Генри мур скульптуры: Генри Мур — 35 произведений

Генри Мур — 35 произведений

Ге́нри Спе́нсер Мур (англ. Henry Spencer Moore; 30 июля 1898, Кастлфорд, Уэст-Йоркшир — 31 августа 1986, Хартфордшир) — британский художник и скульптор.

После Второй мировой войны работы Мура приобрели мировое признание, они представлены в крупнейших музеях разных стран.

Происходил из шахтёрской семьи. В одиннадцатилетнем возрасте решил стать скульптором, услышав о Микеланджело и его достижениях. Участвовал в Первой мировой войне, был отравлен газами в бою под Камбре (1917).

После войны учился в Художественном колледже в Лидсе и Королевском художественном колледже в Лондоне, где преподавал с 1924 по 1932 годы; он оставил работу в колледже лишь однажды для совершения поездки в Италию. Был знаком с Б. Хепуорт. Увлёкся первобытной скульптурой, изучал этнографическую коллекцию Британского музея. В 1930-х обратился к модернизму, откликаясь на поиски Пикассо, Арпа, Джакометти, Брынкуши, сюрреалистов. Участвовал в организации выставки сюрреалистов в Лондоне (1936).

После Второй мировой войны в первых значительных скульптурных произведениях творчества Мура получают развитие темы семьи и материнства. Это, прежде всего, связано с рождением у Генри и Ирины Мур в 1946 году их единственного ребёнка — дочери Мэри. «Семейным группам» конца 1940-х — начала 1950-х годов предшествовало создание в 1943—1944 годы каменной статуи Мадонны с Младенцем для церкви Св. Матфея в Нортгемптоне (другой вариант этой скульптуры установлен в 1949 году в церкви в Бархэме). Ранние варианты Семейной группы — небольшие бронзовые скульптуры. Первая крупномасштабная работа на эту тему — бронзовая «Семейная группа», исполненная для школы в Стевенейдже (1948—1949).

Персональная выставка Мура в Музее современного искусства в Нью-Йорке принесла ему славу одного из лучших мастеров XX века. В 1948 году на венецианской выставке Биеннале он получил международную премию, а в 1953 году — такую же премию на Биеннале в Сан-Паулу. Среди его многочисленных произведений — скульптурные композиции для здания редакции журнала «Таймс» в Лондоне, для здания ЮНЕСКО в Париже, банка Ламберт в Брюсселе, Линкольновского центра в Нью-Йорке, на Площади Мучеников в Люксембурге.

В 1952—1953 годах Мур создает один из своих наиболее ярких и романтических образов — бронзовую скульптуру «Король и Королева» (6 отливок). По замечанию Дональда Холла, это «наиболее популярная скульптура [Мура] — но не среди художников, а среди посетителей галерей». Действительно, в этой композиции есть что-то идиллическое и соразмерное (и по формату, и по внутренней сути) «конкретному» человеку. Как отмечают многие биографы Мура, поводом для создания образа послужило важное историческое событие — смерть Георга VI (который пользовался всеобщей любовью соотечественников) и восшествие на престол королевы Елизаветы II.

Про идею своего последнего монументального произведения — «Мать и дитя (Капюшон)» (1982—1983) — Мур говорил: «Я не могу отбросить идею Мадонны с Младенцем <…> [Эта скульптура] может стать моей последней работой. Я хочу придать ей религиозный смысл». Большую мраморную версию этой композиции, выполненную по рабочим моделям Мура итальянскими специалистами, установили в Соборе св. Павла в Лондоне. Английский искусствовед Норберт Линтон полагает, что «углубление, в котором лежит младенец,— это и мандорла, и чрево. От младенца как бы исходит сияние, напоминающее сияние в религиозной живописи».

В 1984 году в честь 750-летия Берлина Генри Мур создал скульптуру «Большой разделенный овал: Бабочка» (отлита в литейной мастерской Германна Ноака), которая в 1987 году была установлена напротив берлинского Дома культуры народов мира, который тогда ещё служил Конгресс-центром.

Умер в своём доме близ Мач-Хедхем (графство Хартфордшир).
Прах художника покоится в лондонском Соборе Святого Павла.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

абстрактные формы в общественных пространствах.

Ге́нри Спе́нсер Мур (Henry Spencer Moore 1898 — 1986гг. ) —британский художник и скульптор, наиболее известен своими бронзовыми абстрактными и полуабстрактными скульптурами, стилистика которых близка нашему магазину.

Работы Генри Мура представлены в крупнейших музеях многих стран, в общественных местах и частных коллекциях. 

  

Генри Мур родился в шахтерской семье, учился в Художественном колледже в Лидсе и Королевском художественном колледже в Лондоне.

В колледже познакомился с Барбарой Хэпуорт, которая позднее также стала знаменитым британским скульптором, так началась их дружба с налетом профессионального соперничества, которая длилась много лет.  

Генри Мур женился на уроженке Киева Ирине Радецкой. Когда в 1940 году в их с Ириной Радецкой дом попала бомба, семья купила часть здания на территории поместья в графстве Хартфордшир. Сегодня это 32 гектара полей и садов, отданных целиком под выставку творчества Генри Мура.

В 1930-х гг. Генри Мур увлекся модернизмом и сюрреализмом, его работы становятся более абстрактными, частично под влиянием частых поездок в Париж и контактам с ведущими прогрессивными художниками, в частности Пабло Пикассо, Жорж Брак, Жан Арп и Альберто Джакометти.

В творчестве Мура заметна тенденция к проявлению открытой формы; его целью была передача взаимодействия пластической массы и пространства, как окружающего скульптуру, так и заключенного внутри неё.

Еще во время учебы Мур заинтересовался скульптурой Древней Греции, этрусков и майя. Желая передать идею «верности материалам», он обратился к созданию подчеркнуто материальных форм, символизирующих природное, земное начало.

На их основе строятся его скульптуры, среди которых преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Изначально его работы были достаточно близки к реальным объектам, позже приобрели абстрактный характер.

С конца 1940-х годов его замыслы получили возможность воплощения в природном или архитектурном общественном пространстве. Решающее значение придается поиску универсальной, вневременной многозначительной формы, ее органичности окружающему пространству, силе внутреннего содержания.

В 1945—1986 годах Мур преимущественно создавал бронзовые скульптуры, в отличие от предшествующего периода, когда он работал с камнем и деревом.

В 1952—1953 годах Мур создает один из своих наиболее ярких и романтических образов — бронзовую скульптуру «Король и Королева». В этой композиции есть нечто идиллическое, внутреннее достоинство, сила и спокойствие. Поводом для создания скульптуры послужила смерть Георга VI и восшествие на престол королевы Елизаветы II.

Наиболее глубокие по значению произведения пластики Мур создает в 1970-е — начале 1980-х. Формы плавно и органично перетекают друг в друга, иногда образуя углубления и зияющие пустоты, дыры.

Генри Мура интересовали образы, напоминавшие природные формы: древние харАктерные камни, горные пещеры, образованные подземными потоками; человеческое тело как система.

К концу его карьеры Мур стал одним из самых хорошо продаваемых скульпторов. В 1982г. за 4 года до его смерти, аукцион Сотби в Нью Йорке продал скульптуру «Полулежащая фигура» (1945г.) за $1.2 миллиона, хотя рекорд был поставлен еще в 1990г. ($4.1 million). Работа Мура «Полулежащая фигура: фестиваль» (1951г.) была продана за рекордные £19.1 миллиона на аукционе Кристи, сделав Генри Мура вторым самым дорогим британским мастером после Фрэнсиса Бэкона.  

Генри Мур хотел, чтобы его работы были доступны людям, чтобы все могли оценить и разделить его страсть к скульптуре. Последние десятилетия фонд «Henry Moore Foundation» занимается сохранением его наследия и ведением просветительской работы в области скульптуры.

(с) LAGO VERDE интернет- магазин современной скульптуры, МАФ и арт-объектов. При копировании материала активная ссылка на сайт http://lago-verde.ru/ обязательна.

---

Обратите внимание на наш каталог современной парковой скульптуры, если не найдете то, что ищете, обязательно обратитесь к консультантам интернет-магазина LAGO VERDE   [email protected], тел. +7 (495) 998-74-81, мы также изготавливаем скульптуру на заказ по эскизу/фото заказчика.  Будем рады Вам помочь!

Также загляните на нашу страничку Спецпредложения

—  скульптуры и МАФ в наличии.

кто он такой подробно, годы жизни, лучшие скульптуры, периоды и суть творчества, портрет художника. Абстрактные скульптуры и рисунки Генри Мура — неоценимый вклад в развитие английского модернизма

Генри Мур (Henry Moore; родился 30 июля 1898 года — умер 31 августа 1986 года) был английским скульптором и художником XX века, известным абстрактными изваяниями, установленными во многих парках Англии и Америки. Творчество Генри Мура принесло ему огромный доход, позволив учредить благотворительный фонд в защиту культуры.

Генри Мур признавал, что моделью для него почти всегда становилось женское тело. Исключение представляют семейные группы, созданные в 1950-х годах. Некоторые критики утверждают, что наклонённые и полулежащие фигуры вызывают ассоциации с пологими холмами Йоркшира.

Биография Генри Мура

Генри Мур появился на свет 30 июля 1898 года, в городке Каслфорд, расположенном в Западном Йоркшире. Отец служил в местной угольной шахте, но для сыновей он хотел другого будущего и достойного образования. Семья жила небогато, всем старшим детям приходилось подрабатывать, в свободное время посещая школу.

В 11-летнем возрасте Генри заявил, что станет скульптором. Родители возражали, считая, что это тяжёлый физический труд без полезных перспектив. Но сын сдал экзамены и поступил стипендиатом в местный художественный колледж.

В 18 лет юноша отправился в армию, попав в элитный полк принца Уэльского. В 1917 году, в атаке под Бурлон Вуд, он был серьёзно ранен, а после выздоровления остался служить инструктором по физической подготовке. Когда в 1918 году закончилась Первая мировая война, он получил грант на образование и выбрал школу искусств.

В 1921 году Генри Мур заслужил стипендию в Королевском колледже. Но классические идеалы быстро оттолкнули молодого художника. Он с воодушевлением отнёсся к примитивизму Константина Бранкузи (Constantin Brancusi), Джейкоба Эпстайна (Jacob Epstein), Фрэнка Добсона (Frank Dobson). От них он перенял манеру, при которой недостатки материалов становились частями изваяний.

В 1924 году, путешествуя по Европе, скульптор изучал произведения старых мастеров: Микеланджело (Michelangelo Buonarroti), Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone), Джованни Пизано (Giovanni Pisano). В Париже он заинтересовался гипсовой копией образцов тольтеков-майя Чак-Мооль. Именно они стали прототипом множества его работ.

Вернувшись домой, Генри Мур начал преподавать в колледже, где ранее обучался сам. Одновременно мастер работал над техникой резьбы. Его первая персональная выставка прошла в 1928 году. Тогда же художник встретил и свою любовь: Ирину Радецкую, уроженку Киева. Почувствовав взаимную симпатию, пара очень быстро сыграла свадьбу.

Последующие годы скульптор развивал направление абстракционизма. Мур тесно дружил с Пабло Пикассо (Pablo Picasso), поддерживал сюрреалиста Пола Нэша (Paul Naschy).

Уменьшенная каменная модель «Мать и дитя», которую Генри Мур продал в 1937 году Ролану Пенроузу (Roland Penrose), вызвала оживлённую полемику в местной прессе: новый владелец выставил статую в своём палисаднике. Самого же скульптора критика не смутила.

Вторая мировая война принесла Генри Муру известность за пределами Англии. Его наброски прячущихся в метро лондонцев, участвовали в выставке «Британия на войне» в Штатах.

Одна из упавших на английскую столицу бомб задела дом Муров, и чета переселилась в Хартфордшир. После рождения в 1946 году долгожданной дочери Мэри, художник создал много скульптурных групп, посвящённых семье.

