Импрессионизм стиль: что такое импрессионизм, особенности и техника направления, история. Самые известные художники-импрессионисты — Мане, Моне, Дега, Ренуар, Сислей и другие

Содержание

история зарождения, популярные работы, картины в стиле импрессионизм

24 декабря 2018

В свое время не понятые, не принятые, отверженные, импрессионисты совершили прорыв в искусстве, который способны были оценить лишь следующие поколения. Вторая половина XIX века отличается индивидуализмом. В это время возникает новый тип художников – отныне им посильно писать современность такой, какой они ее чувствуют и видят.

Термин «импрессионизм» происходит от французского слова impression («впечатление»). Название стиля происходит от работы Клода Моне «Impression, soleil levant» («Впечатление, восход солнца»), написанной в 1872 году, которая спровоцировала критика Луи Леруа использовать этот термин в сатирическом обзоре, опубликованном в парижской газете «Le Charivari» с целью выразить недоумение, и даже пренебрежение относительно нового направления.

Вышесказанная работа Клода Моне была впервые представлена в 1874 на выставке анонимного кооперативного общества художников в фотоателье Надара на бульваре Капуцинок в Париже – первом значительной выступлении импрессионистов.

Это важная для импрессионистов выставка проходила весной 1874 года (апрель — май). Там было представлено три десятка художников, более ста пятидесяти работ. Творчество живописцев было встречено жестким сопротивлением официального искусства, обвинениями прессы, глумлением обывателей. Первая выставка прошла лишь спустя какое-то время после формирования важнейших принципов импрессионизма, которые были обозначены уже в начале 1860-х.

Традиционное искусство категорически не готово было принять художников нового стиля, оно упрекало молодых живописцев не только в незаконченности полотен, но и в аморальности, отсутствию вкуса и смысла в их работах, покушению на истинное искусство.

Предвестниками нового направления были исканиями таких живописцев, как романтика Эжена Делакруа, реалиста Густава Курбе и представителя барбизонской школы – Теодора Руссо. Импрессионисты много взяли из работ Йохана Бартольда Джонгкинда, Жана-Батиста Камиля Коро и Эжена Будена. Большая их часть оказывали значительную, посильную поддержку молодым художникам.

Импрессионизм возник в русле реалистического искусства. Как и реалисты середины столетия, импрессионисты выступали против условных эстетических принципов (имеются в виду омертвелые штампы академической живописи и условной красоты полотен необычайно популярных на то время художников Салона), а также идеальных норм официального искусства.

Для импрессионистов важно было передать глубоко искренне и непосредственное изображение природы и современной жизни. У художников была следующая тематика: природа в разнообразии ее изменчивых состояний, многоликая жизнь Парижа. Многие, выбранные импрессионистами предметы изображения, раннее встречались в изобразительном искусстве, но теперь они приобрели новое, индивидуальное выражение. Большое внимание уделялось индивидуализации мотива.

Основой творчества для художников был контакт с натурой, они открыли новый творческий метод – работу непосредственно на природе (пленэр). Отныне действительность могла быть передана с помощью динамики конкретного и общего. Благодаря наблюдению за природой, импрессионистам стало многое понятно: например, то, что любой предмет воспринимается глазом не изолированно, а в сложном цветовом взаимодействии со всем окружением и его цветовые качества меняются в зависимости от изменения освещения и воздушной среды.

Исключительность нового творческого метода заключалась в том, что живописцы научились распознавать сложнейшие оттенки цвета там, где до них обычно видели лишь однородные пятна, сложные светотеневые переходы. Отказавшись от тяжелых теней и черного цвета, художники добились необычайной «легкости» в своих работах.

Новому стилю сопутствовал ряд новых, особенных методов письма, которые сейчас трактуются нами как привычки, способствовавшие инновационному стилю импрессионистов. Не все методы были новы, кем –то они были использованы ранее, например, Веласкесом, Рубенсом, в особенности Тернером. Но в чем уникальность импрессионистов – они использовали все принципы не только последовательно, но и вместе.

Эти принципы включают в себя:

— Фактический отказ не только строгого контура, но и четкого рисунка,

— Нанесение краски импасто,

— Минимальное смешение цветов дает контраст, подчёркивается яркость каждого цвета,

-Краска наносится на светлый грунт,

— Подчеркнутая игра естественного света, художники все чаще работают по вечерам, предпочитая сумерки рассвету,

— Работа на пленэре позволяет передать ощущение свежести.

Новые технологии сыграли свою роль в развитии стиля. Импрессионисты воспользовались введением в середине века предварительно смешанных красок в оловянных тюбиках, что позволило художникам работать более спонтанно, как на улице, так и в помещении. Ранее художники изготавливали свои собственные краски индивидуально, размалывая и смешивая сухие пигментные порошки с льняным маслом, которые затем хранили в мочевых пузырях животных.

Для художников XIX века открылось многообразие новых ярких синтетических пигментов, которые стали стоить дешевле, тем самым большее количество людей могли себе их позволить. К ним относятся кобальтовый синий, кадмиевый желтый и синтетический ультрамариновый синий, которые использовались художниками с 1840-х годов, еще до импрессионизма. В манере живописи импрессионистов смело использовались эти пигменты и еще более новые цвета, такие как Сeleruan blue.

Решение композиционно-пространственных проблем у разных художников происходило по-разному, например, Дега, Ренуар, Кайботт предпочитали пользоваться приемами кодирования, часто выбирали острые ракурсы, необычные точки зрения. А Моне решил оказаться от иллюзорной перспективы, сведя пространство к плоскости.

В 1886 году прошла последняя выставка импрессионистов, к этому времени визуальное восприятие действительности вытесняет глубокое познание мира. Наметилась тенденция сведения сюжета к мотиву, часто исключалась сложная психологическая проблематика, как итог произошел отказ от значительных тем.

Есть некоторые сходства, связывающие творчество импрессионистов с романтиками, например, то, что художники воспевали светлый мир неограниченного счастья, которое они упорно противопоставляли несовершенству действительности.

Но имелись и отличия, например, принципиальная бесконфликтность. Пафос полотен — в радостном, вдохновенном прославлении живой красоты мира.

Течение просуществовало всего два десятилетия, выставившись в полном составе лишь раз (в 1877 году), импрессионизм постепенно приходит к упадку. Причиной послужили не только бесконечные материальные трудности, но и внутренние разногласия, в конце концов нарушившие целостность группировки. Еще одной значимой причиной можно назвать появление новых участников – Редон, Сера, Синьяк (работы которых были представлены на восьмой выставке импрессионистов в 1886 году). Они нарушили стилистическую целостность группы, олицетворяя собой уже принципиально новые тенденции во французской живописи. Осознавая это, художники с 1880- х предпринимают новые поиски, но уже независимо друг от друга.

Широкое признание пришло к импрессионистам уже после их распада – это случилось в последнее десятилетие XIX века.

Основные мастера:

  • Клод Моне
  • Камиль Писсарро
  • Альфред Сислей
  • Пьер Огюст Ренуар
  • Эдгар Дега 

Клод Моне (1840-1926)

         — С конца 1860-х в его творчестве пейзаж приобретает ведущее место, в них осуществляет «эксперименты с цветом и светом» (Этюды «Гренуйер»).

— 1870-е – происходит расцвет творчества, пишет пейзажи в Аржантее; палитра полностью очищается от черных тонов, приобретает радужность, ослепительное богатство и свежесть.

— 1875-е- повторяет один и тот же мотив в разное время дня, при разном освещении – создает целые серии картин. Например, пишет Вокзал Сен-Лазар 7 раз в течении 1877 года.

— 1880е –задается целью буквально остановить мгновение –важной вехой в его творчестве становится многократное изображение Руанского собора – в нем мотив теряет свое самостоятельное значение, превращаясь в повод для передачи изменчивости жизни света. При это свет становится главным мотивом уже не одной картины, а большего цикла.

Клод Моне «Собор в Руане в солнце». Музей Орсе, Париж. 1894

Камиль Писсарро (1830-1903)

— Единственный художник, принимавший участие во всех выставках.

— Крестьянский художник: писал настоящею деревню, с ее лугами и пашнями.

— Был больше занят композиционно-пространственными задачами. Часто организационное начало – дорога («Въезд в деревню Вуазен», 1872).

— Порой строит пейзажи в отношении горизонтальных планов, обычно замыкая пространство холмами («Эрмитаж в Понтуазе»,1867). 

— Пейзаж Писсаро всегда продуман; помимо пейзажей писал и жанровые картины («Крестьянская девочка с прутиком», 1881).

— в 1890е возвращается к прежней манере, позднее творчество – это городские пейзажи, в сущности, это также серии.

Камиль Писсарро «Бульвар Монмартр. Утро, облачная погода». Национальная галерея Виктории, Мельбурн. 1897

Альфред Сислей (1839-1899)

— Будучи скромным и сдержанным, он не прокладывал новых путей, а скорее следовал за своими друзьями.

— Интимные неброские мотивы – поля, берега, рек и каналов, небольшие городки; он умел с большой проникновенностью передать их своеобразие и поэтическую прелесть («Вильнёв-ла-Гаренн», 1872).

— 1870-е — самый яркий период — меньшая конструктивность и более тонкая разработка валеров (тонов).

— Мотив — небо («Водоем в Марли», 1875), зимние пейзажи.

Альфред Сислей «Двор фермы». Музей Орсе, Париж. 1884

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

— «Живописец счастья», нет ни одной печальной картины.

— Композиции- свободные и непринужденные, цвет – богатый и звучный, манера письма- живая и динамичная – работы конца 1860-х («Лягушатник», 1869).

— Особенности творчества – кадрирование фигур, тончайшие переходы («В ложе», 1874).

— Изображал сцены современной жизни Парижа.

— среди многочисленных портретов преобладают женские и детские.

— Работа «Завтрак гребцов» (1881) завершает импрессионистический период. 

— 1880-е – классицистический или «энгристский период» — поиск пластической законченности формы, четкое выявление контура, отход от импрессионисткой техники, от непосредственной эмоционально-чувственной передачи действительности («Большие купальщицы»,1884-87).

— поздние работы отличает монументальное обобщение формы с мягкостью, свободой и широтой письма.

