Еда поп арт: Картинки d0 bf d0 be d0 bf d0 b0 d1 80 d1 82 d0 b5 d0 b4 d0 b0, Стоковые Фотографии и Роялти-Фри Изображения d0 bf d0 be d0 bf d0 b0 d1 80 d1 82 d0 b5 d0 b4 d0 b0

История поп-арта в предметах и продуктах • Arzamas

21 сентября 2018Искусство, История

Зачем Энди Уорхол рисовал банки с супом Campbell, а Роберт Раушенберг — кока-колу? В издательстве Ad Marginem в серии «Основы искусства» вышла книга Флавии Фриджери «Поп-арт». Arzamas публикует главу «Поп-арт и рынок»

«Устав от аскетичности абстрактного экспрессионизма, молодые художники обратились к таким приземленным вещам, как кока-кола, мороженое, гамбургеры, супермаркеты, вывески „ЕДА“. Их глаза изголодались, они жаждали эмоций…»

 

Роберт Индиана. 1963 год

Джаспер Джонс. Окрашенная бронза. 1960 год © Jasper Johns / Museum Ludwig, Köln

Центральное место в сюжетном репертуаре поп-арта принадлежит всевозмож­ным продуктам и товарам — от кусков торта до сломанных игрушек. Размыш­ляя над пестрым изобилием упаковок и над экономическими стратегиями, стоящими за их разработкой, поп-артисты заостряли внимание как на неотра­зимом очаровании дизайна товаров, так и на темных сторонах потребления.

Джаспер Джонс одним из первых использовал готовый товар в качестве пред­мета художественного копирования, создав «Окрашенную бронзу» (1960) — аккуратную бронзовую репродукцию двух банок пива Ballantine. Эта работа обязана своим появлением реплике другого художника, Виллема де Кунинга, в адрес Джонса. Говоря о Джонсе и его влиятельном дилере Лео Кастелли, де Кунинг однажды бросил: «Если сунуть этому сукину сыну пару банок из-под пива, он и их продаст». Джонс, узнав об этих словах, решил отнестись к ним серьезно и отлил в бронзе две пивные банки, которые Кастелли действительно с успехом продал. По этому эпизоду можно судить не только о соперничестве между находившимся на закате славы абстрактным экспрессионизмом и зарождавшимся поп-артом, к которому имел отношение Джонс, но и о воз­раставшем интересе художников к коммерческой культуре.

Уорхол считал кока-колу эталоном общедоступного товара в поп-мире и эмблемой потребления:

«Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают, в принципе, то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу и, представь себе, ты тоже можешь пить кока-колу».

Главное в этих словах — указание на демократичность кока-колы, одной и той же для любого потребителя, независимо от его расы, пола и социального стату­са. Другие товары, рассматриваемые в этой главе, тоже банальны настолько, что кажутся не заслуживающими интереса, и в то же время самой своей повсе­местностью интересны для художников, которые отозвались на них множест­вом восхищенных или вдумчиво-критичных реплик.

Суп Campbell: день за днем двадцать лет

Энди Уорхол. Банки супа Campbell. 1962 год © Andy Warhol / MoMA

Одной из эмблем творчества Уорхола стала банка супа Campbell — товар, кото­рый имеется в каждом доме и в любом супермаркете, а потому, как и кока-кола, уравнивает друг с другом всех своих потребителей. Свой интерес к этому сюжету Уорхол объяснял обыкновенной привычкой: «Просто одно время я ел суп Campbell постоянно. У меня в течение, наверное, лет двадцати каждый день был один и тот же ланч: день за днем одно и то же». Многократные повторы, которым он подверг суповую банку, кажутся под стать этой двадцатилетней череде одинаковых ланчей.

Первыми в его большой серии двумерных реплик ходовых консервов стали «Банки супа Campbell» (1962) — тридцать два небольших холста, первоначально выставленные в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Демонстрация откровенно рутинной магазинной продукции в качестве искусства вызвала полярные реакции — от заинтригованного замешательства до возмущения и насмешек. Одна из соседних галерей сочла остроумным выставить в своей витрине банки настоящего супа Campbell с ценниками в 60 центов. Картины Уорхола поку­пались неохотно, и его галерист в конце концов решил продать их все сразу со скидкой. Так они и стали единым и неделимым произведением, ныне находящимся в собрании нью-йоркского Музея современного искусства.

Кока-колонизация

1 / 2

Роберт Раушенберг.  Кока-кола: план. 1958 год© Robert Rauschenberg / MoCA

2 / 2

Юсио Синохара. Кока-кола: план. 1964 год

© 篠原有司男 / 富山県立近代美術館

Для Уорхола кока-кола была товаром, символизирующим всеобщее равенство в потребительском мире. Однако многие другие художники усматривали в ней характерное проявление капиталистического империализма. Красная этикетка, распространенная рынком по всей планете, стала визуальной неизбежностью, и это не могло не навести поп-артистов на мысль о скрывающейся за ней претензии на мировое господство.

Роберт Раушенберг, один из признанных родоначальников поп-арта, представил знаменитый бренд как культурную и социальную икону Америки в работе «Кока-кола: план» (1958). Победоносная роль товара, поставляемого всюду, выражена здесь крыльями, прикрепленными к конструкции с тремя бутылками кока-колы. Явно отсылающие к прославленной греческой статуе Нике Самофракийской (около 200–190 до н. э.), эти крылья с изрядной долей иронии затмевают исторический памятник «светочем современности».

Если Раушенберг, пусть иронически, прославлял кока-колу, а следовательно, и Америку, то японский художник Юсио Синохара едко посмеялся над ними обеими, создав свой «Кока-кола: план» (1964). Он познакомился с американ­ским поп-артом по публикации в журнале Art International за январь 1963 года и немедленно решил создать новое направление, названное им «имитативным искусством». Уже в сентябре того же года в токийской галерее Naiqua были выставлены его пародии на знаменитые поп-произведения, в том числе размноженные реплики работы Раушенберга. Синохара предпринял остроум­ную попытку развенчать американский поп-арт его же средствами — показать, что произведения поп-артистов, особенно тех из них, которые охотно исполь­зуют репродукцию и тиражирование, не застрахованы от выхода в тираж и сами. Взяв на вооружение подход американских художников к коммерческим продуктам вроде кока-колы, японский художник ощутимо пошатнул ориги­нальность произведений Раушенберга и, шире, всего поп-арта в целом.

Его имитация искусства, и так уже имитативного в силу своих сюжетов, предста­вила кока-колу — «триумфальное знамя» Америки — как обычный одноразо­вый и легко воспроизводимый товар.

Иcтория игрушек

1 / 3

Криста Дихганс. Рождество — Нью-Йорк. 1967 год© Christa Dichgans / Contemporary Fine Arts, Berlin

2 / 3

Эрро. Продовольственный пейзаж. 1964 год© Erró / Moderna Museet

3 / 3

Дерек Бошьер. Особая К. 1961 год© Derek Boshier / The Mayor Gallery

Немецкая художница Криста Дихганс, увлеченная потребительскими товарами не столько как образами, сколько как особого рода вещами, создала ряд инте­ресных произведений на тему игрушек — в частности, «Рождество — Нью-Йорк» (1967). Поселившись в начале 1960-х годов в Нью-Йорке, Дихганс испы­тала большое впечатление от «гор старых игрушек», увиденных ею в центрах Армии спасения  

Армия спасения — международная благотворительная организация, основанная в 1865 году в Великобритании для оказания помощи нуждающимся. . Поскольку у нее самой был маленький сын, она имела и непосредственный опыт разбора игрушек, сваленных в беспорядке. В картине «Рождество — Нью-Йорк», входящей в серию, которую Дихганс посвятила этой теме, речь идет о рождественской лихорадке подарков, но вместо новых игру­шек, ожидающих распаковки, мы видим кучу потрепанных медведей, кукол, лошадок на колесах и т. п. Возможно, когда-то они были желанными подарка­ми, но теперь явно утратили весь свой коммерческий и эмоциональный престиж.

Исландский художник Эрро (Гудмундер Гудмундсон), с конца 1950-х годов живущий и работающий в Париже, критиковал потребительские привычки, связанные с американским образом жизни и символизируемые изобилием супермаркетов. Во Франции Эрро быстро вошел в контакт с местными худож­никами, которые стремились придать новую актуальность фигуративной живо­писи, обращаясь в поиске сюжетов к повседневности и, в частности, к обществу потребления. В полотне Эрро «Продовольственный пейзаж» (1964), с которого на зрителя обрушивается пестрая лавина всевозможных пищевых продуктов, читается откровенный сарказм в адрес мании приобретательства, порождаемой американской идеологией консюмеризма. В этом море еды потребителю пред­ла­гается и навязывается всё — от щедрых сырных тарелок до плиток шоколада и тортов, нарезанных на куски.

Обнажая логику потребления, заставляющую людей покупать уже не в силу необходимости, а во власти неотразимого соблазна рекламы, такие картины, как «Продовольственный пейзаж» и почти современная ему «Особая К» английского художника Дерека Бошьера (1961), указывали на неуклонно растущую мощь экономико-политического влияния США. Бошьер, заимство­вав культовую красную букву «К» из фирменного стиля бренда сухих завтраков Kellogg’s, представил ее в виде космической ракеты, несущейся вверх. В резуль­тате буква стала намеком на соперничество США и СССР за контроль над кос­мосом и символом ненасытной власти, жаждущей подчинить себе всё — как на Земле, так и за ее пределами. В одном из первых обзоров творчества Бошьера Ричард Смит писал:

«Некоторые его сквозные темы подпадают под рубрику американизма. В этикетку спичек „Слава Англии“ или в кубинский флаг вторгаются звезды и полосы, рядом с английским „Юнион Джеком“ стоят две бутылки пепси-колы.

Приветствуется ли этот американизм, осуждается или просто принимается как данность, неясно, как неясно и значение космических сюжетов, появляющихся у Бошьера. По-видимому, он не склонен прославлять современную технику. Возможно, речь даже не идет о космическом соперничестве: космонавты явно важны, но и другие герои приобретают в космосе Бошьера не меньшее значение».

Если Уорхол с воодушевлением изображал самые популярные американские товары вроде супа Campbell, то европейские художники — Дихганс, Эрро, Бошьер и другие — относились к обществу потребления гораздо более критично. Промежуточное положение между двумя этими позициями занимает имеющий ныне культовый статус «Магазин» Класа Олденбурга.

Как в настоящем магазине

Клас Олденбург. Магазин: витрина с пирожными. 1962 год © Claes Oldenburg / MoMA; The Sidney and Harriet Janis Collection

Олденбург открыл свой «Магазин» 1 декабря 1961 года в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка. Описывая основные характеристики этого проекта в тексте, который читается и как художественный манифест, и как обычная программа действий, он писал:

«„Магазин“, или „Мой магазин“, или Ray-Gun Mfg. Co., находящийся в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка, имеет 80 футов в высоту и около 10 футов в ширину. В переднем помещении я планирую создать обстановку типичного магазина, нарисовав и разместив (развесив, поставив, положив) там предметы, имеющие форму и вид популярных товаров, как это делается в настоящих магазинах, в их оконных витри­нах и рекламах на близлежащей территории».

Вскоре «Магазин» стал центром деятельности Олденбурга: он работал не толь­ко как пункт продажи предметов, созданных художником, но и как мастерская, где производились эти «как бы товары». Блюда с едой, торты, предметы одеж­ды… — при всем своем разнообразии все они размывали границу между банальными повседневными вещами и ценными произве­дениями искусства. В «тортах» и других работах Олденбурга чувствуется рука скульптора и живо­писца, не позволяющая усомниться в их художественном статусе: сделанный из пропитанного гипсом холста, каждый предмет после просушки раскраши­вался в раскованной манере, не лишенной сходства как с любительскими натюрмортами, так и с жестуальной эстетикой абстрактного экспрессионизма.

