же ненормальное поведение для своего времени, поскольку в древних текстах, то есть свитках писцы должны были переписывать по одному от руки на папирусе, импортированном из Египет - были дорогими и редкими, поэтому их чаще всего произносили вслух. компания друзей для всеобщего удовольствия.Еврипид, однако, как нам говорят, предпочитал сидеть в одиночестве в пещере на территории своей семьи и читать в тихом одиночестве.

Верно ли это или нет, противоречивый и новаторский драматург явно оторвал себя от большинства аспектов общественной жизни - и от политики полностью - вместо этого предпочитая изучать работы передовых философов днем среди них опасно аморальные «софисты», и, в общем, размышляя о нетрадиционных способах мышления, утверждение его пьесы поддерживают грандиозную театральную манеру.Они показывают очень умный ум, увлеченный философскими проблемами, с сильным отвращением к некритическим принятие условностей: мыслитель со вкусом сенсационного, который знает что в жизни нет ничего легкого или простого, и все связано с красивыми бантами.

Трагедия Еврипида также раскрывает сверхъестественную способность драматурга видеть все. стороны в споре, мало обращая внимания на то, что считалось правильным в день и, вместо этого, обслуживая то, что драматическая ситуация показала чтобы быть правым - что такая мать, как Медея, например, может иметь некоторая доля права на ее стороне, даже когда это заставляет ее убивать собственных детей или если не правильно, то хотя бы некоторая степень праведности.Античные критики указали как будто мы не могли увидеть это своими глазами, у Еврипида было необычайное талант предвидеть обычные мифологические ситуации в таких ярких деталях что он, кажется, всегда готов найти новые и оригинальные способы представления самые общие места традиционных греческих знаний.

C. Агония в экстазе

Если бы Еврипид действительно имел естественную антагонизм по отношению к человеческому обществу, поэтому неудивительно, что его персонажи кажутся отражающими их авторский нрав и часто участвуют в сложных и провокационная форма дебатов называется агон , своего рода законническое противостояние, в котором один персонаж играет обвинителя и другой подсудимый, и жизнь или благополучие одного (или обоих!) зависает в балансе.(примечание) На самом деле нет игры в том, что сохранилось полностью, отсутствует agon . (Примечание) Даже Trojan Women , трагедия во многих отношениях мрачная и условно трагедия, останавливает драматическое действие в середине пьесы, так что Хелен и Гекуба может обсудить перед Менелаем за и против поведения Елены. во время войны.

И есть веская причина, по которой Еврипид так часто включает эти агонов . Было - и есть! - увлекательно наблюдать за тем, как разворачивается действие на сцене, даже несмотря на то, что они раздражали аудиторию Еврипида, хотя трудно поверить, что это не входило в его намерения.В этих надоедливых диалогах Еврипид почти никогда не дает четких указаний на то, что сторона явно права или нет. Вместо этого он оставляет это зрителям решать для себя моральные вопросы, поднятые на сцене.

Хуже того, у него был дьявольский инстинкт, как устроить такой спор. что после того, как его поймали в ярком свете прожектора Еврипида, "правильный" ответ - то есть то, что было общепринятым и принятым, то, что каждый порядочный, моральный, не очень глубоко мыслящий человек считал правильным - посмотрел смешно, возможно, даже неправильно.Древние называли этот вид софистики "делая более слабый аргумент более сильным" - явный признак их разочарования что они не могли обойти какой-то дьявольски умный аргумент, но даже в этом случае отказался признать его действительность.

1. Еврипида Критяне

Помимо того, что у нас есть хотя бы один агон в каждом мы знаем, что Еврипид написал, хороший пример этого устройства был найдено на папирусе, раскопанном в Египте.Многие такие папирусы хранят отрывки из утраченных пьес Еврипида - убедительное свидетельство к его популярности в более поздней античности - и их содержание показывает причину. Еврипид справляется с трудными и неприятными ситуациями с ликованием в лоб, и он, очевидно, делает это. из-за (не несмотря на) беспокойства его сверстники, сидящие рядом с ним в театре должно быть, чувствовали, когда слушали, как разворачивается спор. В этом случае папирус сохраняет половину агона из Еврипида Критяне (примечание), пьеса, построенная вокруг сказки о рождении чудовищного Минотавра .

Миф гласит следующее. Бог моря Посейдон дал Миносу , всемогущий правитель Крита и любимец богов, красивый белый бык, при том понимании, что Минос должен был принести его обратно в благодарность. Но Миносу понравился бык и он решил оставить его себе. Возмущенный этим безобразием, Посейдон проклял царя, заставив его жену Пасифаю влюбиться в животное.

Попав в ловушку, казалось, безнадежной привязанности, она наконец достигла ее похоть, надела коровью шкуру, побудив быка заняться с ней любовью и, ужас ужасов, забеременев от него.Существо, которое она родила, было получеловеком полубык Минотавр, человеческий младенец с бычьими рогами, от которого она пыталась спрятаться ее муж после ее рождения. Но Минос обнаружил халфлинга - и вместе с ним с ним вся правда! - затем выступил против своей жены, обвинив ее в неестественном страсть.

В своей половине дискуссии, что, по сути, было аргументом обвинения, Минос должен был предъявить обвинение своей жене со зоофилией. К сожалению, эта речь утеряна, но многое из того, что Минос сказанное может быть получено из последующего ответа Пасифаи, части . Критяне , сохраненные на папирусе.Судя по ее защите, он осудил ее диковинное поведение, обвиняя его в потворстве своим желаниям эротизму - типичный поведение распутной, избалованной принцессы - и поклялся казнить ее за такое преступление, утопив ее в море. Она отвечает следующим образом:

Я вижу, что отрицание того, что произошло, ни к чему не приведет.
Факты очевидны. Вы мне просто не верите.
Предположим, я бросил свою плоть в мужчину,
Не бык, продающий себя, как афродита на закоулке,
Тогда я предполагаю, что вы, , могли бы называть меня "шлюхой" с некоторым основанием.
Но пошли, это боги послали на меня это безумие -
Смогу ли я причинить себе такую ​​боль добровольно? Нет,
Скорее всего, не! Это не имеет никакого смысла. Какая часть быка
Смог бы я взглянуть на свое сердце и укусить его таким недугом?
Насколько хорошо он был одет? Насколько хорошо он выглядел в своем пеплосе ?
Его каштановые замки? И отблеск вина, который сиял
В его глазах и румяных щеках в пятнах?
Его плоть не была такой сливочной, как у моего любовника.
Чтобы лечь в постель с ему , я надела
четвероногого. Кожа и покрыла мое тело! Это то, что меня возбудило?
Создание детей казалось маловероятным, не из
Такой муж. Так что нельзя сказать, что я сделал это ради этого.
Все просто: я сошел с ума. Бог этого человека сожрал меня злом,
И он заслуживает большей части вины.
Он не принес быка в жертву, как обещал
Он поступит, этот призрак, посланный его морским богом.
Вот почему он охотится за вами, мстя за несправедливость
Вы, , сделали ему , Посейдон, и он убивает его. мне .
Итак, , вы, , призываете богов засвидетельствовать это,
Вы, , тот, кто все это сделал, навлек на меня этот позор.
Я тот, кто должен был это терпеть, и ни за что Я сделал,
Нет, я пытался скрыть бедствие богов, посланное с небес,
Но у вас , вы считаете, что лучше всего распространять "хорошие новости"
О своей жене - ты должен быть самым глупым человеком на земле! -
И вы трубите об этом, как будто не принимаете в этом никакого участия.
Ты мой разрушитель, твой ошибка,
Это , а мы с вами страдаем. Но не останавливайтесь на достигнутом! Брось меня
В море, если ты этого хочешь. Сделай это! Не было бы
В первый раз, когда вы согрешили и кого-то убили, не так ли?
Или съешь мою живую плоть, если тебе так нравится,
Сразу с моего тела! Вот и хватит для сытной трапезы.
Мы свободные люди, а также свободные от греха,
Но чтобы заплатить штраф за ваших аппетитов, мы умрем .

Об этой речи следует отметить несколько моментов. Во-первых, Пасифа передает ощущение, что публика наблюдает и взвешивает ее ("Бог этого человека съел мне со злом. . . »), почти или совсем не чувствуя, что это невидимая« четвертая стена » стоит между ней и зрителями. Во-вторых, попросив ее обратиться к слушающим прямо - это хор или афинская публика в Театре Диониса? или, может быть, оба сразу? - Еврипид преуменьшает внутренности ее персонажа и питает представление о том, что персонаж видит себя в суде, предстает перед присяжными, защищает свои действия и оправдывая свой выбор.

Наконец, расположение сцены, по крайней мере в той степени, в которой мы ее имеем, склоняет зрителя на сторону Пасифа, который делает несколько отличных замечаний, неудобных перспектива для большинства людей, особенно типичных греческих мужчин в древней аудитории. Она похотливая иностранная принцесса, которая практиковала зоофилию и межвидовая в результате смешанного брака родился смертоносный бык, в общем, не из тех женщин-рациональных Афиняне в классическую эпоху обычно женились и уезжали домой к своим матерям.Но в этой драме Еврипид усложняет задачу увидеть дела обстоят так, как естественно хотели зрители, то есть спорить без оговорок что прелюбодейная Пасифа виновата, а не ее муж-рогоносец. Похоже, что одна из причин, сделавших эту трагедию такой неотразимой, - и такая трагедия, что весь спектакль теперь утерян - как сенсационно вкусно это было, хотя при этом трудно глотать.

2.Еврипид и радикальные правые

Потому что агонов Еврипида одновременно сводили с ума и очаровывали, они также были опасны. В древнем театре, наполненном как бы интеллектуально беспокойная толпа, некоторые видели склонность Еврипида к подъему спорных и нестабильные проблемы, такие как разжигание инакомыслия и разжигание неповиновения государству. Что еще хуже, его дьявольский талант видеть все стороны спора мог быть воспринимается как попытка нарушить надлежащее образование молодежи.В каждом обществе есть те, кто считает, что молодым людям нужно говорить как думать и буду слушать такие инструкции. Таким образом, даже в первой в мире демократии сторонник либерального и сложные мысли, подобные Еврипиду, находили критику и сталкивались с презрением и насмешками. Они нисколько его не остановили.

Напротив, на протяжении большей части своей карьеры Еврипид создал блестящую драму. пропитаны раздражающими агонами . В результате его убедительные, но полемические драма завораживала театральную публику, как афинян, так и приезжих, и помогла сделать Дионисию обязательным для посещения событием в Эгейском мире каждый год.Все в целом, взаимодействие Еврипида со зрителями было очень успешным, если не сказать совершенно здоровые отношения, которые в конечном итоге были обречены.

Когда положение афинян стало отчаянным к концу Пелопоннесского Война (412-404 г. до н.э.), они, как раненые, набросились на все, что раздражали их. Софисты, ученые и всякие нетрадиционные элементы в их обществе были вынуждены бежать из-за конвульсий внутренней борьбы.Среди изгнанных был Еврипид. Старик к тому времени, когда он наконец упаковал поднялся и ушел (408 г. до н.э.) - насколько нам известно, он никогда не жил за пределами Афин - последние годы жизни он провел за границей, в Македонии, но, тем не менее что ж, король мог лечить его, он не мог чувствовать себя как дома в такое место. Сомнительно, например, чтобы в сотне миль.

Наверняка, за какое-то время до того, как он был вынужден покинуть Афины, Еврипид знал, что его изгнание неминуемо, что должно быть ужасно ужалило - знать приближается инъекция, только усугубляет боль - и этому есть доказательства в последней трилогии он поставил в Театре Диониса.В нем он запечатлел столь поразительно яркая картина безумия, охватившего его родную полис , поскольку Пелопоннесская война без сожаления продолжалась и бессмысленный конец, трудно представить себе это драматическое нападение как что-либо иное чем ехидное прощание и последнее слово предупреждения его любимой, но сломанной родине. Среди этой трилогии - одна из девятнадцати сохранившихся пьес Еврипида: Орест , которые мы уже обсуждали выше.Теперь давайте посмотрим на это еще раз более внимательно, на этот раз в контексте истории и Жизнь Еврипида.

Д. Орест

Согласно предисловию, приложенному к лицевой стороне рукописи Ореста , эта пьеса была самой популярной трагедией Еврипида в постклассическую эпоху, часто возрождавшаяся на сцене в четвертом веке и после. Нетрудно понять почему. А блестящий театральный тур-де-сила, Orestes идет по тонкой грани, которую пытались преодолеть многие драматурги, но лишь немногим удалось: и то, и другое. традиционный и революционный, смертельно серьезный и беззаботно фарсовый, верный к сюжету « Орестеи » Эсхила, но вряд ли ее дух, а главное - жестокая яркая картина человеческой жизни в худшем виде, парадоксальным образом заключенная в послание надежды и спасения.Потому что он составляет одновременно так много разных вещей, что люди видят, когда смотрят Орест часто говорит по крайней мере как много о них как о пьесе. Если какая-либо драма является «зеркалом» Шекспира, это оно.

Шедевр, который одновременно переводит и превосходит свое время, он был в свое время нежное и жестокое прощание с Афинами. Однако, с нашей точки зрения, так много столетия назад он также жалит зловещим ядом, поцелуй крестного отца в Щека всему человечеству.Когда Еврипид писал это, он, должно быть, сомневался, что когда-либо снова иметь возможность увидеть одну из его работ, поставленных на сцене, но в то же время суровое несчастье надвигающейся ссылки не наказало его ни преклонил свой дух. Orestes такой же бескомпромиссно кислый, как и Euripides. когда-либо была, неизменно суровая картина человеческого общества. Глядя в ствол из Орест , большинство людей моргают раньше, чем Еврипид.

Спектакль открывается среди отчаяния и уныния, в поворотный момент повествования после главный герой убил свою мать Клитемнестру, но до его последующего суд и оправдание в Афинах.Еврипид решил инсценировать этот момент в миф как минимум по двум причинам: во-первых, потому что Эсхил не было - Oresteia пропускает этот раздел истории, который попадает в промежуток между второй и третьей пьесами трилогии ( The Носители возлияния и Евмениды ), а также потому, что он это последовательность, полная драматического напряжения и потенциала. На данный момент в мифе например, Fury появились и начали преследовать Орест , и Фурии всегда хороши для драматургов иметь за кулисами.

Хотя он убил свою мать по наущению бога Аполлон и с помощью его сестры Electra и друга Пилада, В этот момент Орест стоит один, неся тяжесть своей вины. Аполлон еще чтобы снова появиться и спасти его. Размещение титульного персонажа на этом этапе там, где Эсхил быстро перешел от мести к искуплению, Еврипид может сделайте стоп-кадр своего героя и разыграйте ужасы его неопределенного будущего.Даже если бы мы видели драму Эсхила и знали, что Орест будет оправдан в Конца он и его товарищи в этом спектакле нет.

В первой сцене Орест лежит в постели без сознания, измученный галлюцинациями. фурий. Его сестра Электра стоит одна рядом с ним. Все остальные, кроме его друг Пилад покинул его, интерпретируя его заблуждения как знак вины и проклятие богов. Сам город Аргос решил попробовать как сестринские и брата по обвинению в матереубийстве в тот же день, и братья и сестры осталась только одна надежда.Их дядя Менелай только что вернулся из Трои и принес домой его красавица жена Елена после десяти лет войны.

Если Менелай, победоносный полководец, поддержит их в суде, мало шансов существует, они могут избежать осуждения и казни. Иначе ничего нет им остается только ждать смертной казни, какой бы несправедливой она ни была. Электры первые слова: «Нет ничего ...», сказанные в самом начале о самой пьесе, хотя она продолжает: ".. . ничего, что люди не могу терпеть », отчаянный крик о том, что жизнь как-то может и должна продолжаться. «Ничто» подводит итог этой пьесе лучше, чем ее нежное убеждение, что есть нет ничего сверх человеческой выносливости.

Введите Хелен, а не сообразительную и находчивую героиню из более ранней пьесы Еврипида. назван в ее честь (см. выше), но более традиционный и типичный Хелен, бессодержательная, тщеславная, манипулятивная королева красоты. Ее первая строчка в пьесе, говорил со своей убитой горем племянницей Электрой: «Все еще не замужем, дорогая, после всего этого времени? "- показывает чувствительность, от которой можно ожидать увядающие звездочки.

Хелен покинула дворец, чтобы спросить Электру, примет ли она похоронные подношения. к могиле ее «дорогой умершей сестры Клитемнестры». Ошеломлен тем, что Каждый должен просить, чтобы соучастник убийства приносил жертвы в могилу жертвы, Электра отказывается и говорит Хелен самой пойти туда. Хелен, однако, боится аргивян, семьи многих из которых были уничтожены во время войны. Она беспокоит, что они обвиняют ее в смерти друзей и семьи и будут пытаться убить ее, если она продемонстрирует свою выдающуюся личность на публике.Она может быть пустой, но она правильно об этом. Ясно, что она усвоила одну вещь из своих мучений в Трое: как не быть побитым камнями толпой.