Следующие три десятилетия уличные изваяния начали приносить семье огромные деньги. Ежегодный подоходный налог в миллион фунтов вынудил Генри Мура учредить два благотворительных фонда, назначив попечителями супругу и дочь.

Генри Мур был сторонником модернизма в искусстве. Со временем, его статуи становились всё более абстрактными. По мнению самого автора, после ужасов войны искусство нужно было вернуть к докультурному периоду.

Генри Мур умер в возрасте 88 лет. Это произошло 31 августа 1986 года. Его прах покоится в соборе Святого Павла, в Лондоне. Фонд его имени до сих пор существует, а работы ценятся невероятно высоко. В 2012 году «Лежащая фигура: фестиваль», посвящённая героизму англичан в войне, была продана за 19 миллионов фунтов.

Самые известные картины и скульптуры Генри Мура

Скульптуры Генри Мура, эскизы ручкой, многочисленные модели показывают изменения во взгляде художника с течением времени. Наиболее известные из его работ:

• «Полулежащая фигура» (1929) — создавалась под впечатлением изваяний Чак Моол.
• «Набросок человека: матушка и ребёнок» (1941) — появился под впечатлением увиденных толп людей, укрывшихся от бомбёжки в лондонском метро.
• «Семейная группа» (1950) — бронзовая скульптура, первая крупномасштабная работа после Второй мировой войны.
• «Лежащая фигура» (1953) — одна из множества созданных автором скульптур, в которых угадываются женские формы.
• «Король и королева» (1957) — создание статуи вдохновлено образцами Древнего Египта. Искусствоведы видят в произведении самого автора и его жену.
• «Одетая полулежащая женщина. Старая Фло» (1957-1958) — создавалась под влиянием древних истуканов тольтеков-майя. Автор экспериментировал с элементами дизайна и драпировки.
• «Стриженая овца с ягненком» (1974) — один из эскизов шариковой ручкой, с характерной манерой закручивать линии, а их толщиной передавать объём. Овцы для автора всегда символизировали просторы родной Англии.

Генри Мур внёс элемент неожиданности в развитие английского модернизма. Посетите новостной блок сайта VERYIMPORTANTLOT, чтобы узнать больше об этом и других направлениях искусства. Тематические аукционы предоставляют возможность приобрести не только шедевры антиквариата, но и познакомиться с работами современных художников. Все заинтересованные в культурной жизни, могут недорого купить картины, рисунки и скульптуры лучших молодых дарований.

Художник и скульптор Генри Мур: vakin — LiveJournal

Британский скульптор Генри Мур (Henry Moore) принадлежит к числу крупнейших мастеров ХХ столетия, чье оригинальное и глубоко гуманистическое творчество продолжает волновать умы современных людей. Его работы хранятся в крупнейших музеях мира, а монументальные скульптуры украшают площади перед главными общественными сооружениями Европы — зданиями Парламента в Лондоне и ЮНЕСКО в Париже.

Полулежащая женщина. Бронкс. Reclining Figure_1951

30 июля 1898 года в Каслфорде в графстве Йоркшир родился Генри Спенсер Мур.

Британский скульптор Генри Мур (Henry Moore) принадлежит к числу крупнейших мастеров ХХ столетия, чье оригинальное и глубоко гуманистическое творчество продолжает волновать умы современных людей. Его работы хранятся в крупнейших музеях мира, а монументальные скульптуры украшают площади перед главными общественными сооружениями Европы — зданиями Парламента в Лондоне и ЮНЕСКО в Париже.

Родился будущий мастер 30 июля 1898 года в небольшом городке Кастлфорд в Западном Йоркшире.

Hill Arches — Henry Moore

Генри Спенсер Мур был седьмым ребенком в семье горного инженера, поколения предков которого работали на шахтах в Йоркшире. Генри было 11 лет, когда в детской энциклопедии он увидел скульптуры Микеланджело. У мальчика появились кумир и мечта – стать скульптором, подобно великому мастеру Возрождения. После Первой мировой войны Генри учился в художественном колледже в Лидсе, затем – в Королевском колледже искусств в Лондоне, после окончания в течение многих лет работал здесь преподавателем.

В начале 20-х годов Мура часто можно было встретить в залах Британского музея. Его притягивало искусство ранних цивилизаций – ассирийское, древнеегипетское, шумерское, этрусское, африканское, архаическая Греция и искусство доколумбовой Америки – майя, ацтеков, тольтеков, в европейском искусстве – романский и готический периоды.

Henry Moore Working Model for UNESCO Reclining Figure

Henry Moore Working Model for UNESCO Reclining Figure

Он верил, что примитивное архаическое искусство несет в себе мощную жизненную энергию – в силу своей естественной реакции на жизнь: прямой, непосредственной, свободной от оков академических традиций. Постепенно складывался его собственный стиль, основанный на материальных природных «органических формах». Мур стремился, чтобы его скульптуры казались творениями самой природы, естественными и вечными, словно они стояли здесь столетиями, меняясь и шлифуясь под напором стихий.

Одним из первых в искусстве ХХ века Мур заставил нас посмотреть на скульптуру не как на анатомическое подобие человека, а увидеть ее частью природного ландшафта. Если присмотреться к полулежащим фигурам скульптора, в них можно увидеть и пологие холмы Англии, и испещренные морщинами от ветра и воды камни и скалы побережья; услышать шум дождя, почувствовать запах моря. Язык, на котором говорил Мур, был принципиально новым явлением для скульптуры ХХ века.

Арка

В своем подходе мастер отталкивался от простой идеи: мы – плоть от плоти, кровь от крови этой земли, воды, деревьев, птиц, рыб, зверей, гор и долин. В работах скульптора ощущается скрытый рост, движение, развитие.

Henry_Moore_at_Kew_Gardens

Подобно неумолимой силе, раскрывающей почки деревьев или лепестки цветов, скульптуры Мура затягивают нас в свое пространство, внутрь углублений, полостей, дыр. И одновременно открывают для нас новые пространства.

Деталь скульптуры в Йоркширском парке

2 Овал_Double_Oval

Женские фигуры ваятель сравнивал с природным ландшафтом, в котором колени и грудь напоминали горы, овалы плеч и бедер – холмы, а округлые пустоты – пещеры. Даже Землю он считал трехмерной скульптурой.

Скульптура «Овцы»

«Скульптура – это путешествие, – говорил Мур. – Она должна быть видна в сотне разных ракурсов, по-своему открываясь летящей птице или ползущему червю». И помещал свои работы на открытых пространствах, стремясь слить их с окружающим пейзажем. Архитектор, посетивший мастерскую Мура, рассказывал о его работах: «…Скульптуры особенно хороши среди живой природы, ибо становятся частью ландшафта. В их тени прячутся от летнего зноя овцы, причудливые силуэты фигур сливаются с холмами и деревьями».

Скульптура «Овцы»

Скульптура «Веретено»

Король и королева

Одна из самых известных композиций Мура возвышается на вершине холма в Шотландии – «Король и королева» будто парят в небесных просторах.

Король и королева. King and Queen 1952-3, cast 1957

Король и королева. Деталь

Король и королева

Овал с точками

Овал с точками

«Ядерная энергия» (NuclearEnergy)

Большинство своих работ художник создавал для открытого пространства. Одна из самых известных его скульптур —  «Ядерная энергия» (NuclearEnergy), которая сейчас стоит у Университета Чикаго, изображает что-то среднее между атомным грибом и человеческим черепом.

«Ядерная энергия» (NuclearEnergy)

«Ядерная энергия» (NuclearEnergy)

Художник считал, что геометрия небоскребов в мегаполисах угрожает скульптуре, подавляет ее. «Лучше ей стать частью самого бедного пейзажа, чем украшать самое прекрасное здание», – утверждал Генри. «Одно из свойств, которое, хочется думать, присуще моей скульптуре, – говорил он, – это сила, прочность, внутренняя энергия». А еще – равновесие, полновесность пластических масс, гармония и покой.

Nasher Sculpture Center

Henry Moore at Kew

Над чем бы ни работал Мур, он постоянно возвращался к одним и тем же волнующим его темам: взаимоотношения между внешним и внутренним, плотью и оболочкой, силой и уязвимостью. В творческой вселенной скульптора царил человек, его тело, которое художник воспринимал как целостную органическую систему.

Семья

Генри Мур и модель скульптуры «Мать и дитя»

Он был скульптором знаков – символов. Мур никогда не стремился к портретной схожести или психологической характеристике образов. На протяжение десятилетий он создавал вариации одних и тех же важных для него тем-символов: лежащая женская фигура, семья, мать и дитя.

Кресло-качалка

Тема материнства зазвучала с особой силой после рождения дочери Мэри. Брак со студенткой Ириной Радецкой (русской по национальности) был очень счастливым. Его жена родилась в Киеве в 1907 году, училась в балетной школе в Москве. В 1917 году произошли исторические события, которые потрясли не только Россию, но и весь мир. Отец Ирины был убит, мать свою она потеряла. В 1919 году Ирина покинула Россию и воссоединилась с матерью, оказавшейся к этому времени в Лондоне.

Уже на склоне лет Мур вспоминал: «В молодости я считал, что художник, чтобы добиться славы, не должен быть женат, он должен быть обручен со своим искусством. Потом, когда я встретил Ирину, я начал думать, что вот этот художник был женат, а у этого вообще было 20 детей».

Стрелец

Three Piece Reclining Figure No. 2: Bridge Prop 1963 by Henry Moore

Птичье гнездо, 1939 (Железное дерево, струны)

Мур работал с разнообразными материалами, создавая композиции из дерева, камня, бронзы, железобетона и терракоты, иногда сочетал в одной работе дерево и свинец, скрепляя части между собой туго натянутыми струнами или медной проволокой.

Подготовительный рисунок для металлической скульптуры, 1938

Он был убежден, что образ уже существует, заложен в материале и скульптору лишь остается, следуя магии камня или дерева, выпустить его на свободу при помощи резца. Идея «верности материалам», высказанная критиком Роджером Фраем, обрела в Генри Муре истового последователя.

Признание и понимание пришли далеко не сразу. Первая выставка Мура состоялась в Лондоне, когда ему исполнилось 27 лет. В те годы в художественной атмосфере города преобладали довольно консервативные настроения, образы, созданные скульптором резко отличались от традиционных, казались пришельцами из другого мира, и газета «Morning post» объявила экспозицию «аморальной».

Сохранилась история о том, как Генри пришел к Пегги Гугенхейм и долго убеждал коллекционершу приобрести его бронзовую скульптуру, которую притащил с собой в хозяйственной кошелке.

Three Points 1939-40

Helmet Head and Shoulders 1952

Shelterers in the Tube 1941

Переломным моментом в карьере Мура стала его серия рисунков, созданных в годы Второй мировой войны в Лондонском метро. Тысячи зарисовок жителей города, укрывшихся в подземке от немецких бомбардировок, выставленные в Национальной галерее, потрясли страну и принесли скульптору мировое признание.

A Tilbury Shelter Scene 1941

«Сын шахтера стал Дантом военного метро», – писал Вознесенский. Это трагическая ода пассивному сопротивлению людей, поставленных на грань выживания: беззащитное население решилось на радикальный политический акт, самовольно, без разрешения официальных оранизаций, занимая подземные убежища метро.

Политические взгляды Мура, во многом обусловленные его социальными корнями, в этот период были крайне левыми, скульптор активно общался с членами компартии.

Эта серия рисунков балансирует на грани между документальным репортажем и историческим гротеском. Здесь нет деталировки характеров, люди лишены индивидуальности, это существование за гранью человеческого. Полупризраки, подобия людей-мумий, спят, едят, кормят детей, ведут какое-то полурастительное существование, жизнь замерла в ожидании чего-то непостижимого и ужасного. Физическое ощущение нехватки воздуха и пространства, клаустрофобия охватывают при разглядывании этих рисунков.