Олденбург подчеркивал антимузейный, а значит, хотя прямо он об этом и не говорил, подрывной характер «Магазина», который в конечном счете лишь инсценировал магазинную торговлю, а на самом деле обнажал истинную суть музея. Там можно было что-то купить, но цены были абсурдными. Хлеб, ветчина, сласти и другие «продукты» стоили намного дороже их реальных аналогов и тем самым позволяли наивным покупателям почувствовать, что они приобретают произведения искусства. Имитируя общераспространенную еду, Олденбург, таким образом, направлял критику в направлении, противопо­лож­ном тому, которому следовал Эрро, рисуя пестрые горы продуктов, — не на об­щество потребления, а на систему искусства. Но обоим художникам еда служи­ла способом выявления и подрыва потребительских привычек.

Торт, торт, торт

Уэйн Тибо. Торты. 1963 год © Wayne Thiebaud / National Gallery of Art

Калифорнийский живописец Уэйн Тибо, тоже любивший изображать пищевые продукты, смотрел на них — например, в картине «Торты» (1963) — глазами счастливого потребителя. Простые по композиции и обыденные по сюжету, его натюрморты представляют товары во всей их соблазнительной красоте. В отли­чие от грубых изделий Олденбурга, торты Тибо желанны. Их яркие пастозные краски не менее аппетитны для глаз зрителя, чем воздушное тесто и густой крем реальных кондитерских изделий. Говоря о своем увлечении темой еды, Тибо признавался:

«У еды есть один аспект, который мне особенно интересен. Еда — это своего рода ритуальное подношение в том смысле, что ее готовят так, как будто бы речь идет о чем-то большем, чем просто еда: украшают ее, пытаются придать ей необычный вид. В этом есть связь с нашим жела­нием получить больше, чем у нас есть. Или узнать больше, чем мы зна­ем».

Внимание к ритуальному значению, которое придается еде, позво­лило Тибо проницательно взглянуть на потребление и на стратегии соблазна, используе­мые для продвижения продукции коммерческими дизайнерами. Он сам, поддаваясь этому соблазну, восхищался «велико­лепными, прекрасными, как игрушки» тортами, по-детски радовался краскам и формам продуктов, являя собой образ типичного американца. Помимо тортов, он посвятил множество картин хот-догам, сэндвичам и мороженому. Его картины 1960–1962 годов достаточно полно зафик­сировали тогдашний ассортимент общественного питания США. В 1961 году Тибо привез несколько своих работ в Нью-Йорк, а год спустя пред­ставил их на обозрение публики. Красота живописи не поме­шала искушенным зрителям усмотреть в них социальный критицизм, и Тибо вскоре был признан основателем «школы тортов» и одним из ведущих представителей поп-арта.

Жизнь с поп-культурой

1 / 2

На выставке Герхарда Рихтера и Конрада Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма». 1963 годeiskellerberg.tv

2 / 2

К. П. Бремер. «Девушка 25. Чувство между пальцами…». 1968 год© K. P. Brehmer / Walker Art Center

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. <…> Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвер­дить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капита­листического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олден­бурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебель­ному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталисти­ческого реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики.

Куратор и дилер Рене Блок, взявшийся за продвижение нового направления, в 1964 году открыл в Западном Берлине свою галерею и наряду с проведением выставок начал выпуск эстампов представляемых им художников. Один из них, дипломированный гравер и графический дизайнер К.  П. Бремер, направил свой опыт на сатирическое обыгрывание стратегий рекламы, примером которого служит его работа «Девушка 25. Чувство между пальцами…», включенная в изданное галереей Рене Блока портфолио «Графика капиталистического реализма» (1968). В верхней части листа девушка в чувственной позе курит сигару, имеющую откровенно фаллический подтекст, а внизу к бумаге прикле­ены четыре пакетика с семенами цветов и овощей. Неестественные цвета, в которые окрашена фотография девушки, обращают внимание на то, насколь­ко обманчив привлекательный вид лука, моркови, огурцов и хризантем, изображенных на пакетиках: они слишком яркие, чтобы быть реальными, и их истинная функция — обещание чудес на домашней грядке. Как и многие другие представители поп-арта, Бремер указал на стремительно растущую власть рекламы — одну из определяющих тенденций 1960-х годов.

Культ чистоты

Томас Байрле. Аякс. 1966 год © Thomas Bayrle / Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main

Еще один немецкий художник — Томас Байрле, не связанный с движением капиталистического реализма — в 1966 году создал конструкцию под назва­нием «Аякс», тоже вступившую в критически ориентированный диалог с рек­ламой. Отсылающая к упаковке одноименного чистящего порошка, эта работа саркастически отразила двойственную одержимость чистотой, которая охва­тила послевоенную Германию: культ чистого дома совпал со стремлением очиститься от нацистского прошлого. Обе эти тенденции в нерасторжимом единстве воплощают бесчисленные хозяйки, заполняющие поверхность «Аякса» Байрле.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

АМЕРИКАНСКИЙ ПОП-АРТ | ARTотека еды

Поп-арт — это сокращение от английского словосочетания «popular art» в переводе обозначающее «популярное, общедоступное искусство». К тому же термин подкрепляется звуком «pop«, означающим в английском отрывистый хлопок, удар. То есть, определение «pop-art» дополнительно воспринимается как искусство, производящее шокирующий эффект.

Не смотря на то, что этот стиль зародился в Лондоне, в итоге поп-арт оказался одним из символов Америки. В общепринятом понимании, так же как Элвис Пресли считается королем рок-н-ролла,  культовой персоной в истории движения поп-арта признан американский авангардист Энди Уорхол (1928-1987).

Именно он в начале семидесятых превратил банку томатного супа «Кэмпбелл» в арт-объект, выставив в художественной галерее десятки однотипных картин с ее изображением,  тем самым сравнив продажу произведений искусства с продажей продуктов.

Этот метод «поточного искусства»  Уорхол опробовал несколькими годами раньше, когда нанимал мальчишек, чтобы те раскрашивали его иллюстрации к сумасбродным рецептам его же пародийной поваренной книги под названием «Wild Raspberries» (Дикая малина).

И все-таки международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг (1925-2008), Рой Лихтенштейн (1923-1997) и Джаспер Джонс (1930). Это их идеи оказали непосредственное влияние на творчество Уорхола. Это Джонс был первооткрывателем идеи «тиража предметов», которую Уорхол позже довел до крайности, наталкивающей то ли на мысль о бесконечных рядах продуктов на полке супермаркета, то ли на движение кинокадров. Но даже удваивая образы, Джаспер Джонс совмещал в работах эмоциональность с концептуальными идеями поп-арта. К примеру, его пивные банки «Ballantine Ale» (1960), исполненные в бронзе и установленные на мраморное основание, до сих пор выглядят ироничным монументом самого массового американского товара.

Занятной деталью является и то, что знаменитое произведение было создано им в ответ на едкое замечание противника поп-арта,  одного из лидеров абстрактного экспрессионизма  Виллема де Кунинга, о способности галериста Лео Кастелли купить что угодно, даже пивные банки, если их обзовут искусством.

Естественно, еда и все, что с ней связано, попадала в область самого массового потребления. Особенно товары, которые реклама сделала культовыми. Продуктовая сеть с золотыми арками на фасаде не могла не стать целью поп-арт художников. Сегодняшний классик поп-арта Клаас Ольденбург еще на выставке 1962-го года представил зрителям образ популярного американского продукта Макдоналдса,  оформленного в виде композиции  «Гигантский гамбургер».

  

Гипертрофированные размеры придавали его образу своеобразный символизм и пародийное величие. В дополнение, материалом для работы была парусина, наполненная пенным составом.

Товарный фетишизм и идеология равных возможностей в США приводили к массовому поклонению брендам некоторых продуктов. Газировку «Кока-кола» реклама превратила в тотем демократии, якобы потому что «ее могут пить и президент в Белом доме, и бомж на улице». Но если роман английского писателя-фантаста Герберта Уэллса, издевательски названный «Тоно-Бэнге», представлял собой сатиру на агрессивную рекламу и распространение «Кока-Колы»,  то Мел Рамос, один из основателей поп-арта, заработал славу на полу-рекламных постерах в виде пикантных картин с изображением обнаженных девушек, рекламирующих этот и  другие продуктовые бренды 50-х.

  

Поп-арт научился превращать предметы в искусство. Но это были уже предметы не опоэтизированные художественным видением, а предметы нарочито бытовые, связанные с современной индустриальной культурой.

«…на мой взгляд, картина больше похожа на реальный мир, когда она сделана из объектов этого мира»

-утверждал один из основателей современного поп-арта Роберт Раушенберг.

Используя технику «ready-made», унаследованную от  теоретика искусства XX века Марселя Дюшана, и применяя приемы коллажа, поп-арт художники вводили в картину цитаты быта — элементы «массовой культуры», тем самым соединяя  живопись с реальностью.

В 60-х в этом жанре начал работать и американский художник Том Вессельман, который в начале своей карьеры промышлял иллюстрациями и карикатурами. В арт-работах он сочетал плоскостное изображение с реальными атрибутами домашнего быта.

В интерьере нарисованной им кухни, совсем как волшебная дверца в каморке папы Карло, теряется из виду инсталлированная дверца от настоящего холодильника. Зато десерты и коктейли на картине «Великолепная американская обнаженная» поставлены художником во главу композиции как выдающийся артефакт потребительского рая. Если Вессельман монтировал «сладости жизни», используя технику коллажа, то красочное изображение ярких тортов и пирожных, конфет и десертов признано фирменным стилем картин художника Уэйна Тибо. 

«Торты» (1963), Уэйн Тибо

 

«Бостонские пирожные» (1962), Уэйн Тибо

 

(Для тех, кому картины Тибо кажутся чересчур «детскими»,  сообщим, что на аукционе Sotheby’s его картины продавались за несколько миллионов  долларов).

Не менее высокую цену готовы заплатить коллекционеры поп-арта и за кусок вишневого пирога, который «испек»  в печке собственного «производства» один из старейшин поп-артовского движения  Рой Лихтенштейн.

  

Как бы не относились критики или зрители к поп-арту, но он стал одним из господствующих направлений современного модернистского искусства. Идеалистические обвинения в лже-новаторстве и упадочничестве, предъявляемые поп-арту некоторыми искусствоведами, не повлияло на его развитие. Правда, если натурализм поп-арта начала ХХ века проявлялся в стремлении воспроизвести, «отзеркалить» реальную жизнь, то пройдя путь «от изображения к реальности», современный модернизм  приобретает все более рациональные, потребительские формы от боди-арта до рекламных распродаж. Сфера действия «товарной эстетики» все больше смещается в сферу реализации товара и сферу развлечений. Недаром Рэй Крок, человек, который придумал McDonald’s в том виде, в котором он существует сейчас, любил повторять, что он работает не в пищепроме, а в шоу-бизнесе.

При таком взаимопроникновении, творчество многих ярких представителей поп-арта было и будет связано с продуктовой темой. Именно их деятельность мы постараемся более подробно отразить в отдельных статьях.