Пьер Огюст Ренуар «Бал в Мулен де ла Галетт». Музей Орсе, Париж. 1876

Эдгар Дега (1834-1917)

— Активный организатор выставок импрессионистов. 

— Он оказался далек от многих основополагающих принципов импрессионизма – отрицал непосредственность в искусстве, был противником пленэра, утверждал значение рисунка.

— творчество Дега развивалось в русле современных художественных исканий, но именно в его работах прослеживается психологически-аналитическая тенденция. 

— Также был жертвой серийности (Скачки, Балетные сцены).

— Дега – художник города; обладал умением в одном жесте раскрыть характер изображаемого.

— Прошел через несколько техник: начав с масла, затем перешел к активному письму пастелью.

— Стиль художника формировался на основе глубокого усвоения традиций французского и итальянского искусства.

— Занимался фотографией, использовал ее в своем творчестве.

 

Эдгар Дега «Мисс Лала в цирке Фернандо». Национальная портретная галерея, Лондон. 1979

В отличие от более ранних реалистов, импрессионисты больше концентрировались на том, как свет воздействовал на ландшафт в определенный момент времени, а не создавали точное представление статичной сцены. Их методы, предметы и цветовые палитры вступали бы в конфликт с принятыми в искусстве параметрами для своей эпохи, что требовало отказа от ограничительного контроля таких учреждений, как Académie des Beaux-Arts которые традиционно устанавливали стандарты в парижском мире искусства.

Однако, вопреки обычаю более ранних реалистов, которые делали предварительные наброски, которые впоследствии делали в студии, эти молодые художники немедленно переносили сцены вокруг них на холст, улавливая мгновенное качество света быстрыми, уверенными мазками, которые не содержали такого тщательного смешения красок и точной утонченности мастеров-реалистов, таких, например, как Гюстав Курбе. Кроме того, они избегали уже кажущихся довольно избитыми религиозных и исторических сюжетов реалистов, предпочитая рисовать природные ландшафты и живые, импровизированные сцены, такие как «Завтрак на траве» Эдуарда Мане.

Эдуард Мане «Завтрак на траве». Музей Орсе, Париж. 1863 

Течение заимело множество последователей, обретая все большую популярность не только в Европе, но и Америке, и даже в России. Сейчас, в XXI веке это направление не утратило своей значимости и популярности. Работы художников, выполненных в этой технике, можно увидеть в нашей галерее по ссылке https://artdoart.com/paintings/style-impressionism 

Искусствовед Манеева Анна

Теги

этоинтересно, интересныефакты, Манеева Анна, импрессионизм, Моне, Дега, стиль, вдохновение, свет, Писсарро, Сислей, Ренуар, Впечатление, воздух, пространство, воздушноепространство, эмоции, зарождение, основатели.


Рекомендуем почитать

Стиль живописи импрессионизм | Русские художники. Биография, картины, описание картин

(фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в изобразительном искусстве второй половины XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Первые выставки импрессионистов состоялись в 1874 – 1886 годах во Франции. Тогда и возник термин «импрессионизм». Критик Луи Леруа, с иронией отозвавшийся в своей статье о салоне отверженных «Выставка импрессионистов», взяв название картины Клода Моне – «Впечатление. Восходящее солнце».

Обои в первоначальной стадии обработки более закончены, чем этот морской пейзаж…
Луи Леруа

Участникам нового движения в искусстве пришлось по вкусу название, несмотря на его первоначальный пренебрежительный характер. Впечатление –  название, которое точно передавало особенность новой техники живописи: фиксация ускользающих мгновений жизни.

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов. За этот довольно короткий период, импрессионизм не только не прекратил своего существования, но стал развиваться в других странах: Англии, Германии. В России известный художник Константин Коровин так же вел творческие поиски в данном стиле исполнения.

Стиль импрессионизм дал толчок к развитию новых эстетик и направлений в живописи, возник как противопоставление академического застоя, совершив переворот в представлении обывателя.

Техника импрессионизма представляет собой работу с чистыми цветами, которые наносятся отдельными мазками на холст. В итоге отдельные цветовые пятна создают единый образ в сочных тонах, смелый и впечатляющий. Короткие широкие мазки чистого цвета, располагающиеся рядом с другими цветами помогают передать образность предмета, его легкое присутствие и создают эффект движения. Здесь нет четкой передачи деталей предмета. Часто художники-импрессионисты в своих картинах используют прием отражения одного объекта другим. Каждый слой краски накладывается поверх еще свежего предыдущего, так происходит небольшое смешивание цветов прямо на холсте.

Произведение живописи в стиле импрессионизма – мимолетное впечатление, рассыпавшееся на множество осколков, создающих единую картину на холсте, живую в движении, передающую настроение художника.

Импрессионизм — стиль, направление, искусство, черты, особенности, история, представители, вики — WikiWhat

Основная статья: Искусство Нового времени

Содержание (план)

История импрессионизма

В 1863 г., наряду с официальным Салоном, Наполеон III разре­шил группе молодых художников организовать собственный «Са­лон отвергнутых».

Его главным событием стало появление карти­ны Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Художественная манера Ма­не произвела революцию в технике живописи и стала ещё одним важным шагом к обновлению французского искусства на основе реализма.

В 1874 г. независимые художники организовали первую самостоятельную выставку. По названию представленной там кар­тины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» новое художест­венное направление получило название импрессионизм (от фр. impression — «впечатление»).

Черты импрессионизма

Искусство импрессионизма отличалось стремлением передать динамику и многокрасочность окружающего мира, отразить игру световых эффектов, запе­чатлеть мимолётное впечатление и за­фиксировать неуловимое.

Представители импрессионизма

Один из наибо­лее ярких импрессионистов К. Писарро заслужил славу «поэта Парижа». Материал с сайта http://wikiwhat. ru

О. Рену­ар стремился отразить праздничную сто­рону столичной жизни. Его особенно привлекали образы парижанок, в изобра­жении которых он достиг высочайшего мастерства.

Париж занимал много места и в творчестве Э. Дега, который добился особых успехов в передаче движения, по­стоянно обращаясь к образам танцовщиц столичных театров.

Картинки (фото, рисунки)

  • К. Писарро. Бульвар Монмартр
  • Э. Мане. Железная дорога

Импрессионизм

Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression – «впечатление») – живописный стиль, появившийся во Франции в 1870-е – оказал огромное влияние на развитие всей живописи XX столетия. Термин был придуман критиком Луи Леруа по аналогии с картиной Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872. Музей Мармоттан, Париж).

Суть импрессионизма заключалась в том, чтобы передать с помощью живописи ощущение реальности окружающего мира в его подвижности, изменчивости, непостоянстве.

И.Э.Грабарь. Зимнее утро. 1907. Холст, масло. 80.80,5. СевХМ

К.С.Малевич. Поля. Этюд. Около 1930. Холст, масло. 25×35. ГРМ

М.Ф.Ларионов. Рыбы. 1904–1906. Холст, масло. 93,5.105. РГОХМ

Н.А.Тархов. Париж. 1900-е. Холст на картоне, масло. 99.81. КОХМ

0 / 0

В русском искусстве импрессионизм имел свою собственную историю. Ещё в 1890-е об этом стиле, как свидетельствовал А.Н.Бенуа, мало что было известно. Первым заинтересовался импрессионизмом К. А.Коровин – импрессионистические приёмы появляются в его живописи уже в конце 1890-х. В 1900-е импрессионизм становится в России популярным стилевым явлением, захватывает СРХ, МТХ, «Московский салон». В этом стиле работают многие художники: А.Е.Архипов, В.Н.Бакшеев, О.Э.Браз, И.И.Бродский, С.А.Виноградов, К.И.Горбатов, И.Э.Грабарь, Н.В.Мещерин, Н.Д.Милиоти, К.К.Первухин, П.И.Петровичев, Н.А.Тархов, Л.В.Туржанский, Н.И.Фешин, М.Е.Харламов и другие.

Через увлечение импрессионизмом прошли в 1900-е будущие авангардисты М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, К.С.Малевич. В.В.Кандинский говорил об огромной влиянии на него картины Клода Моне «Стог сена», также «стогами» восхищался П.П.Кончаловский. Моне вообще был наиболее ценимым художником в среде русских авангардистов.

В 1921 экспозиция петроградского МХК открывалась импрессионистическими произведениями. В 1924–1925 Малевич работал с учениками в Гинхуке, где изучались пять основных систем современной живописи, первой из которых был импрессионизм, занявший важное место в его теории «прибавочного элемента».

В 1929 вокруг Малевича после закрытия Гинхука складывается «Кружок новой западной живописи», где помимо других стилей изучали импрессионизм. В 1928–1932 Малевич «воссоздавал свою творческую биографию» (Е.В.Баснер. Живопись Малевича из собрания Русского музея (Проблемы творческой эволюции художника) // Казимир Малевич в Русском музее. СПб., 2000. С.15–27) и написал несколько картин «в стиле импрессионизма». В начале 1930-х Малевич говорил о своём интересе к Огюсту Ренуару, а в 1932 работал над рукописью «Практика импрессионизма и его критика» (РГАЛИ).

Живописная система импрессионизма продолжала интересовать русских художников и в конце 1930-х. Так, А.И.Ржезников опубликовал в нескольких журналах (Советское искусство. 1939. 18 февраля; Творчество. 1939. №7; Искусство. 1940. №2, 4) ряд статей об импрессионизме и его связях с классическим и современным искусством. Позднее критик О.М.Бескин писал, что в этих статьях Ржезников «стремится доказать (и делает это в основном убедительно) необходимость синтеза импрессионистической непосредственности восприятия природы, сезанновской композиционной конструктивности и тонально-световой обобщённости и предметности старых мастеров» (О. Бескин. [Вступ. ст.] Персональная выставка А.И.Ржезникова [Каталог]. М.,1968). Другим важным тезисом Ржезникова было утверждение о том, что французский импрессионистический пейзаж оказал огромное влияние на мировую живопись.

Стиль импрессионизм: картины известных художников

Европейское искусство конца 19-го века было обогащено возникновением модернистского направления в живописи. Позже его влияние распространилось на музыку и литературу. Оно получило название «импрессионизм», поскольку основывалось на тончайших впечатлениях художника, образах и настроениях.