Электра предлагает вместо этого отправить свою дочь Гермиону. Рад любому способ избежать сумасшедшей толпы, Хелен вызывает Гермиону и отправляет молодая девушка с подношениями для своей покойной сестры. Хотя греческий женщины должны были отрезать волосы и положить их на могилу умершего родственница, когда Хелен отступает во дворец, Электра замечает, что она обрезал только кончики волос - она ​​должна оставаться красивой, иначе Менелай может потерять интерес - и дал Гермионе лишь скудные подсказки о том, что явно жалкое горе.

Входит хор и, хотя Электра пытается их разбудить Ореста, который сначала кажется вполне нормальным, но вскоре страдает приступом истерики. заблуждение, когда он слышит упоминание о своей убитой матери Клитемнестре. Он прыгает и начинает стрелять по вещам, которых нет, из несуществующего лука. Электра сидит и жалобно плачет, потому что любит своего брата - любит его так сильно! - и ненавидит видеть его безумие.(примечание)

Один за другим появляются другие персонажи, каждый со своим особенным рюкзаком противных привычек. Менелай сначала показывает себя типичным политиком, жестоко амбициозен, не проявляет интереса к любому, кто не может продвинуться по карьерной лестнице. Племянник или нет, матереубийство вроде Ореста не вписывается в его нынешнюю политическую повестку дня, поэтому он отказывается оказывать помощь, заявляя, что он беспомощен, - наглая ложь.

Что еще хуже, пока Орест умоляет Менелая о помощи, спартанец Тиндарей - Тиндарей - отец Клитемнестры, таким образом, Орест. дед - появляется внезапно без предупреждения.Он приехал в Аргос, чтобы требовать смертной казни как для своих внуков, так и для всех, кто причастен к в любом случае с убийством его дочери Клитемнестры. Когда он вынужден признать она сама была убийцей, возражает Тиндарей, если бы она не была уже мертва, он убьет ее сам. В конце концов, «смерть и месть» кажутся быть всем, что знают эти самодовольные, жестокие спартанцы, время от времени.

Оресту остается идти на собрание один, пока его хороший друг Пилад появляется.В древности Пилад был образцом идеального друга, но здесь он больше злодей, чем друг. Он сказал бы, что не просто преданный и верный союзник. что угодно, сделай что угодно, чтобы помочь своему товарищу Оресту. К нему все приходит вторые после дружбы: семья, смертность, нравственность. Хотя роль Пилад в фильме Клитемнестры убийство в пьесе не раскрывается, он утверждает, что сыграл главную роль. В общем, он в меньшей степени приятель Ореста, чем его товарищ по банде. и вместе они идут навстречу гневу толпы, пока Орест предстает перед судом. за убийство.

Дела идут плохо, или так Электра слышит от посыльного, который "только что случилось пройти мимо "- разумеется, Еврипид смахнул на удобство и частота "посланников" в греческой трагедии - и вернулась сообщить о результатах судебного разбирательства. Стая злобных демагогов хлестала толпа в неистовстве гнева, направленном против потомков Агамемнона. В конце концов, собрание приговорило брата и сестру к смерти единой милостью что паре будет разрешено убить себя, а не терпеть унижение публичной казни.

Когда Орест и Пилад трагически возвращаются на сцену, они находят Электру плачущей. в ужасе от новостей. Братьям и сестрам нужно время, чтобы плакать, а затем еще один момент, а затем еще несколько. Под аккомпанемент Pylades получается в ораторию печали. Если подумать, все это так несправедливо. После в общем, это не было , по их вине они замышляли и убили Клитемнестру. Сбрасывать убил Агамемнона, своего отца. Вдобавок к этому бог Аполлон приказал им сделать это.Где несправедливость в наказании убийц? Будьте честны, не убийцы жертвы тоже?

Охваченный их мраком, Пилад настаивает на том, чтобы присоединиться к ним после смерти, но, как сказал Орест, наконец уходит, чтобы убить себя, - внезапно говорит Пилад. синего! - "Ну, раз уж мы должны умереть, посмотрим, не сможем ли мы сделать Менелай тоже страдает! "Орест говорит:" Дорогой друг, если бы я только мог увидишь это, прежде чем я умру! »« Итак, - говорит Пилад, - давай ударим его. где болит.Убьем Елену! »

«Убить Хелен?» - спрашивает пораженный Орест, конечно, не единственный. в Театре Диониса в тот день в 408 г. до н.э., чтобы быть шокированным этим предположением. Действительно, некоторая часть афинской аудитории, без сомнения, встала в унисон и помахали своим коллективом Odysseys Еврипиду, который наверняка сидел в театре с ними, и указал на Книгу 4, где Хелен все еще жив через много лет после возвращения в Грецию с Менелаем.И Еврипид, это кажется безопасным заключить, ухмыльнулся и сделал вид, что не замечает их.

Все глубже погружаясь в безумие, Пилад и Орест замышляют, как они будут убить Хелен. Они решают зайти во дворец, где в данный момент находится Хелен. ее охраняли только ее троянские рабы, простые восточные слабаки. Они принесут их мечи под предлогом самоубийства, но вместо этого убейте ее .

Долгое время молчал - вероятно, из зависти, подумал Пилад. этот план раньше, чем она сделала - Электра внезапно вмешивается, "Гермиона пошел к могиле Клитемнестры.Когда она вернется, вы можете схватить ее как свой заложник. Таким образом мы сможем уберечь Менелая от попыток навредить кому-либо из нас ". Мальчики одобряют и хвалят ее за то, что она думает «как мужчина».

В одном из немногих истинных триалогов классической трагедии все трое объединяются в молитва мести, обращенная не к Аполлону, не к какому-либо богу, а к призрак мертвого Агамемнона. Вуду - это все, что есть у этих дряхлых детей. осталось верить в:

ПИЛЫ : Агамемнон, услышь нашу молитву! Пощадите своих детей!
ORESTES : Я убил свою мать!
ЭЛЕКТРА : Я коснулся лезвия.
ПИЛЫ : И я замышлял, не колеблясь.
ORESTES : В помощь, отец!
ЭЛЕКТРА : И я не предал тебя.
ПИЛАДЫ : Услышав наш позор, не спасешь ли ты? нас?
ORESTES : Я плачу по тебе.
ЭЛЕКТРА : Я горестно оплакиваю тебя.
ПИЛАДЫ : Достаточно это. У нас есть работа!

Орест и Пилад выходят во дворец, намереваясь убить Хелен, как Электра ждет снаружи, подбадривая их, хор позади нее.

Через мгновение за кулисами раздаются предсмертные крики Хелен.К настоящему времени Еврипид аудитория, должно быть, думала: «Подожди! Хелен не может умереть! Не только она жива в Гомере позже, но она бессмертна! Это, должно быть, еще один ложный сюжет, еще одна из тех красных сельдей , которые мы так часто видели у Еврипида. Слава богу, он уезжает из города. Интересно, что будет дальше ".

Войдите в Гермиону, вернувшуюся из гробницы Клитемнестры. Как паук, плетущий паутину, Электра радостно заманивает невинную девушку внутрь к ожиданию Ореста и Пилада. лезвия и следует за ней во дворце.На сцене ненадолго нет актеров, когда хор, которого Электра велела громко петь, отчаянно танцует и пытается чтобы заглушить панические крики Гермионы.

Как будто этого было недостаточно, невероятное теперь начинает вальсировать с невозможно. Необходимая речь посланника, которая традиционно следует за важными закулисное действие в греческой трагедии - только так греческая публика может узнать, что произошло, поскольку греческий театр не в состоянии представить на сцене что-то вроде реалистичной крушения колесницы - эту речь присваивается человеку , который плохо говорит по-гречески .Мы могли бы вообразить что одно обязательное требование быть посланником в греческой трагедии - это уметь говорить по-гречески, но, видимо, не в Еврипиде. Вселенная.

Троян раб , один из подхалимающих фригийских евнухов Елены, выползает из дворца через дыру в крыше и выбегает наружу, чтобы сообщить, как Орест и Пилад Заговор с целью убийства Елены развернулся. (Примечание) Описание нападения на Елену на его ограниченном греческом языке просачивается с перерывами. через каскад оборванных фраз, затяжных стенаний и экстравагантных варварских размахивание руками (примечание): «О Троя, Троя! О горе, горе! Город Фригий и такая милая гора Ида, святое место, ты мертв, я стону, в чужеземном трауре, птичье лицо с лебединой прелестью, щенок Леды, садхелен, садхелен! "(пер.Wm. Эрроусмит)

Из длинного и очень занимательного, но искаженного сообщения троянского раба аудитория собирается на самом деле очень мало. Очевидно, Орест и Пилад атаковали Хелен, но среди их насилия она исчезла, по словам фригиец, и, видимо, никто точно не знает, как и куда. И так же, как троянец раб заканчивает свою речь посланника, выходит Орест, вооруженный и сердитый и ищу "того раба, который убежал от моего меча.«

Дрожащий миньон падает на колени, умоляя сохранить ему жизнь, и в Оресте. запугивая этого беззащитного домочадца, он показывает, какой он на самом деле человек, напуганный ребенок в душе, злоупотребления которого научили его немногим больше, чем тому, как злоупотреблять:

ORESTES : А Хелен? Она умерла справедливо, не так ли?
ТРОЯНСКИЙ РАБ : О, по праву! Трижды перерезать горло, мне все равно.
ORESTES : Ты просто говоришь это, чтобы доставить мне удовольствие. Это не то, что вы на самом деле думаете.
ТРОЯНСКИЙ РАБ : Нет! Она тоже стерла греков до троянцев.
ORESTES : Неужели все вы, троянцы, так боялись меча?
ТРОЯНСКИЙ РАБ : Не так уж и близко с мечом, понятно? Блеск смерти обратно в это.
ORESTES : Раб, и он боится смерти. Я бы подумал ты бы хотел умереть.
ТРОЯНСКИЙ РАБ : Все любят жить, даже раб.
ORESTES : ( смеется ) Хорошее замечание! Ваш острый остроумие спасает вас. Пробраться внутрь!
ТРОЯНСКИЙ РАБ : Я не убью?
ORESTES : . Вы ушли. .
ТРОЯНСКИЙ РАБ : . . Хорошие слова вы говорите.
ORESTES : Но я мог передумать. .
ТРОЯНСКИЙ РАБ : . . ( погонных) внутри ) Слова нехорошие те!

Орест самодовольно возвращается во дворец и запирает ворота.

Услышав слухи о беспорядках во дворце и опасаясь за жизнь Елены, Менелай выходит на сцену в сопровождении вооруженного эскорта. Когда он кричит, чтобы кто-нибудь открыл ворота дворца, Орест, Пилад и Электра появляются на крыше над ним.Электра и Пилад держат факелы, готовые зажечь дворец в огне, если Менелай атаки. Орест держит нож у горла Гермионы.

Угрозы и оскорбления летают туда и сюда. Без надежды на разрешение, Менелай вызывает подкрепление и готовится к осаде дворца. Клинок Ореста толкает против горла Гермионы. Пламя лижет стропила. Мечи обнажены. Конец на них всех.

Тогда над дымом и горячими страстями летает бог Аполлон, принося с ним недавно обожествленная Елена.Парящий на механе над всеми на сцене - и над большей частью театра - бог разума и свет, это разумное божество, которое делает сыновей настолько логичными, что они убивают их матери, призывает остановить все смертельное безумие, кипящее под ним. "Это не план богов, что так все должно закончиться. Хелен будет со мной богиней на небесах. Менелай снова женится "- в Другими словами, это другая «Елена» в Книге 4 из «Одиссея». Итак, все, закатывайте своих Гомеров и убирайте их! - Троянская война было предназначено только для того, чтобы облегчить Мать-Землю тяжелую ношу человечества.Орест должен сначала уйти в изгнание, но однажды он женится на Гермионе », что означает« Брось этот меч у вас есть у ее горла, молодой человек, и поздоровайтесь с вашей будущей женой! »-" и Электра выйдет замуж за Пилада. Все это был мой план. Все будет всем Сейчас! У богов есть план. Поверьте мне. Они это делают. "

Что произойдет дальше, это единственное, что может случиться - Аполлон, в конце концов, сказал - дым начинает рассеиваться, персонажи уходят со сцены в механическое подчинение воле Локсиаса, и пьеса заканчивается божественным обещанием грядущего мира и радости.Что еще более важно, это также был финал Еврипида. выезд из Афин и, насколько можно было сказать, из театра тоже. Еще раз он не взял в руки первый приз, не то что , что имело большое значение на момент. Его призом было производство Orestes . На первом месте было бы был разочаровывающим.

E. Вакханки

Как ничто другое, Orestes олицетворяет бешеные конвульсии Афины к концу Пелопоннесской войны.Полный подхалимов и двуручных торговцев, искривленные умы и беспомощные дураки, пьеса отражает безумие вокруг нее. «Но кто самый безумный?» - вопрошает пьеса. «Безжалостные преступники кто кажется единственными людьми, способными действовать? Простой, добрый народ, который стать жертвами этих преступников? Боги, которые позволили всему этому случиться? » Орест эта редкая, почти невозможная драма, задушевный фарс, неподражаемый способ сказать "Только бог может спасти вас, афинян, от беспорядка, который вы устроили вещей на этот раз, и боги, если - это богов, должны быть даже сумасшедший, чем ты! »С этими словами Еврипид вскочил в повозку и двинулся прочь. в Македонию, где он приступил к созданию самых удивительных и драматических поворот всей его долгой и непредсказуемой карьеры, величайшая пьеса, которую он когда-либо написал - для многих величайшая пьеса из когда-либо написанных! - Вакханки .

Смерть Еврипида в начале 406 г. до н.э. ознаменовала конец целой эпохи. Когда Софокл тоже умер всего несколько месяцев спустя, было ясно, что афинская трагедия достигла кризис. Не было очевидного наследника престола трагической драмы, и смятение афинян ощутимо в комедии Аристофана, написанной следующим образом: весна, Лягушки (см. ниже, Чтение Четыре). Но когда в Афинах сообщили, что три трагедии почти завершены - Вакханки , Ифигения в Авлиде и Алкмеона в Коринфе (теперь утерян) - были частью имения покойного Еврипида, должно быть чувство одновременного восторга и тревоги среди своих собратьев-афинян: "Один еще трилогия от Еврипида! Как чудесно! Но подожди, о чем он скажет нам на этот раз? Это была последняя драма, которую он поставил в «Дионисии».. ., хорошо, мы не выглядели так хорошо там, не так ли? Оймой, что теперь? "

Производство неожиданным, однако, была подпись Еврипида, и поэтому следующий «логичный» переехать для него после разрушения и высмеивания всевозможных священных традиций, все, от эсхиловской трагедии до нынешнего политического режима, должно было вернуться к принятым в то время нормам драматургии. Вакханки , как это Оказалось, было довольно условно, по крайней мере, на первый взгляд.

Он отличался полноценным припевом с длинными одами, подобными Эсхилу, и исполнялся напрямую. с Дионисом, номинальным божеством драмы - что может быть более традиционным в греческом театре, чем это? к текущей политике. Афиняне, должно быть, были ошеломлены Еврипидом. сдержанность: «Пьеса о боге экстатического безумия, написанная Еврипидом, без красных селедок, без Елены-в-Египте, без Елены-на- механе ? Там должен быть какой-то улов! »И было, конечно - и это было, конечно, чего никто не ожидал.

Тем не менее, как только это было поставлено, должно было быть сразу очевидно, что Вакханки - а не Ореста ! - были безупречным триумфом Еврипида. для сцены, шедевр человека, которого было намного легче признать господин, когда его не было рядом, чтобы услышать, как вы это говорите. Так что, без сомнения, это был хор панафинейского энтузиазма, который эта последняя еврипидовская трилогия распространила на сцене в Афинах и принес Еврипиду пятый и последний первый приз на Дионисия.Что драматург оказался недоступен для комментариев на время, и он не мог принять награду лично - он был мертв - несомненно, сыграло определенную роль в широкой популярности этого решения.

Таким образом, под аплодисменты он не мог слышать и никогда не заботился о интригующем Долгая и неоднозначная глава в истории театра Еврипида наконец дошла до конец, по крайней мере, так казалось. Фактически, в следующий раз он снова появится на сцене. год.Но только один человек в Афинах предвидел это, видение другого рода. который почти наверняка сидел в театре и смотрел Вакханки на его премьере в марте 406 года комический поэт Аристофан.


VI. Заключение: наследие классической трагедии

Настоящее поместье, которое Еврипид оставил греческому театру, было не чем иным, как революцией. в драме - игра, совершенно отличная от той, что доминировала на сцене. большую часть века, в котором он жил.Подыгрывая сюжету и внезапным изменениям удачи, добавляя действия и увеличивая скорость, с которой разворачивались сюжеты - в другими словами, превратив драму в мелодраму - он показал способ сделать Греческий театр более «театральный». Если бы его сверстники были разделены на их дети не оценили это изменение. Не были актеры кто много выиграл от экстремистской тактики Еврипида. Эмоциональная гимнастика Медеи, собирающейся убить собственных детей, дала артистам шанс засиять их особый блеск на сцене, конечно, во многих случаях его пьеса о ней и многие другие его образцы бравурного выступления были возродился в последующие века.

