Выставки в Музее Ар Деко
С 2 по 9 июля 2021 Международная Художественная Выставка «ART PANORAMA-2021» (Part two).На Выставке будут представлены совершенно разные стили и направления – от классического реализма до авангарда и абстракции.
– живопись – графика – скульптура – фотография – керамика – батик – инсталляция –
На Выставке будут экспонироваться работы художников из России, стран СНГ, ближнего и дальнего Зарубежья. В частности, известного московского художника Сергея Ярового — иллюстратора детских книг, на которых выросло не одно поколение; знаменитого художника шестидесятника, академика Анатолия Чащинского (пока под вопросом); известного советского и российского поэта-песенника Александра Шаганова — автора слов к популярным эстрадным песням: хиты группы Любэ «Не валяй дурака, Америка», «Атас!», «Батька Махно», «Конь» («Выйду ночью в поле с конём»), «Комбат», «Там за туманами»; хиты группы Иванушки International «Тучи», «Безнадёга точка ru»; хит группы Чёрный кофе «Владимирская Русь».
Особое место в экспозиции выставки занимают работы известного португальского художника Santiago Ribeiro, а также авторские принты всемирно известного художника Otto Rapp (Австрия, Вена), собственноручно подписанные мэтром серебряной гелевой ручкой.
Помимо корифеев изобразительного искусства, в выставке участвуют начинающие художники, некоторые из которых делают только первые шаги в искусстве.
Цель выставки для художников – показать свое творчество широкой публике и дать возможность начинающим талантливым художникам выставить свои работы рядом с произведениями известных Мастеров.
Выставка организована Галереей «Арбат»
(при поддержке «Международного Центра Искусств Андрея Некрасова» www.nekrasov-art.com
)
21 мая – 31 мая – выставка художника Дмитрия Урусова «Геометрия победы»
С 21 мая по 31 мая в выставочном зале Музея Ар Деко пройдёт выставка художника Дмитрия Урусова «Геометрия победы».
Дмитрий Урусов – член Московского Союза Художников «Монументально-декоративное искусство». Закончил Санкт-Петербургскую академию имени Ильи Репина. Обучался в Академии живописи и университета Натальи Нестеровой у известных преподавателей В. А. Кулакова, С. А. Алимова, А. В. Кузнецова. Открытие – 22 мая. Приглашаем вас!
16 – 30 апреля выставка «Снится мне сон» в зале «Модерн»
Авторская выставка «Снится мне сон» Ирины Витошинской и Ольги Горячевой (масло, батик, акварель) состоится в зале Галереи «Модерн» Арт Плаза Холл с 16 по 30 апреля.
Выставка открыта с 12:00 по адресу: Лужнецкая наб., 2/4, стр. 4
Вход на выставку – свободный
15 – 30 апреля выставка «Волшебный Авиариум Константина Логинова»
Музей Ар Деко приглашает всех посетить «Волшебный Авиариум Константина Логинова». За прошедшие десятилетия творческой деятельности московского художника, работающего а стиле сюрреалистический поп арт, его работы заняли достойные места в коллекциях любителей и ценителей живописи,таких,как Мирей Матье, Сергей Галанин, Александр Ф Скляр, Михаил Горевой , представителей поитики и бизнеса.
Выставка пройдёт в период с 15 по 30 апреля 2021 года.
06 — 13 апреля Международная Художественная Выставка «ART PANORAMA-2021»
На Выставке будут представлены совершенно разные стили и направления –
от классического реализма до авангарда и абстракции.
– живопись – графика – скульптура – фотография – керамика – батик – инсталляция –
На Выставке будут экспонироваться работы художников из России, стран СНГ, ближнего и дальнего Зарубежья. В частности, известного московского художника Сергея Ярового – иллюстратора детских книг, на которых выросло не одно поколение; знаменитого художника шестидесятника, академика Анатолия Чащинского; известного советского и российского поэта-песенника Александра Шаганова — автора слов к популярным эстрадным песням: хиты группы Любэ «Не валяй дурака, Америка», «Атас!», «Батька Махно», «Конь» («Выйду ночью в поле с конём»), «Комбат», «Там за туманами»;
хиты группы Иванушки International «Тучи», «Безнадёга точка ru»; хит группы Чёрный кофе «Владимирская Русь».
Особое место в экспозиции выставки занимают работы известного португальского художника Santiago Ribeiro
Цель выставки – показать свое творчество широкой публике и дать возможность начинающим талантливым художникам выставить свои работы рядом с произведениями известных Мастеров.
Выставка организована Галереей «Арбат»
(при поддержке «Международного Центра Искусств Андрея Некрасова» www.nekrasov-art.com )Страницы: 1 [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] [ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]
Выставка Эрте.
Блистательный мир ар-деко Петербург пр. Невский, д. 54.Что ВсёHalloweenФильмы в прокатеСпектакли в театрахАвтособытияАкцииБалБалет, операБлаготворительностьВечеринки и дискотекиВыставкиДень ПобедыДень снятия блокадыЕвро-2020 по футболу в СПбКинопоказыКонференцииКонцертыКрасота и модаЛекции, семинары и тренингиЛитератураМероприятия в ресторанахМероприятия ВОВОбластные событияОбщественные акцииПраздники и мероприятияПрезентации и открытияПремииРазвлекательные шоуРазвлечения для детейреконструкцияРелигияСобытия на улицеСпектаклиСпортивные события Творческие вечераФестивалиФК ЗенитШкольные каникулыЭкологические событияЭкскурсииЯрмарки
Где
ВездеАдминистрации р-новКреативные art заведенияПарки аттракционов, детские развлекательные центрыКлубы воздухоплаванияБазы, пансионаты, центры загородного отдыхаСауны и баниБарыБассейны и школы плаванияЧитальные залы и библиотекиМеста, где играть в бильярдБоулингМагазины, бутики, шоу-румы одеждыВерёвочные городки и паркиВодопады и гейзерыКомплексы и залы для выставокГей и лесби клубыГоры, скалы и высотыОтели ГостиницыДворцыДворы-колодцы, подъездыЛагеря для отдыха и развития детейПрочие места отдыха и развлеченийЗаброшки — здания, лагеря, отели и заводыВетеринарные клиники, питомники, зоогостиницыЗалы для выступлений, аренда залов для выступленийЗалы для переговоров, аренда залов для переговоровЗалы и помещения для вечеринок, аренда залов и помещений для вечеринокЗалы и помещения для мероприятий, аренда залов и помещений для мероприятийЗалы и помещения для праздников, аренда залов и помещений для праздниковЗалы и помещения для празднования дня рождения, аренда залов и помещений для празднования дня рожденияЗалы и помещения для проведения корпоративов, аренда залов и помещений для проведения корпоративовЗалы и помещения для проведения семинаров, аренда залов и помещений для проведения семинаровЗалы и помещения для тренингов, аренда залов и помещений для тренинговЗалы со сценой, аренда залов со сценойКонтактные зоопарки и парки с животнымиТуристические инфоцентрыСтудии йогиКараоке клубы и барыКартинг центрыЛедовые катки и горкиРестораны, бары, кафеКвесты в реальности для детей и взрослыхПлощадки для игры в кёрлингКиноцентры и кинотеатрыМогилы и некрополиВодное поло.
Когда Любое времясегодня Сб, 6 ноябрязавтра Вс, 7 ноябряпонедельник, 8 ноябрявторник, 9 ноябрясреда, 10 ноябрячетверг, 11 ноябряпятница, 12 ноябрясуббота, 13 ноябрявоскресенье, 14 ноябряпонедельник, 15 ноября
Выставка «1925 год, когда арт-деко покоряет мир»
В 1925 году в Париже прошла Международная выставка декоративного искусства и индустрии.
Этому событию и его влиянию на архитектуру всего мира посвящена в настоящий момент и до 3 марта выставка «1925 год, когда арт-деко покоряет мир». Экспозиция разделена на три крупных временных и тематических блока: первая часть посвящена периоду до 1925 года, становлению стиля арт- деко и его взаимосвязи с модерном; вторая — затрагивает Международную выставку в Париже и рассказывает о развитии стиля во Франции; а третья часть показывает распространение арт- деко по всему миру и рост его популярности.Cité de l’architecture and du patrimoine
1 place du Trocadéro 75116 Paris
Барельеф «Маугли. Книга джунглей»
Платья и духи Jean Patou
Дверь Рене Лалика
Образцы стекла
С развитием автомобилестроения и авиации границы мира после первой мировой войны раздвинулись.
Игрушка
Открытки и сувениры с выставки 1925 года
Макет Павильона туризма
Павильоны Выставки 1925 года на фото.
Слева Павильон СССР, архитектор Константин Мельников, в центре Павильон Австрии (Josef Hoffmann), далее Павильон Бордо (Charles Plumet).
Фото павильонов 1925 года здесь
Игрушки в стиле арт-деко
Один из павильонов выставки 1925 года для магазина Printemps . Primavera. Архитектор Henri Sauvage.
Скульптура «Девочка с черепахами» Позировала четырехлетняя Арлетт — дочь скульптора Réné Letourneur.
Мебель в стиле арт-деко
Реклама магазина
Посольство Франции в Белграде.
В этом стиле построено много зданий в Париже, и дома, и театры, и кинотеатры, и магазины (не все сохранились).
Этот барельеф театра Folies-Bergères на афише выставки. В 2013 году он был отреставрирован.
После этой выставки 1925 года стиль вошел в моду и быстро распространился по миру.
Строят от Африки до Латинской Америки и США (на фото).
В одном Шанхае построено 165 зданий./ArtDeco.Getty-589d34c65f9b58819ccf282d.jpg)
Название арт-деко появилось в 60-е годы в память о выставке 1925 года.
Японский принц Asaka и его супруга после посещения выставки в сопровождении Paul Léon (директор музея Изящных искусств) были в восторге и в 1929 году построили виллу в этом стиле:
В 1926-31 году французский скульптор Paul Landowsky создал в своем ателье в Boulogne-Billancourt 38-метровую скульптуру Христа для Рио-де-Жанейро.
Фото руки в ателье скульптора.
Вазы севрского фарфора в стиле арт-деко.
Продается очень качественный каталог этой выставки, все досконально расписано и фото большого формата.
Выставка Эрте. Шедевры ар-деко в Самаре – СамКульт
В Самарском художественном музее открылась выставка произведений гения ар-деко Эрте — Романа Тыртова.
Открытие было невероятно зрелищным. Своеобразный дресс-код в стиле ар-деко подтолкнул множество гостей на костюмированные эксперименты. Меха, перья, блестки, жемчужные ожерелья, налобные повязки и тюрбаны, боа — все вызывало восхищение.
Зрительницы, воплотившие наиболее яркие образы, получили призы за интересные костюмы. В вернисажной атмосфере витал дух двадцатых годов.
Их называли «золотыми двадцатыми», «ревущими двадцатыми», «безумными двадцатыми». Время, переполненное красотой и стилем, утопающее в новизне, изменившее представление о женственности. Годы, положившие в сокровищницу мировой моды огромное количество новаторских идей, ставших со временем вечными ценностями.
Роман Тыртов (Эрте) был одним из самых успешных художников XX столетия, чей творческий талант воплотился в искусстве моды, прикладной графики, театрального оформления, кинематографа, дизайна, скульптуры и во многом другом в области культуры.
Он говорил о себе так: «Воображение — главное в моем творчестве. Всё, что я делал в искусстве, — игра воображения. И у меня всегда был один идеал, одна модель — это движение танца».
Если кратко пробежаться по биографии художника, то обнаружится, что наш соотечественник родился в Петербурге в 1892 году и прожил почти столетие, до 1990 года.
Роман Тыртов родился в Санкт-Петербурге в семье генерал-лейтенанта флота. Он был потомком знатного рода, который происходил от татарского хана Тырта. Псевдоним Эрте (Erté) — это акроним двух инициалов: Роман Тыртов. Его художник взял для того, «чтобы не позорить семью» военных.
Первый эскиз платья Роман сделал в возрасте шести лет. Его мать пришла в восторг и заказала по наброску платье знакомой портнихе, которая сшила вечерний туалет. Первые профессиональные советы юный талант получил от великого Ильи Репина, а впоследствии занимался с учеником знаменитого живописца Дмитрием Лосевским.
Конечно, все молодые таланты стремились попасть в Париж, ведь Франция являлась законодательницей моды. Роман Тыртов в 1912 году навсегда уехал из России и обосновался в Париже. Он сразу начал работать как модельер у Поля Пуаре, который определял все наиболее важное и революционное в парижской моде начала ХХ века. Вскоре Тыртов уже сам разрабатывал костюмы, платья, реализовывавшиеся под маркой фирмы.
Вот тогда он стал использовать псевдоним.
Молодой художник проявил себя и в работе над спектаклями, на стилистику которых повлияли декорации и костюмы Бакста к дягилевским постановкам. Современники высоко оценили декорации и костюмы в пьесе «Минарет». Среди актрис, занятых в спектакле, была экстравагантная танцовщица Мата Хари, костюмы для которой проектировал Эрте.
Эрте, как многие западные художники, понимал, что подобного рода дизайнерская работа хорошо оплачивается страной, где много богачей. Поэтому область его интересов лежала за океаном.
В 1915 году Эрте заключил контракт с американским журналом Harper’s Bazaar, январский номер которого вышел с нарисованной Эрте обложкой. На протяжении двадцати лет каждый месяц журнал выходил с графической цветной картинкой художника.