Истоки и история возникновения

Несколько молодых художников во второй половине 19-го века объединились в группу. У них была общая цель и совпадали интересы. Главным для этой компании стала работа на природе, без стен мастерской и различных сдерживающих факторов. В своих картинах они стремились передать всю чувственность, впечатление от игры света и тени. Пейзажи и портреты отражали единение души с Вселенной, с окружающим миром. Их картины — подлинная поэзия красок.

В 1874 году проходила выставка этой группы художников. Пейзаж Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» остановил взгляд критика, который в своем отзыве впервые назвал этих творцов импрессионистами (от французского impression — «впечатление»).

Предпосылками рождения стиля импрессионизм, картины представителей которого вскоре обретут невероятный успех, стали работы эпохи Возрождения. Творчество испанцев Веласкеса, Эль Греко, англичан Тернера, Констебла безоговорочно повлияло на французов, которые были родоначальниками импрессионизма.

Яркими представителями стиля во Франции стали Писсарро, Мане, Дега, Сислей, Сезан, Моне, Ренуар и другие.

Философия импрессионизма в живописи

Художники, писавшие в этом стиле, не ставили перед собой задачи привлечь внимание общественности к социальным проблемам и бедам. В их работах не найти сюжетов на злобу дня, нельзя получить нравоучение или заметить людские противоречия.

Картины в стиле импрессионизм направлены на передачу сиюминутного настроения, разработку цветовых решений загадочной природы. В произведениях есть место только позитивному началу, мрачность обходила импрессионистов стороной.

По сути, импрессионисты не утруждали себя продумыванием сюжета и деталей. Главнейшим фактором было не что нарисовать, а каким образом изобразить и передать свое настроение.

Техника написания картин

Колоссальна разница между академической манерой рисования и техникой импрессионистов. От многих методов они просто отказались, некоторые изменили до неузнаваемости. Вот какие новшества они внесли:

  1. Отказались от контура. Произошла замена его на мазки — мелкие и контрастные.
  2. Перестали использовать палитры для смешивания красок. Были подобраны цвета, дополняющие друг друга и не требующие слияния для получения определенного эффекта. Например, желтый — фиолетовый.
  3. Прекратили рисовать черным цветом.
  4. Полностью отказались от работы в мастерских. Писали исключительно на натуре, дабы легче было запечатлеть миг, образ, чувство.
  5. Использовали только краски, имеющие хорошую кроющую способность.
  6. Не дожидались, когда высохнет новый слой. Свежие мазки наносили сразу же.
  7. Создавали циклы произведений, чтобы проследить за изменениями света и тени. Например, «Стога сена» кисти Клода Моне.

Разумеется, не все художники выполняли в точности особенности стиля импрессионизм. Картины Эдуара Мане, например, никогда не участвовали в совместных выставках, а сам он позиционировал себя как отдельно стоящий художник. Эдгар Дега работал только в мастерских, однако качеству его произведений это не вредило.

Представители французского импрессионизма

Первая выставка работ импрессионистов датирована 1874 годом. Спустя 12 лет прошла их последняя экспозиция. Первым произведением в этом стиле можно назвать «Завтрак на траве» кисти Э. Мане. Эта картина была представлена в «Салоне отверженных». Она была встречена недружелюбно, поскольку сильно отличалась от академических канонов. Именно поэтому Мане становится фигурой, вокруг которой собирается кружок последователей этого стилистического направления.

К сожалению, современниками не был по достоинству оценен такой стиль, как импрессионизм. Картины и художники существовали в несогласии с официальным искусством.

Постепенно на первый план в коллективе живописцев выходит Клод Моне, который впоследствии станет их предводителем и главным идеологом импрессионизма.

Клод Моне (1840—1926)

Творчество этого художника можно охарактеризовать как гимн импрессионизма. Именно он первым отказался от использования черного цвета в своих картинах, мотивируя это тем, что даже тени и ночь имеют другие тона.

Мир в картинах Моне — это неясные очертания, пространные штрихи, глядя на которые можно прочувствовать весь спектр игры цвета дня и ночи, времен года, гармонии подлунного мира. Лишь мгновение, которое было выхвачено из жизненного потока, в понимании Моне и есть импрессионизм. Картины его будто не обладают материальностью, все они пропитаны лучами света и потоками воздуха.

Клодом Моне были созданы удивительные работы: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанский собор», цикл «Мост Чаринг-Кросс» и многие другие.

Огюст Ренуар (1841—1919)

Творения Ренуара создают впечатление необыкновенной легкости, воздушности, эфирности. Сюжет рожден как будто случайно, однако известно, что художник тщательно продумывал все этапы своей работы и трудился с утра до ночи.

Отличительной особенностью творчества О. Ренуара является применение лессировки, которое возможно только при написании картины маслом. Импрессионизм в работах художника проявляется в каждом штрихе. Человек воспринимается им как частица самой природы, поэтому так многочисленны картины с обнаженной натурой.

Любимым занятием Ренуара было изображение женщины во всей ее привлекательной и притягательной красоте. Портреты занимают особое место в творческой жизни художника. «Зонтики», «Девушка с веером», «Завтрак гребцов» — только малая часть удивительной коллекции картин Огюста Ренуара.

Жорж Сера (1859—1891)

Процесс создания картин Сера связывал с научным обоснованием теории цвета. Световоздушная среда рисовалась на основе зависимости основных и добавочных тонов.

Несмотря на то что Ж. Сера является представителем завершающего этапа импрессионизма, и его техника во многом отлична от основоположников, он точно так же создает с помощью мазков иллюзорное представление предметной формы, рассмотреть и увидеть которое можно лишь на расстоянии.

Шедеврами творчества можно назвать картины «Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы».

Представители русского импрессионизма

Русский импрессионизм возник практически спонтанно, смешал в себе многие явления и методы. Однако основой, как и у французов, было натурное видение процесса.

В русском импрессионизме хоть и были сохранены черты французского, но особенности национальной природы и состояния души внесли значительные изменения. Например, видение снега или северных пейзажей выражалось с помощью необычной техники.

В России немногие художники работали в стиле импрессионизм, картины их притягивают взгляды и по сей день.

Импрессионистический период можно выделить в творчестве Валентина Серова. Его «Девочка с персиками» — ярчайший пример и эталон этого стиля в России.

Картины Константина Коровина покоряют своей свежестью и созвучием чистых красок. Главной темой творчества этого художника является изображение человека на природе. «Северная идиллия», «В лодке», «Федор Шаляпин» — яркие вехи деятельности К. Коровина.

Импрессионизм в современности

В настоящее время это направление в искусстве получило новую жизнь. В данном стиле несколько художников пишут свои картины. Современный импрессионизм существует в России (Андре Кон), во Франции (Лоран Парселье), в Америке (Диана Леонард).

Андре Кон является самым ярким представителем нового импрессионизма. Его картины, написанные маслом, поражают своей простотой. Художник видит прекрасное в обыденных вещах. Творец трактует многие предметы через призму движения.

Акварельные произведения Лорана Парселье знает весь мир. Его серию работ «Странный мир» выпустили в виде открыток. Великолепные, яркие и чувственные, они захватывают дух.

Как и в веке 19-м, в настоящий момент сильной стороной художников остается пленэрная живопись. Благодаря ей будет вечно жить импрессионизм. Картины известных художников по-прежнему вдохновляют, впечатляют и воодушевляют.

Импрессионизм: эмоции на холсте | ART LIFE Виктории Латка

Скажите, друзья, удивляла ли вас когда-нибудь популярность импрессионизма? Ведь, казалось бы, как миллионы людей могут восхищаться картинами, которые, вроде бы, написаны словно неряшливо, без старания, мазками и без точного соблюдения силуэтов.

К некоторым из них если присмотреться, то они и на картины-то не похожи. А  тем не менее, сегодня импрессионизм считается самым популярным стилем живописи. Что привлекает к нему такое большое количество поклонников?

 

Что такое импрессионизм и как он возник?

Само название «импрессионизм» произошло от французского impression — впечатление. Слово фигурировало в названии первой картины импрессионизма: Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), 1872 год.

Она буквально поразила многих критиков и искусствоведов оригинальностью манеры: казалось, будто картина была лишь наброском, сделанным впопыхах.

И по задумке автора полотно изображало не образы и силуэты, а впечатления и эмоции художника, вызванные изображенным объектом.

 Думаете, зрители приняли новый стиль в распростертыми объятьями? Как бы не так! Первая выставка картин, запечатлевших мир в его подвижности, была разбита критиками в пух и прах. Тогда, весной 1874 года, Луи Леруа писал, что «Обои, и те смотрелись бы более законченно, чем это «Впечатление»!

Всех художников нового направления назвали импрессионистами. И это была вовсе не похвала.

Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant), 1872 год.

  Это интересно

 Произведение «Впечатление. Восходящее солнце» в 1985 году было похищено из парижского музея Мармоттан и 5 лет разыскивалось Интерполом. Полотно было найдено только в 1990 году и возвращено на место. Кстати, а знаете ли вы, какой самый воруемый художник в мире? Конечно же Пабло Пикасо!  

 И тем не менее, со временем импрессионизм в живописи постепенно завоевал своего зрителя. Всё-таки, как бы ни старались критики оценивать картины в этом стиле по соответствию канонам и правилам, главный судья — простой зритель. И если у него картины импрессионистов вызывают эмоции, то эти произведения будут популярны.

А подружившись с народом, импрессионизм пробил себе дорогу к славе. Уже в XIX веке направление стало доминирующим в живописи.

Мэтры импрессионизма и их стиль

 Клод Моне, с легкой руки критика ставший родоначальником импрессионизма, был вовсе не одинок в стремлении запечатлеть изменчивость мира и случайные неповторимые моменты. Первая выставка 1874 года содержала 165 полотен 15 разных авторов.

 Хотя преимущественно художники-импрессионисты писали пейзажи, их увлекали и другие сюжеты. Например, Эдгар Дега знаменит своими изображениями балерин, прачек, женщин и детей, скачек.

Эдгар Дега  Слева «Звезда» 1877 Музей д’Орсе, Париж
Справа «Причесывающаяся женщина» 1885, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Английский художник Альфред Сислей стал одним из самых популярных пейзажистов в конце XIX века, он работал в основном в окрестностях Парижа. Кстати, большинство живописцев предпочитали пленэр, то есть работу на открытом воздухе. Ведь так появлялось намного больше возможностей ловить впечатления.