 

Еще вам могут понравиться статьи

%d0%b5%d0%b4%d0%b0 %d0%b0%d1%80%d1%82 PNG, векторы, PSD и пнг для бесплатной загрузки

Мемфис дизайн геометрические фигуры узоры мода 80 90 х годов

4167*4167

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

Мемфис шаблон 80 х 90 х годов стилей фона векторные иллюстрации

4167*4167

Мемфис бесшовные модели 80 х 90 х стилей

4167*4167

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

аудиокассета изолированные вектор старая музыка ретро плеер ретро музыка аудиокассета 80 х пустой микс

5000*5000

милая ретро девушка 80 х 90 х годов

800*800

80 летний юбилей дизайн шаблона векторные иллюстрации

4083*4083

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

поп арт 80 х патч стикер

2292*2293

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

поп арт 80 х патч стикер

2292*2293

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

80 основных форм силуэта

5000*5000

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

рисованной радио 80 х

1200*1200

Элементы рок н ролла 80 х

1200*1200

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

поп арт 80 х патч стикер

2292*2293

поп арт 80 х патч стикер

2292*2293

80 е брызги краски дизайн текста

1200*1200

диско дизайн в стиле ретро 80 х неон

5556*5556

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

Ретро стиль 80 х годов вечеринка арт дизайн

1200*1200

Дизайн персонажей моды 80 х годов может быть коммерческими элементами

2000*2000

Мода стерео ретро эффект 80 х годов тема искусства слово

1200*1200

поп арт 80 х патч стикер

2292*2293

скидки до 80 векторный дизайн шаблона иллюстрация

4083*4083

80 х годов ретро слово градиент цвета искусства

1200*1200

Ретро мода 80 х градиент цвета художественного слова

1200*1200

мемфис бесшовной схеме 80s 90 все стили

4167*4167

Рождество 80 х годов ретро пиксель

9449*5315

Ретро ТВ игра 80 х годов в стиле арт дизайн

1200*1200

скейтборд в неоновых цветах 80 х

1200*1200

поп арт 80 х патч стикер

3508*2480

ТВ игра 80 х неоновый эффект слово дизайн

1200*1200

ретро стиль 80 х годов диско дизайн неон плакат

5556*5556

в эти выходные только мега продажи баннер скидки до 80 с

10418*10418

Тенденция персонажа мультфильма 80 х годов

2000*2000

Ретро вечеринка 80 х годов цвет градиент искусства слово

1200*1200

80 е в стиле ретро ​​мода цвет градиент арт дизайн

1200*1200

Модный стиль ретро 80 х годов дискотека тема искусства слово

1200*1200

ретро 80 х годов стиль текста эффект макет

3000*3000

Ретро стиль 80 х вечеринка тема слово дизайн

1200*1200

мемфис образца 80 s 90 стилейвектор иллюстрация

4167*4167

мемфис бесшовной схеме 80s 90 все стили

4167*4167

мега распродажа 80

1200*1200

Картины в стиле поп-арт: принципы стиля, тематика картин

В каталоге живописи Русской антикварной галереи можно купить поп – арт портрет. Это направление в искусстве и дизайне появилось в Англии в 60-е годы прошлого века и очень скоро стало популярным в США, других странах мира. Основоположником и активным популяризатором поп — арт стиля является художник Энди Уорхол.

Арт стиль гармонично вписался в так называемую «культуру потребления». Этот термин возник в США и характеризовал массовую культуру того времени. Критики неоднозначно отнеслись к появлению нового направления в искусстве. Противники поп — арта сравнивали его с фастфудом, подчеркивая стремление авторов сделать ставку на образы массовой культуры. Но, как показало время, именно это помогло pop-art завоевать расположение целевой аудитории. Среди поклонников стиля — люди разных возрастов и социальных групп. Достаточно купить картинки поп — арт, чтобы проникнуться особой эстетикой этого незаурядного направления!

Основные принципы стиля

Поп — арт был создан в противовес классическим направлениям в искусстве и абстракционизму. Принято считать, что академическое искусство, в отличие от массовой культуры, — это нечто возвышенное, сложное для понимания, далекое от обычной жизни. Недосягаемость придавала ему налет элитарности, доступной не всем.

Сторонники нового стиля, который в переводе означает «естественное искусство», взяли за основу обычные бытовые предметы. В противовес консервативной классике и абстрактной живописи эти вещи были простыми и понятными каждому человеку. Можно ли возвести в ранг произведения искусства баночку «Кока-колы», гамбургер, банан, писсуар или велосипедное колесо? В классической живописи, которая является частью «высокой» культуры, это вряд ли возможно. Но для бунтарского духа pop-art, бросающего вызов шаблонам, не существует никаких запретов! Любой предмет окружающего нас мира достоин стать объектом внимания художника и быть запечатленным в живописной выразительной манере!

Стремление купить поп — арт портрет обусловлено его особой экспрессией и удивительным колоритом. Художники, работающие в данном стиле, используют яркие, практически кислотные оттенки. Для рисунков характерно обилие деталей и интересных мелочей. Мастер изменяет масштабы и пропорции предметов, использует дублирование, создает необычные коллажи.

Многие специалисты проводят параллель между pop-art и дадаизмом. Арт стиль появился в 20 годы прошлого века во Франции. Новое течение отрицало ценности традиционного искусства и высмеивало его серьезность. Эта черта присуща и поп — арту, который стирает границы между «высокой» и «низкой» культурой, приближает искусство к реальной жизни.

Тематика композиций

К

Как уже было сказано, сторонники поп — арт не приемлют никаких запретов в выборе художественного объекта. Вы можете купить картины поп — арт портрет, с изображением еды и напитков, цветов, животных, техники, персонажей фильмов, комиксов и анимации.

Среди самых известных полотен в стиле pop-art – знаменитый «Диптих Мэрилин» художника Энди Уорхола. Работа посвящена знаменитой актрисе Мэрилин Монро. Рисунок выполнен на холсте и состоит из 50 одинаковых изображений портрета актрисы. В качестве образца художник использовал рекламное фото знаменитой блондинки. Половина изображений ярко окрашена, а вторая половина выполнена в черно-белом цвете и размыта. По мнение автора, такой подход отображает неоднозначный жизненный путь актрисы, которая переживала многочисленные взлеты и падения.

Желающим купить картинки поп — арт сложно обойти вниманием знаменитые «Сто банок с супом «Кэмпбелл». Это полотно Энди Уорхола является иконой стиля. В качестве художественного объекта автор выбрал популярный среди потребителей товар, который легко узнаваем и понятен.

Другом и соратником Энди Уорхола был нью-йоркский художник Рой Лихтенштейн. Он творил в стиле поп-арт и является автором картин «Электрический шнур», «Торпеда… Огонь!», «Спящая девушка». Эти полотна в разное время были проданы на аукционах «Кристис» и «Сотбис» за десятки миллионов долларов. В последний раз картина Лихтенштейна под названием «Медсестра» выставлялась на аукционе в 2015 году. Работа была продана более чем за 95 миллионов долларов.

Кроме Уорхола, известным представителем pop-art является Дэвид Хокни. Он известен своей работой под названием «Большой всплеск». На полотне площадью более шести квадратных метров изображен всплеск воды в бассейне. Прототипом для картины стала фотография, которую художник увидел в рекламном буклете. По словам автора, ему захотелось запечатлеть на холсте событие, которое длится всего пару секунд.

Ярким представителем американского поп-арта является Джаспер Джонс. На его картинах мы видим флаги, вывески, буквы и цифры. Работы этого художника хранятся в музеях и частных коллекциях.

Картины поп-арт в интерьере

Благодаря буйству красок рисунки в стиле pop-art популярны среди молодых людей, предпочитающих строгой академичности динамику и экспрессию. Можно купить картины поп-арт для украшения интерьера жилого помещения, заведения отдыха, общественного учреждения с непринужденной атмосферой. Такие полотна становятся ярким акцентом, являясь воплощением эстетики гламурного декорирования. Рисунки гармонично сочетаются с необычной авторской мебелью и предметами декора. Кислотные и неоновые оттенки добавят яркости любой обстановке!

Купить картины поп-арт мы рекомендуем тем, кто ищет необычный запоминающийся подарок. Тематика рисунка может быть абсолютно любой! В каталоге каждый найдет то изображение, которое перекликается с интересами и увлечениями получателя презента. На сайте Русской антикварной галереи представлены десятки полотен современных художников, работающих в стиле pop-art.

Купить картину в стиле поп-арт

Ткань Хот дог поп арт

Ткань Хот дог поп арт — закажи на #MarketShmarket.com любая ткань с любым принтом

Код купона на скидку 10%: WWW
Действует до 24.08.2020 включительно
Укажите адрес электронной почты и мы отправим купон на скидку, чтобы он не потерялся.

Спасибо, не надо.

option-select

Закажите любой принт на любом из 43 вариантов тканей 🔥
Цифровая печать по ткани от 1 метра

атлас-стрейч батист (100% хлопок) бифлекс матовый 220-230гр бифлекс матовый 260гр блэкаут вафельное полотно (хлопок) габардин деним (джинса) джерси милано интерлок (100% хлопок) искусственный шелк капитоний (хлопок с утеплителем) кашкорсе костюмно-плательная стрейч креп-шифон стрейч кулирка (хлопок с лайкрой) кулирка спорт (пэ с лайкрой) курточная лен умягчённый мега-муслин мембрана на флисе мембранная муслин в клеточку оксфорд 600D очень плотный хлопок пальтовая плательно-блузочная стрейч плюш минки рибана (хлопок с лайкрой) рибана спорт сатин (хлопок, 160см) сетка стрейч супер-хлопок термо-бифлекс фланель флис антипиллинг футер 2-нитка начёс (100 % хлопок) футер 2-нитка петля (хлопок с лайкрой) футер 2-нитка петля спорт футер 3-нитка начес (80% хлопок) футер 3-нитка петля (80% хлопок) хлопколён шитьё (хлопок с вышивкой) шифон

Тэги: летний , еда , забавный , геометричный , коралловый , хот дог , поп арт , предметы , рука , американская еда , фаст фуд

Обратный звонок

Наверх

Включите в вашем браузере JavaScript!

×

ИКОНОГРАФИЯ ПРОДУКТОВ ПОТРЕБЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ ПОП-АРТА: ОТ ЭНДИ УОРХОЛЛА ДО ДЖЕРЕМИ СКОТТА | Опубликовать статью ВАК, elibrary (НЭБ)

Сысоев С. В.

ORCID: 0000-0003-1505-2076, заведующий кафедрой дизайна костюма, Институт Бизнеса и Дизайна

ИКОНОГРАФИЯ ПРОДУКТОВ ПОТРЕБЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ ПОП-АРТА: ОТ ЭНДИ УОРХОЛЛА ДО ДЖЕРЕМИ СКОТТА

Аннотация

Поп-арт как одно из ярчайших направлений современного изобразительного искусства сегодня является одной из самых обсуждаемых тем как в среде исследователей, так и в среде потребителей искусства. В данной статье выявлена связь между творческими принципами поп-арта 60-х годов и его динамикой начала ХХI века. Задача исследования – проследить влияние творчества культовой личности поп-арта Энди Уорхола (Andy Warhol) на творчество современного художника в области создания одежды Джереми Скотта (Jeremy Scott). На основе сравнительного анализа выявлены особенности стиля в творчестве двух художников, сформировавшиеся под воздействием влияния потребительской культуры. Эстетическая значимость произведений поп-арта и возросшая популярность стиля обнажает потребность более детального исследования этого направления в современном искусстве, и особенно, в искусстве создания одежды. Исследование наводит зум только на одно направление поп-арта, а именно на иконографию «съестных» продуктов потребления. Целью исследования является изучение смысловой нагрузки иконографии и ее изобразительных особенностей в искусстве поп-арта 60-х годов, а также в новейшей истории развития стиля.