Эрте писал заметки о моде, вел светскую хронику, помещал рисунки костюмов, аксессуаров, шляп, туфель, украшений, интерьерного дизайна. Помимо прочего, Эрте работал для Vogue, Cosmopolitan, Ladie’s Home Journal, The Sketch и других иллюстрированных изданий США, Англии и Франции.
Живя во Франции, Эрте не обделял вниманием и шоу-бизнес Парижа. В 1923 году в Париже Эрте работал над постановками для кабаре «Фоли-Бержер», «Батаклан», «Альгамбра», «Баль Табарэн», «Лидо», театров «Ренессанс», «Амбассадорс», «Дю Шатле», «Мариньи», «Буфф-Паризьен», театра Сары Бернар, Комической оперы и, наконец, Гранд Опера.
Проекты Эрте представляли грандиозные шоу, которые сменяли друг друга, конкурируя в выдумке, невероятной фантазии и величественности. Собственно, поэтому при рассмотрении графики Эрте возникает чувство, что его шикарные костюмированные образы лучше всего вписывались в масштабные музыкально-танцевальные ревю.
В феврале 1925 года Эрте отправился в Голливуд для создания костюмов и сценографии для двух фильмов студии MGM («Метро-Голдвин-Майер»). Контракт был продлен, и в качестве художника по костюмам Эрте работал для первых звезд студии, лучших актрис немого кино. Он делал декорации и костюмы для наиболее известных лент тех дней: «Бен-Гур» Фреда Нибло, «Богема» Кинга Видора, «Безумие танца» Роберта Леонарда, «Мистика» Тода Браунинга.
В 1925 году Эрте впервые устроил выставку своих работ в Нью-Йорке, в отеле «Мэдисон». В следующем году уже в Париже, в галерее Шарпантье, прошла выставка его работ, созданных в Америке. Впервые его произведения непосредственно с выставки были куплены для государственных коллекций.
Стиль Эрте — изысканный, вычурный, романтичный, экзотический, но в то же время детально продуманный, функциональный, ритмичный и полный фантазии — был квинтэссенцией течения ар-деко в 1920-х годах.
Вслед за американскими журналами и галеристами к Эрте обратились владельцы крупнейших нью-йоркских торговых фирм «Генри Бендель» и «Б. Альтман и Компания» с предложением о создании модных коллекций. В течение трех лет он создавал по две коллекции ежегодно: придумал асимметричное декольте; его мужские и женские костюмы спортивного покроя обрели то единообразие, которое позже назовут «унисекс»; в мужских костюмах он первым начал применять ткани, бывшие достоянием только женского гардероба, например, бархат.
Историки искусства считают, что стиль ар-деко был необходим после ужасов Первой мировой войны, как прекрасная сказка.
В США стиль ар-деко достигает своего пика в 1930-е, когда строятся небоскребы, украшенные скульптурным и интерьерным декором. В небоскребах Нью-Йорка американцы воплощали свою американскую мечту. Архитекторы периода ар-деко бывали скупы и рациональны в оформлении экстерьера здания, но расточительны и креативны в оформлении его интерьеров: подъездов, холлов, коридоров, лифтов и вестибюлей, ну и, конечно, апартаментов, гостиничных номеров и офисов, затрачивая на это значительные средства, используя дорогие материалы и современные технологии, творческую фантазию и художественное мастерство.
В 20–30 годы Эрте работал в опере Чикаго. Здесь отразился дух парижской моды и русского балета, а также эстрадных ревю. Его работы оказали влияние и на других голливудских художников по костюмам. Эрте создавал эскизы, используя только собственные идеи. Его образы рождались под влиянием древнегреческой и древнеегипетской мифологии, индийской миниатюры и русского классического искусства.
В годы войны и после войны этот стиль порицали, обвиняли в пошлости и излишней шикарности. Но художник не отчаивался, любил путешествия и плавания на дальние дистанции. Удивительно то, что на протяжении всей жизни Эрте оставался верен своему стилю.
После Второй мировой войны прекратились американские заказы, на журнальных обложках работы Эрте сменили глянцевые фотографии, не было заказов от домов моды. Дорогостоящий жанр музыкального ревю стал восприниматься как анахронизм.
И вот в середине шестидесятых произошел перелом. В 1966 году в Музее декоративного искусства в Париже прошла выставка «Год 25-й», посвященная юбилею знаменитой экспозиции 1925 года, а в Нью-Йорке отпраздновали 100-летие журнала Harper’s Bazaar. В 1967 году перед вернисажем выставки художника в галерее «Гровнор» в Нью-Йорке все 170 выставленных работ были приобретены музеем «Метрополитен». Это было признанием Эрте классиком искусства ХХ века, «гением ар-деко». Снова зародился интерес к стилю.
В конце 60-х годов и в Голливуде вспыхнул интерес к искусству ар-деко. На экраны вышли фильмы «Кабаре», «Смерть на Ниле», «Великий Гетсби», которые воскрешали память об ушедших 20-х годах, а вместе с ними вышли из забытья и художники того времени — Соня Делоне, Тамара Лемпицкая и Эрте.
Ему уже было под семьдесят, и вновь он пережил взлет славы. Эрте опять пригласили рисовать афиши в мюзик-холл «Фоли-Бержер», в котором ему уже доводилось работать с 1917 по 1930-е годы.
С конца 1960-х годов и до последних дней жизни мастер демонстрировал свои работы по всему миру. В 1970 году вышла в свет первая монография о художнике. Его 80-летие в 1972 году отмечалось в Париже, Нью-Йорке, Лондоне, Женеве.
В конце 70-х — начале 80-х годов возник спрос на печатную графику Эрте. Большой успех у публики имели появившиеся тиражируемые печатные работы, литографии и шелкографии. Новый этап творчества Эрте начался с появлением новых оригинальных техник печати. Шелкография позволяла увеличить рисунки, добиться плотной заливки фона, сделать тиснение, ввести позолоту и посеребрение на листе бумаги.
Помимо новых произведений, мастер воспроизводил композиции прошлых лет. Работа над отдельными сериями постоянно присутствовала в его творчестве поздних лет.
На рубеже 60–70-х годов он увлекся скульптурой из металла и эффектными приемами обработки поверхностей — полировкой, золочением, патинированием, использованием цветных лаков. Его последняя выставка называлась «Театр в бронзе».
Персонажи ранних рисунков и гуашей, обретя плоть и кровь, переместились в трехмерное пространство. Бронзовую поверхность он покрывал цветной патиной, цветной эмалью, позолотой и серебром. На подготовительных стадиях он добавлял детали. Так появилось более сотни скульптур, для всех он разрабатывал индивидуальные постаменты, создавая своеобразный мини-театр.
***
Роскошная выставка произведений Эрте из частных собраний Москвы в Самарском художественном музее представляет творчество мастера конца XX века, восьмидесятые годы. Это образцы шелкографии, скульптуры, стекла, ювелирного искусства.
В 1983 году его достижения в искусстве были отмечены французским орденом Почетного легиона. И снова большинство проектов Эрте в последнее десятилетие его жизни было связано с Соединенными Штатами. В 1989 году он работал над двумя постановками в Нью-Йорке. Последней работой стал спектакль, бродвейский мюзикл «Звездная пыль», который он оформил, когда ему было 97 лет.
Во время поездки на остров Маврикий Эрте заболел и на частном самолете был переправлен в Париж, где и скончался 21 апреля 1990 года. Знаменитого художника отпевали в парижском соборе Александра Невского. Подлинный художник, Эрте заранее написал сценарий похорон и сделал эскиз гроба — он был выполнен из красного дерева и украшен венками в стиле ар-деко.
Явление ар-деко рассматривается как одна из ключевых ступеней стилевого развития ХХ века. Становится бесспорным значение ар-деко как самостоятельного стиля, влияние его на массовую культуру: дизайн, рекламу, моду, архитектуру. Многие искусствоведы вполне справедливо считают этот стиль одним из самых изысканных и привлекательных во всем ХХ веке.
Ар-деко в настоящее время снова набирает популярность, третье возрождение с конца 1990-х годов и новая эпоха добавили в него последние достижения, оставив всё лучшее, что было создано в прошлом. Мы вдохновляемся лучшими образцами этого торжественного стиля, в основе которого стоит роскошь, ведь все новое — это хорошо забытое старое. Осознание прошлого необходимо перед его возвращением в ХХI веке.
Валентина ЧЕРНОВА
Член Ассоциации искусствоведов России, член Союза художников России.
Фото предоставлены автором
Опубликовано в «Свежей газете. Культуре» 29 ноября 2018 года,
№№ 18 (147)
Cтиль арт-деко в интерьере, особенности дизайна и фото, а правильно ар-деко
«Красота – это наивысшая степень целесообразности». («Лезвие бритвы», И.А. Ефремов)
Что такое стиль арт-деко?
Стиль ар-деко или арт-деко (от французского art déco, дословно «декоративное искусство») — влиятельное течение в интерьере, архитектуре и декоративном искусстве, впервые появившееся во Франции в 1920-х годах XX века и достигшее расцвета во всем мире в 1930—1940-е годы.
Термину ар-деко дала жизнь выставка, прошедшая в Париже в 1925 году под названием «Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes» («Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств»). Хотя сам стиль арт-деко существовал и до выставки — с начала 20-х.
Декоративная мощь, гламур и глянец эпохи Гэтсби помогали людям забыть об ужасах войны, отвлечься от проблем и окунуться в праздник, вспомнив об элегантной роскоши и высоком стиле. До этого новый стиль называли «джазовый модерн», «зигзаг модерн», «обтекаемый модерн». С одной стороны, арт-деко «ратовал» за очищение от декоративности «растительного» модерна, с другой — конкурировал с эстетикой целесообразности и слишком упрощенными утилитарными формами. Эталоном арт-деко в 1920-е годы были интерьеры первоклассных отелей, дорогих ресторанов и прочих респектабельных общественных мест.
На фото: Дизайн гостиной в стиле арт-деко
Законы и особенности стиля арт-деко от дизайнеров интерьера
Закон 1.
Главные особенности интерьеров в стиле арт-деко можно охарактеризовать следующим образом.
- Строгая геометрия интерьера. Прямые и зигзагообразные линии, полоски, орнаменты на основе простых геометрических форм (треугольников, квадратов, ромбов, колец и кругов) складывающиеся в ритмичные и дерзкие интерьерные композиции.
- Яркие, энергичные, контрастные цвета. Колористическое решение интерьеров строится на основе сочетания черного и белого, черного и золотого, молочного и венге, бордового, шоколадного и бежевого.
- Дорогие материалы и глянцевые поверхности. Арт-деко – это, прежде всего, декоративный стиль! Роскошная отделка в стиле арт-деко это полированный гранит и мрамор, черный лак и перламутр, стекло, хромированный и позолоченный металл, ценные породы дерева, слоновая кость и натуральная кожа. В интерьере непременно должны быть редкие и экзотические вставки, как, например, крокодиловая кожа или шкурки ящериц.
Закон 2.
Создание ощущения материального благополучия и возрождение былой роскоши интерьера в стиле арт-деко основано на достижениях технического прогресса. В момент появления стиля на его формирование воздействовал бурно развивавшийся в те годы промышленный дизайн. Результатом научно-технического прогресса явилось активное использование металла, прочного стекла и ювелирных вставок, а также отказ от растительных форм, типичных для модерна.
Закон 3.
В стиле арт-деко присутствуют этнические мотивы. В декоре активно используются африканские статуэтки, маски и барабаны, китайские вазы, лаковые шкатулки и шелк, японские ширмы и перегородки, пол украшают восточные ковры ручной работы и шкуры экзотических животных.
Закон 4.
Археологические открытия начала XX века нашли свое отражение в стиле арт-деко. Как следствие, в интерьерах появились переосмысленные и геометрически упрощенные элементы декоративного искусства Ассирии, Вавилона, Древнего Египта и Рима, ацтекские и инкские орнаменты.
Дизайн интерьера римского отеля Regina Hotel Baglioni, где Ф. Феллини снимал легендарный фильм «Сладкая жизнь» решен в стиле арт-деко. Интерьер соединил внешнюю роскошь с рациональностью традиций Рима, Египта, Греции, Китая, Японии. Здесь роскошь — это не только дорогие материалы, но и визуальное богатство, выраженное в ярких и насыщенных цветах.
Стиль арт-деко в интерьере дома и квартиры
1. Избегайте слишком прямых и рациональных форм. Для арт-деко, как и для стиля модерн в целом, характерны сложные переходы с этажа на этаж, наличие нескольких уровней в одном и том же помещении и обнаруживаемые внезапно потайные комнаты, замысловатой формы оконные переплеты. Винтовые лестницы — самый романтичный, эффектный элемент в интерьере, они значительно экономят пространство. Оптимальная ширина ступеней 20 см в узкой части, 35 — 40 см в широкой, минимальная длина — 80 см. Материалом для их изготовления может послужить сосна, дуб или бук.
2.
Больше строгости во всем: вместо плавности — резкость, вместо флористических узоров — геометрические и абстрактные. Формы, без которых не обходится отделка дома и квартиры в данном стиле интерьера: куб, шар, круг и квадрат. Вы можете использовать предметы мебели и декора в виде этих форм!
Выставка «Элегантность и роскошь ар-деко»: разбираемся в сложностях стиля.
Где и как возник стиль ар-деко, кто его основал, был ли он в молодом Советском Союзе — разбираемся в хитросплетениях стиля вместе с Софьей Багдасаровой.