Сислей всегда писал в простой цветовой гамме, но его мерцающие краски создавали впечатление дематериализации предметов.

Альфред Сислей Слева «The Bridge at Moret» , 1893 Музей d’Orsay, Париж
Справа «Les Berges de l’Oise» 1877  Национальная галерея искусства, Вашингтон

  Это интересно

 Вибрирующие, подрагивающие мазки — удивительная находка Эжена Делакруа, придающая картинам эффект подвижности и неистовства. В картинах импрессионистов вы редко встретите черный цвет, темные оттенки создают смешением нескольких красок. А яркие и сочные тени изысканных тонов стали визитной карточкой стиля.

 Также у истоков импрессионизма в художественном искусстве стояли Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Эдуард Мане, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. В один ряд с французскими мэтрами ставят и Константина Коровина, интуитивно создававшего живость в статической картинке.

Константин Коровин. Слева Париж. 1933  Справа Париж. Улица Венеция. 1927

Произведения импрессионистов отличаются жизнерадостностью и стремлением «увидеть мгновение», наполнены чувственной красотой мира. При этом в них же нет попытки копировать образы из окружающего мира. Параллельно возникший импрессионизм в литературе формировался по сходным правилам: видеть, чувствовать, выражать чувства.

Кстати в истории искусства немало примеров, где казалось бы и места такому «искусству»  не должно быть… Но ведь именно смельчакам и первооткрывателям арт- индустрии мы благодарны за то, что  в мире появляются новые стили и направления в искусстве! Вот пример одного такого открятия, сделанное Энди Уорхолом в поп-арте 

Собственно, именно потому импрессионизм в живописи и стал столь популярен: на картинах люди не просто видят объекты и явления, но чувствуют то, что испытывал художник при их написании — волнение, спокойствие, восторг, умиление, испуг…

А испытав такие эмоции, само полотно невозможно не полюбить или по крайней мере не запомнить. И если для вас главное в картине — чувства и впечатления, а точность и проработка деталей второстепенны — поздравлю, вы стали поклонником импрессионизма!

Дорогие друзья! Вы уже знакомы с написанием живописных картин в смешанной технике? Это своего рода тоже импрессионизм, (эмоции на холсте) с использованием разных красок и материалов на полотне.  В одной работе есть прекрасная возможность создать интересную картину акрилом или маслом, с дополнением позолоты. Ведь всем известно, что мир изобразительного искусства без границ, вы с этим согласны? заказать видео курсы можно на отдельной странице

Видео урок: как нарисовать пейзаж, находясь под впечатлением

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках.  Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Импрессионизм, Постимпрессионизм

     Стиль Модерн любят многие. Но мало кто знает, что вырос Модерн, сформировался из живописного направления импрессионизма. Да-да, это когда на картине сначала ничего не понятно, одни мазки краски, и, только присмотревшись, можно увидеть собаку, даму в пышной юбке и пеструю толпу гуляющих людей. Но без импрессионизма не было бы нашего любимого Модерна. Не было бы кованых
решеток с вьющимся виноградом, абажуров из разноцветного витражного стекла, изображений томных красавиц с распущенными волосами – ничего того, что мы так любим создавать в интерьере сегодня.

      Импрессионисты. После того как на рубеже 1830–1840-х гг. была изобретена фотография, раздались голоса о кончине живописи. К чему мучиться над реалистическими тонкостями пейзажей или портретов, когда фотограф может мгновенно запечатлеть все с гораздо большей точностью? 1860-е гг. стали поворотным пунктом в истории искусства –
на волне этих тенденций во Франции зарождается новый стиль живописи импрессионизм.

     Термин «импрессионизм» родился случайно (как всегда). Поводом послужило название пейзажа Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», появившегося на выставке импрессионистов в 1874 г. Это было первое публичное выступление группы художников,
объединившихся вокруг Э. Мане, в которое входили К. Моне, Э. Дега, О. Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро и другие. Официальной буржуазной критикой оно было встречено грубыми насмешками и травлей. Правда, уже с конца 1880-х гг. формальные приемы их живописи были подхвачены представителями
академического и салонного искусства.

  Импрессионисты неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства. Последовательно высветляя свою палитру, импрессионисты освободили живопись от землистых, «музейных» лаков и красок академического направления, открыв мир сверкающего солнечного света и воздуха, красоту большого города, россыпь его ночных огней и гул непрестанного уличного движения. В искусство словно ворвалась шумная пестрая толпа, суета парижских бульваров и кафешантанов, атмосфера постоянно меняющейся, полной трепетной жизни природы.

Светильник, производит Berliner (Герма-
ния). Этот уютный светильник спроектиро-
ван в стиле Модерн, а вокруг все сияет и
просится на живописное полотно. «Инте-
рьерный салон № 1».

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Интерьер в стиле Модерн: картина Э. Мане «Бар в Фоли-Бержер» (1882) и современный диван из коллекции Liberty (произво-
дит Medea, Италия).

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Они очень созвучны: картина Э. Дега «Балерины в голубом» и мебель из коллекции Liberty (производит Medea, Италия).

В картинах импрессионистов объемные формы как бы растворялись в игре бликов, рефлексов и цветных теней. (Подробнее – см. «Основы теории живописи».) Эта игра создавала беспримерно светлую, просто вибрирующую воздушную живопись. Такая живопись рассчитана на оптическое смешение красок при восприятии картины зрителем, стоящим на обязательной дистанции к живописному полотну. Эту свободу живописи, саму экспрессию мазка художники связывали с новыми задачами в их творчестве.

     Но импрессионизм нельзя воспринимать только как совокупность специфических живописных приемов. Это нетрадиционное видение мира возникло как закономерность перехода от Нового к Новейшему времени. Оно связано с изменившимся к середине ХIХ в. пониманием эпохи, с развитием науки и индивидуальной психологии. Импрессионизм родился почти одновременно и в живописи, и в поэзии, позднее его влияние распространилось на скульптуру, музыку, литературу, театр и даже художественную критику. Импрессионизмом дышало все вокруг.

       «Непримиримые», как сами себя называли эти художники, в основном работали на природе (на пленэре). А на пленэре предметы и фигуры теряют четкие контуры, колеблются под действием воздушной среды и освещения, насыщаются цветовыми бликами. Художники отказались от традиционного, разработанного в европейских академиях принципа композиционного построения картины. Они понимали картину как фрагмент натуры, по определению Дега, словно «подсмотренную через замочную скважину». Картины импрессионистов – как драгоценный фотокадр, где точка зрения случайна и даже подвижна, композиционные оси смещены, а предметы и даже человеческие фигуры нередко разрезаны рамой.

          Отчасти под влиянием японского искусства, открытого европейцами во второй половине ХIХ в., в творчестве импрессионистов, всегда по-разному, проявляется тенденция к затушевыванию глубины, к усилению двухмерности, к отсутствию традиционного разделения на фон и предмет изображения. Влияние Японии на европейские умы в то время было огромным. Японские гравюры и книги заполонили европейские галереи и книжные магазины. Кстати, одним из таких магазинов, торгующих восточной арт-экзотикой на парижской улице де Прованс владел Зигфрид Бинк, один из пропагандистов Модерна. При магазине была галерея под названием «L’Art Nouveau» («Арт-Нуво»). (Подробнее – см. «Модерн (не путать с модернизмом)».)

         Последовательным представителем импрессионизма во французском искусстве нужно признать Клода Моне (1840–1926). Красочные переливы цвета, отраженного в воде, составляют весь поздний период его творчества. «Белые кувшинки. Живерни» – изысканное декоративное полотно, сплошь затканное узорами зеленой листвы. Висящий в воздухе «японский мостик» как бы лишен реальных опор, его конструктивная основа – игра сплетающихся мазков. Глубина пейзажа с водой и отражениями
иллюзорна.

К. Моне. «Пруд с кувшинками» (1899). Кера-
мическая плитка коллекции Artworks, про-
изводит Original Style (Англия). Литографи-
ческий способ нанесения изображения на
плитку исключает возможные искажения
оригинала. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks,
производит Original Style (Англия). Декоры
этой коллекции словно сошли с японской
гравюры. Салон интерьеров «Арт-Рум».

        И словно гимн импрессионизму звучат строки из позднего дневника «На воде» Ги де Мопассана (1880): «Все дарованные миру краски, прелестные, разнообразные, опьяняющие, предстают перед нами с чарующей законченностью, изумительной яркостью, бесконечными оттенками вокруг листа водяной лилии. Все тона красного, розового, желтого, синего, зеленого, лилового – тут, в небольшом кусочке воды, где явлено нам все небо, все пространство, вся греза…»

         А Огюсту Ренуару доставляет истинное наслаждение писать окрестности Парижа. В его произведениях природа, то яркая и ослепительная, то окутанная неясным сумраком, воспринимается как жизненная среда обитающих в ней персонажей. Человек не растворяется в ней, а остается главным действующим лицом. Радостное, чувственное восприятие мира влекло Ренуара к юным женским и детским образам, как идеалу цветущей жизни, счастья и духовной чистоты. В противоположность салонным художникам-академистам, Ренуар в изображении обнаженных женщин пишет настоящие красочные симфонии, построенные на сочетании теплых телесных тонов с тончайшими рефлексами. И героиням своим – артистке, служанке, дочери лавочника или обыкновенной модистке – живописец придает то неповторимое очарование, которым мастера ХVIII в. наделяли дам высшего света.

К. Моне. Аржантей (1875). Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Ручная роспись художником-керамистом перед последним обжигом делает плитку немного шероховатой, словно она выполнена маслом. Салон интерьеров «Арт-Рум».

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Портрету актрисы Ж. Самари кисти О. Ренуара (1877–1878) с его вибрирующей, сияющей техникой письма необыкновенно подходят насыщенные солнцем интерьеры Прованса и керамические аксессуары производства L’Antica Deruta (Италия).

      Постимпрессионизм. Вслед за импрессионизмом во французской живописи конца ХIХ – начала ХХ в. возникли течения, получившие название «постимпрессионизм». Постимпрессионизм унаследовал у импрессионистов интуитивное чувство цвета, когда выбор цветовых созвучий приобретает эмоциональную атмосферу и чувственную силу внушения. Течение повысило интерес к философским и символическим началам искусства, к построению пространства, объема, к декоративной стилизации.

