Классические зарубежные пьесы: 50 лучших классических пьес — 50 книг

И, конечно же, попробовать стать драматургом может каждый. Если душа просит и текст складывается, то почему бы и нет?

Что делать, если я напишу пьесу?

Если вы напишете пьесу, отправляйте её на всевозможные драматургические конкурсы. И не останавливайтесь, если вас поначалу не будут отбирать в шорт-листы. Не повезло на одном конкурсе, повезёт на другом! Драматургия – это творчество, и его оценка – дело субъективное.

Какие конкурсы современной драматургии есть в России?

В настоящее время конкурсы современной драматургии проводятся в разных уголках нашей страны. Информацию о них можно найти в интернете, а мы назовём самые, на наш взгляд, авторитетные.

Один из самых популярных конкурсов – фестиваль молодой драматургии «Любимовка», который проходит каждый сентябрь в Москве и становится знаковым событием открытия театрального сезона столицы. Изначально фестиваль проводился в исторической усадьбе Станиславского «Любимовка», а с 2007 года «прописался» в Театре.Doc. В «Любимовке» могут участвовать авторы, пишущие на русском языке, в возрасте до 45 лет, проживающие в любой стране мира.

Уральский драматург Николай Коляда в Екатеринбурге ежегодно проводит международный конкурс драматургов «Евразия». Он проводится в номинациях «Пьеса для большой сцены», «Пьеса для камерной сцены», «Пьеса для детского театра»; «Новая уральская драма». В нём участвуют авторы не старше 35 лет, пишущие на русском языке, однако в номинацию «Новая уральская драма» подают свои работы только студенты и выпускники курса Николая Коляды в Екатеринбургском государственном театральном институте.

Конкурс новой драматургии «Ремарка» проводит финал каждый год в новом городе, в непосредственном сотрудничестве с театрами принимающего региона. Конкурс был создан Олегом Липовецким в 2011 году в Петрозаводске для поддержки и продвижения талантливых драматургов Карелии и Северо-Запада, но вскоре он перерос региональные рамки. У конкурса нет возрастных ограничений, и у него есть отдельная программа, где участвуют пьесы для детей, – «Маленькая Ремарка».

Ежегодно с 2003 года Московский театр «Школа современной пьесы» проводит международный конкурс русскоязычной драматургии «Действующие лица». Его учредителями также являются Российская государственная библиотека искусств, радио «Культура», журнал «Современная драматургия». Никакого ограничения по возрасту, профессиональному статусу в конкурсе нет. Главное, чтобы пьеса была написана на русском языке и не была поставлена.

Конкурс современной драматургии «Кульминация» проводится с 2016 года Фондом развития современного искусства, «Мастерской Брусникина» и Союзом театральных деятелей при поддержке Фонда президентских грантов. «Кульминация» объединяет все действующие конкурсы драматургии России, выступая в роли конкурса конкурсов.

Публикуют ли современные пьесы для чтения?

Безусловно. На сайте театральной библиотеки Сергея Ефимова https://theatre-library.ru/ доступны современные и классические пьесы российских и зарубежных авторов. Усилиями Николая Коляды создана интернет-библиотека пьес уральских драматургов http://www.uralplays.ru/ Часто драматургические конкурсы выкладывают тексты пьес-участниц на своих сайтах. Например, «Любимовка» https://lubimovka.ru/piesy, «Ремарка» https://remarka-drama.ru/texts/plays_br2020/

В бумажном виде выходит журнал «Современная драматургия», где публикуются лучшие российские и зарубежные пьесы, актуальные материалы о драматургии и театре. Также в печати можно найти и сборники пьес. Например, в 2018-2019 годах вышел двухтомник пьес уральских драматургов «Первый хлеб», а в 2020 году был издан сборник «Любимовка. Пьесы».

Востребована ли современная драматургия театром или авторы пишут «в стол»?

Востребована. В репертуаре практически каждого российского театра есть спектакли по пьесам современных авторов. В 2017 году театральный критик Павел Руднев отмечал: «Где-то с конца 2000-х репертуарный театр восстановил баланс между современностью и классикой, поэтому хороший текст, появившись где-либо, рано или поздно доходит до сцены и получает резонанс». http://literratura.org/non-fiction/2215-sovremennaya-drama-put-k-zritelyu-ili-pauza-ozhidaniya.html

Однако процент постановок современных пьес по отношению к их количеству всё же достаточно мал. Очевидно, что взять в репертуар театра материал нового автора – риск не продать зал. Кроме того, современному автору положены «авторские отчисления», что также несёт финансовую нагрузку на театр.

Кто самые известные современные драматурги?

Николай Коляда, Иван Вырыпаев, Евгений Гришковец, Дмитрий Данилов, Ярослава Пулинович, Павел Пряжко, Олег Богаев… И это далеко не полный список.

Какие известные спектакли поставлены по пьесам современных драматургов?

Пожалуй, каждый интересующийся театром человек в последние годы слышал название «Человек из Подольска». Спектакли по этой пьесе Дмитрия Данилова сейчас идут во многих театрах страны, а недавно ещё вышел одноимённый фильм Семёна Серзина.

Одной из громких театральных премьер 2019 года стала «Иранская конференция» Виктора Рыжакова по пьесе Ивана Вырыпаева в Театре Наций, а в 2020 году в «Современнике» Рыжаков поставил не менее громкое «Собрание сочинений» Евгения Гришковца.

Хит режиссёра Юрия Бутусова «Человек из рыбы» на основной сцене МХТ им. А.П. Чехова сделан по пьесе Аси Волошиной. Её же пьеса «Мама» – в основе одноимённого популярного спектакля Владимира Панкова в Центре драматургии и режиссуры.

Можно набрать ещё пару десятков названий спектаклей, пользующихся успехом у зрителей и поставленных по пьесам современных драматургов.

А зарубежных современных драматургов у нас ставят?

Конечно. Например, спектакли Константина Богомолова «350 Сентрал-парк Вест, New York, NY 10025» и «Мужья и жёны» в МХТ им. А.П. Чехова – постановки пьес Вуди Аллена. «Палачи» в Гоголь-центре и БДТ им. Г.А. Товстоногова – спектакли по пьесе Мартина МакДонаха. Недавняя премьера «Сына» в РАМТе и ожидаемая премьера «Мамы» в «Современнике» основаны на пьесах Флориана Зеллера.

Любят ли молодых драматургов «возрастные» режиссёры, или им проще работать с классикой? Имеет ли тут значение возраст?

Скорей всего, возраст значения не имеет, важен интерес режиссёра к новым авторам и их текстам. Например, Галина Волчек на протяжении всего творчества работала с текстами современников, а Марк Захаров уже в почтенном возрасте обращался к произведениям Владимира Сорокина.

Пять главных послевоенных пьес и их лучшие постановки • Arzamas

Советские драмы и спектакли, выбранные совместно (и независимо друг от друга) литературоведом и театроведом, — о любви, мещанстве, жертвенности, пьянстве от тоски и семейных отношениях

• Пять вечеров
• В поисках радости
• Мой бедный Марат
• Утиная охота
• Три девушки в голубом

«Пять вечеров»

Пьеса

Александр Володин, 1958 год

О чем: Оказавшись в Ленинграде по случаю командировки, Ильин внезапно решает зайти в квартиру, где семнадцать лет на­зад, уходя на фронт, оставил любимую девушку, и — о чудо! — его Тамара до сих пор живет в комнате над апте­кой. Жен­щина так и не вышла замуж: племянник-студент, которому она заменяет мать, да его взбалмошная подруж­ка — вот и вся ее семья. Продираясь сквозь страх непони­мания, неискренность, размолвки и примирения, двое взрослых людей в конце концов осознают, что счастье все еще возможно — «только бы войны не было!».

Почему стоит читать: Растянутая на пять вечеров встреча Ильина и Тамары — это не только история о поздней неприкаянной любви мастера фабрики «Красный треугольник» и завгара  Завгар — заведующий гаражом. северного поселка Усть-Омуль, но возможность вывести на сцену реальных, а не мифических советских людей: умных и совестливых, с изломан­ными судьбами.

Пожалуй, самая пронзительная из драм Володина, пьеса эта наполнена груст­ным юмором и высокой лирикой. Ее герои вечно что-то недоговаривают: под речевыми клише — «работа у меня интересная, ответственная, чувствуешь себя нужной людям» — ощущается целый пласт загнанных глубоко внутрь тяже­лых вопросов, связанных с вечным страхом, в котором вынужден жить человек, словно заключенный в огромном лагере под названием «родина».

Рядом со взрослыми героями живут и дышат молодые влюбленные: поначалу Катя и Слава выглядят «непугаными», но и они инстинктивно ощущают тот страх, что съедает души Тамары и Ильина. Так неуверенность в самой возмож­ности счастья в стране «победившего социализма» постепенно передается следующему поколению.

Постановка

Большой драматический театр
Режиссер Георгий Товстоногов, 1959 год

Можно немного представить себе потрясение, которым стал для зрителей этот спектакль, благодаря радиозаписи 1959 года. Публика реагирует здесь очень бурно — смеется, волнуется, затихает. Рецензенты писали о постановке Товсто­ногова: «Время сегодняшнее — конец 50-х — обнаруживало себя с поразитель­ной точностью. Почти все герои, казалось, выходили на сцену с ленинградских улиц. Одеты они были точно так, как одевались смотревшие на них зрители». Персонажи, выезжавшие из глубины сцены на платформах с выгородками бед­но обставленных комнат, играли прямо под носом у первого ряда. Это требо­вало выверенности интонаций, абсолютного слуха. Особую камерную атмо­сферу создавал и голос самого Товстоногова, произносившего ремарки (жаль, что в радиоспектакле текст от автора читает не он).

Внутренним конфликтом спектакля было противоречие между навязанными советскими стереотипами и естественной человеческой природой. Тамара в исполнении Зинаиды Шарко будто выглядывала из-за маски советской общественницы, прежде чем сбросить ее — и стать самой собой. По радио­записи понятно, с какой внутренней силой и удивительным богатством нюан­сов Шарко играла свою Тамару — трогательную, нежную, незащищенную, жертвенную. Ильин (его играл Ефим Копелян), проведший 17 лет где-то на Севере, с самого начала был внутренне гораздо более свободным, — но и он не сразу сумел сказать любимой женщине правду, выдал себя за глав­ного инженера. В радиоспектакле в игре Копеляна сегодня слышится много театральности, почти патетики, но много у него и пауз, тишины — тогда понимаешь, что самое главное с его героем происходит именно в эти моменты.

«В поисках радости»

Пьеса

Виктор Розов, 1957 год

О чем: В московской квартире Клавдии Васильевны Савиной тесно и многолюдно: здесь проживают четверо ее выросших детей и стоит мебель, которую беспрерывно приобретает Леноч­ка, жена старшего сына Феди — когда-то талантливого мо­лодого ученого, теперь же удачливого карьериста «от нау­ки». Прикрытые тряпками и газетами в ожидании скорого переезда в новую квартиру молодоженов, шкафы, пузатые буфеты, кушетки и стулья становятся в семье яблоком раздора: мать называет старшего сына «маленьким мещанином», а его младший брат, старшеклассник Олег, рубит «Леночкину» мебель саблей погиб­шего отца — героя войны. Попытки объяснения только ухудшают ситуацию, и в итоге Федор с женой покидают родной дом, оставшиеся же дети уверяют Клавдию Васильевну, что выбрали иной жизненный путь: «Не бойся за нас, мама!»

Почему стоит читать: Эта двухактная комедия поначалу воспринималась как «пустячок» Виктора Розова: к тому времени драматург уже был известен как автор сценария легендарного фильма Михаила Калатозова «Летят журавли».

Действительно, трогательные, романтичные, непримиримые к нечестности, стяжательству младшие дети Клавдии Васильевны Коля, Татьяна и Олег, а также их друзья и любимые составляли крепкую группу «правильной совет­ской молодежи», численно превосходящую круг представленных в пьесе «стя­жателей, карьеристов и мещан». Схематичность противостояния мира потреб­ления и мира идеалов особо не маскировалась автором.

Выдающимся оказался главный герой — 15-летний мечтатель и поэт Олег Савин: его энергия, внутренняя свобода и чувство собственного достоинства связались с надеждами оттепели, с мечтами о новом поколении людей, отметающем все виды социального рабства (это поколение бескомпромиссных романтиков так и стали называть — «розовские мальчики»).

Постановка

Центральный детский театр
Режиссер Анатолий Эфрос, 1957 год

Самая знаменитая сцена этой пьесы — та, в которой Олег Савин рубит отцов­ской шашкой мебель. Так было в спектакле театра-студии «Современник», вышедшем в 1957 году, да и от фильма Анатолия Эфроса и Георгия Натансона «Шумный день» (1961) именно это прежде всего осталось в памяти — может, потому, что в обеих постановках Олега играл молодой и порывистый Олег Табаков. Однако первый спектакль по этой пьесе вышел не в «Современнике», а в Центральном детском театре, и в нем знаменитый эпизод с шашкой и погибшими рыбками, банку с которыми Леночка выбросила в окно, был хоть и важ­ным, но все же одним из многих.

Главным в спектакле Анатолия Эфроса в ЦДТ стало ощущение полифонич­ности, непрерывности, текучести жизни. Режиссер настаивал на значитель­ности каждого голоса этой многонаселенной истории — и сразу вводил зрителя в заставленный мебелью дом, выстроенный художником Михаилом Курилко, где точные детали указывали на быт большой дружной семьи. Не обличение мещанства, а противопоставление живого и мертвого, поэзии и прозы (как под­метили критики Владимир Саппак и Вера Шитова) — в этом была суть взгляда Эфроса. Живым был не только Олег в исполнении Константина Устюгова — нежный мальчик с высоким взволнованным голосом, — но и мама Валентины Сперантовой, решившаяся на серьезный разговор с сыном и смягчавшая инто­нацией вынужденную резкость. Очень настоящий и сам этот Федор Геннадия Печникова, несмотря ни на что очень любящий свою прагматичную жену Леночку, и еще один влюбленный — Геннадий Алексея Шмакова, и девочки-одноклассницы, которые приходили в гости к Олегу. Все это отлично слышно в радиозаписи спектакля, сделанной в 1957 году. Послушайте, как Олег произносит ключевую фразу пьесы: «Главное — чтобы много было в голове и в душе». Никакой дидактики, тихо и выношенно, скорее для себя.

«Мой бедный Марат»

Пьеса

Алексей Арбузов, 1967 год

О чем: Жила-была Лика, любила Марата, была им любима, а еще ее любил Леонидик; оба парня ушли на войну, оба верну­лись: Марат — Героем Советского Союза, а Леонидик без руки, и Лика отдала свою руку и сердце «бедному Леони­дику». Второе название произведения — «Не бойся быть счастливым», в 1967 году лондонскими критиками оно было названо пьесой года. Эта мелодрама — растянутая почти на два десятилетия история встреч и разлук трех взрослеющих от эпизода к эпизоду героев, соединенных когда-то войной и блокадой в холодном и голодном Ленинграде.

Почему стоит читать: Три жизни, три судьбы ужаленных войной советских идеалистов, пытающихся строить жизнь согласно пропагандистской легенде. Из всех «советских сказок» Алексея Арбузова, где героям обязательно воздавалось любовью за трудовые подвиги, «Мой бедный Марат» — сказка самая печальная.

Советский миф «живи для других» оправдан для персонажей — еще подрост­ков потерями и подвигами войны, а реплика Леонидика: «Никогда не изменять нашей зиме сорок второго… да?» — становится их жизненным кредо. Однако «уходят дни», а жизнь «для других» и профессиональная карьера (Марат «строит мосты») счастья не приносит. Лика руководит медициной как «неосво­божденная заведующая отделением», а Леонидик облагораживает нравы сбор­никами сти­хов, издающихся тиражом пять тысяч экземпляров. Жертвенность оборачи­вается метафизической тоской. В финале пьесы 35-летний Марат провоз­глашает смену вех: «Сотни тысяч умерли за то, чтобы мы были необык­новенны, одержимы, счастливы. А мы — я, ты, Леонидик?..»