Pink and green sleepers. 1941

Grey Tube Shelter 1940

Пограничное состояние между сном и смертью, переданное художником с такой убедительностью, поднимает эту серию на уровень самых пронзительных документальных свидетельств войны, сродни фотографиям Дахау, Освенцима, Бухенвальда.

Трагизм цивилизации, прошедшей в ХХ столетии через две опустошительные мировые войны, ощущается в деформированных, расчлененных фигурах скульптора не как психологическая характеристика, а как драматический резонанс на состояние человека в современном мире.

На протяжении творческого пути Мур свободно передвигался между фигуративным искусством и абстракцией; обращаясь то к примитивному искусству, то вовлекаясь в русло модернизма, отвечая на импульсы Бранкузи, Пикассо, Джакометти, Арпа, сюрреалистов. Пожалуй, сюрреалистический метод конструирования образа на основе трансформации природного объекта наиболее проявился в его творчестве в 1960-1970-е годы.

Эти годы были пиком популярности скульптора: шутили, что в Великобритании не осталось публичных мест, где бы не красовалась монументальная скульптура Мура. Естественно, осуществление таких крупноформатных композиций требовало работы целого коллектива ассистентов. Фактически Генри сосредоточился на изготовлении «рабочих моделей» – макетов, которые ассистенты увеличивали и переводили в материал: бронзу, камень и т. д.

Henry Moore sculpture at Aria at CityCenter in Las Vegas

Полулежащая женщина. Глайденборн

Огромное количество государственных и частных заказов, непрерывным потоком следующих в мастерскую Мура, приносили не только славу, но и немалые деньги. К чести скульптора-миллионера, он сумел найти им достойное применение, вкладывая большую часть в учрежденный им фонд поддержки и развития современного искусства.

Множество

В личной жизни монументалист Генри Мур не отличался монументальным размахом запросов, довольствуясь небольшим скромным домом. Расширял он лишь территорию заложенного вокруг скульптурного парка да рабочие мастерские. Деятельность Фонда Генри Мура продолжается и ныне, более двух десятилетий спустя после смерти художника. И сегодня в небольшой деревушке Перри Грин, где начиная с военных лет жил и работал Мур, соавторы скульптора – ветры, снега, дожди и солнце – меняют облик его работ. Как и задумал художник.