Витраж «Подсолнухи» (техника «тиффани»). Художник Св. Михайлова. Современные художники охотно обращаются
в своем творчестве к наследию постимпрессионистов, ведь их искусство – не застывшая чужеродная форма. Оно может украшать и украшает наши интерьеры и сегодня. «Студия Светланы Михайловой».

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Над креслом, которое производит Grifoni Vittorio (Италия), висит картина Поля Сезанна «Гора Сент-Виктуар», написанная в 1900 г.

        При общих чертах творчество художников этого направления значительно отличается друг от друга. Поль Сезанн (1839–1906) стремился выявить величественную устойчивость и материальность мира, закономерность его структуры, первобытную мощь природы. Винсент ван Гог (1853–1890) свой страстный социальный протест выразил в картинах, предельно напряженных по цвету, написанных порывистым, экспрессивным мазком. Даже пейзажи он наделял тревожным, нередко трагическим звучанием («Красные виноградники в Арле»). Картина «Подсолнухи», которые художник писал одиннадцать раз, стала своеобразным символом его живописи. Поль Гоген (1848–1903) воплотил свои мечты о гармонии мира, поэтическом единстве человека и природы в картинах на темы быта и легенд Полинезии. Творческие искания Гогена продолжили его ученики, проложившие путь символизму и стилю Модерн.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Картина П. Гогена «Жена короля» и современная мебель коллекции Golden Century (производит Epoca, Испания) создадут вашему интерьеру яркий богемный образ.

Источник:  

Софиева Н. Дизайн интерьера: стили, тенденции, материалы/ — М.: Эксмо, 2012. — 665с.

Обзор импрессионистского движения

| TheArtStory

Краткое изложение импрессионизма

Импрессионизм, пожалуй, самое важное движение во всей современной живописи. В какой-то момент в 1860-х годах группа молодых художников решила очень просто нарисовать то, что они видели, думали и чувствовали. Их не интересовала история, мифология или жизни великих людей, и они не стремились к совершенству в внешнем виде. Вместо этого, как следует из их названия, импрессионисты пытались запечатлеть на холсте «впечатление» того, каким пейзаж, вещь или человек предстал перед ними в определенный момент времени.Это часто означало использование гораздо более легкой и свободной кисти, чем у художников до этого момента, и рисование на открытом воздухе, на пленэре. Импрессионисты также отказались от официальных выставок и конкурсов живописи, организованных французским правительством, вместо этого организовав свои собственные групповые выставки, к которым публика изначально относилась очень враждебно. Все эти ходы предсказали появление современного искусства и всей связанной с ним философии авангарда.

Основные идеи и достижения

  • Импрессионисты использовали более рыхлую кисть и более светлые цвета, чем предыдущие художники. Они отказались от традиционной трехмерной перспективы и отвергли ясность формы, которая раньше служила для того, чтобы отличать более важные элементы картины от второстепенных. По этой причине многие критики осуждали картины импрессионистов за их незаконченный вид и кажущееся любительским качество.
  • Подхватив идеи Гюстава Курбе, импрессионисты стремились стать художниками настоящего : они стремились расширить возможные сюжеты для картин.Уходя от изображений идеализированных форм и совершенной симметрии, они концентрировались на мире, каким они его видели, несовершенном во многих отношениях.
  • Научная мысль эпохи импрессионистов начала осознавать, что то, что воспринимает глаз, и то, что понимает мозг, — две разные вещи. Импрессионисты стремились уловить первое — оптические эффекты света — передать на своих полотнах мимолетность настоящего момента, в том числе окружающие черты, такие как перемены погоды.Их искусство не обязательно основывалось на реалистичных изображениях.
  • Импрессионизм фиксирует последствия масштабной реконструкции Парижа в середине 19 го века, проведенной городским планировщиком Жоржем-Эженом Османом, которая включала недавно построенные городские железнодорожные станции; широкие усаженные деревьями бульвары, пришедшие на смену некогда узким многолюдным улицам; и большие, роскошные многоквартирные дома. Работы, в которых основное внимание уделялось сценам общественного досуга, особенно сценам в кафе и кабаре, часто передавали новое чувство отчуждения, которое испытывали жители первого современного мегаполиса.

Обзор импрессионизма

Эдуард Мане сказал: «Вы вряд ли поверите, как трудно поместить фигуру в одиночку на холсте и сосредоточить весь интерес на этой единственной и универсальной фигуре и при этом сохранить ее живой и реальной. » Здесь он намекает на новаторское мышление, которое вошло в новый способ представления мира импрессионизмом.

Импрессионизм – что это такое?

 

Выставки раннего импрессионизма в Париже

Революционный характер движения импрессионистов в искусстве начал набирать обороты в 1863 году.Официальный ежегодный художественный салон был вершиной французского искусства. Некоторым художникам-импрессионистам, таким как Поль Сезанн, Эдуард Мане и Камиль Писсарро, не разрешили выставлять свои работы в этом салоне. В результате своего исключения эти художники создали «Салон отверженных», где они могли выставлять свои работы. Император Наполеон III санкционировал салон, чтобы успокоить художников, но выставка вызвала большой общественный резонанс.

Одной из самых противоречивых картин на этой выставке была картина Le Dejeuner sur l’Herbe , которую Мане написал в том же году. На этой картине изображены одетые мужчины и обнаженные женщины, наслаждающиеся пикником. Возможно, если бы это были условно идеализированные обнаженные женские фигуры, эта картина не вызвала бы столько споров. Однако это были современные женщины, и их нагота предполагала действия, которые были гораздо более сексуально откровенными, чем это допускалось условностями.

 

Французские кафе: импрессионизм и разнообразие

Движение импрессионистов было невероятно разнообразным с точки зрения сюжета и художника по сравнению с официальными условностями.Французские кафе сыграли неотъемлемую роль в развитии этого импрессионистского разнообразия, потому что они были популярными местами среди художников-импрессионистов. Такие художники, как Клод Моне , Альфред Сислей, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро и Поль Сезанн часто посещали кафе Гербуа на Монмартре. Эти художники встречались с другими творческими единомышленниками, включая фотографов, критиков и писателей.

Переводная литография Эдуарда Мане под названием Au Café Guerbois («В кафе Гербуа», 1869 г.); Эдуард Мане, общественное достояние, Wikimedia Commons

Внутри этой группы были разные личности, политические взгляды и финансовое положение.В то время как Берта Моризо, Дега и Гюстав Кайботт происходили из семей высшего сословия, Ренуар, Моне и Писсарро происходили из купеческих семей. Альфред Сислей был англо-французом, а Мэри Кассат была и женщиной, и американкой.

Многие считают, что исключительное разнообразие в этой группе творческих людей привело к огромному творчеству, появившемуся в результате их совместных предприятий. Даже в импрессионистском движении мы можем видеть разнообразие стилей и технических приемов.

 

Анонимное общество художников, живописцев, скульпторов, граверов и др.

До 1874 года термин «импрессионизм» не обозначал эту творческую коллекцию.У творческого коллектива не было единого стиля, но все они разделяли неприязнь к излишне академичной и строгой условности изобразительных художественных традиций. В 1860-х годах этот коллектив решил создать коммерческий кооператив, чтобы установить творческую независимость и финансовую безопасность. Многие из этих художников имели ограниченный финансовый успех, и парижские салонные выставки не принимали их работы.

Коллектив провел свою первую серию выставок в студии фотографа Фелиза Надара, но импрессионистами они стали называть себя только после своей третьей выставки в 1877 году.Большинство этих выставок на самом деле стоили художникам денег, и первые несколько показов они не привлекали особого внимания публики. Хотя их более поздние выставки действительно привлекли большую аудиторию, многие художники по-прежнему не смогли продать много работ, а некоторые остались очень бедными.

 

Движение импрессионистов

В враждебной рецензии на выставку творческого коллектива 1874 года Луи Леруа обвинил группу в том, что она рисует только «впечатления» от вещей. Леруа взял термин импрессионизм из картины Моне 1873 года « Impression, Sunrise». Несмотря на враждебность, с которой они восприняли это прозвище, импрессионисты начали его принимать. В последующие десятилетия импрессионисты также называли себя «независимыми», имя, происходящее от мятежных мнений Societe des Artistes Independants .

Несколько художников-импрессионистов сформировали это общество в 1884 году, пытаясь дистанцироваться от условностей художественной академии. Художники, которые практиковали под названием импрессионистов, имели самые разные стили и техники.Однако их объединял общий интерес к представлению визуального восприятия с упором на эфемерные моменты современного мира на основе преходящих оптических впечатлений.

 

Фотография и импрессионисты

Развитие фотографии было важной движущей силой большей части философии импрессионистов. Через объектив фотографы могут запечатлеть одиночный, мимолетный момент времени, создавая прямой отпечаток реальности на двухмерной поверхности.Фотография повлияла на импрессионизм двумя разными способами.

Во-первых, возможность запечатлеть любой момент изменила понимание того, что значит быть достойным визуального воссоздания. Традиционная французская живопись была сосредоточена вокруг исторически оцененных мифологических сюжетов и прославленных портретов лидеров и героев. Фотография способствовала изобразительному сохранению всех видов новых и ранее упущенных из виду сцен, пейзажей и людей.

Многие художники-импрессионисты черпали вдохновение в этой новой способности изображать упущенные части реальности.Художники нарисовали шумные переулки, площади и сцены в кафе, которые отражают яркость развивающегося городского мира, а также новое ощущение того, что даже самые обыденные аспекты этого мира достойны записи.

Вторая причина, по которой импрессионизм обязан фотографии, связана с концепцией спонтанной композиции. Кроме того, фотография может запечатлеть момент времени и место в пространстве в один и тот же момент. Художники-импрессионисты стремились передать это же чувство в своих картинах.

Фантастический пример: Place de la Concorde, картина Дега, изображающая парижскую общественную площадь. На этой картине изображена не просто эта площадь, а все люди и животные, движущиеся по ней в тот самый момент, когда это видел Дега. Тела расположены в беспорядочном движении, и эта точная способность запечатлеть момент в пространстве могла исходить только от понимания и оценки фотографии.

Place de la Concorde (1875) Эдгара Дега; Эдгар Дега, общественное достояние, Wikimedia Commons

 

 

Тенденции, концепции и стили импрессионизма

От живописи на улице до восхищения телами и движениями, импрессионистские стили, концепции и направления обширны и разнообразны.Фундаментальные направления в тематике включают интимную жизнь женщин, суетливые городские пейзажи и изучение тел в космосе.