Что такое ар-деко?
Лист из альбома Feuillets d’Art. 1919
Лист из альбома Les choses de Paul Poiret vues par Georges Lepape.
1911
Лист из альбома Modes et Manières d’Aujourd’hui. 1914
Ар-деко, что по-французски значит «декоративное искусство», — название художественного стиля, который царил в Европе и Америке после модерна, между двумя мировыми войнами. Причем царил в основном в промышленном дизайне — моде, украшениях, плакатах, фасадах, интерьерах, мебели. Происходило это, пока «большое искусство» той эпохи экспериментировало с экспрессионизмом, абстракционизмом, конструктивизмом и прочими -измами, которые, безусловно, гениальны, только видеть их постоянно в своей квартире не каждый сможет. А вещи ар-деко предназначены именно для повседневной жизни — очень богатой, роскошной и вальяжной, но все-таки повседневной.
Как узнать предмет в стиле ар-деко?
Портсигары, пудреницы. 1930-е. Институт моды Киото
Обложка журнала Vogue с «оптическим» платьем от С. Делоне. 1925. Пресс-служба Музеев Кремля
Сумочки. Ок. 1910. Институт моды Киото
Эта вещь обязательно будет красивой — стильной, элегантной.
Она сделана из материала с дорогой текстурой, но не кричаще роскошной, а просто ценной. Цвета будут сложных оттенков, черного — много. Нередко автор явно использовал линейку — но при этом умудрялся весьма изысканно скруглить все углы. Геометрические узоры строятся по тщательным пропорциям и умеют гипнотизировать. Еще зачастую есть вкрапления чего-то древнеегипетского или японского, но в каком-то странном дизайне: ар-деко любило перетолковывать экзотические культуры. (Кстати, «русская экзотика» тоже ценилась.) Нравился стилю и технический прогресс — поэтому тут и стилизованные поезда, летящие на огромной скорости, и винты самолетов и пароходов.
Стиль в моде
Вечернее платье. Модельер Мадлен Вионне. 1927. Пресс-служба Музеев Кремля
Вечернее платье. Модный дом Ланвэн. Около 1925. Пресс-служба Музеев Кремля
Платье. Франция. Зима-1922. Модный дом «Сестры Калло»
Заметней всего ар-деко — в женской моде. В эпоху, когда царил этот стиль, женщины начали коротко стричься, окончательно освободились от жестких корсетов и кринолинов, талия то сползала на бедра, то задиралась под самую грудь, а юбка укоротилась до высоты совершенно неприличной, по мнению тех, кто помнил викторианскую мораль.
Создатели стиля — великие модельеры Поль Пуаре, Мариано Фортуни — цитировали кимоно, арабские тюрбаны и шаровары, античные хитоны и столы, средневековые плащи. Появились цельнокроеные вещи, везде были драпировки, тяжелые ткани, шик и блеск. В таких свободных вещах, расшитых переливающимся жемчугом, стеклярусом, стразами, бисером, было здорово танцевать новые бойкие танцы — фокстрот, чарльстон, танго. В общем, вспомним эпоху «Великого Гэтсби».
Стиль в ювелирных украшениях
Брошь Van Cleef and Arpels. 1930
Колье-воротник Van Cleef and Arpels. 1929
Брошь в египетском стиле Van Cleef and Arpels. 1924
Фирмы Cartier и Van Cleef & Arpels, а также другие ювелирные дома в своих работах целенаправленно работали по принципам ар-деко. После текучих форм и поэтических цветочков эпохи модерн (он же ар-нуво) их ювелирные украшения казались кричащими и эпатирующими.
Читайте также:
Легкая платина для оправ позволила драгоценностям отказаться от «тяжелого доспеха» — золота.
Чистые геометрические формы, абстрактные узоры, новаторское сочетание зеленого и синего, контрастный подбор камней, например черный оникс и красный рубин, использование не граненых, а резных камней, а также вкрапление подлинных древних артефактов (египетских скарабеев и т. п.) — вот узнаваемые черты. Черный оникс вообще стал любимым камнем этого периода, в особенности в сочетании с бриллиантами. Их сопровождали яркими аккордами кораллов, лазуритов, нефритов, эмали.
А в России ар-деко было?
Высотный дом на Котельнической набережной. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева: culture.ru/institutes/7985
Станция метро «Маяковская»
Павильон СССР на Международной выставке в Париже. 1937. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева: culture.ru/institutes/7985
Блестящий стиль ар-деко, конечно, глубоко «буржуазный». Это символ потерянного поколения, мода персонажей Фицджеральда, Хемингуэя (а также Вудхауса и довоенных книг Агаты Кристи).
Молодому Советскому государству в ту эпоху было не до этого внешнего блеска. Впрочем, у них были «ревущие двадцатые», а у нас — нэп. Помните Эллочку Людоедку: «…сверкающая фотография изображала дочь американского миллиардера Вандербильда в вечернем платье. Там были меха и перья, шелк и жемчуг, легкость покроя необыкновенная и умопомрачительная прическа». Советские нэпманы в своих повадках, конечно, подражали свободному западному соседу, хотя официально это не одобрялось.
С другой стороны, отпечаток ар-деко заметен в одном из самых официальных искусств — архитектуре. Воздействие импортного стиля легко найти в сталинском классицизме: фотографии фрагментов московских высоток с некоторых ракурсов трудно отличить от видов довоенных манхэттенских небоскребов. Любовь ар-деко к геометризму, использование абстракций — все это легко усваивалось русскими мастерами на родине супрематизма. Уместным было и воспевание технических достижений человечества. Есть и более забавные приметы — помните, мы говорили об обращении ар-деко к египетским мотивам? Именно благодаря ему перед зданием МИДа на Арбате возникли обелиски-фонари, а сам подъезд здания стал похож на портал древнего храма.
Этот же стиль находят в некоторых станциях московского метро («Кропоткинская», «Маяковская», «Аэропорт»), здании Российской государственной библиотеки и т. д.
Мастера ар-деко русского происхождения
Соня Делоне. Похожие платья (Три женщины). 1925. Музей Тейт Модерн
Эрте. Держатели драгоценностей. Фоли-Бержер, 1927
Тамара Лемпицка. Автопортрет в зеленом бугатти. 1929. Частная коллекция
Но гораздо весомее вклад, который внесли в развитие ар-деко русские эмигранты. Годами модные журналы Vogue и Harper’s Bazaar выходили под обложками, нарисованными Эрте, настоящее имя которого — Роман Петрович Тыртов. Его «Симфония в черном» — одна из ключевых работ стиля.
Виртуальный музей государственного музея архитектуры им. А.В. ЩусеваВиртуальный тур по Музеям Московского КремляХудожница-абстракционистка Соня Делоне, которая работала в модной индустрии, обогатила ар-деко красочностью и энергетикой, которую мы видели и у других «амазонок авангарда». Главная портретистка ар-деко, одна из немногих художников, которая сумела использовать этот стиль для станковых полотен, — Тамара Лемпицка, уроженка российского царства Польского, до революции жившая в Петербурге.
(А вот главный скульптор эпохи Дмитрий Чипарус, несмотря на такое родное нам имя, — румын.) Наконец, Леон Бакст, оказавшись в эмиграции, помимо театра, успел поработать и в модной индустрии — явно в стиле ар-деко.
Историки искусства вообще пишут, что стиль ар-деко изначально был вдохновлен Русскими сезонами, которые потрясли парижский художественный мир в 1900-х. Так что — спасибо Дягилеву и за ар-деко!
Выставка арт деко в кремле отзывы. Выставка «Элегантность и роскошь ар деко. Нигилисты и символы
В 1920-30-е годы роль женщины в обществе кардинально меняется, благодаря этому меняются и идеалы женской красоты. Новые веяния касаются силуэтов платьев и причесок, косметики и дизайна ювелирных украшений. Женщины перестают носить корсеты и юбки в пол. Они курят на публике, ярко красятся и танцуют до рассвета. И им нужны новые наряды и новые украшения.
В Москву впервые привезут женские костюмы из собрания Института костюма Киото — значительная часть экспонатов была специально отреставрирована для проекта и впервые покинет Японию и пределы Института.
Каждое из платьев Ворта, Пуаре, Ланвен составит единый ансамбль с украшениями и ювелирными предметами, созданными мастерами Cartier и Van Cleef & Arpels в период между 1910 и 1930 годами. Впервые такой способ демонстрации предложили Луи Картье и Жанна Ланвен для выставки Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, которая состоялась в Париже в 1925 году и дала название самому художественному течению.
В Одностолпной палате Патриаршего дворца и в выставочном зале Успенской звонницы в общей сложности будут представлены 119 экспонатов из Института костюма Киото, 34 ювелирных произведения Cartier и 24 предмета Van Cleef & Arpels.
Выставка «Элегантность и роскошь ар-деко» будет открыта для посещения с 30 сентября до 11 января 2017 года.
Van Cleef & Arpels
пресс-служба Van Cleef & Arpels
1. Часы-шатлен, 1924 г.
В 1920-е годы часы становятся одновременно модным аксессуаром и функциональным предметом.
Первые часы-шатлен на цепочке выпускались в виде брошей с двусторонней подвеской: с одной стороны был крошечный циферблат, другую покрывал драгоценный декор в стиле ар-деко.
2. Несессер «Голубой экспресс», 1931 г.
Этот платиновый несессер выдающийся гонщик и владелец Bentley Вулф Барнато заказал в подарок для своей жены в ознаменование выигранного им пари. На своем Bentley добрался от Канн до Кале быстрее, чем знаменитый Blue Train («Голубой экспресс» ), ходивший по этому маршруту. Состязание на скорость между автомобилем и поездом изображено на крышке минодьера в виде миниатюры из бриллиантов, сапфиров и изумрудов.
3. Колье с изумрудами, 1929 г.
Уникальное колье из платины и бриллиантов с десятью старинными изумрудами — прекрасный образец модернистской эстетики стиля ар-деко конца 1920-х -1930-х гг. Колье было создано в 1929 году и обновлено в 1940-м по заказу принцессы Фаизы, дочери египетского короля Фуада I. Вес колумбийских изумрудов составляет 165 каратов.
В ноябре 2013 года украшение было продано на аукционе Christie’s за $4,2 млн.
4. Ювелирная застежка на сумку, 1931 г.
Именно в эпоху ар-деко художественные ремесла приобретают прикладное значение, а мастера придумывают новые функциональные способы украсить вещь. Драгоценные замки на сумочках и минодьерах часто можно было откреплять и носить как броши.
5. Минодьер Curl из платины, желтого золота и черного лака, 1935 г.
Минодьеры — одно из важнейших изобретений Van Cleef & Arpels. Драгоценные сумочки появились в 1933-м году, они были задуманы как предмет роскоши: их делали из платины и золота, покрывали лаком и эмалью и украшали камнями.
Внутри было предусмотрено множество отделений для всего, что могло бы понадобиться женщине во время выхода в театр, на званый ужин или коктейль. Коробочки для румян и пудры, маленькое зеркало, сигареты, мундштук, лорнет, расческа, таблетница, коробочка с мятными леденцами, маленькая записная книжка, ключи, миниатюрные часики — каждая вещь помещалась в свой отдельный крохотный «шкафчик» или в секретный ящик сбоку.
Cartier
пресс-служба Cartier
1. Бандо с жемчугом, Нью-Йорк, 1924 г.
Модельеры Пуаре и Чарльз Ворт рекомендовали дамам дополнять туалеты своего дизайна восточными эгретами и бандо и носить их подобно головным повязкам на лбу. Бандо заменили классические диадемы. Этот уникальный экземпляр из платины с крупной природной жемчужиной весом примерно 51 гран принадлежал Дорис Дьюк, дочери Джеймса Бьюкенена Дьюка, основателя компаний American Tobacco Company и Duke Power Company.
2. Театральный бинокль, Париж, 1912 г.
В эпоху ар-деко ювелирное искусство выходит далеко за рамки традиционных украшений. Каноны ювелирного мастерства применяют для изготовления, казалось бы, повседневных предметов: ножей для разрезания бумаги, пуговиц, лорнетов, ручек от зонтиков. Не стал исключением и этот театральный бинокль Cartier из платины, гагата, черного лака с алмазами огранки «роза», заказанный американкой миссис Ритой Лидиг. Первоначально в центре изделия находилась надпись Rita, которую после отмены заказа заменили декоративным элементом.
3. Мундштук «Дракон», Париж, 1925 г.
Отныне для дамы закурить в обществе — самое обычное дело, поэтому длинные мундштуки и портсигары становятся одними из самых популярных аксессуаров, причем не только у мужчин. Этот мундштук с фигуркой дракона на нефритовой чаше вырезан из кости альбатроса. Экспонат Cartier принимал участие в знаменитой выставке современных декоративных искусств 1925 года.
4. Брошь с головой египетской богини Сехмет, Лондон, 1923 г.
Эта вещь в египетском стиле была создана всего год спустя после открытия гробницы Тутанхамона. Платиновая брошь имеет форму полукруглого опахала, обрамленного бриллиантами английской огранки «восьмерка». В лазуритовый фон с бриллиантовыми звездами инкрустирован аутентичный артефакт — изображение головы богини Сехмет из древнеегипетского фаянса, которое относится к VII-IV вв до н.э. В эпоху повального увлечения Востоком Луи Картье собирал подобные артефакты и поощрял своих дизайнеров использовать антикварные предметы из Персии, Индии, Китая в своих ювелирных работах.