Источник текста: статья Полнота пустот Генри Мура

Источник — Live Memory

Скульптор Генри Мур

Генри Мур был первым и числе мастеров современной западноевропейской скульптуры, чьё творчество стало известным в кругу московского неофициального искусства в период, называемый «оттепелью» — после 1956 года.
     Позже, в ходе дальнейшего развития возобновленного отечественного авангарда творчество английского скульптора продолжало сохранять особую актуальность и оказывать вдохновляющее воздействие на представителей этой самобытной «второй культуры«. Других крупнейших скульпторов Запада — Цадкина и Бранкузи, Джакометти и Архипенко, Липшица и Габо узнали позже. В творчестве Генри Мура для художников, стремившихся к обновлению пластического языка, символически воплотилась вся история современной культуры, пришедшая па смену кубизму, посткубизму и иным геометризируюшим направлениям, характерным для периода 10-х — 20-х годов.
     Если геометрическая линия авангарда — супрематизм, конструктивизм и т.п. успела сполна раскрыться в контексте русского и советского авангарда начала века, впоследствии насильственно прерванного в своём развитии, мало того — открытия таких мастеров как Малевич, Татлин, Клюн, Лисицкий и др. как известно, оказали ощутимое воздействие на развитие мирового искусства, то иначе обстояло дело с теми тенденциями современного искусства, которые не успели быть восприняты и осмыслены в местном контексте. В дальнейшем, в 30-е годы и позже они уже не могли у нас ни возникнуть, ни быть замеченными отсюда в силу «железного занавеса», давшего трещину лишь около 1956 года и окончательно прорванного лишь в наши дни. Связь с: художественной культурой современного Запада была прервана в период казалось бы безраздельного господства догм так называемого «социалистического реализма«, опровергнуть которые осмелилась лишь творческая инакомыслящая интеллигенция в конце 50-х годов с её относительной либерализацией и надеждами на перемены. В результате лишь с запозданием — художники открывали для себя как полузабытое наследие русского авангарда, так и все то, что успело произойти в ходе развития западного искусства середины века. Стремясь наверстать упущенное, они были вынуждены пребывать как бы в нескольких временах сразу, так как весь период становления западного модернизма от копна 20-х до 60-х годов открывался им одновременно, хотя и достаточно фрагментарно: недостаток информации продолжал ещё всё же ощущаться.
     В этой рецепции с одной стороны осваивался опыт больших направлений, определяющих течений, сквозных тем и новых видов искусства. Воспринимались общие принципы, позиции, установки. Но особое внимание привлекали к себе наиболее яркие персональные воплощения этих общих веяний времени — мастера, по своей самостоятельной значимости уже выходящие за пределы направленческих и групповых контекстов В искусстве Мура виделось проявление, с одной стороны, не успевших у нас развиться общих тенденций — имея в виду линии абстрактной и сюрреалистической скульптуры 30-х годов и послевоенных десятилетий; а с другой стороны, в нём привлекала мощная индивидуальность Мастера-одиночки, творчество которого не допускает прямого отождествления с каким-либо одним, конкретным художественным движением. Их особо привлекла и заметная у Мура ориентация на Природу, ученичество у нее, столь однако, отличное от натуралистической традиции, от шаблонов «реализма», насаждавшегося сверху официальным академическим искусством.
     Неофициальные художники, так называемые «шестидесятники», или «дети первой оттепели», не пошли на компромисс с официальной культурой, в том числе в её последующих формах умеренного новаторства, в дозволенных сверху пределах.
     После новых гонений на новое искусство, обострившихся в связи со скандально знаменитой выставкой в Манеже 1962 года, подвергнутой разгромной критике и закрытой, большинство этих художников уходит с поверхности художественной жизни, творят в атмосфере культурного подполья, среда которого формирует специфические поведенческие позиции художника, особый стиль жизни и мышления.
     Но более всего для рассматриваемого поколения были всё же актуальны даже не тенденции, а Личности. Здесь особо остро ощущалась потребность выразить своё время через персоналистическое самобытное видение, достичь подлинности художественного опыта, обрести силу открывательской новизны на каждой ступени становления. Независимость, самостоятельность, степень новизны и внутренняя правда, ощутимые в произведении, ценились более всего. Можно сказать, что здесь нашла свой оригинальный завершающий этап классически-модернистская позиция Мастера-индивидуалиста-творца-аутсайдера. Всё это типично для независимых »шестидесятников«, многие из которых и ныне сохраняют специфический характер своего поколения, развивая свою традицию уже не столько вширь, сколько вглубь, что продолжает приводить их к интересным творческим результатам.
    Эстетическому сознанию шестидесятников оказалось весьма созвучно творчество Мура, столь независимое, самостоятельное по сути, наделённое монументальной силой воздействия — открытое обществу и при этом хранящее в себе нечто сокровенное — невыговариваемую авторскую тайну. Их привлекало искусство глубоко индивидуальное, субъективное по мироощущению и, вместе с тем, выходящее на надличный уровень вневременных вечных обще-человеческих тем, сочетавшее современность языка и глубинное родство с архетипами древности. Такой синтез казалось бы несовместимого оказался актуальным не только для тех кто непосредственно обратился к скульптуре — к трехмерной пространственной пластике: таких в этом кругу было немного.
     Занятию скульптурой как таковой и, тем более, решению монументальных задач не благоприятствовали ни загнанность этого искусства в подвалы и чердаки, ни стеснённость в материалах и другие трудности неофициального пути в искусстве. Мешала также система административных запретов, полностью исключавшая для неофициального художника возможность реализовать свои идеи в окружающей среде — городской или природной. Быть может в скульптуре было ещё труднее, чем в живописи и графике, преодолеть инерцию академической выучки: слишком сильным было давление традиции заказной монументальной пропаганды – этой идеализированной гигантомании.
     Неофициальные художники в основном не были самоучками. За плечами был груз академической школы, художественных вузов. Эта прививка эстетики официоза требовала сильных противоядий и ещё более сильных творческих личностей. Переосмысление проблематики монументальной скульптуры в новом деидеологизированном и художественно оригинальном ключе — было задачей, посильной лишь для немногих. Быть может поэтому в кругу достаточно разветвлённой неофициальной художественной среды Шестидесятников мы встречаем лишь двух с мировой известностью скульпторов, столь непохожих друг на друга, почти во всем, кроме тех тенденций, которые как раз сближают их в нашем контексте с традицией Мура, в равной мере ценимого обоими ваятелями московского авангарда. Здесь имеется в виду творчество покойного В. Сидура и ныне живущего и работающего за пределами СССР Э. Неизвестного, сформировавшегося как скульптор как своего рода мыслитель на рубеже 50-60-х годов.
     Эрнест Неизвестный был с самого начала »оттепели« вовлечён в бурную художественную жизнь, проявляя немалую общественную активность, сразу оказавшись в числе лидирующих представителей творческого инакомыслия — оппозиции относительно официальной эстетики. Он быстро завоевал авторитет в кругу независимых художников, находясь в эпицентре этой среды и сформировав своё поле влияния.
     Известна роль Неизвестного в событиях, связанных с выставкой в Манеже 1962 года, где новое искусство подверглось непониманию и нападкам со стороны посетившей её правительственной делегации во главе с Хрущёвым. Известна смелость Эрнста Неизвестного, отстаивавшего право на эксперимент в полемике с Хрущёвым, как и его дальнейшие неоднозначные отношения с бывшим главой правительства, завершившиеся их примирением и работой мастера над надгробным памятником Хрущёву па Новодевичьем кладбище в Москве.
     В дальнейшем вплоть до своей эмиграции Э. Неизвестный оказывал своё эффективное влияние в сравнительно узком, но достаточно важном для становления возобновлённого авангарда художественном кругу, пользуясь авторитетом как мастер, мыслитель, как личность в целом. Это была среда, где, насколько это позволяли внешние обстоятельства, любая информация о новом зарубежном искусстве находила живейший отклик, активно осваивалась и осмыслялась в русле собственной проблематики. Поэтому не удивительно, что творчество Мура могло оказать влияние не только на скульптора Э. Неизвестного, но и более косвенно проявиться у таких живописцев как В. Янкилевский, Ю. Соостер. П. Вечтомов и других. В особенности это ощутимо в их склонности к фантастическим биоморфным структурам, возникающим наподобие воображаемых изваяний в условном ландшафте картины где-то на пограничье между абстрактной и сюрреалистической тенденциями.
     Что касается более конкретных воздействий творчества Мура на Неизвестного, то здесь есть некоторые противоречия, которые как раз и представляют интерес в данной проблеме, хотя вряд ли возможен прямолинейный ответ на вопрос: является ли Неизвестный оппонентом традиции Мура или же он в большей степени — его «преемник», пусть существенно и отличающийся по стилю, по родственный по сути. С одной стороны. Неизвестный с большим пиететом и интересом отзывался о творчестве английского мастера, и уже по своей роли в московской среде – одновременно скульптора и пропагандиста современного искусства — он, конечно, способствовал влиятельности имени Мура в кругу московского неофициального искусства.
     Уже гораздо позже, в период эмиграции, он свидетельствует о своём намерении и желании принять участие в совместной выставке с Муром, выставке по внешним причинам несостоявшсйся, но имевшей для Неизвестного программную значимость и несомненную ценность. В одном из интервью он делает акцент на родстве изваяний Мура с первозданным ландшафтом, с естественной пространственной пластикой пещерных и скальных ансамблей. Его волнует способность скульптур Мура врастать в пространство не менее показательная, чем органика формообразования в самих скульптурах как таковых.
     Вместе с тем в своей ранней теоретической работе «О синтезе искусств» Неизвестный полемизирует с творчеством Мура, находя его при всём новаторстве мастером классической «монологической» скульптуры, которой он противопоставляет «диалогичность» в собственной концепции — скульптуру как разомкнутую, подчёркнуто незастывшую, как бы находящуюся в процессе конфликта, становления, метаморфоз, центробежную систему. по-видимому, Неизвестный под монологичностью имел в виду заметную у Мура монолитность пластической массы, наряду с преобладающим в его монументах состоянием величия, покоя, даже статики, что сохранялось при всей роли деформации (например: в «Короле, и королеве«).
     Скульптуры Мура сконцентрированы в себе, а Неизвестный предлагает своего рода децентрацию, разрушение классической целостности. Это была возможность прояснить собственную позицию в споре с большим мастером. Ведь Мур был уже музейным авторитетом, хотя и не представленным в наших музеях. А полемика с истинным авторитетом, отступление от правил учителя — это признак пробуждения самостоятельности.
     Вместе с тем качества скульптуры, которые для Неизвестного воплощают идею диалога, говорят не только о конфликте, но и о преемственности относительно традиции Мура. Основной носитель диалога — это двойная открытость: открытость некогда замкнутого скульптурного объёма во внешнее пространство и открытость смысловая, т.е. открытость для последующих интерпретаций. Носител с м пластической — формальной открытости, её проводником в скульптуре выступают пустоты, зияния, разрывы скульптурной массы, т.е. всё то, что связывается с воздействием так называемого «негативного обьёма», где пустота, впадина или просто дыра статуарного монумента динамизирует его изнутри: он заряжен как бы скрытой «вулканической» энергией.
     Разрыв поверхности и массы — это прорыв в статичной самозамкнутости и выход пластики во внешнее пространство (одновременно через пустоты и разрывы скульптура как бы вбирает своё окружение). Это конструктивная созидательная роль негативных средств: «негативного объёма« и «пустого пространства» в традиции скульптуры XX века, пожалуй наиболее воплощена у Мура. И Неизвестный здесь — его продолжатель.
     Но есть и иная открытость: открытость понимания и истолкования, когда загадочная скрытность образа есть в то же время вовлечение зрителя в активный диалог с произведением. Предполагается множественность возможных способов понимания. Строя образ-символ как вещую загадку, должную озадачивать и побуждать к познанию, используя язык намёков, пластических метафор и прочих иносказаний, скульптор обнаруживает связь с эзотерическими традициями былых культур, воскрешает внушающую силу архетипов. В итоге его образы должны объединиться в синтетическом комплексе «Древа жизни«, сам замысел которого отсылает к прообразам древних космогоний.
     Опыт Мура, совсем не чуждого мифотворчеству и переосмыслению наследия былых цивилизаций и первобытного искусства, сыграл вдохновляющую роль для мастеров послемуровского периода, в особенности для тех кто решал эти проблемы в контексте скульптуры. И здесь близость Неизвестного к проблематике Мура особо очевидна.
     В отличие от Неизвестного В. Сидур развивался достаточно обособленно, хотя с исторической дистанции его творчество, несомненно, вписывается в контекст неофициального московского искусства 60-70-х годов. Недаром ни одна из ретроспектив этого движения (выставок, публикаций и т.п.) немыслима без освещения его наследия. Да и сама фигура скульптора-аутсайдера, склонного в своем искусстве к философским обобщениям и пророческим интонациям, а также к сугубой самостоятельности поиска была вполне в духе характерной ментальности «шестидесятииков».
     Сидур — это мастер интенсивного, богатейшего по результатам, но позднего развития. Его узнаваемый зрелый стиль определяется, примерно, к 60-м годам, хотя, имея давнюю склонность к искусству и опыт образования в высшем художественно-промышленном училище (Строгановское уч.). он почти на протяжении 2-х десятилетий (40-50-с гг.) постоянно приближался к наиболее органичным для него формам выражения. Лишь в достаточно зрелом возрасте, как раз на гребне «оттепели», сполна оформляется его стиль и способ видения.
     На уровне личной судьбы эго был период последовавший за инфарктом в 1962-м году, когда, по собственным словам, Сидур второй раз «заглянул за пределы жизни и понял, что мог не успеть»! Первой ситуацией пограничное, между жизнью и смертью было для Силура ранение взрывной пулей на фронте, после которого он чудом выжил, претерпев мучительную операцию раздробленной челюсти. Опыт войны, запавший на всю жизнь, тяжелая болезнь, не оставлявшая его и в последующие годы — всё это не только наложило печать на его произведения, но во многом определило образный мир и возможности и целом. Трудная биография способствовала обостренному драматизму мироощущения Силура, часто сообщая его произведениям интонации трагического пафоса, но в отличие от официального искусства Сидур был глубоко чужд всякой литературности и внешним «пропагандистским» эффектам.
     Переживание непрочности жизни побуждало его работать как бы в последний раз, предельно концентрируя силы на поставленные задачи, мыслимые как своего рода завещание. Это порождало стремление наделить очередной пластический результат властной внушающей силой, монументальной по своему резонансу экспрессией воздействия, хотя работая в условиях культурного подполья и будучи одинок даже в неофициальной среде он оставался художником для немногих, если не считать столь важные для него осуществления ряда проектов памятников, отразивших память о жертвах войны и геноцида в Западной Германии. Ни один из них не был реализован на родине художника, хотя именно в Сидуре можно усмотреть почти единственное жизнеспособное проявление монументального начала в пашей скульптуре.
     Язык Силура вырабатывался, исходя из импульсов внутренней необходимости, опираясь на мощную интуицию и чуткость к актуальным художественным тенденциям. Зрелое творчество Силура обнаруживает отчетливые аналогии с формальной и мировоззренческой проблематикой Мура. Вместе с тем, Сидур признавался, что достаточно поздно узнал произведения английского мастера. При этом он называет его первым в числе имен наиболее близких ему представителей современной скульптуры.
     Мур не был в числе учителей Сидура из-за недостатка знаний о современном искусстве Запада, но оказался внутренне созвучен, был опознан как старший предшественник и далекий единомышленник, как только информационный пробел был восполнен. Кстати, произошло это в начале 60-х годов: узнавание традиции Мура как своей совпало с окончательным самоопределением творческого метода Силура.
     До этого — период исканий «методом проб и ошибок«, соприкосновения с линией Мура возникали у Силура непрозвольно, интуитивно и даже инстинктивно. Это объяснимо самим авторским темпераментом и логикой процесса его внутреннего развития. Всё побуждалось необходимостью найти своего рода пластическую формулу для глубинного мироощущения. Заметна и общность в выборе путеводных культурных кодов, общность в способах соотносить интеллектуально-волевое и Бессознательное начала художественного творчества, волюнтаризм творца и доверие к материалу. Эти совпадения имеют место и на уровне антропологической проблематики, помогая сохранить человеческий образ и одновременно преодолеть антропоцентрическую «монологичную» замкнутость человеческого тела в классической традиции: создать неклассическую модель фигуративного изображения по ту сторону пассивного подражания реальности, выходя за пределы уходящей эстетики, сформированной европейским гуманизмом трех предшествующих столетий.
     В этом аспекте, кстати, можно отметить и совпадение Силура с проблематикой Неизвестного, как и их общую сопричастность традиции Мура. Отсылы к доклассическим культурам и к формотворчеству природы — это далеко где случайные программные установки, это приметы общности, которые являются предметами внимания данной статьи. Следует отметить, что Сидур с его судьбой и его мироощущением не был и не мог быть художником чистой пластики и искателем формальной гармонии. Он также был чужд дизайнерскому прикладному началу в отличие, в частности, от новаторов начала века.
     Ни «красота», ни «функиия» не были для него определяющими ценностями. Его внимание было обращено к экзистенциальной драме Бытия-в-мире. В отличие от былого русского авангарда, не чуждого утопичности, Сидур — художник антиутопии, доходящей подчас до мизантропии «героического пессимизма«. Основной темой и источником образов явились для него ужасы войны, агрессия, насилие, жестокость, страдание и очищение через катарсис. Его личный мир и творимый миф обращены в область тревоги и ужаса. Его видение часто создает образы устрашающего, отталкивающего, его деформации — это не пластический прием, несущий эффект эстетизма, а символическое выражение ранимости и смертности человека. Деформации несут в себе надрыв, напряжение страдающей плоти, по Силур нигде не переходит в истеричность или излишнюю описательность. Его язык условен, в нем сильно ощутимо и абстрактное начало. Распад физического бытия передан методом обратно противоположным натурализму, физиологической фиксации.
     Сидур не последовал также классической европейской традиции в запечатлении »ужасов войны«, имея в виду линию от Калло и Гойи до Дикса. Он обнаруживает большую близость к тем произведениям современного искусства, где тема антивоенного протеста выражена сложной пластической метафорой: будь то, например, «Герника» Пикассо или «Памятник разрушенному Роттердаму» Цадкина.
     Но в самой визуальной стилистике больше аналогий с Муром, чем с Цадкиным. Геометрическая, кубизируюшая линия вообще не близка Силуру, ему ближе органика Мура. Однако это связь с Муром более как с мастером достаточно абстрагированных скульптур, чем с его же достаточно документальным, связанным с повседневностью графическим никлом «Лондонское метро«, отразившим военное время. Сидур созвучен этой серии по содержанию, но по форме гораздо ближе Муру-визионеру, Муру-поэту формы, ваятелю, мифотворцу, создателю символов. Сидур при всем его искреннем пафосе пацифизма и обличения как художник не документирует, не морализирует, а скорее свидетельствует и предостерегает своими иносказаниями, выводя потаенное в несокрытость темным языком оракулов и пророков как весть о фатальной катастрофичности Бытия, о судьбе смертного в этом мире.
     Неразумная стихия судьбы воспринимается как космический закон, который может быть выражен словами поэзии и языком пластики. Даже Хаос обнаруживает потаенные структуры гармонии, подобно тому как у Гераклита бесконечная вражда всего со всем лежит в основе Бытия. Подобное восприятие порой оживает в современной культуре. У Сидура его «взгляд в Хаос« — это своего рода натурфилософия, но его обращение к природе лишено всякой сентиментальности. Действительность увидена как агрессивный тотальный произвол, который отливаясь в образы читается как своего рода грозный эпос. Отсюда двойственность позиции художника: этически он противостоит войне и смерти, эстетически он делает их основной темой. Он заклинает ужас через магию формы, таким образом превращает силы разрушения в подспорье созидания-творчества. Негативизм на уровне тем и сюжетов дополняется конструктивной, ваяющей ролью «негативного объёма«, который, как и у Неизвестного, ведёт к открытости скульптуры для внешних пространств.
     Стихия Танатоса и мрачная экспрессия устрашающих образов совмещены у Сидура с проявлениями силы Эроса, полускрытое или явное присутствие которого ощутимо в ряде программных работ художника, порою сублимируясь до чувственной биопластики абстрагированных форм, порою — разряжаясь со всей откровенностью и диониссийским размахом в некоторых сериях графики, тесно связанных с миром скульптурной фантазии мастера. В этом контексте можно вспомнить о значимости сублимированной чувственности и комплексов Бессознательного в формообразовании и образности Мура.
     Сидур говорил: «Я всё больше убеждался, что истоки, корни, из которых мы произрастаем, и у меня, и у моих старших великих современников -Мура, Липшица и других — одни и те же . Я чувствовал себя одним из последних в ряду вымирающих классиков нашего уходящего тысячелетиям. Это были общие корни — истоки, где наряду с современной традицией просвечивает древность, глубокая архаика, понимая под последней не только архаическую Грецию, но даже в большей степени наследие великих цивилизаций Востока, Египта. Ассиро-Вавилонской культуры — древнейшее монументальное искусство.
     Но в этих поворотах к прошлому у Сидура. как и у других художников неофициального искусства, ведущих диалог с миром традиций не наблюдалось поверхностных стилизаций и прямых заимствований. Обращение к припоминаниям — к образам «Воображаемого Музея» парадоксально совпадало со склонностью к непрерывному обновлению художественного языка и скорейшему воссоединению с мировым процессом современного искусства.
     Уделялось особое внимание здесь невостребованным, ещё не освоенным тенденциям европейского авангарда. Помимо преодоления оппозиций: Искусства и Природы, Традиции и Новаторства, Древности и Современности, Интеллекта и Бессознательного здесь также преодолевалось оппозиция Запада и Востока, наводились мосты между русской и европейской культурами, о чём наглядно свидетельствует являющаяся здесь темой рассмотрения общность наших художников «шестидесятников» с проблематикой Генри Мура.
Научный сотрудник Сергей Иванович Кусков
ГМИИ им. Пушкина

Похищенную скульптуру Генри Мура переплавили

Британские полицейские считают, что похищенная в декабре 2005 года скульптура художника Генри Мура «Полулежащая фигура» была переплавлена на металлолом за 1 500 фунтов

Британские полицейские заявили о том, что им удалось раскрыть одно из самых громких в Великобритании преступлений в сфере искусства — похищение двухтонной бронзовой скульптуры «Полулежащая фигура» работы Генри Мура (Henry Moore). Они считают, что эта работа, которая вошла в десятку самых разыскиваемых произведений искусства в мире и стоит около 3 миллионов фунтов, была попросту переплавлена как металлолом всего за 1 500 фунтов.