Задушенная любовь равна здесь задушенной индивидуальности, а личностные ценности утверждаются всем ходом пьесы, что и делает ее уникальным явле­нием советской драматургии.

Постановка

Театр имени Ленинского комсомола
Режиссер Анатолий Эфрос, 1965 год

Этот спектакль рецензенты называли «сценическим исследованием», «теа­тральной лабораторией», где изучались чувства героев пьесы. «На сцене лабо­раторно чисто, точно и сосредоточенно», — писала критик Ирина Уварова. Художники Николай Сосунов и Валентина Лалевич создали для спектакля задник: с него на зрителей серьезно и немного печально смотрели трое персо­нажей, смотрели так, будто они уже знают, чем все закончится. В 1971 году Эфрос снял телеверсию этой постановки, с теми же актерами: Ольгой Яков­левой — Ликой, Александром Збруевым — Маратом и Львом Круглым — Леони­диком. Тема скрупулезного исследования характеров и чувств здесь еще усили­лась: телевидение позволило увидеть глаза актеров, давало эффект зритель­ского присутствия при близком общении этих троих.

Можно было сказать, что Марат, Лика и Леонидик у Эфроса были одержимы идеей докопаться до правды. Не в глобальном смысле — они хотели как можно точнее услышать и понять друг друга. Особенно это было заметно по Лике — Яковлевой. У актрисы существовало как бы два плана игры: первый — где ее героиня выглядела мягкой, легкой, ребячливой, и второй — проступавший, едва собеседник Лики отвернется: в этот момент в него впивался серьезный, внимательный, изучающий взгляд зрелой женщины. «Всякая действительная жизнь есть Встреча», — писал философ Мартин Бубер в книге «Я и Ты». По его мысли, главное в жизни слово — «Ты» — можно сказать человеку только всем своим существом, любое другое отношение превращает его в объект, из «Ты» — в «Оно». На протяжении всего спектакля Эфроса эти трое говорили другому «Ты» всем своим существом, больше всего ценя неповторимую личность друг друга. В этом было высокое напряжение их отношений, которым и сегодня невозможно не увлечься и которому нельзя не сопереживать.

«Утиная охота»

Пьеса

Александр Вампилов, 1967 год

О чем: Проснувшись в типовой советской квартире тяжелым похмельным утром, герой получает в подарок от друзей и коллег траурный венок. Пытаясь разгадать смысл розыгрыша, Виктор Зилов восстанавливает в памяти картины последнего месяца: вечеринку-новоселье, уход жены, скандал на работе и, наконец, вчерашнюю пьянку в кафе «Незабудка», где он оскорбил свою юную любов­ницу, своего начальника, коллег и подрался с лучшим другом — официантом Димой. Решив и вправду свести счеты с опостылевшей жизнью, герой обзванивает знакомых, приглашая их на собственные поминки, но вскоре меняет решение и отправляется с Димой в деревню — на утиную охоту, о которой все это время страстно мечтал.

Почему стоит читать: Виктор Зилов, соединяя в себе черты отъявленного негодяя и бесконечно при­влекательного мужчины, кому-то может показаться советской реинкарнацией лермонтовского Печорина: «портрет, составленный из пороков всего нашего поколения, в полном их развитии». Появившийся в начале эпохи застоя умный, породистый и вечно пьяный итээровец  ИТР — инженерно-технический работник. с энергией, достойной лучшего при­менения, последовательно избавлял себя от семейных, служебных, любовных и дружеских уз. Финальный отказ Зилова от самоистребления имел для совет­ской драмы символический смысл: этот герой породил целую плеяду подра­жателей — лишних людей: пьяниц, которым было и стыдно, и противно вли­ваться в советский социум, — пьянство в драме воспринималось как форма социального протеста.

Создатель Зилова Александр Вампилов утонул в Байкале в августе 1972-го — в расцвете творческих сил, оставив миру один не слишком увесистый том драматургии и прозы; ставшая сегодня мировой классикой «Утиная охота», с трудом преодолевая цензурный запрет, прорвалась на советскую сцену вскоре после смерти автора. Однако спустя полвека, когда уже и советского ничего не осталось, пьеса неожиданно обернулась экзистенциальной драмой человека, перед которым разверзлась пустота устроенной, зрелой жизни, а в мечте о поездке на охоту, туда, где — «Знаешь, какая это тишина? Тебя там нет, ты понимаешь? Нет! Ты еще не родился» — послышался вопль о навсегда утраченном рае.

Постановка

МХАТ имени Горького
Режиссер Олег Ефремов, 1978 год

Лучшая пьеса Александра Вампилова до сих пор считается неразгаданной. Бли­же всего к ее толкованию подошел, вероятно, фильм Виталия Мельникова «Отпуск в сентябре» с Олегом Далем в роли Зилова. Спектакль, поставленный во МХАТе Олегом Ефремовым, не сохранился — даже во фрагментах. Вместе с тем он точно выразил время — самую беспросветную фазу застоя.

Художник Давид Боровский придумал для спектакля такой образ: над сценой, как туча, парил огромный целлофановый мешок, в котором находились сруб­ленные сосны. «Мотив законсервированной тайги», — рассказывал Боровский критику Римме Кречетовой. И дальше: «Пол покрыл кирзой: в тех местах ходят в кирзе и в резине. По кирзе рассыпал сосновые иголки. Знаете, как от новогод­ней елки на паркете. Или после траурных венков…»

Зилова играл Ефремов. Ему было уже пятьдесят — и тоска его героя была не кризисом среднего возраста, а подведением итогов. Анатолий Эфрос восхищался его игрой. «Ефремов до предела бесстрашно играет Зилова, — писал он в книге «Продолжение театрального рассказа». — Он его вывора­чивает перед нами со всеми потрохами. Безжалостно. Играя в традициях великой театральной школы, он не просто обличает своего героя. Он играет человека в общем неплохого, еще способного понять, что он заблудился, но уже неспособного выбраться».

Вот уж кто был лишен рефлексии, так это официант Дима в исполнении Алек­сея Петренко, другой важнейший герой спектакля. Огромный мужик, абсо­лютно спокойный — спокойствием убийцы, он нависал над остальными персо­нажами, как туча. Конечно, он пока никого не убивал — кроме животных на охоте, в которых стрелял без промаха, но вполне мог отправить в нокаут человека (предварительно оглянувшись, не видит ли кто). Дима больше, чем Зилов, был открытием этого спектакля: пройдет немного времени, и такие люди станут новыми хозяевами жизни.

«Три девушки в голубом»

Пьеса

Людмила Петрушевская, 1981 год

О чем: Под одной дырявой крышей три мамаши — Ира, Светлана и Татьяна — коротают дождливое лето со своими вечно дерущимися мальчишками. Неустроенность дачной жизни вынуждает женщин день и ночь ругаться на почве быта. Появившийся состоятельный ухажер увлекает Иру в другой мир, к морю и солнцу, она оставляет больного сына на ру­ках у своей слабой матери. Однако рай оборачивается адом, и вот уже женщина готова ползать на коленях перед дежур­ным аэропорта, чтобы вернуться к оставшемуся в одиночестве ребенку.

Почему стоит читать: Современников «Трех девушек» пьеса и по сей день поражает тем, насколько точно зафиксирована в ней эпоха «позднего застоя»: круг бытовых забот совет­ского человека, его характер и тип отношений между людьми. Однако кроме внешней фотографической точности здесь тонко затронута и внутренняя суть так называемого совка.

Ведущая диалог с «Тремя сестрами» Чехова, пьеса Петрушевской поначалу представляет своих «девушек» как три вариации на тему чеховской Наташи. Как и мещанка Наташа у Чехова, Ира, Светлана и Татьяна у Петрушевской непрерывно пекутся о своих чадах и ведут войну за сухие комнаты полуразва­лившейся подмосковной дачки. Однако дети, ради которых скандалят матери, на поверку никому не нужны. Пьесу пронизывает слабенький голосок больного сына Иры Павлика; мир мальчика полон сказочных образов, в причудливой форме отражающих реалии пугающей его жизни: «А когда я спал, ко мне луна прилетала на крыльях», — ребенка в этой пьесе не слышит и не понимает никто. С сыном же связан и «момент истины» — когда, осознав, что может его потерять, из «типичного советского человека» Ира превращается в человека, способного «мыслить и страдать», из чеховской Наташи — в чеховскую Ирину, готовую чем-то жертвовать для других.

Постановка

Театр имени Ленинского комсомола
Режиссер Марк Захаров, 1985 год

Эта пьеса была написана Людмилой Петрушевской по заказу главного режис­сера Театра имени Ленинского комсомола Марка Захарова: ему нужны были роли для Татьяны Пельтцер и Инны Чуриковой. Цензура не пропускала спектакль четыре года — премьера состоялась только в 1985-м; 5 и 6 июня 1988 года спектакль сняли для телевидения. Эта запись и сегодня производит очень сильное впечатление. Сценограф Олег Шейнцис перегородил сцену полупрозрачной стеной, за которой видны силуэты ветвей; на переднем плане стол, на нем букет сухих цветов, а в жестяном тазу, водруженном на табуретку, идет бесконечная стирка; вокруг устраивались склоки, флиртовали, испове­довались. Каждый был готов влезть в жизнь другого, да не просто влезть — основательно там потоптаться. Но это лишь поверхностное участие: на самом деле всем друг на друга было глубоко наплевать. Бубнила свое старуха Федо­ровна (Пельтцер), равнодушная к тому, что за стенкой лежит больной ребенок. Мгновенно взвинчивалась в припадке ненависти к интеллигентке Ирине и ее сыну Светлана (актриса Людмила Поргина): «Читает он! Дочитаетесь!» А сама Ирина — Инна Чурикова смотрела на все огромными глазами и мол­чала, пока были силы.

Признанный мастер сценических эффектов, Захаров выстроил в спектакле несколько опорных точек, выверенных, как балет. Одна из них — когда дачный ухажер Николай целует Ирину и та от неожиданности выделывает почти клоунский кульбит. Чурикова в эту минуту едва не падает со стула, припадает к плечу Николая, тут же резко отскакивает от него и, высоко вскидывая коле­ни, пробирается к двери, посмотреть, не видел ли поцелуй сын.

Другая сцена — трагическая кульминация спектакля: Ирина ползет на коленях за служащими аэропорта, умоляя посадить ее в самолет (дома ребенок остался один в запертой квартире), и хрипло, надсадно даже не кричит, а рычит: «Я могу не успеть!» В книге «Истории из моей собственной жизни» Людмила Петрушевская вспоминает, как однажды на спектакле в этот момент молодая зрительница вскочила с кресла и стала рвать на себе волосы. Смотреть на это действительно очень страшно.  

Пятерка лучших пьес для актеров

Актеры обязательно должны быть знакомы с величайшими шедеврами драматургии, уметь анализировать эти произведения и извлекать пользу для совершенствования своих профессиональных навыков. К тому же, есть вероятность, что вам доведётся столкнуться с этими пьесами в дальнейшем, так что стоит подготовиться заранее. Без лишних церемоний перейдем к списку пяти пьес, которые обязательны для чтения.

“В ожидании Годо”
Самюэль Беккет

Абсурдно, скучно, неясно и абсолютно великолепно – вот слова, которыми можно описать пьесу “В ожидании Годо”. Беккет размышляет о смысле человеческой жизни, о цели нашего существования, о том, что мы способны на страшные поступки. Два главных персонажа, которые ничего не делают, редкие диалоги, и, казалось бы, постапокалиптические декорации характеризуют пьесу. Тем не менее, между актерами в этой пьесе постоянно существует особая связь: они находятся в ожидании того, что никак не произойдет.

“Трамвай “Желание””
Теннесси Уильямс

Сценарий по этой пьесе был удостоен нескольких «Оскаров», Пулитцеровской премии и премии «Тони», а также положил начало успешной карьеры Марлона Брандо. И не без основания: “Трамвай “Желание”” – это легенда. Место действия пьесы – Новый Орлеан. Это история о молодой паре, которая принимает у себя сбившуюся с пути сестру жены, и о том, как жизнь всех троих меняется навсегда. Центральный конфликт происходит между грубым, взрывоопасным Стэнли и манипуляторшей-соблазнительницей Бланш.

“Как важно быть серьезным”
Оскар Уайльд

Вполне возможно, что это величайшая комедия всех времен. “Как важно быть серьезным” – шедевр Уайльда, является мастер-классом по комедийной актерской игре. Для игры в этой пьесе актерам необходимо проделать колоссальную работу: хорошо изучить то время, овладеть искусством инсинуации и мастерски исполнить ироничные диалоги. Никакая другая комедия не объединяет тактильные чувства и остроумие с постоянными социальными обращениями, как это делает Эрнест. Здесь есть роли для мужчин и женщин, как молодых, так и старых. Все они забавные, сложные и хорошо развиты в стиле Уайльда.

“Вишневый сад”
Антон Чехов

На этом месте может быть и любая другая пьеса Антона Чехова: “Три сестры”, “Чайка”, “Дядя Ваня”. Но “Вишневый сад” является особенным из-за истории создания. Пьеса была написана, как комедия, но интерпретируется, как трагедия. Дихотомия в пьесе образует деликатный баланс между смехом и слезами. Социальные проблемы, философские монологи, противоречивые действующие лица – все это вызов для актеров любого возраста. В пьесе “Вишневый сад” много действующих лиц, в ней достаточно интересных, как мужских, так и женских персонажей. Любой актер, работающий в театре, однажды столкнется с этой пьесой.

“Макбет”
Уильям Шекспир

Список не может быть полон без Барда. Сложная часть – выбрать пьесу, которую крайне важно прочитать всем актерам. Кто-то начнёт спорить, что это “Гамлет”, “Ричард III”, “Ромео и Джульетта”, и у каждого из них будут для этого весомые  аргументы.

Величайшая трагедия Шекспира “Макбет” – это динамичная, интригующая пьеса, в которой много материала для работы актерам. Два главных персонажа Макбет и леди Макбет – это сильные мира сего, каждый актер мечтает о такой роли. И, так как это одна из самых коротких пьес Шекспира, каждое мгновение в ней что-то происходит. Для участия в этом спектакле актеры должны быть податливыми, динамичными и в состоянии ходить “по лезвию ножа”.

Достойные внимания дополнения:

“Смерть коммивояжера”
Артур Миллер

Немногие пьесы западают вам в душу, как «Смерть коммивояжера». Вызов так называемой американской мечте, и вызов для актеров всех возрастов. Этот шедевр Миллера обязателен к прочтению.

“Кто боится Вирджинии Вулф?”
Эдвард Олби

Эта американская классика – две эпические роли для старших актеров и две замечательные молодые роли – равные части, веселые и пугающие.

“Фрекен Юлия”
Август Стриндберг

Удивительно, что Стринберга считали крайне консервативным, некоторые даже звали его женоненавистником. При этом его рукой был написан один из величайших женских персонажей. Убедитесь в этом сами.

“Август: Графство Осейдж”
Трейси Леттс

Ни одна пьеса последнего десятилетия не оказала такого влияния, как эта темная комедия. Она завоевала Пулитцеровскую премию и премию «Тони», и стало однимиз самых популярных произведений за последние годы.

Здесь вы можете подробнее узнать о факультете актерского мастерства New York Film Academy в филиалах Нью-Йорка, Лос-Анджелеса и Майами.

9 классических пьес, которые стоит посмотреть, получив степень актерского мастерства

От Макбета до Чикаго, в разнообразных классических пьесах представлены диалоги и персонажи, которые остаются актуальными для сегодняшней аудитории.