Ключевые слова: поп-арт, современное искусство, Энди Уорхол, Джереми Скотт.

Sysoev S. V.

ORCID: 0000-0003-1505-2076, head of the Costume Design Department, Institute of Business and Design

ICONOGRAPHY OF CONSUMER PRODUCTS IN POP-ART: FROM ANDY WARHOL TO JEREMY SCOTT

Abstract

Pop art is one of the most discussed topics both among researchers and among consumers of art being one of the brightest trends in contemporary fine art. This article discusses the connection between the creative principles of pop art of the 60s and its dynamics at the beginning of the 21^st century. The task of the research is to trace the influence of creativity of the cult personality of pop art, Andy Warhol, on the work of contemporary artist in the field of clothes creation, Jeremy Scott. We revealed the peculiarities of style in the work of two artists formed under the influence of consumer culture on the basis of comparative analysis. The aesthetic significance of the works of pop art and the increased popularity of style exposes the need for more detailed research of this trend in contemporary art and in the art of making clothes, in particular. The study brings to mind only one direction of pop art, namely the iconography of “edible” consumer products. The purpose of the study is to look into the semantic meaning of iconography and its graphic features in pop art of the 60s, as well as in the newest history of style development.

Keywords: Pop Art, Contemporary Art, Andy Warhol, Jeremy Scott.

Сегодня, как и 70 лет назад, поп-арт является одним из наиболее ярких направлений массового искусства, затрагивающим общедоступные художественные образы и идеи. Он ворвался в разрозненный мир классического элитарного искусства модерна и его устойчивых традиций, изображая всем знакомые предметы и образы в новой яркой разноцветной стилистике, преследуя эпатажную задачу вернуть искусство «обычному человеку». До этого в искусстве преобладал декоративный и изысканный символизм модерна. Но новая экономика – «экономика изобилия» – стала почвой для взращивания культуры поп-арта, культивирующей продукты массового потребления. Девиз культуры потребления «Я потребляю, следовательно, я существую» [1, C. 154] прочувствовал стоящий у истоков поп-арта французский художник Марсель Дюшан (Marcel Duchamp), переселившийся в силу обстоятельств на Американскую землю.

В Америке середины 50-х продукты массового потребления были больше, чем продукты. Они являлись демонстрацией силы национальной экономики и социальной справедливости, способом справедливого уравнивания социальных слоев населения сфокусированного на теме потребления. Марсель Дюшан уловил основную предпосылку для появления нового дыхания в искусстве: «Искусство – все, на что указывает художник» [2]. В искусстве действует основной принцип отстранения: любая вещь, перемещенная из функциональной среды в музейную экспозицию, перестает быть предметом и становится артефактом. Эстетические идеалы поп-арта были заимствованы из массовой культуры – это были культовые личности, нарисованные персонажи, девизы и слоганы. Но самым массовым образом поп-арта была и остается еда. Трудно представить себе что-то более массовое в эпоху 60-х ХХ столетия.

В 1960 году Энди Уорхол – важнейшая персона в истории коммерческого поп-арт движения и современного искусства в целом – разработал дизайн для банок Coca-cola. (Рис.1) Это принесло ему широкую известность. В период с 1960-1962 он создал цикл картин с изображением банок супа Campbell’s.   В 1962 году он создал картины с бутылками Coca-cola в ярких тонах. (Рис.2)

Рис. 1 – Энди Уорхол «Coca-Cola», 1960

Рис. 2 – Энди Уорхол «Coca-Cola», 1960

 

Большую роль для развития и продвижения поп-арта стал метод трафаретной печати и шелкографии для массового репродуцирования и тиражирования художественных произведений. Позже многократное повторение объектов, выполненное в подобной стилистике стало типичным не только для художественного почерка Энди Уорхола, но и стало ассоциироваться со всем поп-артом.  (Рис.3) Произведения искусства, печатающиеся со скоростью 80 отпечатков в день (несколько тысяч в год), безусловно, сделали изображения продуктов в стиле поп-арт языком массовой коммуникации.

Рис. 3 – 32 холста «Банки супа Campbell’s», Энди Уорхол, 1962. Музей современного искусства, Нью-Йорк

 

Суп Campbell’s, Coca-cola становятся объектами нового искусства, отражая основные тенденции американского социума 60-х годов прошлого века: искусственность, прагматизм, утилитарность и независимость от банковского счета нового общества. Еда и раньше была объектом изображения для художников. В частности, голландцы в XVII веке изображали натюрморты, отражая повседневную жизнь бюргеров и тщательно фиксируя их предметный мир. Импрессионисты стремились передать через натюрморты свои свежие впечатления. Но поп-арт приносит в искусство продукты потребления не в сыром виде, как это было ранее, но в готовом.

Но если предыдущие стили искусства с визуализацией еды работали на подчеркивание социальной разницы общества, разделяя потребителей на классы, то поп-арт начинает движение в сторону потребительского равенства. Энди Уорхол констатировал: «Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что Президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай – ты тоже можешь пить кока-колу. Кока-кола есть кока-кола, и ни за какие деньги ты не купишь кока-колы лучше, чем та, что пьет бродяга на углу» [3]. Многократно повторенная во всей своей натуральной достоверности, консервная банка с супом создала новую философию надежды для любого амбициозного потребителя: каждый употребляющий суп из банок мог идентифицировать себя с президентом или звездой. Консьюмеризм становился национальной идеей, а поп-арт – тем стилем искусства, который обслуживает эту идею. Увидеть эстетическую ценность обыденного предмета и привлечь к ней общественное внимание – вот художественная задача поп-арта как стиля (рис.4).

Рис.4 – Мини-платье «Souper dress», 1966 г.

 

Сам термин – поп-арт – вырос из названия коллажа Эдуардо Паолоцци (Eduardo Luigi Paolozzi), который вошел в искусствоведческий лексикон благодаря английскому критику Лоуренсу Эллоуэйему (Lawrence Alloway), тому самому, что впоследствии покровительствовал музею Гуггенхейма в Нью-Йорке. Изначально термин характеризовал продукты средства массовой информации, а не произведения искусства. Но постепенно он стал употребляться в общем контексте с терминами «поп-музыка» или «поп-культура». Порожденной долгим господством абстракционизма и неоабстракционизма в западном искусстве, поп-арт возник как реакция на беспредметное искусство и стихийно и массово стал удовлетворять тоску потребителя «по предметности»: «в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства» [4, C. 366].

Современный Энди Уорхолл в искусстве создания одежды Джереми Скотт (Jeremy Scott) всегда демонстрировал свое пристрастие к поп-арту. Его эстетическая позиция сформулирована в интервью: «Мы живем в поп-мире, а я в нем поп-дизайнер,  так же,  как мой кумир Энди Уорхол был поп-артистом. Это правила игры, и они меня устраивают» [5].

Одна из ранних коллекций бренда Jeremy Scott осень-зима 2006/07 вышла под названием «Fast Food» «Фастфуд», отражала потребительское настроение первого десятилетия двухтысячных и вся была посвящена готовым продуктам потребления: платья имитировали форму мороженого, торта, принты напоминали обертку шоколадного батончика Snickers, на юбках и джемперах были узоры в виде чизбургера (рис.5).

Рис.5 – Jeremy Scott «Fastfood» осень-зима 2006/07

 

Спустя семь лет, дизайнер отточил собственное гротескное восприятие современного мира и снова вернулся к теме фаст-фуда в искусстве, но уже в дебютной коллекции для Moschino в год тридцатилетия бренда, известного своим глубоким ироничным отношением к современному миру потребления. В портфолио бренда тема быстрых продуктов ранее уже затрагивалась, но в аксессуарах: колье в виде круассана, серьги в форме макарон.

Коллекция Moschino осень-зима 2014/15 играет на поле потребителя junk food. Выполненные с элементами деконструктивизма, платья будто сделаны из оберток шоколада, супов, печенья, чипсов, поп-корна и даже меню стали манифестом новейшего поп-арта (рис.6).

Рис.6 – Jeremy Scott для Moschino осень-зима 2014/15

 

Если поп-арт 50-60-х XX века отражал психологию и философию «общества потребления», фокусируя взгляд на массовой культуре, то новейший поп-арт превращает продукт массовой культуры в элитарный объект искусства. Сам Энди Уорхол создал платье The Souper Dress, представив его на аукционе лондонского салона The Grosvenor House Art and Antiques Fair. Но Джереми Скотт развил идею Энди Уорхола, использовав основную идею жанра – эклектику. С легкостью Энди Уорхола, превратившего банку супа или бутылку напитка в объект искусства, Джереми Скотт превращает обертки от продуктов массового потребления в вечернюю одежду. Но теперь одежда, вдохновленная недорогой и быстрой едой,  получает совсем недемократичный ценник. А общество, привыкшее к снекам по демократичным ценам, получает очередную пощечину от поп-арта: демократичная идея искусства поп-арта становится элитарной из-за стоимости изделий. И шокирующие смелые прямые цитаты современного объекта искусства – формы сотрудников Макдональдса, балансирующие на грани искусства и пародии, заставляют современных критиков искусства снова «поперхнуться», подвергнув критике новый поп-арт захвативший территорию искусства одежды.

В принципе, поп-арт всегда подвергался критике. За что его только не обвиняли?  За временность и однодневность, за банальность и безвкусицу, за слишком коммерческую составляющую, за рекламность и пропаганду, даже за отсутствие «ценности произведения в век его технической воспроизводимости». Его даже называли «антиискусством» с подачи К. Гринберга (Clement Greenberg) [6, C. 43].

Однако, пока критики пренебрежительно аргументировали свою позицию, влиятельные коллекционеры покупали произведения поп-арта, стремясь скорее выставить их в музеях перед ошеломленной публикой, до того, пока необычные эпатажные работы разойдутся по художественным галереям всей страны.

За десять лет существования,  к 1966 году поп-арт перерос пространства крохотных выставок в художественных вузах и небольших частных галереях и вышел на просторы мирового современного искусства. Р. Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg) – выдающийся представитель поп-арта получил на Венецианском фестивале в 1964 г. Гран-При. В 1968 г. выставка под названием Documenta 4 в Касселе по популярности превзошла все венецианские проекты и стала престижным форумом современного искусства, подарив художественное признание и авторам, и их творениям.

В условиях постмодернистского общества, когда деструкция охватывает все аспекты культуры, человек под давлением мира становится постчеловеком,  а поп-арт становится стилем-победителем в условиях нового витка экономики потребления. Свобода от всех канонов демонстрирует новую философию – вечерние платья, выполненные в технике ручной наколки на манекене, имитирующие обертки от шоколадок, попкорна и чипсов становятся новым объектом искусства, за которым выстраивается очередь, как за самими источниками вдохновения в супермаркете. Современное общество потребления готово эстетизировать продукты питания с помощью новых форм. Потому что в условиях нового мира поп-арт перестает быть только академическим стилем искусства, но становится языком массовой коммуникации. Языком ярким, стихийным, отражающим особым светом все проявления повседневной жизни, вызывающим сильную ответную реакцию аудитории, претендующей на собственное место в системе современного искусства. И это невозможно игнорировать.