5. Несессер «День и ночь», Париж, 1927 г.
На крышке шкатулки в технике маркетри из перламутра, эмали, алмазов огранки «роза» и цветных поделочных камней воспроизведен японский пейзаж на рассвете — восходящее солнце символизирует полукабошон рубина. Перламутровое панно приписывают русскому мастеру Владимиру Маковскому, эмигрировавшему в Париж, специалисту в создании предметов в стиле шинуазри.
Женские костюмы из собрания Института костюма Киото
Платье домашнее. Япония, 1900-е гг.
Всемирная выставка в Париже 1900 года, в которой участвовали Индокитай и Сиам, стиль модерн, утвердившийся в эти годы, и даже русско-японская война 1904-1905 подхлестнули интерес к экзотике, в частности Китаю и Японии. Вместе с предметами мебели в Европу из Страны восходящего солнца привозили и вышитые шелковые кимоно, которые часто переделывали на модные платья или домашние халаты.
Парадное придворное платье со шлейфом. Франция, 1914 г.
Модный дом «Worth».
Парадное придворное платье дебютантки принадлежало супруге американского посла в Британии Уолтера Пейджа Уиллии, которая в феврале 1914 г. была представлена в Сент-Джеймсском дворце королю Георгу V и королеве Марии. К этому времен самого Чарльза Фредерика Ворта уже не было в живых. Придворное платье со шлейфом и узким корсетом — характерный пример формальной одежды, тогда как в реальной жизни большинство дам отказалось от затянутых талий и носило платья-туники, предложенные за 10 лет до этого Полем Пуаре.
© пресс-служба музеев московского Кремля
Платье вечернее. Франция, около 1925 г. Модный дом «Lanvin».
Жанна Ланвен в то время уже стала главной конкуренткой Габриель Шанель. Ей первой в 1920-е пришло в голову создать специальные линии мехов, мужской и детской одежды, парфюмерии и предметов для дома. Ее роскошно отделанные в духе ар-деко вечерние платья, которые она называла robe de style, с расширенной в боках юбкой, напоминающей фижмы XVIII столетия, были невероятно популярны, поскольку, благодаря пропорциям, подходили дамам почти любого возраста и комплекции.
© пресс-служба музеев московского Кремля
Пальто. Франция, около 1925 г. Поль Пуаре (Paul Poiret).
Несмотря на то, что Шанель всегда настаивала на своем вкладе в освобождение женщин от корсетов, впервые эту попытку сделал около 1905 года француз Поль Пуаре, предложив платье-рубашку, тунику, наподобие античной, и свою версию платья-кимоно, перенеся акцент с талии на плечи. Это цельнокроеное вечернее пальто из ярко-синего шелкового бархата с глубоким запахом и вышивкой золотной нитью и бисером носили поверх платья, слегка спуская назад с плеч, подобно японскому кимоно.
© пресс-служба музеев московского Кремля
Платье вечернее. Франция, 1927 г. Мадлен Вионне (Madeleine Vionnet).
Раскопки гробницы Тутанхамона и, в частности, обнаружение легендарной золотой маски молодого царя в 1922 г. способствовали невероятному всплеску интереса к древнеегипетской тематике, столь ярко проявившимся в архитектуре, интерьере, ювелирных украшениях и костюме. Черно-золотой рисунок платья модельера Мадлен Вионне как раз напоминает о головном уборе маски фараона с чередующимися полосами золота и цветной смальты.
© пресс-служба музеев московского Кремля
«РГ» выбрала пять наиболее интересных выставок октября. В Московском Кремле покажут шедевры, созданные Коко Шанель. В ЦСИ «Гараж» в рамках выставки «Свидетельства» объединят работы Франсиско Гойи и Сергея Эйзенштейна. В Центре фотографии им. братьев Люмьер представят выставку фотографий Михаила Барышникова в исполнении Роберта Уитмена. В Третьяковской галерее на Крымском валу лидер соц-арта Леонид Соков своими работами прокомментирует постоянную экспозицию. А в ЦДХ в 41-й раз пройдет Российский антикварный салон.
Элегантная роскошь
В Одностолпной палате Московского Кремля открылась выставка «Элегантность и роскошь ар-деко». Институт костюма Киото, ювелирные дома Cartier и Van Cleef & Arpels впервые привезут в Москву сотни экспонатов, чтобы рассказать об эпохе ар-деко. Это коллекция женской одежды европейских домов высокой моды из собрания Института костюма Киото (Япония), а также украшения 1910-1930-х, в том числе первые и очень редкие произведения, выполненные в ранней стилистике этого необычного направления.
Институт костюма Киото входит в четверку лучших музеев моды в мире и владеет редчайшей коллекцией женского платья и аксессуаров выдающихся европейских фирм и модельеров первой трети XX века. Вечерние платья, манто, танцевальные и коктейльные ансамбли, а также особая разновидность нарядных платьев robe de style (это платья с пышными юбками на кринолинах). Роскошная одежда и аксессуары, представленные на выставке, были созданы такими модельерами с мировым именем, как Коко Шанель, Чарльз Уорт, Поль Пуаре, Жанна Пакен, Жанна Ланвен, сестры Калло. Экспонаты дополнят фотографии из архивов.
Ар-деко совершил революцию в моде XX столетия. В эпоху ар-деко роль женщины в обществе становилась все более и более значимой. В 1920-30-х годах дамы делали короткие стрижки, ярко красились, демонстративно курили, а силуэты в одежде стали более свободными. Эта эпоха продолжает будоражить умы многих представительниц прекрасного пола и вдохновлять современных дизайнеров и модельеров. Всем модницам и приближающимся к ним выставка просто обязательна к посещению.
Времена не выбирают
В ЦСИ «Гараж» на 1 октября запланировано открытие выставки «Свидетельства». В экспозиции представят произведения Франсиско Гойи (1746-1828), Сергея Эйзенштейна (1898-1948) и Роберта Лонго (род. 1953). Три художника, три поколения, три эпохи. Их объединяет то, что они были свидетелями бурной смены времен, пережив хаос революции, гражданских волнений и войн. Гойя служил церкви и королю, Эйзенштейн — государству, а Лонго творит в XX столетии вопреки засилию коммерции в искусстве. Признание каждому из них принесла независимая художественная практика, бросающая вызов ожиданиям и запросам общества. В поисках новаторских техник участники выставки обращались к различным формам — от традиционной живописи и гравюры до скульптуры, кино и перформанса, но основным инструментом визуализации идеи для каждого из них всегда оставался рисунок.
Посетители выставки смогут увидеть 43 ранее не выставлявшихся рисунка Эйзенштейна из Российского государственного архива литературы и искусства.
Они будут представлены вместе с фрагментами семи фильмов Эйзенштейна, демонстрируемыми в замедленном темпе, так чтобы каждый кадр мог восприниматься как отдельный образ. Также в залах «Гаража» будут впервые показаны 49 офортов Гойи из собрания Государственного центрального музея современной истории России и более 30 крупноформатных рисунков Лонго, созданных им в течение последних пяти лет.
Нельзя не влюбиться
В Центре фотографии им. братьев Люмьер с 11 октября по 22 января 2017 года покажут выставку Роберта Уитмена «Михаил Барышников. Метафизика тела». Более 60 снимков одного из самых выдающихся танцовщиков XX столетия в исполнении одного из самых известных американских глянцевых фотографов будут представлены в Москве.
Уитмен и Барышников работали вместе в студии пять раз. Пять творческих встреч с 1995 по 2015 год обернулись пятью фотографическими сериями. Каков бы ни был повод для съемки, камера неизменно запечатлевает завораживающую грацию и харизму Барышникова, которыми восхищался, среди многих, поэт Иосиф Бродский.
В «Диалогах…» с Соломоном Волковым Бродский отмечает: «Когда я вижу на сцене Барышникова, то это ощущение совершенно потрясающее. Я даже думаю, что это вообще уже даже и не балет — то, чем он занимается. На мой взгляд, это чистая метафизика тела. Нечто, сильно вырывающееся за рамки балета. Михаил Барышников — это некое умное тело, которое несет в себе целый мир». Одним словом, глядя на фотографии Барышникова, в него нельзя не влюбиться.
Самая ранняя серия «Аромат», представленная в экспозиции, была создана в 1995 году в поддержку рекламной кампании парфюма Барышникова. Через десять лет, серия 2015 года — самая поздняя. Как изменился танцовщик, какие метаморфозы произошли? За этим невероятно интересно следить. В экспозиции также представят фотографии, рассказывающие о том, что происходило за кулисами фотосессий.
Нигилисты и символы
В Третьяковской галерее на Крымском валу 14 октября откроется выставка «Леонид Соков. Незабываемые встречи». Галерея покажет произведения художника и скульптора, одного из главных представителей соц-арта.
Имя Сокова теснейшим образом связано с зарождением и развитием этого стиля. Художник скрещивает в своих работах бытовые вещи, сакральные символы, знаки власти, образы масс-медиа, а также элементы классического мирового искусства, фольклорные мотивы, артефакты языческих культов. На все это Соков предлагает взглянуть по-новому: недаром одна из масштабных выставок его работ в Музее современного искусства в 2012 году называлась «Угол зрения».
Формат проекта в Третьяковке необычный: объекты будут внедрены в постоянную экспозицию «Искусство ХХ века». Соков выступит своего рода проводником по экспозиции. Его работы станут комментарием к работам предшественников. Зритель сразу поймет, какие авторы и периоды для художника наиболее важны, под чье влияние он попал, а с кем вступал в спор. На время выставки постоянную экспозицию Третьяковки на Крымском валу дополнят произведения скульпторов, особенно ценимых Соковым, — В. Ватагина, Д. Цаплина, А. Матвеева.
На охоту за искусством
С 15 по 23 октября в ЦДХ в 41-й раз пройдет Российский антикварный салон.
Салон существует, конечно, не только для тех, кто приходит туда прицениться и купить, он также для тех, кто просто любит хорошее искусство. В этом году в Салоне будут участвовать 250 галерей из различных городов России, а также участники из Германии, Италии, США, Франции, Армении и Беларуси. Посетители смогут увидеть живопись западноевропейских старых мастеров и полотна отечественной реалистической школы, ювелирные изделия, предметы декоративно-прикладного искусства разных континентов и эпох, императорский и советский фарфор, памятники иконописи, библиографические редкости, старинную мебель.
В этом году особенно широко будет представлено искусство Италии: в Салоне примут участие итальянские галереи, которые покажут живопись и скульптуру позднего Ренессанса и ювелирные украшения рубежа XIX-XX вв. Тема некоммерческой экспозиции салона — «Страсть моя — охота». Посетители увидят изящные, отличающиеся тонкостью проработки и легкостью композиции графические листы известного немецкого художника и гравера Иоганна Элиаса Ридингера (1695-1767), работы голландского живописца Филиппа Воувермана (1619-1668), редкую шпалеру с изображением сцены охоты на медведя, выполненную русским художником Павлом Соколовым (1821-1899), серебряные табакерки со сценами охоты, охотничьи пивные кружки из серебра и кости, графин из сервиза Императорского дворца в Беловеже, месте, где так любили охотиться российские императоры.
Кстати
С 18 по 30 октября вход в Главное здание ГМИИ им. А.С. Пушкина для всех категорий граждан будет бесплатным. Обратите внимание, что акция не распространяется только на выставку «Рафаэль. Поэзия образа».
В Музеях Московского Кремля — в Одностолпной палате Патриаршего дворца и в выставочном зале Успенской звонницы- открылась выставка «Элегантность и роскошь ар-деко. Институт костюма Киото, ювелирные дома Cartier и Van Cleef & Arpels». И если, например, отдельную экспозицию, посвященную дому Cartier, в Кремле уже показывали в 2007 году, а рассказывающую о модельере Поле Пуаре — в 2011-2012 годах, то гастроли коллекции женских нарядов эпохи ар-деко из Института костюма Киото проходят в России впервые — до 11 января. К тому же многое из этой одежды было отреставрировано специально к нынешнему показу и впервые покинуло Страну восходящего солнца и Институт Киото, входящий в четверку главных мировых музеев моды.
Своим названием стиль ар-деко обязан конкретному событию — выставке, хотя между ней и утверждением термина прошло почти сорок лет.
В 1925 году в Париже состоялась Международная выставка современных декоративных искусств и художественной промышленности, откуда архитектор Ле Корбюзье и позаимствовал ар-деко, сокращенное от arts décoratifs. Но как имя нового стиля это словосочетание войдет в обиход только в середине 1960-х. Английский писатель Олдос Хаксли в 1930-м сказал, что современная «простота богата и роскошна», и в этом сочетании — один из ключевых признаков нового стиля. В моду ар-деко вошел благодаря кутюрье-реформатору Полю Пуаре — он переосмыслил женский силуэт и еще в 1906-м избавил его от тисков корсета. Вместе с тем ар-деко как направление, уравнивавшее в правах изобразительное искусство с декоративным, обратилось в том числе к экзотике восточных культур. И в экспозиции есть придуманное Пуаре пальто из синего шелкового бархата, с вышивкой золотой нитью и бисером, которое надлежало носить, чуть спуская с плеч назад - как кимоно.
Мода на Японию шагала по Европе с конца XIX века и, разумеется, привела не только ко всевозможным стилизациям: например, кимоно и заказывали непосредственно из Японии, и в Музеи Кремля сейчас привезли домашнее платье из ало-оранжевого шелкового крепа, с цветочной вышивкой от лопаток до икр.