«Полулежащая фигура» была украдена в декабре 2005 года с территории поместья скульптора «Перри Грин» в графстве Хертфордшир, где сейчас располагается Фонд Генри Мура. Оттуда преступники вывезли ее на грузовике. Главный инспектор хертфордширской полиции Джон Хамфрис (Jon Humphries) рассказал, что, судя по всему, скульптуре был нанесен «непоправимый ущерб» почти сразу после похищения. В ходе расследования удалось выяснить, что еще в декабре 2005 года она была передана через перекупщика скрапа в городе Дагенем на другой склад металлолома в Эссексе. Вскоре она была переправлена за пределы британских островов, предположительно в Роттердам, а затем дальше на восток — возможно, в Китай. Это произошло даже несмотря на усилия представителей Интерпола, отслеживавших появление подозрительных предметов, похожих на эту крупную скульптуру, во всех портах.

Джон Хамфрис добавил, что, согласно оценкам, преступникам, вероятно, удалось выручить за скульптуру длиной три метра и высотой два метра всего 1 500 фунтов, в то время как Фонд Генри Мура предлагал за ее возвращение в целости и сохранности 10 тысяч фунтов.

Директор Фонда Генри Мура Ричард Кальвокоресси (Richard Calvocoressi) заявил, что кража скульптуры по-прежнему остается для него «предметом глубоких сожалений». Он также добавил, что после ее похищения меры безопасности на территории Фонда были значительно усилены.

За последние три года число краж скульптур, выставленных на всеобщее обозрение, выросло на 500 процентов! Об этом рассказал заместитель председателя Ассоциации общественных памятников и скульптур (Public Monuments and Sculpture Association, PMSA) Айан Лит (Ian Leith). Полицейские и арт-эксперты считают, что немалая часть их переплавляется на металлолом, а другая часть через черный рынок попадает в руки к нелегальным коллекционерам. По мнению Айана Лита, поиск похищенных произведений затрудняет отсутствие учетной информации о них у местных властей и культурных учреждений. Из-за этого точно узнать, какие именно предметы пропали, становится просто невозможно.

Чтобы как-то исправить эту ситуацию PMSA сейчас занимается созданием онлайн базы данных о произведениях, выставленных в общественных местах. Однако, к сожалению, они уже столкнулись с рядом проблем из-за нехватки финансирования.

Материал подготовила Екатерина Онучина, AI

Источники: guardian.co.uk, artinvestment.ru

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Генри Мур – гений гипсового искусства

В скульптуре гипс часто рассматривается как средство для создания первичной модели, по которой далее изготавливают более прочные работы из камня или металла. Тем не менее, именно этот податливый и пластичный материал позволяет мастеру действительно творить.

Один из признанных мастеров гипсового искусства Генри Мур создавал свои скульптуры и лепные композиции из гипса, как завершенные произведения. Он считал, что только работа, созданная непосредственно руками автора, сохраняет его энергию. Именно поэтому гипсовая лепнина и скульптура были приоритетными направлениями его творчества.

Загадочный и мудрый Генри Мур

Генри Мур (30 июля 1898 — 31 августа 1986) – английский художник и скульптор, работы которого эксперты относят к отдельному направлению модернизма. Мур родился в Каслфорде в семье шахтера. Многие искусствоведы сравнивают волнообразную форму его гипсовых фигур с холмистым ландшафтом места его рождения.

Талант Мура был признан и высоко оценен еще при жизни, а крупные заказы сделали его исключительно богатым человеком. Несмотря на это, он жил скромно. Большая часть заработанных им денег была направлена в благотворительный фонд Генри Мура, который до наших дней продолжает поддерживать сферы образования и искусства.

Почему именно гипс?

Особенность гипсовой лепнины и скульптуры Мура – хрупкость и эмоциональность. Даже самые большие его работы из гипса не выглядят помпезно и монументально, как их каменные и металлические аналоги. Гипсовая поверхность имеет естественные неровности, напоминающие рубцы. Это позволяет подчеркнуть изящность и уязвимость скульптур. Особенно ярко это проявляется в скульптурах матери и ребенка, павших воинов, наклонных фигур. Сам Мур прекрасно знал об этих особенностях, в связи с чем осознанно создавал большую часть своих работ исключительно в гипсовом варианте.

Фото: источник

Сюжеты гипсовых работ Мура футуристичны и оригинальны. Во многих своих скульптурах он ставит под сомнение связь человека с миром природы, указывая на внеземное происхождение людей. Генри Мур одним из первых начал использовать технику нанесения карандашного рисунка непосредственно на гипсовую поверхность, для достижения эффекта разграничения плоскостей.

Вместо того, чтобы работать с холодным белым цветом, часто ассоциирующимся с гипсом, Мур обычно окрашивал свои работы красителем из грецкого ореха. Это позволило придать скульптурам органическое тепло. В результате лепные и скульптурные композиции не кажутся вычурными и отстраненными, а максимально напоминают естественные объекты, созданные самой природой.

Пустота в гипсовой скульптуре Мура

Еще одна важная особенность гипсового искусства Генри Мура – пустоты в скульптуре. Мастера настолько вдохновляла тема «воздуха» в скульптурных композициях, что он стал использовать этот прием даже в самых массивных своих работах.

Один из самых ярких примеров – скульптура «Большой торс: арка». По форме эта скульптура напоминает большую аркообразную кость, стоящую на двух прочных опорах. Зритель может не только созерцать пустоту в самом центре композиции, но и пройти сквозь отверстие, вовлекаясь в загадочный замысел автора. В зависимости от ракурса, с которого человек смотрит на арку, она трансформируется от утонченной высокой фигуры (вид сбоку) до широкой массивной и даже грубой конструкции. Это, по мнению мастера, делает зрителя центром скульптурного произведения.

Фото: источник

Интересно, что Генри Мур лично определял место установки своих уличных творений. Для этого он делал масштабные фотографии своих работ и размещал их на различных панорамных видах, чтобы придать ощущение масштаба. Изначально «Большой торс: арка» была изготовлена из гипса, как большинство работ мастера, однако позже гипсовую версию заменили масштабной скульптурой из травертинового мрамора.

Примитивные скульптуры Мура

Еще одна отличительная черта мастера – стремление к примитивности форм. Мур никогда не стеснялся простейших форм, нечетких линий, дефектов поверхностей. Он считал, что простота примитивного искусства происходит от сильного и непосредственного чувства. Это, по мнению мастера, придает работам сильный эмоциональный посыл и вызывает отклик у каждого зрителя. В пример он приводил наскальную живопись и скульптуры древних цивилизаций. Тогда люди не владели сложными техниками работы с материалом, но стремились к самовыражению доступными простыми способами.

Фото: источник

Знаковой серией работ, олицетворяющих это направление в творчестве Мура, стали «Полулежащие фигуры». Первая скульптура полулежащей женщины была небольшого размера. Однако в 1963 году специально для Нью-Йоркского Линкольн-центра эта работа была увеличена и выставлена в новых декорациях. Чтобы новая увеличенная версия скульптуры органично вписалась в экспозицию, автор также создал колоссальный пейзаж из гипсовых скал и пещер. Сама скульптура изображает очертания силуэта женщины, лежащей в напряженной неестественной позе. В работе также используется техника пустоты, которая разделяет отдельные части тела женщины.

Во второй половине жизни Генри Мур уделял огромное внимание объединению скульптурного и архитектурного искусства. Он создавал уникальные архитектурные рельефы и композиции гипсовой лепнины, украшающие фасады зданий. В своей работе мастер стремился к гармонии стилей и форм. Он считал ошибкой классический подход к строительству зданий, когда сначала разрабатывается простейший проект, а уже позже архитекторы задумываются о скульптурном украшении фасада. В результате скульптура и лепнина часто выглядят как чужеродная часть готового архитектурного ансамбля.

Чтобы избежать разрозненности стилей, Мур тесно сотрудничал с архитекторами с самого начала работы над проектом. Это позволило создать несколько уникальных зданий на лондонской улице Бонд-стрит. В дизайне этих строений скульптурный элемент был неотъемлемой частью самого здания, а не просто украшением. Это позволило создать завершенную картину, не используя лишние, не имеющие отношение к архитектурному проекту, лепные элементы.

На создание уникальных произведений искусства скульптора, по его личному признанию, вдохновляли самые обычные вещи. В его работах витки ракушек, причудливые формы костей животных, очертания камней оживают, воплощаясь в человеческом облике. Это делает гипсовые работы Генри Мура одними из самых дорогих предметов, проданных в частные коллекции в истории современного искусства.

источник обложки

Студии и сады Генри Мура — Посетите

Студии и сады Генри Мура — это рабочее место и семейный дом скульптора Генри Мура ^{-го века} -го века: с более чем 70 акрами садов скульптур и холмистых полей. Каждый год в наших садах скульптур выставляется более 20 всемирно известных монументальных скульптур Мура; демонстрируя свои работы так, как он задумал, на фоне созданного им ландшафта.

Шесть различных студий раскрывают творческий процесс Мура, в том числе его мастерские по изготовлению макетов, резьбе, гравюре и рисованию, а Aisled Barn 16 ^{-го и} -го века — единственное место в мире, где можно увидеть его уникальные гобелены.

В 2021 году вас также приглашают исследовать роль прикосновения в скульптуре Генри Мура на нашей выставке This Living Hand , куратором которой является известный художник и писатель Эдмунд де Ваал.

Даты открытия 2021

31 марта — 31 октября 2021 года.
со среды по воскресенье и в праздничные дни, с 11:00 до 17:00

Зимние выходные: с 6 ноября по 12 декабря 2021 г.
по субботам и воскресеньям с 11:00 до 16:00. Последняя запись 15:00.

После недавнего ослабления государственных ограничений, чтобы обеспечить безопасность наших сотрудников и посетителей и обеспечить вам приятный отдых, мы решили сохранить социальное дистанцирование и некоторые другие меры безопасности до дальнейшего уведомления.К ним относятся уменьшение пропускной способности, санитарные станции на территории и повышение уровня гигиенических стандартов.

Мы были бы признательны, если бы все посетители продолжали носить маски для лица в наших закрытых помещениях. .

Aisled Barn, в котором хранятся уникальные гобелены по рисункам Генри Мура, можно использовать для проведения свадеб и мероприятий. Когда происходит какое-либо мероприятие, сарай закрывается для посетителей. Вы можете найти полный список дат мероприятий на 2021 год на странице Aisled Barn.Амбар будет закрыт по субботам до конца октября.

Обратите внимание, что, хотя мы приветствуем всех собак-поводырей со значками, домашние собаки не допускаются в сад скульптур и не могут быть оставлены в транспортных средствах на наших автостоянках.