На современной сцене может быть множество смелых постановок, но и о классике есть что сказать. Независимо от того, происходят ли они от трагиков Древней Греции или дальновидных драматургов начала 20 века, эти пьесы обладают значительным влиянием.Их основные темы, привлекательные персонажи и увлекательные диалоги позволяют им постоянно очаровывать новую аудиторию.

Хотя классические пьесы заслуживают внимания, вот несколько, которые имеют решающее значение для развития всестороннего понимания театра.

Еврипид

Греческие пьесы, такие как Медея , напоминают нам, что, хотя изменения неизбежны, определенные эмоции и переживания остаются неизменными.Эта пьеса Еврипида, основанная на мифологических персонажах Ясоне и Медее, содержит несколько увлекательных современных интерпретаций, но всегда сосредоточена вокруг мести. Независимо от того, исполняют ли они классическую версию или модернизированный дубль, актеры должны продемонстрировать мастерство персонажей и сюжета, чтобы добиться успеха.

Уильям Шекспир

Классическая шекспировская трагедия «Макбет » на протяжении нескольких столетий была популярной в театре.Связанная с ним тема безудержных амбиций продолжает восхищать публику по сей день. Однако в театральной индустрии пьеса считается источником неудач. По этой причине многие актеры называют его «Шотландской пьесой», чтобы избежать якобы несчастья, вызванного настоящим названием постановки.

Педро Кальдерон де ла Барка

Книга Педро Кальдерона де ла Барки « Жизнь — это мечта », опубликованная в период испанского барокко, исследует взаимодействие судьбы и свободы воли.Несмотря на то, что он неоднократно адаптировался, оригинал остается столь же привлекательным, как и прежде. Только высококвалифицированные актеры могут внести глубину в интригующий сюжет спектакля.

Оскар Уайльд

Спустя столетие после выхода в свет постановка Оскара Уайльда остается одной из самых узнаваемых пьес в мире. Во многом его привлекательность заключается в остроумном диалоге.Он также примечателен своей тривиальностью, которая работает только при съемке квалифицированным актерским составом. При получении степени актерского мастерства нюансы, необходимые для успешного запечатления знаковых персонажей пьесы, могут быть развиты с помощью таких курсов, как «Персонажи и предыстория».

Сьюзан Гласпелл ​​

В книге Trifles Сьюзан Гласпелл ​​исследовала психологические различия между мужчинами и женщинами и влияние их социальных ролей.Сегодня эта влиятельная пьеса считается одним из самых ранних и эффективных примеров феминистской драмы. Гласпелл ​​также известна пьесой 1930 года « Элисон Дом », которая принесла ей Пулитцеровскую премию в области драматического искусства.

Морин Даллас Уоткинс

Как источник вдохновения для одного из самых популярных сегодня мюзиклов, оригинальная версия Chicago представляет собой сатирический взгляд на судебные дела нескольких женщин, обвиняемых в убийстве.Написанная Морин Даллас Уоткинс, пьеса 1926 года заставляет зрителей увлекаться перипетиями, захватывающими персонажами и умными диалогами.

Софи Тредуэлл

Как и Chicago , Machinal Софи Тредвелл исследует женскую преступность. Machinal был первоначально вдохновлен осуждением и казнью убийцы Рут Снайдер.Спектакль отражает лучшее из экспрессионизма, в котором изображение чувств играет огромную роль по сравнению с сюжетом.

Бертольд Брехт

Как одна из величайших антивоенных пьес всех времен, «Мать храбрость и ее дети» подчеркивает мастерство немецкого драматурга Бертольда Брехта.Пьеса, написанная как произведение сопротивления во время подъема нацизма, подчеркивает ущерб, нанесенный жестокими европейскими конфликтами. Нюансы исполнения имеют решающее значение, поскольку иначе пьеса может быть легко неверно истолкована публикой.

Артур Миллер

Смерть коммивояжера Артура Миллера все еще свежо, несмотря на то, что он открылся в Театре Мороско в 1949 году.Эта дата позволяет назвать пьесу «классической», но многие считают ее квинтэссенцией спектакля ХХ века. Хронология пьесы прыгает между 1940-ми и 1920-ми годами — сложность, которую нужно выполнять ловко, чтобы зрители не запутались.

Классика дает нам больше признательности за концепции, которые продолжают вызывать глубокие размышления и эмоции у сегодняшней аудитории. Не бойтесь погрузиться в увлекательные миры, которые оживляют эти пьесы.В погоне за актерской карьерой время, потраченное на изучение театральной классики, никогда не теряется зря.

Если вы заинтересованы в актерском мастерстве в Академии художеств Университета, запросите информацию, чтобы узнать больше о программе. После того, как вы оценили свои варианты и решили присоединиться, подайте заявку, чтобы начать работу.

206 Классический греческий театр, Классическая драма и театр

© Damen, 2021

Классическая драма и Театр

Вернуться к главам

РАЗДЕЛ 2: КЛАССИЧЕСКАЯ ГРЕЧЕСКАЯ ТРАГЕДИЯ И ТЕАТР

Глава 6: Ранний классический театр

Я.Введение: Обзор классической греческой драмы

Давайте начнем с обзора того, что мы рассмотрим в следующих двух разделах класс: Классическая греческая трагедия (Секция 2) и Греческая комедия (Секция 3).

Согласно Аристотелю, афиняне первыми разработали трагедию с комедией. через поколение или около того. Хотя эта оценка по сути верна, правда, кажется, была несколько сложнее. Комические драмы в отличие от в саму комедию — то есть юмористические пьесы против формального жанра «комедия» — появляются развиваться вместе со своим трагическим двойником, возможно, даже раньше.В частности, пьеса сатиров, которая состояла из фарсового изложения мифов, которые чаще всего трактовались серьезно и показал хор шумных, непочтительных сатиров (получеловек-полуживотных духи пустыни, печально известные своей похотью и обжорством), в традициях греческого театра, хотя точно не известно, насколько рано. Тем не менее, исторические источники для театральных представлений в классической эпохе в значительной степени на трагедии как средоточии ранней драматической деятельности, даже если ее первостепенное значение в ретроспективе, вероятно, выглядит яснее, чем казалось днем.

Три трагики вышли из пятого века до нашей эры как главные практикующие классической греческой трагической драмы: Эсхил, Софокл и Еврипид. Их единственные трагедии, сохранившиеся целиком. Прежде всего, Эсхил жил поколением раньше, чем два других, поэтому его работа является нашим первым трудным посмотрите на греческую драму. Даже если его пьесы могут показаться современным зрителям статичными и медленными, нет никаких сомнений в том, что они были захватывающими, новыми и противоречивыми в свое время.

Старший из более поздней пары, Софокл часто считается лучшим драматургом. из трех — по общей оценке многих в научном сообществе, Софокл остается лучшим представителем трагического искусства всех времен — и, конечно же, его отточенные драмы пользовались большим уважением в классическую эпоху, поскольку они был по большей части с тех пор. В таком случае довольно иронично отметить, что интерес к его драме в исполнении, кажется, угас вскоре после того, как он продолжительность жизни.

Напротив, Еврипид, отчуждая своих современников и считаясь за много секунд до Софокла, когда они оба были живы, оставленные позади тело драмы, которое господствовало на сцене после классической эпохи. Там может не сомневаюсь, почему: Еврипид умел ставить на сцене броские ситуаций и создание запоминающихся персонажей с крайними расстройствами личности. Соответственно, театральные записи показывают, что его произведения очень часто ставились. в более поздние времена, опередив по популярности Софокла и Эсхила.

Нет греческой трагедии четвертого века или позже (постклассическая эпоха) сохранился нетронутым, что затрудняет определение хода трагического драма в Греции после жизни Софокла и Еврипида (примечание). Однако мы можем проследить эволюцию его близкого родственника, комедии, в более позднем греческом языке. театр.

представление юмористического материала имеет глубокие корни в Древней Греции и, возможно, так же стара, как сама трагедия, но поскольку комедия рассматривалась как меньшее искусство, пока довольно поздно в эволюции западной цивилизации, свидетельства в пользу этого жанра драмы скудно.Исторические записи ясно показывают, что пародии, предназначенные для провокации смех писали повсюду и даже до классической эпохи — комедии официально премьера состоялась в Дионисии в какой-то момент в 480 г. до н.э., между Персидские войны — и этот тип театра, теперь называемый «Старая комедия», набирала популярность на протяжении пятого века. В частности, началось чтобы привлечь всеобщее внимание во время Пелопоннесской войны, когда постановки комедии обеспечили афинянам столь необходимое облегчение от тревог и печали. их конфликта против Спарты.

В то время как имена некоторых представителей этого жанра в пятом веке сохранились, а в некоторых случаях и фрагменты их произведений, пьесы только Драматург Старой Комедии, Аристофан, дошел до нас полностью. Его драма — и, вероятно, драма его предшественников и современников — была в первую очередь построены вокруг текущих событий и проблем. Действительно, все указывает на то, что на политическую и социальную сатиру как отличительную черту старой комедии, особенно конец классической эпохи.

После окончания Пелопоннесской войны, когда Греция перешла в постклассический периода, комедия претерпела серьезные преобразования. К концу четвертого века (300-е гг. До н.э.) комическая драма перестала высмеивать знаменитостей. а правящий режим превратился в новый и совершенно иной вид развлечений, сфокусированный на жизни и образе жизни менее известных людей. Вне пепел гражданской войны и завоеваний Александра, подпитываемый отчаянием верхний средний класс родился «комедийным сериалом».«

Мастером этой «Новой комедии» был Менандр, которого провозгласил по крайней мере один древний критик как автор непревзойденного качества. Однако по причинам не имея ничего общего с его блестящим сценическим искусством, его работы не сохранились средние века. К счастью, пески Египта всколыхнули несколько его пьесы, хоть и в «лохмотьях», но достаточно хорошо сохранившиеся чтобы мы увидели, как выглядела его драма. Управляемый характером, сильно стилизованный с множеством повторяющихся персонажей и более склонный к тонким, а не широким юмор, Menandrean New Comedy знаменует начало современной драма.

II. Театрон

Физические остатки греческого театра классической эпохи крайне малочисленны, превращая вероломное предприятие в реконструкцию театральных пространств, декораций, костюмы, музыка или любые материальные особенности театра, развернутые в преклонном возрасте который способствовал греческой трагедии (400 г. до н. э.). Итак, что известно о театре за столетие до этого, 500-е годы до нашей эры, время, когда впервые возникла сама драма, настоящий пробел.Большинство греческих театров, видимых сегодня в Средиземноморье бассейны были построены после классической эпохи, а те немногие, что принадлежат к самым ранним периодам развития театра почти повсеместно обновлялись в более поздние периоды античности, оставив им сомнительные источники информации о классический театр. То есть они представляют собой «вторичные источники», поскольку по большей части.

Наши данные о классических сценических практиках, таких как актерские стили, костюмы, музыкальное сопровождение и тому подобное, как правило, также нечеткие.Хотя некоторые исторические источники, кажется, предоставляют достоверную информацию о производительности классической трагедии, современная оценка этих данных все еще в значительной степени зависит от о драмах V века, которые случайно сохранились. Усугублять проблему, древний театр по своим обычаям и практикам был довольно подвижным предприятием, и какие правила применялись к одному периоду или даже одному десятилетию! обязательно обращалась к другому. Как следствие, обсуждение ниже это попытка рассмотреть основные моменты проблемы, окутанной тайной, и вникнуть в в некоторые из наиболее известных театральных практик классической и постклассической эпохи. период.

A. Фестивали и природа древних представлений

Для некоторое время — по крайней мере, до первой половины V века (ок. 450 г. До н.э.) — вся драма, похоже, была представлена ​​в Городе Дионисии , ежегодный афинский фестиваль, проводимый каждый весна в честь бога Диониса. Хотя ясно, что на этом празднике было соревнование среди драматургов, в которых работа одного из них была отмечена «первой место », многое еще остается неопределенным, например, количество трагиков, приглашенных для участия каждый год, сколько пьес было представлено и сколько дней длились эти постановки.Правила кажутся изменились в течение столетия. Что трагедии позже будут упаковано в трилогий — группы по три пьесы связаны сюжетом или темой, или тем и другим вместе — с комической пьесой сатиров добавлено позже, побудило некоторых ученых отбросить эту традицию обратно к самые ранние дни, но достоверность этого предположения невозможно определить учитывая скудность информации в пределах нашей досягаемости.

— это ясно, что у древних афинян интерес к театру как форма искусства стремительно выросла с конца доклассической эпохи (ок.500 г. до н.э.) и продолжал неуклонно расти в течение пятого века. Например, в 440-х гг. До н.э. еще одно соревнование драматургов-трагиков и комедийных драматургов. был учрежден на дополнительном празднике в честь Диониса, Лене , , строго внутриафинский роман, происходящий в середине зимы (конец января). К постклассический период (после 400 г. до н.э.) начались всевозможные фестивали включить драму в свои празднества, независимо от того, была ли у них естественная связь с театром или нет.Очевидно, что популярность театра сделала его привлекательным для широкий спектр культов как способ обслуживания публики. Это неудивительно, затем греческие пьесы начали распространяться в древние времена. мир, заложив основу не только театра как ключевой черты древнего Западная цивилизация, но также греческая как «обычная» ( koine ) язык международной торговли в этом регионе.

помещения для выступлений классической античности огромны по сегодняшним меркам, по размеру ближе к современным спортивным стадионам, чем театры, с которыми мы наиболее знакомы.На открытом воздухе и чаще всего на крутых склонах, огибать игровую площадку, многие древние театры могли вместить тысячи зрителей. Эти theatra (множественное число theatron ) призывают к определенному стилю исполнения. Чтобы быть услышанным, для Например, древний актер должен был иметь сильный голос . Так же, костюмы, декорации и движения также должны быть видны и понятны на больших расстояниях.В отличие от современных реалистичных пьес, которые по большей части требуют для интимных закрытых театральных пространств с регулируемым освещением, старинная драма у нас было больше ощущения, которое мы ассоциируем с крупномасштабными спортивными мероприятиями.

Собственно, если бы древние греки сравнивали драму с чем-либо в свое время, это было бы наверное было судебных процессов . Адвокаты тогда были рассматриваются как своего рода «актеры», поскольку они предоставили некоторые из сенсационные и театральные моменты греческой истории.Часто ходатайства перед тысячи людей и не стесняются драматизировать свое появление в суде, ораторы в древности редко боялись ссылаться на драму во время судебных тяжб, один, по крайней мере, даже зашел так далеко, что процитировал трагедию достаточно подробно, как если бы он актер. На самом деле древние афиняне довольно часто использовали свои большие, центральные расположена действующая площадка, Театр Диониса , а важных испытаний. Итак, если театр казался древним грекам чем угодно, то Скорее всего, это был судебный процесс, и поэтому греческие драмы иногда явно спорная атмосфера, в которой персонажи, кажется, преследуют друг друга, апеллируя иногда публике, как если бы это было жюри.И это вовсе не из соответствует действительности, поскольку большинство афинских зрителей служили бы члены жюри в какой-то момент своей жизни, некоторые смотрели спектакль из те самые места, на которых они сидели в качестве присяжных.

В этом свете древние греки не видели особых причин. для поддержания невидимой «четвертой стены» или построения персонажей с внутренностью (т.е. психологическая тонкость, достигнутая через подтекст), характерные для современного театра.Вместо презентационализма и открытое величие типично для греческого театра и драмы. Как испытания и общественность зрелища, на которые так часто похожа греческая драма и которые она, несомненно, сформировала, в свою очередь — у древнего театра в Греции не было иного выбора, кроме как встретить грандиозность арены, на которой он играл. Так оно и было, в высоком стиле, особенно в руках. из его величайших представителей. Таким образом, можно с уверенностью заключить, что древний театр и его близкий родственник, зал суда, разделяет давнюю традицию зрелищности.Другими словами, древние греки чувствовали себя как дома, наблюдая за любым о сенсационных судебных процессах, показанных сегодня по телевидению, особенно о судебном преследовании знаменитостей, и, вероятно, смотрели бы сенатские слушания по CSPAN в гораздо большем количестве чем мы.