 

Картина

на пленэре

Исходя из того, что художники-натуралисты рисовали внутри сцены, художники-импрессионисты проводили много часов на улице в различных погодных условиях, запечатлевая прекрасные впечатления. Картина на пленэре сыграла центральную роль в развитии двух основных мотивов импрессионизма.

Рисуя снаружи, художники могли наблюдать и запечатлевать мир в разных состояниях, отмечая течение времени. Живопись снаружи также позволила художникам-импрессионистам усовершенствовать свою способность улавливать эффекты естественного света. Например, серия Моне Стог сена , написанная между 1890 и 1891 годами, изображает один и тот же стог сена при разном освещении и погодных условиях.

Многие художники-импрессионисты рисовали снаружи, в том числе Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Берта Моризо и Джон Сингер Сарджент.Моне смог настолько хорошо освоить изображение естественного света, что стал одним из самых знаменитых импрессионистов.

Моне рисовал снаружи в любое время дня, тщательно документируя изменения в атмосфере. В своем саду в Живерни Моне часами создавал спонтанные впечатления от пейзажа. Используя несмешанные цвета с очень мягкими мазками, Моне удается создать ощущение тонкой вибрации, как будто природа живет и дышит на двухмерном холсте. Моне также использовал технику рисования «мокрым по мокрому», которая превращалась в размытые границы и более мягкие края, намекающие на трехмерный мир.

Der Roseweg в Живерни («Путь роз в Живерни», до 1992 г.) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, Wikimedia Commons

 

Впечатление от города

Импрессионизм был тесно связан с парижским обществом, и многие художники документировали растущую столичную природу города.Реконструкция Парижа в 1860-х годах бароном Жоржем-Эженом Османом значительно модернизировала город. Одной из самых заметных реконструкций было расширение тротуаров, которые вскоре стали центрами общественной активности.

С реконструкцией города появилась концепция фланера, или бездельника, который бродит по общественным местам города. Картины импрессионистов, документирующие этот изменяющийся городской пейзаж, сосредоточены на фланере как на метафоре современного человека в растущем мегаполисе.

Гюстав Кайботт изображает эти темы городской современности в своих городских панорамах. Кайботт также сосредоточился на психологии людей в городском пейзаже. У Кайботта более реалистичный стиль, чем у многих ранних художников-импрессионистов, но атмосферные изменения и эмоциональность по-прежнему пронизывают его работы. Его картина Париж, дождливый день, , завершенная в 1877 году, изображает фланера , прогуливающегося по бульвару, одетого в характерный цилиндр и черное пальто.

Импрессионисты, такие как Моне и Писсарро, также преобразовывали урбанизированный городской пейзаж в свой собственный уникальный стиль, уделяя особое внимание качеству света и движения. Эти работы подчеркивают геометрическое расположение общественного пространства в городе, тщательно очерчивая улицы, деревья и здания.

Например, в 1897 году Писсарро завершил работу над картиной «Бульвар Монмартр, полдень, », которая привносит в городской пейзаж характерные импрессионистские цветовые мазки. Импрессионисты, такие как Моне и Писсарро, передавали нарастающий темп современной городской жизни грубыми мазками и характерными мазками цвета.

Rue de Paris, Temps de Pluie («Парижская улица в дождливую погоду», 1877 г.) Гюстава Кайботта; Гюстав Кайботт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Человеческое тело и художники-импрессионисты

В то время как многие художники-импрессионисты любили рисовать пейзажи сцен на улице, другие, такие как Дега, Кассат и Ренуар, не считали, что живопись должна быть спонтанным подвигом. Дега был высококвалифицированным художником-портретистом и рисовальщиком, и его любимыми предметами были внутренние сцены, изображающие современную жизнь.На самых известных картинах Дега мы можем увидеть людей из самых разных слоев общества, от артистов балета, готовящихся к выступлению, до музыкантов в оркестровой яме.

Рассматривая стиль живописи Дега, мы можем увидеть, сколько стилистических вариаций было под эгидой импрессионистов. Дега, как правило, использовал более толстые и преднамеренные мазки, и он очерчивал свои формы с гораздо большей ясностью, чем такие художники, как Писсарро и Моне.

Увлечение рисованием человеческих форм также имело психологический аспект для таких импрессионистов, как Кассат, Ренуар и Моризо.Ренуар представил повседневную деятельность различных жителей своего района в характерных для него насыщенных и ярких красках. Ренуар любил документировать общественную деятельность парижского общества.

Хотя известно, что Ренуар писал на пленэре, он не интересовался запечатлением атмосферных изменений в сцене. Вместо этого Ренуар использовал свободную и легкую кисть, чтобы подчеркнуть человеческую форму и передать эмоциональные качества своих персонажей.

Перед спектаклем (1896) Эдгара Дега;  Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Импрессионизм и женщины

До сих пор мы в основном рассматривали художников-импрессионистов-мужчин и их подвиги. В 19 веке 90 105 женщин-художниц (90 106) столкнулись со многими препятствиями, пытаясь выйти на поле и создать свои работы. Рисуя человеческие фигуры, художники-импрессионисты-мужчины, как правило, рисовали их в общественных местах, таких как городские кафе. Напротив, женщины-импрессионисты, такие как Берта Моризо, сосредоточились на частной жизни женщин конца 19 века.

Будучи первой женщиной, выставившей свои работы с импрессионистами, Моризо в своих богатых композициях подчеркнула сугубо личную и домашнюю сферу женского общества.Материнская связь между ребенком и матерью была излюбленной темой Моризо, и ее картина 1872 года « Колыбель, » является прекрасным примером .

Берта Моризо, Ева Гонсалес, Мэри Кассат и Мари Бракемон — четыре самые выдающиеся женщины-импрессионисты. В 1879 году Кассат начала выставлять свои изображения частной и общественной женской жизни с импрессионистами.

Кассат изобразила женскую фигуру в урбанизированном городском пейзаже, как на своей картине 1879 года « В Опере». В этой и во многих других своих картинах Кассат использует несколько новаторских приемов, которые предвещают ее более поздние современные разработки. Эти нововведения включали использование почти кричаще-ярких цветов и сглаживание трехмерного пространства.

Le Berceau («Колыбель», 1872) Берты Моризо; Берта Моризо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

 

Жизнь после импрессионизма: движения постимпрессионистов

Как мы видели, импрессионистское движение было очень разнообразным, но, несмотря на разнообразие обстоятельств и стилей, группа часто встречалась и сотрудничала.Вместе, между 1874 и 1886 годами, группа провела восемь выставок своих работ, но в этот период они начали расходиться. К этому времени многие художники-импрессионисты чувствовали, что они овладели стилем раннего импрессионизма и им необходимо следовать другим стилям и техникам. Другие члены группы импрессионистов были разочарованы продолжающимся отсутствием финансового успеха.

 

Вершина импрессионизма

На протяжении большей части своей жизни как движения импрессионизм не был широко принят или прославлен.Его репутация революционной формы искусства и постоянное предпочтение традиционным условностям заставило многих художников-импрессионистов столкнуться с финансовыми трудностями. Импрессионизм был окончательно принят как результат Поля Дюран-Рюэля.

Дюран-Рюэль был лондонским арт-дилером, который познакомился с Моне в 1871 году, много лет покупал и выставлял в Лондоне многие работы импрессионистов. Хотя поначалу продажи были низкими, к концу 1880-х годов Дюран-Рюэль начал показывать картины импрессионистов в Америке, где их успех значительно вырос.

Благодаря Дюран-Рюэлю американские покупатели приобрели больше картин импрессионистов, чем любой художник, когда-либо проданный во Франции. Стоимость произведений импрессионистов взлетела до небес, и Моне в конце концов стал миллионером. По мере того, как его популярность росла, импрессионизм стал академической догмой, и многие американских художников прибыли в Живерни, чтобы учиться у Моне, самого известного художника-импрессиониста. Несмотря на этот успех, художники-импрессионисты продолжали исследовать другие художественные направления, ведущие к постимпрессионизму.

 

Международный импрессионизм

Поскольку импрессионизм, наконец, начал привлекать финансовый успех и всемирное признание, а французские импрессионисты начали изучать другие стили, многие международные художники начали изучать импрессионистские техники.

В Америке, в частности, начало набирать обороты импрессионистское движение. Американское импрессионистское движение, в котором участвовали такие художники, как Морис Прендергаст, Чайлд Хассам и Уильям Меррит Чейз, начало набирать обороты.Чайлд Гассам наиболее известен своими яркими впечатлениями от городских пейзажей и прибрежных сцен, а Уильям Меррит Чейз коснулся буржуазной столичной среды американского общества конца 19 века и пейзажей импрессионистскими приемами.

Морис Прендергаст создал своеобразный стиль североамериканского постимпрессионизма. Члены австралийской школы импрессионизма, такие как Артур Стритон и Том Робертс, использовали пыльные цветовые палитры и техники импрессионизма, чтобы воссоздать австралийские пейзажи.

Скалы, волны и фигуры (ок. 1902–1904) Мориса Бразильского Прендергаста; Морис Прендергаст, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Движение британских импрессионистов — одно из самых значительных международных импрессионистских движений конца 19 века. Жидкий и свободный стиль живописи был впервые применен Джеймсом Эбботтом Макнилом Уистлером, американским эмигрантом, жившим в Лондоне. Серия Nocturne Abbott McNeil Whistler напоминает о гламуре и мраке сумерек над Темзой.

Другой британский импрессионист, Филип Уилсон Стир, был пионером импрессионистских морских пейзажей, писавших в Юго-Западной Англии и Корнуолле. Скотт Уильям Мактаггарт использовал более дикие прибрежные пейзажи своей страны для создания более бурных импрессионистских морских пейзажей. Другие влиятельные импрессионистские движения появились по всей Европе, наиболее заметными из которых были Германия, Бельгия, Голландия и Дания.

 

Постимпрессионизм

Когда французский импрессионизм начал угасать, младшие участники группы разошлись по разным направлениям. Многие недолговечные группы и школы были сформированы и забыты. Для развития постимпрессионистского движения в импрессионистской мысли должен был быть необходимый раскол. В то время как некоторые художники и школы использовали приемы импрессионизма для передачи внутренней эмоциональной жизни художника, другие стремились усовершенствовать глазные приемы, лежащие в основе импрессионистского стиля.