Список литературы / References

1. Геташвили Н. В. Англия. Новые идеи. Поп-арт. Современная Европа, 2007. – №2. – С. 138-146.
2. Пронин В. Энди Уорхол: поп-арт и реклама / В.Пронин // Высшее образование в России. – – С. 158-162.
3. Уорхол Э. Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот) // Изд-во Ад Маргинем, 2016. – 268 с.
4. Борев Ю. Б. Эстетика. – М.: Издательство политической литературы, 1981. – 400 с.
5. Сидельникова М. Высокий блондин и желтые ботинки [Электронный ресурс] / URL: www. vogue.ru/magazine/articles/Vysokiy_blondin_i_zheltye_botinki (дата обращения – 25.09.2017):
6. Клаус Х. Поп-арт. – М.: Арт-Родник, 2005. – 172 с.
7. Турчин В. С. Образ двадцатого. – М.: Прогресс, 2003. – 648 с.
8. Альманах ДАДА // Пер. с нем. и франц., под ред. М. А. Изюмской. – М.: Гилея, 2000. – 208 с.
9. Каррьеро К. Потребление и поп-арт. – М.: Искусство XXI век, 2010. – 320 с.
10. Морозова М. А. Влияние художественного поп-арта на дизайн-проектирование второй половины XX века // Известия РГПУ им. А. И. Герцена. – 2008. – №67. – С. 177-184.
11. Бычков В. В. Лексикон нонклассики. Художественно-эстетическая культура XX века. – М.: РОССМЭН, 2003. – 607 с.
12. Бодрийяр Ж. Общество потребления. Его мифы и структуры // пер. с фр., послесл. и примеч. Е. А. Самарской. – М. : Республика, 2006. – 269 с.
13. Юн Н. Е.. Популярное искусство, как направление в современном мире / Юн Н. Е., Баклыская Л. Е. // Новые идеи нового века, 2014. – №13. – С. 212-213.
14. Кейдж Д. Композиция как процесс. – М. : Арт-эксперимент, 2015. – 8 с.

Список литературы на английском / References in English

1. Getashvili N. V. Angliya. Novye idei. Pop-art. [New ideas. Pop Art. Modern Europe] Sovremennaya Evropa, 2007. – No.2. – P. 138-146. [in Russian]
2. Pronin V. Endi Uorhol: pop-art i reklama. [Andy Warhol: Pop Art and Advertising] Vysshee obrazovanie v Rossii 2007. – P. 158-162. [in Russian]
3. Warhol Filosofiya Endi Uorhola (Ot A k B i naoborot) [Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Vice Versa)] // Publishing House Ad Marginem, 2016. – 268 p. [in Russian]
4. Borev Yu. B. Estetika. [Aesthetics] – M.: Publishing House of Political Literature, 1981. – 400 p. [in Russian]
5. Sidelnikova M. Vysokii blondin i zheltye botinki. [A Tall Blond and Yellow Shoes.] [Electronic resource] // URL: vogue.ru/magazine/articles/Vysokiy_blondin_i_zheltye_botinki (access date – 09/25/2017) [in Russian]
6. Klaus Kh. Pop-art. [ Pop Art.] – M.: Art-Rodnik, 2005. – 172 p. [in Russian]
7. Turchin V. S. Obraz dvadtsatogo. [Image of the Twentieth] – M.: Progress, 2003. – 648 p.
8. Almanakh DADA [DADA Almanac] // Trans. from German and French edited by M. A. Izyumskaya. – M.: Gilea, 2000. – 208 p. [in Russian]
9. Karriero K. Potreblenie i pop-art. [Consumption and Pop Art] – M.: Art of the XXI century, 2010. – 320 p. [in Russian]
10. Morozova M. A. Vliyanie khudozhestvennogo pop-arta na dizain-proektirovanie vtoroi poloviny XX veka [Influence of Art Pop Art on Design of the Second Half of the XX Century] // News of the RSPU named after A.I. Herzen, 2008. – №. 67. – P. 177-184. [in Russian]
11. Bychkov V. V. Leksikon nonklassiki. Khudozhestvenno-esteticheskaya kultura XX veka. [Lexicon of Non-Classics. Artistic and Aesthetic Culture of the XX Century.] – M.: ROSSPEN, 2003. – 607 p. [in Russian]
12. Baudrillard J. Obshhestvo potrebleniya. Ego mify i struktury [Consumer Society. Its Myths and Structures] // Trans. from French, Afterword and Notes bz E. A. Samarskaya. – M.: Respublika, 2006. – 269 p. [in Russian]
13. Yun N. E. Populiarnoe iskusstvo, kak napravlenie v sovremennom mire [Popular Art as a Direction in Modern World] / Yun N. E., Baklyskaya L. E // New Ideas of the New Century, 2014. – No. 13. – P. 212-213. [in Russian]
14. Keidzh D. Kompozitsiya kak process. [Composition as a Process] – M. : Art Experiment, 2015. – 8 p. [in Russian]

Молодежный стиль поп-арт в дизайне

Не для кого не секрет, что большинство новых стилей в графическом дизайне черпают свои идеи из уже некогда созданных направлений искусства. Не стал исключением и молодежный, яркий, живой стиль поп-арт (pop art), который в последние годы повторно получил большую популярность.  Он смог отлично вписаться в современный мир и был задействован как в графическом дизайне, так и в дизайне интерьеров, скульптуре, фотоискусстве. В данной статье пойдет речь про зарождение и историю развития данного направления, будут указаны стилистические черты и элементы, характерные для стиля поп-арт, а также рассказано про применение данного стиля в современном дизайне.

Что такое поп-арт?

Поп-арт является художественным направлением, который использует образы материальных реалий, предметов, явлений из повседневной жизни людей, и напрямую обращен к массовой культуре. Образы, взращенные на удовольствиях человека, вырываются из привычного нам контекста и помещаются в совершенно иную, искусственную реальность, тем самым приобретая новые качества и утрачивая старые.

Художник в стиле поп-арт не был ограничен в четких правилах и нормах, он мог для своей работы использовать совершенно разные материалы, а образы, в большинстве случаев, банальные и примитивные, брались из визуальных удовольствий человека – из телевизора, журналов, рекламы и даже из комиксов. Данное направление искусства было направлено на простых людей, оно было понятным и несложным, доступным для понимания каждым человеком.

Стиль поп-арт возник в 50-х годах ХХ века как противопоставление абстрактному экспрессионизму. Данный стиль нарочито подчеркивал и выделял банальные, привычные предметы, окружающие людей, которые абстрактные экспрессионисты никак не замечали. Элитарный, «не каждому доступный» экспрессионизм и понятный для всех поп-арт – это было грандиозной точкой преломления в мире искусства, при котором прежние каноны красоты кардинально изменились. Немаловажной чертой поп-арта было наличие контрастов в одном образе и сочетание того, что казалось совершенно несочитаемым. Именно это качество сделало поп-арт очень востребованным у рекламщиков, которые успешно могли соединить красивое и невзрачное, дорогое и дешевое, солидное и непрезентабельное.

История развития поп-арта

Стиль поп-арт зародился в Англии в 1950-х годах, к началу 60-х он появился и в США. В Англии поп-арт стал противовесом абстрактной живописи, которую приверженцы поп-арта считали слишком непонятной и тяжелой для понимания людьми, однако его расцвет пришелся на США.

Основателем поп-арта принято считать «Независимую группу», образованную несколькими критиками, архитекторами и художниками в 1952 году в Лондоне. Именно в то время один из участников этой группы, талантливый скульптур и художник Эдуардо Паолоцци представил на публичную оценку свою серию работ под незамысловатым названием «Bunk!». Это была серия коллажей, составленная из совершенно несовместимых элементов – объектов рекламы, обложек журналов и предметов массового потребления. На одном из произведений было изображено облако дыма с вписанным в него словом «pop». Тогда же в статье одного из участников «Независимой группы», английского критика Лоуренса Эллоуэя, впервые появился термин «поп-арт», став названием для зародившегося нового течения изобразительного искусства. Благодаря проведению множества выставок и галерей, поп-арт получил широкое распространение по всей Европе и США.

Культ товаров, вещей и принципы равных возможностей в конце 50-х – начале 60-х годов ХХ века в США помогли бурному развитию и укреплению позиций поп-арта в американском обществе. Наиболее известными художниками, работающими в данном направлении, стали: Клаас Олденбург и его масштабные скульптуры различных предметов – пирожных, спичек, булавки, кегель и многого другого, Энди Уорхол и его знаменитый «Диптих Мэрилин», Роберт Раушенберг с прославленным сочетанием масляной краски и газетных вырезок в своих картинах, Рой Лихтенштейн и его комиксы больших размеров, Джеймс Розенквист, Том Весселман и многие другие.

В работах всех этих художников прослеживается чувство гордости за товары массового потребления, которые одновременно были не только хороши, но недороги и доступны для обычного человека.

Подчеркивалось социальное равенство – каждый человек мог сопоставить себя с любым другим потребителем. «При просмотре телевизора можно заметить рекламу кока-колы, и ты будешь уверен, что президент покупает и пьет кока-колу, звезды пьют кока-колу, ты также можешь купить и пить кока-колу… Каждая бутылка кока-колы хороша и одинакова» – повторял Энди Уорхол.

Американский или Английский поп-арт

До сегодняшнего дня ведутся активные дискуссии о том, кто является первопроходцем в поп-арте. С одной стороны, именно в Англии зародился данный стиль искусства, но, с другой стороны, именно американцы дали ему наибольшее развитие и популярность. Английский поп-арт был более сдержанным и деликатным, художники в своих произведениях выражали присущие им идеи и показывали актуальные темы той эпохи. В американском поп-арте все было более агрессивно, присутствовало много креатива, смелости и нестандартных подходов и идей. Его немаловажной особенностью был уклон в сторону рекламы и коммерческих проектов.

Несмотря на это противостояние, американский и английский поп-арт объединял общий бунтарский дух. Молодежь того времени хотела значительных перемен, изменения привычных, заложенных с рождения, принципов бытия. Они готовы были полностью забыть, ни капли не жалея, всю прошлую культуру. Именно этот бунтарский характер противостояния и лег в основы поп-арта, как в американской, так и английской среде.

Что характерно для поп-арта?

Одной из самых характерных особенностей данного стиля является использование ярких, экстремально-вызывающих, «кислотных» оттенков. Поп-арт поддерживает смелость идей: в одном произведении искусно сочетаются контрастные цвета, здесь считается нормой соседство ярких насыщенных оттенков рядом с пастельными и белыми тонами. Поп-арт не ограничивает в выборе цветовой гаммы, но, по праву, самими популярными считаются красный, желтый и ярко-синий цвета.

Еще одна немаловажная черта – использование множества одинаковых изображений в одном произведении. Изображения будто переходят из одного в другое, при этом изменяя окраску и размеры. Переход изображений может быть как плавным, так и резким, контрастирующим с предыдущим цветом. Ярким примером этих слов является широко известная работа Энди Уорхола с несравненной Мэрилин Монро.

Для поп-арта также характерно использование разнообразных принтов. Это может быть знаменитый узор из точек, аппликации, содержащие сердца, губы, фрукты, еду, бабочек и, конечно, прямые символы того времени –  кока-кола, суп Campbell, а также портреты знаменитых людей Мэрилин Монро, Элвиса Пресли и многих других.

В данном стиле считается обязательным использование нестандартных образов, основанных на комиксах, ярких наклейках, портретах людей и персонажей из мультфильмов, использование объектов рекламной продукции, вырезок из газет и журналов. Поп-арт поддерживает экспрессивное сочетание нескольких различных предметов и образов в одном полотне, количество в данном случае не ограничено.

Интересен необычный подход художников данного направления искусства к фотографиям. Как уже упоминалось выше, это может быть игра с количеством, цветом. Обычно вырезанные фото имеют черную или белую обводку, либо нечеткие оборванные края. Зачастую в одном сюжете присутствует не только фотографическое изображение, но и наложенные на него другие фото либо же нарисованные объекты, образуя своеобразный коллаж. В данном случае нет четких правил и границ, художник, либо дизайнер самостоятельно выбирает то, что ему по душе.