B. Театр в эпоху классики

первичное и первозданное пространство для выступлений в древних Афинах и дом Город Дионисия был Театром Диониса.Построен на склонах Акрополь где он мог бы использовать естественную местность для сидения, этот «инструмент для просмотра «это если не место рождения, то колыбель западной драмы. Но его точная структура в классическую эпоху невозможна. определить. В древности его дважды реставрировали, один раз в позднее четвертого века (300-е гг. до н. э.) и еще раз во времена Римской империи, что делает это маловероятным что единственный камень, видимый сегодня в театре, был там в классическом Возраст.Таким образом, маловероятно, что кто-либо из классических трагиков признал бы большая часть театра, который мы видим сейчас, отличается от его местоположения.

Для Например, оркестр — «танцевальное место» (дословно, «инструмент для танца») — Театра Диониса, квартира площадь в нижней части театра, где пел и танцевал хор, — это циркуляр сегодня. Однако в V веке до нашей эры он был, скорее, прямоугольным. Это утверждение основано на двух, хотя и скудных, сведениях.Первый, древние хоровые танцы были «прямоугольными», в которых прямоугольное пространство подойдет лучше.

Второй, единственный известный театр, который не изменился с того дня, Театр в Торикосе — Торик был афинским деме («район, р-н») — оркестр прямоугольной формы с только его углы закруглены. Тем не менее нет уверенности в том, что Театр в Торикосе использовался как место для постановки спектаклей или просто как площадка для встреч.В Подводя итог, трудно однозначно говорить о физической сущности Театра. Диониса в том виде, в каком он существовал в классическую эпоху, за исключением того, что это был большое строение, способное вместить огромные даже по современным меркам толпы людей.

1. Модель Skene

Тем не менее, можно сделать несколько выводов. Например, с самого На заре греческой драмы, вероятно, было какое-то закулисное пространство, в которое актеры могли удалиться во время спектакля и сменить костюмы.Нет древнего Театр, который не сохранил и не имеет места для остатков «закулисья» какой-то. Греки называли эту часть театра skene . («палатка»), несомненно, напоминая о ее происхождении как временном сооружении, возможно, даже настоящая палатка, в которую удалились первые актеры древности во время выступления.

Однако ситуация не так проста. Например, ранние пьесы Эсхила ( Persae , Suppliants , Seven Against Thebes ). в Театре Диониса — это древнейшие сохранившиеся греческие трагедии целиком — но они не требуют постоянной структуры на сцене.Таким образом, неясно, имел ли Театр Диониса до 460-х гг. до н. э. строительство как таковое на сцене; в этом случае skene мог быть просто «палатка». Итак, мы можем быть уверены, что Театр Диониса имел постоянное здание skene только после первых десятилетий классической эпохи.

С другой стороны, маска и костюм меняют все драмы Эсхила. влекут за собой необходимость в какой-то структуре, в которой актер может ненадолго уйти на пенсию вне поля зрения публики во время выступления.Что более поздние пьесы Эсхила делают на самом деле требуется здание skene с крышей, достаточно прочной, чтобы удерживать актер, стоящий наверху, как в первой сцене Эсхила Агамемнон (первая игра трилогии Орестеи ), показывает, что по крайней мере 458 До н.э. в Театре должно было быть какое-то здание типа skene Диониса. Однако его архитектурный стиль и конкретные размеры лежат за пределами нашего понимания в настоящее время.

Другие драмы, сохранившиеся с классической эпохи, проливают немного больше света на природа здания скене в классическую эпоху. Например, они показывают, что у него должна была быть по крайней мере одна дверь, потому что несколько V в. трагедии требуют, чтобы актеры выходили из здания или хор прошел из оркестра в корпус скене . Следовательно, не было только какая-то закулисная структура, но относительно легкий доступ между ними и место, где танцевал хор.Кроме того, как отмечалось выше, крыша здания skene должно было быть плоским и достаточно прочным, чтобы выдерживать по крайней мере, вес одного актера — и два или более к концу Классической Возраст — значит, внутри должна быть лестница или лестница. skene , ведущий на крышу.

Но, к сожалению, это действительно все, что мы можем с уверенностью сказать о древний скене . Что сохранившиеся классические драмы не часто упоминают об этом или призывают к его широкому использованию, утверждают, что это не было особенно сложным в его дизайне или применении.Если это правда, то, возможно, о классической эпохе, то же самое не относился к постклассическому греческому миру. К тому времени «палатка» использовался для изображения постановки пьесы посредством процесса, который греки называли skenographia («рисунок палатки», подразумевающий своего рода нарисованный фон), откуда происходит слово «сцена» в чувство пейзажа. Итак, даже если skene начинал как слабое присутствие в классическом театре позже, в четвертом веке до нашей эры, он превратился в тщательно продуманный структура и, без сомнения, представляет собой начало декорационного дизайна.

C. Специальные эффекты

Другие потребности театра в классической драматургии. свет о природе Театра Диониса в пятом веке до нашей эры. Несколько Классические трагедии, например, требуют, чтобы здание skene откройте и покажите внутреннюю сцену. Используемое для этого устройство было названо греки ekkyklema («выкатная»), предположительно колесная платформа, на которой можно было установить внутреннюю сцену, а затем «катить» out »из здания skene через главный вход в зал для публики. Посмотреть.Поскольку в книге Эсхила Агамемнон (458 г. до н. Э.) откровением, ekkyklema , вероятно, вошла в обиход во время первого половина пятого века до нашей эры, что делает его одним из самых ранних спецэффектов. на записи.

Другие классические пьесы требуют еще более зрелищного эффект, чтобы актеры «влетали» в театр. Отчет из древних источников что это было сделано с помощью устройства под названием mechane («машина»), кран, который мог поднимать актеров по skene строить и подвешивать их в воздухе на веревке.Но история механа проблематичнее, чем у ekkyklema и вызывает несколько важные вопросы, на которые, к сожалению, нет ответа. Когда был механ впервые использовали? Как подвешенный в воздухе актер не закрутился на веревке? Была ли спрятана рука (сам кран) mechane, когда она не использовался, или древние даже заботились о том, чтобы его хранили вне общего зрение? В любом случае, где это было размещено? Наконец, как это было взвешено? что это было управляемо? Нет четких ответов ни на один из этих вопросов, хотя мы можем сделать некоторые обоснованные предположения.

Во-первых, mechane , вероятно, был представлен довольно поздно в классической версии. Возраст, поскольку ни одна пьеса, датируемая до конца 420-х гг. До н. Э., Абсолютно не требует Это. Можно было бы с уверенностью предположить, что это конец 430-х годов до нашей эры. Во-вторых, там — это простых способы удержать актера от вращения на веревке — например, с помощью привязать еще одну веревку к его спине — но это чистое предположение. Последний два вопроса — могла ли аудитория увидеть mechane , когда он не используется? и как команда справилась с этим? — имеют решающее значение, потому что они относятся к к другому вопросу, центральному в истории театра: насколько иллюзионистичным было классическое Греческий театр? То есть видели ли афинские зрители действие на сцене как реалистично, или для них это была стилизованная презентация, искусство и достоинства которой были не связаны с тем, насколько естественным и реалистичным выглядело драматическое видение? Там на эти вопросы нет немедленных или простых ответов, но если бы у нас было больше знаний, mechane , это, безусловно, поможет осветить этот и другие фундаментальные вопросы об эволюции античной драмы.

D. Как выглядела греческая трагедия: Финал Еврипида Орест

Что более определенно, и мы сами можем убедиться, как классические драматурги использовали механ и другие устройства, а также Театр Диониса в целом. Их драмы, по крайней мере, служат ориентиром для наших рассуждений. и стать своеобразной лабораторией наших реконструкций.Хороший пример — Еврипида Орест , его наиболее часто возрожденная пьеса в постклассической античности — так нам сказано в прилагаемых древних примечаниях к этой пьесе — и на примере экстремального поведения, психотических личностей и театральное великолепие. Финал этой трагедии показывает, как великий драматург может использовать имеющиеся в его распоряжении сценические инструменты для создания захватывающего панорамного крещендо действия в классическом театре.

Пьеса рассказывает о последствиях убийства Орестом его мать Клитемнестра , известная сага в греческом мифе. В ходе пьесы Еврипида Орест доведен до отчаяния, потому что никто не поможет защитить его, включая бога Аполлона, который первоначально приказал юноше совершить Матереубийство, по крайней мере, так утверждает Орест. Когда даже его дядя Менелай отказывается от помощи, Орест наконец сходит с ума, схватывает жену Менелая, красавицу Елену, которая вызвала Троянскую войну и убила ее — или кажется, потому что отчет о ее смерти не доказано — и затем, чтобы обеспечить свою безопасность, Орест похищает Гермиону, дочь Менелая, его двоюродную сестру, и держит ее в заложниках.[Щелкните здесь для более полного объяснения этой пьесы.]

Конец пьесы — это исследование возможностей создания спектакля в Театр Диониса. Еврипид постепенно заполняет сцену персонажами одного уровень за раз, буквально снизу вверх. В конце концов, все возможные действия пространство и практически все ресурсы, которыми в то время располагал драматург уже используется.

Финал начинается с того, что хор выходит на сцену в одиночку, поет и танцует в оркестр внизу театра.Затем входит Менелай со своим войском, вторичный тихий хор. Он — и они, вероятно, тоже — стоят на основной уровень сцены перед входом в корпус skene . Он требует, чтобы Орест открыл ворота дворца, но вместо него появляется Орест. на крыше с несколькими другими персонажами: его сестрой Электрой, его другом Пиладом и дочь Менелая Гермиона, которую Орест угрожает убить, если ее отец пытается пробиться во дворец.Они ссорятся, и Менелай дает сигнал к атаке. В ответ Орест приказывает своим друзьям поджечь дворец. и убить Гермиону.

Первозданный хаос кажется готовым к кульминационному крупному плану, когда в воздухе летает бог Аполлон на механе , парящий над шумом и дымом. Этот солнечный божество — божественное олицетворение света, разума и, в данном случае, «лучше поздно, чем никогда », — однако не парит только над Аргосом, а еще не умершая Хелен, летящая рядом с ним в первом классе.Он совсем недавно спас ее от нападения Ореста и превратил в богиню, чтобы она могла жить с ним.

Греческая сцена теперь заполнена как можно более говорящими персонажами. на каждом уровне снизу вверх: хор в оркестре, Менелай и его войска у дверей скене , Орест и его банда похитителей над ними на крыше скене , и боги, как новые, так и старые, качаю на механе над всем этим.Это очень искусно спланированный и продуманная последовательность действий, призванная привести к визуально ошеломляющему зрелищу пессимистического или, по крайней мере, ироничного величия! А если посчитать солнце — которое можно с уверенностью предположить, что это было сияние в тот день или любой другой день, когда представлены в Городской Дионисии — на самом деле существует пять уровней действия, с «звездой звезд», флагом Аполлона, бесстрастно сияющим на все это жалкое человеческое безумие.[Мы вернемся к этой трагедии позже. Это слишком театрально и хорошо написано, чтобы пройти мимо него без второго взгляда.]

III. Актеры и действия в Древней Греции

Таким образом, книга Еврипида Орест заканчивается тем, что должно быть одним из самых захватывающих сцены во всем греческом театре, используя все возможности Театр Диониса в классическую эпоху предлагал — конечно, трудно представить себе трагика об этой эпохе, требующей многого другого — все же, как ни трудно в это поверить, У Еврипида больше в рукаве, чем у этой трагической пробки.Понять что это такое, нужно принимать во внимание всю динамику греческих выступлений. То, что упускают из виду современная аудитория, хотя древняя аудитория не понимала, это что есть один говорящий персонаж или набор персонажей на каждом уровне сцена сверху вниз: Apollo ( mechane ), Orestes (крыша skene ), Менелай (сцена) и хор (оркестр).

A. Правило трех участников

Это демонстрирует еще одну важную грань классического греческого театра.Помимо хора, в трагедиях все говорящие роли исполняли всего три актера. произведено в Дионисии, хотя власти, которые наблюдали за этими празднованиями Диониса допускал на сцену любое количество немых актеров. Эти не говорящие части вероятно, играли молодые актеры-стажеры, чьи голоса еще не были полностью созрел и не мог проецировать достаточно хорошо, чтобы его можно было услышать на протяжении огромного арены в окружении классических театров.

Но все известные трагедии включают более трех говорящих персонажей, что означает актеры должны были играть более одной роли в пьесе.На современной сцене разыгрывание нескольких ролей иногда может вызывать трудности — аудитория сегодня те, кто сидит относительно близко к сцене, естественно, будут ожидать высокого уровня реализма, который может быть практически невозможен для актера, играющего более одного роль в действии — этого не было в Древней Греции. Смена ролей было вполне осуществимо на афинской сцене не только потому, что большинство зрителей сидели на некотором расстоянии от сцены, но, что более важно, потому что актеры были в масках и костюмах, что облегчало их способность играть разные части.То есть в рамках одной трагедии актер мог бы изобразить до пяти разных персонажей, иногда очень разных один, с относительной легкостью, так как он изменил свой фасад путем изменения маска и костюм были традиционным элементом греческого театра.

Действительно, дошедшие до нас драмы доказывают, что древнегреческий актер ожидалось, что он сможет олицетворять весь спектр человечества, начиная с молодых девушек к старикам, адаптируя его голос и манеры, как это делается до сих пор. в различных видах азиатского театра.И, как и в некоторых исполнительских жанрах, найденных там мужчины играли все роли, мужские и женские (примечание). В результате искусство древнего актерского мастерства было сосредоточено на гибкости исполнителя. осуществляется с помощью масок и костюмов, скрывающих собственное лицо и форма с точки зрения аудитории.

Кроме того, Понятно, что три актера исполнили все роли в любой классической драме, тенденция сегодня называется «правилом трех участников «.» Что на самом деле это ограничение, строго соблюдаемое в Дионисии, также несомненно, и не только потому, что более поздние исторические источники, такие как Аристотель, ссылаются на к нему, но потому что сохранившиеся драмы этого периода показывают это правило в действии. Другими словами, спектакли представляют собой «первичные» свидетельство того, что не более трех актеров исполнили все говорящие роли в классических произведениях. трагедию и пьесы сатиров по той простой причине, что вся эта драма — даже сохранившиеся фрагменты! — требуется не более трех говорящих персонажей сразу на сцену.

Кроме того, две другие особенности классической драмы дают понять, что всего три актера играли все роли. Во-первых, не было организовано дошедшей до нас трагедии. до окончания Пелопоннесской войны требует, чтобы актеры сыграли свою роль. Что То есть древнегреческие драматурги так расположили действие в своих драмах, что персонажи, закрепленные за каким-либо конкретным актером, никогда не разговаривают на сцене. Что если один актер играет и Электру, и Менелая, эти конкретные персонажи никогда не встречайтесь и не говорите вместе перед публикой.Во-вторых, греческие трагики неизменно дают актерам определенный период времени вне сцены (обычно интервал охвачено около пятидесяти строк диалогов), чтобы изменить маску и костюм. Этот запас комфорта, так сказать, наряду с другими аспектами греческой трагедии Упомянутые выше аргументы подтверждают «правило трех участников».