 

Постимпрессионистская субъективность

Такие группы, как наби, синтетики и клуазонисты, а также отдельные художники, такие как Винсент Ван Гог и Поль Гоген, принадлежали к первой группе.В конце 1880-х годов появились клуазонисты, использующие большие области яркого цвета, очерченные темными и толстыми линиями. Эта группа получила свое название от «cloisonnes» или отдельных панелей средневековых витражей, которым подражал их стиль.

Среди влиятельных художников-перегородчатых художников Луи Анкетен и Эмиль Бернар. Оба этих художника проводили время с Ван Гогом и членами школы Понт-Авен в Бретани, включая Поля Гогена и Поля Серюзье. Все четверо этих художников также были связаны со стилем синтетизма.Истоки и методы синтетизма были почти идентичны клуазонизму. Однако синтетизму не хватало смелых очертаний стиля клуассонизма.

Картина Гогена «Видение после проповеди», , которую он написал в 1888 году, является одной из самых знаковых работ в стиле синтетизма-перегородчатой ​​музыки. The Talisman, , завершенный в том же году Серюзье, является еще одним прекрасным примером этого стиля и стал путеводной звездой для группы Nabi.

Группа Nabi объединила эмоциональные и яркие цветовые блоки стиля Cloisonist с психологической и религиозной символикой.Постимпрессионистские движения начали пересекаться с другими художественными движениями конца 19-го и начала 20-го веков, включая экспрессионизм и символизм.

 

Постимпрессионистская техничность

В отличие от более эмоционально ориентированных работ художников-перегородчатых художников-синтетиков, у нас есть более научная реакция на импрессионизм. Пуантилизм — наиболее известное научное постимпрессионистское движение, в него входили такие художники, как Поль Синьяк и Жорж Сера .Эти художники использовали научные разработки конца 19 века в области оптики как основу для своего стилистического развития.

Открытие того, что глаз воспринимает цвета в виде различных длин волн света и что этот свет затем комбинируется внутри глаза для воссоздания изображения, было особенно важным для этой группы постимпрессионистов. Пуантилисты считали, что если художник правильно сопоставит крошечные точки основных цветов, глаз на расстоянии увидит желаемый тон.Эти художники также считали, что такое использование цвета создаст гораздо более светлые тона, чем обычные методы.

Картина Воскресенье на Гранд-Жатт , написанная Сёра между 1884 и 1886 годами, является, пожалуй, самым известным примером пуантилизма. Многие искусствоведы считают, что работы Ван Гога с их гипнотически повторяющимися мазками сочетают в себе ярко выраженные и стилизованные качества пуантилизма и сильно эмоциональную привлекательность синтетизма-перегородчатой ​​музыки.

Воскресенье в Гранд-Жатт (1884) Жоржа Сёра; Жорж Сёра, общественное достояние, Wikimedia Commons

 

 

Известные художники-импрессионисты и их работы

Мы кратко коснулись многих наиболее выдающихся художников французского импрессионизма. От Мане до Мэри Кассат существует такое разнообразие импрессионистских стилей и сюжетов. Пристальный взгляд на некоторых из самых влиятельных художников-импрессионистов дает нам истинное представление о разнообразии движения.

 

Эдуард Мане (1832-1883)

Многие историки искусства считают Мане одним из первых и наиболее выдающихся художников-импрессионистов, появившихся на парижской художественной сцене. Мане родился со значительным богатством и политическим авторитетом, но он отказался от будущего, которое его семья наметила для него, и полностью погрузился в живопись.

В детстве Мане восхищался многими старыми мастерами, но в начале 1860-х годов он начал использовать более свободный, более новаторский стиль живописи с более яркой палитрой. Его ранние работы этого периода, такие как, в частности, Le Dejeuner sur l’Herbe , сыграли важную роль в развитии стиля французского импрессионизма. Сегодня многие считают эти картины переломными моментами в современном искусстве.

Мане предпочел сосредоточиться на изображении повседневной жизни в своих картинах, запечатлев сцены на улицах, в будуарах и парижских кафе. Этот архетипичный современный сюжет и его гордый антиакадемический стиль начали привлекать внимание других маргинальных художников.Именно мужество и настойчивость Мане в создании искусства, отклоняющегося от условностей, дали импульс группе импрессионистов.

 

Le Dejeuner sur l’Herbe (1863)

Мы не можем считать какую-либо другую картину Мане самой влиятельной и глубокой его работой. Именно эта картина зажгла огонь импрессионистов и изменила ход истории искусства. На картине изображены двое полностью одетых мужчин, устраивающих пикник с двумя совершенно обнаженными женщинами, в то время как другая едва одетая женщина купается позади них. Мане удалил обнаженную женскую фигуру из контекстов, узаконивающих ее, таких как ориентализм и мифология. Обнаженные женщины также уверенно смотрят с холста, прямо бросая вызов предубеждениям зрителя.

Наводящие на размышления и несовершенные женские фигуры, изображенные на этой картине, сделали ее одной из самых противоречивых работ 19-го века и позволили другим художникам нарушить общепринятые границы в отношении приемлемой тематики. Стиль Мане, как видно на этой картине, отличается от стиля многих других импрессионистов, таких как Моне.Хотя он обычно выставлялся вместе с другими импрессионистами, Мане предпочитал использовать преувеличенные цветовые контрасты и более четкие очертания. Без сомнения, это одна из самых известных картин импрессионистов.

Le Déjeuner sur l’Herbe («Завтрак на траве», 1863 г.) Эдуара Мане;  Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Клод Моне (1840-1926)

Будучи одним из, если не самым выдающимся импрессионистом, Моне посвятил себя документированию постоянно меняющейся сельской местности Франции. В то время как Мане приписывают начало импрессионистскому движению, Моне считается отцом-основателем. Моне был самым выдающимся импрессионистом, который практиковал философию выражения визуального восприятия мира непосредственно в том виде, в каком вы его нашли.

Моне часто возвращался к определенным пейзажам со своим холстом и мольбертом, чтобы нарисовать сцену при различном освещении или атмосферных условиях. С характерным для него использованием коротких и почти безумных мазков Моне смог передать оптические впечатления на холсте до такой степени, что они почти вибрировали жизнью.

Моне провел большую часть своей дальнейшей жизни в своем доме в Живерни, где он проводил дни, рисуя свой великолепный сад при разном освещении и условиях. Возможно, одна из его самых известных серий работ — это серия Water Lilies , где он неоднократно рисовал кувшинки на своем пруду. Когда импрессионизм стал известен и прославлен во всем мире, Моне стал одним из самых известных художников-импрессионистов, и многие американские импрессионисты стекались в Живерне, чтобы учиться у мастера.

 

Впечатление, Восход (1872)

Как и первое влиятельное произведение Мане, эту картину часто называют произведением, положившим начало импрессионистскому движению. Хотя она была написана в то время, когда Моне работал в этом стиле с другими художниками-импрессионистами, она произвела такое впечатление и представляла собой воплощение импрессионистского стиля. Преемственность цветовой палитры — самая поразительная черта этой картины. Моне удается одновременно различать и соединять землю, небо и море, и все это купается в нежных оттенках оранжевого, синего и зеленого.

Ни город на картине, ни анонимные мужчины в лодках, отправляющиеся в день рыбалки, не являются предметом. Вместо этого предметом этой прекрасной и согревающей картины является чувственное впечатление Моне от момента. Эта картина с характерными для времени эффектами света указывала на новый стиль живописи.

Эта картина — одна из нескольких сюжетных, созданных Моне в 1872 году. Такой подход типичен для художественного процесса Моне. Снимая одну и ту же сцену при разном освещении и атмосферных условиях, Моне мог уловить движение времени и то, как это изменило качество света.

Impressione, Levar del Sole  («Впечатление, восход солнца», 1872 г.) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, Wikimedia Commons

 

Мэри Кассат (1844-1926)

Родившаяся в Пенсильвании, Мэри Кассат провела большую часть своей жизни во Франции, где познакомилась и подружилась с другими художниками-импрессионистами, включая Дега. Мэри Кассат происходила из традиционной в культурном отношении семьи, но она жаждала вырваться из намеченного для нее пути. К неудовольствию своей семьи, Кассат училась в Пенсильванской академии изящных искусств.Как женщина, Кассат значительно отставала в своем образовании, но это только подогревало ее желание добиться успеха.

Сегодня Кассат считается одной из трех самых выдающихся женщин-импрессионистов, и, как пожизненная феминистка, ее работа, как правило, сосредоточена на частной и общественной жизни женщин. В частности, Кассат часто очень интимно изображала связь между матерью и ребенком. Как и многие импрессионисты, Кассат первоначально представляла свои картины во многих официальных салонах.Однако вскоре она разочаровалась в снобизме и сексизме традиционного французского художественного истеблишмента.

 

В Ложе (1877-1878)

Это одна из самых известных картин импрессионистов и воплощение творчества Мэри Кассат. Женщина на картине сидит во Дворце Гарнье, который был центром социальной жизни Парижской оперы для городской элиты. Опера как социальный центр была не только местом культурных развлечений.Опера также служила местом, где можно было увидеть других и быть увиденным. Субъект женского пола наклоняется вперед, глядя в бинокль на сцену внизу. На противоположной стороне оперного театра мужчина повторяет эту позу.

Композиция этой картины представляет собой остроумный комментарий к акту созерцания. Мало того, что акт взгляда является центральной частью философии импрессионистов, картина может быть комментарием к судьбе художницы, которая не может избежать взглядов мужчин, поскольку она стремится быть наблюдателем.

В ложе (1878 г.) Мэри Стивенсон Кассат; Мэри Кассат, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Французский импрессионизм, хотя и относительно недолговечный, произвел неизгладимое впечатление на мир художественного самовыражения. Развитие техники и стиля открыло двери искусству, которое ломает условности и раздвигает границы. В картинах импрессионистов есть что-то настолько сырое и истинное, что заставляет нас возвращаться к ним снова и снова.