Мы с нетерпением ждем возможности приветствовать вас в Henry Moore Studios & Gardens.

Билеты и онлайн-бронирование

Чтобы помочь нам управлять прибытием и избегать очередей, пожалуйста, бронируйте посещение заранее на нашей странице Art Tickets. Наши билеты разделены на временные интервалы прибытия.

Предварительное бронирование открыто до 23:00 дня перед посещением , билеты «в день» онлайн не доступны.

Если вы не можете забронировать билеты заранее, у нас есть билеты в билетной кассе , но мы рекомендуем прибыть после 12:30, чтобы избежать наших самых загруженных мест для билетов.

Стоимость билетов

Сады, студии, выставки и Aisled Barn	Standard	Gift Aid
Adult	£ 12.25	13,50 фунтов стерлингов
Льгота (старше 65 лет, младше 25 лет, студенты, получатели NHS и универсального кредита)	10,90 фунтов стерлингов	12,00 фунтов стерлингов
Ребенок (от 5 до 18 лет, до 5 лет бесплатно)	£ 6,45	£ 7,10
Семья (любые 2 взрослых + 2 детей)	£ 31,45	£ 34,60
Друзья Генри Мура	БЕСПЛАТНО	БЕСПЛАТНО
Опекун, сопровождающий инвалида посетитель	БЕСПЛАТНО	БЕСПЛАТНО

• Пожалуйста, закажите билет для всех, кто будет в гостях, включая друзей Генри Мура и детей до 5 лет.
• Пожалуйста, приходите в забронированное время. Вы можете прибыть в любой момент в пределах своего временного интервала и оставаться там сколько угодно в наши часы работы.

Заказ билетов

Hoglands

С 21 июля семейный дом Генри Мура, Hoglands, будет открыт для ограниченного числа посетителей только по четвергам и пятницам . Билеты доступны по прибытии и не могут быть заказаны онлайн.

Экскурсия по дому занимает около 30 минут.Размер группы ограничен пятью людьми, включая одного из наших дружелюбных и знающих гидов.

Поскольку Хогландс — это историческое здание с небольшими комнатами и узкими дверными проемами, мы просим всех посетителей носить маски на протяжении всего тура. Если вы освобождены от уплаты налога, пожалуйста, поговорите с сотрудниками нашей билетной кассы перед бронированием.

	Standard	Gift Aid
Hoglands house tour	£ 6.00	£ 6.60

1/4

Генри Мур, Скульптура из трех частей: Vertebra 1968-69

Фото: Джон Чейз

Генри Мур, Большая наклонная фигура 1984

Фото: Джон Чейз

Top Studio Генри Мура

Фото: Джонти Уайлд

Генри

Двойной овал 1966

Фото: Джонти Уайлд

Друзья Генри Мура

Наши Друзья помогают нам продолжить наследие Генри Мура и поддерживают скульптуру как в наших собственных помещениях, так и за их пределами.Присоединяйтесь как друг перед посещением и воспользуйтесь неограниченным доступом к студии и садам Генри Мура в течение всего календарного года.

Узнайте больше и присоединяйтесь онлайн.

Как друг, мы просим вас бронировать заранее, когда это возможно. Ваши бесплатные билеты для друзей и билеты для дополнительных гостей доступны на нашей странице Art Tickets.

Заказ билетов

Чего ожидать при посещении

С начала пандемии коронавируса мы внедрили множество новых мер, чтобы сделать посещение безопасным для всех.После недавнего ослабления государственных ограничений, чтобы убедиться, что у вас будет приятный опыт, мы решили сохранить социальное дистанцирование и некоторые другие меры безопасности до дальнейшего уведомления.

Вы можете найти более подробную информацию о мерах, которые мы ввели на нашей странице информации о коронавирусе.

• Чтобы помочь нам управлять очередями и обеспечивать безопасность всех, пожалуйста, бронируйте посещение заранее (если возможно).
• Пожалуйста, постарайтесь приехать в течение 30 минут.
• Пожалуйста, не приходите, если вы плохо себя чувствуете, вас попросили изолировать вас, у вас положительный результат на Covid 19 или вы ожидаете результатов теста.
• Пожалуйста, продолжайте носить маски в наших закрытых помещениях.
• На нашем сайте по-прежнему будет много вывесок, которые помогут контролировать количество посетителей и позволяют комфортно дистанцироваться.
• Мы будем ограничивать количество посетителей в некоторых из наших небольших внутренних помещений.
• Некоторые сотрудники будут носить средства индивидуальной защиты.
• По возможности платите бесконтактной кредитной или дебетовой картой.

Обратите внимание, что, хотя мы приветствуем всех собак-поводырей со значками, домашние собаки не допускаются в сад скульптур и не могут быть оставлены в транспортных средствах на наших автостоянках.

Кафе и пикники

Кафе в нашем центре для посетителей управляется дружелюбной местной командой из Copley’s Food, имеющей многолетний опыт приготовления вкусных домашних блюд.

Следуя последним указаниям правительства, кафе вернулось к работе стойки регистрации, с местами для сидения снаружи с видом на сады скульптур и небольшим количеством столиков в помещении.Пожалуйста, следуйте указателям и разметке очереди и надевайте маску для лица, когда находитесь внутри центра для посетителей.

Вы также можете принести в сад свою еду и напитки. Рядом с Архивом Генри Мура и Большой фигурой в приюте есть площадки для пикника, их часто убирают и дезинфицируют. Пожалуйста, не устраивайте пикники за столиками кафе или в садах скульптур.

Сувенирный магазин

Наш сувенирный магазин с эксклюзивным ассортиментом подарков и книг Генри Мура вновь открылся в центре для посетителей 14 апреля.Пожалуйста, наденьте маску для лица при совершении покупок и следуйте указателям и разметке очереди.

Время работы

и как добраться

Открытие

раз

31 марта — 31 октября
Открыто: среда по воскресенье и праздничные дни, с 11:00 до 17:00
Закрыто: понедельник и вторник

Зимние выходные: 6 ноября — 12 Декабрь 2021 г.
Суббота и воскресенье с 11:00 до 16:00. Последняя запись 15:00.

Где мы находимся

Henry Moore Studios & Gardens
Dane Tree House
Perry Green
Hertfordshire
SG10 6EE
United Kingdom
T: +44 (0) 1279 843 333

Как добраться и время работы — Henry Moore Studios & Gardens — посещение

Даты и время работы 2021

31 марта — 31 октября
среда — воскресенье и праздничные дни, 11:00 — 17:00
Последний вход: 16:00

Мы закрыты по понедельникам и Вторник, кроме государственных праздников.

Зимние выходные: 6 ноября — 12 декабря 2021 г.
Суббота и воскресенье с 11:00 до 16:00.
Последняя запись в 15:00.

Где мы находимся? и примерно в 15 минутах езды на такси от железнодорожного вокзала Бишопс-Стортфорд.

Маршрут

На машине

Мы находимся примерно в 20 минутах езды от автомагистрали M11 jct8 и примерно на таком же расстоянии от автомагистрали A10.

Большинство систем спутниковой навигации правильно найдут нас по почтовому индексу SG10 6EE. Вы также можете загрузить наши маршруты проезда в формате pdf или посетить карты Google, чтобы спланировать свой маршрут. Есть несколько коричневых знаков наследия, обозначающих маршрут от Мач-Хэдхэм / Бишопс-Стортфорд.

Дорожные работы

До сентября 2021 года автомагистраль A120 через Литл-Хэдхэм будет закрыта в определенные выходные дни. Для получения полной информации выполните поиск в one.network, используя наш почтовый индекс SG10 6EE. Когда автомагистраль A120 закрыта, подъезжайте к вам по автомагистрали B1004 из Уидфорда или Бишопс-Сторфорда.

До 3 августа будут проводиться дорожные работы на главном маршруте к Studios & Gardens через Green Tye. Если вы прибываете на машине или другом небольшом транспортном средстве, следуйте указателям на объезд через Станстед-Хилл. Если вы прибываете на более крупном транспортном средстве, пожалуйста, подойдите к нашему сайту по автомагистрали B1004 через Widford / Much Hadham и Bourne Lane.

Парковка

У нас есть бесплатная парковка на территории. Когда вы приедете, пожалуйста, припаркуйтесь на главной парковке для посетителей (Каштаны), которая находится через дорогу от центра для посетителей.Если эта парковка заполнена, у нас будет больше парковочных мест за гостиницей Hoops Inn. На обеих автостоянках есть места для инвалидов. Пожалуйста, покажите свой синий значок при парковке в отсеке для инвалидов.

На поезде

Наша ближайшая станция — Бишопс-Стортфорд: напрямую связана с лондонской Ливерпуль-стрит, аэропортом Станстед и Кембриджем. Станция находится примерно в 15 минутах езды на такси.

Город Харлоу, на той же железнодорожной ветке, также находится недалеко: около 20-25 минут на такси.Эта станция идеально подходит, если вы хотите совместить посещение Studios & Gardens с экскурсией по обширной коллекции скульптур Харлоу.

Узнайте расписание поездов и билеты.

На автобусе

Мы находимся в сельской местности, и нет общественного транспорта до Перри Грин .

Ближайший автобус, местный автобус 351 из Бишопс-Стортфорда и Хертфорда, останавливается в Мач-Хэдхэме, а деревня находится примерно в 40 минутах ходьбы от Перри-Грин по холмистым проселочным дорогам, где нет тротуаров для пешеходов.

Обратите внимание, что 351 не обслуживается часто, и время обслуживания может меняться во время школьных каникул. Карты Google порекомендуют маршрут общественного транспорта, который включает автобус 351 от железнодорожного вокзала Святой Маргариты. Мы просим вас подумать, подходит ли этот маршрут для вашего визита.

Узнайте о расписании автобуса 351.

Автобусы до Мач-Хадхама из аэропорта Станстед не ходят.

Пешком

Есть несколько пешеходных дорожек и маршрутов, ведущих к Studios & Gardens.Рядом проходит дорога Хартфордшир, связывающая деревню с Бишоп-Стортфорд. Вы можете спланировать пешеходный маршрут, посетив footpathmaps.com и введя наш почтовый индекс SG10 6EE. В качестве альтернативы есть хорошо описанный круговой маршрут от Мач-Хэдхама, описанный на веб-сайте Bishop’s Stortford and District Footpath Association (доступна версия для печати).

На велосипеде

Этот район пользуется популярностью у велосипедистов, и до Перри-Грин можно легко добраться до местных городов. Велосипеды разрешены во внепиковых поездах как из Лондона, так и из Кембриджа.Загрузите наши маршруты проезда или посетите карты Google, чтобы спланировать свой маршрут. У нас есть небольшая стойка для велосипедов на нашей основной парковке для посетителей, через дорогу от центра для посетителей.

Если у вас есть какие-либо вопросы о посещении нас в Henry Moore Studios & Gardens, посетите нашу страницу часто задаваемых вопросов. Мы приветствуем собак со специальными знаками помощи, но, пожалуйста, оставьте домашних собак дома, так как наши автостоянки очень открытые и не имеют затененных участков.

Генри Мур — 35 произведений

Генри Спенсер Мур OM CH FBA (30 июля 1898 — 31 августа 1986) был английским художником.Он наиболее известен своими полуабстрактными монументальными бронзовыми скульптурами, которые находятся во всем мире как общественные произведения искусства. Помимо скульптуры, Мур создал множество рисунков, в том числе серию, изображающую лондонцев, укрывающихся от молнии во время Второй мировой войны, а также другие графические работы на бумаге.

Его формы обычно представляют собой абстракции человеческой фигуры, обычно изображающие матери и ребенка или лежащие фигуры. Работы Мура обычно наводят на мысль о женском теле, за исключением периода 1950-х годов, когда он лепил семейные группы.Его формы обычно проткнуты или содержат пустоты. Многие интерпретаторы сравнивают волнообразную форму его наклоненных фигур с ландшафтом и холмами его родины, Йоркшира.