Поп-арт и современность

Несмотря на стремительно меняющийся мир, поп-арт и в наше время остается довольно популярным стилем среди современных дизайнеров и художников. Прошло более 50 лет с момента его появления, но до сих пор активно создаются интересные иллюстрации, креативная реклама с узнаваемым точечным рисунком, картины, яркая айдентика, разработанная в данном стиле. Нередко он используется в дизайне интерьеров, в декорировании аксессуаров, а также при создании принтов на одежду.

Что же такого притягательного и завораживающего в поп-арте? Почему поп-арт не только не теряет актуальности, но и постоянно приобретает все больше новых поклонников? С одной стороны, данный стиль является многогранным и отлично подходит для передачи эмоций, мыслей, посланий людей. С другой стороны, яркая цветовая гамма поп-арта, простота, демонстрирование повседневных, окружающих нас вещей притягивает на эмоциональном, подсознательном уровне.

Реклама, телевидение, модная индустрия, графический дизайн, дизайн интерьеров – и это не полный перечень сфер искусства, где активно применяется поп-арт. Ярким примером использования поп-арта в наши дни является клип американской певицы Рианны «Rude Boy».

Возможно, по сравнению с 50-ыми годами поп-арт стал менее грубым и приобрел более сглаженный характер, но тем не менее способность данного стиля моментально создавать своеобразный эмоциональный мир – одновременно и реальный, и абстрактный, позволяет ему не только не сдавать позиций, но и постоянно находить применение в самых разнообразных сферах искусства.

Если вам понравилась или была полезна данная статья, будем рады получить небольшое поощрение в виде ссылки в социальных сетях. Для этого нажмите на кнопку любой социальной сети, расположенной ниже.

The Art Of Pop Food

Когда я был маленьким мальчиком в середине семидесятых, я боготворил поп-артиста Энди Уорхола и Питера Макса. Банки с супом Кэмпбелла Уорхола и коробка Brillo, сделавшие его знаменитым, навсегда остались в моей памяти.

Я мало знал, что примерно через 40 лет влюблюсь в «бренд Cento Tomato». Их невероятно ярко-желтая банка San Marzano с красными оттенками лазурно-синего и зеленого цвета взорвалась от сетей супермаркетов по всему миру.Моя семья, итальянка, всегда пользовалась брендом Cento на протяжении десятилетий не из-за их упаковки, а из-за того, что их помидоры Сан-Марцано самые лучшие в мире. У меня не было выбора, кроме как нарисовать одну из их банок в качестве оды Энди.

Взяв огромный холст размером 60/48 дюймов, я полностью запомнил, как изучал графику Cento с их банки. В моем законченном произведении определенно присутствовал поп-фактор, который я быстро назвал: «Уорхол никогда не делал Ченто!» Затем произошла серия фирменных картин, которые привлекли внимание Ченто в посте в Instagram.Примерно через пять лет я могу назвать семью Ченто своими хорошими друзьями, так как они собрали у меня более 10 оригинальных масел, охватывающих различные великолепные продукты от их легендарного бренда.

Подробнее Food Pop Art

Это подводит меня к большему количеству еды в стиле поп-арт.

Недавняя кончина невероятного таланта Энтони Бурдена потрясла всех нас. Зависимость трагична, и то, что мы видим снаружи, никогда не бывает правдой внутри. Его будет очень не хватать, и я был тронут и очень вдохновлен нарисовать его!

Затем мне нужно было нарисовать супер шеф-повара Энн Баррелл и ее динамичные волосы.Не повредило и то, что моя невестка так с ней дружит. Так что однажды летом это было легко представить Энн. Честно говоря, она была очень удивлена.

Кроме того, я нарисовал латинского кулинарного магната Гойю. Я, наверное, ем пять или шесть банок их фасоли в неделю! Паста Barilla также одна из моих любимых, но я выпал из их списка поклонников из-за подстрекательских комментариев их генерального директора к ЛГБТ-сообществу. Это история для другого дня.

Марио Батали и споры вокруг него

Теперь я перейду к спору!

Я лично подарил эту картину Марио Батали импровизированно в его нью-йоркском ресторане PO около пяти лет назад.Он был несколько застигнут врасплох, приняв это, не каждый художник преследует знаменитого шеф-повара по Нью-Йорку утром, пытаясь бросить им в лицо огромную картину маслом в стиле поп! Тем не менее, он был любезен и добр, когда принял это.

Теперь, когда в нашей стране действует движение «Я тоже», и не зря, я спрашиваю мнение зрителей о Batali, есть ли оно у них. Заслуживает ли он своей нынешней участи? Просил ли он прощения и возмещения своих предполагаемых грехов? Дает ли Америка «Молто» второй шанс? Не стесняйтесь выражать и делиться своим мнением. Это, безусловно, важный разговор.

Что касается меня, да, я чувствую, что Марио совершил несколько больших ошибок, и на данный момент я уверен, что он их понимает. Если закон требует вмешательства, то можно начинать судебное разбирательство. Его огромная популярность дает ему платформу для перемен. Более важный вопрос — готов ли он пойти на этот риск, чтобы принести эту очень болезненную жертву, чтобы подойти к тарелке и стать так называемым представителем бурной ресторанной индустрии? Его усилия могут иметь большое значение для исцеления и продвижения вперед платформы для здоровых позитивных изменений.Время покажет.

А вот какое мороженое сегодня нарисовать!

MILOU

Перри Милу из Филадельфии, возможно, является одним из выдающихся поп-исполнителей страны, и коллекционеры приветствуют его яркие работы уже более 20 лет. Он известен прежде всего за его современное искусство поп-культуры, которое отдает дань уважения мировым иконам, американцам и знаменитостям. Посетите https://perrymilou.com/perry-milou-paintings/ , чтобы увидеть его уникальные зрелищные работы.

Связанные

Скульптура еды в стиле поп-арт — Tanque Verde High

POP ART

«Whaam!» Рой Личтенштейн (масло и Magna — (акриловая смола) на холсте, 1963) Галерея Тейт, Лондон

Искусство Популярная культура

Поп-арт был популярным искусством. культура. Это было движение изобразительного искусства, которое характеризовало чувство оптимизма. во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализация поп-музыки и молодежной культуры, олицетворяемая Элвисом и Битлз.Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным артистам. учреждение. В него вошли разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но то, что их объединяло, был интерес к СМИ, массовое производство и массовая культура.

Уэйн Тибо (род. 15 ноября 1920 г. ): Неаполитанец Меренга , 1986/1999 — бумага, пастель поверх пробной литографии (Смитсоновский институт)

«Уэйн Тибо родился в Месе, штат Аризона, и стал одним из самых известные в Америке исполнители поп-музыки.Его культовые изображения еды, возможно, остановили с 1939 года как художник-фрилансер. С 1940 по 1941 год он написал рекламные карточки для Sears, Roebuck в Лонг-Бич, Калифорния. Во время службы в армии с 1942 по 1945 год, Тибо работал карикатуристом, создавая персонаж, Алек, для комикса «Wingtips».

Также расписывал фрески для офицерского клуба и почты. театр до того, как попасть в первый кинотеатр в Калвер-Сити, Калифорния. В 1946 году, работая карикатуристом, он стал рекламщиком. художник в Голливуде для Universal Studios.В 1949 г. Тибо поступил в Калифорнийский государственный университет в Сан-Хосе и впоследствии переведенный в университет в Сакраменто, где он получил степень бакалавра искусств. в 1951 г. и степень магистра в 1952 г. С 1950 по 1956 год он работал в комиссиях на ярмарке штата Калифорния и Экспозиция, выступающая в роли консультанта по дизайну и искусству. Тибо преподавал студийное искусство и история искусств в Городском колледже Сакраменто с 1951 по 1959 год, став председателем кафедры в 1954 г. С 1959 по 1972 г. преподавал в Университете г. Калифорния в Дэвисе.В 1968 году он представлял США в Сан-Паулу. Биеннале в Бразилии. В 1981 году Художественная ассоциация колледжей признала Тибо самым заслуженный учитель студии года. Он был избран в американский Академия художеств и литературы в 1985 году ». — Джоан Мозер Особые впечатления: Монотипия в Америке (Вашингтон, округ Колумбия и Лондон: Smithsonian Institution Press для Национального музея американского искусства, 1997)

Клас Ольденбург (1922-) и Кусье ван Брюгген (1942-2009)

«Спунбридж и вишня», фото: Майк Хикс (алюминий, нержавеющая сталь и краска, 1985-88) Сад скульптур Миннеаполиса

Клас Ольденбург был поп-артистом, тяготел к скульптуре больше, чем кто-либо из его современников.В начале 1960-х годов он был задействован в различных «Хеппенингах»: спонтанных, импровизированных, художественные мероприятия, где опыт участников был важнее чем конечный продукт — своего рода встреча потребительского искусства с культурой потребления.

Ольденбург черпал вдохновение в изображения потребительских товаров В 1961 году он открыл «Магазин», где продавал гипсовые копии продуктов быстрого приготовления и ненужных товаров, грубо окрашенные поверхности были явной пародией на абстрактный экспрессионизм.Он использовал передний магазин «Магазин» как галерею, пока он пополнял свои запасы из своего студия в задней части магазина.

Работа Ольденбурга полна юмора ирония и противоречие: с одной стороны, он делает твердые предметы вроде раковины в ванной. из мягкого провисающего винила, а с другой он делает мягкие предметы, как чизбургер из твердой крашеной штукатурки. Он также подрывает относительный размер объекты, беря мелкие предметы, такие как ложка и вишня выше, и воссоздавая их в архитектурном масштабе.Он сказал: « Я люблю изучать предмет и полностью лишить его функции. «Подрывая форму, масштаб и функция объекта Ольденбург противоречит его значению и заставляет зритель переоценил свое присутствие. Когда вы видите его масштабные общественные работы в их окружении они обладают мощным сюрреалистическим качеством, таким как Гулливер в Бробдингнаге.

Claes Oldenburg сотрудничал с Голландский / американский поп-скульптор Кусье ван Брюгген с 1976 года. Они поженились в 1977 г.Кусье ван Брюгген умер в январе 2009 года.

Поп-арт: правда или ложь

• Поп-арт был дерзким, молодым и веселым художественным течением 1960-х годов.

• Элвис и Битлз — самые известные поп-исполнители.

• Поп-арт совпал с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры.

• Поп-арт включал в себя разные стили живописи и скульптуры, но все они имели общий интерес к СМИ, массовому производству и массовой культуре.

• Хотя поп-арт зародился в Великобритании, по сути, это американский движение.

• Уэйн Тибо ЯВЛЯЕТСЯ одним из самые известные исполнители поп-музыки.

• Тибо начал свою карьеру как кондитер.

• Клас Ольденбург был величайшим скульптором движения поп-арт, создавая много мелких общественных работ.

• Ольденбург создал скульптуры, такие как большой чизбургер из гипс, который он продавал в своем магазине быстрого питания.

_____________________________________________________________________________________________________________

Использование любой из изученных вами техник строительства из глины и демонстрируя правильную конструкцию из глины, создайте:

Глина в стиле поп-арт Скульптура Еда на выбор

Рубрика:

1. Создайте из глины блюдо на любой вкус.

2.Вы должны работать с изображениями своей еды и создавать подробные чертеж вашего плана.

3. Еда не может стоять отдельно. Обязательно должна быть собственная глиняная тарелка или миска.

4. Еда должна быть не меньше реальных размеров.