 

Определение постимпрессионизма и характеристики постимпрессионизма

Известные своим разнообразным, но самобытным стилем и субъективным восприятием окружающего мира, постимпрессионисты на рубеже веков стали пионерами нового подхода к живописи. В отличие от предшествовавших им импрессионистов и последовавших за ними фовистов, художников-постимпрессионистов не объединял единый эстетический подход. Скорее их объединил общий интерес к открытому исследованию ума художника.

Учитывая разнообразие стилей, техник и даже сюжетов, очевидных в картинах постимпрессионистов, определить движение может быть сложно. Однако, проследив его историю, идентифицируя его художников и определяя его отличительные характеристики, можно начать понимать историческое и символическое значение движения.

Что такое постимпрессионизм?

Постимпрессионизм — направление в искусстве, зародившееся в 1890-х годах. Для него характерен субъективный подход к живописи, поскольку художники предпочитали вызывать в своих работах эмоции, а не реализм.Таким образом, хотя их стили сильно различаются, картины, выполненные в постимпрессионистской манере, имеют некоторые общие черты. К ним относятся символические мотивы, неестественный цвет и живописные мазки.

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь» (1889)

История

В 1870-х и 1880-х годах импрессионизм доминировал в авангардном искусстве Франции. Однако многие подающие надежды художники находили недостатки в том, что импрессионисты сосредоточили внимание на стиле, а не на предмете. Стремясь встряхнуть мир современного искусства, эта группа стилистически непохожих художников, включая Поля Сезанна, Поля Гогена, Винсента Ван Гога, Жоржа Сёра, Анри Тулуз-Лотрека и Анри Руссо, сформировала постимпрессионистов.

Как и импрессионисты, постимпрессионисты делились своими работами с публикой через независимые выставки по всему Парижу. В 1910 году известный искусствовед, историк и куратор Роджер Фрай ввел термин «постимпрессионизм» в своей выставке « Мане и постимпрессионисты ». Как и сами постимпрессионисты, Фрай считал, что красота искусства неотъемлемо коренится в восприятии. «Искусство — это выражение и стимул к воображаемой жизни, а не копия реальной жизни», — объясняет Фрай в «Эссе по эстетике» .«Искусство ценит эмоции сами по себе. Художник наиболее постоянно наблюдает за своим окружением и меньше всего подвержен влиянию его внутренней эстетической ценности. Когда он созерцает определенное поле зрения, эстетически хаотичное и случайное сочетание форм и цветов начинает кристаллизоваться в гармонию». Сегодня эти идеи помогают нам понять общую нить между этими художниками.

Определяющие характеристики

Эмоциональный символизм

Как объяснил Фрай, постимпрессионисты считали, что произведение искусства не должно вращаться вокруг стиля, процесса или эстетического подхода.Вместо этого он должен делать акцент на символизме, передавая сообщения из собственного подсознания художника. Вместо того, чтобы использовать предмет как визуальный инструмент или средство для достижения цели, постимпрессионисты воспринимали его как способ передать чувства. По словам Поля Сезанна, «произведение искусства, которое не началось с эмоций, не является произведением искусства».

Поль Сезанн, «Пирамида черепов» (1901)

Анри Руссо, «Сон», 1910 г.

Восхитительный цвет

«Цвет! Какой глубокий и загадочный язык, язык снов.-Поль Гоген

В отличие от импрессионистов, которые стремились уловить влияние естественного света на тональность, постимпрессионисты намеренно использовали искусственную цветовую палитру, чтобы изобразить свое эмоциональное восприятие окружающего мира. Насыщенные оттенки, многоцветные тени и богатые цветовые диапазоны очевидны в большинстве постимпрессионистских картин, доказывая новаторский и творческий подход художников к изображению.

Поль Гоген, «Желтый Христос» (1889)

Анри де Тулуз-Лотрек, «В Мулен Руж» (1892–1895)

Характерные мазки

Подобно работам, выполненным в импрессионистском стиле, большинство произведений постимпрессионистов отличаются четкими широкими мазками.Эти знаки не только добавляют текстуру и ощущение глубины произведению искусства, но и указывают на живописные качества произведения, давая понять, что оно не предназначено для реалистичного представления предмета.

Поль Сезанн, «Купальщицы» (1898–1905)

Винсент Ван Гог, «Подлесок с двумя фигурами» (1890)

Винсент Ван Гог, Фрагмент картины «Подлесок с двумя фигурами» (1890)

Импрессионизм

[идентификатор галереи = 1]

Французское художественное движение 19-го века, которое ознаменовало важный отход от традиций в европейской живописи. Импрессионисты включили новые научные исследования в физику цвета, чтобы добиться более точного представления цвета и тона.

Внезапное изменение внешнего вида этих картин было вызвано изменением методологии: нанесение краски небольшими штрихами чистого цвета, а не более широкими мазками, и рисование на открытом воздухе, чтобы уловить особое мимолетное впечатление цвета и света. В результате было подчеркнуто восприятие художником предмета так же, как и самого предмета.

Импрессионистское искусство — это стиль, в котором художник запечатлевает изображение объекта таким, каким его увидел бы человек, мельком взглянувший на него. Они рисуют картины с большим количеством цвета, и большинство их картин — сцены на открытом воздухе. Их картины очень яркие и живые. Художники любят снимать свои изображения без деталей, но с яркими цветами. Одними из величайших художников-импрессионистов были Эдуард Мане, Камиль Писсаро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Клод Моне, Берта Моризо и Пьер Огюст Ренуар.

Мане повлиял на развитие импрессионизма. Он рисовал предметы быта. Писсаро и Сислей рисовали французскую сельскую местность и речные пейзажи. Дега любил рисовать балерин и скачки. Моризо рисовал женщин, занимающихся повседневными делами. Ренуар любил показывать воздействие солнечного света на цветы и фигуры. Моне интересовали тонкие изменения в атмосфере.

Хотя термин «импрессионист» охватывает большую часть искусства того времени, в нем были и более мелкие направления, такие как пуантилизм, ар-нуво и фовизм.

Пуантилизм был разработан на основе импрессионизма и включал использование множества маленьких точек цвета, чтобы придать картине большее ощущение яркости, если смотреть на нее с расстояния. Точки одинакового размера никогда полностью не сливаются в восприятии зрителя, что приводит к эффекту мерцания, как в жаркий и солнечный день. Одним из ведущих представителей был Сера, к которому этот термин впервые применили в отношении его картины «Большая струя» (1886).

Сера был частью движения неоимпрессионистов, в которое входили Камиль Писсарро, Поль Гоген, Анри Матисс, Анри де Тулуз-Лотрек и Поль Синьяк.Слово «дивизионизм» описывает теорию, которой они следовали, в то время как фактический процесс был известен как пуантилизм. Эффекты этой техники, если ее правильно использовать, часто были гораздо более поразительными, чем традиционный подход смешивания цветов.

Неоимпрессионистское движение было коротким, но влиятельным. Термин дивизионизм был также названием итальянской версии неоимпрессионизма в 1890-х и начале 1900-х годов, и можно проследить линию до футуризма, который был основан в 1909 году.

Художники-представители:
Эдуард Мане
Эжен Буден
Фредерик Базиль
Альфред Сислей
Эдгар Дега
Пьер-Огюст Ренуар
Мэри Кассат
Камиль Писсарро
Клод Моне 9074 Вальтер Сислей

Импрессионизм, мода и модерн | Художественный институт Чикаго

Всемирно известная выставка прибывает в Чикаго, где завершается ее мировое турне.

Гюстав Кайботт

Были ли импрессионисты модниками? И какую роль сыграла мода в их стремлении нарисовать современную жизнь в «современном» стиле? Этому посвящена всемирно известная выставка «Импрессионизм, мода и современность », впервые раскрывающая увлекательную связь между искусством и модой с середины 1860-х до середины 1880-х годов, когда Париж стал мировой столицей стиля. Это стильное шоу, на котором представлено 75 крупных картин Кайботта, Дега, Мане, Моне, Ренуара и Сёра, в том числе многие из них никогда ранее не публиковались в Северной Америке, представляет новый взгляд на импрессионистов, раскрывая, как эти ранние художники-авангардисты восприняли модные тенденции. поскольку они стремились запечатлеть современную жизнь на холсте.

Во второй половине 19-го века зародилась современная индустрия моды: такие дизайнеры, как Чарльз Фредерик Ворт, изменили способы производства и продажи одежды, процветали универмаги, и журналы мод начали множиться. И художники, и писатели были заинтригованы этой новой индустрией; его динамичные, эфемерные и постоянно новаторские качества воплощали самую суть современности, которую они стремились выразить в своих работах, и предлагали средства для открытия новых визуальных и словесных выражений.

Эта новаторская выставка исследует жизненно важную связь между модой и искусством в эти поворотные годы не только через шедевры импрессионистов, но и через картины модных портретистов Жана Беро, Каролюса-Дюрана, Альфреда Стивенса и Джеймса Тиссо. Старинные костюмы, такие как мужские костюмы, прогулочные халаты , повседневные платья и бальные платья, а также фотомоделей, фотографий и лубочных гравюр позволяют воочию взглянуть на одежду, которую эти художники использовали, чтобы передать свою современность, а также предметы.Еще больше обогащают экспозицию ткани и аксессуары — кружево, шелк, бархат и атлас, используемые в шляпах, зонтиках, перчатках и туфлях, — воссоздающие чувственный опыт, который сделал моду фаворитом индустрии и серьезной темой среди художников, писателей, поэтов и популярная пресса.

Поистине оживляют выставку яркие связи между самой последней модой и нарисованными трансформациями тех же стилей. Сочетая картины Моне, Ренуара или Тиссо в натуральную величину с современными нарядами, которые их вдохновили, выставка приглашает исследовать разницу между портретной и жанровой живописью, между нарисованными модными тарелками Тиссо и изображениями пережитой жизни Мане, впервые демонстрируя время средства, с помощью которых импрессионисты «лепили» свои модели — и картины — для более крупных художественных целей.

Организаторы

Импрессионизм, мода и современность  организован Институтом искусств Чикаго, Метрополитен-музеем, Нью-Йорк, и Музеем Орсе, Париж.

Спонсоры

Большое финансирование импрессионизма, моды и современности в Художественном институте Чикаго было щедро предоставлено Александрой и Джоном Николс.

Вспомогательный совет Чикагского института искусств является ведущим аффилированным спонсором импрессионизма, моды и современности.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.