Менее понятно, почему было всего три актера. Предположительно, имея исполнителей играть более одной роли было традиционным компонентом греческого театра, возможно с самого зарождения греческой драмы, когда был всего один актер и хор.Таким образом, древние зрители, без сомнения, ожидали некоторого количества многоразовых ролевых игр. в драме. Но причина, по которой рост числа актеров остановился на три — это вопрос, для которого, вероятно, никогда не будет полностью удовлетворительного ответ, и у этого правила не должно быть только одной причины. Одно достоверное объяснение который почти наверняка имел некоторую силу в создании и поддержании этого ограничение связано с религиозным элементом античного театра, консерватизм которого безусловно сопротивлялся переменам на всех фронтах, включая добавление все большего и большего числа актеров в сцена.Не менее убедительна, без сомнения, ревность ведущих исполнителей. соревновались друг с другом за престижную награду в Дионисии во время вторая половина классической эпохи. Это также должно было способствовать удержанию количество выступающих исполнителей уменьшилось. Зависть среди актеров-соперников — одна из несколько надежных констант в мире развлечений.

Б. Голоса на сцене: диалог и триалог

Какой бы ни была причина, правило трех участников видны в действии в трагедиях всех трех драматургов, даже самых ранних, Эсхил.Хотя у него редко бывают сразу все три говорящих актера, он делает это так часто — по крайней мере, в своих более поздних трагедиях, — что кажется вероятным, что в его распоряжении регулярно было три актера, или два, если он сам считается одним из исполнителей (примечание). Интересно отметить, что его персонажи никогда не участвуют в триалоге , т.е. все три актера разговаривают в сцене — даже если трое говорят актеры на сцене.Так, например, во время противостояния Агамемнона и Клитемнестра в «Агамемноне » Эсхила , актеры, изображающие эти два персонажа разговаривают друг с другом. Хотя другой актер на сцене одет как Кассандра (троянская наложница Агамемнона и военнопленный), этот актер не говорит ни слова во время этой сцены. Скорее, он молчит на сцене некоторое время. долгое время и только, наконец, говорит через две сцены. Таким образом, во время беседы Агамемнона и Клитемнестры Эсхил фактически ставит три говорящих актера вместе на сцене, даже если они не все присоединяются к такой же разговор или участие в триалоге.

Почему не Эсхил заставляет всех трех актеров говорить вместе в этом или какая-нибудь сцена? Внимательное изучение природы аттического театра и его разветвлений правил, касающихся производительности, дает несколько веских причин для это. Прежде всего, важно помнить, что драма была новым видом искусства. во времена Эсхила. Скорее всего, он вырос из спектакля одного актера с хором. в качестве резервной копии — на самых ранних этапах трагедии не упоминается актеров, только драматург и хор, что подтверждает предположение, что драматурги изначально исполняли все роли говорящих персонажей — арена для двух, а затем для трех исполнителей.С нашей точки зрения, этот переход кажется простым, но днем ​​спектакль с таким количеством актеров на сцене одновременно время, должно быть, выглядело как цирк с тремя кольцами, особенно для публики, привыкшей чтобы только один «голос» представлял всех персонажей рассказа, так, как поступали Гомер и все эпические поэты.

В результате в пьесах Эсхила виден консервативный подход к диалогу. где, когда два персонажа ведут диалог, ситуация всегда тщательно удалось.Например, действие, ведущее к диалогу в эсхиловском драма имеет тенденцию протекать следующим образом: каждый из говорящих персонажей вводится отдельно, они произносят дискретные монологи (часто с акцентами хоровыми междометиями), и только через некоторое время они наконец обмениваются слова туда и обратно. Этот осторожный подход, поскольку драматург следит за тем, чтобы аудитория слышала голоса обоих актеров и понимает двух персонажей » различные точки зрения, подтверждает, что в раннюю классическую эпоху аудитория требовалась некоторая подготовка, прежде чем разговор мог состояться на сцене.

Исторически это тоже имеет смысл. Если мы можем верить Аристотелю, который утверждает вторым действующим лицом было изобретение Эсхила, диалог такого рода не существуют не ранее 490 г. до н.э. С этой точки зрения драматурги самые ранние фазы греческой драмы напоминали бы эпических поэтов, которые доминировали публичное выступление в доклассическую эпоху, за исключением того, что эти драматурги-барды позади них хор, и они были одеты в соответствии с ролями, которые они исполняли вместо того, чтобы просто рассказывать о том, что произошло или было сказано.Ведь эпические поэты, не мог вести диалог так, как это было в трагедии, поскольку только одно из них исполнялось за раз. И драматурги на самом раннем этапе трагедии, пока Эсхил не представил второго исполнителя и первый диалог между актерами.

И все же иметь возможность сделать что-нибудь в театре — это одно и унести его на сцену — другое. Аудитория должна уметь следить за тем, что происходит на сцене и наслаждается этим, или в чем смысл? Яркий реализм сценического диалога, несомненно, поразил публику Эсхила, они привыкли к тому, что поэт-соло снабжает всех отдельных персонажей. голоса в спектакле.Если бы это сделала пара мужчин, это выглядело бы древней публике, как будто одновременно выступали два эпических поэта, прекрасное понятие, но также и ситуация, чреватая возможностью запутать зрители о том, что именно разворачивалось у них на глазах. Это объясняет почему Эсхил неизменно осторожен в подходах к диалогу. Он должен быть осторожны, чтобы не потерять публику во время выступления, например, когда два персонажа выходят на сцену, быстро обмениваются мнениями, что-то что почти наверняка перегрузило бы способность его аудитории следить что и кем говорилось на сцене.

Другой аспект трагического дискурса поддерживает точку зрения, что зрители Ранний греческий театр значительно больше нуждался в помощи в следовании любому дискурсу. сложнее простого обмена речами. Как поэзия, ритмы диалога в трагедии были несколько предсказуемы для зрителей, особенно если изменения речи оратора происходили в перерывах в поэтическом измерении, как, собственно говоря, они регулярно сделать в классической трагедии. То есть обычно один персонаж говорит один полный линия метра, а другой говорит следующее, а затем первое, еще и так на, в виде обмена, называемого stichomythy (по-гречески, stichomythia , «говорящая линия»).Этот ясный и предсказуемый схема обмена диалогами строка за строкой помогла древней аудитории понять какой персонаж говорил в данный момент, потому что они знали заранее когда один персонаж переставал говорить, а начинал следующий.

Stichomythy также является естественным продуктом того места, где он играл. В размер театров, в которых были представлены греческие драмы, положил конец большинству зрителей. на некотором расстоянии от места действия — добавьте к этому тот факт, что актеры были носить маски, чтобы зрители, даже находясь близко к сцене, не могли увидеть, как шевелятся губы исполнителей — так легко понять необходимость для такого стилизованного разговорного приема, как стихомифия.Тщательная подготовка прежде, чем диалог и предсказуемый обмен словами значительно улучшились бы способность аудитории следить за беседой на сцене, особенно когда она представлена с актерами в масках, игравшими на огромной арене. Учитывая все это, большинство зрители получили бы большую пользу от любой помощи в определении того, какой персонаж говорил в каждый конкретный момент.

И затем, чтобы в разговор вступил еще третий говорящий , без сомнения, сделать ситуацию почти безнадежно трудной для отслеживания, конечно, для публика, столь же новичок в драме, как Эсхил.Это что-то говорит их наследникам что только поколение спустя аудитория Софокла, очевидно, могла следить триалог. Это, однако, могло быть связано с растущими талантами исполнителей, которые помогли зрителям понять, какой персонаж говорит, — актеры с отличительными голосами значительно облегчили бы процесс — поскольку с возрастающей утонченностью древнегреческой публики в следовании театральному условности. Более того, растущий интерес к театру, несомненно, также стимулировал как действующие лица, так и их общественность должны искать способы обойти эти препятствия.

Драматурги тоже, возможно, не совсем осуждали ограничения, налагаемые на них этой ситуацией. Пьесы Эсхила, например, показывают больше, чем просто мастерство в этом техническом аспекте своего медиума. Ясно, что он также повеселился в процессе создания драмы, в которой использовалось ограниченное количество актеров — внимательное изучение его пьес предполагает, что ему, возможно, даже понравилось , это! — потому что в вышеупомянутой последовательности сцен, которые включают противостояние Агамемнона и Клитемнестры в Агамемнон г. что Эсхил играет с ожиданиями аудитории относительно того, сколько говорящих актеры на сцене, действительно дразня их самой возможностью «третьего» говорящий актер, что, наверное, было новостью для того времени.

В частности, он забавляется со своей аудиторией, решает ли Кассандра говорить. Сначала, в противостоянии Агамемнона и Клитемнестры, ее первое появление на сцене Кассандра не произносит ни слова. И в следующей сцене она снова не будет, когда Клитемнестра пытается поговорить с ней один на один. Хотя Кассандра молчание мотивировано сюжетом — она ​​пророчица и видит, что должно случиться, что Клитемнестра собирается убить и ее, и Агамемнона! немота играет и на другом уровне.Что, кажется, делает Эсхил? Кассандра отказывается говорить сначала в одной сцене, а затем снова в следующей. заставляя аудиторию предположить, что Кассандру играет не какой-то говорящий актер, но только немой. После такого продолжительного молчания и ее указательного отказ разговаривать с Клитемнестрой, многие из тех, кто был в аудитории Эсхила несомненно, пришла бы к выводу, что она никогда не будет говорить в этом играть, потому что роль не играет говорящий актер.

Но как раз тогда, когда это, кажется, так, Эсхил наконец-то захватил ее. перерыв в речи — на самом деле песня! — сопровождаемый продолжительным и движущимся сцена на сцене между ней и хором. Заманчиво предположить, что актер-певец дня прятался за маской и костюмом Кассандры так что затянувшееся извержение этого персонажа в песню — это уловка Эсхила чтобы удивить и ослепить толпу.

Это в некоторой степени объясняет значение бессловесного предложения в Поэтика Аристотеля (4), что Софокл, не Эсхил, познакомил «третьего» актера с трагедией.Если предположить, как отмечалось выше, когда взглянув на Эсхила, пьес Аристотель увидел, что нет никаких явных триалогов, и из этого заключил Эсхил не использовал трех актеров, тогда легко предположить, что он потерпел неудачу. полностью представить действие драмы Эсхила театрально и упустить из виду присутствие временно молчаливых «говорящих актеров», совсем другое вещь от настоящих «немых актеров», которые изображают персонажей, которые никогда не говорят на сцене.

Деталь из древней биографии Софокла. может дополнительно подтвердить утверждение, что Аристотель не смог оценить данные правильно. Хотя эта предполагаемая учетная запись изобилует ложными утверждениями, жизни великого трагика включает в себя, кажется, по крайней мере одну деталь подтверждено из других источников. Это говорит о том, что великий трагик не играет в собственных пьесах, потому что страдал от микрофона («малоголосость»).Другие источники, как документальные, так и художественные, поддержите эту общую идею. Например, Аристотель говорит нам, что когда Софокл играл в собственных пьесах, играл лишь второстепенные роли, такие как лировист, который имеет смысл, если драматург не обладал голосом, достаточно сильным, чтобы исполнить великие и сложные роли, написанные для греческой сцены. В дальнейшей поддержке По утверждению Аристотеля, нам также говорят, что известная картина в древности показал Софокла, играющего на лире.С такими подтверждающими доказательствами некоторые основания полагать, что биографические данные о его микрофон . Если так, становится легче понять, почему Аристотель мог следует отдать должное Софоклу, представившему на греческой сцене третьего актера, поскольку в в те дни человек со слабым актерским голосом — хотя это трудно представить любой, у кого есть более сильный голос драматурга ! — должен был сделать чем-то восполнить такой принципиальный недостаток.

Итак, если под «третьим актером» Аристотель имел в виду «третьего не драматурга». исполнитель «, то его слова можно считать технически правильными. Действительно, Софокл, из-за своего микрофона , возможно, был первым, кто принес «третий» актера на сцене, но это не значит, что он положил начало традиции три говорящих персонажа на сцене одновременно. То, что , на самом деле, было изобретением Эсхила. С этой точки зрения можно привести драматические доказательства. в соответствии с утверждением Аристотеля, которое теперь действительно, хотя и излишне лаконично. и нехарактерно сбивающий с толку.

Но в ситуации Софокла есть нечто большее, чем подсчет актеры. Полностью отдав сцену «актерам», то есть мужчинам, которые исполнил слова, написанные другими, он стал самым ранним известным «современным» драматург, в том смысле, что он первый известный нам драматург, который смотрел его собственные пьесы из театра . Это, в свою очередь, в некоторой степени способствует объясняя еще одну особенность его драмы, его умение создавать сложные, многослойные действие на сцене, где немые или второстепенные персонажи играют важные роли.Этот несомненно, результат того, что он был сценаристом, сидевшим вместе с аудиторией. принять участие в шоу, как и любой другой обладатель билетов. То есть в представлении пьесы он смотрел это как зритель, а не из-под маски, как Эсхил и все его предшественники. Так что если бы не новатор на актерской арене, Софокл заслуживает похвалы за то, что увидел драму с выгодной для публики точки зрения. о чем свидетельствует непреодолимая сложность его сценического действия, где ирония и персонажи на заднем плане часто комментируют происходящее впереди и по центру, а иногда и за кулисами.

К середине века актеры были установлены как приспособление в афинских театр. В какой-то момент в 440-х годах до нашей эры они начали получать свои собственные награды. в «Дионисии» — ясное признание их растущей роли в театре. Что это началось вскоре после того, как Софокл разделил драматургию и актерское мастерство. как неудивительно. Больше не подчиненные драматурга, который их так нанял. у него мог быть партнер по диалогу, актеры сами становились независимыми артисты, какими они являются сегодня, и без драматурга, чтобы затмить их на сцене их престиж взлетел до небес.Действительно, к IV веку наиболее известные Театральные имена, такие звезды, как Поло и Неоптолемос, принадлежали не драматургам. но актеры.

Примерно в то время театр, который никогда не обходился без кастовых систем. сложилась иерархия исполнителей. Позже — возможно, , намного позже, чем год. мы не знаем даты — были придуманы отдельные слова, относящиеся к трем разные актеры: главный герой , дейтерагонист и tritagonist , что означает соответственно «первый конкурент», «второй конкурент» и «третий конкурент».»В постклассическом В Греции эти термины также стали нести коннотацию качества. Так, например, tritagonist может означать «третьесортный». Но неясно, есть ли так было в классическую эпоху. Тем не менее, мы знаем, что дискриминация среди этих исполнителей восходит к пятому веку до нашей эры, потому что с в самом начале присуждения актерам премии в Дионисии только главный Премию удостоился актер, а не его сослуживцы.

Наконец, это свидетельствует о еще одном очень важном факте эволюции. актерского мастерства в классическом театре. Аудитория пятого века, должно быть, была умеет различать разных актеров на сцене, даже когда эти исполнители в маске на сцене. Чтобы уметь узнавать работу отдельного человека актер — а только он, а не его коллеги! — его публика иметь возможность следить за его ролями в драме.Более того, некоторые классические актеры были известны и хорошо известны по именам. Если бы зрители могли не различать их, поскольку они сыграли серию ролей на сцене, как они могли уважать и восхищаться ими? Это не могло быть лицом или фигурой, так чаще всего узнают современных актеров, потому что черты лица древнего актера не были видны на сцене. Вместо этого голос должен был быть основным актером. инструмент, абсолютная необходимость в его художественном арсенале, поэтому он, должно быть, прошел через их отличительные и мощные голоса, которые греческие актеры оставили свой след на мир, больше похожий на сегодняшних оперных певцов, чем на кинозвезд.