Мур родился в Каслфорде, в семье шахтера. Он стал известен благодаря своим резным мраморным скульптурам и крупномасштабным абстрактным литым бронзовым скульптурам, а также сыграл важную роль в представлении особой формы модернизма в Соединенном Королевстве. Его способность в дальнейшей жизни выполнять крупномасштабные заказы сделала его исключительно богатым.Несмотря на это, он жил скромно; большая часть заработанных им денег пошла на пожертвования Фонду Генри Мура, который продолжает поддерживать образование и продвижение искусства.

Генри Мур родился в Каслфорде, Западный Йоркшир, Англия, в семье Мэри Бейкер и Раймонда Спенсера Мур. Его отец был ирландцем по происхождению, он стал заместителем шахты, а затем заместителем управляющего угольной шахты Велдейл в Каслфорде. Он был самоучкой, интересовался музыкой и литературой. Будучи убежденным, что его сыновья не будут работать на рудниках, он рассматривал формальное образование как путь к их продвижению по службе.Генри был седьмым из восьми детей в семье, которая часто боролась с бедностью. Он посещал детские и начальные школы в Каслфорде, где начал лепить из глины и вырезать из дерева. Он заявил, что решил стать скульптором, когда ему было одиннадцать, после того, как он услышал о достижениях Микеланджело на чтении Воскресной школы.

Со второй попытки он был принят в Каслфордскую гимназию, которую посещали несколько его братьев и сестер, где его директор вскоре заметил его талант и интерес к средневековой скульптуре.Его учитель рисования расширил его познания в искусстве, и с ее поддержкой он решил сделать искусство своей карьерой; сначала сдав экзамены на стипендию в местный художественный колледж. Самые ранние зарегистрированные резные фигурки Мура — мемориальная доска Общества Скотта в средней школе Каслфорда и Почетный список мальчиков, которые отправились воевать в Первую мировую войну из школы — были казнены примерно в это время.

Несмотря на его раннее обещание, родители Мура были против того, чтобы он учился на скульптора — занятие, которое они считали ручным трудом, с ограниченными карьерными перспективами.После краткого представления в качестве учителя-ученика Мур стал учителем в школе, которую он посещал. Когда исполнилось восемнадцать, Мур пошел добровольцем на военную службу. Он был самым молодым человеком в Стрелковом полку собственной гражданской службы принца Уэльского и был ранен в 1917 году в результате газовой атаки 30 ноября в Бурлонском лесу во время битвы при Камбре. После выздоровления в госпитале он досмотрел оставшуюся часть войны в качестве инструктора по физической подготовке и вернулся во Францию ​​только после подписания перемирия.Позже он вспоминал: «Для меня война прошла в романтическом тумане попыток стать героем». Это отношение изменилось, когда он задумался о разрушительности войны и в 1940 году написал в письме своему другу Артуру Сейлу, что «через год или два после [войны] вид униформы цвета хаки стал означать все в жизни, что был неправильным, расточительным и антижизненным. И у меня до сих пор есть это чувство ».

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Энтони Каро — 14 произведений

Сэр Энтони Альфред Каро ОМ CBE (8 марта 1924 — 23 октября 2013) был английским скульптором-абстрактным скульптором, чья работа характеризуется сборками металла с использованием «найденных» промышленных объектов. Его стиль принадлежал модернистской школе, поскольку он работал с Генри Муром в начале своей карьеры.Его считали величайшим британским скульптором своего поколения.

Каро родилась в Нью-Малдене, Англия, в еврейской семье и была младшей из троих детей. Когда Каро было три года, его отец, биржевой маклер, перевез семью на ферму в Черте, графство Суррей. Каро получил образование в Чартерхаусской школе, где его воспитатель познакомил его с Чарльзом Уилером. На каникулах учился в Школе искусств Фарнхема (ныне Университет творческих искусств), работал в студии Уиллера. Позже он получил степень инженера в колледже Христа в Кембридже.В 1946 году, после прохождения службы в Королевском флоте, он изучал скульптуру в Политехническом институте на Риджент-стрит, а затем продолжил обучение в школах Королевской академии с 1947 по 1952 год.

Энтони Каро столкнулся с модернизмом, когда работал помощником Генри Мура в 1950-х годах. Познакомившись с американским скульптором Дэвидом Смитом в начале 1960-х годов, он отказался от своей ранней фигуративной работы и начал создавать скульптуры путем сварки или скрепления друг с другом кусков стали, таких как двутавровые балки, стальные пластины и сетки.«Двадцать четыре часа» (1960), выставленная в галерее Тейт Британ с 1975 года, — одна из его первых абстрактных скульптур из окрашенной стали. Часто готовое изделие окрашивалось жирным ровным цветом.

Caro добилась международного успеха в конце 1950-х годов. Ему часто приписывают существенное нововведение — снятие скульптуры с постамента, хотя Смит и Бранкузи ранее предпринимали шаги в том же направлении. Скульптуры Каро обычно самонесущие и стоят прямо на полу.Тем самым они убирают барьер между работой и зрителем, которого приглашают приблизиться и взаимодействовать со скульптурой со всех сторон.

В 1982 году Каро пытался организовать выставку британского абстрактного искусства в южноафриканских поселках, когда встретил Роберта Лодера. В 1981 году, когда они жили в штате Нью-Йорк, у пары возникла идея организовать мастерские для профессиональных художников, которые превратились в Triangle Arts Trust. Они провели первый семинар «Треугольник» в 1982 году для тридцати скульпторов и художников из США, Великобритании и Канады в Пайн-Плейнс, Нью-Йорк.

В 1980-х годах работы Каро изменили направление с введением более буквальных элементов с серией фигур, взятых из классической Греции. После посещения Греции в 1985 году и тщательного изучения классических фризов, он приступил к серии крупномасштабных повествовательных работ, в том числе к панораме «После Олимпии» длиной более 23 метров (75 футов), вдохновленной храмом Зевса в Олимпии. В последнее время он попытался осуществить крупномасштабные инсталляции, одна из которых, «Морская музыка», стоит на набережной в Пуле, Дорсет.

В начале 2000-х на его работах были изображены конные фигуры почти в натуральную величину, построенные из фрагментов дерева и терракоты на скачущих лошадях гимнаста. В 2008 году Каро открыл инсталляцию «Часовня света» в церкви Сен-Жан-Батист в Бурбурге (Франция) и выставил четыре фигурные скульптуры головы в Национальной портретной галерее в Лондоне. В 2011 году Художественный музей Метрополитен установил на своей крыше пять работ Каро. В 2012 году Каро работала над огромной, состоящей из нескольких частей скульптурой, которая займет три квартала на Мидтаун-Парк-авеню.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Пол Нэш — 133 произведения

Пол Нэш писал глубоко романтические и лирические пейзажи, тонко переосмысленные через осколки модернизма и ужасы войны.Он был плодовитым и чрезвычайно талантливым художником, писателем, фотографом, прекрасным книжным иллюстратором и дизайнером сценических декораций, тканей и плакатов, а также, что самое известное, художником. Хотя Нэш охватил и охватил многие из основных направлений искусства 20-го века, включая сюрреализм и абстрактное искусство, его сильная любовь к природе и окружающему ландшафту всегда оставалась основным предметом его работ. В самом деле, даже в своих обязанностях официального военного художника — во время обеих великих войн — документируя разбитые обломки полей сражений и чувствуя себя травмированным разрушениями, которые он видел, ему все же удавалось сделать все, что он изображал, каким-то образом очарованным; Сучковатые и сломанные деревья напоминают древние стоячие камни, сквозь которые обычно проникают солнечные или лунные лучи.Таким образом, Нэш дает своим зрителям волшебный дар: понимание того, что даже из смерти рождает возрождение, и, кроме того, что воображение всегда трансформирует, даже самые ужасные сцены.

На протяжении всей своей карьеры Нэш (довольно точно) считал себя преемником Дж. М. У. Тернеру и Уильяму Блейку. Подобно этим вдохновляющим фигурам перед ним, он попытался уловить «дух» английской сельской местности и, по словам куратора Джемаймы Монтегю, «смог развить уникальную форму выражения, которая возникла и все же пришла к определению. идея английского пейзажа ».Этот навык был особенно заметен в его работе как военный художник, роль, в формировании которой он сыграл важную роль. Картины Нэша поразительно откровенны о разрушительных последствиях войны и особенно о ее влиянии на пейзаж.

В ретроспективе Тейта, последовавшей за его смертью, Нэш прославился своим военным искусством, пейзажами и связью с сюрреализмом. Это первые две ассоциации, в которых Нэш, пожалуй, наиболее известен, хотя важно помнить, что Нэш также создавал гравюры, литографии, книги, ткани, коврики, стекло, керамику и предметы интерьера.Помощник куратора Тейт Инга Фрейзер обращает внимание на диапазон влияний и результатов Нэша, заявляя, что «модернизм Нэша был щедрым и всеобъемлющим», и продолжает цитировать записную книжку, в которой художник вел списки с указанием разнообразных ссылок, из которых он черпал. Один из таких списков гласит: «Сезанн, кубизм, искусственный узор, кирпичи, мозаика, камни, плитка, машины, Леже, фотография, иероглифы, блочная печать, изготовление ткани и пленки, естественные формы … различные фейерверки, знаки, освещение… Woolworths. »

Действительно, можно сказать, что творческая карьера Нэша полна удивительных контрастов. Как отмечает писательница-искусствовед Марта Маретич, иронично, что его самые известные работы, показывающие ужас и разрушения войны, были профинансированы правительственные организации, Бюро военной пропаганды и Министерство информации, те самые институты, с которыми он боролся идеологически, поскольку в целом он не был согласен с войной и не понимал ее. Возможно, именно по этой причине — хотя Нэш редко получал плохие отзывы о своей работе при жизни — Нэш, кажется, бросал вызов критикам.Даже весьма симпатизирующий председатель WAAC Кеннет Кларк выразил восхищение и замешательство по поводу Битвы за Германию (1944), в то время как корреспондент BBC Уильям Кук отметил, что «[межвоенное] искусство Нэша было спасено от академического самоанализа вспышкой войны. Вторая мировая война». Точно так же художник Джефф Хэндс противопоставляет «довольно консервативную личность» Нэша его интересу к сюрреализму, кубизму и абстракции, комментарий, который, возможно, характеризует, почему «официальные» военные работы Нэша являются одновременно несколько подрывными и интригующими.В конечном итоге мы сталкиваемся с типичным для английского художника парадоксом, когда он живет и работает как «тонкий радикал».

КЛЮЧЕВЫЕ ИДЕИ

— В его глубокой привязанности к сельской местности, его настойчивой сдержанной романтике и его интересе к вечному циклу времени есть что-то типично английское в творчестве Пола Нэша. Он связан с линией английских поэтов-романтиков и известными пейзажистами, в первую очередь с Уильямом Блейком и Дж.М. В. Тернер. На него также повлияли художники Сэмюэл Палмер и Данте Габриэль Россетти, и, как и все вышеперечисленное, он успешно вывел английское искусство на международную арену.

— Хотя он никогда не присоединялся к модернистским движениям, Нэш работал и имел связи с некоторыми из самых важных британских художников первой половины двадцатого века. Летом 1914 года, прежде чем поступить на военную службу, он работал с Роджером Фраем в мастерских Омега. В 1933 году он основал группу Unit One с Беном Николсоном и Барбарой Хепуорт.Позже, в 1930-х, он сблизился с Эйлин Агар и начал писать о «морском сюрреализме».

— Нэш успешно раскрыл «горькую правду» войны через серию грязных окопных фотографий времен Первой мировой войны; он создал бесценный документальный материал об изменениях ландшафта, произошедших после позиционной войны. Во время Второй мировой войны Нэш выпустил серию под названием «Воздушные существа», в которой немецкие самолеты разбивались в различных ландшафтах. На протяжении обеих войн он был официально нанят правительством, но оставался неоднозначным и весьма политическим человеком в системе.Однажды Нэш наложил голову Гитлера на одну из своих фотографий разбитого самолета и хотел, чтобы они были брошены как открытки по всему Третьему рейху.