Неудивительно, что вскоре игроки пьесы начали затмевать драматургов. после классической эпохи. Действительно, тенденция театра четвертого века была не ставить новые трагедии, хотя драматурги не оставляли попыток писать их, но чтобы заново представить и заново изобрести великие драмы классических трагиков, Чаще всего Еврипид. К сожалению для более поздних греков, другой «Еврипид» как жаждет Дионис Аристофана в 9000 г. Лягушки , так и не всплыли.Таким образом, эллинистическая публика в основном ходила смотреть звезды в старой "классике", как в сегодняшней опере, где "боевые кони" Составленные несколько поколений назад - это главные носители искусства.

Это не означает, что драма не пронизывала постклассическую греческую культуру - это сделал! - только не оригинальной драмы . В конце концов, Афины, самый питомник драмы, изменившейся с изменением времени, и еще один конкурс диплом учреждена награда среди актеров, сыгравших в возрождении пьес V века. в Дионисии.Стоит отметить, что это произошло всего через несколько десятилетий четвертый век до нашей эры - иногда застой может быть очень быстрым, поэтому если можно так выразиться, в конце концов, постклассическая трагическая драма просто окаменелые. Оставив после себя впечатляющий зубастый скелет, свирепого вида, но застывшего, искусство после Софокла в конце концов стало больше Tyrannosaurus, чем Oedipus Rex .

Оф судьба Еврипида была лучше всех.Как и Дракула, он все еще мог быть очень страшным, даже из могилы, иногда даже в большей степени, чем когда-либо в жизни. А именно, когда Греция ненадолго уступила военному перевороту в двадцатом веке, новый режим запретил любое представление Еврипида « Ифигения» в Авлиде , пьесе, прославляющей молодых людей, жертвующих своей жизнью во благо государства. Какая награда для драматурга - гораздо больше, чем любая победа в Дионисия! - что его работа считается слишком опасной для постановки двадцать четыреста лет после его жизни! Шоу, Шекспир и Шепард могут только мечтать о таком порицании когда-нибудь.Но если бы Еврипид не умер полностью с его смерть, по большей части заставившая новую греческую трагедию, переложить бремя театральной новаторство в комедии о младших братьях и сестрах, которая с удивлением справилась с этой задачей. изящество и энергия и тем самым проложили путь к новой форме театра, настолько обычной, что она выглядит современно, - комедиям Менандра.

Термины, места, люди и вещи, которые нужно знать
Еврипид
Выберите пьес
Алфавитные пьесы
Мелодрамы
Спасательные пьесы
Елена ( Елена )
Менелай [men-nuh-LAY-us]
«Суровый и неприветливый»
Критяне
Минотавр
Минос [MEE-noss]
Pasiphae [pass-siff-FAY-ee]
Orestes (Orestes)
Фурии
Аполлон
Электра
Пилады [ПИЛЛ-лух-диез]
Красные сельди
Троянский раб
The Bacchae [BAH-key]
Кадм (см. Текст 2)
Семела [SEM-mull-lee] (см. Чтение 2)
Дионис (см. Чтение 2)
Пентей [PEN-the-yus] (см. Текст 2)
Агава [э-а-а-а] (см. Чтение 2)

Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 Международная лицензия.

40 лучших пьес всех времен, от «Доброй нашей страны» до трамвая «Желание» | Independent

Theater - это квинтэссенция искусства переосмысления. Каждый раз, когда пьеса возрождается, она «переделывается». С чем-то столь радостным и временным, почему вы хотите быть окончательным? Имея это в виду, давайте проясним, что то, что следует ниже, не является олимпийскими усилиями по объявлению «лучших пьес всех времен». Напротив, это набор вещей, которые мы постоянно находим вознаграждением.

Такой список неизбежно отражает работы, которые поставлены, отмечены и изучаются в Великобритании; он основан на западном каноне. Мужчин больше, чем женщин, белых писателей больше, чем цветных, хотя ограничение одной работой любого автора - мертвого белого мужчины или нет - должно помочь немного расширить рамки; да, это означает только одну пьесу Шекспира. Мы надеемся, что вы ознакомитесь с этими пьесами - в идеале в исполнении, но, если вы не найдете ни одной, прочитав текст.

40 величайших когда-либо написанных пьес

Показать все 40

1/4040 величайших пьес, когда-либо написанных

40 величайших когда-либо написанных пьес

Жизнь - это мечта (1635), Кальдерон де ла Барка

Пьеса Кальдерона - один из шедевров Золотого века Испании.Трудное положение молодого принца Сегизмундо напоминает историю китайского мудреца о человеке, который видит во сне бабочку и просыпается, чтобы задаться вопросом, действительно ли он бабочка, мечтающая о мужчине. Этот юноша находится во власти политических колебаний: он с рождения заключен в темную башню из-за гороскопа, согласно которому он узурпирует трон. Затем, когда возникают опасения по поводу преемственности, его отец накачивает его наркотиками, приводит его во дворец и с недоумением обращаются с ним как с принцем.Поэтическое произведение, затрагивающее глубокие метафизические и политические вопросы в ослепительно театральной манере. PT

ЙОХАН ПЕРССОН

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Гамлет (1599–1602), Уильям Шекспир

Пьеса о поразительных открытиях. Заранее в елизаветинской драме было много монологов. Но никто никогда не разговаривал с такой аудиторией, как Гамлет. Он не просто впускает вас в свою уверенность, он впускает вас в свое сознание; лучшие образы заставляют почувствовать себя с этой фигурой душа к душе.Именно его способность к самоанализу мешает и дисквалифицирует Гамлета как героя мести: он довольно чудесно ошибается. Гамлет блестяще рефлексирует, постоянно исследует собственную театральность. Сознание Клавдия проверяется игрой внутри пьесы; Гамлет пытается обмануть суд, принимая «античный нрав», который временами может переходить в подлинное безумие. Пьеса похожа на мучительную медитацию на противоречивые значения глагола «действовать» - притворяться и вмешиваться.Неиссякаемый. PT

Rex Features

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Machinal (1928), Софи Тредуэлл

Феминизм и экспрессионизм сталкиваются в экстраординарном видении американского драматурга Софи Тредуэлл механизированного, бесчеловечного мегаполиса. Мы чувствуем, как раздирающий нервы рэкет современного существования, описываемый как «чистилище шума», нападает на персонажа Everywoman на каждом этапе, когда она спускается к гибели. Она стенографистка, чувствительный винтик в машине, которую ее мать шантажирует, вынуждая выйти замуж за босса, который возмущает ее, и в конце концов приговорен к казни на электрическом стуле за его убийство.Вяжущий диалог Тредуэлла с его звенящим стаккато и синкопированным телеграфом неожиданно предвосхищает Гарольда Пинтера и Дэвида Мэмета. Ее крик против узаконенного женоненавистничества - «Я не подчинюсь» - разносится сквозь века. PT

Johan Persson

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Государственный инспектор (1836), Николай Гоголь

В великом фантасмагорическом фарсе Гоголя безденежный чиновник, недавно прибывший из Санкт-Петербурга, ошибочно принимается за одноименного инспектора. коррумпированный мэр и чиновники этого провинциального городка.Паника заставляет этих параноидальных местных жителей выдавать ложную личность на этого незнакомца. Это было бы достаточно хорошей шуткой. Гоголь же придает ему вдохновенный поворот. Оказывается, что его ничтожное ничтожество движет такой же страх быть признанным одним из неудачников жизни. Поэтому, когда он вспоминает их эксплуатируемую ошибку, он рассматривает их абсурдное уважение (не говоря уже об их взятках) как давно назревшее признание его истинной ценности и с помпезностью разносится по воздуху. Комический бред в этом русском шедевре порождает переплетенные безумия.PT

40 величайших когда-либо написанных пьес

Old Times (1971), Гарольд Пинтер

Одна из самых запоминающихся и тревожных пьес Пинтера. Супружеская пара Кейт и Дили играют в игры власти и собственничества с бывшей соседкой жены, Анной, которая приезжает в гости впервые за 20 лет. Произведение ужасно озабочено тем, как люди используют выборочные - и, возможно, придуманные - воспоминания в качестве оружия или способа одержать верх. В этом понимании мы создаем воспоминания в ответ на психологические потребности момента: «Есть вещи, которые я помню, которые, возможно, никогда не происходили, но так, как я их вспоминаю.Дили находится под угрозой из-за юных отношений Анны с женой, и новичок сильно его привлекает. Это прекрасное воспоминание о взбалмошном Лондоне, когда девушки жили секретаршами, но непростая комедия всего этого становится смертельной. PT

Герайнт Льюис

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Перевертыш (1622), Томас Миддлтон / Уильямс Роули

Лучшая якобинская трагедия за пределами Шекспира, «Перевертыш», кажется, также предвосхищает фильм нуар.Героиня нанимает подозрительного типа, чтобы тот сбил своего жениха. У этого злодея уродливое лицо, но в пьесе говорится о том, насколько извращенно нас привлекает то, что нас отталкивает. Убийца требует ее девственности, поскольку его кровавые деньги и скатывание в призрачную порчу становятся неумолимыми. В сумасшедшем доме есть дополнительный сюжет, задуманный как искаженное зеркало главного действия в его одержимости маскировкой, безумием и сексом. PT

Shakespeare Globe

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Intimate Apparel (2003), Lynn Nottage

Этот американский драматург, получивший Пулитцеровскую премию, исследует историю своей прабабушки в Нью-Йорке начала 20 века.Эстер - черная швея, незамужняя и неграмотная, она шьет восхитительно красивые платья для других женщин, которые они надевают в свои брачные ночи. Она получает то, что могло быть последним шансом на счастье, но он уничтожается в обстоятельствах, которые никогда не вызывают сентиментальности. Чувственное ощущение тонкой ткани (ее средства поддержки и самовыражения) передано с великолепной описательной силой. Intimate Apparel удается поднимать настроение, не теряя при этом своего непочтительного юмора. PT

40 величайших когда-либо написанных пьес

Антигона (441 г. до н.э.), Софокл

Пьеса Софокла до сих пор остается самой сильной из когда-либо написанных о конфликте между нашими обязательствами перед государством и нашим долгом перед родственными узами.Антигона бросает вызов своему дяде Креону, новому правителю Фив, похоронив своего брата Полинеика. Он собрал армию против своего родного города, и Креон в это политически нестабильное время хочет, чтобы его труп был оставлен собакам в качестве образцового осквернения. Философ Гегель видел в этом квинтэссенцию истинной трагедии: не конфликт между добром и злом, а между добром и правом. Фактически, в наши дни постановки склоняются в пользу Антигоны и ее самоотверженной непримиримости. PT

EPA

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Один человек, два хозяина (2011), Ричард Бин

Ричард Бин придумал вдохновляющую идею перенести комедию дель арте Гольдони 18-го века из Венеции в Брайтон в 1963 году .Наш герой-мальчишка, отчаянно пытающийся удержать пару рабочих мест, без ведома ни одного из боссов, - неудачный игрок в скиффл. Сложности красиво искажены. Один персонаж навешивает на Брайтона, замаскированный под своего психически больного брата-близнеца, которого она сбила с толку своим шикарным парнем в бандитской драке. Все еще со мной? Диалог непослушный и знающий, но физическая клоунада приносит потрясающую невинную радость, которая достигает пика в безумной последовательности, где наш герой должен одновременно подать обед двум мастерам.PT

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Шуметь тихо (1986), Роберт Холман

Великолепный пример того, как писатель может создать пьесу, составив триптих из миниатюр. Холмен был воспитан в пацифистских традициях, и «Издавая тихий шум» рассматривает отдаленные последствия войны в трех случайных столкновениях. В первой, действие которой происходит на поле Кент в 1943 году, квакер с севера и раскованный лондонский эстет обсуждают причины, по которым они не сражаются.Во втором случае прибывает военно-морской офицер, чтобы рассказать матери о смерти ее сына во время Фолклендской войны. Действие третьего происходит в Шварцвальде в 1986 году. Английский рядовой, ушедший в самоволку со своим встревоженным восьмилетним пасынком, вступил в испытательное столкновение с богатой немецкой бизнес-леди, пережившей Холокост. Там потрясающая сцена, в которой она выводит маленького мальчика из его догматического мутизма своей повторяющейся, суровой настойчивостью, что он говорит «спасибо»; в конце концов, это воодушевляет, но не очень красиво. Письмо редкой чувствительности и совокупной силы.PT

Johan Persson

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Private Lives (1930), Noel Coward

Хотя он назвал ее «самой легкой из легких комедий», Private Lives - это пьеса Ноэля Кауарда, которую, несомненно, можно было бы сделать сохранить для потомков. Он написал это как средство передвижения для себя и Гертруды Лоуренс с неприличной скоростью. Действие пьесы сосредоточено на двух разведенных женщинах, которые через пять лет после разрыва сталкиваются друг с другом на балконах соседних отелей в первую ночь медового месяца со своими новыми супругами.Элегантно придуманное совпадение, за которым следует образец нагло перевернутых ожиданий: большинство комедий заканчиваются браком; этот начинается с благородной свадьбы, когда пара бесцеремонно бросает своих вторых партнеров и вместе сбегает в Париж. Элиот и Аманда - непостоянная эгоистичная пара, которая не может жить ни вместе, ни врозь. Антиромантическая комедия, пропитанная сексом (и романтикой): «Не придирайся к Сибилле». PT

Getty

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Ангелы в Америке (1990-93), Тони Кушнер

Удивительная пьеса Тони Кушнера с подзаголовком «Веселая фантазия на национальные темы», действие которой происходит в фильме «СПИД». кризис середины 1980-х годов при правой администрации Рональда Рейгана.Слово «СПИД» никогда не упоминалось президентом, и борьбе за лекарство мешало отсутствие признания со стороны правительства. В ответ Кушнер поместил геев в центр внимания в эпопее, показывающем, как они борются за свои личные и общественные судьбы. Это, однако, очень далеко от обычной «постановочной» игры с ее великолепными амбициями. Этот кусок бушует из Антарктиды и поврежденного озонового слоя в рай в стиле барокко, который покинул бог. Ангелы-пророки врезаются в потолки. Есть эпизоды «взаимных снов», в которых люди блуждают в фантазиях друг друга и выходят из них.Главный демон пьесы - один из величайших монстров драмы: неисправимый и бесстыдный Рой Кон был реальным республиканцем-наставником (и наставником молодого Дональда Трампа). PT

Хелен Мэйбэнкс

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Счастливые дни (1961), Сэмюэл Беккет

Женщина средних лет похоронена в холме земли сначала по пояс, а затем, после перерыва, вверх в шею. Это зрелище никогда не теряет своей способности пугать. Винни из Беккета треплетает, преследуя оптимизм («Это будет еще один счастливый день») в болтливой попытке предотвратить истерику и отчаяние по поводу ее посягающей судьбы.Отчасти раздражающий, отчасти героический, она рождает точечный лирический монолог, пронизанный благородными полузабытыми огоньками из «бессмертной» классики. Питер Холл, который поставил Пегги Эшкрофт в этой роли, справедливо заметил, что «театр Беккета - это не только слова, но и мимика и физическая точность». За исключением того, что его тексты великолепны, а этот невероятно превосходен. Процитирую Винни: «Что это за незабываемая фраза?» PT

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Путешествие долгого дня в ночь (1940), Юджин О Нил

Когда О'Нил описал «Путешествие долгого дня» как «игру старой печали, написанную кровью и кровью». слезы », - едва ли преувеличивал он.Эта грандиозная автобиографическая драма настолько сыровата и беспощадна в своих откровениях о его неблагополучной ирландско-католической семье, что автор оставил инструкции - к милосердию ослушавшиеся его вдовой - что пьеса должна была быть поставлена ​​только через 25 лет после его смерти. Вы можете понять трепет. «Путешествие долгого дня» глубоко погружает в истерзанное сердце Тайронов - Джеймса, известного актера, который продался до коммерческого успеха, его жены Мэри, которая недавно вновь впала в зависимость от морфия, и их двух сыновей.Когда пьеса проходит под управлением правильного режиссера, это все равно, что слушать перепросмотр в отличном музыкальном произведении. Вы выходите истощенным, но в состоянии приподнятого катарсиса. PT

Хьюго Глендиннинг

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Мальчики-историки (2004), Алан Беннетт

Гектор хочет научить мальчиков знаниям, которые продлятся им всю жизнь. Но директор стал одержим правительственными таблицами и нанял Ирвина, чтобы он научил их бойким приемам сдачи экзаменов.Это столкновение лежит в основе чрезвычайно популярного хита Алана Беннета. Он установлен на грамматике Йоркшира среди группы умных шестиклассников. Как и во многих других работах Беннета, вы можете различить структуру, напоминающую ревю, в великолепной последовательности пародий, приколов, песен и явной восторженной глупости. Но это также блестящий портрет учителя-индивидуума. Сцена, в которой обреченный Гектор анализирует стихотворение Харди «Барабанщик Ходж» со своим учеником Познером, является непревзойденным в драматургии примером гуманного обучения.У веселого, несчастного Познера есть лучшая шутка в пьесе: «Я еврей. Я маленький. Я гомосексуал. И я живу в Шеффилде. Я пиздец ». PT

Герайнт Льюис

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Целитель веры (1979), Брайан Фрил