5. Еда и блюдо должны быть созданы с использованием бланка и счета. техника и не более ½ дюйма толщиной в любой области.

6. Скульптура из еды должна быть как можно более реалистичной.

7. Строительство и мастерство очень важны.

8. Должен быть окрашен или покрыт глазурью.

Скульптура в стиле поп-арт: Еда | Сарджент Арт

Цель (конечная цель):

Студенты будут создавать произведения искусства, демонстрирующие их понимание поп-арта и смешения цветов.

Цель:

Каждый ученик должен разработать и вылепить реалистичное изображение обычных продуктов питания.

Национальные стандарты:

Изобразительное искусство 9–12 классы Стандарт содержания 1: Понимание и применение средств массовой информации, методов и процессов

Изобразительное искусство 9–12 классы Стандарт содержания 3: Выбор и оценка предмета, символов и идей

Изобразительное искусство 9–12 классы Стандарт содержания 4: Понимание изобразительного искусства в связи с историей и культурой

Изобразительное искусство 9–12 классы Стандарт содержания 5: Размышление и оценка характеристик и достоинств своей работы и работы других

Назначение:

Студенты будут изучать концепции реализма в искусстве, уделяя особое внимание деталям и цвету.

Материалы:

№ 22-2003 «Скульптура»! Белая герметизируемая ванна

# 24-2499 Акриловая краска

# 56-6012 Наборы щеток для волос Sargent Rainbow Natural Hair

№ 22-9111 11 кт. Набор инструментов для лепки

Изображения обычных продуктов питания из журналов, библиотеки или Интернета.

Новый словарь:

Реализм, Поп-арт

Время:

Этот урок может быть изменен так, чтобы длиться от одного до трех часов, в зависимости от ожидаемого объема и сложности.

Введение и мотивация (набор):

Студенты увидят образцы скульптур в стиле поп-арт от Джаспера Джонса, Красных женихов и Класа Ольденбурга.

Учитель знакомит с концепцией поп-арта и с тем, как американская популярная культура 1960-х годов представлена ​​в скульптуре на исторических образцах.

Учитель инициирует обсуждение примеров поп-арта, которые монументализируют аспекты американской культуры и американского опыта. Еда — важная часть американской жизни; Какие виды продуктов являются репрезентативными примерами современного американского опыта?

Инструкция:

Учитель просит учеников подумать о типичных американских блюдах, принимая предложения от класса до тех пор, пока не будет по крайней мере столько же предложений, сколько членов класса.Во время этого процесса один студент записывает каждое предложение на листке бумаги. Затем каждый ученик случайным образом выбирает листок из «шляпы». Студент будет планировать и оформлять еду на бумаге.

Учитель организовывает класс так, чтобы облегчить учащимся упорядоченный доступ к материалам.

Активности:

Учитель может провести этот урок двумя способами. Учителя могут заранее сварить яйца для своего класса.
OR
(1) Практическое руководство:

1. Учащиеся создают эскизы блюд, уделяя особое внимание деталям.
2. Ученики с помощью преподавателя выбирают наиболее перспективный образ. Студент визуализирует и рисует три вида выбранного блюда (спереди, сбоку, сзади).
3. Используя Sargent Sculpt-It, учащиеся моделируют копию своего предмета еды. Готовые скульптуры должны быть детализированными и иметь размеры 4-6 дюймов как минимум в двух измерениях. Дайте скульптурам высохнуть на воздухе.
4. Студенты используют краски Sargent, чтобы добавить цвета готовым скульптурам. Подчеркните точность цвета, тщательно смешивая краски.Дайте скульптурам высохнуть на воздухе.
5. Вымыть водой с мылом.

(2) Независимая практика и проверка понимания:
Учитель циркулирует среди работающих учеников, визуально записывая (контрольный список) учеников, демонстрирующих понимание целей, задавая прямые вопросы, когда понимание не наблюдается, и прося сверстников критиковать друг друга. Учитель помогает ученикам и укрепляет их в работе.

(3) Закрытие:

Ученики могут выставить все скульптуры из класса на одной большой групповой выставке (возможно, на подносах в кафетерии). Обсуждение должно быть сосредоточено на успешных примерах студенческих работ, которые передают реализм конкретного произведения и знаковых местах, которые некоторые предметы занимают в американской культуре.

Оценка:

Готовые сухие скульптуры могут быть выставлены в классе. Используйте критику учителя или класса, чтобы оценить особенно сильные работы и сильные качества в произведениях.

Уровень Первый — Готовая скульптура ясно выражает очень реалистичную популярную форму в трех измерениях.Скульптура очень детализирована, тщательно смоделирована и вырезана. Ученик точно смешивал цвета, чтобы улучшить реалистичность изображений. Готовая скульптура имеет размеры от четырех до шести дюймов в двух измерениях. Мастерство отличное.

Уровень Второй — Готовая скульптура выражает реалистичную популярную форму в трех измерениях. Скульптура имеет некоторые интересные детали, она смоделирована соответствующим образом и вырезана из
штук. Студент осторожно использовал цвет. Готовая скульптура имеет размеры от четырех до шести дюймов в двух измерениях.Мастерство хорошее.

Уровень Третий — Готовая скульптура демонстрирует намерение выразить реалистичную популярную форму в трех измерениях, но с ограниченным успехом. Детали переданы плохо. Цвет не всегда точен. Студент использовал материалы ненадлежащим образом. Готовая скульптура может быть слишком большой или слишком маленькой. Мастерство варьируется.

Уровень Четвертый — Готовая скульптура не может эффективно передать реалистичную популярную форму в трех измерениях.Детали переданы плохо. Неточный цвет. Студент использовал материалы ненадлежащим образом. Готовая скульптура слишком велика или слишком мала. Мастерство оставляет желать лучшего.

Добавочный номер:

Этот проект может быть адаптирован для небольших групп, которые могут вместе провести мозговой штурм и работать над меньшим количеством крупных монументальных скульптур в других средствах массовой информации. Другая иконография популярной культуры также была бы уместна.

Ресурсов:

http://www.hawaii.edu/lruby/art359/IMAGES/SUBWAY.GIF

http: // www.falstaffbrewing.com/_borders/Ale.jpg

http://arted.osu.edu/160/07_Oldenberg.php

http://www2.skolenettet.no/kunstweb/skulptur/bilder/div_bilder/oldenburg_burger1962.j pg

МАРК ШАТЦ,
Арт-консультант

№ 22-2003 Скульптор! Белая герметизируемая ванна

# 24-2499 Акриловая краска

# 56-6012 Наборы щеток для волос Sargent Rainbow Natural Hair

Поп-арт — История, Художники, Произведение

Ключевые моменты

1. Создавая картины и скульптуры, изображающие объекты массовой культуры и медиа-звезд, поп-художники стремились стереть границы между «высокой» и «низкой» культурой.Одна из важнейших характеристик поп-арта — это концепция, согласно которой в культуре нет иерархии и что искусство может брать из любого источника.

2. Можно сказать, что абстрактные экспрессионисты полагались на психические травмы в своей работе, в то время как представители движения поп-арт искали выражения тех же травм в опосредованном мире рекламы, комиксов и поп-культуры в целом. Однако правильнее было бы предположить, что поп-артисты первыми осознали, что в принципе нет прямого доступа ни к чему, будь то человеческая душа, мир природы или любая искусственная среда.Они считали, что все в мире взаимосвязано, поэтому пытались выразить эти связи в своей работе.

3. Несмотря на то, что поп-арт включает в себя широкий спектр произведений, созданных под влиянием самых разных взглядов и позиций, большинству из них присуща определенная эмоциональная отстраненность. В отличие от «горячего» выражения предыдущего поколения, поп-арт отличается «крутой» двойственностью. Предметом многочисленных споров стал вопрос, было ли это следствием принятия поп-культуры художниками или, наоборот, ее неприятием.

4. На первый взгляд художники поп-арта с энтузиазмом восприняли новую послевоенную Америку с ее индустриальным и медиа-расцветом. Некоторые критики считали выбор темы поп-исполнителями следствием восторженного одобрения капиталистического рынка и его разнообразных продуктов. В то же время другие арт-критики рассматривали превращение художниками повседневной жизни в высокое искусство как своего рода культурную критику: создавая арт-объект на основе повседневного продукта массовой индустрии, они тем самым подчеркивали тенденцию превращать произведения искусства в товар.

5. Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером. Эд Руша также работал дизайнером, а Джеймс Розенквист начал с рисования рекламных щитов. Благодаря этим первым шагам в искусстве художники получили мощную помощь для дальнейшей работы, своеобразный визуальный словарь массовой культуры и приемы, позволившие совместить сферы высокого искусства и поп-культуры.

Интеллектуальное участие в «Fine Art Food Photography»

Fruit , 2011 от Roe Etheridge — образец современного натюрморта.Хотя на первый взгляд это может выглядеть как обычный натюрморт, перспектива искажена из-за фрагментов удивительной формы. Эта фотография классифицируется как фуд-фотография изобразительного искусства из-за ее сложных и уникальных визуальных элементов, указывающих на нечто большее, таких как несочетаемый меховой коврик и мастерские линии композиции. В частности, если рассматривать его как продолжение предыдущей работы художника, очевидной темой становится то, насколько каждый фотограф манипулирует реальностью. © Роу Этеридж.

Как выглядит художественная фотография еды?

Поскольку все изобразительное искусство в целом довольно субъективно, в значительной степени в зависимости от того, как оно интерпретируется, фотография еды изобразительного искусства может сильно отличаться от художника к художнику и от проекта к проекту .Традиционно жанр натюрморта фуд-фотографии был единственным видом фуд-фотографии, представлявшим художественный интерес. В этом стиле художники сосредотачиваются на композиции и освещении, чтобы создавать сцены, которые часто трудно описать красотой, обычно также ссылаясь на долгую историю натюрморта. Такие фотографы, как Генри Фокс Талбот и Роджер Фентон, сделали именно это, хотя и были абсолютными первопроходцами в доказательстве того, что фотография может быть такой же красивой, как и другие более распространенные формы визуального искусства того времени.

С развитием фуд-фотографии изобразительное искусство, в качестве изобразительного искусства стали широко применяться и другие визуальные стили, от постмодерна и перформанса, связанных с сюрреалистическим и сказочным. В общем, художественная фотография еды не должна быть такой яркой, ярко освещенной или насыщенной эффектами, как, например, рекламная или редакционная фотография еды. Это связано с тем, что фуд-фотография изобразительного искусства не обязательно должна быть привлекательной, тогда как в двух вышеупомянутых жанрах это почти универсальная цель.

Конечная цель в художественной фотографии еды — привлечь больше, чем произвести впечатление. Это означает, что фотография должна заставлять зрителя задуматься, пока он исследует детали и возможные значения произведения искусства. Например, представьте снимок с кожурой, косточками и крошками фруктов, рядом с пролитым бокалом вина, и все это устроено как классический натюрморт. Фотография, показывающая эти остатки декаданса, могла бы комментировать обжорство, богатство комиссий по классическому искусству, природу фотографии по сравнению с живописью или просто мятежный дух самого художника.

В своей фотокниге The Banquet, Нобуёси Араки фотографирует каждую трапезу, которую он ест вместе со своей умирающей от рака женой. Фотографии неожиданно трогают, ведь еда символизирует тело, его красоту и разложение. Книга опубликована © Errata Editions 2012.