— В более поздних работах Нэш находился под сильным влиянием сюрреализма, и особенно выставки Джорджо де Кирико 1928 года, которую он видел в Лондоне. В отличие от других сюрреалистов, он сосредоточился на загадочных аспектах ландшафта, а не на размещении сверхъестественных объектов. Его очень интересовало влияние человека на природу. Он исследовал эти отношения в невероятном творческом подвиге с помощью серии поздних картин, названных «воздушные цветы» — таким образом, сочетание сложного человеческого изобретения и простой красоты природы — потенциального предшественника культового изображения Сальвадора Дали «Медитативная роза ». (1958).

Автор: TheArtStory

Более …

Пол Нэш (11 мая 1889 — 11 июля 1946) был британским художником-сюрреалистом и военным художником, а также фотографом, писателем и дизайнером прикладного искусства. Нэш был одним из крупнейших художников-пейзажистов первой половины двадцатого века. Он сыграл ключевую роль в развитии модернизма в английском искусстве.

Нэш родился в Лондоне, вырос в Бакингемшире, где полюбил пейзаж.Он поступил в Художественную школу Слейда, но плохо рисовал фигуры и сосредоточился на пейзажной живописи. Нэш черпал вдохновение в пейзажах с элементами древней истории, таких как курганы, холмы железного века, такие как Wittenham Clumps, и стоячие камни в Эйвбери в Уилтшире. Произведения, созданные им во время Первой мировой войны, являются одними из самых знаковых изображений конфликта. После войны Нэш продолжал сосредотачиваться на пейзажной живописи, первоначально в формализованном декоративном стиле, но на протяжении 1930-х годов все более абстрактно и сюрреалистично.В своих картинах он часто помещал повседневные предметы в пейзаж, чтобы придать им новую идентичность и символизм.

Во время Второй мировой войны, несмотря на то, что он был болен астматическим заболеванием, которое могло его убить, он создал две серии антропоморфных изображений самолетов, прежде чем создать ряд пейзажей, богатых символикой с сильным мистическим качеством. Возможно, они стали одними из самых известных произведений того периода. Нэш также был прекрасным иллюстратором книг, а также создавал сценические декорации, ткани и плакаты.

Он был старшим братом художника Джона Нэша.

Нэш был сыном успешного адвоката Уильяма Гарри Нэша и его жены Кэролайн Мод, дочери капитана Королевского флота. Он родился в Кенсингтоне и вырос в Earl’s Court в Западном Лондоне, но в 1902 году семья переехала в Айвер-Хит в Бакингемшире. Была надежда, что переезд в сельскую местность поможет Кэролайн Нэш, у которой все чаще проявлялись симптомы психического заболевания. Растущая стоимость лечения Кэролайн Нэш привела к тому, что дом в Айвер-Хит был сдан в аренду, в то время как Пол и его отец жили вместе в квартире, а его младшая сестра и брат ходили в школы-интернаты.В День святого Валентина 1910 года в возрасте сорока девяти лет Кэролайн Нэш умерла в психиатрической больнице. Пол Нэш изначально предназначался для карьеры во флоте, следуя пути своего деда по материнской линии, но, несмотря на дополнительное обучение в специализированной школе в Гринвиче, он провалил вступительный экзамен военно-морского флота и вернулся, чтобы закончить учебу в школе Святого Павла. Воодушевленный однокурсником по колледжу Святого Павла Эриком Кеннингтоном, Нэш рассмотрел возможность карьеры художника. Проучившись год в Юго-Западном политехническом институте в Челси, осенью 1908 года он поступил в Школу фотогравюры и литографии Совета графства Лондона в Болт-Корт на Флит-стрит.Нэш проучился два года в Bolt Court, где он начал писать стихи и пьесы, и где его работы были отмечены и оценены Selwyn Image. Его друг, поэт Гордон Боттомли и художник Уильям Ротенштейн посоветовали ему поступить в Школу искусств Слейда при Университетском колледже в Лондоне. Он поступил в институт в октябре 1910 года, хотя позже записал, что во время своей первой встречи с профессором рисования Генри Тонксом «было очевидно, что он считал, что ни Слейд, ни я вряд ли получим много пользы».

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Алиса Рахон — 23 произведения

Алиса Филлипот (Алиса Рахон) (8 июня 1904 г. — сентябрь 1987 г.) была французско-мексиканской поэтессой и художницей, чьи работы способствовали зарождению абстрактного выражения в Мексике.Она начинала как поэт-сюрреалист в Европе, но начала рисовать в Мексике. Она была плодовитым художником с конца 1940-х по 1960-е годы, часто выставляясь в Мексике и США, с широким кругом друзей в этих двух странах. Ее работы оставались привязанными к сюрреализму, но также были новаторскими, включая абстрактные элементы и использование таких техник, как сграффито и использование песка для текстуры. В более позднем возрасте она оказалась изолированной из-за проблем со здоровьем, и, за исключением ретроспектив во Дворце изящных искусств в 1986 году и в Museo de Arte Moderno в 2009 и 2014 годах, была в значительной степени забыта, несмотря на ее влияние на мексиканское современное искусство.

Рахон родилась Элис Мари Ивонн Филппо в Ченси-Бюйон, Куинджи на востоке Франции. Ее самые яркие воспоминания из детства были о Бретани, доме ее бабушки и дедушки по отцовской линии в Роскоффе, где она проводила долгие периоды времени летом и во время рождественских каникул. Она также вспомнила, как посещала пляжи Морле.

Когда ей было около трех лет, она попала в серьезную аварию, в результате которой ей наложили гипс и повлияла на всю ее жизнь. Одной из травм был перелом правого бедра, из-за которого ей пришлось долго лечиться в лежачем положении.Это оставило ее изолированной от других детей, включая ее младшую сестру Гео, которая проводила время в семейном саду за чтением, письмом и рисованием, чтобы занять ее ум. Эта изоляция усилилась, когда она снова упала в возрасте двенадцати лет, сломав ногу. Эти события придали ей хрупкость, и к тому времени, когда она была подростком, она предпочла уединение, создавая миры собственного воображения. Всю оставшуюся жизнь она всегда ходила с легкой хромотой и болью.

Она забеременела, когда была совсем маленькой, но у ребенка был врожденный порок, и он умер вскоре после рождения.

Когда она и ее сестра были молодыми женщинами, они жили в Париже и открыли для себя его богемную жизнь. В 1931 году она познакомилась с художником Вольфгангом Пааленом, и в 1934 году они поженились. Вместе с ним она присоединилась к движению сюрреализма, опубликовала стихи под именем Алиса Паален и познакомилась с другими людьми, такими как Ева Зульцер, швейцарский фотограф, с которым она дружила на всю жизнь. .

Ее жизнь с Пааленом также познакомила ее с путешествиями, которые она сделала большую часть своей жизни. В 1933 году пара посетила наскальные рисунки в Альтамире, а в 1936 году она отправилась в Индию в сопровождении поэта Валентина Пенроуза.Оба этих путешествия повлияли на ее жизнь и искусство, в ее конце она даже назвала двух кошек Вишну и Субхашини. На протяжении большей части своей жизни она много путешествовала, а позже совершила поездки на Аляску, Канаду, Соединенные Штаты, Ливан и Мексику.

Рахон, Паален и Зульцер были приглашены в Мексику Андре, Жаклин Бретон и Фридой Кало. Сначала они побывали на Аляске, в Британской Колумбии и на западном побережье США, где Паален был очарован местным искусством. Наконец они прибыли в Мехико в 1939 году, сначала остановившись в отеле в районе Сан-Анхель.Она подружилась с Фридой Кало и Диего Риверой. С Фридой она поделилась разочарованиями из-за хрупкого тела и неспособности иметь детей, а также из-за искусства и письма, чтобы скоротать время. Связь с Фридой привела к более позднему созданию картины под названием «Балада пара Фриды Кало». Очарование пары страной и начало Второй мировой войны в 1939 году побудили их остаться в стране навсегда, и Рахон стал гражданином Мексики в 1946 году.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Генри Мур

Объятия величия: монументальная скульптура Мура

В конце 1940-х годов Мур подошел к вершине своего успеха как дома, так и за рубежом. Спонсируемый Британским Советом, Мур стал самым выдающимся культурным экспортером Великобритании. Его приземленные, обнадеживающие темы — лежащие фигуры, семейные ансамбли и абстрактные биоморфные формы — соответствовали идеалам послевоенного мира; его работа перекликалась с философией, заявленной организаторами Венецианской биеннале 1948 года: искусство должно говорить на общем языке, приглашая всех людей, преодолевая идеологические барьеры, в семью людей.

Успех Мура позволил ему нанять помощников и работать в более широком масштабе, разместив свою скульптуру на открытом воздухе, что было его мечтой всей жизни. В 1955 году его выбрали для создания самой выдающейся скульптуры для штаб-квартиры ЮНЕСКО в Париже. Вырезанная из белого травертинового мрамора, это была первая из многих международных комиссий и его самая большая скульптура на сегодняшний день. Размер, как определяющий элемент его искусства, становился для него все более и более важным. «Практически все, что я делаю, — объяснил Мур, — я намерен делать в больших масштабах… Сам размер имеет свое влияние, и физически мы можем больше относиться к большой скульптуре, чем к маленькой ».

Отложив свою энергию от прямой резьбы, которая была отличительной чертой его прежнего стиля, Мур начал все больше работать с бронзой. Этот прочный материал, идеально подходящий для уличной скульптуры, выдержал его эксперименты с полостями и пустотами. Большие бронзовые работы на открытом воздухе, такие как 1971-1972 гг. Sheep Piece в Муч-Хадхаме, говорят о способности Мура производить мощные работы в любой среде.Теперь Мур прочно утвердился в качестве скульптора для работ в общественных местах.

В 1968 году к семидесятилетию Мура в лондонской галерее Тейт была устроена монументальная ретроспектива его работ. Мур продолжал работать в странах по всему миру, скульптуры отправлялись в Бразилию, Мексику, Венесуэлу, Аргентину и Японию. В 1978 году он руководил установкой Knife Edge Mirror Two Piece перед новым Восточным зданием, спроектированным архитектором И.М. Пей для Национальной галереи искусств в Вашингтоне.

Мур был сложной и очень влиятельной фигурой. Его бывший ученик, выдающийся скульптор Энтони Каро, выступал от имени многих молодых художников, когда в 1960 году заметил, что картина Мура «размером не с человека, а размером с экран». Тем не менее, Каро также засвидетельствовал огромное влияние, которое Мур оказал на целое поколение британских художников, идущих по его стопам: «[Он] предоставил алфавит и дисциплину, чтобы начать развиваться.Его успех создал атмосферу для всех нас, молодых скульпторов, и вселил в нас уверенность в себе, которую без его усилий мы бы не ощутили ».

Человек, одновременно скромный и движимый искрами огромного эго, Генри Мур внес решающий вклад в развитие скульптуры двадцатого века. Как и многие художники его поколения, Мур исследовал границы между фигурацией и абстракцией, изобретая формальный язык, который прославлял человеческую фигуру в то время, когда репрезентация находилась в кризисе.После Второй мировой войны он изменил наши представления об искусстве в общественных местах, экспериментируя с проблемами масштаба и монументальности, которые превосходили усилия большинства его сверстников. Его смелое, но уважительное обращение с материалами, его новаторский подход к форме и пространству, а также его глубокая убежденность в непреходящем значении человеческой фигуры придают его работам уникальный статус в истории современного искусства. В 1964 году критик Джин Клей заметил, что работа Мура напоминает нам о нашей пуповине с природой: «Мур погружается в землю, архаичный и неизменный, ближе к доисторической эпохе, чем в 2000 году, хотя он родился в самом сердце индустриального мира.