Фрэнк Харди, странствующий ирландский целитель веры, его жена и его менеджер рассказывают четыре монолога, которые противоречат друг другу, оставляя аудитория подвергает сомнению правду и память, ложь и рассказывание историй. Фрэнк изо всех сил пытается понять свой «дар» и то, как его способность лечить приходит и уходит; «Целитель веры» - это также притча о художнике и его вдохновении.Спектакль провалился, когда он открылся на Бродвее, но с тех пор был признан современной классикой: в хорошем спектакле есть дрожащая сила. Письмо Фрила может быть ритмичным, колдовским, но в то же время великолепно тонким. Хотя Фрил на всем протяжении сохраняет решающую амбивалентность, пьеса приобретает своего рода трансцендентную грацию. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Джон (2015), Энни Бейкер

Пьесы этого американского писателя, как правило, длинные, медленные и до странности захватывающие.Трудно сказать, что именно делает Джона таким завораживающим. Он расположен в китчевом, набитом татуировками гестхаусе в Геттисберге, где сражающаяся молодая пара общается с тошнотворной домовладелицей и ее слепым, но дальновидным другом. В доме живут привидения: жуткие куклы и пианино сами начинают играть. Но его также не покидает история (это был госпиталь гражданской войны) и воспоминания пожилых женщин о любви, привидениях и их собственном мистическом опыте. Все это немного пугающе, но довольно эмоционально.Бейкер также очень хорошо разбирается в умирающих отношениях пары миллениалов, что позволяет взглянуть на то, как часто женщинам приходится поддерживать мужские мифы, чтобы утолить свой голод. HW

Стивен Каммиски

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Трамвай «Желание» (1947), Теннесси Уильямс

От «Я всегда зависел от доброты незнакомцев» до «Стеллаааааа» пьеса Уильямса вошла в список самых популярных пьес. народное сознание. Как и возможно: в его темах утраты, старения и лжи, которой мы живем, есть что-то вечное.Страх и похоть соприкасаются друг с другом в поту; немногие другие писатели уловили жар Юга, как Уильямс, и это драматург в его самой атмосферной форме. Бланш Дюбуа - обманчивая южная красавица, которая живет вместе со своей сестрой и своим жестоким мужем-мачо - для актрисы - вершина вершины, и все, от Вивьен Ли до Таллулы Бэнкхед, от Кейт Бланшетт до Джиллиан Андерсон, попробовали. HW

40 величайших когда-либо написанных пьес

Орестея (458 г. до н.э.), Эсхил

Единственная сохранившаяся полная трилогия греческих трагедий, через Агамемнона, Носителей возлияния и Эвменида Эсхил прослеживает влияние насилия и мести Королевская семья, бросающая резкий удар по вопросам справедливости и долга.Чтобы выиграть Троянскую войну, Агамемнон принес в жертву свою дочь; трилогия открывается пьесой, в которой его жена Клитемнестра убивает его, чтобы отомстить за смерть своей дочери. В «Несущих возлияния» сын Клитемнестры Орест убивает ее в отместку (если Антигона - трагедия, потому что это конфликт между добром и правильным, это, возможно, столкновение между неправильным и неправильным). Цикл прерывается в Евмениде, где боги образуют суд, чтобы судить Ореста. Это сочный, мясистый, высокооктановый материал - и он был представлен как в версии в маске Питера Холла на National в 1981 году, так и в свежей современной адаптации Роберта Айка в 2015 году.HW

Мануэль Харлан

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Черное дно Ма Рейни (1989), Август Уилсон

Часть цикла драматурга, изучающего афроамериканский опыт в Америке 20-го века - пьеса на каждое десятилетие - действие этой главы происходит в чикагской студии звукозаписи в 1927 году. Ма Рэйни, «мать блюза», не спешит записывать какие-то мелодии. Вместо этого мы наблюдаем, как ее группа убивает время и спорит друг с другом. Хотя все это приземляется как бабочка, сценарий затрагивает такие темы, как амбиции и расовые отношения.Ма Рейни, когда приходит, оказывается, чего стоит ждать: безмерное надменное присутствие. Ближе к концу есть поворот, придающий игре изюминку - плюс, конечно, отличные мелодии. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Кукольный домик (1879), Хенрик Ибсен

Ибсен написал великих женщин: мы могли бы пойти на Хедду Габлер. Но «Кукольный домик» - одна из пьес большого значения: написанная в 1879 году, это прото-феминистский текст. Когда наша обеспокоенная героиня Нора хлопает дверью в конце спектакля, это касается не только ее покровительственного мужа, но и всего Патриархата.В пьесе некоторых шокировала роль женщины, отчаявшейся из-за удушающей домашней обстановки, что она бросает своих детей и мужа, предпочитая свободу и самореализацию домашней тюрьме. Конечно, с тех пор для женщин все изменилось, но эта исключительно контролируемая игра по-прежнему разворачивается идеально - и этот удар по-прежнему находит отклик. HW

ИОГАН ПЕРССОН

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Чайка (1895), Антон Чехов

Вы действительно могли бы обосновать любую из пьес Чехова (мы почти пошли на его раннего развлекательного Платонова, просто чтобы быть другим), но ясность Чайки побеждает.В нем больше сюжета, чуть меньше скуки, чем в некоторых других его произведениях: молодой человек Константин мечтает стать драматургом; его самовлюбленная мать Аркадина - актриса - увлечена своим новым парнем, Тригорином, успешным писателем. Он, в свою очередь, заводит романы с Ниной, девушкой Константина и начинающей актрисой. Не будет большим спойлером сказать, что ни одна из их мечтаний в точности не сбылась, жизнь доказывала их бесконечно, изысканно разочаровывая. «Чайка» - это едкая комедия: сцены, поражающие как чудовищное эго Аркадины, так и попытки ее сына заниматься авангардным искусством, являются одними из лучших произведений театра о театре за всю историю.Но есть и невыносимая нежность в изображении в пьесе юной любви, надежды и идеализма. HW

Бен Карпентер

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Материнское мужество и ее дети (1939), Бертольт Брехт

Немногие драматурги 20-го века оказали такое влияние на театр, как Брехт: он хотел, чтобы искусство было политическим инструментом, а не развлечением для бегства от реальности, но также произвел революцию в театральной форме и стиле, покончив с натурализмом.Но это может означать, что его «эпический театр» по-прежнему ассоциируется с дидактикой, а не с драмой. Не то чтобы Мать Храбрость, которая эпична в обоих смыслах: написанная после того, как Гитлер вторгся в Польшу, но действие которой происходит во время Тридцатилетней войны, это мощная история попыток одной матери нажиться на конфликте, и война огромных затрат всегда берет в конце концов. HW

Скотт Риландер

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Медея (431 г. до н.э.), Еврипид

Основанная на греческом мифе, в котором Медея убивает своих детей, чтобы отомстить неверному мужу, эта трагедия не потеряла ни одного из его сила - или сила шока.Но текст допускает и более сочувственное прочтение Медеи, как женщины, борющейся за справедливость в несправедливом мире. С монументальной главной партией и хором, который реагирует и комментирует действие, пьеса всегда была одной из самых популярных греческих трагедий. Напряженные и напряженные, вы видите приближающийся ужас, но чувствуете себя отчаянно вынужденным взглянуть. HW

Rex Features

40 величайших когда-либо написанных пьес

Frozen (1998), Bryony Lavery

Мать убитого ребенка.Ее заключенный в тюрьму убийца-педофил. Психолог-преступник пытается понять, что его побудило к этому. Сперва монологи, а затем диалоги, эта современная классика может многое сказать о крайностях человеческих страданий, но также и о нашей способности к изменениям и прощению. Это мрачная и тернистая, но в то же время глубоко гуманная работа плодовитого британского писателя в ее лучших проявлениях. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Важность быть серьезным (1895), Оскар Уайльд

Были ли когда-нибудь такие действительно восхитительные комедии? Невероятный сюжет о запутанных помолвках, потерянных сумочках, выдуманных злых родственниках и настоящих чудовищных тетках работает как часы.Есть бесчисленное количество блаженных острот, персонажи - восхитительные придурки из высшего общества, и на каждом шагу Уайльда есть прекрасные старые добрые времена, колющие социальные тонкости. Это веселая и забавная пена, и она всегда приглашает на грандиозные представления. Из-за того, что он был таким прибыльным, пьеса Уайльда, безусловно, была чрезмерно инсценирована, и теперь она кажется совершенно несрочной, а затем снова заставляет вас смеяться. HW

Энтони Девлин / PA

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Бент (1979), Мартин Шерман

Мучительная игра Шермана вырывает почву из-под вас.Вы инвестируете в отношения между Максом и Руди, декадентской парой геев из Берлина в 1934 году - но после Ночи длинных ножей они бегут, прежде чем их поймают и отправят в Дахау. По пути желание Макса выжить порождает тошнотворное предательство. Он скорее притворяется евреем, чем геем, но в лагере встречает Хорста, человека, который проявляет честь быть верным самому себе. Есть удивительная сцена, где - запрещено прикасаться - они занимаются сексом исключительно на словах. Первоначально Маккеллен играл Макса, но Ричард Гир и Алан Каммингс также взяли на себя роль в том, что сейчас считается оригинальным текстом для геев, который доказывает, что правда и любовь могут расцвести в самых ужасных и безнадежных обстоятельствах.HW

40 величайших пьес, когда-либо написанных. группа осужденных в австралийской исправительной колонии, поставившая спектакль по пьесе Джорджа Фаркухара «Вербовщик». В нем весело выдвигать претензии на театр, но в конечном итоге он используется как средство для разговора о сочувствии, общении и понимании, поскольку отношения между оскорбленными заключенными и жестокими офицерами тают.Прямой рассказ с огромным сердцем. HW

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Эффект (2012), Люси Преббл

Люси Преббл сделала себе имя на ENRON, обозначив высокомерие финансового гиганта, но, хотя это может быть менее кричащим, Эффект все еще ослепительно хорошо. В его основе лежит вопрос, на который мы все хотели бы знать ответ: что такое любовь? В пьесе рассказывается о двух добровольцах, участвующих в клинических испытаниях нового антидепрессанта; когда они влюбляются друг в друга, они задаются вопросом, настоящая ли их любовь или побочный продукт.А учитывая, что все взаимодействия в мозге чисто химические, имеет ли это значение? Идеи о том, что действительно реально и что действительно романтично, что такое счастье и какую функцию может иметь несчастье, перевернуты собственным очень острым умом Преббла. С ее персонажами весело проводить время, ее диалоги динамичны, но она также глубоко погружается как в научные теории, так и в человеческие эмоции, уводя нас от серых минимумов депрессии к разноцветным максимумам новой любви. HW

Герайнт Льюис

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Иерусалим (2009), Джез Баттерворт

Трудно отделить эту пьесу от анимационного оригинального спектакля великого Марка Райлэнса, сыгравшего Джонни «Петуха» Байрон - дикий неудачник, живущий в фургоне в лесу в сельской местности Англии, собирающий к себе местную молодежь, как какой-то крысолов, питающийся выпивкой и наркотиками.Такое краткое изложение может показаться безвкусным, но действие происходит в День Святого Георгия и наполнено рассказами Петуха, оно обладает мистическим, мистическим характером. Шоу о состоянии нации, основанное на брио, направленном против истеблишмента, оно также точно передает современное сельское сообщество (очень ругательное и очень забавное). Иерусалим стал смехотворно большим хитом, зрители разбили лагерь возле театра в поисках билетов. Но недавнее возрождение предполагает, что пьеса все еще может кукарекать, кто бы ни играл Петуха. HW

Саймон Аннанд

40 величайших когда-либо написанных пьес

Дуб (2005), Тим Крауч

Что делает пьесу великой? Многие критики, ученые и драматурги сами укажут на создание соответствующего контента.В этом блестяще умная игра Тима Крауча действительно хороша, но в то же время очень трогательна. Сценический гипнотизер встречает отца девушки, которую он убил в автокатастрофе. Отец искренне верит, что его дочь превратилась в дуб. На каждом спектакле отца играет актер, который никогда раньше не видел и не читал пьесу; им дают сценарий или кормят реплики - да - гипнотизер (которого первоначально играл сам Крауч, также признавший свою «настоящую» роль драматурга).Актер преображается перед нами; мы принимаем, что теперь они отец. Дуб обладает радикальной честностью, что сделало его очень влиятельным среди молодого поколения. Мы всегда знаем, что театр «ненастоящий» - если мы в шутку признаем это, эмоциональное воздействие будет на самом деле усилено. Это волшебный трюк, понимание которого только делает магию более реальной. HW

Нина Урбан

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Сизве Банси мертв (1972), Атол Фугард

Атол Фугард пришел к выводу, что праведный гнев дидактической драмы против апартеида не так эффективен, как подрывная смех черных поселков, когда дело дошло до преодоления суровых условий там.Конечно, нет ничего морализирующего или торжественного в этом произведении, созданном Фугардом из импровизаций с великими Джоном Кани и Уинстоном Нтоша, первыми его исполнившими. Озорная история о лохматой собачке, затягивает публику в атмосферу добродушного общения. Сизве - ищущий работу в Порт-Элизабет, не может устроиться на работу, потому что у него нет разрешения. Оказывается, он нашел пропуск у мертвеца и подставил свою фотографию, убив Сизве Банси. Обманчиво легкая и гуманная пьеса, пережившая эпоху апартеида.PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Чистилище в Ингольштадте (1924) / Пионеры в Ингольштадте (1928), Марилуиза Флейссер

Марилуиза Флейссер, автор этих крайне запущенных пьес, была любовницей, протеже и жертвой Бертольд Брехт, а ее подданным был город ее рождения в Нижней Баварии. В пьесах используется смелая техника коллажа вместо линейного повествования, и она глубоко проникла в суть ее порочного менталитета стаи и конформистской клаустрофобии.В «Чистилище» она пробуждает удушающий католический этос: мы видим двух очень разных повстанцев (одна девушка тщетно пытается сделать аборт), которые страдают от унижения, заставляя ползти обратно в стаю. Брехт эффективно похитил ее вторую пьесу «Пионеры» (о контакте между жителями и приехавшим отрядом строителей мостов). Он навязал явный антимилитаризм и сенсационный секс, и Флейссера объявили предателем немецкой женственности. Стивен Долдри и Энни Кастлдайн поставили превосходную версию этих пьес в крошечном театре Gate в 1991 году.С каких пор ничего. Пора отдать ей должное. PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Копенгаген (1998), Майкл Фрейн

Как ни соблазнительно включить возвышенно смешной закулисный фарс Майкла Фрейна «Отключи шум», более серьезный «Копенгаген» просто бросается в глаза. Он представляет собой реальную встречу физиков-ядерщиков датчанина Нильса Бора и немца Вернера Гейзенберга в Копенгагене в 1941 году для обсуждения событий, которые приведут к созданию атомной бомбы. Затем он переосмысливает встречу и переосмысливает ее снова - в конце концов, никто на самом деле не знает, что произошло.Предупреждает ли Гейзенберг своего старого друга об успехах нацистов в области ядерного оружия? Надеетесь на взаимный пакт по предотвращению атомной бомбы? Ищете отпущения грехов? Глядя на ненадежность памяти, структура пьесы Фрейна искусно оживляется научными идеями, обсуждаемыми его персонажами: принцип неопределенности Гейзенберга - основа его драматической формы. Большой успех, когда он открылся в National, он прошел в Вест-Энд на Бродвее - и попал на телевидение с Дэниелом Крейгом в главной роли. HW

Конрад Блейкмор

40 величайших когда-либо написанных пьес

Blasted (1995), Сара Кейн

Эта пьеса произвела настоящий театральный взрыв.Дебют Сары Кейн, написанный в то время, когда она была студенткой, показывает неприятного журналиста из таблоидов, который скрывался в отеле в Лидсе с женщиной гораздо более молодого возраста, которую он изнасиловал. Мир пьесы - и его обычная театральная форма - затем разрывается на части, превращаясь в зону боевых действий: врывается солдат, раздаются взрывы, и разворачиваются короткие сцены мрачного ужаса (сценические постановки включают «он ест ребенка»). «Blasted», известное как «отвратительный праздник грязи», был воспринят критиками как ребяческая попытка шокировать и назван классическим примером провокационного театра «в лицо» девяностых.Но с тех пор он стал каноническим. Кажется, что оно не стареет: сочинения Кейна обладают ужасающей яркой энергией, и зверства, которые они изображают, удручающе обретают новый резонанс для каждого поколения, которое их обнаруживает. HW

Марк Дуэ

40 величайших когда-либо написанных пьес

La Dispute (1744), Пьер де Мариво

Кто совершил первую неверность? Был ли это мужчина или женщина? (Можете поспорить, что это был человек, который первым подумал об этом похотливом вопросе.) Суд в мрачной комедии Мариво считает, что он создал правильные лабораторные условия для поиска ответа.Четверо подростков были воспитаны в полном одиночестве, а затем были выпущены в компанию друг друга, где их встречи стали «самым оригинальным развлечением» для невидимого принца и его невесты. Спектакль наглядно показывает, как легко превратить сцену в экспериментальный чистый лист. Но это кажется немного извращенным - идея Просвещения о реалити-шоу. Мариво прекрасно понимает возражения. В декоре его произведений в стиле рококо скрыты бритвенные лезвия. PT