Однако ар-деко, подобно многим тяготеющим к синтезу стилям, делал заимствования из разных эпох. С одной стороны на выставке показывают черное газовое платье с золотистым орнаментом (кутюрье — Мадлен Вионне), созданное под впечатлением египетских орнаментов, всплеск моды на которые был вызван, в частности, раскопками гробницы Тутанхамона в 1922 году (под стать наряду здесь есть броши в египетском стиле фирм Cartier и Van Cleef & Arpels). А с другой окажется платье дома Boué Sœurs (сестер Сильвии и Жанны Буэ). Которое отчасти напомнит галантный век рококо. Пастельная розово-серая гамма, расшитая цветами треугольная вставка на отогнутом корсаже. И даже с нашитыми на плече и подоле идиллическими букетиками, фирменным знаком дома Буэ. А с третьей стороны будет robe de style, характерное и для Жанны Ланван, и в целом для ар-деко платье с пышной юбкой, вновь адресующее к нарядам XVIII века, но вместе с тем смело расшитое геометрическим узором, напоминающем об искусстве ацтеков. Описание «составных» этого вечернего платья занимает в каталоге три строчки: «шелковая тафта, кружево, шифон, бисер, стразы, блестки, кристаллы, ткачество, вышивка, плетение».
Культура вещи одна из примет той эпохи — независимо от масштаба вещь сделана тщательно, как драгоценность, будь то брошь, серьги, платье или манто.
Фото: Екатерина Чеснокова / РИА Новости
Потому и, в общем-то, крошечный (9*5,9*2,5) несессер Cartier внутри умудряется вместить несколько отделений, а снаружи, на крышке — китайскую вазу с пышным букетом. Для изготовления которого не поленились задействовать разноцветные эмали, кораллы, изумруды, сапфиры, а в основании этого самого сосуда и на ручке несессера есть еще и алмазы да бриллианты разных огранок. В общем, все «необходимое», если воспользоваться прямым переводом с французского слова «несессер». И ведь если учесть, что как раз в пору ар-деко ежедневный макияж стал обычным делом, тут действительно все самое нужное. Да что там, если целую витрину занимают каблуки для туфель, одинаковой формы и высоты, зато декорированные почти с ювелирной изощренностью.
Фото: Екатерина Чеснокова / РИА Новости
Это выставка, где декоративно-прикладное искусство отражает «повадку», походку эпохи, ее приметы.
В 119 вещах из Института костюма Киото, среди которых наряды, придуманные домами Пуаре, Шанель, Сестер Буэ и Сестер Калло, Фортуни, Ланван и еще в 80 аксессуарах, эскизах к ним, иллюстрациях из журналов и фотографиях. И если, скажем, прямые силуэты платьев просты, это компенсируется кружевом, вышивкой и причудливыми поясами. А в дополнение к таким силуэтам появляется шляпка-клош (от французского слова «колокол»), завершающий акцент в новом женском силуэте. Если женщины курили, то «оформлялось» это обстоятельство зажигалкой Cartier (кресало со спичкой) — с полосками золота и бордовой эмали, с венчающим спичку ониксом. А если флэпперы стали носить короткие стрижки, для них придумали надевавшиеся на лоб будто повязка бандо, но платиновые и щедро усыпанные драгоценными камнями. В залах все это перемежается цветными иллюстрациями из модных изданий, эти картинки часто делались как сюжетные зарисовки сладкой жизни. Есть среди них и «Суд Париса» (во французском оригинале с игрой слов: Paris — Париж).
Сидящий к зрителю спиной господин с перстнем на одной руке и с яблоком в другой выбирает между трех нарядившихся по последней моде красоток.
В Музеях Московского Кремля проходит выставка «Элегантность и роскошь ар деко. Институт костюма Киото, ювелирные дома Cartier и Van Cleef & Arpels». Впервые в России показана коллекция женской одежды европейских домов высокой моды эпохи ар деко из собрания Института костюма города Киото (Япония). Кроме того, посетители увидят украшения 10х-30х гг. ХХ века выдающихся ювелирных домов и оригинальные фотографии из архивов.
В Одностолпной палате Патриаршего дворца и выставочном зале Успенской звонницы Московского Кремля развернулась экспозиция, ярко отражающая идеалы красоты эпохи ар деко. Здесь представлены образцы женской одежды из Института костюма Киото, значительная часть которых была специально отреставрирована для проекта и впервые покинула Японию и пределы Института. Среди экспонатов — вечерние платья и манто, танцевальные и коктейльные ансамбли, а также особая разновидность нарядных платьев, которые появляются в женском гардеробе в эпоху ар деко под названием «роб де стиль» (robedestyle).
На выставке представлено 119 экспонатов из Института костюма Киото и ювелирные произведения Cartier и Van Cleef & Arpels (34 и 24 соответственно), а также 20 оригинальных эскизов и фотографий из архива компании Cartier. Все драгоценности были созданы в 1910-1930-х гг. и представляют собой как первые и очень редкие произведения, выполненные в ранней стилистике ар деко, так и уникальные экстравагантные украшения более позднего периода.
К выставочному проекту приурочена специальная образовательная и культурная программа. Так, с 10 по 24 октября 2016 года в Оружейной палате пройдет III Международный музыкальный фестиваль «Посольские дары». Среди участников — прославленные коллективы и музыканты из России, Италии, Японии и Польши. Фестиваль порадует публику уникальной программой из четырёх концертов, каждый из которых представляет собой самостоятельный эксклюзивный проект: гала-концерты «Миры Сергея Дягилева. Русские сезоны» и «Музыкальная Европа эпохи ар деко», а также монографический проект «Игорь Стравинский — классик авангарда» и джазовый концерт Jazz Age.
В залах Оружейной палаты прозвучат как широко известные, так и редко исполняемые произведения.
В рамках выставки в Лектории Музеев Московского Кремля пройдет лекционный цикл «От ар нуво к ар деко» и программы для детей и взрослых, такие как «Ар деко. Архитектура и дизайн Европы и Америки в 1920–1930е годы», «Мир кино и моды первой половины XX века», а также творческие занятия для детей с родителями «Шляпка, туфли, ридикюль».
Издательством Музеев Московского Кремля подготовлен иллюстрированный каталог, куда вошли статьи кураторов выставки от музея и Института костюма Киото и каталожные описания. Статьи посвящены моде и ювелирному искусству эпохи ар деко, а также влиянию японского искусства на стилистику модной иллюстрации этого периода.
Специально к выставочному проекту выпущена коллекция сувенирной продукции. В ней представлено 14 изделий в стилистике ар деко — от закладок для книг и постеров до сумок и шарфов. Модные иллюстрации воспроизведены на постерах и текстильных сумках, орнаменты эпохи использованы в оригинальном дизайне аксессуаров.
Вечерние и повседневные наряды
от Коко Шанель или Поля Пуаре, утонченные шляпки от модных в начале прошлого века итальянских домов, изысканные ювелирные украшения и аксессуары — выставка понравится и просто любителям той эпохи, и модным экспертам.
Одежда — одно из важнейших проявлений нашего бытия, полагают — и вполне справедливо — в Институте костюма Киото. Специалисты института знают, о чем говорят: на протяжении многих лет они могли изучать предметы своей коллекции одежды, считающейся одной из крупнейших в мире. В институте собрана действительно широчайшая подборка исторических костюмов, обуви и модных аксессуаров с XVIII века до наших дней.
Так что когда стало известно о том, что в Москве открывается выставка, на которой — впервые в России! — будет показана коллекция женской одежды европейских домов высокой моды эпохи ар-деко из собрания киотского института, многие столичные модники, дизайнеры и модные эксперты отправились в Музеи Московского Кремля для детального осмотра.
Почему для экспозиции была выбрана тема ар-деко? Как рассказали нам на открытии выставки ее кураторы, Музеи Московского Кремля решили обратиться к ар-деко как удивительному художественному и социокультурному явлению XX столетия: этот стиль яркой творческой фантазии, вдохновленный европейской классикой и модернизмом, культурой древних цивилизаций, народными традициями и бурным развитием технологического прогресса, отразился на всех видах искусства в 1920–1930-е гг. и не утратил своей актуальности до сих пор.
Обращение именно к женской одежде тоже вполне объяснимо. В эпоху ар-деко социокультурная роль женщины стала более значимой, яркой и динамичной. Силуэты женских туалетов менялись, стремясь к свободным формам, дамы коротко стригли волосы, пользовались косметикой, что неминуемо отразилось на эстетике ювелирных украшений и появлении новых типов драгоценных аксессуаров. Интересно, что большая часть представленных на выставке образцов была специально отреставрирована для этого проекта и впервые покинула Японию и пределы института.
Среди экспонатов — вечерние платья и манто, танцевальные и коктейльные ансамбли, а также особая разновидность нарядных платьев, которые появляются в женском гардеробе в эпоху ар-деко под названием robe de style (стильные платья).
Завораживают и потрясающие украшения 1910-1930-х гг. ХХ века, предоставленные партнерами выставки, ювелирными домами Cartier и Van Cleef & Arpels, вместе с оригинальными эскизами и фотографиями из их архивов. Впервые одежда и украшения как единый ансамбль были представлены по инициативе Луи Картье и Жанны Ланвен в павильоне «Элегантность» на выставке Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925 г.) в Париже — собственно, она и дала впоследствии название стилю ар-деко.
Детали от Posta-Magazine
Выставка работает до 11 января 2017 г.
http://www.kreml.ru/
Выставка, положившая начало интернациональному стилю: ар-деко
Международная выставка декоративного искусства и современной промышленности дала начало новому интернациональному стилю и, в конечном итоге, дала свое название: ар-деко.
Бельгийский павильон Орты был радикальным отходом от его типично криволинейного стиля ар-нуво.
Предоставлено пользователем Викимедиа Франсуа ГОГЛИНСОМ (общественное достояние)
Эта статья изначально была опубликована на ArchDaily.
Конец Первой мировой войны не означал окончания борьбы в Европе. Франция, являющаяся основным местом действия Западного фронта конфликта, понесла большие потери как в людях, так и в производительности промышленности; возникшая в результате экономическая нестабильность будет преследовать страну вплоть до 1920-х годов [1]. Именно в эти неопределенные времена французы заявили о своем намерении смотреть не в свое недавнее беспокойное прошлое, а в более светлое и оптимистичное будущее. Этим сигналом стала Международная выставка декоративного искусства и индустрии современного искусства (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) 1925 года — знаменательная выставка, которая породила новый международный стиль и, в конечном итоге, дала свое название: Искусство Деко.
World’s Fairs не обязательно были новинкой для Европы. С момента проведения в 1851 году знаменательной Большой выставки в лондонском Хрустальном дворце множество подобных ярмарок привлекли миллионы посетителей. Эта традиция была внезапно прервана началом Первой мировой войны, которая продлилась до Выставки Британской империи 1924 года [2]. Планирование Международной выставки фактически началось в 1911 году, но дебаты по критериям экспонентов и, в конечном итоге, война отложили открытие до апреля 1925 года.[3]
Выставка занимала 57 акров в центре Парижа, простираясь от Эспланады Инвалидов через мост Александра III до входов в Большой дворец и Малый дворец [4]. Две трети отведенной земли было отведено под различные французские павильоны; остальное было предоставлено другим участвующим странам, большинство из которых были европейскими. Примечательно, что Германия не была представлена, так как сохранявшаяся напряженность после войны означала, что их не приглашали присоединиться к выставке, пока не стало слишком поздно для организации национального павильона.
Соединенные Штаты также отсутствовали из-за нехватки дизайнеров, чья работа соответствовала требованиям, предъявляемым к представлению дисплеев. [5]
Именно эти требования отличали Экспозицию 1925 года от ее предшественников. Условие, которое в конечном итоге дисквалифицирует участие американцев, заключалось в том, что ни один дизайн не может быть основан на исторических стилях — все должно было быть исключительно современным. Хотя была надежда, что выставка отразит жизнь обычного человека, большинство представленных продуктов были дизайнерскими товарами, предназначенными для богатой элиты.[6]
В результате тех же требований во многих павильонах Экспозиции использовались различные современные архитектурные стили. Павильон нарождающегося Советского Союза, спроектированный Константином Мельниковым, представлял собой угловатый красно-белый памятник русскому конструктивизму, выполненный из дерева и стекла. Голландский павильон, спроектированный Дж. Ф. Стаалем, был зданием в стиле экспрессионизма, построенным из красного кирпича.
Тем временем Виктор Орта в дизайне бельгийского павильона отказался от витиеватого стиля ар-нуво, которым он был известен, в пользу ступенчатой, прямолинейной конструкции, более соответствующей большинству французских павильонов.[7]
Угловая геометрия характерна для павильона СССР Мельникова.
Предоставлено пользователем Викимедиа Франсуа ГОГЛИНСОМ (общественное достояние)
Несмотря на наличие этих альтернативных стилей и даже нескольких историцистских работ, противоречащих правилам ярмарки, именно французское современное искусство будет наиболее заметно на выставке. Хотя к 1925 году он уже был популярен во Франции, выставка стала первым случаем, когда этот стиль был представлен международной публике.В последующие десятилетия глобальное влияние ярмарки было несомненным; в 1966 году на другой парижской выставке стиль ар-деко был переименован в честь выставки, которая его популяризировала [8].