C. Продюсеры и спонсорство

И последнее, но не менее важное: организация и спонсорство Дионисии и Ленея, главный драматический фестиваль Афин, резко изменился время. Хотя сложно отследить все изменения, которые произошли всего за первые два века институционального театра на этом месте, есть некоторые константы. До эллинистического периода (ок. 300 г. до н. Э.) Драматурги и их постановки были спонсированы своего рода продюсером, называемым choregos (множественное число choregoi ), буквально «руководитель хора», кто обеспечил финансирование, которое позволило пьесе выйти на сцену.Обычно богатый человек, который по закону должен был выполнять какую-то государственную службу, choregos был своего рода производителем, на которого была возложена обязанность по обеспечению жильем. и кормление хора на протяжении всей репетиции и постановки. Он также купил костюмы, реквизит, декорации и все, что посчитал необходимым. для шоу. Это может быть очень дорогостоящее мероприятие, но оно также может отражать хорошо от его гражданственности и чувства долга перед государством.

Кроме того, даже с самых ранних дней Дионисии победившее имя хорего ‘ был записан на каменных памятниках, установленных в общественных местах, что привело к расходам производства потенциально хорошее вложение в рекламу. Довольно много из них «ангелы» со временем надели роскошные зрелища и завоевали всеобщее признание. для этого, что принесло и другие преимущества. Например, если он упал позже попал в какие-то юридические проблемы и был доставлен в суд, бывший choregos мог напомнить жюри, состоящее в основном из мужчин, видевших «его» показать, что он когда-то устраивал для государства большое угощение.Судить Судя по тому, как часто такие вещи упоминаются в записях древнегреческих судебных процессов, аргумент должен был работать.

Точный характер процесса отбора драматургов и хорегои собрались не понятно. Ни одна из административных процедур окружающие город Дионисию, в том числе многое, что мы хотели бы знать, например, точные методы, используемые при присуждении призов пьесам. Делать дела Хуже того, похоже, изменились способы подбора драматурга и продюсера. со временем, хотя некоторые особенности процесса выделяются на протяжении пятого и четвертый век.Например, в то время как choregos финансировали предприятие, именно драматург отвечал за постановку по большей части в классическую эпоху. С самого начала звонил на чородидаскалось («учитель хора»), драматург, видимо, «учил» припевала свои песни и танцы и наблюдала за репетиционным процессом в целом, даже если он не заплатил за это из собственного кармана.

Но к IV веку до нашей эры, как мы отмечали выше, роль драматурга в драма сильно уменьшилась, и актеры стали главной достопримечательностью в греческом театре.Таким образом, они начали отстаивать свою волю в отношении постановок. Как развивался театр, реконструировать еще сложнее, но в целом можно с уверенностью сказать, что материальные остатки античного театра и исторического источники, относящиеся к нему, а также сами дошедшие до нас драмы, показывают живую, развивающаяся форма искусства, которая, как бы сводила ее с ума, была яркой и жизненно важной часть мира древних греков: отголосок их сердечных струн, зеркало их души и пир для их умов..

Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 Международная лицензия.

Еврипид, Классическая драма и театр

Неудивительно, что вскоре игроки пьесы начали затмевать драматургов. после классической эпохи. Действительно, тенденция театра четвертого века была не ставить новые трагедии, хотя драматурги не оставляли попыток писать их, но чтобы заново представить и заново изобрести великие драмы классических трагиков, Чаще всего Еврипид. К сожалению для более поздних греков, другой «Еврипид» как жаждет Дионис Аристофана в 9000 г. Лягушки , так и не всплыли.Таким образом, эллинистическая публика в основном ходила смотреть звезды в старой «классике», как в сегодняшней опере, где «боевые кони» Составленные несколько поколений назад — это главные носители искусства.

Это не означает, что драма не пронизывала постклассическую греческую культуру — это сделал! — только не оригинальной драмы . В конце концов, Афины, самый питомник драмы, изменившейся с изменением времени, и еще один конкурс диплом учреждена награда среди актеров, сыгравших в возрождении пьес V века. в Дионисии.Стоит отметить, что это произошло всего через несколько десятилетий четвертый век до нашей эры — иногда застой может быть очень быстрым, поэтому если можно так выразиться, в конце концов, постклассическая трагическая драма просто окаменелые. Оставив после себя впечатляющий зубастый скелет, свирепого вида, но застывшего, искусство после Софокла в конце концов стало больше Tyrannosaurus, чем Oedipus Rex .

Оф судьба Еврипида была лучше всех.Как и Дракула, он все еще мог быть очень страшным, даже из могилы, иногда даже в большей степени, чем когда-либо в жизни. А именно, когда Греция ненадолго уступила военному перевороту в двадцатом веке, новый режим запретил любое представление Еврипида « Ифигения» в Авлиде , пьесе, прославляющей молодых людей, жертвующих своей жизнью во благо государства. Какая награда для драматурга — гораздо больше, чем любая победа в Дионисия! — что его работа считается слишком опасной для постановки двадцать четыреста лет после его жизни! Шоу, Шекспир и Шепард могут только мечтать о таком порицании когда-нибудь.Но если бы Еврипид не умер полностью с его смерть, по большей части заставившая новую греческую трагедию, переложить бремя театральной новаторство в комедии о младших братьях и сестрах, которая с удивлением справилась с этой задачей. изящество и энергия и тем самым проложили путь к новой форме театра, настолько обычной, что она выглядит современно, — комедиям Менандра.

Термины, места, люди и вещи, которые нужно знать
Еврипид Выберите пьес Алфавитные пьесы Мелодрамы Спасательные пьесы Елена ( Елена ) Менелай [men-nuh-LAY-us] «Суровый и неприветливый» Критяне Минотавр Минос [MEE-noss] Pasiphae [pass-siff-FAY-ee] Orestes (Orestes)	Фурии Аполлон Электра Пилады [ПИЛЛ-лух-диез] Красные сельди Троянский раб The Bacchae [BAH-key] Кадм (см. Текст 2) Семела [SEM-mull-lee] (см. Чтение 2) Дионис (см. Чтение 2) Пентей [PEN-the-yus] (см. Текст 2) Агава [э-а-а-а] (см. Чтение 2)

Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 4.0 Международная лицензия.

40 лучших пьес всех времен, от «Доброй нашей страны» до трамвая «Желание» | Independent

Theater — это квинтэссенция искусства переосмысления. Каждый раз, когда пьеса возрождается, она «переделывается». С чем-то столь радостным и временным, почему вы хотите быть окончательным? Имея это в виду, давайте проясним, что то, что следует ниже, не является олимпийскими усилиями по объявлению «лучших пьес всех времен». Напротив, это набор вещей, которые мы постоянно находим вознаграждением.

Такой список неизбежно отражает работы, которые поставлены, отмечены и изучаются в Великобритании; он основан на западном каноне. Мужчин больше, чем женщин, белых писателей больше, чем цветных, хотя ограничение одной работой любого автора — мертвого белого мужчины или нет — должно помочь немного расширить рамки; да, это означает только одну пьесу Шекспира. Мы надеемся, что вы ознакомитесь с этими пьесами — в идеале в исполнении, но, если вы не найдете ни одной, прочитав текст.

40 величайших когда-либо написанных пьес

1/4040 величайших пьес, когда-либо написанных

40 величайших когда-либо написанных пьес

Жизнь — это мечта (1635), Кальдерон де ла Барка

Пьеса Кальдерона — один из шедевров Золотого века Испании.Трудное положение молодого принца Сегизмундо напоминает историю китайского мудреца о человеке, который видит во сне бабочку и просыпается, чтобы задаться вопросом, действительно ли он бабочка, мечтающая о мужчине. Этот юноша находится во власти политических колебаний: он с рождения заключен в темную башню из-за гороскопа, согласно которому он узурпирует трон. Затем, когда возникают опасения по поводу преемственности, его отец накачивает его наркотиками, приводит его во дворец и с недоумением обращаются с ним как с принцем.Поэтическое произведение, затрагивающее глубокие метафизические и политические вопросы в ослепительно театральной манере. PT

ЙОХАН ПЕРССОН

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Гамлет (1599–1602), Уильям Шекспир

Пьеса о поразительных открытиях. Заранее в елизаветинской драме было много монологов. Но никто никогда не разговаривал с такой аудиторией, как Гамлет. Он не просто впускает вас в свою уверенность, он впускает вас в свое сознание; лучшие образы заставляют почувствовать себя с этой фигурой душа к душе.Именно его способность к самоанализу мешает и дисквалифицирует Гамлета как героя мести: он довольно чудесно ошибается. Гамлет блестяще рефлексирует, постоянно исследует собственную театральность. Сознание Клавдия проверяется игрой внутри пьесы; Гамлет пытается обмануть суд, принимая «античный нрав», который временами может переходить в подлинное безумие. Пьеса похожа на мучительную медитацию на противоречивые значения глагола «действовать» — притворяться и вмешиваться.Неиссякаемый. PT

Rex Features

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Machinal (1928), Софи Тредуэлл

Феминизм и экспрессионизм сталкиваются в экстраординарном видении американского драматурга Софи Тредуэлл механизированного, бесчеловечного мегаполиса. Мы чувствуем, как раздирающий нервы рэкет современного существования, описываемый как «чистилище шума», нападает на персонажа Everywoman на каждом этапе, когда она спускается к гибели. Она стенографистка, чувствительный винтик в машине, которую ее мать шантажирует, вынуждая выйти замуж за босса, который возмущает ее, и в конце концов приговорен к казни на электрическом стуле за его убийство.Вяжущий диалог Тредуэлла с его звенящим стаккато и синкопированным телеграфом неожиданно предвосхищает Гарольда Пинтера и Дэвида Мэмета. Ее крик против узаконенного женоненавистничества — «Я не подчинюсь» — разносится сквозь века. PT

Johan Persson

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Государственный инспектор (1836), Николай Гоголь

В великом фантасмагорическом фарсе Гоголя безденежный чиновник, недавно прибывший из Санкт-Петербурга, ошибочно принимается за одноименного инспектора. коррумпированный мэр и чиновники этого провинциального городка.Паника заставляет этих параноидальных местных жителей выдавать ложную личность на этого незнакомца. Это было бы достаточно хорошей шуткой. Гоголь же придает ему вдохновенный поворот. Оказывается, что его ничтожное ничтожество движет такой же страх быть признанным одним из неудачников жизни. Поэтому, когда он вспоминает их эксплуатируемую ошибку, он рассматривает их абсурдное уважение (не говоря уже об их взятках) как давно назревшее признание его истинной ценности и с помпезностью разносится по воздуху. Комический бред в этом русском шедевре порождает переплетенные безумия.PT

40 величайших когда-либо написанных пьес

Old Times (1971), Гарольд Пинтер

Одна из самых запоминающихся и тревожных пьес Пинтера. Супружеская пара Кейт и Дили играют в игры власти и собственничества с бывшей соседкой жены, Анной, которая приезжает в гости впервые за 20 лет. Произведение ужасно озабочено тем, как люди используют выборочные — и, возможно, придуманные — воспоминания в качестве оружия или способа одержать верх. В этом понимании мы создаем воспоминания в ответ на психологические потребности момента: «Есть вещи, которые я помню, которые, возможно, никогда не происходили, но так, как я их вспоминаю.Дили находится под угрозой из-за юных отношений Анны с женой, и новичок сильно его привлекает. Это прекрасное воспоминание о взбалмошном Лондоне, когда девушки жили секретаршами, но непростая комедия всего этого становится смертельной. PT

Герайнт Льюис

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Перевертыш (1622), Томас Миддлтон / Уильямс Роули

Лучшая якобинская трагедия за пределами Шекспира, «Перевертыш», кажется, также предвосхищает фильм нуар.Героиня нанимает подозрительного типа, чтобы тот сбил своего жениха. У этого злодея уродливое лицо, но в пьесе говорится о том, насколько извращенно нас привлекает то, что нас отталкивает. Убийца требует ее девственности, поскольку его кровавые деньги и скатывание в призрачную порчу становятся неумолимыми. В сумасшедшем доме есть дополнительный сюжет, задуманный как искаженное зеркало главного действия в его одержимости маскировкой, безумием и сексом. PT

Shakespeare Globe

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Intimate Apparel (2003), Lynn Nottage

Этот американский драматург, получивший Пулитцеровскую премию, исследует историю своей прабабушки в Нью-Йорке начала 20 века.Эстер — черная швея, незамужняя и неграмотная, она шьет восхитительно красивые платья для других женщин, которые они надевают в свои брачные ночи. Она получает то, что могло быть последним шансом на счастье, но он уничтожается в обстоятельствах, которые никогда не вызывают сентиментальности. Чувственное ощущение тонкой ткани (ее средства поддержки и самовыражения) передано с великолепной описательной силой. Intimate Apparel удается поднимать настроение, не теряя при этом своего непочтительного юмора. PT

40 величайших когда-либо написанных пьес

Антигона (441 г. до н.э.), Софокл

Пьеса Софокла до сих пор остается самой сильной из когда-либо написанных о конфликте между нашими обязательствами перед государством и нашим долгом перед родственными узами.Антигона бросает вызов своему дяде Креону, новому правителю Фив, похоронив своего брата Полинеика. Он собрал армию против своего родного города, и Креон в это политически нестабильное время хочет, чтобы его труп был оставлен собакам в качестве образцового осквернения. Философ Гегель видел в этом квинтэссенцию истинной трагедии: не конфликт между добром и злом, а между добром и правом. Фактически, в наши дни постановки склоняются в пользу Антигоны и ее самоотверженной непримиримости. PT

EPA

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Один человек, два хозяина (2011), Ричард Бин

Ричард Бин придумал вдохновляющую идею перенести комедию дель арте Гольдони 18-го века из Венеции в Брайтон в 1963 году .Наш герой-мальчишка, отчаянно пытающийся удержать пару рабочих мест, без ведома ни одного из боссов, — неудачный игрок в скиффл. Сложности красиво искажены. Один персонаж навешивает на Брайтона, замаскированный под своего психически больного брата-близнеца, которого она сбила с толку своим шикарным парнем в бандитской драке. Все еще со мной? Диалог непослушный и знающий, но физическая клоунада приносит потрясающую невинную радость, которая достигает пика в безумной последовательности, где наш герой должен одновременно подать обед двум мастерам.PT

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Шуметь тихо (1986), Роберт Холман

Великолепный пример того, как писатель может создать пьесу, составив триптих из миниатюр. Холмен был воспитан в пацифистских традициях, и «Издавая тихий шум» рассматривает отдаленные последствия войны в трех случайных столкновениях. В первой, действие которой происходит на поле Кент в 1943 году, квакер с севера и раскованный лондонский эстет обсуждают причины, по которым они не сражаются.Во втором случае прибывает военно-морской офицер, чтобы рассказать матери о смерти ее сына во время Фолклендской войны. Действие третьего происходит в Шварцвальде в 1986 году. Английский рядовой, ушедший в самоволку со своим встревоженным восьмилетним пасынком, вступил в испытательное столкновение с богатой немецкой бизнес-леди, пережившей Холокост. Там потрясающая сцена, в которой она выводит маленького мальчика из его догматического мутизма своей повторяющейся, суровой настойчивостью, что он говорит «спасибо»; в конце концов, это воодушевляет, но не очень красиво. Письмо редкой чувствительности и совокупной силы.PT

Johan Persson

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Private Lives (1930), Noel Coward

Хотя он назвал ее «самой легкой из легких комедий», Private Lives — это пьеса Ноэля Кауарда, которую, несомненно, можно было бы сделать сохранить для потомков. Он написал это как средство передвижения для себя и Гертруды Лоуренс с неприличной скоростью. Действие пьесы сосредоточено на двух разведенных женщинах, которые через пять лет после разрыва сталкиваются друг с другом на балконах соседних отелей в первую ночь медового месяца со своими новыми супругами.Элегантно придуманное совпадение, за которым следует образец нагло перевернутых ожиданий: большинство комедий заканчиваются браком; этот начинается с благородной свадьбы, когда пара бесцеремонно бросает своих вторых партнеров и вместе сбегает в Париж. Элиот и Аманда — непостоянная эгоистичная пара, которая не может жить ни вместе, ни врозь. Антиромантическая комедия, пропитанная сексом (и романтикой): «Не придирайся к Сибилле». PT