40 величайших когда-либо написанных пьес

Генрих IV (1922), Пиранделло

Легко заставить Пиранделло походить на запредельно интеллектуального писателя.Всю свою жизнь он играл в хитрые игры с философскими проблемами, такими как обманчивость идентичности. Но его целью было «превратить интеллект в страсть», и его лучшие работы преуспевают в этом. «Генрих IV» повествует о безумии, видимости безумия и последствиях решения попасть в ловушку видимости безумия. Главный герой - итальянский дворянин, который падает с лошади на театрализованном представлении и приходит в себя, убежденный, что он средневековый немецкий император. В течение 20 лет ему позволяли жить этой иллюзией в сопровождении лакеев в старинных костюмах.Но теперь приходит посольство, стремящееся «шокировать» его этой идеей фиксации. Ричард Харрис и Иэн МакДиармид были последней парой, сыгравшей Генри в Вест-Энде, и они наслаждались возможностью переплести тоскливость и грубую боль, которые требуются для этой роли. Трудное положение центрального персонажа кажется скорее трагикомическим, чем надуманным. PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных. спектакль в Вест-Энде чернокожей британки - до прошлого года с «Девятью ночью» Наташи Гордон).«Изюм на солнце» смотрит на Младших, афроамериканскую семью, живущую в бедности в Чикаго, мечтающую о лучшей жизни - и опасающуюся, что их мечты превратятся в «изюм на солнце». Мучительная драма Хэнсберри демонстрирует ту же мощь, что и пьеса Артура Миллера, показывая, как обстоятельства могут разрушить надежду. Тем не менее, его обсуждение идентичности чернокожих продолжается и сегодня - и эмоциональный удар, который несет в себе сценарий Хэнсберри, на протяжении десятилетия привлекал громкие имена: в премьере снялся Сидни Пуатье, и все, от Дензела Вашингтона до Пи Дидди, тоже получили трещину.Хэнсберри умер всего в 34 года; Невозможно не задаться вопросом, какие еще пьесы она могла бы сыграть в этом списке. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Далеко (2000), Кэрил Черчилль

Кэрил Черчилль называли Пикассо современных драматургов. Сегодня, в возрасте 80 лет, британский драматург продолжает удивительным образом изобретать себя заново. «Далеко» - это запутанная сказка, демонстрирующая ее несравненный дар сочетать апокалиптическое и фантастическое.Действие игры разворачивается в трех крутых эпизодах. В первом Джоан расспрашивает тетю о том, чему она только что случайно стала свидетельницей. Похоже, она заметила кровавый акт этнической чистки. Затем спектакль перерастает в мрачно-веселое видение космической войны. Партизанская жестокость теперь распространилась от людей на животный и минеральный мир. «Кошки перешли на сторону французов», - серьезно говорит кто-то. Кто-то говорит, что «естественная доброта оленей проявилась». Это характерно для Черчилля, который нашел блестящий абсурдистский способ атаки на пагубный миф о том, что существует простое разделение между добродетелью и злом, «ими» и «нами».Кусочек гения. PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Аркадия (1993), Том Стоппард

Тома Стоппарда иногда обвиняют в том, что он весь голова, а не сердце - но эта пьеса доказывает обратное. Да, это умопомрачительный взгляд на науку и искусство, противопоставление рационального и романтического, а также мини-уроки теории хаоса, второго закона термодинамики и жизни лорда Байрона. Но здесь есть история любви и трагедия, которые в хорошо выверенном спектакле могут быть очень трогательными.Два этажа, расположенные в одном и том же загородном доме в 1809 году и в наши дни, пересекаются и в конечном итоге красиво пересекаются. Математическое теоретизирование предсказывает надежду, а также катастрофу для Вселенной, и история предлагает то же самое для ее персонажей. HW

Далеко (2000), Кэрил Черчилль

Кэрил Черчилль называют Пикассо современных драматургов. Сегодня, в возрасте 80 лет, британский драматург продолжает удивительным образом изобретать себя заново. Far Away - это запутанная сказка, демонстрирующая ее несравненный дар сочетать апокалиптическое и фантастическое.Действие игры разворачивается в трех крутых эпизодах. В первой Джоан, молодая девушка, которая не может заснуть, расспрашивает тетю о том, что она только что случайно увидела. Похоже, она заметила кровавый акт этнической чистки; женщина постарше неуклюже уклоняется. Затем серией сюрреалистических прыжков игра перерастает в мрачно-веселое видение космической войны. Партизанская жестокость теперь распространилась от людей на животный и минеральный мир. «Кошки перешли на сторону французов», - серьезно говорит кто-то.Кто-то говорит, что «естественная доброта оленей проявилась, это можно увидеть в их мягких карих глазах». Эта расширенная последовательность характерна для Черчилля, который нашел блестящий абсурдный способ атаки на пагубный миф, любимый политиками, о том, что существует простое разделение между добродетелью и злом, «ими» и «нами». Кусочек гения. Пол Тейлор

Blasted (1995), Сара Кейн

Этот спектакль был театральным взрывом. Дебют Сары Кейн, написанный в то время, когда она была студенткой, показывает неприятного журналиста из таблоидов, который скрывался в отеле в Лидсе с женщиной гораздо более молодого возраста, которую он изнасиловал.Мир пьесы - и его обычная театральная форма - затем разрывается на части, превращаясь в зону боевых действий: врывается солдат, раздаются взрывы, и разворачиваются короткие сцены мрачного ужаса (постановки включают «он ест ребенка»). « Blasted », известное как «отвратительный праздник грязи», был воспринят критиками как ребяческая попытка шокировать и назван классическим примером провокационного театра «в лицо» девяностых. Но с тех пор он стал каноническим. Кажется, что оно не стареет: сочинения Кейна обладают ужасающей яркой энергией, и зверства, которые они изображают, удручающе обретают новый резонанс для каждого поколения, которое их обнаруживает. Холли Уильямс

Джульетт Бинош в роли Антигоны в Барбакане

(EPA)

Антигона (441 г. государство и наш долг перед родственными узами. Антигона бросает вызов своему дяде Креону, новому правителю Фив, похоронив своего брата Полиника. Он собрал армию против своего родного города, и Креон в это политически нестабильное время хочет, чтобы его труп был оставлен собакам в качестве образцового осквернения.Философ Гегель видел в этом квинтэссенцию истинной трагедии: не конфликт между добром и злом, а между добром и правом. Фактически, в наши дни постановки склоняются в пользу Антигоны и ее самоотверженной непримиримости. Пьеса адаптирована для многих современных контекстов, включая Северную Ирландию и Южную Африку. P

Ma Rainey's Black Bottom (1982), Август Уилсон

Часть цикла драматурга, посвященная афроамериканскому опыту в Америке 20-го века - пьеса для каждого десятилетия - действие этой главы происходит в Чикаго. Студия звукозаписи в 1927 году.Ма Рейни, «мать блюза», не спешит записывать какие-то мелодии. Вместо этого мы наблюдаем, как ее группа убивает время и спорит друг с другом. Хотя все это приземляется как бабочка, сценарий затрагивает такие темы, как амбиции и расовые отношения. Ма Рейни, когда приходит, оказывается, чего стоит ждать: безмерное надменное присутствие. Ближе к концу есть поворот, придающий игре изюминку - плюс, конечно, отличные мелодии. HW

Bent (1979), Мартин Шерман

Грозовая игра Шермана вырывает коврик из-под вас.Вы инвестируете в отношения между Максом и Руди, декадентской парой геев из Берлина в 1934 году - но после Ночи длинных ножей они бегут, прежде чем их поймают и отправят в Дахау. По дороге желание Макса выжить приводит к отвратительному предательству. Он скорее притворяется евреем, чем геем, но в лагере встречает Хорста, человека, который проявляет честь быть верным самому себе. Есть удивительная сцена, где - запрещено прикасаться - они занимаются сексом исключительно на словах. Первоначально Маккеллен играл Макса, но Ричард Гир и Алан Каммингс также взяли на себя роль в том, что сейчас считается оригинальным текстом для геев, который доказывает, что правда и любовь могут расцвести в самых ужасных и безнадежных обстоятельствах. HW

Энди Крайер, Ховард Чедвик и Крейг Торнбер в «Правительственном инспекторе» в «Янг Вик», 2012 г.

Правительственный инспектор (1836 г.), Николай Гоголь

В великой безумной и безумной фантазии Гоголя Клерк, только что прибывший из Санкт-Петербурга, ошибочно принимается за одноименного инспектора, действующего под прикрытием, коррумпированным мэром и чиновниками этого провинциального городка. Паника из-за возможности разоблачения заставляет этих параноидальных местных жителей проецировать ложную личность на этого незнакомца.Это было бы достаточно хорошей шуткой. Гоголь же придает ему вдохновенный поворот. Оказывается, что его ничтожное ничтожество движет такой же страх быть признанным одним из неудачников жизни. Поэтому, когда он вспоминает их эксплуатируемую ошибку, он рассматривает их абсурдное уважение (не говоря уже об их взятках) как давно назревшее признание его истинной ценности и с помпезностью разносится по воздуху. Комический бред в этом русском шедевре - это взаимосвязанные безумия. PT

Old Times (1971), Гарольд Пинтер

Одна из самых запоминающихся и пугающих работ Пинтера.Супружеская пара Кейт и Дили играют в игры власти и собственничества с бывшей соседкой жены, Анной, которая приезжает в гости впервые за 20 лет. Произведение ужасно озабочено тем, как люди используют выборочные - и, возможно, придуманные - воспоминания в качестве оружия или способа одержать верх. В этом понимании мы создаем воспоминания в ответ на психологические потребности момента: «Есть вещи, которые я помню, которые, возможно, никогда не произошли». Дили находится под угрозой из-за юных отношений Анны с женой, и его сильно влечет к новичку.Это прекрасное воспоминание о взбалмошном Лондоне, когда девушки жили секретаршами и (возможно) одалживали друг у друга нижнее белье, но непростая комедия всего этого становится смертельной. PT

Доступ к неограниченному потоковому воспроизведению фильмов и телешоу с Amazon Prime Video Зарегистрируйтесь сейчас на 30-дневную бесплатную пробную версию

Зарегистрируйтесь

Чистилище в Ингольштадте (1924) / Пионеры в Ингольштадте (1928) ), Marieluise Flei ß er

Автором этих сильно заброшенных пьес была возлюбленная, протеже и жертва Бертольда Брехта, а ее героем был город ее рождения в нижней части Баварии.В пьесах используется смелая техника коллажа вместо линейного повествования, и она глубоко проникла в суть порочного менталитета городской стаи и конформистской клаустрофобии. В Purgatory она пробуждает удушающий католический этос: мы видим двух очень разных повстанцев (одна девушка тщетно пытается сделать аборт), которые страдают от унижения, когда вынуждены возвращаться к стае. Брехт эффективно захватил ее вторую пьесу Pioneers (о контакте между жителями и приехавшим отрядом строителей мостов).Он навязал открытый антимилитаризм и сенсационный секс, и Флайсер был осужден как изменник немецкой женственности. Стивен Долдри и Энни Кастлдайн поставили великолепную версию этих пьес в крошечном театре Gate в 1991 году. С тех пор ничего. Пора отдать ей должное. PT

Хэтти Морахан в «Перевертыше» в театре Сэма Ванамакера, 2015

Перевертыш (1622), Томас Миддлтон / Уильям Роули

Лучшая якобинская трагедия за пределами Шекспира,

09 - Подмена в соавторстве с Миддлтоном и Роули - тоже, кажется, предвосхищает фильм-нуар.Героиня нанимает подозрительного типа, чтобы тот сбил своего жениха. У этого злодея есть обезображивание, но в пьесе видно, насколько извращенно мы привлекаем то, что нас отталкивает. Убийца требует ее девственности, поскольку его кровавые деньги и скатывание в призрачную порчу становятся неумолимыми. В сумасшедшем доме есть дополнительный сюжет, задуманный как искаженное зеркало главного действия в его одержимости маскировкой, безумием и сексом. Вы чувствуете, что если бы уродства не существовало, нам пришлось бы изобрести его, чтобы удовлетворить свои желания. PT

Добро нашей страны , Тимберлейк Вертенбейкер (1988)

Ах, преобразующая сила театра ... Эта знакомая идея неотразимо доказана часто возрожденной пьесой Вертенбакера, основанной на реальных событиях. осужденные в австралийской исправительной колонии, поставившие спектакль Джорджа Фаркухара The Recruiting Officer . В нем весело выдвигать претензии на театр, но в конечном итоге он используется как средство для разговора о сочувствии, общении и понимании, поскольку отношения между оскорбленными заключенными и жестокими офицерами тают.Прямой рассказ с огромным сердцем. HW

Мишель Терри в роли Гамлета и Кэтрин Аарон в роли Горацио в «Гамлете» на земном шаре, 2018

(Тристрам Кентон)

Гамлет (1599-1602), Уильям Шекспир

Пьеса прорывы. Заранее в елизаветинской драме было много монологов. Но никто никогда не разговаривал с такой аудиторией, как Гамлет. Он не просто впускает вас в свою уверенность, он впускает вас в свое сознание; лучшие образы заставляют почувствовать себя с этой фигурой душа к душе.Именно его способность к самоанализу мешает и дисквалифицирует Гамлета как героя мести: он довольно чудесно ошибается. И, как и его главный герой, Гамлет блестяще саморефлексивен, постоянно исследуя собственную театральность. Сознание Клавдия проверяется игрой внутри пьесы; Гамлет пытается обмануть суд, принимая «античный нрав», который временами может переходить в подлинное безумие. Почему Король Игроков может притворяться слезами из-за вымышленной смерти, а Гамлет остается таким бессильным перед лицом кончины своего настоящего отца? Пьеса похожа на мучительную медитацию на противоречивые значения глагола «действовать» - притворяться и вмешиваться.Неиссякаемый. PT

Генрих IV (1922), Луиджи Пиранделло

Пиранделло легко заставить звучать как запредельно умный писатель. Всю свою жизнь он играл в хитрые игры с философскими проблемами, такими как обманчивость идентичности. Но цель итальянского писателя состояла в том, чтобы «превратить интеллект в страсть», и его лучшие произведения преуспевают в этом. Генрих IV - это безумие, видимость безумия и последствия решения попасть в ловушку видимости безумия.Главный герой - итальянский дворянин, который падает с лошади на театрализованном представлении и приходит в себя, убежденный, что он средневековый император Германии. В течение 20 лет ему позволяли жить этой иллюзией в сопровождении лакеев в старинных костюмах. Но теперь приходит посольство, стремящееся «шокировать» его этим idee fixe . Ричард Харрис и Иэн МакДиармид были последней парой, сыгравшей Генри в Вест-Энде, и они наслаждались возможностью переплести тоскливость и грубую боль, которые требуются для этой роли.Трудное положение центрального персонажа кажется скорее трагикомическим, чем надуманным. PT

A Raisin in the Sun (1959), Lorraine Hansberry

Эта пьеса вошла в историю: первая на Бродвее, написанная чернокожей женщиной (к сожалению, в Великобритании не было бы эквивалента - пьесы в Вест-Энд чернокожей британкой - до прошлого года с Наташей Гордон Девять ночей ). Изюм на солнце смотрит на Младших, афроамериканскую семью, живущую в бедности в Чикаго, мечтающую о лучшей жизни - и опасающуюся, что их мечты превратятся в «изюм на солнце».Мучительная драма Хэнсберри демонстрирует ту же мощь, что и пьеса Артура Миллера, показывая, как обстоятельства могут разрушить надежду. Тем не менее, его обсуждение идентичности чернокожих продолжается и сегодня - и эмоциональный удар, который дает сценарий Хэнсберри, привлек громкие имена на протяжении всего десятилетия: Сидни Пуатье сыграл главную роль в премьере, и с тех пор все, от Дензела Вашингтона до П. Дидди, получили трещину. Хэнсберри умер всего в 34 года; Невозможно не задаться вопросом, какие еще пьесы она могла бы иметь в качестве претендентов на этот список. HW

Рошель Нил и Таня Муди в фильме «Интимная одежда» в Park Theater, 2014

Интимная одежда (2003), Lynn Nottage

Американский драматург, получивший Пулитцеровскую награду, драматизировал бедственное положение конголезской женщины. (в ее пьесе 2007 года Riot ) и промышленных беспорядках в маленьком городке Америки (в Sweat с 2015 года). В этой прекрасной более ранней работе она исследует историю своей прабабушки в Нью-Йорке начала 20 века.Эстер - черная швея, незамужняя и неграмотная, она шьет восхитительно красивые платья для других женщин, которые они надевают в свои брачные ночи. Она получает последний шанс на счастье, но он теряется в обстоятельствах, которые никогда не вызывают сентиментальности. Пьеса проницательно забавляет то, как работа Эстер приводит ее в контакт с широким кругом людей (от скучающей, несчастной замужней светской львицы на Пятой авеню до веселой проститутки) и осторожна в отношении компромиссов, на которые идут ее клиенты, и несправедливости, которую они придерживаются.Чувственное ощущение тонкой ткани (ее средства поддержки и самовыражения) передано с великолепной описательной силой. Intimate Apparel удается поднимать настроение, не теряя при этом своего непочтительного юмора. PT