Ар-деко, несмотря на его врожденное прославление современности и озабоченность ею, не был модернистом в строгом определении этого термина.
Он не был основан на принципах рационалистической инженерии или научной эффективности, вместо этого использовались мотивы и символы современности в качестве декоративного утверждения.Это отличало его не только от зарубежных школ, таких как конструктивизм и Баухаус, но даже от международного стиля, поддерживаемого французским Ле Корбюзье [9]. Эта разница была очевидна в L’Esprit Nouveau Pavilion Ле Корбюзье, образцовой квартиры, демонстрирующей его безжалостно эффективную «машину для жильцов» без стилизации, присущей ар-деко [10].
Возможно, неудивительно, что из-за своей декоративной природы самые выдающиеся постройки в стиле ар-деко на выставке принадлежали не архитекторам или странам, а французским компаниям и художникам-декораторам.Несколько известных парижских универмагов, в том числе Galeries Lafayette, Le Bon Marché и Le Printemps, создали тщательно продуманные павильоны, призванные заманить посетителей полюбоваться комнатами, обставленными и украшенными потребительскими товарами.
На внешних фасадах этих павильонов использовалось несколько общих мотивов ар-деко, включая стилизованные цветочные элементы, ступенчатые формы, солнечные лучи и зигзаги. Аналогичную тактику использовали представители различных прикладных и декоративных искусств — от книжных издателей до знаменитого стеклодува Рене Лалика; последний также спроектировал массивный многоярусный обелиск Fontaine Lumineuse (Светящийся фонтан) с кариатидами из формованного стекла, который стоял в центре соседней площади.[11]
Солнечные лучи, венчающие вход в павильон Galeries Lafayette, — типичный элемент декора ар-деко.
Предоставлено пользователем Викимедиа Франсуа ГОГЛИНСОМ (общественное достояние)
Самым известным павильоном на выставке стала витрина индивидуального художника, дизайнера мебели Жака-Эмиля Рульмана. Hôtel d’un Collectionneur (Дом для коллекционера произведений искусства), спроектированный Пьером Пату, состоял из набора элегантно оформленных номеров, расположенных вокруг овального Большого салона в центре.
Эти роскошные интерьеры находились в ступенчатом, в основном прямолинейном здании, украшенном классическими барельефами с изображением танцоров. Критики восхищались элегантной модернизацией традиционных форм, которая в сочетании с роскошным интерьером в конечном итоге принесла отелю репутацию одного из величайших достижений французского ар-деко. [12,13]
За шесть месяцев работы Международная выставка декоративного искусства привлекла около шестнадцати миллионов посетителей, что вызвало огромный международный спрос на стиль, которому она в конечном итоге дала свое название.В соответствии с целями организатора выставка также сделала Францию арбитром вкуса и моды в межвоенный период; Сам Париж был выставлен как самый фешенебельный город мира [14]. Но разветвления Международной выставки распространились далеко за пределы Парижа. Хотя в последующие годы последуют несколько аналогичных мировых ярмарок (в том числе еще две в Париже в 1931 и 1937 годах), ни одна из них не будет иметь такого громкого влияния, как выставка 1925 года.
Выставка 1925 года, уступившая место модернизму после Второй мировой войны, — но ни одно событие никогда не оказало бы такого глубокого влияния на мировые дизайнерские идеи.[15]
Афиша выставки, дизайн Роберта Бонфилса.
Предоставлено Музеем Виктории и Альберта
Экспозиция, занимавшая оба берега Сены, была соединена мостом Александра III, построенным для предыдущей Всемирной выставки.
Предоставлено пользователем Викимедиа Франсуа ГОГЛИНСОМ (общественное достояние)
В павильоне Бон Марше использовались ступенчатые отступы — еще один мотив, часто встречающийся в зданиях в стиле ар-деко.
Предоставлено пользователем Викимедиа Франсуа ГОГЛИНСОМ (общественное достояние)
Голландский павильон был образцом экспрессионистской архитектуры на ярмарке в основном в стиле модерн.
Предоставлено Nederlands Architectuurinstituut
Ссылки
[1] Encyclopdia Britannica Online, s.
v. «France», по состоянию на 9 августа 2016 г., [доступ].
[2] Райделл, Роберт В. Мир ярмарок: Выставки века прогресса. Чикаго, Иллинойс: Издательство Чикагского университета, 1993.p3.
[3] Райзман, Дэвид Сет. История современного дизайна. Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Prentice Hall, 2004. p155.
[4] Пулен, Ричард. Графический дизайн и архитектура, история 20-го века. Беверли, Массачусетс: Rockport Publishers, 2012. стр. 86.
[5] Виндовер, Майкл. Ар-деко: способ мобильности. Квебек: Presses De L’Université Du Québec, 2012. p120.
[6] Райзман, с155.
[7] Байер, Патрисия. Архитектура ар-деко: дизайн, оформление и детали двадцатых и тридцатых годов. Нью-Йорк: H.Н. Абрамс, 1992. С. 38-40.
[8] Bayer, p12-37.
[9] Пайл, Джон Ф. История дизайна интерьера. Нью-Йорк: Wiley, 2000. стр. 349.
[10] Bayer, p21-22.
[11] Bayer, p38-46.
[12] «Ар-деко: Парижская выставка 1925 года». Музей Виктории и Альберта. Проверено 9 августа 2016 г. [доступ].
[13] Bayer, p39.
[14] «Ар-деко: Парижская выставка 1925 года».
[15] Bayer, p37-38.
История, изображения, интерпретация — идеи
Расширено и отредактировано из журнала World’s Fair , том VIII, номер 3, 1988
по
Артур Чендлер
Для многих историков, которые оглядываются более чем на полвека назад Фактически, бурные двадцатые в Париже светятся особой магией.Война за прекращение всех войн велась и выиграна. После почти пятидесятилетней немецкой оккупации Эльзас снова стал частью Франции. Американские солдаты задержались в Париже, прежде чем вернуться домой, и написали своим друзьям, что Париж — подходящее место. Художники и интеллектуалы мигрировали в «Город Света», обретя там свободу существования и волнение мысли, не похожее ни на что в мире. «Это не столько то, что дает вам Франция, — сказала экспатриантка Гертруда Стайн из своей квартиры на Rue de Fleurus, — это то, что она не забирает.»Эрнест Хемингуэй, Ф.
Скотт Фицджеральд, Аарон Коупленд, Жозефин Бейкер — список американцев в Париже в 1920-х и 30-х годах — это почти история американского искусства и литературы тех лет.
Для вдумчивых парижан присутствие американских писателей и художники стали еще одним доказательством того, что они считали судьбой своего города: возобновить миссию civilisatrice , культурное лидерство всего мира, как провозгласил Виктор Гюго полвека назад.С возвращением мира и процветания Франция снова смогла задуматься о проведении международной выставки, чтобы вновь заявить о себе как о властителе вкуса и стиля. Но не было большого энтузиазма по поводу открытия предприятия в масштабе всемирной ярмарки 1900 года. Теперь, два десятилетия спустя, Франция решила, что было бы неразумно и ненужно устраивать еще одну универсальную выставку. Ярмарка 1900 года, возможно, самая масштабная за всю историю, должным образом провозгласила Париж городом, который определил темы на грядущее столетие.Какая прибыль была бы в проведении репризы? Как и предсказал Фредерик Ле Плей в своем отчете о выставке 1867 года, возникло непреодолимое давление с целью сделать каждую ярмарку более роскошной, чем предыдущую.
Ярмарка 1900 года, безусловно, была самой масштабной в истории Парижа; но он потерял деньги и далеко не соответствовал цифре посещаемости, которая, как уверенно предсказывали комиссары, должна была произойти.
Неужели в Париже больше не будет универсальных выставок? Пойдет ли руководство в Англию, Италию или Соединенные Штаты? Америка казалась вероятным кандидатом, поскольку в 1893, 1904 и 1915 годах были проведены крупные выставки.После истощения Первой мировой войны казалось вероятным, что роль лидера перейдет к Соединенным Штатам, которые не пострадали ни физически, ни по форме экономически.
Но французы не были готовы передать огонь Америке. Франция должна — Франция должна — сохранить свое лидерство в этой жизненно важной сфере. Но будущие экспозиции столицы должны иметь конкретную повестку дня. Проводить другую мировую выставку, на которой выставлялось все отовсюду, было слишком масштабным предприятием.Следующая французская выставка должна быть организована вокруг определенной темы — идеи, предложенной Ле Пле в 1867 году — и она должна явно продвигать интересы французского бизнеса и правительства.
Ко второму десятилетию двадцатого века Франция имела очень четкое представление о том, что должна делать такая «тематическая экспозиция». Оглядываясь назад на ситуацию во Франции незадолго до войны, министр торговли Люсьен Диор точно увидел затруднительное положение своей страны:
Французский вкус был законом, и последствия этого ощущались как в государственной казне, так и в частных счетах производителей. продавцы и художники.Все это не выдержало. Почему? Потому что повсюду вокруг нас англичане, немцы, бельгийцы, итальянцы, скандинавы и даже сами американцы отреагировали и стремились создать для себя — к лучшему или худшему — оригинальное искусство, новый стиль, соответствующий меняющимся потребностям, проявляемым международная клиентура. Что мы делали за это время, кроме нескольких доблестных усилий нескольких изолированных? Ничего, кроме как копировать наши собственные старомодные стили. Результат? В 1912 году говорили о «коммерческом седане».» [1]
Итак, повестка дня выставки E xposition internationale des arts decoratifs et Industriels modernes была поставлена: показать миру, что французский вкус снова будет лидером в развитии нового международного стиля.
Так же, как французские художники и мастера устанавливали стандарты вкуса в изобразительном и декоративном искусстве со времен Людовика XIV, поэтому послевоенный Париж показал миру, что Франция готова и способна определить элементы зарождающегося стиля, который будет известен как ар-деко.
Стоит отметить изменение номенклатуры с «универсальной» на «международную» в официальном названии экспозиции. Само изменение свидетельствует об отходе от более крупных устремлений более ранних экспозиций. «Универсальный» означал как «всеобъемлющий» в аудитории, на которую была направлена экспозиция, так и «охватывающий все формы мысли» в ее выставке промышленных и художественных продуктов. Слово «международный» открывает новый взгляд на экспозицию. В то время как национальные интересы всегда, открыто или скрыто, присутствовали на каждой выставке в Париже с 1798 года, национализм теперь выходит на первый план и заменяет стремление к универсальности.И Франция, конечно же, считала себя оркестром интернациональных стилей.
Во многих отношениях Пэрис никогда не отказывалась от своей роли лидера. В живописи, литературе и музыке Париж на протяжении десятилетий был домом авангарда — сам этот термин указывает на его французское происхождение. В женской моде парижские шляпа, перчатка и платье по-прежнему устанавливали стандарт новой элегантности в высшем обществе. Только в декоративном искусстве и архитектуре французы твердо держались за прошлое.Новаторские здания и мебель в стиле модерн 1900 года были забыты. И старые деньги, и новые в равной степени предпочитали испытанные и верные стили — от величавой элегантности старого режима до витиеватой эклектики Второй Империи — для своего собственного жилого пространства.
Однако до некоторой степени ар-деко был движением в духе модерна. Обе формы отказались от декоративной лексики прошлого с их неизбежным стремлением к классическим мотивам, темам и пропорциям.Оба были, по сути, искусством поверхности, что отражает более раннее заявление Джона Раскина о том, что орнамент является основной частью архитектуры. Но с начала двадцатого века на воображение художников и мастеров оказали влияние три новых фактора: кубизм в живописи, колониальное искусство французских колоний и движение Баухауз в архитектуре. Каждое из этих влияний отчетливо прослеживалось в архитектуре и экспонатах экспозиции 1925 года.
Ар-нуво предпочитал в своих линиях некую извилистую грацию — грацию задрапированных виноградных лоз или вялых движений экзотических танцоров.Однако кубизм Брака, Гриса и Пикассо возвестил новый вкус к резкой угловатости. Перенесенный в декоративное искусство мебели, одежды и архитектуры, эта резкость была сглажена гладкостью линий, которые мы теперь называем обтекаемыми . «Все, что явно отличало старый образ жизни, было строго исключено из экспозиции 1925 года» [2], — писал Вальдемар Джордж. Новый стиль был бы агрессивно современным, взяв за основу авангард в других искусствах, чтобы выразить новый дух эпохи.
Искусство и артефакты черной Африки, собранные знатоками с начала века, также рассматривались как источники некой примитивной мускульной жизненной силы, недоступной ни для традиционных декоративных форм, ни для вялых направлений искусства. модерн. Многие из стилизованных и ярко окрашенных тканей в стиле ар-деко обязаны своим существованием французским дизайнерам, которые восхищались африканскими тканями и масками и переводили их. Экспозиция 1925 года знаменует собой настоящий поворотный момент в отношении французского отношения к колониальным народам.Африканские ткани, которые когда-то считались причудливыми изделиями умственно отсталых людей, теперь были энергично включены в стиль ар-деко, который, казалось, хорошо сочетался с угловатой энергией «примитивного» искусства. Параллельно увлечению африканскими ремеслами и искусством была мания Жозефины Бейкер и ее Revue Nègre , которая покорила Париж в 1920-х годах. Энтузиазм, с которым французы восприняли эти два проявления черной культуры, в одном отношении является унаследованной жаждой экзотики, которая веками была характерна для французского общества.Но на более высоком уровне принятие французами черной культуры знаменует собой поворотный момент в принятии общества и нравов людей, которые, как она когда-то считала, были отсталыми и отсталыми. Ар-деко — это самый явный признак меры, не только терпимости, но и признания ценности других культур.