Getty

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Ангелы в Америке (1990-93), Тони Кушнер

Удивительная пьеса Тони Кушнера с подзаголовком «Веселая фантазия на национальные темы», действие которой происходит в фильме «СПИД». кризис середины 1980-х годов при правой администрации Рональда Рейгана.Слово «СПИД» никогда не упоминалось президентом, и борьбе за лекарство мешало отсутствие признания со стороны правительства. В ответ Кушнер поместил геев в центр внимания в эпопее, показывающем, как они борются за свои личные и общественные судьбы. Это, однако, очень далеко от обычной «постановочной» игры с ее великолепными амбициями. Этот кусок бушует из Антарктиды и поврежденного озонового слоя в рай в стиле барокко, который покинул бог. Ангелы-пророки врезаются в потолки. Есть эпизоды «взаимных снов», в которых люди блуждают в фантазиях друг друга и выходят из них.Главный демон пьесы — один из величайших монстров драмы: неисправимый и бесстыдный Рой Кон был реальным республиканцем-наставником (и наставником молодого Дональда Трампа). PT

Хелен Мэйбэнкс

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Счастливые дни (1961), Сэмюэл Беккет

Женщина средних лет похоронена в холме земли сначала по пояс, а затем, после перерыва, вверх в шею. Это зрелище никогда не теряет своей способности пугать. Винни из Беккета треплетает, преследуя оптимизм («Это будет еще один счастливый день») в болтливой попытке предотвратить истерику и отчаяние по поводу ее посягающей судьбы.Отчасти раздражающий, отчасти героический, она рождает точечный лирический монолог, пронизанный благородными полузабытыми огоньками из «бессмертной» классики. Питер Холл, который поставил Пегги Эшкрофт в этой роли, справедливо заметил, что «театр Беккета — это не только слова, но и мимика и физическая точность». За исключением того, что его тексты великолепны, а этот невероятно превосходен. Процитирую Винни: «Что это за незабываемая фраза?» PT

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Путешествие долгого дня в ночь (1940), Юджин О Нил

Когда О’Нил описал «Путешествие долгого дня» как «игру старой печали, написанную кровью и кровью». слезы », — едва ли преувеличивал он.Эта грандиозная автобиографическая драма настолько сыровата и беспощадна в своих откровениях о его неблагополучной ирландско-католической семье, что автор оставил инструкции — к милосердию ослушавшиеся его вдовой — что пьеса должна была быть поставлена ​​только через 25 лет после его смерти. Вы можете понять трепет. «Путешествие долгого дня» глубоко погружает в истерзанное сердце Тайронов — Джеймса, известного актера, который продался до коммерческого успеха, его жены Мэри, которая недавно вновь впала в зависимость от морфия, и их двух сыновей.Когда пьеса проходит под управлением правильного режиссера, это все равно, что слушать перепросмотр в отличном музыкальном произведении. Вы выходите истощенным, но в состоянии приподнятого катарсиса. PT

Хьюго Глендиннинг

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Мальчики-историки (2004), Алан Беннетт

Гектор хочет научить мальчиков знаниям, которые продлятся им всю жизнь. Но директор стал одержим правительственными таблицами и нанял Ирвина, чтобы он научил их бойким приемам сдачи экзаменов.Это столкновение лежит в основе чрезвычайно популярного хита Алана Беннета. Он установлен на грамматике Йоркшира среди группы умных шестиклассников. Как и во многих других работах Беннета, вы можете различить структуру, напоминающую ревю, в великолепной последовательности пародий, приколов, песен и явной восторженной глупости. Но это также блестящий портрет учителя-индивидуума. Сцена, в которой обреченный Гектор анализирует стихотворение Харди «Барабанщик Ходж» со своим учеником Познером, является непревзойденным в драматургии примером гуманного обучения.У веселого, несчастного Познера есть лучшая шутка в пьесе: «Я еврей. Я маленький. Я гомосексуал. И я живу в Шеффилде. Я пиздец ». PT

Герайнт Льюис

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Целитель веры (1979), Брайан Фрил

Фрэнк Харди, странствующий ирландский целитель веры, его жена и его менеджер рассказывают четыре монолога, которые противоречат друг другу, оставляя аудитория подвергает сомнению правду и память, ложь и рассказывание историй. Фрэнк изо всех сил пытается понять свой «дар» и то, как его способность лечить приходит и уходит; «Целитель веры» — это также притча о художнике и его вдохновении.Спектакль провалился, когда он открылся на Бродвее, но с тех пор был признан современной классикой: в хорошем спектакле есть дрожащая сила. Письмо Фрила может быть ритмичным, колдовским, но в то же время великолепно тонким. Хотя Фрил на всем протяжении сохраняет решающую амбивалентность, пьеса приобретает своего рода трансцендентную грацию. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Джон (2015), Энни Бейкер

Пьесы этого американского писателя, как правило, длинные, медленные и до странности захватывающие.Трудно сказать, что именно делает Джона таким завораживающим. Он расположен в китчевом, набитом татуировками гестхаусе в Геттисберге, где сражающаяся молодая пара общается с тошнотворной домовладелицей и ее слепым, но дальновидным другом. В доме живут привидения: жуткие куклы и пианино сами начинают играть. Но его также не покидает история (это был госпиталь гражданской войны) и воспоминания пожилых женщин о любви, привидениях и их собственном мистическом опыте. Все это немного пугающе, но довольно эмоционально.Бейкер также очень хорошо разбирается в умирающих отношениях пары миллениалов, что позволяет взглянуть на то, как часто женщинам приходится поддерживать мужские мифы, чтобы утолить свой голод. HW

Стивен Каммиски

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Трамвай «Желание» (1947), Теннесси Уильямс

От «Я всегда зависел от доброты незнакомцев» до «Стеллаааааа» пьеса Уильямса вошла в список самых популярных пьес. народное сознание. Как и возможно: в его темах утраты, старения и лжи, которой мы живем, есть что-то вечное.Страх и похоть соприкасаются друг с другом в поту; немногие другие писатели уловили жар Юга, как Уильямс, и это драматург в его самой атмосферной форме. Бланш Дюбуа — обманчивая южная красавица, которая живет вместе со своей сестрой и своим жестоким мужем-мачо — для актрисы — вершина вершины, и все, от Вивьен Ли до Таллулы Бэнкхед, от Кейт Бланшетт до Джиллиан Андерсон, попробовали. HW

40 величайших когда-либо написанных пьес

Орестея (458 г. до н.э.), Эсхил

Единственная сохранившаяся полная трилогия греческих трагедий, через Агамемнона, Носителей возлияния и Эвменида Эсхил прослеживает влияние насилия и мести Королевская семья, бросающая резкий удар по вопросам справедливости и долга.Чтобы выиграть Троянскую войну, Агамемнон принес в жертву свою дочь; трилогия открывается пьесой, в которой его жена Клитемнестра убивает его, чтобы отомстить за смерть своей дочери. В «Несущих возлияния» сын Клитемнестры Орест убивает ее в отместку (если Антигона — трагедия, потому что это конфликт между добром и правильным, это, возможно, столкновение между неправильным и неправильным). Цикл прерывается в Евмениде, где боги образуют суд, чтобы судить Ореста. Это сочный, мясистый, высокооктановый материал — и он был представлен как в версии в маске Питера Холла на National в 1981 году, так и в свежей современной адаптации Роберта Айка в 2015 году.HW

Мануэль Харлан

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Черное дно Ма Рейни (1989), Август Уилсон

Часть цикла драматурга, изучающего афроамериканский опыт в Америке 20-го века — пьеса на каждое десятилетие — действие этой главы происходит в чикагской студии звукозаписи в 1927 году. Ма Рэйни, «мать блюза», не спешит записывать какие-то мелодии. Вместо этого мы наблюдаем, как ее группа убивает время и спорит друг с другом. Хотя все это приземляется как бабочка, сценарий затрагивает такие темы, как амбиции и расовые отношения.Ма Рейни, когда приходит, оказывается, чего стоит ждать: безмерное надменное присутствие. Ближе к концу есть поворот, придающий игре изюминку — плюс, конечно, отличные мелодии. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Кукольный домик (1879), Хенрик Ибсен

Ибсен написал великих женщин: мы могли бы пойти на Хедду Габлер. Но «Кукольный домик» — одна из пьес большого значения: написанная в 1879 году, это прото-феминистский текст. Когда наша обеспокоенная героиня Нора хлопает дверью в конце спектакля, это касается не только ее покровительственного мужа, но и всего Патриархата.В пьесе некоторых шокировала роль женщины, отчаявшейся из-за удушающей домашней обстановки, что она бросает своих детей и мужа, предпочитая свободу и самореализацию домашней тюрьме. Конечно, с тех пор для женщин все изменилось, но эта исключительно контролируемая игра по-прежнему разворачивается идеально — и этот удар по-прежнему находит отклик. HW

ИОГАН ПЕРССОН

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Чайка (1895), Антон Чехов

Вы действительно могли бы обосновать любую из пьес Чехова (мы почти пошли на его раннего развлекательного Платонова, просто чтобы быть другим), но ясность Чайки побеждает.В нем больше сюжета, чуть меньше скуки, чем в некоторых других его произведениях: молодой человек Константин мечтает стать драматургом; его самовлюбленная мать Аркадина — актриса — увлечена своим новым парнем, Тригорином, успешным писателем. Он, в свою очередь, заводит романы с Ниной, девушкой Константина и начинающей актрисой. Не будет большим спойлером сказать, что ни одна из их мечтаний в точности не сбылась, жизнь доказывала их бесконечно, изысканно разочаровывая. «Чайка» — это едкая комедия: сцены, поражающие как чудовищное эго Аркадины, так и попытки ее сына заниматься авангардным искусством, являются одними из лучших произведений театра о театре за всю историю.Но есть и невыносимая нежность в изображении в пьесе юной любви, надежды и идеализма. HW

Бен Карпентер

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Материнское мужество и ее дети (1939), Бертольт Брехт

Немногие драматурги 20-го века оказали такое влияние на театр, как Брехт: он хотел, чтобы искусство было политическим инструментом, а не развлечением для бегства от реальности, но также произвел революцию в театральной форме и стиле, покончив с натурализмом.Но это может означать, что его «эпический театр» по-прежнему ассоциируется с дидактикой, а не с драмой. Не то чтобы Мать Храбрость, которая эпична в обоих смыслах: написанная после того, как Гитлер вторгся в Польшу, но действие которой происходит во время Тридцатилетней войны, это мощная история попыток одной матери нажиться на конфликте, и война огромных затрат всегда берет в конце концов. HW

Скотт Риландер

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Медея (431 г. до н.э.), Еврипид

Основанная на греческом мифе, в котором Медея убивает своих детей, чтобы отомстить неверному мужу, эта трагедия не потеряла ни одного из его сила — или сила шока.Но текст допускает и более сочувственное прочтение Медеи, как женщины, борющейся за справедливость в несправедливом мире. С монументальной главной партией и хором, который реагирует и комментирует действие, пьеса всегда была одной из самых популярных греческих трагедий. Напряженные и напряженные, вы видите приближающийся ужас, но чувствуете себя отчаянно вынужденным взглянуть. HW

Rex Features

40 величайших когда-либо написанных пьес

Frozen (1998), Bryony Lavery

Мать убитого ребенка.Ее заключенный в тюрьму убийца-педофил. Психолог-преступник пытается понять, что его побудило к этому. Сперва монологи, а затем диалоги, эта современная классика может многое сказать о крайностях человеческих страданий, но также и о нашей способности к изменениям и прощению. Это мрачная и тернистая, но в то же время глубоко гуманная работа плодовитого британского писателя в ее лучших проявлениях. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Важность быть серьезным (1895), Оскар Уайльд

Были ли когда-нибудь такие действительно восхитительные комедии? Невероятный сюжет о запутанных помолвках, потерянных сумочках, выдуманных злых родственниках и настоящих чудовищных тетках работает как часы.Есть бесчисленное количество блаженных острот, персонажи — восхитительные придурки из высшего общества, и на каждом шагу Уайльда есть прекрасные старые добрые времена, колющие социальные тонкости. Это веселая и забавная пена, и она всегда приглашает на грандиозные представления. Из-за того, что он был таким прибыльным, пьеса Уайльда, безусловно, была чрезмерно инсценирована, и теперь она кажется совершенно несрочной, а затем снова заставляет вас смеяться. HW

Энтони Девлин / PA

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Бент (1979), Мартин Шерман

Мучительная игра Шермана вырывает почву из-под вас.Вы инвестируете в отношения между Максом и Руди, декадентской парой геев из Берлина в 1934 году — но после Ночи длинных ножей они бегут, прежде чем их поймают и отправят в Дахау. По пути желание Макса выжить порождает тошнотворное предательство. Он скорее притворяется евреем, чем геем, но в лагере встречает Хорста, человека, который проявляет честь быть верным самому себе. Есть удивительная сцена, где — запрещено прикасаться — они занимаются сексом исключительно на словах. Первоначально Маккеллен играл Макса, но Ричард Гир и Алан Каммингс также взяли на себя роль в том, что сейчас считается оригинальным текстом для геев, который доказывает, что правда и любовь могут расцвести в самых ужасных и безнадежных обстоятельствах.HW

40 величайших пьес, когда-либо написанных. группа осужденных в австралийской исправительной колонии, поставившая спектакль по пьесе Джорджа Фаркухара «Вербовщик». В нем весело выдвигать претензии на театр, но в конечном итоге он используется как средство для разговора о сочувствии, общении и понимании, поскольку отношения между оскорбленными заключенными и жестокими офицерами тают.Прямой рассказ с огромным сердцем. HW

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Эффект (2012), Люси Преббл

Люси Преббл сделала себе имя на ENRON, обозначив высокомерие финансового гиганта, но, хотя это может быть менее кричащим, Эффект все еще ослепительно хорошо. В его основе лежит вопрос, на который мы все хотели бы знать ответ: что такое любовь? В пьесе рассказывается о двух добровольцах, участвующих в клинических испытаниях нового антидепрессанта; когда они влюбляются друг в друга, они задаются вопросом, настоящая ли их любовь или побочный продукт.А учитывая, что все взаимодействия в мозге чисто химические, имеет ли это значение? Идеи о том, что действительно реально и что действительно романтично, что такое счастье и какую функцию может иметь несчастье, перевернуты собственным очень острым умом Преббла. С ее персонажами весело проводить время, ее диалоги динамичны, но она также глубоко погружается как в научные теории, так и в человеческие эмоции, уводя нас от серых минимумов депрессии к разноцветным максимумам новой любви. HW

Герайнт Льюис

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Иерусалим (2009), Джез Баттерворт

Трудно отделить эту пьесу от анимационного оригинального спектакля великого Марка Райлэнса, сыгравшего Джонни «Петуха» Байрон — дикий неудачник, живущий в фургоне в лесу в сельской местности Англии, собирающий к себе местную молодежь, как какой-то крысолов, питающийся выпивкой и наркотиками.Такое краткое изложение может показаться безвкусным, но действие происходит в День Святого Георгия и наполнено рассказами Петуха, оно обладает мистическим, мистическим характером. Шоу о состоянии нации, основанное на брио, направленном против истеблишмента, оно также точно передает современное сельское сообщество (очень ругательное и очень забавное). Иерусалим стал смехотворно большим хитом, зрители разбили лагерь возле театра в поисках билетов. Но недавнее возрождение предполагает, что пьеса все еще может кукарекать, кто бы ни играл Петуха. HW