Дуб (2005), Тим Крауч

Что делает игру отличной? Многие люди выступают за соответствие формы содержания. В этом действительно убедительна блестящая пьеса британского театрального режиссера Тима Крауча. Сценический гипнотизер встречает отца девушки, которую он убил в автокатастрофе.Отец искренне верит, что его дочь превратилась в дуб. На каждом спектакле отца играет актер, который никогда раньше не видел и не читал пьесу; им дают сценарий или кормят реплики - да - гипнотизер (которого первоначально играл сам Крауч, также признавший свою «настоящую» роль драматурга). Актер преображается перед нами; мы согласны с тем, что теперь они являются отцами (а среди отцов на протяжении многих лет были Майк Майерс, Тоби Джонс, Фрэнсис МакДорманд и даже Аланис Мориссетт). Дуб обладает радикальной честностью, которая сделала его очень влиятельным. Мы всегда знаем, что театр «ненастоящий» - если мы в шутку признаем это, эмоциональное воздействие будет на самом деле усилено. Это волшебный трюк, понимание которого только увеличивает магию. HW

Сизве Банси мертв (1972), Атол Фугард

Атол Фугард пришел к выводу, что праведный гнев дидактической драмы против апартеида не так эффективен, как подрывной смех черных городков, когда он пришел к тому, чтобы пережить суровые условия там.Конечно, нет ничего морализирующего или торжественного в этом произведении, созданном в 1972 году и разработанном Фугардом на основе импровизаций с великими Джоном Кани и Уинстоном Нтшона, первыми его исполнившими. Озорная история о лохматой собачке, затягивает публику в атмосферу добродушного общения. Сизве - ищущий работу в Порт-Элизабет, не может устроиться на работу, потому что у него нет разрешения. Оказывается, он нашел пропускную книжку мертвеца и подставил свою фотографию, убив Сизве Банси и назвав себя Робертом Звелинзимой.Как он относится к этому административному возрождению? Осторожно. Когда ему сказали, что с ним все будет в порядке, если он сможет избежать неприятностей, он отвечает, что в конце концов его обнаружат, потому что, в конце концов, «наша кожа - проблема». Обманчиво легкая и гуманная пьеса, пережившая эпоху апартеида. PT

Джиллиан Андерсон в фильме «Трамвай под названием Desire» на Young Vic, 2015 (Йохан Перссон)

Трамвай под названием Desire (1947), Теннесси Уильямс

Из «Я всегда зависел от доброта чужих »к« Стеллаааааа »пьеса Уильямса вошла в массовое сознание.Как и возможно: в его темах утраты, старения и лжи, которой мы живем, есть что-то вечное. Страх и похоть соприкасаются друг с другом в поту; немногие другие писатели уловили жар Юга, как Уильямс, и это драматург в его самой атмосферной форме. Бланш Дюбуа - обманчивая южная красавица, которая живет вместе со своей сестрой и своим жестоким мужем-мачо - для актрисы - вершина вершины, и все, от Вивьен Ли до Таллулы Бэнкхед, от Кейт Бланшетт до Джиллиан Андерсон, попробовали. HW

Эффект (2012), Люси Преббл

Люси Преббл сделала себе имя с ENRON , обозначив высокомерие финансового гиганта, но, хотя он может быть менее ярким, Эффект ослепительно хорошо. В его основе лежит вопрос, на который мы все хотели бы знать ответ: что такое любовь? В пьесе рассказывается о двух добровольцах, участвующих в клинических испытаниях нового антидепрессанта; когда они влюбляются друг в друга, они задаются вопросом, настоящая ли их любовь или побочный продукт.А учитывая, что все взаимодействия в мозге чисто химические, имеет ли это значение? Идеи о том, что действительно реально и что действительно романтично, что такое счастье и какую функцию может иметь несчастье, перерабатываются собственным очень острым умом Преббла. С ее персонажами весело проводить время, ее диалоги динамичны, но она также глубоко погружается как в научные теории, так и в человеческие эмоции, уводя нас от серых минимумов депрессии к разноцветным максимумам новой любви. HW

Чайка (1895), Антон Чехов

Можно было бы обосновать любую пьесу Чехова (мы чуть не пошли на его ранний, развлекательный Платонов , просто для отличия), но прозрачность Побеждает Чайка .В нем больше сюжета, чуть меньше скуки, чем в некоторых других его произведениях: молодой человек Константин мечтает стать драматургом; его самовлюбленная мать Аркадина - актриса - увлечена своим новым парнем, Тригорином, успешным писателем. Он, в свою очередь, заводит романы с Ниной, девушкой Константина и начинающей актрисой. Не будет большим спойлером сказать, что ни одна из их мечтаний в точности не сбылась, жизнь доказывала их бесконечно, изысканно разочаровывая. «Чайка» «» временами является едкой комедией: сцены, поражающие как чудовищное эго Аркадины, так и попытки ее сына заниматься авангардным искусством, являются одними из лучших фрагментов театра о театре за всю историю.Но есть также почти невыносимая нежность в изображении в пьесе юной любви, надежды и идеализма. HW

Пенелопа Кейт и Ребекка Найт в фильме «Как важно быть серьезным» в Театре Водевиль, 2009

(Энтони Девлин / Пенсильвания)

Важность серьезности (1895), Оскар

Была ли когда-нибудь такая по-настоящему восхитительная комедия? Невероятный сюжет о запутанных помолвках, потерянных сумочках, выдуманных злых родственниках и настоящих чудовищных тетках работает как часы.Есть бесчисленное количество блаженных острот, и на каждом шагу Уайльд как-то по-старому придирается к социальным тонкостям высшего класса. Это веселая и забавная пена, и она всегда приглашает на грандиозные представления. Из-за того, что у него очень много денег, пьеса Уайльда, безусловно, была преувеличена, и теперь она кажется совершенно несрочной - до тех пор, пока снова не заставит вас смеяться. HW

Один человек, два хозяина (2011), Ричард Бин

Британский драматург Ричард Бин вдохновился идеей транспонировать комедию дель арте Гольдони 18 века шум Слуга двух господ из Венеция в Брайтон в 1963 году.Наш герой-мальчишка, отчаянно пытающийся удержать пару рабочих мест, без ведома ни одного из боссов, - неудачный игрок в скиффл. Атмосфера - это Джо Ортон, знакомый с фильмами «Продолжение». Сложности красиво искажены. Один персонаж навешивает на Брайтона, замаскированный под своего психически больного брата-близнеца, которого она сбила с толку своим шикарным парнем в бандитской драке. Все еще со мной? Диалог непослушный и знающий: «Это 1963 год, папа, ты не можешь заставить меня выйти замуж за мертвого гомосексуалиста». Но в физической клоунаде есть потрясающая невинная радость, которая достигает пика в безумной сцене, где нашему герою приходится одновременно подавать обед двум хозяевам, «которому помогает» неизлечимо непослушный восьмидесятилетний официант. PT

Кукольный дом (1879), Хенрик Ибсен

Ибсен писал великих женщин: мы могли бы пойти за Hedda Gabler . Но «Кукольный домик» «» - одна из тех пьес большого значения: написанная в 1879 году, это прото-феминистский текст. Когда наша обеспокоенная героиня Нора хлопает дверью в конце спектакля, это касается не только ее покровительственного мужа, но и всего Патриархата. Пьеса шокировала некоторых из-за того, что она была настолько отчаянной из-за удушающей домашней ситуации, что бросила своих детей, а также своего мужа, предпочтя свободу и самореализацию домашней тюрьме.Конечно, с тех пор для женщин все изменилось, но эта исключительно контролируемая игра по-прежнему разворачивается идеально - и этот удар по-прежнему находит отклик. HW

'Machinal' в Алмейде, 2018

(Johan Persson)

Machinal (1928), Sophie Treadwell

Феминизм и экспрессионизм сталкиваются в американском драматурге Sophie Treadwell в необычном видении экстраординарного механизированного драматурга Софи Тредвелл. мегаполис. Мы чувствуем, как раздирающий нервы рэкет современного существования, описываемый как «чистилище шума», нападает на персонажа Everywoman на каждом этапе, когда она спускается к гибели.Она стенографистка, чувствительный винтик в машине, которую мать шантажирует, вынуждая выйти замуж за босса, который возмущает ее, и в итоге приговаривается к электрическому стулу за его убийство. Многое зависит от команды дизайнеров, создающих адское ощущение конвейера, но назойливый диалог Тредуэлла с его звенящим стаккато и синкопированным телеграфом неожиданно предвосхищает Гарольда Пинтера и Дэвида Мэмета. Возможно, главный герой слишком пассивен (почему она не выбирает развод?), Но ее фобия современной жизни имеет почти призрачную силу, а ее крик против узаконенного женоненавистничества - «Я не подчинюсь» - разносится сквозь века. PT

Шуметь тихо (1986), Роберт Холман

Великолепный пример того, как писатель может создать пьесу, составив триптих из миниатюр. Холмен родился в северном Йоркшире в начале 1950-х годов и воспитывался в пацифистских традициях. Making Noise Quietly рассматривает отдаленные последствия войны в трех случайных встречах, красиво вызванных ситуациях. В первой, действие которой происходит на поле Кент в 1943 году, северный квакер и раскованный лондонский эстет (по мотивам писателя и художника Дентона Уэлча) обсуждают причины, по которым они не ссорятся.Есть скрытые гомосексуальные мотивы. Во втором случае прибывает военно-морской офицер, чтобы рассказать матери о смерти ее сына во время Фолклендской войны. Действие третьего происходит в Шварцвальде в 1986 году. Английский рядовой, ушедший из авола, со своим встревоженным восьмилетним пасынком вступают в испытательное столкновение с богатой немецкой бизнес-леди, пережившей Холокост. Это потрясающая сцена, в которой она вырывает маленького мальчика из его догматического молчания своей повторяющейся, суровой настойчивостью, что он говорит «спасибо»; в конце концов, это воодушевляет, но не очень.Письмо редкой чувствительности и совокупной силы. PT

Частная жизнь (1930), Ноэль Кауард

Хотя он назвал ее «самой легкой из легких комедий», Частная жизнь - это пьеса Ноэля Кауарда, которую, несомненно, можно сохранить для потомков. Он написал это как средство передвижения для себя и Гертруды Лоуренс с неприличной скоростью. Действие пьесы сосредоточено на двух разведенных женщинах, которые через пять лет после разрыва сталкиваются друг с другом на балконах соседних отелей в первую ночь медового месяца со своими новыми супругами.Элегантно придуманное совпадение, за которым следует образец нагло перевернутых ожиданий: большинство комедий заканчиваются браком; этот начинается с благородной свадьбы, когда пара бесцеремонно бросает своих вторых партнеров и вместе сбегает в Париж. Элиот и Аманда - непостоянная эгоистичная пара, которая не может жить ни вместе, ни врозь. Трус остро понимает бессюжетное чудо второго акта: мы видим, как легко посткоитальная томность может превратиться в стервозное ворчание и яркое насилие.Антиромантическая комедия, пропитанная сексом (и романтикой): «Не придирайся, Сибил». PT

Джози Лоуренс в фильме «Мужество матери и ее дети» в театре Саутварка, 2017 г.

(Скотт Райландер)

Смелость матери и ее дети (1939), Бертольд Брехт

Мало, если есть драматурги ХХ века оказали такое же влияние на театр, как и Брехт: он хотел, чтобы искусство было политическим инструментом, а не развлечением для бегства от реальности, но также произвел революцию в театральной форме и стиле, покончив с натурализмом.Но это может означать, что его «эпический театр» по-прежнему ассоциируется с дидактикой, а не с душевной драмой. Не так уж и много Mother Courage, хотя эпична в обоих смыслах: написанная после вторжения Гитлера в Польшу, но действие которой происходит во время Тридцатилетней войны, это мощная история попыток одной матери нажиться на конфликте, а также огромная личная история. цена войны всегда берет в конце. H

Faith Healer (1979), Брайан Фрил,

Фрэнк Харди, странствующий ирландский религиозный целитель, его жена и его менеджер рассказывают четыре монолога, которые противоречат друг другу, заставляя аудиторию сомневаться в истине и память, ложь и рассказывание историй.Фрэнк изо всех сил пытается понять свой «дар» и то, как его способность лечить приходит и уходит; Faith Healer - это тоже притча о художнике и его вдохновении. Спектакль провалился, когда он открылся на Бродвее, но с тех пор был признан современной классикой: в хорошем спектакле есть дрожащая сила. Письмо Фрила может быть ритмичным, колдовским, но в то же время великолепно тонким. Хотя Фрил на всем протяжении сохраняет решающую амбивалентность, пьеса приобретает своего рода трансцендентную грацию. HW

Иерусалим (2009), Джез Баттерворт

Трудно отделить эту пьесу от анимационного оригинального представления великого Марка Райланса, сыгравшего Джонни «Петуха» Байрона - дикого неудачника, который живет в фургоне в лесу в сельской Англии, собирая к себе местную молодежь, как какой-то крысолов, питающийся напитками и наркотиками. Такое краткое изложение может показаться безвкусным, но действие происходит в День Святого Георгия и наполнено рассказами Петуха, оно обладает мистическим, мистическим характером.Шоу о состоянии нации, основанное на брио, направленном против истеблишмента, оно также точно передает современное сельское сообщество (очень ругательное и очень забавное). Иерусалим стал смехотворно большим хитом: зрители разбили лагерь вокруг театра в поисках билетов. Но недавнее возрождение предполагает, что пьеса все еще может кукарекать, кто бы ни играл Петуха. HW

Эндрю Гарфилд и Натан Стюарт-Жарр в фильме «Ангелы в Америке - подходы тысячелетия» в Национальном театре, 2017

(Хелен Мэйбэнкс)

Ангелы в Америке (1990-93), Тони Кушнер

Удивительная пьеса Тони Кушнера, состоящая из двух частей, с подзаголовком «Веселая фантазия на национальные темы», разворачивается во время кризиса СПИДа середины 1980-х годов во время правления правого крыла Рональда Рейгана.Слово «СПИД» никогда не упоминалось президентом, и борьбе за лекарство мешало отсутствие признания со стороны правительства. В ответ Кушнер поместил геев в центр внимания в эпопее, показывающем, как они борются за свои личные и общественные судьбы. Это, однако, очень далеко от обычной «постановочной» игры с ее великолепными амбициями. Этот кусок бушует из Антарктиды и поврежденного озонового слоя в рай в стиле барокко, который покинул бог. Ангелы-пророки врезаются в потолки. Есть эпизоды «взаимных снов», в которых люди блуждают в фантазиях друг друга и выходят из них.Главный демон пьесы - один из величайших монстров драмы: неисправимый и бесстыдный Рой Кон был реальным республиканцем-наставником (и наставником молодого Дональда Трампа). Когда ему поставили диагноз СПИДа, он является скрытым геем, но он предпочитает презрительное отрицание на обоих фронтах. Он впечатляюще искривлен, но, соответственно, и дух пьес великодушен. P

Путешествие долгого дня в ночь (1940), Юджин О Нил

Когда О'Нил описал Long Day's Journey как «игру старой печали, написанную кровью и слезами», он был едва преувеличивая.Эта грандиозная автобиографическая драма настолько сыровата и беспощадна в своих откровениях о его неблагополучной ирландско-католической семье, что автор оставил инструкции - к милосердию ослушавшиеся его вдовой - что пьеса должна была быть поставлена ​​только через 25 лет после его смерти. Вы можете понять трепет. «Путешествие долгого дня» «» глубоко погружается в измученное сердце Тайронов - Джеймса, знаменитого актера, который продался до коммерческого успеха, его жены Мэри, которая недавно вновь впала в зависимость от морфия, и их двух сыновей.О'Нила иногда критикуют за то, что он многословный и многозначительный писатель. Но то, как семья снова и снова выбирает одни и те же струпья, очень похоже на жизнь. Когда пьеса проходит под управлением правильного режиссера, это все равно, что слушать перепросмотр великого музыкального произведения. После трех с половиной часов упреков, пропитанных виски и морфином, вы выходите из себя истощенным, но в состоянии приподнятого катарсиса. PT

Хелен МакКрори в «Медее» в Национальном театре, 2014 г. (Rex Features)

Медея (431 г. до н.э.), Еврипид

На основе греческого мифа, где Медея убивает своих детей, чтобы отомстить Для ее неверного мужа эта трагедия не потеряла ни своей силы, ни шокирующей силы.Но текст допускает и более сочувственное прочтение Медеи, как женщины, борющейся за справедливость в несправедливом мире. С монументальной главной партией и хором, который реагирует и комментирует действие, пьеса всегда была одной из самых популярных греческих трагедий. Напряженные и напряженные, вы видите приближающийся ужас, но чувствуете отчаянную необходимость продолжать поиски. HW

Аркадия (1993), Том Стоппард

Тома Стоппарда иногда обвиняют в том, что он весь голова, а не сердце - но эта пьеса доказывает обратное.Да, это умопомрачительный взгляд на науку и искусство, противопоставление рационального и романтического, а также мини-уроки теории хаоса, второго закона термодинамики и жизни лорда Байрона. Но и здесь есть история любви и трагедия. Два этажа, расположенные в одном и том же загородном доме в 1809 году и в наши дни, пересекаются и в конечном итоге красиво пересекаются. Математическое теоретизирование предсказывает надежду, а также катастрофу для Вселенной, и история предлагает то же самое для ее персонажей. HW