Ар-деко на всемирных выставках — Смитсоновские библиотеки / без ограничений
Это третья из серии публикаций о ресурсах ар-деко в библиотеке Смитсоновского музея дизайна Купера Хьюитта.В каждом посте будут выделены основные ресурсы, содержащие стили и дизайн эпохи ар-деко. Эти ресурсы разделены на семь категорий: публикации всемирной выставки, книги по интерьеру и архитектуре, торговые каталоги, графический дизайн, книги с выкройками и файлы с изображениями. Это руководство не является исчерпывающим резюме, и эти избранные ресурсы — лишь часть того, что ждет энтузиастов ар-деко и исследователей в коллекции библиотеки Купера Хьюитта. Мы благодарны Жаклин Фосслер и Джозефу Лаунди за их щедрую поддержку этого проекта.
На Парижской выставке 1925 года ар-деко дебютировал на международной арене. Архитектура и интерьеры павильонов были выполнены в новейшем, самом роскошном стиле, а дизайн, который наполнял их, вызвал волну во всем мире. Последующие всемирные ярмарки продемонстрировали глобальное участие в те годы, которые определяли этот стиль, обозначили, где этот стиль распространился, и проследили, как он развивался.
Библиотека Купера Хьюитта, Смитсоновского музея дизайна, хранит несколько книг, посвященных событиям Всемирной выставки, начиная с выставки 1851 года в Лондоне.После модной выставки Paris Expo 1925 года в других странах проводились мероприятия, которые вывели стиль за пределы улиц Парижа через призму промышленных, технологических и геополитических держав внутри каждой страны. После Парижской ярмарки 1925 года ар-деко был заметен на Чикагской ярмарке 1933 года, Парижской ярмарке 1937 года и Нью-Йоркской ярмарке 1939 года. В дополнение к этим большим ярмаркам, более мелкие расширения стиля появлялись на других ярмарках, которые помогали расширять массовую привлекательность и среду, в которой был принят и развивался стиль ар-деко.Пожалуйста, оцените эти моменты и узнайте, как эта коллекция эфемеров Всемирной выставки прослеживает стиль ар-деко на протяжении почти двух десятилетий по всему миру.
Париж 1925 г. Международная выставка декоративного и промышленного искусства (Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства) была посвящена оригинальному и современному дизайну. Как первая полностью современная международная выставка, она изменила выставочные стратегии и, следовательно, культуру потребителей в целом.Представляя произведения декоративно-прикладного искусства и дизайна в ансамблях, дизайнеры продемонстрировали посетителям предполагаемое использование своих объектов. В рамках этой экспозиции Франция вновь стала мировым законодателем вкусов и центром предметов роскоши.
Коллекция Купера Хьюитта полна образцами этих ансамблей и широко распространенного стиля ар-деко на выставке 1925 года. Возможно, самой иконой этого новаторского стиля ар-деко было посольство Франции, созданное Société des Artistes Decorateurs (SAD).SAD выступила в роли ключевых организаторов экспозиции даже во время задержки из-за Первой мировой войны. Une ambassade française предлагает цветные эскизы различных дизайнов комнат, а также черно-белые фотографии реализованных пространств.
Рисунок 1. Слева: иллюстрация 10 «Маленький салон» Мориса Дюфрене из Société des Artistes Decorateurs Une ambasade française .Рис. 2. Справа: иллюстрация 8 «Fumoir en Laque» Ж. Дюнана из Société des Artistes Decorateurs Une ambasade française .
На этих ресурсах представлена разнообразная перспектива ярмарки. Хотя большинство публикаций на французском языке, иллюстрации и фотографии дают представление о таких аспектах экспозиции, как архитектура и дизайн. Многие из них представляют собой павильоны, найденные в Париже, чья архитектура служит образцом для будущего дизайна в стиле ар-деко.
Ресурсы Cooper Hewitt на всех ярмарках раскрывают отдельные объекты, как показано в томе Анри Рапена, упомянутом во вводном посте к этой серии, а также путеводители по ярмарке и принимающему городу.Дополнительные публикации включают каталоги и несколько общих отчетов и отчетов комиссаров, в некоторых из которых подробно рассматриваются вопросы современного дизайна и декоративного искусства.
Рис. 3. Автомобили в форме ракеты Sky Ride из Официальной книги обзора , выставка «Век прогресса» , 1933.Выставка «Век прогресса 1933 года» в Чикаго знаменовала развитие города с момента его основания в 1833 году. В разгар Великой депрессии многие экспоненты не могли себе позволить появиться.Поэтому организаторы ярмарки заручились поддержкой Национального исследовательского совета, чтобы сделать эту выставку первой международной выставкой, посвященной науке. В духе технологий выставка официально открылась, когда датчики зафиксировали свет от звезды Арктур, свет, который покинул свое происхождение примерно во время проведения Колумбийской выставки 1893 года в Чикаго. Выставка была известна своим ярким радужным городом в стиле ар-деко и Sky Ride, которые отправили посетителей в стильное и увлекательное путешествие по ярмарке на возвышенности.
Большинство фондов в коллекции Купера Хьюитта — это путеводители для посетителей, сувенирные книги и серии книг по различным научным темам, от антропологии до зоологии. Хотя некоторые из них менее связаны с дизайном, многие предлагают иллюстрации и справочную информацию о конкретных зданиях, выставках, событиях и советы по изучению города.
Большая часть ярмарки и ее кратковременных мероприятий связаны с промышленным производством потребительских товаров, которые отражают тему ярмарки — прогресс.Такие продукты, как сахар, шины и бытовая техника, представленные производителями, подчеркнули технологичность и глобальный успех каждого бренда. Темы ар-деко очевидны в графической обработке этих публикаций, а также в оформлении выставок.
Рис. 4. Обложка из История сахара , Чикаго, 1933.Международная выставка искусства и техники 1937 года в современной жизни ‘ (Международная выставка искусств и методов в современной жизни) была крупнейшей по масштабу в Париже увидел.Примечательно, что ярмарка посвятила целые павильоны новым материалам, таким как алюминий и пластик, а архитектурные и дизайнерские приемы охватили постоянно популярный современный стиль.
Рисунок 5. A.M. Шрифт Peignot Кассандры из Purpose in Design , Paris, 1937.Библиотека содержит коллекцию нескольких первоисточников, посвященных декоративному искусству на Парижской ярмарке 1937 года. Безусловно, наиболее исчерпывающей из них является книга Амелии Дефрис под названием « Цель в дизайне» , в которой особое внимание уделяется мастерству, а не массовому производству декоративно-прикладного искусства.Эта книга, составленная по странам и техникам, помогает продемонстрировать повсеместное влияние ар-деко по всему миру и в различных средах.
Рис. 6. Выставка и выставка осветительных приборов из Luminaire moderne , Париж, 1937.Каталоги с новаторскими проектами и их инсталляцией соответствуют требованиям парижской выставки 1925 года, где мебельные ансамбли были излюбленной техникой показа. Два тома Ensembles Mobiliers иллюстрируют с помощью фотографий разнообразие пространств и декора, которые эволюционировали из оригинального стиля ар-деко к 1937 году.
Рисунок 7. Слева: Chambre Э. Кольмана из Ensembles mobilies , v.2, Paris, 1937.
Рисунок 8. Справа: Chambre de Dame Андре Арбуса из Ensembles mobilies , v.2, Париж, 1937 В 1939 году в Нью-Йорке прошла ярмарка, которая вывела диалог за рамки современности. Ярмарка была посвящена не стилям прошлого или современным достижениям, а будущему. В «мире завтрашнего дня» Трилон и Перисфера служили официальными символами и массивно стояли в центре ярмарки.Ближе к концу Великой депрессии люди были готовы вернуться к более комфортному потребительскому образу жизни. Посетители наслаждались аттракционами, такими как прыжки с парашютом, и развлечениями, такими как «Храм Джиттербага». На протяжении всей выставки дизайнеры использовали стиль ар-деко, чтобы познакомить посетителей с передовыми и современными технологиями, которые все еще были достаточно знакомы, чтобы их можно было вернуть в свои дома.
Коллекция Cooper Hewitt, представленная на этой ярмарке, богата путеводителями, каталогами и павильонными проспектами, спонсируемыми такими брендами, как General Motors, General Electric, Heinz 57, Ford и другими.Они предлагают иллюстрации выставок и продуктов и являются отличным эталоном потребительской и рекламной культуры на рубеже 1940-х годов. В своих павильонах эти компании демонстрировали публике свои продукты и идеи на будущее. Многие из этих отличительных черт инноваций остались под сильным влиянием ар-деко.
Рис. 9. Страницы, изображающие внешний вид павильона Ford из Выставка Ford , Всемирная выставка в Нью-Йорке, 1939 год. Ford подходил к будущему аналогичным образом, через автомобили.Брошюра с выставки Ford в коллекции Купера Хьюитта предлагает вид на здание в стиле ар-деко, исторически рассматривает эволюцию автомобиля и предлагает объяснение первой движущейся фрески, мобильной фрески у входа в здание Ford. обсуждая энергетику, промышленность и силу человека.
Рис. 10. Страницы, на которых показаны установки из павильона General Electric с выставки The General Electric Building, New York World’s Fair 1939.Павильоны General Electric отмечали и играли с новыми технологиями в своей отрасли. Посетителей могли транслировать по телевидению, восхищаться научными открытиями и развлекать «Волшебная кухня», где бытовая техника автоматически открывала и закрывала свои обтекаемые дверцы.
Возможно, одним из самых ярких произведений искусства в стиле ар-деко на ярмарке был Дом Хайнца. Снаружи купол украшен томатно-красным фризом Доменико Мортеллито с изображением сельскохозяйственных сцен как в восточном, так и в западном полушариях.Внутри павильона инновации Heinz приправы сияют рядом со скульптурой Раймонда Баргера, которая является центральной фигурой на высоте 65 футов. Сине-зеленая колонна из терракотовой плитки стоит за фигурами, представляющими страны, из которых Хайнц импортирует ингредиенты для своих знаменитых 57 разновидностей. Он поддерживает «Богиню Совершенства» и ее символический световой шар, видимый снизу через мираж цветов. Хотя ар-деко сильно влияет на ядро этого фонтана, он также включает в себя модернизм и потребительство, и, похоже, он падает, как брызги кетчупа на пол павильона.
Рис. 11. Страницы с изображением интерьера павильона Heinz 57 из выставки 57 Heinz, Всемирная выставка в Нью-Йорке, 1939.Эти четыре важные ярмарки дают представление об эволюции ар-деко по времени, месту и отрасли. Тем не менее, это не ограничивается тем, что здесь представлено! Коллекция Всемирной выставки Купера Хьюитта включает публикации с ярмарок в эти годы и со всего мира. Многие из этих ярмарок посвящены схожим темам промышленности, национального развития, искусства, архитектуры и колониализма.
Хотя многие из этих публикаций являются памятными или общими отчетами, они предлагают заглянуть в разные уголки мира и раскрывают самые далекие уголки современности в стиле ар-деко.
Включены прочие, более мелкие ярмарки; Данидин, Новая Зеландия 1925-26, Филадельфия 1926, Лонг-Бич 1928, Барселона 1929, Севилья 1929-30, Льеж 1930, Стокгольм 1930, Антверпен 1930, Париж 1931, Брюссель 1935, Сан-Диего 1935-36, Даллас 1936, Кливленд 1936- 37, Бельгия 193, Глазго 1938, Льеж 1939 и Сан-Франциско 1939-40.
Избранная библиография:
Une ambassade française // Organisée par la Société des artistes décorateurs.
Телефонный номер: NK2549 .S65 Фолио 1925 года
Издано / создано: 1925, Париж, Франция
Гид по павильону от Общества художников-декораторов на Международной выставке декоративного искусства и современной промышленности в Париже, Франция, 1925 г. Он включает иллюстрации интерьеров с избранными фотографиями реализованных пространств.Список дизайнеров доступен на французском языке.
Официальный обзор выставки «Век прогресса»
Телефонный номер: T501.C1 A43 1933 Quarto
Издано / создано: c1933, Чикаго, Иллинойс
Официальный обзор выставки «Век прогресса» в Чикаго, штат Иллинойс, с 1933 по 1934 год. Содержит иллюстрации и общую информацию об архитектуре, выставках и развлечениях. Включает иллюстрации, демонстрирующие одержимость эпохи ар-деко светом и водными сооружениями.
История сахара
Телефонный номер: T501.L1 S86 1933
Издано / создано: 1933, Нью-Йорк, Нью-Йорк
Сложенная брошюра, опубликованная Национальной компанией по переработке сахара в Нью-Джерси, иллюстрирующая процесс очистки сахарного тростника и сопровождающая выставку сахара на Всемирной выставке в Чикаго в 1933 году. Доступно на английском языке.
Цель дизайна; обзор нового движения, которое можно увидеть в студиях и на фабриках, а также на Международной выставке искусства и техники, применяемой в современном мире, Париж, 1937 г.
Телефонный номер: NK1510.D4 1938
Издано / создано: 1938, Лондон, Англия
Обзор декоративно-прикладного искусства, графического дизайна и изобразительного искусства на Всемирной выставке в Париже 1937 года. Организовано по странам и материалам с дополнительной информацией по многим проектам. Доступно на английском языке.