Саймон Аннанд

40 величайших когда-либо написанных пьес

Дуб (2005), Тим Крауч

Что делает пьесу великой? Многие критики, ученые и драматурги сами укажут на создание соответствующего контента.В этом блестяще умная игра Тима Крауча действительно хороша, но в то же время очень трогательна. Сценический гипнотизер встречает отца девушки, которую он убил в автокатастрофе. Отец искренне верит, что его дочь превратилась в дуб. На каждом спектакле отца играет актер, который никогда раньше не видел и не читал пьесу; им дают сценарий или кормят реплики — да — гипнотизер (которого первоначально играл сам Крауч, также признавший свою «настоящую» роль драматурга).Актер преображается перед нами; мы принимаем, что теперь они отец. Дуб обладает радикальной честностью, что сделало его очень влиятельным среди молодого поколения. Мы всегда знаем, что театр «ненастоящий» — если мы в шутку признаем это, эмоциональное воздействие будет на самом деле усилено. Это волшебный трюк, понимание которого только делает магию более реальной. HW

Нина Урбан

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Сизве Банси мертв (1972), Атол Фугард

Атол Фугард пришел к выводу, что праведный гнев дидактической драмы против апартеида не так эффективен, как подрывная смех черных поселков, когда дело дошло до преодоления суровых условий там.Конечно, нет ничего морализирующего или торжественного в этом произведении, созданном Фугардом из импровизаций с великими Джоном Кани и Уинстоном Нтоша, первыми его исполнившими. Озорная история о лохматой собачке, затягивает публику в атмосферу добродушного общения. Сизве — ищущий работу в Порт-Элизабет, не может устроиться на работу, потому что у него нет разрешения. Оказывается, он нашел пропуск у мертвеца и подставил свою фотографию, убив Сизве Банси. Обманчиво легкая и гуманная пьеса, пережившая эпоху апартеида.PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Чистилище в Ингольштадте (1924) / Пионеры в Ингольштадте (1928), Марилуиза Флейссер

Марилуиза Флейссер, автор этих крайне запущенных пьес, была любовницей, протеже и жертвой Бертольд Брехт, а ее подданным был город ее рождения в Нижней Баварии. В пьесах используется смелая техника коллажа вместо линейного повествования, и она глубоко проникла в суть ее порочного менталитета стаи и конформистской клаустрофобии.В «Чистилище» она пробуждает удушающий католический этос: мы видим двух очень разных повстанцев (одна девушка тщетно пытается сделать аборт), которые страдают от унижения, заставляя ползти обратно в стаю. Брехт эффективно похитил ее вторую пьесу «Пионеры» (о контакте между жителями и приехавшим отрядом строителей мостов). Он навязал явный антимилитаризм и сенсационный секс, и Флейссера объявили предателем немецкой женственности. Стивен Долдри и Энни Кастлдайн поставили превосходную версию этих пьес в крошечном театре Gate в 1991 году.С каких пор ничего. Пора отдать ей должное. PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Копенгаген (1998), Майкл Фрейн

Как ни соблазнительно включить возвышенно смешной закулисный фарс Майкла Фрейна «Отключи шум», более серьезный «Копенгаген» просто бросается в глаза. Он представляет собой реальную встречу физиков-ядерщиков датчанина Нильса Бора и немца Вернера Гейзенберга в Копенгагене в 1941 году для обсуждения событий, которые приведут к созданию атомной бомбы. Затем он переосмысливает встречу и переосмысливает ее снова — в конце концов, никто на самом деле не знает, что произошло.Предупреждает ли Гейзенберг своего старого друга об успехах нацистов в области ядерного оружия? Надеетесь на взаимный пакт по предотвращению атомной бомбы? Ищете отпущения грехов? Глядя на ненадежность памяти, структура пьесы Фрейна искусно оживляется научными идеями, обсуждаемыми его персонажами: принцип неопределенности Гейзенберга — основа его драматической формы. Большой успех, когда он открылся в National, он прошел в Вест-Энд на Бродвее — и попал на телевидение с Дэниелом Крейгом в главной роли. HW

Конрад Блейкмор

40 величайших когда-либо написанных пьес

Blasted (1995), Сара Кейн

Эта пьеса произвела настоящий театральный взрыв.Дебют Сары Кейн, написанный в то время, когда она была студенткой, показывает неприятного журналиста из таблоидов, который скрывался в отеле в Лидсе с женщиной гораздо более молодого возраста, которую он изнасиловал. Мир пьесы — и его обычная театральная форма — затем разрывается на части, превращаясь в зону боевых действий: врывается солдат, раздаются взрывы, и разворачиваются короткие сцены мрачного ужаса (сценические постановки включают «он ест ребенка»). «Blasted», известное как «отвратительный праздник грязи», был воспринят критиками как ребяческая попытка шокировать и назван классическим примером провокационного театра «в лицо» девяностых.Но с тех пор он стал каноническим. Кажется, что оно не стареет: сочинения Кейна обладают ужасающей яркой энергией, и зверства, которые они изображают, удручающе обретают новый резонанс для каждого поколения, которое их обнаруживает. HW

Марк Дуэ

40 величайших когда-либо написанных пьес

La Dispute (1744), Пьер де Мариво

Кто совершил первую неверность? Был ли это мужчина или женщина? (Можете поспорить, что это был человек, который первым подумал об этом похотливом вопросе.) Суд в мрачной комедии Мариво считает, что он создал правильные лабораторные условия для поиска ответа.Четверо подростков были воспитаны в полном одиночестве, а затем были выпущены в компанию друг друга, где их встречи стали «самым оригинальным развлечением» для невидимого принца и его невесты. Спектакль наглядно показывает, как легко превратить сцену в экспериментальный чистый лист. Но это кажется немного извращенным — идея Просвещения о реалити-шоу. Мариво прекрасно понимает возражения. В декоре его произведений в стиле рококо скрыты бритвенные лезвия. PT

40 величайших когда-либо написанных пьес

Генрих IV (1922), Пиранделло

Легко заставить Пиранделло походить на запредельно интеллектуального писателя.Всю свою жизнь он играл в хитрые игры с философскими проблемами, такими как обманчивость идентичности. Но его целью было «превратить интеллект в страсть», и его лучшие работы преуспевают в этом. «Генрих IV» повествует о безумии, видимости безумия и последствиях решения попасть в ловушку видимости безумия. Главный герой — итальянский дворянин, который падает с лошади на театрализованном представлении и приходит в себя, убежденный, что он средневековый немецкий император. В течение 20 лет ему позволяли жить этой иллюзией в сопровождении лакеев в старинных костюмах.Но теперь приходит посольство, стремящееся «шокировать» его этой идеей фиксации. Ричард Харрис и Иэн МакДиармид были последней парой, сыгравшей Генри в Вест-Энде, и они наслаждались возможностью переплести тоскливость и грубую боль, которые требуются для этой роли. Трудное положение центрального персонажа кажется скорее трагикомическим, чем надуманным. PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных. спектакль в Вест-Энде чернокожей британки — до прошлого года с «Девятью ночью» Наташи Гордон).«Изюм на солнце» смотрит на Младших, афроамериканскую семью, живущую в бедности в Чикаго, мечтающую о лучшей жизни — и опасающуюся, что их мечты превратятся в «изюм на солнце». Мучительная драма Хэнсберри демонстрирует ту же мощь, что и пьеса Артура Миллера, показывая, как обстоятельства могут разрушить надежду. Тем не менее, его обсуждение идентичности чернокожих продолжается и сегодня — и эмоциональный удар, который несет в себе сценарий Хэнсберри, на протяжении десятилетия привлекал громкие имена: в премьере снялся Сидни Пуатье, и все, от Дензела Вашингтона до Пи Дидди, тоже получили трещину.Хэнсберри умер всего в 34 года; Невозможно не задаться вопросом, какие еще пьесы она могла бы сыграть в этом списке. HW

Йохан Перссон

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Далеко (2000), Кэрил Черчилль

Кэрил Черчилль называли Пикассо современных драматургов. Сегодня, в возрасте 80 лет, британский драматург продолжает удивительным образом изобретать себя заново. «Далеко» — это запутанная сказка, демонстрирующая ее несравненный дар сочетать апокалиптическое и фантастическое.Действие игры разворачивается в трех крутых эпизодах. В первом Джоан расспрашивает тетю о том, чему она только что случайно стала свидетельницей. Похоже, она заметила кровавый акт этнической чистки. Затем спектакль перерастает в мрачно-веселое видение космической войны. Партизанская жестокость теперь распространилась от людей на животный и минеральный мир. «Кошки перешли на сторону французов», — серьезно говорит кто-то. Кто-то говорит, что «естественная доброта оленей проявилась». Это характерно для Черчилля, который нашел блестящий абсурдистский способ атаки на пагубный миф о том, что существует простое разделение между добродетелью и злом, «ими» и «нами».Кусочек гения. PT

40 величайших пьес, когда-либо написанных

Аркадия (1993), Том Стоппард

Тома Стоппарда иногда обвиняют в том, что он весь голова, а не сердце — но эта пьеса доказывает обратное. Да, это умопомрачительный взгляд на науку и искусство, противопоставление рационального и романтического, а также мини-уроки теории хаоса, второго закона термодинамики и жизни лорда Байрона. Но здесь есть история любви и трагедия, которые в хорошо выверенном спектакле могут быть очень трогательными.Два этажа, расположенные в одном и том же загородном доме в 1809 году и в наши дни, пересекаются и в конечном итоге красиво пересекаются. Математическое теоретизирование предсказывает надежду, а также катастрофу для Вселенной, и история предлагает то же самое для ее персонажей. HW

Далеко (2000), Кэрил Черчилль

Кэрил Черчилль называют Пикассо современных драматургов. Сегодня, в возрасте 80 лет, британский драматург продолжает удивительным образом изобретать себя заново. Far Away — это запутанная сказка, демонстрирующая ее несравненный дар сочетать апокалиптическое и фантастическое.Действие игры разворачивается в трех крутых эпизодах. В первой Джоан, молодая девушка, которая не может заснуть, расспрашивает тетю о том, что она только что случайно увидела. Похоже, она заметила кровавый акт этнической чистки; женщина постарше неуклюже уклоняется. Затем серией сюрреалистических прыжков игра перерастает в мрачно-веселое видение космической войны. Партизанская жестокость теперь распространилась от людей на животный и минеральный мир. «Кошки перешли на сторону французов», — серьезно говорит кто-то.Кто-то говорит, что «естественная доброта оленей проявилась, это можно увидеть в их мягких карих глазах». Эта расширенная последовательность характерна для Черчилля, который нашел блестящий абсурдный способ атаки на пагубный миф, любимый политиками, о том, что существует простое разделение между добродетелью и злом, «ими» и «нами». Кусочек гения. Пол Тейлор

Blasted (1995), Сара Кейн

Этот спектакль был театральным взрывом. Дебют Сары Кейн, написанный в то время, когда она была студенткой, показывает неприятного журналиста из таблоидов, который скрывался в отеле в Лидсе с женщиной гораздо более молодого возраста, которую он изнасиловал.Мир пьесы — и его обычная театральная форма — затем разрывается на части, превращаясь в зону боевых действий: врывается солдат, раздаются взрывы, и разворачиваются короткие сцены мрачного ужаса (постановки включают «он ест ребенка»). « Blasted », известное как «отвратительный праздник грязи», был воспринят критиками как ребяческая попытка шокировать и назван классическим примером провокационного театра «в лицо» девяностых. Но с тех пор он стал каноническим. Кажется, что оно не стареет: сочинения Кейна обладают ужасающей яркой энергией, и зверства, которые они изображают, удручающе обретают новый резонанс для каждого поколения, которое их обнаруживает. Холли Уильямс

Джульетт Бинош в роли Антигоны в Барбакане

(EPA)

Антигона (441 г. государство и наш долг перед родственными узами. Антигона бросает вызов своему дяде Креону, новому правителю Фив, похоронив своего брата Полиника. Он собрал армию против своего родного города, и Креон в это политически нестабильное время хочет, чтобы его труп был оставлен собакам в качестве образцового осквернения.Философ Гегель видел в этом квинтэссенцию истинной трагедии: не конфликт между добром и злом, а между добром и правом. Фактически, в наши дни постановки склоняются в пользу Антигоны и ее самоотверженной непримиримости. Пьеса адаптирована для многих современных контекстов, включая Северную Ирландию и Южную Африку. P

Ma Rainey’s Black Bottom (1982), Август Уилсон

Часть цикла драматурга, посвященная афроамериканскому опыту в Америке 20-го века — пьеса для каждого десятилетия — действие этой главы происходит в Чикаго. Студия звукозаписи в 1927 году.Ма Рейни, «мать блюза», не спешит записывать какие-то мелодии. Вместо этого мы наблюдаем, как ее группа убивает время и спорит друг с другом. Хотя все это приземляется как бабочка, сценарий затрагивает такие темы, как амбиции и расовые отношения. Ма Рейни, когда приходит, оказывается, чего стоит ждать: безмерное надменное присутствие. Ближе к концу есть поворот, придающий игре изюминку — плюс, конечно, отличные мелодии. HW

Bent (1979), Мартин Шерман

Грозовая игра Шермана вырывает коврик из-под вас.Вы инвестируете в отношения между Максом и Руди, декадентской парой геев из Берлина в 1934 году — но после Ночи длинных ножей они бегут, прежде чем их поймают и отправят в Дахау. По дороге желание Макса выжить приводит к отвратительному предательству. Он скорее притворяется евреем, чем геем, но в лагере встречает Хорста, человека, который проявляет честь быть верным самому себе. Есть удивительная сцена, где — запрещено прикасаться — они занимаются сексом исключительно на словах. Первоначально Маккеллен играл Макса, но Ричард Гир и Алан Каммингс также взяли на себя роль в том, что сейчас считается оригинальным текстом для геев, который доказывает, что правда и любовь могут расцвести в самых ужасных и безнадежных обстоятельствах. HW

Энди Крайер, Ховард Чедвик и Крейг Торнбер в «Правительственном инспекторе» в «Янг Вик», 2012 г.

Правительственный инспектор (1836 г.), Николай Гоголь

В великой безумной и безумной фантазии Гоголя Клерк, только что прибывший из Санкт-Петербурга, ошибочно принимается за одноименного инспектора, действующего под прикрытием, коррумпированным мэром и чиновниками этого провинциального городка. Паника из-за возможности разоблачения заставляет этих параноидальных местных жителей проецировать ложную личность на этого незнакомца.Это было бы достаточно хорошей шуткой. Гоголь же придает ему вдохновенный поворот. Оказывается, что его ничтожное ничтожество движет такой же страх быть признанным одним из неудачников жизни. Поэтому, когда он вспоминает их эксплуатируемую ошибку, он рассматривает их абсурдное уважение (не говоря уже об их взятках) как давно назревшее признание его истинной ценности и с помпезностью разносится по воздуху. Комический бред в этом русском шедевре — это взаимосвязанные безумия. PT

Old Times (1971), Гарольд Пинтер

Одна из самых запоминающихся и пугающих работ Пинтера.Супружеская пара Кейт и Дили играют в игры власти и собственничества с бывшей соседкой жены, Анной, которая приезжает в гости впервые за 20 лет. Произведение ужасно озабочено тем, как люди используют выборочные — и, возможно, придуманные — воспоминания в качестве оружия или способа одержать верх. В этом понимании мы создаем воспоминания в ответ на психологические потребности момента: «Есть вещи, которые я помню, которые, возможно, никогда не произошли». Дили находится под угрозой из-за юных отношений Анны с женой, и его сильно влечет к новичку.Это прекрасное воспоминание о взбалмошном Лондоне, когда девушки жили секретаршами и (возможно) одалживали друг у друга нижнее белье, но непростая комедия всего этого становится смертельной. PT

Доступ к неограниченному потоковому воспроизведению фильмов и телешоу с Amazon Prime Video Зарегистрируйтесь сейчас на 30-дневную бесплатную пробную версию