Концептуальная и более глубокая сторона художественной фотографии еды

Чтобы фотография еды была изобразительным искусством, она должна допускать более глубокую интерпретацию со стороны зрителя. Если на вопрос «Что это значит?» Нельзя сказать абсолютно ничего, значит, это не изобразительное искусство. Концепция может быть связана с едой, или еда может представлять концепцию, не связанную с пищевыми продуктами . Поскольку еда является неотъемлемой частью человеческой жизни, она может легко способствовать обсуждению метафизических идей. Окружив человеческое тело толстыми кусками сырого мяса, полученная фотография не подчеркнет высшее сознание людей, а проведет параллель с мясом, возможно, предполагая, что все мы состоим из животного вещества, но при этом не признаем эту равнину. факт.

При обсуждении глобализации, перенаселения, окружающей среды или бедности еда всегда напрямую связана с политикой. Миска риса может быть самой яркой белой в грязной комнате, что свидетельствует о редкости и простоте деревенской диеты и света, который может дать даже одна миска зерна. Поскольку художественная фотография еды, по определению, может быть интерпретирована зрителями и критиками на всех возможных уровнях , художник также должен знать, что означают определенные продукты питания.Примером может служить банан, который в зависимости от контекста, в котором используется искусство, может быть символом вмешательства США в Центральную Америку или фаллосом. Как вы понимаете, вы не хотите, чтобы ваши художественные замыслы были запутаны!

Medusa Marinara , 1997 Вик Мунис прямо относится к еде как к основной и в некоторой степени беспорядочной части нашего существования. Спагетти в красном соусе — определенно не самая гламурная или изысканная еда, но изображения отсылают к классической картине « Медуза » Караваджо.Идея состоит в том, чтобы подчеркнуть, возможно, преувеличенную сверхъестественную ауру классических произведений искусства, нелепо имитируя их и очеловечивая их едой. © Вик Мунис.

Почему важна история еды в изобразительном искусстве

В других поджанрах фуд-фотографии важна работа, которая была раньше, но не так много, как в фуд-фотографии изобразительного искусства. Мир искусства канонизирует предыдущих художников, что превращает их работы в своего рода ориентир для навигации в сложных концептуальных и стилистических сферах.Если серия фотографий еды изобразительного искусства заимствует образы поп-культуры и заменяет некоторые непродовольственные объекты, например, едой, художник, хотя, возможно, и не находящийся под непосредственным влиянием, должен быть проинформирован о движении поп-арта, которое возникло раньше.

Художественная фотография еды обычно наводит на размышления, люди, которым нужны точные ответы и смысл, могут бродить без каких-либо линейных объяснений, за которые можно было бы ухватиться. Фуд-фотографы признают, что создавать интересные произведения искусства чрезвычайно сложно, потому что так много уже сделано, а люди постоянно видят так много изображений.Для создания интригующих изображений изобразительного искусства , сплетение сети интерпретаций с использованием символов и ссылок на историю визуального искусства, более эффективно, чем ответ на вопрос «Что это значит?» с одним конкретным ответом.

Что для вас художественная фотография? Вы можете оставить комментарий ниже, чтобы рассказать нам, что вы думаете! Свяжитесь с нами, чтобы запросить дополнительные словарные определения отраслевого жаргона из мира пищевой фотографии, искусства и стиля.

Банок для супа, хот-доги и однобокие чизбургеры: возвращение к любимым предметам поп-арта

Это общепризнанная истина, что художник, обладающий большим талантом, должен испытывать недостаток в идеальном предмете.

Итак, в 1962 году Энди Уорхол выбрал, казалось бы, банальную банку супа.

«Я пил его [суп Кэмпбелла]. Раньше я ел один и тот же обед каждый день, думаю, лет двадцать, одно и то же снова и снова ».

---

---

В тот день Уорхол купил несколько банок для супа и начал кропотливый процесс нанесения проекций на холст. Он позаботился о том, чтобы он рисовал плотно внутри контуров, чтобы имитировать внешний вид офсетных литографических этикеток.Готовая работа: серия плотно упакованных банок для супа (всего 32 разновидности), изображенных в мультфильме, тесно уложенных друг на друга с причудливым видом, будто они парят в космосе.

Это была обычная банка для супа, которая легла в основу величайшего опуса Уорхола.

Поп-арт набирает обороты в Соединенных Штатах в середине 1950-х годов, опираясь на послевоенный потребительский бум, отмеченный сверхъестественным чувством оптимизма и непоколебимой верой в американскую мечту. Поп-арт, который часто считается реакцией на доминирующий в то время абстрактный экспрессионизм, отошел от таких интеллектуальных тем, как мораль, мифология и классическая история, в пользу изображения китча и иронии. Движение прославляло банальности повседневной жизни, черпая вдохновение из обычных предметов и закрепляя введение иронии в элитарное искусство.

Первая выставка Уорхола банок для супа Кэмпбелл прошла в галерее Ferus в Лос-Анджелесе и вызвала безразличную реакцию публики.Однако это вызвало споры в мире искусства. Представление о том, что простое воспроизведение массового потребительского товара может быть истолковано как элитное искусство, было встречено изрядной долей критики — например, арт-дилер в соседней галерее продавал настоящие банки супа в качестве средства издевательства. Банки с супом у Уорхола излишни и очень обычны. Именно эти элементы позволили им бросить вызов святости искусства, а также ценностям абстрактного экспрессионистского движения.

Что еще более важно, работа подчеркнула парадоксальную красоту скучной реальности массового производства. Сам факт существования избытка продуктов питания и других потребительских товаров, который можно было задокументировать таким повторяющимся образом, был свидетельством роскошного образа жизни в послевоенную эпоху. После периода особенно трудных лет, изобилующего голодом и недостатками, эта эпоха должна праздновать избыток. Раньше роскошь была синонимом аристократии, но здесь она переосмысливается простой банкой супа.

---

---

Год спустя художник Рой Лихтенштейн перенес собственное увлечение едой на холст.Он нарисовал пылающий красный хот-дог, зажатый внутри раскаленной желтой булочки и увенчанный устрашающе безупречной горчичной линией на фоне точек Бен-Дей, которые были характерны для его стиля, вдохновленного комиксами. Работа Лихтенштейна, названная « Хот-дог с горчицей» , представляет типично американскую кухню во всей ее простоте. Хот-дог в его нынешнем виде не является аристократичным или незнакомым — это обычная еда. Лихтенштейн перевел эту тему в простоту своей живописи с помощью простой цветовой схемы и чистых гладких линий. Хотя было бы натянуто приписывать патриотизму и этой работе, в хот-доге есть что-то от природы американское, которое поддается оформлению. Лихтенштейн подчеркивает элегантность американского потребления, изображая пищу, которая, возможно, лучше всего иллюстрирует это.

Будучи революционерами по своей сути, Уорхол, Лихтенштейн и большинство других поп-артистов ограничили свою привязанность к еде двумерными средами.

С другой стороны, Клаас Ольденбург настаивал (в буквальном смысле) на расширении этой концепции, создавая гигантские мягкие скульптуры из сырых гамбургеров, кусочков торта и бутербродов.Его работы в игровой форме опираются на элементы сюрреализма с гигантскими скульптурами, уменьшающими размер смотрящего на них зрителя. Манипуляция перспективой Ольденбурга — это язвительный комментарий к необъятности американского потребительства. Массовое производство — это Голиаф, а мы, зрители, — Давид.

Его работа никоим образом не излучает перфекционизм. Один из зрителей на его выставке назвал The Burger «небрежным произведением искусства», но, возможно, в этом суть. Ольденбург считал себя реалистом (хотя и включал в себя сюрреалистические элементы) и хотел запечатлеть банальности повседневной жизни.Его представление о бургере, на самом деле, вероятно, более точное описание бургера McDonald’s, чем их собственная реклама.

Поп-артисты по-разному использовали пищу, чтобы очаровать и критиковать аспекты американского общества в их период времени. Но среди этих различных техник, художественных замыслов и стилей остается одно ключевое положение: абсолютное повсеместное распространение и размах еды в повседневном обществе. На поп-арт необъяснимо приятно смотреть, отчасти потому, что он извлекает выгоду из привычного: того, что мы знаем. Это остается одним из наименее сложных видов искусства, потому что он находит отклик у многих.

То же самое можно сказать и о продуктах питания, особенно о продуктах , которые больше всего ассоциируются с США — о пищевых продуктах с трещинами по швам от искусственных химикатов и обжаренных во фритюре в масле, наполненных в банки и упакованных в ярко окрашенную упаковку. В частности, этот продукт отвергается многими по разным причинам, многие из которых являются обоснованными, например, из соображений здоровья и окружающей среды. Тем не менее, поп-арт показывает, что есть определенное почтение к этим товарам и тому особому месту, которое они занимают в наших желудках, наших сердцах и нашей истории.

---

Комментарии

Все комментарии могут быть опубликованы в публикациях Daily Pennsylvanian, Inc.

Создайте логотип с элементами граффити и поп-арта для бизнеса уличной еды. | Конкурс на дизайн логотипов

Нас интересуют комбинированные логотипы — со стилистическим шрифтом и изображениями, а также возможность создания эмблемы. В целом, стиль должен сочетать в себе элементы поп-арта, граффити и комиксов, и мы хотели бы, чтобы дизайнеры исследовали использование пяти ключевых элементов: 1.«Dosa Days» написано печатными буквами в стиле граффити / комиксов. (Все заглавные буквы или их сочетание в зависимости от шрифта / внешнего вида. ) Мне очень нравятся стили граффити «блокбастеры», выполненные Mitch 77 и Iz The Wiz. Поиграйте с 3D-эффектами, контурами, цветами (оранжевый / желтый и т. Д.). Должно быть смело и весело! 2. Небо — после небольшого исследования выяснилось, что синий цвет на самом деле не подходит для предприятий пищевой промышленности, но мы стремимся сохранить фон неба из-за образов, созданных «Досами Дней». Нам было бы интересно найти способы уменьшить количество синего с помощью различных рисунков, например, путем включения солнечных лучей и / или большего количества облаков.В качестве альтернативы небо может иметь более теплые оттенки восхода солнца. 3. Солнце (желтое / коричневое / золотое) — оно должно выглядеть / вызывать концентрические кольца или спираль, которые вы видите на доса. Пожалуйста, смотрите прикрепленные изображения. Это солнце могло быть частично видимым, частично видимым или полным. Здесь могут быть солнечные лучи, и хотя нам нравится стиль поп-арт (также прилагается), мы не хотим, чтобы он выглядел по-японски и потенциально сбивал клиентов с толку. (Лучи солнца могут быть оранжевыми и зелеными, чтобы вызвать индийский флаг, согласно приложению).4. Cloud / s (пухлые и пушистые). Солнце может выступать из-за облаков, окружать надпись «Дни Доса», облака могут окружать рисунок «эмблемы» и т. Д. 5. Строка «Уличная еда Южной Индии» (нижний или верхний регистр в зависимости от дизайна шрифта / того, что работает). Это должны быть не печатные буквы, а более мелкие буквы с переходом между граффити в стиле «тега» и повествовательным текстом комиксов (без засечек). См. Прикрепленное изображение «Голоса гетто» и отрывок из комикса Дика Трейси.Не желая усложнять задачу, если вы хотите использовать какие-либо другие цвета, подойдет зеленый. Многие наши клиенты являются веганами и страдают глютеновой болезнью, поэтому мы хотели бы отметить это, если это возможно, даже просто используя акцентный цвет. (См. Прикрепленное изображение зеленого и оранжевого солнечных лучей, а также текстовые контуры и акценты на картинке Iz The Wiz). Пожалуйста, поэкспериментируйте с этими идеями, мы открыты для дизайнеров, которые привносят в логотип своего персонажа и посмотрим, что сработает! Спасибо 🙂

Каждая категория дизайна имеет гибкую ценовую политику для любого бюджета.