Светильник современный
Телефонный номер: NK8360. h474X quto
Издано / создано: 1937, Париж, Франция
Фотографии выставки современного освещения в павильоне светильников на Всемирной выставке в Париже 1937 года.На изображениях представлены осветительные приборы и монтажные виды в сопровождении дизайнеров. Доступно на французском языке.
Ансамбли мобилизаторов. V.2
Телефонный номер: NK2049 .E6X folio
Издано / создано: 1937, Париж, Франция
Два тома, включающие фотографии интерьеров с мебелью, декоративным искусством, дизайном и искусством с Международной выставки 1937 года в Париже, Франция. Доступно на французском языке.
Официальная сувенирная книга // Всемирная выставка в Нью-Йорке 1939 г.
Телефонный номер: T785.C1 A3 1939
Издано / создано: 1939, Нью-Йорк, Нью-Йорк
Официальный путеводитель по Всемирной выставке в Нью-Йорке 1939-40, изданный Exposition Publications, Inc., разработанный Дональдом Дески и отредактированный Фрэнком Монаганом. Включает информацию о ярмарке и зонах, на которые она была разделена. Доступно на английском языке.
Выставка Ford: Всемирная выставка в Нью-Йорке
Ford Motor Company
Телефонный номер: T785.K1 F69 1939
Опубликовано / создано: 1939 ?, США
Брошюра для выставки Ford Motor Company на Всемирной выставке 1939-40 в Нью-Йорке.Иллюстрирует и описывает архитектуру, выставки, фрески и многое другое из павильона Ford Exposition. Доступно на английском языке.
The General Electric Building, Всемирная выставка в Нью-Йорке 1940
, General Electric Company
Телефонный номер: TK451.G3 G46 1940
Издано / создано: 1940, Нью-Йорк, Нью-Йорк?
Брошюра для павильона компании General Electric на Всемирной выставке в Нью-Йорке 1939-40. Иллюстрирует и описывает архитектуру, выставки, фрески и многое другое из павильона General Electric.Доступно на английском языке.
57 Хайнц: выставка Хайнца, 1939 г., Всемирная выставка в Нью-Йорке
, компания H.J. Heinz
Телефонный номер: T785.K1 h54 1939
Издано / создано: 1939, Питтсбург, Пенсильвания
Брошюра для павильона компании H.J. Heinz на Всемирной выставке в Нью-Йорке 1939-40. Иллюстрирует и описывает архитектуру, выставки, декоративное искусство и многое другое из павильона 57 Хайнца. Доступно на английском языке.
Art Deco — Выставка
Международная выставка декоративно-прикладного искусства 1925 года в Париже стала первым случаем, когда декоративно-прикладное искусство занимало центральное место, и единственным критерием для выставок было то, что они должны быть «современными».Ар-деко воплощает роскошный стиль с гладкими линиями, яркими цветовыми контрастами и современными материалами машинного возраста, такими как пластик, хром, бакелит, нержавеющая сталь, стекло и лак. Термин «ар-деко» вошел в употребление после ретроспективной выставки под названием Les anneés ’25 , проходившей в Музее декоративного искусства в Париже в 1966 году.
Этот стиль применялся ко всем аспектам жизни, особенно к дизайну транспортных средств, таких как поезда, корабли, автомобили и самолеты.Плакаты, реклама и журналы дня пропагандировали путешествия. Производители перенимали мотивы дизайна ар-деко и производили современные часы, радиоприемники и сложные изделия, которые олицетворяли скорость и эффективность. Женская мода и украшения делали то же самое, что и джентльменский пошив. Мода была роскошной и яркой, а такие дизайнеры, как Поль Пуаре и Эрте, процветали. Влияние распространилось на мебель, скульптуру, архитектуру и графический дизайн.
Экспозиция 1925 года оказала большое влияние на декоративное искусство в Америке, хотя Соединенные Штаты в то время не участвовали в выставках.В 1920-х и 1930-х годах стиль moderne повлиял на многие аспекты американского кино, включая декорации и декорации, костюмы актрисы, рекламные плакаты и архитектуру кинодворцов. Родился джаз, который вскоре стал звуком эпохи. В театральных постановках и экстравагантных ревю в Париже, Нью-Йорке и Лондоне использовались роскошные декорации в стиле ар-деко.
Арт-деко продолжает жить! Он оказал сильное влияние на современный дизайн, и в последние годы возобновился интерес к многочисленным крупным выставкам в музеях по всему миру на тему ар-деко.Новые книги об этом периоде издаются в большом количестве. Здания в стиле ар-деко реставрируются все чаще, и многие из них признаны историческими памятниками. Здесь, в Монреале, ресторан на девятом этаже бывшего универмага Eaton был объявлен историческим местом. Он был спроектирован архитектором Жаком Карлу и открыт в 1931 году. Это очень точная копия первоклассного обеденного зала трансатлантического лайнера S S Ile de France, спущенного на воду в 1926 году. (В настоящее время закрыто для посещения.)
Настоящая выставка отдает дань уважения ар-деко по случаю 10-го Всемирного конгресса, проходящего в Монреале, Квебек, 24-30 мая 2009 года. На ней представлены образцы дизайна ар-деко в различных форматах и стилях, включая эфемеры, популярные журналы, книги. -переплеты, типографика и реклама из фондов редких книг и специальных коллекций Университета Макгилла. Выставка продолжается в вестибюле и читальном зале на четвертом этаже, посвященном жизни Монреаля 1920-х и 1930-х годов.Как и во всем остальном мире, ар-деко оказал глубокое и прочное влияние на жизнь в Монреале. В то время как в городских зданиях можно найти устойчивые памятники ар-деко, сам стиль можно было найти во всех аспектах современной жизни. Опираясь на материалы из редких книг и специальных коллекций, в том числе из коллекции канадской архитектуры Джона Бленда, влияние эстетики ар-деко задокументировано архитектурными чертежами и фотографиями, брошюрами, театральными программами, торговыми и коммерческими каталогами, меню и открытками.Последние предметы дают возможность взглянуть на эпоху через материальные предметы повседневной жизни, в то время как первые прослеживают важный переходный период от традиционных архитектурных стилей к «современным» концепциям дизайна и функциональности. Все вместе они открывают яркую эпоху инноваций и экспериментов.
Выставка организована сотрудниками Редких книг и специальных коллекций и Библиотеки Блекадера-Лаутермана.
Coming to The Frist Center: Sensuous Steel: Art Deco Automobiles
Мы гордимся тем, что участвуем в удивительной новой выставке, которая состоится этим летом в Frist Center в центре Нэшвилла! Sensuous Steel: Автомобили в стиле ар-деко — это выставка автомобилей в стиле ар-деко из самых известных автомобильных коллекций США.
На этой выставке, вдохновленной историческим зданием Frist Center в стиле ар-деко, будут представлены впечатляющие автомобили и мотоциклы 1930-х и 40-х годов, которые олицетворяют классическую элегантность, роскошные материалы и иконографию движения, характерную для автомобилей в стиле ар-деко.
Специальное взаимное предложение: На протяжении всего пробега Sensuous Steel в Нэшвилле Frist Center и Lane Motor Museum будут предлагаться взаимные скидки на вход при предъявлении корешков билетов.Просто принесите корешок билета из любого музея, который вы посетите первым, в другой музей, и получите скидку (скидку за полцены в Frist Center и скидку 3 доллара в Lane Motor Museum).
Увлечение автомобилями выходит за рамки возраста, пола и окружающей среды. В то время как сегодня производители автомобилей часто стремятся к экономии и эффективности, было время, когда царила элегантность. Под влиянием движения ар-деко, зародившегося в Париже в начале 1920-х годов и получившего известность благодаря успеху Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства в 1925 году, автопроизводители приняли новые гладкие обтекаемые формы и материалы, вдохновленные самолетами, создав запоминающиеся автомобили. это до сих пор волнует всех, кто их видит.На выставке будут представлены 18 автомобилей и два мотоцикла из самых важных коллекционеров и коллекций США.
Sensuous Steel организован для Frist Center приглашенным куратором Кеном Гроссом, бывшим директором Автомобильного музея Петерсена. Гросс был приглашенным куратором выставки The Allure of the Automobile , всемирно известной выставки, представленной в Художественном музее Атланты в 2010 году; Кроме того, в следующем году он разработал обновленную версию выставки для Портлендского художественного музея.Совсем недавно Гросс курировал выставку Speed: The Art of the Performance Automobile в Музее изящных искусств штата Юта в Солт-Лейк-Сити и на открытии выставки LeMay – America’s Car Museum в Такоме, штат Вашингтон. Уважаемый автомобильный журналист, более 40 лет Гросс пишет для многочисленных публикаций, включая AutoWeek , Playboy , Hagerty’s Magazine , Sports Car Market , Motor Trend Classic , Popular Mechanics , msnautos.com , Old Cars Weekly и The Rodder’s Journal . Известный авторитет в области автомобилей, он уже 24 года судит на Pebble Beach Concours d’Elegance. Гросс также является судьей конкурса Amelia Island Concours и главным судьей конкурса Rodeo Drive Concours d’Elegance. Кроме того, Гросс получил множество наград, включая премию IAMA за выслугу в 2009 году, премию Ли Якокка 2009 года, награду Washington Auto Press 2008 года «Золотое перо», премию Общества автомобильных историков «Кугнот» и «Мемориальную премию Джеймса Валентайна». »За выдающиеся достижения в области автомобильных исторических исследований.
К выставке будет прилагаться иллюстрированный каталог.
Узнайте больше на сайте центра Frist: http://fristcenter.org/calendar-exhibitions/detail/sensuous-steel
Стекло в стиле ар-деко из коллекции Дэвида Хухтхаузена | Выставки | Музей
Открыто до 25 апреля 2021 г.
Стекло в стиле ар-деко из коллекции Хухтхаузена, включая стекло начала ХХ века от таких знаковых студий ар-деко, как Рене Лалик, Даум Фререс, Пьер д’Авен, Шарль Schneider, Muller Frères, Marius-Ernest Sabino, Steuben Glass Works и многие другие.
Стекло ар-деко отличается плавными линиями, геометрическими формами и яркими цветами. движение началось отчасти как реакция на сложный и витиеватый стиль искусства. Модерн в конце 19 века. Начало жесткой экономии, вызванной Первой мировой войной Ар-деко становится популярным среди художников, дизайнеров и архитекторов по всему миру принимая стиль.Хотя ар-деко вышел из моды после Второй мировой войны, этот стиль снова приобрел популярность в 1970-х годах.
Хухтхаузен начал активно собирать предметы эпохи ар-деко в начале 1970-е, начиная с пудрениц. В 1973 году Хухтхаузен приобрел свою первую крупную работу. искусства, произведение из линии Le Verre Francais, созданное Чарльзом Шнайдером, ведущим на покупку еще 20 значительных работ в стиле ар-деко из стекла в течение следующих четырех годы.Коллекция Хухтхаузена продолжала расти в течение 1980-х годов и ускорилась. после переезда в Сиэтл в 1989 году.
Стекло в стиле ар-деко из коллекции Хухтхаузена включало более 200 предметов из его личной коллекция, которая сейчас насчитывает более 300 произведений из стекла в стиле ар-деко, большая часть из которых от европейских дизайнеров.
Выставка, организованная Музеем стекла, Такома, Вашингтон.
Стиль модерн на Парижской выставке 1900 года
Несмотря на эту напряженность, художники в стиле модерн в другом смысле чувствовали себя на Парижской выставке как дома. Это была новая волна дизайна. Движение было полон оптимизма и волнения. Их произведения были необычными, яркими и технически впечатляющими; определение современного дизайна. Артисты со всего мира использовали это мероприятие как место встречи и испытательный полигон, место, где они могли получить международные награды, награды и внимание.
На выставке художники в стиле модерн выставлялись на Esplanade des Invalides , широкой аллее на правом берегу Сены, которая занимала северо-западный угол экспозиции (см. Карту). Здесь можно было увидеть «легкие, но богато украшенные здания, посвященные широкой классификации декоративных искусств. Сюда входили украшения, костюмы, керамика, мебель, ковры и все другие аспекты дизайна интерьера ». Французское декоративное искусство было размещено на западной стороне Эспланады, а иностранное декоративное искусство было продемонстрировано, в зависимости от страны, на восточной стороне.Каждый народ тщательно выбирал своих представителей. Ремесленники и предприятия активно боролись за место в своих национальных павильонах; репутация создавалась и терялась на этих великих выставках.
По обе стороны от Эспланады были найдены памятные экспонаты с драгоценностями в стиле модерн. Рене Лалик и Эмиль Галле, оба французы, были настоящими звездами шоу. Лалик создавал эмалированные предметы и украшения, а Галле создавал изделия из выдувного стекла вручную. Большой резонанс вызвал и роскошный семикомнатный павильон Сэмюэля Бинга на французской стороне.Это не было неожиданностью. Парижский магазин Bing, L’Art Nouveau — Maison Bing , был тезкой движения модерн; многие художники движения получили от него перерыв или вдохновение. На внешней стороне Эспланады Tiffany and Company также представила впечатляющую экспозицию. Их известность в том, что касается ар-нуво, во многом обязана влиянию Луи Комфорта Тиффани. Тиффани получил известность, создавая невероятные стеклянные предметы, особенно лампы, и позже он стал директором по дизайну ювелирных изделий в Tiffany & Co.