La Dispute (1744), Пьер де Мариво

Кто совершил первую измену? Был ли это мужчина или женщина? (Можно поспорить, что это был человек, который первым подумал об этом похотливом вопросе.) Суд в темной комедии Мариво считает, что он создал правильные лабораторные условия для поиска ответа. Четверо подростков были воспитаны в полном одиночестве, а затем были выпущены в компанию друг друга, и их встречи стали «самым оригинальным развлечением» для невидимого принца и его невесты.Спектакль наглядно показывает, как легко превратить сцену в экспериментальный чистый лист. Но это кажется немного извращенным - идея Просвещения о реалити-шоу. Мариво прекрасно понимает возражения. В декоре его произведений в стиле рококо скрыты бритвенные лезвия. PT

Джульет Стивенсон в фильме «Счастливые дни» в Young Vic, 2014

(Йохан Перссон)

Счастливые дни (1961), Сэмюэл Беккет

Женщина средних лет похоронена в кургане земли сначала до пояса, затем, после перерыва, до шеи.Ее молчаливый и почти незаметный муж, похоже, не планирует откапывать ее. Это зрелище никогда не теряет своей способности пугать. Винни из Беккета болтает, преследуя оптимизм («Это будет еще один счастливый день») в болтливой попытке предотвратить истерику и отчаяние по поводу ее посягающей судьбы. Между звонком для пробуждения и звонком для сна она изо всех сил пытается рассчитать свой день и нормировать свои драгоценные (и истощаемые) ресурсы, ритуально проверяя содержимое своей вместительной сумочки (зубная щетка, губная помада, зеркало - и, что еще более зловеще, револьвер). .Отчасти раздражающий, отчасти героический, она рождает точечный лирический монолог, пронизанный благородными полузабытыми отблесками «бессмертной» классики. Питер Холл, который руководил Пегги Эшкрофт в этой роли, справедливо заметил, что «театр Беккета - это не только слова, но и мимика и физическая точность». За исключением того, что его тексты великолепны, а этот невероятно превосходен. Процитирую Винни: «Что это за незабываемая фраза?» PT

Джон (2015), Энни Бейкер

Пьесы этого американского писателя, как правило, длинные, медленные и до странности захватывающие.Трудно сказать, что именно делает John таким завораживающим. Он расположен в китчевом, набитом татуировками пансионе в Геттисберге, где молодая пара сражается с очаровательно эксцентричной квартирной хозяйкой и ее слепым, но дальновидным другом. Дом кажется населенным привидениями: он полон жутких кукол и пианино, которые сами начинают играть. Но его также не покидает история (это был госпиталь гражданской войны) и воспоминания пожилых женщин о любви, привидениях и их собственном мистическом опыте. Все это немного пугающе, но довольно эмоционально.Бейкер также очень проницателен в отношении умирающих отношений пары миллениалов, что открывает возможность взглянуть на то, как часто женщинам приходится поддерживать мужские мифы, чтобы утолить свой голод. HW

The History Boys (2004), Алан Беннетт

Гектор хочет научить мальчиков знаниям, которые прослужат им всю жизнь и которые можно передать как подарок. Но директор стал одержим правительственными таблицами и нанял Ирвина, чтобы он научил их бойким приемам сдачи экзаменов.Это противоречие лежит в основе чрезвычайно популярного хита Алана Беннета. Он установлен на грамматике Йоркшира среди группы умных шестиклассников, которые готовятся к вступительным экзаменам в Оксбридже. Как и во многих других произведениях Беннета, вы можете различить структуру, напоминающую ревю, в великолепной последовательности пародий, приколов, песен и явной восторженной глупости. Но это также блестящий портрет учителя-индивидуума. Некоторые комментарии Гектора вошли в обиход, например, когда вы читаете что-то, что вам показалось особенным, «это как если бы какая-то рука протянулась и взяла вашу».Сцена, в которой обреченный Гектор анализирует стихотворение Харди «Барабанщик Ходж» со своим учеником Познером, является непревзойденным в драматургии примером гуманного обучения. У веселого, несчастного Познера есть лучшая шутка в пьесе: «Я еврей. Я маленький. Я гомосексуал. И я живу в Шеффилде. Я пиздец ". PT

Суранн Джонс и Нина Сосанья в фильме «Холодное сердце» в Theatre Royal Haymarket, 2018

(Йохан Перссон)

Frozen (1998), Бриони Лавери

Мать убитого ребенка.Ее заключенный в тюрьму убийца-педофил. Психолог-преступник пытается понять, что его побудило к этому. Сперва монологи, а затем диалоги, эта современная классика может многое сказать о крайностях человеческих страданий, но также и о нашей способности к изменениям и прощению. Это мрачная и тернистая, но в то же время глубоко гуманная работа плодовитого британского писателя в ее лучших проявлениях. HW

Жизнь - это мечта (1635), Кальдерон де ла Барка

Пьеса Кальдерона - один из шедевров Золотого века Испании, но, похоже, она также предвосхищает мир Пиранделло.Трудное положение молодого принца Сегизмундо напоминает историю китайского мудреца о человеке, который видит во сне бабочку и просыпается с вопросом, действительно ли он бабочка, мечтающая о мужчине. Этот юноша находится во власти политических колебаний: он с рождения заключен в темную башню из-за гороскопа, согласно которому он узурпирует трон. Затем, когда возникают опасения по поводу преемственности, его отец накачивает его наркотиками, приводит его во дворец и с недоумением обращаются с ним как с принцем.Поэтическое произведение, затрагивающее глубокие метафизические и политические вопросы в ослепительно театральной манере. PT

Copenhagen (1998), Майкл Фрейн

Как ни соблазнительно включить возвышенно смешной закулисный фарс Майкла Фрейна, Noises Off , более серьезный Copenhagen просто бросается в глаза. Он представляет собой реальную встречу физиков-ядерщиков датчанина Нильса Бора и немца Вернера Гейзенберга в Копенгагене в 1941 году для обсуждения событий, которые приведут к созданию атомной бомбы.Затем Фрейн переосмысливает встречу и переосмысливает ее снова - в конце концов, на самом деле никто не знает, что произошло. Предупреждает ли Гейзенберг своего старого друга об успехах нацистов в области ядерного оружия? Надеетесь на взаимный пакт по предотвращению атомной бомбы? Ищете отпущения грехов? Глядя на ненадежность памяти, структура пьесы Фрейна искусно оживляется научными идеями, обсуждаемыми его персонажами: принцип неопределенности Гейзенберга - основа его драматической формы. Большой успех, когда он открылся в National, он прошел в Вест-Энд на Бродвее - и попал на телевидение с Дэниелом Крейгом в главной роли. HW

Джессика Браун Финдли и Ангус Райт в «Орестее» в студии Trafalgar, 2015

(Мануэль Харлан)

Орестея (458 г. до н.э.), Эсхил

Единственная сохранившаяся греческая трилогия трагедии. Через Агамемнон, Носители возлияния и Евмениды, Эсхил прослеживает влияние насилия и мести на королевскую семью, бросая резкое облегчение на вопросы справедливости и долга.Чтобы выиграть Троянскую войну, Агамемнон принес в жертву свою дочь; трилогия открывается пьесой, в которой его жена Клитемнестра убивает его, чтобы отомстить за смерть своей дочери. В эпизоде ​​ Libation Bearers сын Клитемнестры Орест убивает ее в отместку (если Антигона - трагедия, потому что это конфликт между добром и правильным, возможно, это столкновение между неправильным и неправильным). Цикл прерывается в Евменидах, , где боги образуют суд, чтобы судить Ореста. Это сочный, мясистый, высокооктановый материал - и он был представлен как в версии Питера Холла в маске на National в 1981 году, так и в свежей современной адаптации Роберта Айка в 2015 году. HW

Поддерживать свободомыслящую журналистику и посещать независимые мероприятия

Постановка двуязычного классического театра | HowlRound Theater Commons

Само собой разумеется, что любой разговор о языковой политике - это код для разговора об идентичности и культуре. В прошлом на HowlRound Арлин Мартинес-Васкес прекрасно сформулировала стратегии двуязычного театра, а Хосе Солис описал процесс и мотивацию создания Шекспира с латиноамериканскими артистами.Но что произойдет, если мы добавим еще один язык к англоязычным рассказам, которые исполняются для аудитории в странах с преобладанием английского языка? Это отличается от постановки произведения, которое полностью переведено (греки), и от перевода и переноса произведения в другую культуру (адаптации греков Черри Морага и Луиса Альфаро). Когда игровой текст уже в основном или полностью на английском, добавление еще одного языка представляет собой драматургический вызов лингвистическим властным отношениям.

Я хочу изучить стратегии и рекомендации по добавлению языка в постановку, не включенного в исходный текст воспроизведения.Хотя можно много сказать о положении Шекспира и других канонизированных авторов в образовательных и художественных учреждениях, а также в массовой культуре, я хочу сосредоточиться на стратегиях противодействия лингвистическому расизму этих англоязычных историй, которые преобладают в наших театрах. В то время как следующие соображения могут быть применены к любому языку, добавленному к знаменосцам англоязычного канона, я смотрю на богатство и широту латинских Шекспиров, чтобы использовать эту давнюю театральную традицию.

Когда игровой текст уже в основном или полностью на английском, добавление другого языка представляет собой драматургическую проблему для лингвистических властных отношений.

Стратегии интеграции иностранных языков на сцене

При включении второго языка в классический текст создатели театра могут захотеть сделать это по разным причинам, в том числе:

1) Для юмора. Добавление в текст слов и фраз с другого языка может добавить юмора и послужить лингвистическим напоминанием о другой культуре.Эта стратегия требует аналогичного использования языка персонажами из разных социальных слоев, чтобы не казаться поверхностным и не отодвигать дополнительный язык и культуру на периферию. Например, добавление « ¡Dios Mío! »может вызвать смех, но он также может быть непреднамеренно эссенциализирующим и создавать« другой »эффект.

2) Чтобы подчеркнуть остракизм персонажа. Предоставление персонажу-изгою, говорящему на другом языке, переводчика на сцене (или оставление его без него) может еще больше подчеркнуть его бедственное положение.

3) Для близости между персонажами. На другом языке можно быстро установить близкие отношения между персонажами. Одноязычной англоязычной аудитории не нужно понимать диалог, чтобы уловить близость; другие элементы помимо произнесенных слов могут передать значение.

4) Для интимной близости со зрителями или для того, чтобы сломать четвертую стену. Двуязычие, «спанглиш» и другие виды языковой игры могут привлечь аудиторию, независимо от того, являются ли они преимущественно латинскими, испаноязычными или полностью двуязычными.Представление персонажей, живущих между языками, может служить инклюзивным мостом для членов аудитории, которые живут одинаково.

5) Для обозначения физических или метафорических пространств для одной культуры. Один язык можно использовать дома, на работе, для усиления эмоций или для личных размышлений. Это также может быть гендерным, классовым и / или изменяться властными отношениями. Некоторые монологи, в зависимости от темы или стиля, могут быть лучше выполнены на неанглийском языке, в зависимости от отношения персонажа к этому конкретному языку.

6) Чтобы показать смену поколений. Часто иностранный язык или акцент используется старшими персонажами, а не младшими, чтобы передать ассимиляцию или аккультуризацию среди младшей группы. Различные формы языковой игры также могут сигнализировать о разных поколениях или семьях; лингвисты различают разные типы переключения кода - внутри предложения, вне предложения, внутри фразы, а иногда и внутри слова. Одно поколение может использовать другую форму, чем другое.

7) Чтобы показать культурные различия. Этот тип культурно-лингвистического тропа - это то, что я ранее назвал «эффектом Вестсайдской истории »: переписывание любых различий в Шекспире, включая классовые, семейные и региональные, как культурно-языковые различия. Добавление на другом языке может подчеркнуть, изменить или сделать более четким это различие.

8) Уточнить или модернизировать. Перевод обычно требует некоторой модернизации; переводы Чехова, Мольера и испанских драматургов Золотого века могут сохранять улучшенный язык, синтаксис или стиль, чтобы обозначить устаревшие или стилизованные стихи и прозу, но также могут вносить коррективы, чтобы звучать более «современно», чем оригинал.Но перевод устаревшего английского языка, такого как использование Шекспиром слова «почему», на современный английский или любой язык, знакомый аудитории, помогает аудитории понять, что это означает «почему», а не «где».

9) Обращение к двум одноязычным аудиториям. Повторение слова или фразы на двух языках, на которых говорят слушатели, также является стратегией для прояснения сюжета.

10) Чтобы дистанцировать аудиторию. Включение другого языка в постановку может быть целенаправленной тактикой отчуждения, когда для аудитории публикуются титры с переводом.Это может сделать сцену более чуждой и отдалить аудиторию от местности и / или временного периода.

Двуязычие, «спанглиш» и другие виды языковой игры могут привлечь аудиторию, независимо от того, являются ли они преимущественно латинскими, испаноязычными или полностью двуязычными.

Рекомендации по добавлению другого языка в исполнение

Когда театральные постановщики берут на себя задачу добавить второй или высший язык к постановке, есть несколько факторов, которые следует учитывать при их интеграции в текст и постановку.Важно отметить, что одноязычные пьесы часто содержат пару фраз на другом языке. Например, в произведении Шекспира «Много шума из ничего» « Догберри» говорится: «Сравнения пахнут. Palabras, сосед Verges », используя сокращенную версию фразы« pocas palabras », чтобы добиться краткости. Но языковое разнообразие в пьесах Шекспира, как в приведенном выше примере, можно скрыть, если добавить испанский, как это было в постановках Много шума более пятнадцати раз за последние сорок лет в Соединенных Штатах.В этой англоязычной классике использование этой испанской фразы в итальянской обстановке сюжета теряется, когда для исполнения переводится больше строк.

Давние отношения Шекспира к английскому языку часто преуменьшают лингвистическое разнообразие его пьес, и зрители могут предположить одноязычие в Шекспире, что усложняет рассмотрение включения дополнительных языков в спектакль. Зная это, важно, чтобы театральные постановщики продумали последствия включения второго или третьего языка в постановку и то, как это может повлиять на восприятие постановки.Ниже приводится список рекомендаций для этих художников.

1) Политика влияет на театральное двуязычие. Использование испанского, кечуа, немецкого, корейского и фарси будет по-разному интерпретироваться аудиторией в зависимости от того, как культура (и), связанная с этим языком, рассматривается в более широкой культуре драматурга, исполнителей и места производства .

2) Звуковая картина постановки включает в себя не только язык. Музыка может использоваться для усиления эмоционального качества другого языка, когда диалог возвращается на английский.Звуковые эффекты, акценты, музыка и язык - все это способствует звуковому ландшафту. Кроме того, декорации, архитектура и массовые сцены могут ссылаться на другие языки и культуры.

3) Мотивация к использованию иностранного языка будет очевидна. Если использование другого языка - это просто тактика для привлечения новой аудитории, это может быть точкой доступа или, наоборот, быть актуальным. Люди возвращаются к знакомым историям, чтобы получить удовольствие слышать слова и переживать повествование по-другому или в другое время нашей жизни.Пересказ истории и включение языка, который может привлечь более широкую аудиторию, может стать доступной точкой доступа и источником комфорта.

4) Характеризация и изменение ритма на разных языках. Добавление другого языка может замедлить или ускорить производство. Например, метафоры Шекспира могут потребовать большего или меньшего количества слов для выражения на другом языке, точно так же, как счет до десяти в испанском языке включает девятнадцать слогов, а в английском - только одиннадцать. Актеры и режиссеры с меньшей вероятностью будут рисовать знаменитые черты английского языка, когда они говорят на другом языке.

5) Переводы часто выполняются на современном языке. «Переключение кода» означает переключение между двумя языками, но смешение языков двух периодов времени (например, шекспировский английский и современный испанский) или то, что я называю «перекрестным временным переключением кода», нереально для любого общества и будет контрастировать с натуралистическими приемами игры. Это расхождение в языке бросает вызов целостной и линейной политике времени и повествования, которая может либо улучшить, либо работать против повествования.В современных постановках Шекспира персонажи могут владеть оружием, но все же относятся к мечам, и аудитория приспосабливается к этому разъединению; верьте, что аудитория может делать то же самое с языком.

6) Двуязычные актеры не могут быть обучены двуязычным вокальным методам или двуязычным методам игры. Даже если актеры двуязычны, они не могли выступать на обоих языках. Доступны двуязычные тренеры по вокалу, и их следует использовать.

7) Введение высшего языка может «нормализовать» два основных языка. Включение третьего языка в производство, особенно если это язык меньшинства и / или если он используется редко, может функционировать как «иностранный» слуховой контакт, который нормализует два основных языка. Например, в «Латинском Шекспире» в некоторых постановках использовались языки коренных народов, ASL и креольский для третичных символов, тем самым изменяя лингвистические точки входа для аудитории и бросая вызов представлению латинских народов как говорящих только на испанском и / или английском языках.

8) Курирование художественного сезона или репертуара пьес, включающих пьесы определенных культурных или языковых групп, может подчеркнуть эту культуру или язык. Выбор программы также может показать приверженность театра определенной этнорасовой или национальной группе. Стратегии программирования, информационные программы, реклама, титры к некоторым выступлениям и адресные рассылки - вот примеры того, как компании могут повысить ожидания аудитории до начала выступления.

9) Не все на сцене и в производственной команде должны свободно владеть второстепенным языком. Но действительно нужна команда людей с разным происхождением (культурно и профессионально, например, драматург, преподаватель вокала или преподаватель акцента), чтобы гарантировать культурно и лингвистическую постановку.

10) Акценты на дополнительном языке должны совпадать, как и на основном языке. Хотя этот список относится к языку, обратите внимание, что не все испанские акценты одинаковы, и в постановке с преобладанием английского языка испанский должен звучать так же регионально, специфично и связно, как английский.

Включение третьего языка в производство, особенно если это язык меньшинства и / или если он используется редко, может функционировать как «иностранный» слуховой контакт, который нормализует два основных языка.

Уровень языкового разнообразия

Соединенные Штаты никогда не были моноязычными, и любой тип языкового общения, включенный в постановку канонизированных англоязычных писателей, включит в постановку вызов колонизаторскому и патриархальному наследию, которое либо затмевает, либо не признается публикой в ​​произведении. Cегодня. То, что делают латинские Шекспира - и любое исполнение классических произведений с дополнительными языками - это бросает вызов ошибочному восприятию как одноязычных Соединенных Штатов, так и одноязычного Шекспира.

Шекспир создал и использовал слова и фразы из разных языков и культур для обращения к многочисленным аудиториям, контекстам и языковому и культурному обмену своего времени. По мере того, как его лингвистическая ловкость исчезает с устаревшим английским языком его поэзии или превращается в английский язык, одна из возможностей бросить вызов лингвистическому расизму англоязычных историй в англоязычных обществах - добавить испанский или любой другой язык в спектакль сегодня. .Язык Шекспира настолько прочно укоренился в театре, массовой культуре и средствах массовой информации, что следующая новая - или, скорее, старая - драматургия станет лингвистической.

Драматическая литература | Британника

Полная статья

Драматическая литература , тексты пьес, которые можно читать, в отличие от увиденных и услышанных в спектакле.

Термин драматическая литература подразумевает противоречие в том, что литература первоначально означало что-то написанное, а драма означало нечто исполненное.Большинство проблем и значительный интерес к изучению драматической литературы проистекают из этого противоречия. Несмотря на то, что пьесу можно ценить исключительно за ее писательские качества, большее вознаграждение, вероятно, получают те, кто остается внимательным к изменчивости пьесы в целом.

Британская викторина

Литературные термины (часть первая) Викторина

Вы знаете, что такое терцет? Как насчет термина, обозначающего отрывок, который персонаж пьесы обращается непосредственно к аудитории? Проверьте, что вы знаете о литературных терминах, с помощью этой викторины.

Однако для того, чтобы оценить эту сложность драмы, необходимо изучить каждый из ее элементов - актерское мастерство, режиссуру, постановку и т. Д., Чтобы можно было полностью понять его отношение ко всем остальным. Целью данной статьи является изучение драмы с особым вниманием к тому, что излагает драматург. История драматической литературы в западной культуре обсуждается в статье «Западный театр», при этом некоторое обсуждение драматической литературы также включено в статьи о литературе разных языков, народов или регионов, например, английская литература, французская литература, немецкая литература и т. Д. и так далее.Для обсуждения драматической литературы других культур, см. Африканская литература, африканский театр, искусство Восточной Азии, исламское искусство, искусство Южной Азии и искусство Юго-Восточной Азии.

Общие характеристики

С момента создания пьесы в сознании ее автора до ее образа, который публика уносит из театра, множество рук и множество физических элементов помогают воплотить ее в жизнь. Поэтому возникают вопросы относительно того, что для него является существенным, а что - нет.Это пьеса, которую, по мнению ее автора, пишет, или слова, которые он написал? Является ли пьеса способом воплощения этих слов или их реальной интерпретацией режиссером и актерами на конкретной сцене? Отчасти пьеса - это ожидание, которое публика приносит в театр, или это реальный ответ на то, что видят и слышат? Поскольку драма - это такой сложный процесс общения, ее изучение и оценка столь же неопределенны, сколь и непостоянны.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас

Все пьесы зависят от общего согласия всех участников - автора, актеров и зрителей - принять действие театра и связанные с ним условности, точно так же, как игроки и зрители принимают правила игры. Драма - это явно нереальное занятие, которым можно заниматься, только если это признают все участники. В этом и заключается очарование его изучения. Ибо одно испытание великой драмы состоит в том, насколько далеко она может вывести зрителя за пределы его собственной непосредственной реальности и как можно использовать это воображаемое высвобождение.Но изучающий драму должен знать правила, по которым игроки начали игру, прежде чем он сможет вынести такое суждение. Эти правила могут быть условностями написания, действия или ожидания аудитории. Только когда все условности плавно работают вместе в синтезе и воображаемый опыт страстно наслаждается с умом и эмоциями, можно увидеть великую драму такой, какая она есть: объединенная работа хорошего драматурга, хороших игроков и хорошая публика, собравшаяся вместе в наилучших физических условиях.

Драма в той или иной форме встречается почти в каждом обществе, примитивном и цивилизованном, и выполняет самые разные функции в обществе. Например, есть записи о священной драме в Египте за 2000 лет до нашей эры, а Феспис в VI веке до нашей эры в Древней Греции удостоился чести быть первым известным драматургом. Элементы драмы, такие как пантомима и танец, костюм и декор, задолго до появления слов и литературной изысканности, которая теперь ассоциируется с пьесой.Более того, такие базовые элементы не заменялись словами, а лишь усиливались ими. Тем не менее, только тогда, когда сценарий пьесы предполагает дисциплинарный контроль над драматическим опытом, изучающий драму получает измеримые доказательства того, что должно было составлять пьесу. Только тогда можно будет обсуждать драматическую литературу как таковую.

Тексты пьес указывают на различные функции, которые они выполняли в разное время. Некоторые пьесы охватывали почти всю общину в рамках особого религиозного праздника, например, когда все мужчины-граждане греческого города-государства собирались вместе, чтобы почтить своих богов, или когда ежегодный праздник Корпус-Кристи отмечался великими средневековыми христианскими мистическими циклами.С другой стороны, церемониальный храмовый ритуал ранней японской драмы Но проводился на религиозных праздниках только для феодальной аристократии. Но драма может также служить более прямой дидактической цели, как и пьесы о морали позднего средневековья, некоторые мелодрамы 19-го века и дискуссионные пьесы Джорджа Бернарда Шоу и Бертольда Брехта 20-го века. Пьесы могут высмеивать общество или мягко освещать человеческие слабости; они могут предугадывать величие и ограниченность людей в трагедиях или, в современном натуралистическом драматургии, исследовать человеческий разум.Драма - это самое обширное из всех искусств: она не только представляет жизнь, но и является способом ее увидеть. И это неоднократно доказывает утверждение Сэмюэля Джонсона о том, что не может быть определенного предела способам композиции, открытым для драматурга.

Оглядываясь назад, чтобы двигаться вперед: важность классической драмы в современном мире

Кэри Перлофф: Что я нахожу в театре, так это то, что классический театр в самом широком смысле находится под угрозой по ряду причин. Это считается элитарным, узким, белым или мужским, что иногда верно, но я бы сказал, что не так верно, как думают люди.В этой стране было бы фантастическим занятием вновь принять классический театр во всем его множестве и разнообразии

Джо Рид: Это Кэри Перлофф, давний художественный руководитель директора Американского театра консерватории в Сан-Франциско или (ACT), и это для NEA Arts Online. Я Джозефин Рид.

Если у вас есть сомнения в том, что классический театр - это жизненно важная форма искусства, которая питает нас и нуждается в поддержке, поговорите с Кэри Перлофф. Она увлечена классической драматургией и откровенно считает, что слишком часто в Соединенных Штатах ею пренебрегают в ущерб театру, публике и нашей культуре в целом.

Кэри Перлофф: Я думаю, что как художники очень важно помнить, на чьих плечах мы стоим. Мы страна, которая очень близоруко относится к прошлому. Мы одержимы будущим, вот что значит быть американцами, и все же, особенно в условиях нашей демократии, в данный момент я считаю невероятно полезным иметь отношение к мыслям и идеям нашей собственной истории

Джо Рид: Кэри отмечает, что классическая драма имеет особые характеристики, которые отличают ее от театра, который последовал за ней.

Кэри Перлофф: Классический театр всегда был театром об обществе, верно. Лишь в середине девятнадцатого века драма перешла в закрытое помещение, уселась на диван и превратилась в разговор. До этого, говорите ли вы о древнеиндийской драме, китайской драме, Шекспире или греках, вы говорите о пьесах об обществе, о королях и королевах, о столкновениях в культуре, классах, войне, справедливости и обо всем таком большом. драма берет начало, поэтому они имеют тенденцию быть более крупными и формально отличными, не обязательно натуралистичными.

Джо Рид: Любовь Кэри к классической драме, по сути, лежит в основе ее страсти к самому театру.

Я начал свою карьеру как археолог, поэтому я хотел раскопать Трою, и я попал в драму через греческую трагедию, поэтому для меня греческая трагедия является пробным камнем. Сегодня мы почти не сталкиваемся с проблемами, будь то жестокость полиции, война, справедливость, заглушка женских голосов, рабство, демократия, империализм, с которым не боролись в древнегреческой драме в большинстве своем. немедленный путь.Так что постоянный доступ к этим пьесам кажется мне невероятно важным, и я хотел бы отдать должное Брайану Доррису и «Театру войны», невероятной программе, национальной программе, в которой используются пьесы, подобные «Аяксу». бороться с такими проблемами, как посттравматическое стрессовое расстройство или «Вакханки», чтобы говорить о зависимости.

(отрывок из Ajax)

Кэри Перлофф: То, как Брайан получил доступ к этим пьесам, необычайно, и я хотел бы, чтобы это привело к большему количеству постановок классического театра в большем количестве площадок по всей стране, особенно в греках, потому что я думаю, что это могло бы быть настолько успешным.

Джо Рид: Кэри также считает, что масштабы и многогранность классической драмы недооцениваются. Будучи далеким от сухого произнесения стихов, он может неожиданно взорваться на сцене, что вызывает резонанс у современной публики.

Кэри Перлофф: В классической драме часто используются музыка, танец, движение и прямое обращение, поэтому она представляет собой множество театральных стилей и способов привлечь аудиторию, которые действительно волнуют. И я думаю, что когда мы перестаем заниматься этим материалом и смотрим на драму только как на натурализм после девятнадцатого века, мы теряем ощущение того, что драма может касаться общества в целом, что она может решать огромные проблемы очень театрально.Мы теряем представление о том, что нас так интересует сейчас в американском театре, а именно об участии, верно, потому что, например, если вы думаете о древнегреческой драме, публика сидела при дневном свете как жюри, чтобы вынести своеобразное суждение. о том, были ли правы Клитемнестра или Агамемнон в отношении убийства Ифигении или любого другого вопроса правосудия, который поднимался. Очень часто Брехт, Лорка или китайская драма - древняя китайская драма, такая как «Сирота Чжао», которую ACT поставила в прошлом году, очень интересна.

Джо Рид: Широкий размах и разнообразие театральных стилей классической драмы делают ее одновременно яркой и сложной для производства.

Кэри Перлофф: Материал дорог в производстве. Как я уже сказал, это часто бывает большим по размеру, а это означает, что для этого требуются большие актеры, иногда требуется более длительный репетиционный период, для этого требуются костюмы, музыка и хореография часто, а также тренеры по вокалу и речи, диалектная работа и драматургия, все эти виды поддержки которые позволяют окунуться в большой и незнакомый мир, и классический театр, конечно, также требует высококвалифицированных художников.Таким образом, у вас должны быть режиссеры, у которых есть силы для постановки больших работ, и у вас должны быть актеры, обладающие физическими, кинестетическими и эмоциональными способностями, чтобы выдержать крупномасштабную греческую работу или испанскую драму Золотого века или что-то еще, или Шекспира в течение двух лет. или три часа.

Джо Рид: Один совершенно понятный результат состоит в том, что консерватории придают гораздо меньшее значение классическим навыкам, и поэтому студентам-драматургам труднее получить надлежащую подготовку для этих ролей.

Кэри Перлофф: Когда я езжу по стране и прохожу прослушивание, я смотрю как на молодых актеров из программ бакалавриата, которые проходят прослушивание в МИД АСТ, так и на актеров, которые ... молодых актеров, проходящих прослушивание по всей стране, явно все меньше и меньше возможностей. с языком отчасти потому, что мы больше не являемся лингвистической культурой, мы являемся визуальной и устной культурой и культурой экрана, но отчасти потому, что все труднее и труднее найти учебные программы, которые строго обучают молодых актеров в Америке играть в классическом театре и Это отчасти потому, что нужно задаться вопросом - и я теряю много сна из-за этого - если они обучены, где они собираются работать.Если вы посмотрите на большие театры Нью-Йорка, те немногие, которые занимаются классическим театром, в основном нанимают звезд или британских актеров, поэтому многим молодым американским актерам очень трудно найти оплачиваемую работу в классическом театре.

(Отрывок из Доктора Фаустуса)

Джо Рид: Еще одним камнем преткновения в производстве классической литературы в США является проблема перевода… и последующая потеря инновационных возможностей, которые открываются, когда нынешний драматург переводит древний текст.

Кэри Перлофф: Мы - страна, которая не любит изучать иностранные языки.Мы, кажется, верим, что все в мире говорят по-английски, и, увы, эта удивительная надомная индустрия, в которой британцы так искусны, которая требует привлечения современных драматургов для адаптации и перевода классических пьес, менее распространена в этой стране, потому что многие из наших писателей не делают этого. у меня есть доступ к языку оригинала, но когда они это делают, результаты впечатляют, и я хочу, чтобы спонсоры в этой стране были в восторге от этого процесса, хотели заказать и разработать новые переводы и адаптации классических произведений, и я хочу, чтобы спонсоры посмотрели на производство классических пьес как способ делать новую работу, потому что в конце концов, каждый раз, когда вы снова подходите к великой пьесе, это происходит впервые.

Джо Рид: Так все сводится к финансированию? : Не полностью, но Кэри Перлофф убедительно и подробно рассказывает о том, какое большое влияние спонсоры могут оказать на производственную ценность пьес.

Кэри Перлофф: Область следует за инициативами, в которые инвестируют крупные фонды, например, так что я действительно думаю, что отчасти речь идет о финансировании. Когда у вас нет такой поддержки, вы срезаете углы. Вы сокращаете пьесу; вы делаете большую классику с семью актерами; репетируешь за две недели.Вы делаете то, чего не должны делать, потому что нет поддержки. Таким образом, наличие финансирования позволяет хорошо выполнять работу, а также является сигналом о том, что это имеет значение. Как только все это исчезло, было действительно трудно утверждать, что классический театр имеет значение, а вот и другой кризис. Когда вы перестаете это делать, аудитория теряет силы, чтобы увидеть это, поэтому современная аудитория привыкла к двух- или трехсимвольным 90-минутным пьесам. Вы входите и выходите, можете пойти домой и лечь спать в девять часов. Классический театр так не работает; это требует внимания, мускулов и постоянного взаимодействия.Я бы сказал, что результаты ... в высшей степени того стоят, но чем меньше вы их производите, тем меньше аудитория готова это испытать. Так что я думаю, что это своего рода порочный круг, и я думаю, что если мы не хотим, чтобы эта литература исчезла или появилась только на очень крошечных аренах, мы должны бороться за финансирование.

Джо Рид: Тем не менее, американское нежелание создавать классический театр по-прежнему относительно не тронуло пьесы Шекспира.

Кэри Перлофф: Меня действительно воодушевляет то, что Шекспир до сих пор широко ставится в этой стране, хотя мы всегда меньше разбирались в сестрах и братьях Шекспира, поэтому, например, в ACT мы сделали много якобинских драм.Мы сделали знаменитую «Герцогиню Мальфи», которую я проучила в первый год в ACT, из-за которой меня чуть не уволили, а затем мы сделали «Жалко, она шлюха» и «Эдвард Второй», так что драма Якобина необычайна, интуитивна, очень непосредственная драма, но якобинскую драму на американской сцене редко можно увидеть, что интересно, потому что в некотором смысле они столь же непосредственны или более непосредственны, чем Шекспир.

Джо Рид: И, пожалуйста, не предполагайте - по мнению Кэри Перлоффа, - что эти пьесы предназначены для интеллектуалов и слишком образованных, другими словами, для элиты.

Кэри Перлофф: Нет причин называть эти пьесы элитарными; они были сделаны для всех.«Шекспир» - это популистская драма, созданная для вопящих толп земляков, которые бросали вещи, если не одобряли то, что происходило на сцене. Греческая трагедия может заставить 40 000 граждан бороться за свою собственную демократию на огромном пространстве. Нет причин предполагать, что они элитарны - они были для всех. Они имели дело с гораздо более крупными и сложными проблемами, чем большая часть нашей современной драмы. И я думаю, что отдавать предпочтение новой работе за счет классической работы немного сокращает диалог, который мы должны вести в этой стране о театре.

Джо Рид: Это художественный руководитель театра Консерватории актеров Кэри Перлофф. Вы можете прочитать больше о ее мыслях о театре в ее мемуарах «Прекрасный хаос», «Жизнь в театре».

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *