Знаменитые художницы мира женщины: Фрида Кало и еще 5 великих художниц, которые покорили мир

Содержание

13 известных женщин-художников и их работы

В преддверии Женского дня 2022 года мы предлагаем вам взглянуть на некоторых из самых влиятельных и известных женщин-художников, потрясших мир искусства. Эти женщины — герои, за которыми вы захотите следовать, от наполнения мира горошком до того, чтобы прокладывать путь черным женщинам на арт-сцене и помогать Леди Гаге бросить курить!

1. Трейси Эмин (Великобритания, 1963 г. — настоящее время)

Невозможно удержать выжившую от рака Трейси Эмин. Эта британская артистка настолько наглая, что вышла замуж за рок в 2016 году. Объясняя «тяжелое» решение The Art Newspaper, она сказала: «Это просто означает, что в настоящий момент я не одна … и это никуда не денется». Благословить!

Трейси Эмин ошеломила мир серией часто необычных, часто заставляющих задуматься произведений искусства, основанных на ее жизни. «Моя кровать» с восхитительно некрасивыми запачканными трусами, использованными презервативами, пустыми бутылками из-под спиртного, тестами на беременность и забрызганными едой простынями, проданными на аукционе Christie’s в 3.

77 году за колоссальные 2014 миллиона долларов. Использование материалов Эмином служит платформой, чтобы кричать о важных вещах темы от сексизма до незарегистрированных изнасилований, распущенности и публичных унижений. Она даже назвала художественное движение под названием ‘Stuckism’ после ее бывшего Билли Чайлдиша.

Где посмотреть работы Трейси Эмин: Исследуйте темные территории и чистые эмоции, воплощенные в произведениях Трейси Эмин и Эдварда Мунка, в виртуальном туре по последней выставке в Королевская Академия Искусств.

«Когда дело доходит до слов, у меня есть уникальность, которую я нахожу почти невозможной в искусстве — и именно мои слова на самом деле делают мое искусство уникальным».

Трейси Эмин
2. Фейт Рингголд (американка, 1930-настоящее время)

Чернокожая художница и активистка из Гарлема Фейт Рингголд начинала как учительница искусств в государственной школе, где ее картины под названием «Американский народ» отражали движение за гражданские права с точки зрения женщин.

Она в некотором роде феминистская икона, много сделавшая для чернокожих женщин-артистов за эти годы. Она не только возглавила протесты с целью разнообразить художественные музеи, но даже попала в тюрьму за выставку в 1970-х, когда создавала маски в африканском стиле и рисовала политические плакаты. Так что, если для вас важна значимая активистская деятельность, Рингголд — одна из самых известных женщин-художников, на которую вам следует обратить внимание!

Переходя к повествовательным лоскутным одеялам, ее серия «Танцы в Лувре» из 90-х показывает счастливые чернокожие семьи, наслаждающиеся европейским искусством. Среди других известных одеял Рингголда — «Кто боится тети Джемаймы» (1983), стеганое одеяло в честь Майкла Джексона «Who’s Bad?» (1988) и ее самый известный «Tar Beach» (1988), который сейчас можно увидеть в постоянной коллекции Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Где посмотреть работы Фейт Рингголд: Возьмите онлайн-путешествие по истории Рингголда «Женщина на мосту № 1 из 5: Тар-Бич» (1988) с куратором Гуггенхайма Эшли Джеймс. Или скоро увидите это лично в Гуггенхайма.

3. Соня Бойс (британская, 1962-настоящее время)

Соня Бойс — революционное лицо современного британского искусства. Она вызвала бурю в 2018 году, когда сняла на неделю картину Джона Уильяма Уотерхауза «Гилас и нимфы» 1896 года со стены Манчестерской художественной галереи в знак протеста против изображения женских тел в истории искусства. Эта британская афро-карибская художница стала первой чернокожей женщиной, вошедшей в постоянную коллекцию Тейт в 1987 году.

Она известна своими красочными и женственными портретами, но использует в своих работах ряд средств массовой информации и часто сотрудничает с другими художниками. В начале своей карьеры Бойс вовлекалась в исторические эпизоды, в которых цветные люди были исключены, и она известна тем, что исследует связи между звуком и памятью. Под флагом чернокожих художников-женщин в 2020 году она была выбрана Британским советом как первая чернокожая женщина, которая представит Великобританию на Венецианской биеннале 2021 года, и преподает изобразительное искусство более 30 лет.

Где посмотреть работы Сони Бойс: 59th Венецианская биеннале будет проходить с мая по ноябрь 2021 года. Следите за подробностями на сайте.

4. Вивьен Вествуд (британская, 1941-настоящее время)

Модельер и «влиятельный человек» еще до того, как это стало реальностью, Дама Вивьен Вествуд привнесла моду новой волны в мейнстрим со своим собственным чутьем. Вествуд приобрел известность в 1970-х годах благодаря сотрудничеству Kings Road с промоутером и менеджером Sex Pistols Малкольмом Маклареном. После этого она в значительной степени создала фирменный образ зарождающегося панк-движения в Лондоне и открыла ряд собственных магазинов.

Эта мощная королева панка и известная артистка давно вызывает споры шокирующими произведениями, культовыми британскими образами и политическими заявлениями, что объясняет, почему мир начал смотреть. Вскоре она стала дизайнером для множества частных и знаменитых клиентов. У принцессы Евгении был хороший вкус, чтобы соответствовать этикетке дон Вивьен на всех церемониях на королевской свадьбе в 2011 году, в то время как Гвен Стефани, Оливия Уайлд, Люси Лью и Рэйчел МакАдамс раскачивали свои творения на красной ковровой дорожке.  

Где посмотреть работы Вивьен Вествуд: Познакомьтесь с некоторыми иконами моды художника в этом онлайн-выставка от V&A, в том числе роскошный дизайн обуви, наряды для бондажа и провокационные футболки времен панка.

Я постоянно пытался побудить людей думать по-новому и для себя, чтобы избежать их запретов и программирования.

Вивьен Вествуд
5. Ингрид Поллард (Великобритания, 1953-настоящее время)

Ингрид Поллард — британская художница и фотограф, чей исследовательский объектив изображает социальные конструкции общества с акцентом на расовых различиях через пейзажи и портреты. Поллард родилась в Гайане и в детстве эмигрировала с семьей в Лондон, где она живет и работает до сих пор. Ее серия фотографий 1980-х годов под названием «Pastoral Interludes» переносит нас в повседневную жизнь чернокожих людей в английских пейзажах.

Недавняя работа Полларда как поборника поддержки чернокожих женщин-художников включает в себя пересмотр британских и международных архивов с целью деколонизации этнографических и спонсируемых государством изображений бывших колонизированных стран.

Ты go, девочка.

Где посмотреть работы Ингрид Поллард: Погрузитесь глубже в творчество этой известной художницы. в этом онлайн-разговоре из Галереи фотографов на ютубе.

6. Энни Лейбовиц (американка, 1949-настоящее время)

Анни Лейбовиц, чья карьера насчитывает четыре десятилетия, считается одним из величайших фотографов-портретистов нашего поколения и одной из самых известных женщин-художников на планете. Ее работы, несомненно, изменили облик искусства, которое мы все знаем.

Культовая портретная фотография Лейбовиц была вдохновлена ​​такими фотографами, как Роберт Франк и Анри Картье-Брессон, двумя художниками 20-го века, которые перенесли документальную фотографию в настоящее, а ее десятилетняя роль главного фотографа в журнале Rolling Stone поставила ее на идеальный путь. для соло.  Среди моделей Лейбовиц такие, как Вупи Голдберг в ванне с молоком, беременная Деми Мур, Джон Леннон, The Rolling Stones и Долли Партон, а ее последняя работа до сих пор вдохновляет многих на страницах журнала Vanity Fair.

Даже Ее Величество королева Елизавета II не избежала своего всевидящего, всестороннего объектива. 

Где посмотреть Работы Анни Лейбовиц: Энни Лейбовиц представляет «Upstate», недавно выпущенную печать ограниченного тиража, которая принесет пользу Black Lives Matter, Инициативе равного правосудия и усилиям по оказанию помощи COVID-19. Он представляет собой сетку фотографий, сделанных во время карантина. Смотрите сейчас онлайн.

Когда я говорю, что хочу кого-то сфотографировать, на самом деле это означает, что я хочу их узнать. Я фотографирую всех, кого знаю ».

Энни Лейбовиц
7. Джорджия О’Киф (американка, 1887 — 1986)

Художница Джорджия О’Киф сделала для женских гениталий то же, что Моцарт сделал для фортепиано. Ее монументальные натюрморты, основанные на цветочных композициях, напоминающих вагины, сделали ее одной из самых противоречивых, но известных женщин-художников в мире.

Признанная «матерью американского модернизма», она также известна своими успокаивающими пустынными пейзажами Нью-Мексико и небоскребами Нью-Йорка. Музей Джорджии О’Киф в Санта-Фе открылся через 11 лет после смерти художника и стал первым в США музеем, посвященным одинокой художнице.

Впечатляет то, что О’Киф установила рекорд аукциона среди художников-женщин в 2014 году своей картиной «Джимсон Виид / Белый цветок № 1» (1932), проданной на Sotheby’s за 44.4 миллиона долларов. 

Где посмотреть работы Джорджии О’Киф: Музей Джорджии О’Киф в Санте-Фе находится самая большая в мире коллекция работ Джорджии О’Киф.

8. Кэтрин Бигелоу (американка, 1978-настоящее время)

Знаменитые художницы в Голливуде представляют Кэтрин Бигелоу, известную тем, что изображают главных героев женского пола, которые часто борются с внутренним конфликтом. Внедрение сурового реализма в женских персонажей в фильмах принесло ей огромное признание — наконец, женщины представлены на экране такими, какими они действительно есть в мире. Совершив переход к кино из мира искусства, Бигелоу стала популярной благодаря фильму о вампирах. Near Dark (1987), а затем На гребне волны (1991).

Бигелоу стала первой женщиной, получившей премию Оскар за лучшую режиссуру с The Hurt Locker (2008), которая была сделана в прямой конкуренции с «Аватаром» — режиссером ее бывшего мужа Джеймса Кэмерона. (Ой!) Пыль на ее полке с трофеями — это, среди прочего, награда Гильдии режиссеров Америки за режиссуру, награда Critics Choice за лучшую режиссуру и премию BAFTA за лучшую режиссуру. 

9. Яёи Кусама (японец, 1929-настоящее время)

Принцессу в горошек нельзя засечь. В своей обширной карьере Яёи Кусама видел триповые, творческие набеги на живопись, коллаж и окружающие инсталляции. Родилась в Японии в 1929 году. В детстве она не любила ничего, кроме рисования и живописи. Когда ее неодобрительные родители разорвали их на части, сославшись на искусство как на не способ заработать на жизнь, она нарисовала больше… и, черт возьми, она продолжила доказывать, что они неправы.

Кусама погрузилась в движения поп-арта, минимализма и феминизма задолго до того, как они стали мейнстримом, и, как известно, она оказала влияние на современников, от Энди Уорхола до Дональда Джадда. Ее таланты на этом не заканчиваются; Кусама также является писательницей и поэтессой, и, как известно, она даже увлекалась модой и кино.

Она также была одной из первых художников, которые экспериментировали с перформансом и боевиком. Что за женщина… хоть и немного придурковатая.

Где посмотреть Работа Яёи Кусамы: Главный Нью-йоркский ботанический сад Выставка новых и ранних работ известного японского художника Яёи Кусамы дебютирует 10 апреля 2021 года.

«Я хотел начать революцию, используя искусство для построения общества, которое я себе представлял».

Яёи Кусама
10 Юнис Голден (американка, 1927-настоящее время)

Студентка-психолог, ставшая образным экспрессионистом, Юнис Голден создала большую часть своих работ в 1960-х и 1970-х годах, когда она была одним из многих художников, которые вносили свой вклад в борьбу с цензурой в мире искусства.

Известная тем, что исследует темы сексуальности, демонстрирует откровенные образы обнаженной натуры и играет фундаментальную роль в движении за освобождение женщин, одна из самых известных в мире женщин-художников создала скандальный сериал, известный как «Мужские пейзажи», который вызвал восторг у историков искусства. хлопанье. В 1990-х годах, после смерти сына, искусство Голден привело ее к активному изучению взаимоотношений между матерью и ребенком.

Ее работы до сих пор можно увидеть на многих политических выставках, посвященных женщинам.

11 Синди Шерман (американка 1954-настоящее время)

Американка Синди Шерман занимает одиннадцатое место в этом списке известных артисток! Не каждый может зарабатывать себе на жизнь, делая селфи, но, к счастью, Синди Шерман была одной из первых, кто обнаружил, что автопортреты могут быть действительно очень прибыльными.

Этот фотограф и кинорежиссер является одним из самых влиятельных художников в современном искусстве и более 30 лет работает собственной моделью. Среди ее уникальных серий «Наездники автобуса», «Таинственные убийцы» и «Развернутые кадры» и другие, но ее самая известная серия, вероятно, «Полные кадры из фильма без названия», серия из 69 фотографий, на которых Шерман изображена как иностранка. фильм нуар, и актрисы фильмов категории B.

Часто провокационные набеги Шерман на создание современной идентичности принесли ей всемирную известность, и в 1995 году она выиграла стипендию Макартура в знак признания ее вклада в мир искусства.

Где посмотреть работы Синди Шерман: Ознакомьтесь с огромной коллекцией работ Шермана в Интернете на сайте MOMA или бронировать билеты онлайн посмотреть лично.

«Я чувствую себя анонимным в своей работе. Когда я смотрю на картинки, я никогда не вижу себя; они не автопортреты. Иногда я пропадаю ».

Синди Шерман
12 Рэйчел Уайтрид (британская, 1963-настоящее время)

Предметы повседневного обихода приобретают творческий оборот в руках скульптора Рэйчел Уайтред, лондонской художницы, которая может превратить обычный стол, стулья или матрас в нечто иное, но до жуткого знакомого. Она профессионально привлекает внимание к невидимым пространствам вокруг нас, побуждая нас читать между строк.

Компания Whiteread, известная тем, что использует такие материалы, как бетон, смола и даже снег, уделяет внимание архитектурным деталям в слепках целых комнат и зданий. «Дом», например, был призрачной копией интерьера целого викторианского дома!

Другие работы Whiteread включают слепок мемориальной скульптуры жертвам холокоста на Юденплац в Вене. А Уайтред была первой женщиной, выигравшей ежегодную премию Тернера в 1993 году за свою роль в натуральную величину заброшенного дома с террасами в лондонском Ист-Энде.

Где посмотреть работы Рэйчел Уайтрид: Послушайте, как Рэйчел Уайтрид рассказывает о своем творческом развитии, от литых скульптур домашних пространств и предметов до монументальных общественных работ в этом разговор из онлайн-архивов SFMOMA, записано в 2004 году.

13 Марина Абрамович (серб, 1946-настоящее время)

Спорная работа сербки Марины Абрамович, которую многие считают «бабушкой исполнительского искусства», означает подвергнуть себя экстремальному физическому и психологическому принуждению, исследуя отношения между исполнителем и зрителем.

В статье под названием Любовники (1988), она и ее бывший, как известно, прошли 2,500 км друг к другу с двух сторон Великой Китайской стены, встретившись посередине, чтобы «попрощаться». Сейчас это разрыв, который ты не забудешь! В фильме 1993 года «Художник присутствует» она сидела в атриуме музея, в то время как иногда забавлявшиеся, часто взволнованные зрители по очереди сидели напротив нее.

В последние годы Абрамович была вынуждена защищаться от теоретиков заговора, которые обвинили Microsoft (партнера по рассматриваемому произведению искусства), помимо прочего, в работе с «ведьмой», но Леди Гага любит ее. Она классно помогла певцу бросить курить. 

Выслушивать Леди Гага хвастается Мариной Абрамович в этом симпатичном видеоклипе на YouTube.

И последнее, но не менее важное: ознакомьтесь с этой статьей. Название нас порадовало! «Мои рисунки с волосами на лобке можно было бы повесить в вашей гостиной»: художники, возвращающие женскую сексуальность. «Право женщины на удовольствие» — это новый сборник, посвященный женскому эротическому искусству. 

«Меня интересуют только идеи, которые становятся навязчивыми и заставляют меня чувствовать себя неловко. Идеи, которых я боюсь ».

Марина Абрамович

Есть ли известные художницы, которые вас вдохновили? Находятся являетесь художница есть что сказать? Дайте нам знать в Instagram, отметив #Tiqets в своем сообщении! А если вам нужно больше вдохновения, эти кураторы поделились с нами своими известными женщинами-художницами в 2020 году.

топ-10 самых известных, список, направление в искусстве, лучшие работы

Много ли имен женщин вы вспомните, если разговор пойдет о визуальном искусстве? Если задуматься, то ощущение, что мужчины полностью заполонили эту нишу, не покидает… А ведь такие дамы есть, и их истории поистине необычные. В этой статье речь пойдет о самых знаменитых художницах мира: Фриде Кало, Зинаиде Серебряковой, Яеи Кусама. А история 76-летней бабушки Мозес просто уникальна!

В статье речь пойдет о десяти женщинах, которые покорили мир искусства своей самобытной живописью, живостью полотен, оригинальным виденьем мира, способностями практически оживить глину в скульптуре. Пусть их немного, но знать о них обязан каждый образованный человек. В этой подборке вы, скорее всего, откроете новые для себя имена и сможете убедиться, что прекрасный пол в искусстве проявил себя ничуть не хуже, чем мужчины. Далее вы увидите список знаменитых художниц.

1. Яеи Кусама — самая знаменитая художница мира из ныне живущих

Речь о японской женщине-художнице, которая покорила мир своими работами. Бешеная популярность пришла к ней в 2014 году. Ее работы выставляются в Музее Хиршхорна и саду скульптур Смитсоновского института. Что любит изображать японка? Ее картины и инсталляции — это пестрые тыквы, свисающие глобусы, узоры в горошек.

На сегодняшний день популярность художника в мировом масштаба определяется исключительно по количеству людей, которые покупают билеты на выставки, — именно так считает британское издание The Art Newspaper. В 2014 году ретроспективу художницы, которой уже 86 лет, посетили в Бразилии два миллиона людей. Выставка имеет название «Бесконечная одержимость».

В экспозиции были невероятных размеров инсталляции, декорированные зеркалами и рисунком в горох. Работы самой знаменитой художницы-японки выставляются периодически по всему миру. Что самое интересно, автор уже 10 лет добровольно проживает в психиатрической лечебнице. Там она и работает над своими необычными экспонатами.

Японка творит в жанрах:

  • живопись;
  • коллаж;
  • скульптура;
  • перформанс;
  • инсталляция;
  • хеппенинг.

Стили, которые она использует в своих работах:

  • арт-брют;
  • поп-арт.

Она занимается живописью, делает невероятные коллажи, создает инсталляции и мягкие скульптуры. Одна из ее работ была продана за 5 100 000 $ и побила все рекорды в цене на произведения современного искусства.

2. Фрида Кало — темпераментная мексиканка

На втором месте в нашем рейтинге стоит Фрида — одна из самых знаменитых женщин-художниц мира. Сложно представить себе судьбу более драматичную, чем у нее. Знаменитая мексиканская художница в детстве переболела полиомиелитом. В результате одна нога ее стала короче другой. Но девочка с бунтарским духом не хотела, чтобы люди видели в ней калеку. Она тщательно скрывала свое увечье. Для этого она носила много пар чулок на одной ноге, а также специальные туфли. Фрида старалась ничем не отличаться от сверстников: играла в футбол, заводила дружбу, влюблялась.

В юности судьба снова больно бьет Фриду. Она попадает в аварию. Автобус, на котором она едет, сталкивается с трамваем. Ее буквально собирают по кускам. Год она лежит в постели практически неподвижно. Чтобы как-то скоротать время, Фрида начинает рисовать. Она пишет картины в жанре живопись и гравюра. Стили, в которых творит художница:

  • реализм;
  • сюрреализм;
  • символизм.

Так как она почти никого не видит, кроме себя в зеркале, которое прикреплено к потолку, то в этот период она создает исключительно автопортреты. Всего за свою жизнь она напишет их 60 штук. Все они очень яркие.

«Сломанная колонна»

Девушка стала на ноги, что, по мнению врачей, было чем-то невероятным. От них она узнает, что теперь ей всю жизнь придется носить поддерживающий корсет. Этот факт отражен в ее картине «Сломанная колонна», которая была написана в 1944 году.

День страшной трагедии, которая сломала всю ее жизнь, она запечатлела на полотне, написанном в 1929 году. Оно называется «Автобусная остановка». Среди людей, ждущих злополучный автобус, находится и сама еще ничего не подозревающая Кало.

Воплощение мечты о большой любви

Железобетонная воля Фриды сделала свое дело, и 22-летняя девушка возвращается к нормальной жизни. Она решает, что ей нужно учиться, и поступает в Национальный институт. Там она встречает своего будущего мужа — маститого художника, любвеобильного, толстого и неуклюжего, однако невероятно харизматичного Диего Риверо. Фрида влюбляется по уши. Да и он неравнодушен к талантливой художнице.

Сложный брак

Чуть позже они поженились. Их семейное счастье сложно назвать безоблачным. Фрида всю жизнь страдает из-за своей неполноценности и измен мужа. Его вранье она изображает в картине «Без надежды» (1945 год). Это полотно иллюстрирует мексиканскую поговорку «Кормить из воронки». В русском языке ее аналогом является фраза «Вешать лапшу на уши».

Потеря ребенка

Очень сложное произведение знаменитой женщины-художницы «Больница Генри Форда» (1932 год). На полотне изображена сама Фрида, которая только что потеряла малыша. Вокруг нее пять печальных символов:

  1. Раздробленный таз, который стал причиной выкидыша.
  2. Потерянный кроха.
  3. Улитка, символизирующая долго текущее в больничной палате время.
  4. Механическое устройство, которое воплощает жестокость и холодность медицинских процедур.
  5. Орхидея — цветок, который показывает, что в ней еще жива сексуальность и стремление стать мамой.

В рамках одной статьи очень сложно описать весь жизненный путь и творчество этой чудесной женщины с невероятным сексуальным магнетизмом и сильной волей. Знаменитость к Фриде пришла еще при жизни.

Она написала маслом 145 полотен. Первая же ее выставка, организованная будущим мужем, принесла ей популярность. В Нью-Йоркской галерее она продала практически все картины. Мы знаем о том, что Фрида, несмотря на все свои увечья, стала иконой стиля. Ей нравилось быть яркой, эпатировать. Она никогда не следовала слепо тенденциям, а наоборот, вела мир моды за собой.

Икона стиля

Фрида носила яркие пышные юбки, при помощи которых старалась скрыть свои недостатки и подчеркнуть сексуальность и темперамент. Эта идея первой пришла в голову ее мужу, который считал, что мексиканки — особенные женщины. И они должны подчеркивать свою самобытность национальным костюмом, а не перенимать тенденции у американок. Первый раз мексиканский костюм Фрида надела на бракосочетание с Диего.

Последняя картина и смерть

Фрида Кало умерла в 47 лет. Она скончалась через неделю после своей выставки. На нее ее доставили на больничной койке. В тот день она много шутила и пила вино.

Последней картиной мексиканки стало полотно «Круг». За год до смерти ей ампутировали ногу. Она много пила, и ее работы потеряли детализацию. Полотно очень страшное в эмоциональном плане. В нем отражена вся боль Фриды, которая понимает, что ее организм разрушается и скоро придет смерть. На картине нет деталей: цветов, растений. Только разрушающаяся женская фигура, которая растворяется в хаотичных мазках.

Фрида Кало по праву включена в список знаменитых художниц мира. Она оставила после себя: картины, наряды, дневники. Эти вещи стали экспонатами в одноименном доме-музее в Мехико. Это было их общее с Диего жилье. Сегодня каждый желающий может посетить это место.

3. Софонисба Ангиссола

Знаменитая художница-портретистка, которая творила во второй половине XVI и начале XVII века. Больше всего в ее творческом наследии автопортретов.

Родилась девочка в семье дворян. Ее отец мечтал, чтобы все его дети развили творческие способности. Кроме нее, в семье было еще 4 дочки. Благодаря папе Ангиссола получает прекрасное художественное образование, поскольку он нанимает для своих детей лучших учителей. В их числе Бернардо Кампи и сам Микеланджело.

Лучше всего у Ангиссолы получалось изображать людей. Она рисовала своих родственников в естественной манере за их любимыми занятиями. Портретное сходство у автора получалось практически фотографическим.

Ее картины хранятся в городской художественной галерее Саутгемптона в Великобритании.

Список лучших произведений:

  • «Портрет сестер художницы, играющих в шахматы»;
  • «Портрет молодой женщины в профиль»;
  • «Автопортрет»;
  • «Портрет Бьянки Понцоне»;
  • «Елизавета Валуа»;
  • «Филлип 2».

4. Мария Башкирцева

Самое большое достижение этой знаменитой художницы из России в том, что ее работы впервые в истории мирового искусства попали в Лувр как живопись, созданная дамой. Там их можно увидеть и по сей день.

Мария жила и работала в середине XIX века. Ее жизнь была недолгой, однако яркой и полной событиями и творчеством. Девушка окончила академию живописи, но большую часть знаний она получила за счет самообразования. Еще при жизни ее работами интересовались, их выставляли, о них много писали в прессе. К сожалению, сегодня практически не сохранилось оригиналов ее произведений. Они были уничтожены в период Второй мировой войны. Самая знамения в мире картина художницы называется «Дневник».

5. Анжелика Кауфман

Анжелика Кауфман — одна из самых образованных дам века Просвещения. Ее отец также был художником, но больших успехов на этом поприще не добился. Семейство Кауфман много путешествовало и переезжало жить с места на место. Девочка уже в 9 лет хорошо владела карандашным рисунком и масляной живописью.

С детства она мечтала о популярности. И ей это удалось. Она была единственной леди, которая была зачислена в члены Академии святого Луки. А спустя непродолжительное время во Французскую королевскую академию. Самыми плодотворными в плане творчества были годы, которые она прожила в столице Великобритании. Анжелика творила в стиле неоклассицизм. В Эрмитаже можно насладиться такими ее полотнами:

  • «Безумная Мария»;
  • «Детство Девы Марии»;
  • «Монах из Кале»;
  • «Автопортрет»;
  • «Портрет графини А. С. Протасовой с племянницами».

6. Мария Тюссо

Фамилия художницы на слуху у многих. Все благодаря Музею восковых фигур, который быстро приобрел и не теряет своей популярности. Отец Мари также был скульптором. Именно он передал ей в наследство знаменитый музей, в котором трудилась художница. Позже она передала это дело своим детям и внукам.

Музей находится в Лондоне (район Мэрилебон). Он был основан 200 лет назад. Имеет 19 филиалов по всему миру.

7. Камилла Клодель

Знаменитая женщина-художница и очень талантливая и упорная женщина. Восемнадцатилетняя девушка самостоятельно решила покорить столицу Франции и добилась успеха. Камилла занималась скульптурой и графикой. Творила в стиле импрессионизм.

Список самых выдающихся работ Камиллы Клодель:

  • «Талант и вдохновение»;
  • «Бронзовый вальс»;
  • «Мольба»;
  • «Зрелость».

Часть работ художницы своим именем подписал ее учитель и любовник Роден Огюст. Это скульптуры:

  • «Поцелуй»;
  • «Вечный идол» и многие другие.

Работы Камиллы Клодель, которую поэт Григорий Марковский назвал «Медеей эпохи Модерна», можно увидеть в музее «Орсэ» в Париже.

8. Фрэнсис Макдональд

Фрэнсис прославилась тем, что вместе со своей талантливой сестрой стала родоначальницей стиля ар-деко. Ее полотна в стиле модерн знают во всем мире, и они поистине уникальны. Знаменитые картины:

  • «Сон»;
  • «Мать роз»;
  • «Офелия».

К сожалению, муж Фрэнсис после ее кончины сжег большую часть ее картин.

9. Невероятная популярность бабушки Мозес: «В 76 лет жизнью только начинается…»

Так говорила знаменитая американская художница Анна Мозес. Может ли слава прийти в столь почтенном возрасте, когда ты только недавно просто вышивала, а потом робко и неуверенно, в 70 лет, начала делать первые штрихи кистью? Оказывается, да!

Ее звали бабушкой Мозес. Не многие слышали про эту далеко не молодую художницу-самоучку, которая стала писать картины скорее от наличия большого количества свободного времени.

Анна Мозес — это чудесный человек, у которого стоит поучиться жить! Она говорила о прожитых годах как о картине, которую она писала мазок за мазком долгие годы. Но полотно еще не окончено! Даже когда казалось, уже все, можно добавить такие финальные штрихи, что весь мир просто ахнет! Так она и поступила. Но все по порядку. Далее расскажем о пути к искусству одной из самых знаменитых в мире женщин-художниц.

Несколько слов о художнице

Когда миссис Мозес начала творить, она была вдовой фермера и матерью 10 детей. К сожалению, 5 из них ушли из жизни еще совсем крохами. Анна Мэри Мозес — так звучит полное имя мастерицы живописи.

Она родилась в сентябре 1860 года. Ее родители были фермерами, которые проживали в штате Нью-Йорк. Ни сейчас, ни тогда здесь ничего не наталкивало на культурное развитие. Окраину района, где проживала семья, сложно было назвать вполне цивилизованным местом. Однако Мэри это мало заботило. В этом смысле она напоминает о том, что настоящий талант пробьется везде, как сильный росток, который пробивается сквозь толщу асфальта, желая развиваться и наслаждаться ласковыми солнечными лучами.

Семья Анны жила бедно. Образование девочки закончилось на том, что ее научили читать и писать. Большего мать с отцом дать ей не смогли. Уже в 12 лет ей пришлось наняться прислугой к богатым соседям. И с того момента все ее мысли были о том, как заработать денег, чтобы не умереть с голоду.

Замужество

Замуж она вышла, по меркам того времени, невероятно поздно — аж в 27 лет! В тот период истории девушки такого «почтенного» возраста уже считались практически старыми девами. Надежд найти приличного жениха у таких дам было очень мало. Мужем Анны стал такой же работяга и бедняк, как и она. Парень был простым батраком и еле сводил концы с концами. Но молодые люди искренне любили друг друга и преодолели все трудности, крепко держась за руки.

Восемнадцать лет они копили средства, чтобы приобрести маленькую ферму на своей родине. В 1905 году сбылась мечта супругов Мозес. У них появилось собственное дело. Анне на тот момент уже 45 лет. Тридцать три года она работала на чужих людей от зари до зари, а дальше ее ждал тяжелый труд на собственной усадьбе. О том, что когда-то она начнет писать чудесные картины, не было и мысли.

В 1927 году Мозес исполнилось 67 лет. Она стала бабушкой. Мужа женщина в тот же год похоронила. Управлять их семейным делом стал старший сын. У Анны появилось немного свободного времени, и она посвятила его вышивке. Этому занятию она была предана около 9 лет.

В 76 лет она решила попробовать себя в живописи. Возможно, она бы и дальше орудовала только иглой, но ее страшно мучила такая болезнь, как артрит. Дочь посоветовала ей взять в руки кисть, зная о том, что мама с детства обожала рисовать, но возможности не имела. Свои первые работы бабушка Мозес раздаривала детям, родственникам, друзьям.

Сюжеты ее полотен покорили своей миловидностью и наивностью. Это были прекрасные усадьбы, ухоженные чудесные фермы, сценки из жизни простых крестьян. Они больше напоминали картинки, которые рисуют дети. Стиль, в котором работала мастерица, называется примитивизмом. Однако в этих работах была живость и динамика. Особенно хорошо у знаменитой женщины-художницы выходили картины, на которых были изображены пейзажи. На зимних детишки играли в снежки, на летних — купались в реках и играли в догонялки.

Картины

Миссис Мозес выставляла свои работы на местных ярмарках, рядом красовались ее вкуснейшие джемы, которые пока удостаивались большей похвалы и внимания. Самые яркие ее работы:

  • «Зима»;
  • «Клетчатый дом»;
  • «Дом на Рождество»;
  • «Позвольте мне помочь»;
  • «Хэллоуин».

Неожиданная популярность

Известность пришла к Анне нежданно и негаданно, в возрасте 78 лет. Картины бабушки Мозес случайно увидел один известный коллекционер, проходивший мимо магазинчика, в витрине которого были выставлены ее полотна в стиле примитивизм. Он сразу же поинтересовался, кто автор картин. Владелица ответила, что есть тут одна необычная бабушка, которая всем раздаривает свои работы.

Мужчина пошел к дому Мозес, он был незаперт, а женщина играла на заднем дворе с внуками и кормила цыплят. Коллекционер, которого звали Луис Калдор, попросил посмотреть все ее полотна. Он предложил ей приобрести все ее 14 работ за большие деньги. Анна не сразу поняла, что именно он хочет купить: ее дом или работы. Перед тем как удалиться, он сказал, что сделает Мозес знаменитостью. Бабушка подумала, что у него проблемы с головой…

На тот момент в США стало модным «народное творчество». В этот поток и попала Мозес. Далее Луис Калдор стал продвигать произведения бабушки Мозес на все доступные ему выставки в Нью-Йорке. Поначалу интереса к картинам было мало. Однако упрямство — путь к победе!

Выставки

В октябре 1940 года коллекционер открыл выставку картин Анны Мозес в современной Нью-Йоркской галерее Galerie St. Etienne. Женщине на тот момент исполнилось 80 лет. Она лично поблагодарила всех присутствующих. Далее слава обрушилась на пожилую даму. Ей заказывали десятки полотен. Ее работы стали печатать на открытках, обертках, постерах, посуде, материи.

Женщина-художница прожила 101 год и вдоволь насладилась славой. Под конец жизни она стала по-настоящему счастлива, ведь у нее было любимое дело, которым она горела, а ее произведения продавались очень дорого. Талант знаменитой американской художницы признан во всем мире. Ее наивные и теплые, душевные работы настолько милы, что в них просто растворяешься, ведь картины написаны настоящей бабушкой: доброй, ласковой, всепрощающей.

10. Зинаида Серебрякова

Она не зря входит в число знаменитых женщин-художниц России. Ее картины «За завтраком», «За туалетом», «Беление холста» и многие другие после ее кончины будут продавать за баснословные суммы. Сама же художница прожила жизнь небогато. В рамках этой статьи поведаем несколько интересных фактов из ее жизни.

  1. В юные годы Зинаида полюбила своего кузена. Естественно, семья стала противиться этому браку. Молодые люди решили сбежать.
  2. Большая часть работ художницы посвящена работам крестьян на полях. Чтобы иметь возможность рисовать с натуры, она вставала ни свет ни заря, приходила на поле, где расставляла мольберт и раскладывала кисти.
  3. Из-за запредельной бедности, в которой она провела большую часть жизни, Зинаиде приходилось самостоятельно изготавливать краски.
  4. Уезжая, как ей казалось, на время во Францию и оставляя детей в России, она и подумать не могла, что увидит их только через 36 лет.
  5. В Россию Серебрякова так и не вернулась. Ее могила находится во Франции.

Выставки картин Серебряковой часто проходят в Нью-Йорке и Чикаго.

8 самых дорогих современных художниц • Интерьер+Дизайн

 

По теме: Проектировщицы: 10 влиятельных женщин в архитектуре

Яёи Кусама, $102 532 176 за аукционный 2018 год ​

Девяностолетняя японка Яёи Кусама (р. 1929) из аутсайдера мира искусства превратилась в самую коммерчески успешную художницу планеты. Во многом феноменальный успех ей обеспечили социальные сети: инсталляции Кусамы, заряженные нереальным драйвом, стали фоном для миллионов селфи во всем мире. Всю жизнь Кусама создает искусство, которое неуклонно сопротивляется категоризации. Как-то в интервью Кусама сказала, что мать выбросила все ее краски и рисунки, когда ей было 10, сказав, что Яёи должна начать готовиться к тому, чтобы стать домохозяйкой. Но Кусама была бы никем, если бы не была настойчивой. В 1948 году она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел. И была достаточно смелой, чтобы увлечься сюрреализмом. Сегодня ради того, чтобы создавать свое искусство, она покидает утром психиатрическую клинику и возращается туда после 12-часового рабочего дня. Она уверена: искусство сохраняет жизнь. 

Сесили Браун, $32 480 908

Британская художница Сесили Браун (р. 1969), живущая в Нью-Йорке, известна своей свободной живописной манерой, в которой сочетаются абстрактное искусство и фигуративное, черты Виллема де Кунинга и Рубенса. Училась художница в Slade School of Fine Art. C 2014 года входит в Совет директоров Фонда современного искусства. Она называет свои работы фрагментарными, хаотичными, как и жизнь в Нью-Йорке. Часто в качестве основы для картин Сесили использует газетные фотографии и сюжеты новостей. «Для меня картина — это способ получить информацию о мире». В тематике полотен — ярко выраженный феминистский пафос, сексуальный подтекст и озабоченность состоянием современного мира, где женщине до сих пор указывают, что делать с ее собственным телом. Одна из последних сольных выставок состоялась недавно в Paula Cooper Gallery. 

Дженни Савиль, $13 225 583

Дженни Савиль (р. 1970) — одна из самых дорогих ныне живущих художниц: ее автопортрет Propped 1992 года был продан на аукционе Sotheby’s за 12,4 млн долл. Училась Дженни в Школе изящных искусств Феликса Слейда. В конце последипломного образования Савиль ведущий британский коллекционер искусства Чарльз Саатчи купил ее картины и сделал заказ на следующие два года. Дженни Савиль относится к YBA — арт-группе «молодых британских художников», в которую входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Ее визитная карточка — масштабные полотна с изображением тучных обнаженных тел. Подчеркнутая физиологичность работ объясняется интересом к телесности и гендеру вообще:
в середине девяностых она наблюдала за пластическими операциями и впервые подняла тему нового ощущения тела. Сейчас она часто пишет портреты людей с измененным полом, маркируя революционные перемены в общественном сознании в этой области. Ее картины часто выбирают в качестве обложек известные рок-группы. Представляют Дженни Савиль Saatchi Gallery и Gagosian Gallery.  

Бриджет Райли, $7 103 990

Британку Бриджет Райли (р. 1931) называют королевой оптических иллюзий. Самая яркая представительница оп-арта, она до сих пор весьма активна. Райли училась в Королевском колледже искусств в Лондоне. Сначала она экспериментировала с иллюзорным движением черно-белых изображений (это ее и прославило), потом, после поездки
в Африку и Индию, увлеклась цветом — ее пестрые произведения в 60-х были настолько эффектны, что их без разрешения компании переносили
на ткань и платья (и что создало прецедент по защите авторских прав художников в Америке). На аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 млн. долл. Райли награждена орденом Британской империи, императорской премией Японии, премией Рубенса. Она создала несколько огромных стенных росписей для крупнейших лондонских музеев:  галереи Тейт и Национальной галереи. Ее работы представляла нью-йоркская галерея David Zwirner.

Синди Шерман, $6 755 382  

Американка Синди Шерман (р. 1954) регулярно входит в сотню самых влиятельных арт-персон мира. Ее работы в жанре постановочных фотографий известны по всему миру. Прославилась она благодаря ранним сериям Untitled Film Stills («Кадры из фильмов без названия») и History Portraits, где она перевоплощается то в героинь выдуманных фильмов, то в персонажей с картин старых мастеров. Для всех своих съемок Шерман исполняет все роли одновременно: модели, фотографа, стилиста и визажиста. У художницы редкий дар перевоплощения: по ее собственному признанию, она не может добиться подобного «вживания» в роль ни от кого из профессиональных актеров, знакомых или родственников. В 2011 году на аукционе одна из фотографий Untitled Film Stills была продана за 3,8 млн долл. Также Шерман работает как режиссер. Сейчас ее тематика от культа молодости, красоты и пародий на массовую культуру сместилась в сторону проблем, связанных с  насилием, войной и клоунадой. В 2012 году прошла обширная ретроспектива Шерман в MoMA — на нескольких этажах было показано 170 работ различных периодов. Представлена в Gagosian Gallery и Skarstedt Gallery.    

Элизабет Пейтон, $6 123 286 ​

Американская портретистка Элизабет Пейтон (р. 1965) прославилась в 90-е идеализированными портретами знаменитостей: бледные, с красными губами лица быстро стали узнаваемы. Самые известные ее портреты — Курта Кобейна и Джона Леннона: последний был продан в 2006 году за 800 000 долл. Она часто пишет членов английской королевской семьи: ее интересует, как живут люди, облеченные богатством, признанием и славой. Элизабет утверждает, что «в лицах лучше всего отражается время» и что «живопись может выразить то, что невозможно передать словами». Она ищет самые эмоциональные моменты, когда человек открыт или чем-то увлечен. Живопись Пейтон, тонко передающая взаимоотношения человека и времени,  находится в коллекциях МоМА, Музея Гуггенхайма и в Центре Помпиду.  Персональные выставки художницы прошли по всему миру, в том числе в лондонской галерее Whitechapel, голландском музее Bonnefanten. Представляет Пейтон Gladstone Gallery с офисами в Брюсселе и Нью-Йорке.

Кристин Аи, $3 989 020

Уроженку Индонезии Кристин Аи Тжой (p. 1973) называют одной из ведущих художниц Юго-Восточной Азии. Кристин получила образование художника-графика в технологическом институте Бандунга. Карьеру начинала как гравировщик в технике «сухая игла». Сейчас она работает с тканью, бумагой, живописными техниками, скульптурой и масштабными инсталляциями. Объединяет все произведения Тжой палитра. Годы работы с гравюрой сильно повлияли на выразительный язык Кристин: линией, которая остается ее главным средством, она передает весь спектр эмоций: боль, страх, желание. «Я работаю с любым материалом, словно это бумага и карандаш, — даже если вместо бумаги алюминий. Мои сильные, мягкие, тонкие или хрупкие линии будут громче и более живыми, если их поместить в пустую комнату». Последние выставки Кристин демонстрируют энергию, спонтанность, объем и переход на монохром. В 2018 году была организована ее первая персональная выставка в 21st Century Museum в Канадзаве (Япония). Представляет Кристин Аи Тжой лондонская галерея White Cube. 

Нджидика Акуниили Кросби, $3 868 973

Нджидика Акуниили Кросби (р. 1983) — молодая талантливая художница из Нигерии, с 17 лет живущая в Калифорнии, куда она переехала учиться
в университете. Она виртуозно работает с культурными особенностями обеих стран (Нигерии и США), исследует различия поколений на примере собственной семьи. Нджидика увлечена способностью этносов мимикрировать, подражать другим образцам. Прически, украшения, мода, архитектура, автомобили — всё для нее источник вдохновения. Через изучение поп-культуры, которая является для нее лучшим маркером изменений в родной стране, она выстраивает сюжеты собственных картин. Художница дает своим полотнам названия популярных песен детства, ищет опору в коллективной памяти своего народа. Этот талантливый перевод культурных различий на язык искусства выглядит как калейдоскоп. Обилие деталей поражает: персонажи часто одеты в «портретные» ткани из коллажей. В 2018 году ее билборд открывал выставку в музее американского искусства Whitney. В этом году ее работы — в основном проекте Венецианской биеннале и на коллективной выставке африканского искусства «I am…» в Вашингтонском музее африканского искусства Smithsonian. В 2016-м журнал Time назвал ее «Женщина года». В 2017 году ее картина The Beautyful Ones была продана на лондонском аукционе Christie’s за рекордные 3  075 774 долл.

 

Художники женщины 19. Самые известные художники в мире

Джованна Гарцони, Портрет Виктора Амадея, герцога Савойского. 1635

Этот пост был бы более уместен 8 марта, но не ждать же мне, в конце-то концов, два месяца, раз сейчас руки зачесались! Хочу я рассказать вам о таком необычном и мало изученном явлении, как женщины-художницы 16-17 веков. Все документы и свидетельства того времени явно говорят о том, что особого места в общественной жизни для женщины не было: дети, кухня, на костре еще могли сжечь для разнообразия. Ремесленники, ученые, художники — всё эти интересные и полезные профессии освоили мужчины, не оставив места своим прекрасным половинам. Так, во всяком случае, принято считать. А может, мы просто мало знаем?

Софонисба Ангиссола (1532- 1625)

Начнем с самой, пожалуй, известной. Об этой чудесной итальянской художнице я уже писала . Как известно, она была придворным живописцем испанского двора и написала множество портретов членов королевской семьи и других патрициев. У нее было две сестры, обе тоже были художницами. О ее насыщенной событиями жизни давно пора снять фильм. Я же просто покажу ее картины.


Софонисба Ангиссола. Автопортрет (прим. 25 лет)


Софонисба Ангиссола. Портрет матери, Бьянки Понзони


Софонисба Ангиссола. Инфанта Изабелла Клара Евгения.


Софонисба Ангиссола. Автопортрет в возрасте 80 лет


(1594—1657) .

Если вы решили сесть на диету, рассматривать натюрморты Клары не стоит — уж очень аппетитные у нее они получались. Запихнули женщину на кухню — нате, получите! Она вас просто завалит изобильной снедью! О ней до обидного мало известно. Родилась в Антверпене, была замужем. Первая сохранившаяся картина была написана ею в 13 летнем возрасте. Вроде бы, из небедной семьи — посуда на полотнах изображена дорогая. Не известно, состояла ли Клара в гильдиях художников — не известно, документов не сохранилось. Точной даты смерти мы не знаем, только предполагаем по времени написания последней картины, может быть, Клара прожила намного дольше, просто поздние ее картины не сохранились, либо их авторство приписали другому художнику — а случалось это не редко. Посмотрите ее работы и запомните их — она не заслуживает забвения!


Клара Петерс. Автопортрет




Юдит Лейстер (1609-1660).
Эта художница наряду с мужчинами состояла в Гильдии художников Харлема. Она, похоже, подражала Хальсу — все герои на ее картинах смеются или улыбаются. Большинство ее картин написаны в короткий период — 1629—1635 годы. Известно, что она родила пятерых детей, наверное, это слегка отвлекло ее от работы. Некоторые ее картины очень необычны для ее времени — она изображала женщин за домашней работой. А вообще, судя по автопортрету, Юдит была человек веселый и симпатичный.


Юдит Лейстер. Автопортрет


Юдит Лейстер. Кутящая пара


Юдит Лейстер. Натюрморт


Юдит Лейстер. Предложение

Артемизия Дженилески (1593-1653).
Она, пожалуй, не менее знаменита, чем Ангиссола. Помимо прекрасных картин история сохранила и скандальную историю, связанную с ее именем. Отец и пять братьев Артемизии были, как и она, художниками, и только она по причине своего пола не могла учиться в академии. Отец нанял ей учителя — художника Агостино Тасси. Девушке было 19 лет, когда учитель изнасиловал ее. Так, во всяком случае, она утверждала на суде. В суд она подала почти через год после случившегося. Именно это смутило судей. Они предположили, что все произошло по обоюдному согласию, просто Тасси обещал жениться на ученице, но не сделал этого — он уже был женат. Суд длился долгих 7 месяцев, Артемизия прошла через множество унизительных допросов и осмотров, но не смогла добиться достойного наказания своего обидчика — его посадили в тюрьму, но скоро выпустили. Девушке вскоре удалось выйти замуж, но злость на мужчин осталась на всю жизнь, это видно по сюжетам ее картин: Сюзанна и старцы, Юдифь, обезглавливающая Олоферона и т.д.


Артемизия Дженилески. Автопортрет


Артемизия Дженилески. Святая Цицилия


Артемизия Дженилески. Юдифь и Олоферон (здесь очевидно влияние Караваджо)


Артемизия Джентилески. Юдифь и Олоферон

Лаура Бернаскони
Сохранилось немного ее работ, а о ней самой почти ничего не известно. Даже дат рождения и смерти нет — 17 век, Рим.


Лаура Бернаскони. Натюрморт


Лаура Бернаскони. Натюрморт


Лаура Бернаскони. Натюрморт

Катарина Йкенс (1608 — около 1666).
Еще одна малоизвестная художница. Жила в Антверпене, рисовала натюрморты, в т.ч. гирлянды. Фамилия Йкенс — в замужестве, девичья — Флоке.


Катарина Йкенс. Натюрморт


Катарина Йкенс. Натюрморт


Катарина Йкенс. Натюрморт


Катарина Йкенс. Натюрморт

( много ее)
Итальянская художница (1600-1670). Рисовала чудесные светлые натюрморты, очень своеобразные и натуралистичные, ими и прославилась. Но неплохо ей удавались и портреты, например, она написала портрет герцога Савойского.


Джованна Гарцони. Натюрморт


Джованна Гарцони. Натюрморт


Джованна Гарцони. Натюрморт


Джованна Гарцони. Натюрморт

(1578- 1630)
Итальянская художница была дочерью художника-миниатюриста, он же ее и учил. Галиция была настоящим вундеркиндом, знатоки хвалили ее работы, написанные еще в 12-летнем возрасте. Она писала замечательные портреты своих современников, но кроме портретов ей прекрасно удавались натюрморты, а ведь до нее в Италии никто серьезно не занимался этим жанром, первенство держали голландцы. Ее художественную карьеру можно считать успешной, ее работы хорошо продавались. Художница никогда не была замужем, умерла от чумы в 52 года в Милане.


Галиция Феде. Автопортрет в образе Юдифи


Галиция Феде. Натюрморт


Галиция Феде. Натюрморт


Галиция Феде. Портрет врача

Барбара Лонги (1552 — 1638)
Дочь итальянского художника Луки Лонги. Поначалу помогала отцу и позировала ему, а затем стала писать сама. Писала портреты на заказ, но они, к сожалению, не сохранились до наших дней. Дошли до нас картины религиозного содержания — Мадонны, святые. О ее личной жизни известно мало — мы даже не знаем, была ли она замужем. Прожила она долгую жизнь — 86 лет, умерла в Равенне.


Барбара Лонги. Автопортрет


Барбара Лонги. Дама с единорогом



Барбара Лонги. Мария с младенцем

(1647-1717).
Немецкая художница, гравер, энтомолог, натуралист, книжный иллюстратор. Дочь швейцарского гравера, жвишего в Германии. Путешественница, посетила Суринам. Выпустила несколько иллюстрированных книг. Замужем была тоже за художником. Замечательная женщина!




(1554 -1590)
Дочь знаменитого Тинторетто. Как и брат-художник, следовала манере отца, поэтому некоторые их неподписанные работы путают. Вышла замуж за ювелира. Всю жизнь прожила в Венеции.


Мариетта Робусти. Автопортрет


Мариетта Робусти. Портрет Оттавио Страда


Мариетта Робусти. Портрет Дамы


Элизабетта Сирани. (1638 — 1665)
Дочь художника, училась в его мастерской, а потом и возглавила ее, когда отец отошел от дел. Уже в 17 лет была вполне зрелым мастером. Одна из немногих женщин была принята в Академию святого Луки, сама открыла художественную школу для женщин. Очень плодотворная художница, работала молниеносно быстро. Ее работы охотно покупали члены семейства Медичи. Прожила до обидного мало — всего 27 лет, умерла от прободной язвы. Поговаривали, что ее отравила служанка.


Элизабетта Сирани


Элизабетта Сирани. Мария с младенцем


Элизабетта Сирани. Тимоклея


Элизабетта Сирани. Юдифь

Катарина ван Хемессон (1528 —1587)
Дочь фламандского художника Яна ван Хемессена, который, как водится, был и ее учителем. Ей покровительствовала Мария Австрийская, Катарина жила при ее дворе. Замужем была за гравером.


Катарина ван Хемессон. Автопортрет



Катарина ван Хемессон. Портрет дамы


Катарина ван Хемессон. Женский портрет

Рахель Рейсх (1664 — 1750)
Поразительная голландская дама! Родила 10 детей, но при этом не оставляла живопись никогда! Была весьма искусной натюрмортисткой. На этот раз внучка художника, а не дочка — ее отец был профессором, хотя иногда рисовал — хобби у него было такое. Художником был и муж Рахели. Семья талантливых художников была приближена ко двору короля. Картины Рахель были так популярны, что за них в свое время платили в несколько раз больше, чем за полотна Ремранда! Ну, вот такая тогда была мода на натюрморты. Прожила она долгую жизнь и написала более 250 картин. Правда, до нашего времени дошло чуть более 100. Кстати, ее сестра тоже была неплохой художницей.


Рахель Рейсх. Натюрморт


Рахель Рейсх. Натюрморт


Рахель Рейсх. Натюрморт


Рахель Рейсх. Натюрморт

Мэри Бил (1633 — 1699)
Эта женщина, англичанка, одна из немногих художниц, которая сама «выбилась в люди». Дочь священника, жена торговца тканями. И муж, и отец, правда, рисовали понемногу для забавы, но только Мэри удалось стать профессиональной художницей, которая зарабатывала на жизнь своим ремеслом. И зарабатывала неплохо! Самые знатные люди Англии заказывали у нее портреты. К сожалению, сразу после смерти ее работы вышли из моды и были быстро забыты.


Мэри Бил. Автопортрет


Мэри Бил. Портрет врача


Мэри Бил. Портрет маркиза Галифакса


Мэри Бил. Портрет Мэри Визер

Лавиния Фонтана
(1552-1614)

Талантливая итальянская художница из Болоньи тоже добилась самого высокого признания. Постичь азы мастерства в юности ей помог отец-художник. Портреты ей заказывали самые знатные люди Италии, сам папа Климент Восьмой делал ей заказы. Лавиния вышла замуж за художника из знатной семьи. Она родила целых 11 детей, правда, до взрослого возраста дожили только трое. Муж признавал талант супруги, и, когда пришло время, ради него поступился своей карьерой.


Лавиния Фонтана. Автопортрет


Лавиния Фонтана. Дама с собачкой


Лавиния Фонтана. Папа Григорий 13


Лавиния Фонтана. Юная дама

Давайте поговорим о «Женщинах художницах» и о том, что под этим термином подразумевается.

Вот некоторые вещи в мире искусства, о которых я знаю:

В 2013 году каждый художник в топе-100 аукционных продаж был мужчина.
В 2014 году не было ни одной женщины в топ-40.
В 2015 году, только пять из 34 художественных галерей хвастались списками, в которых женщины составляют более 50 процентов. И это в Америке — лидере мировой демократии!

Меньше четырех процентов художников в современном искусстве в коллекции Метрополитена в Нью-Йорке работы женщин, но, внимание(!) — 76% из полотен — обнаженные или полуобнаженные женщины. С 2007 года, только 29 процентов персональных выставок в музее Уитни в были посвящены женщинам -художницам.

Мужчины художники по-прежнему увековечивают миф, что женщины плохие художники: «Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками», сказал Георг Базелитц в этом году.

«Если женщины достаточно амбициозны, чтобы добиться успеха, они могут сделать это, спасибо. Но до сих пор, они не смогли доказать, что они хотят успеха. Как правило, женщины продают себя хорошо, но не как художники».

Это просто цифры, да, и я смогла их найти в обзорах американского искусства. Такая же удручающая картина в искусстве и у нас.
Я приветствую более полный статистический обзор (хотя сомневаюсь, что это будет другая история), и если у вас есть другие цифры — пишите. Но сегодня четко прослеживается одно — Реальность такова: женщины недостаточно представлены в мире искусства.

Маленький вопрос: почему так мало женщин — уличных художников? Их единицы, в то время, как мужчин в этой области сотни! Те художницы, которых мы сегодня знаем, не хуже, а иногда и лучше Бенкси. Получается, что для достижения успеха в стрит-арте женщинам надо серьезно превосходить мужчин — только тогда их заметят. Но только ли в этом направдении?

Термин «художница» обязательно подчеркивает женское авторство какой-либо работы, выполненной ею.

Разделяя женщин художников и мужчин, критик может сказать, что к «женскому искусству» надо подходить с другой меркой. Но подход с другой меркой означает в первую пренебрежение и завышение планки для женщин.

Рут Asawa родилась в 1926году, Калифорния. Получила прозвище «леди Фонтан» из-за склонности к проектированию необычных фонтанов, в частности, в Сан-Франциско. В начале своей карьеры, она научилась вязать крючком скульптуры из проводов, создавая произведения, в которых сочитался реализм и абстракция.


Вивианна Торунь часто упоминается как одна из самых известных ювелиров Швеции, мастер ювелир с личным стилем. Она общалась с Пикассо и Матиссом в парижских салонах.

Используя понятие гендера как фильтр, через который мы анализируем искусство, мы вносим ограничения.

Есть художники, которые твердо заявляют, «Я не считаю себя девушкой художницей, я просто художник». И это совершенно законное высказывание для человека.

Женщины художники являются просто художниками. Но не сегодня. Сегодня женщина в искусстве это человек, чье творчество оценивают по гендерному принципу. Сегодня женщин меньшинство в искусстве.

И выбор профессии, который они делают это право, а не привилегия.

Теперь можете закидывать меня тапками, но то, что здесь написано — это всего лишь, правда.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.


С древнейших времен живопись, как и другие виды искусства, была прерогативой мужчин. У всех на слуху имена великих художников от эпохи Возрождения до знаменитых модернистов и абстракционистов XX века, вписавших большими буквами свои имена в историю мирового искусства. Чего нельзя сказать о не менее талантливых женщинах- художницах . О них знают совсем не многие. Так уж сложилось исторически, что талантливым женщинам веками приходилось отвоевывать место под солнцем у мужчин.

Впервые начали появляться полотна, подписанные женскими именами, лишь в эпоху Ренессанса. Но, чтобы добиться полного равноправия и признания в изобразительном искусстве понадобилось еще пятьсот лет. Лишь к началу 19 века женщины у мольберта заняли свое достойную страницу в истории мирового искусства.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0005.jpg» alt=»Автопортрет.

Софонисба Ангиссола (1532-1625)

Sofonisba Anguissola — испанская художница, которая была придворным живописцем короля Испании. Ее кисти принадлежат множество портретов членов королевской семьи и аристократов. Ее две сестры, также были художницами.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0039.jpg» alt=»Автопортрет со спинетом.

Артемизия Джентилески (1593-1653)

Имя Artemisia Gentileschi — символ борьбы женщины за право быть художником в Италии. В 17 веке ей удалось стать первой женщиной, которую приняли в старейшую в Европе Академию изящных искусств во Флоренции.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0022.jpg» alt=»Автопортрет. (1671). Автор: Мария ван Остервейк.» title=»Автопортрет. (1671).

Анна Васер (1678–1714)

Anna Waser — швейцарская художница и гравер.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219415937.jpg» alt=»Автопортрет с портретом сестры. (1715 г.) Автор: Розальба Каррера.» title=»Автопортрет с портретом сестры. (1715 г.)

Ангелика Кауфман (1741-1807)

Немецкая художница, дочь живописца Angelica Katharina Kauffmann вошла в число основателей британской Королевской академии художеств и на протяжении последующих полутора веков, она и Мэри Мозер — художница из Швейцарии, были единственными женщинами, получившими в ней членство.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0014.jpg» alt=»Ангелика Кауфманн — Автопортрет 1787 г. Галерея Уфиццы.» title=»Ангелика Кауфманн — Автопортрет 1787 г. Галерея Уфиццы.» border=»0″ vspace=»5″>


Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842)

Еlisabeth-Louise Vigеe-Le Brun — французская художница, мастер портретного жанра, представительница сентиментального направления в классицизме.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0009.jpg» alt=»Автопортрет 1790 год. Автор: Элизабет Виже-Лебрен. » title=»Автопортрет 1790 год.

Сентиментальный жанр позволял художнице изображать портретируемых в весьма выгодных позах и элегантных одеждах, поэтому Луиза Виже-Лебрён пользовалась любовью среди французской аристократии и членов монарших семей.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0006.jpg» alt=»Художница, пишущая портрет музыкантши. (1803). Автор: Маргарита Жерар. » title=»Художница, пишущая портрет музыкантши. (1803).

Мария Башкирцева (1858-1884)

Башкирцева Мария Константиновна — уроженка села Гавронцы Полтавской губернии, большую часть прожившая во Франции, считала себя русской писательницей и художницей. Умерла в 26 лет от туберкулеза.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0012.jpg» alt=»Автопортрет.

Мари Габриэль Капет (1761–1818)

Marie-Gabrielle Capet окончила Королевскую Академию Искусств в Париже в то время, когда в учебном заведении разрешалось учиться лишь четырем женщинам одновременно. Была талантливой портретисткой, мастерски писала акварелью, маслом и пастелью. Принимала участие в художественных выставках и салонах.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0015.jpg» alt=» Автопортрет с двумя моделями. (1785г.) Автор: Аделаида Лабиль-Жиар. » title=» Автопортрет с двумя моделями. (1785г.)

Анна Валлайе-Костер (1744-1818).

Анна Валлайе-Костер — французская художница, дочь королевского ювелира, любимица королевы Марии-Антуанетты.

Автопортрет.

Этот список можно продолжить и далее перечислять имена и достижения художниц с мировыми именами, жившими и творившими в 20 веке. Это и Тамара де Лемпицки с ее эффектными произведениями, Фрида Кало с пронзительными картинами. А также воодушевляться, испытав настоящий восторг, при виде работ русских художниц Зинаиды Серебряковой и Александры Экстер.

Однако мужчины-художники по-прежнему норовят принизить роль женщин в истории искусства и поддерживают миф, что они плохие художники: «Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками»,- заявил Георг Базелиц — известный немецкий художник.

Талантливым просвещенным женщинам во все времена приходилось нелегко. Многим приходилось отказываться от семейных уз ради своего творчества, оставаясь при этом

Ван Гог, Матисс, Гоген, Дали… И сотни других мужчин, гениев живописи, которые на слуху у всех, которых мы знаем и любим с самого детства. А вот представительницы прекрасной половины человечества как будто остаются в стороне… Как часто можно услышать обидный, несправедливый вопрос: «Почему среди женщин нет известных художников? Может, им не дано?» Разумеется, это не так. Сегодня мы вспомним грандиозных художниц, русских и зарубежных, чьи картины по праву считаются мировыми шедеврами. Семь великих имен, семь непростых женских судеб в мире изобразительного искусства, который принято считать мужским…

Наталия Гончарова (1881−1962) — правнучатая племянницы той самой Натальи Николаевны Гончаровой, супруги Александра Сергеевича Пушкина (в свое время художница оформила «Сказки о царе Салтане», отдав таким образом дань знаменитому родству).
Она изучала живопись под руководством выдающегося художника и педагога Константина Коровина. Вместе с мужем — М. Ф. Ларионовым, одним из основателем русского авангарда, — организовала объединение «Ослиный хвост». В 1915 году получила приглашение Сергея Дягилева для работы над Русскими сезонами — гастролями артистов оперы и балета в Париже.
Сегодняшней стоимостью своих полотен Наталья Гончарова перещеголяла всех художниц мира. В 2008-ом ценовой рекорд в «женском зачете» побила картина «Цветы», проданная на аукционе Christie’s более чем за $10 млн. Работа является одним из ключевых произведений русского авангарда, так как объединяет в себе элементы европейского импрессионизма и абсолютно новаторского направления, созданного Гончаровой и ее мужем — т. н. «лучизма». Мол, все предметы, которые мы видим — сумма лучей, преломленных от этих самых предметов. Экспериментировала художница и с примитивизмом, используя иконопись.
В 2010-ом на лондонских торгах картина «Испанка» установила очередной ценовой рекорд — её счастливый обладатель расстался с $ 1, 216 млн.
Сегодня большинство работ Натальи Гончаровой находятся в Третьяковской галерее.

Наталья Гончарова. «Павлин под ярким солнцем». 1911.

Фрида Кало (1907-1954) — самая известная мексиканская художница, которую прославили колоритные автопортреты. На её творчество оказали заметное влияние мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки . Художественный стиль Фриды Кало характеризуют как фолк-арт или наивное искусство .
Всю жизнь у Фриды было слабое здоровье — она страдала полиомиелитом в возрасте шести лет, а также перенесла серьёзную автомобильную аварию в подростковом возрасте, после которой ей пришлось пройти многочисленные операции , повлиявшие на неё до конца жизни. Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества. Она записывала в дневнике: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
В 1929 году Кало вышла замуж за художника Диего Риверу. Их бурная совместная жизнь стала легендой.
В 1937 году в доме Диего и Фриды, придерживающихся коммунистических взглядов, ненадолго нашёл убежище советский революционный деятель Лев Троцкий ; у них с Фридой завязался роман.
В сороковые картины Фриды Кало появляются на нескольких заметных выставках. В то же время обостряются её проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют её душевное состояние, что ярко отражается в дневнике, ставшем культовым среди её поклонников. В 1953 году состоялась её первая персональная выставка на родине . К тому времени Фрида уже не могла встать с постели, и на открытие выставки её принесли на больничной койке. Через год культовая художница и икона стиля скончалась, но сама её жизнь, яркий образ и удивительные картины стали вдохновляющей легендой для миллионов людей во всем мире…

Фрида Кало. «Автопортрет (Диего в мыслях)». 1943.

Мария Башкирцева (1858 — 1884) — родилась в Полтавской губернии. Она первая из русских художниц, чьи картины, «Жан и Жак» и «Митинг», украсили стены Лувра. Однако большинство её работ не пережили Первой мировой войны. Помимо 150 картин, 200 рисунков и многочисленных акварелей, Мария Башкирцева оставила после себя и литературное наследие — «Дневник», который вела с 15 лет на французском. После ее смерти его перевели на все европейские языки, а вскоре издали в Америке. Примечательно, что мать вырвала из дневника все страницы, на которых упоминались феминистические воззрения дочери. Известно, что Мария Башкирцева активно выступала за права женщин. Её натуре казались тесными и академические каноны живописи. Она отдавала предпочтение работе на пленерах, писала выхваченные из повседневных уличных пейзажей лица парижанок.
Век художницы, к несчастью, оказался не долгим: она умерла от туберкулеза всего в 25 лет. В последние годы жизни художница вела переписку с Ги де Мопассаном, который произнес на её могиле: «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!». А великая Марина Цветаева посвятила Башкирцевой сборник ранней лирики «Вечерний альбом».

Мария Башкирцева. «Дождевой зонтик». 1883.

Мэри Кассат (1844-1926)знаменитая американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции, была дружна с Эдгаром Дега и Бэртой Моризо. Мотивом для её полотен послужили образы социальной и личной жизни женщин, с особым упором на тесную связь матерей и детей.
Несмотря на то, что семья Мэри возражала против её желания стать профессиональным художником, она начала изучать живопись в Пенсильванской Академии изящных искусств в Филадельфии. Нетерпимая к неспешному темпу обучения и покровительственному отношению со стороны мужской половины студенчества и преподавателей, она решила продолжить изучение самостоятельно, и в 1886 году переехала в Париж.
Увидев пастели Эдгара Дега в окне магазина по продаже картин, она написала другу: «Мне пришлось подойти и прижать нос к окну, чтобы впитать всё, что я смогла бы, из его живописи. Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть.» Она встретилась с Дега в 1874 году. Он пригласил её участвовать в выставке импрессионистов, и работы Мэри Кассат были выставлены на экспозиции в 1879 году .
Кассатт стала чрезвычайно искусной в использовании пастели, в конечном счёте выполняя многие свои полотна в этой технике.
Серия строго написанных, тонко подмеченных, не сентиментальных картин о матери и ребёнке является основной темой её наиболее известных работ.
1890-е годы стали для Кассат самым оживлённым и творческим периодом в её жизни. Ей подражали молодые американские художники, нуждавшиеся в её советах и поддержке. В знак признания её вклада в искусство, в 1904-м году она получила орден Почетного легиона .
Мэри Кассат скончалась в 1926 году в Шато де Бофрене, близ Парижа, и была похоронена в семейном склепе.

Мэри Кассат. «Женщины, восхищающиеся ребенком». 1897.

Зинаида Серебрякова (1884−1967) — русская художница-реалист. Её дед и прадед посвятили себя архитектуре, отец занимался скульптурой и живописью, а в дядях числился известный художник и критик Александр Бенуа, поэтому с кистью и холстом Зинаида подружилась с детства.
Серебрякова вышла замуж за своего двоюродного брата; родня не одобрила этот союз, и художнице с супругом пришлось эмигрировать, оставив детей в России. Увидеть сына Зинаиде Серебряковой посчастливилось только спустя 36 лет…
Сегодня полотна художницы продаются за баснословные деньги. А при жизни в Париже она пыталась заработать на жизнь написанием портретов, но очень часто просто дарила их заказчикам. Из-за бедности Серебрякова даже была вынуждена самостоятельно изготавливать краски. Вернуться в Россию она так и не смогла: Вторая мировая война отрезала её от Родины.
Самая знаменитая картина Зинаиды Серебряковой — автопортрет художницы «За туалетом» (1909). Впервые общественность заговорила о таланте автора после презентации работы на VII выставке «Союза русских художников» (1910). Сегодня автопортрет 25-летней художницы хранится в Третьяковской галерее. А картину «За завтраком» (1914), героями которой стали дети Серебряковой, называют одним из лучших детских портретов в истории живописи.

Зинаида Серебрякова. «За туалетом». Автопортрет. 1909.

Берта Моризо (1841-1895) — французская художница, писавшая в стиле импрессионизма . Она доводилась внучатой племянницей знаменитому художнику, мастеру стиля рококо, Жану Оноре Фрагонару, была замужем за Эженом Мане , братом своего друга и коллеги Эдуарда Мане. Черты лица Берты хорошо знакомы знатокам импрессионизма, так как Мане часто её рисовал.
Моризо родилась в Бурже , в богатой буржуазной семье. Она и её сестра Эдма Моризо стали художницами. Семья, после того как Берта определилась с выбором профессии, не мешала её карьере. Живописи училась у К.Коро, работая с ним на пленэре.
В 1864 году она впервые выставила свои работы на одной из самых престижных художественных выставок Франции — Парижском салоне . Её работы отбирались для участия в шести Салонах подряд, пока в 1874 году она не примкнула к группе «отверженных» импрессионистов, созданной Сезанном , Дега , Моне , Моризо, Писсаро , Ренуаром и Сислеем , и приняла участие в их первой экспозиции в студии фотографа Надара .
Легкая, наполненная светом и радостным ощущением жизни живопись Б.Моризо создает манящие образы, вызывающие в душе ощущение гармонии и красоты. В ее картинах нет социальных мотивов и всплесков эмоций, но они заставляли по-новому вглядываться в обыденные и привычные события повседневной жизни, от них веяло теплом, уютом и тихим семейным счастьем. Это направление живописи оказалось востребованным, картины Берты охотно покупали, они неизменно вызывали интерес зрителей на выставках. У художницы оказалось много последователей по всему миру, особенно среди женщин-живописцев.

Берта Моризо. «Ловля бабочек». 1874.

Елена Поленова (1850 — 1898) — сестра известного русского живописца Василия Поленова. Художница, создававшая на полотнах сказочный мир.
Родилась в Санкт-Петербурге, в семье ученого-историка. Интерес к мифическим сюжетам — родом из детства: маленькой Лиле, как называли её домашние, всегда читали русские народные сказки. Рисованию вместе с братом она обучалась у знаменитого художника и педагога, автора метода «широкого взгляда», Павла Чистякова. Так как женщинам в ту пору в Академию художеств путь был заказан, девушка обучалась у Ивана Крамского в Петербургской школе Общества поощрения художеств.
Личная жизнь у Елены Поленовой так и не сложилась. В отличие от жизни творческой: несколько работ приобрел для коллекции сам Третьяков. Сказочные сюжеты картин приходили к ней во сне. А работала над холстами она в имении мецената Мамонтова, Абрамцево. Здесь, например, родился «Зверь» — чудище, похищающее душу из царства светлых грез.
В последние годы жизни художница исполнила множество набросков фантастических цветочных орнаментов для обрамления икон, вышивок, керамики. Рисуя цветочные орнаменты, Поленова проявила неистощимую фантазию, каждый раз находя новое расположение цветов, новый ритм, создавая бурный и динамичный поток форм. Скончалась Елена Поленова 19 ноября 1898 года в Москве, в расцвете сил и таланта, не осуществив множества планов. Так, ей предстояло оформить Русский павильон на Всемирной выставке в Париже в 1900 году…

Елена Поленова. «Иван-царевич и Жар-птица». 1896.

Художницы 19-го века, которые открыли женщинам путь в мир искусства

Пришлось пройти долгий путь, прежде чем мужчины и женщины достигли паритета в мире искусств. В последние десятилетия художницы добились больших успехов, все чаще показывая свои труды в музеях, галереях и на международных выставках. Но современные художницы не были бы там, где они находятся сегодня, если бы не их предшественницы из 19-го века. Тогда деятельницы искусства начали активно съезжаться в Париж, чтобы получать образование. Десятки из них вышли из тени, благодаря проекту под названием «Художницы в Париже, 1850-1900».

Сердце Франции, славящееся своими академиями искусств, в 1800-х привлекало художников со всего мира. Среди них было много женщин — Мэри Кэссетт, Берта Моризo, Роза Бонер и другие. К сожалению, большинство художниц того времени либо забыты, либо их известность ограничивается сносками в учебниках по истории искусств. Проект «Художницы в Париже» изменил это, восстановив память о 37 женщинах из 11 стран, которые изучали искусство в Париже во второй половине XIX века.

В те времена заняться художественной деятельностью, будучи женщиной, было очень проблематично. Несмотря на новые возможности для обучения, женщинам зачастую отказывали. Художество считалось мужским делом, но некоторые отважные дамы оставались преданными своему делу, невзирая на трудности и ограничения.

Мари Бракемон



Мари Бракемон. «На террасе в Севре» (1880)

Мари Бракемон принадлежала к рабочему классу, и возможности изучать искусство в высших школах у нее не было. Мари училась самостоятельно. Ее первая работа — портрет матери, которую Бракемон нарисовала с помощью самодельных красок из цветов. Один из друзей семьи, узнав, что она талантливо рисует, купил ей набор акварельных красок.

Дисциплинированность Мари отражалась и на ее стиле. С другой стороны — ее работы напоминали стиль Жана Огюста Доминика Энгра, у которого она иногда обучалась. К сожалению, с Энгром пришлось попрощаться, поскольку он «сомневался в мужестве и настойчивости женщины в области живописи».

Бракемон — представительница импрессионизма. Она часто изображала свою сестру Луизу, сцены из парков, садов и публичных мест, в которых женщинам предоставлялась свобода передвижения.

История Мари достаточно трагична. Она была невероятно талантливой, многообещающей художницей, но вышла замуж за человека, который обесценивал ее одаренность. Карьера Бракемон была не особо успешной, в отличие от других художников, которые получали поддержку от своих семей. Ее последняя выставка прошла на заключительном показе импрессионистов в 1886 году, после чего она покончила с художественной карьерой.

Мария Константиновна Башкирцева



Мария Башкирцева. «В студии» (1881)

Мария Башкирцева родилась в Украине, в семье богатых дворян. У них была возможность переехать в Париж и отправить дочь в Академию Жюлиана. Мария училась там с 1877 по 1884 год. Изначально она хотела заниматься пением, но не смогла этого сделать из-за туберкулеза, который в конечном счете забрал ее жизнь.

В 1880 году Башкирцева написала картину, ставшую широко известной в Академии. На ней изображены художницы, пишущие с натуры.

Работы Марии Башкирцевой выставлялись в Парижском салоне в 1880-х годах, завоевав почетное упоминание в 1883 году. После смерти в возрасте 25 лет, Мария стала известной благодаря посмертно опубликованному дневнику, который она начала вести, когда ей было двенадцать.

В своем дневнике она выразила мнение по поводу обстоятельств, в которых находилась: «Если бы я родилась мужчиной, то покорила бы Европу. Родившись женщиной, я истощила энергию на споры с судьбой и эксцентричные выходки».

Амели Бори-Сорель



Амели Бори-Сорель. «Dans le bleu» (1894)

Амели родилась и провела раннее детство в Испании. Художница мастерски владела искусством рисования пастелью. На одном из известных холстов под названием «Dans le bleu» изображена задумчивая женщина, которая пьет и курит. Ее работы получили множество наград, в том числе в 1889 и 1900 на Всемирных выставках.

Бори-Сорель вышла замуж за Родольфа Жюлиана, основателя известной академии, где стала учительницей в 1895 году. Амели смогла балансировать между своим творчеством и преподаванием, построив надежную карьеру. После смерти Родольфа в 1907 году Академией помогали управлять племянники Амели.

Элизабет Норс



Элизабет Норс. «Мать» (1888)

Норс родилась в Цинциннати, штат Огайо. Элизабет была одной из немногих женщин, допущенных в художественную академию. После того как ее родители умерли в 1882 году, она отказалась от возможности преподавать и переехала со своей сестрой Луизой в Нью-Йорк. Пять лет спустя сестры переехали в Париж, где Элизабет продолжила обучение.

Норс неоднократно бывала настоящей звездой на выставках. Ее автопортрет 1892 года, в котором изображен рабочий процесс, является прекрасной иллюстрацией силы и решительности, необходимой для достижения успеха в творческой сфере.

Знаменитая картина «Мать» дебютировала в Парижском салоне в 1888 году. Ее признали невероятно успешной. Картина была показана еще на пяти выставках в течение семи лет. В 1914 году она висела в кабинете Вудро Вильсона в Нью-Джерси, когда он был губернатором. Норс стала второй женщиной, признанной членом Société Nationale des Beaux-Arts.

Элизабет должна была финансово поддерживать свою сестру, не могла полагаться на преподавательскую зарплату или на своего мужа. Несмотря на это у художницы получилось зарабатывать на жизнь своим творчеством.

Мина Карлсон-Бредберг



Мина Карлсон-Бредберг «Академия Жюлиана. Мадемуазель Бесон пьет из бокала» (прибл. 1884)

Мина Карлсон-Бредберг начала свое обучение вместе с двумя шведскими художницами — Керстин Кардон и Амандой Сидуллой. Позже она переехала в Париж и занималась профессиональным обучением с 1883 по 1887 год.

Карлсон-Бредберг преуспела во многих жанрах живописи: от пейзажа до цветочных натюрмортов, включая изображение интерьеров и религиозных сцен.

Она выставляла свои портреты в Парижском салоне с 1887 по 1890 года и получила почетное упоминание на Всемирной выставке 1889 года. В 1890 году она вернулась в Стокгольм и преподавала в художественной школе, созданной Элизабет Кейзер, ее подругой и одноклассницей.

Когда ей было 20 лет, семья Карлсон-Бредберг заметила, как она целуется с мужчиной, и вынудила Мину выйти замуж. Союз, который длился семь лет, ограждал ее от искусства. Она снова вышла замуж в 1895 году, и снова ее муж не одобрил художественную карьеру. Говорят, она предупреждала своих племянниц: «Девочки, помните, как вам повезло, что вы не замужем!»

Луиза Катерина Бреслау



Луиза Бреслау. «Друзья» (1881)

Рисование для Луизы Бреслау было способом избавления от скуки. Луиза была болезненным ребенком, из-за чего ее отправили в монастырь. Вскоре она переехала в Париж, чтобы учиться в академии. После успеха в Парижском салоне, где она впервые выставлялась в 1879 году, художница открыла свою собственную студию.

Ее картина «Друзья», на которой изображена Луиза со своими соседками по комнате (оперной певицей и другой художницей), получила почетное упоминание в салоне и гастролировала по Европе.

Луиза завоевала золотую медаль на Всемирной выставке 1889 года в Швейцарии. Государство купило три ее работы из салона Société Nationale des Beaux-Arts, где она выступала в качестве жюри. Ее работа была оценена так высоко, что в 1901 году она стала первой иностранкой, получившей Орден Почётного легиона Франции.

Несмотря на всеобщее признание, у «Друзей» были свои противники. Картину повсеместно пародировали, рисовали на нее карикатуры и высмеивали в прессе. В одной карикатуре вместо женщин изображалось трио собак. Это в очередной раз указывает на проблемы, с которыми сталкивалась художница, ступив на творческий путь.

Хелена Шерфбек



Хелена Шерфбек. «Дверь» (1884)

Хелене Шерфбек было всего 11 лет, когда она начала учиться в Академии изящных искусств Хельсинки. В 1879 году академия вручила Хелене грант на обучение в Париже. Шерфбек путешествовала по Франции, став близкой подругой австрийской художницы Марианны Стоукс. Художница обучалась в Академии Коларосси.

Она была единственной финской художницей, которая принимала участие в Балтийской выставке в Мальмё, Швеция, в 1914 году. Шерфбек выставляла там свои работы вплоть до самой смерти в 1946 году.

Шерфбек провела 10 лет своей жизни, заботясь о матери в отдаленной деревне, и все это время была лишена возможности творить. В память о художнице периодически организуют выставки ее работ, включая большую гастролирующую выставку по случаю 150-летия Хелены. К сожалению, художница осталась популярной только в пределах родной страны.

Эллен Теслефф



Эллен Теслефф. «Эхо» (1891)

Эллен Теслефф родилась в Хельсинки и училась в частной финской художественной школе, начиная с 16 лет. По окончанию школы поступила в Академию изящных искусств Хельсинки.

Переехав в Париж в 1891 году, чтобы учиться в Академии Коларосси, она участвовала в создании финской группы Септем, которая позже принесла импрессионизм в скандинавскую страну. Ее картина «Эхо» была хитом на выставке 1891 года в Финском художественном обществе, критики назвали работу Эллен «прорывом».

Теслефф много путешествовала, выставляя свои работы во Флоренции, Париже, Стокгольме и Санкт-Петербурге. Она выиграла бронзовую медаль в 1900 г. на Всемирной выставке в Париже.

Теслефф была признана почетным членом Общества художников Финляндии и удостоилась медали Pro Finlandia, врученной лично президентом в 1951 году. Опять же, за пределами родной страны о художнице практически ничего не знают.

Энни Хопф



Энни Хопф. «Аутопсия» (1889)

Энни Хопф родилась в Швейцарии и переехала в Париж в 1882 году. Она жила с другим швейцарским студентом, Оттилье Родерстейном, который, возможно, был ее любовником. Биография художницы остается в тайне. Известно только о ее выставках, обучении в столице Франции и профессорской деятельности в Берлинской академии искусств.

Несмотря на ограниченную информацию о карьере Хопф, ей удается поразить зрителя всего одним произведением под названием «Аутопсия». На ней изображено мертвое тело, лежащее на столе для вскрытия и стоящий над ним ученый. Историки смогли идентифицировать ученого, но как Энни получила доступ к вскрытию, остается загадкой.

Из: Cameralabs

10 самых знаменитых художников мира и их картины

Леонардо да Винчи 

Это один из самых гениальных и загадочных людей за всю историю человечества. Изобретатель, писатель, музыкант… но известен нам, прежде всего, как художник. Да Винчи был признан еще при жизни: владел собственной мастерской, писал портреты итальянской знати и расписывал стены храмов. Имя мастера часто фигурирует в кино и литературе, поэтому его хорошо знают даже подростки. 

Главный шедевр Леонардо да Винчи — это таинственная “Джоконда” (“Мона Лиза”). Загадочная улыбка девушки будоражит воображение и оставляет много вопросов. Очень нестандартная для тех времен работа! Сегодня эта картина Леонардо Да Винчи известна по нескольким причинам:

  • С какого ракурса ни посмотришь, Мона Лиза всегда смотрит тебе прямо в глаза.

  • Более 100 лет назад “Джоконду” выкрали из Лувра. Вор был так сражен красотой произведения, что держал ее в своем доме и любовался картиной 2 года. Затем грабитель решил продать шедевр, но был схвачен полицией.

  • Личность девушки — загадка. Есть версия, что это сам да Винчи: пропорции лица Джоконды полностью совпадают с его автопортретом.

  • Брови и ресницы девушки таинственным образом исчезли. Хотя в записях самого художника явно написано, что у Моны Лизы густые брови! Сейчас не осталось ни одного мазка краски, свидетельствующих о наличии волос. 

Знаменитые художники бьются над вопросом, что вложил в свою героиню Леонардо да Винчи. Смеется ли девушка над художником или задумалась о чем-то? Наверное, этого мы никогда не узнаем.

Пабло Пикассо


Имя этого художника давно стало нарицательным. Живописца отождествляют с гениальностью, мастерством художника, неординарностью. Прежде всего, он ассоциируется с кубизмом. Однажды Поль Сезанн посоветовал Пикассо рассматривать натуру с точки зрения геометрических фигур: совокупности квадратов, треугольников и ромбов. Конечно, он имел в виду работу над базисом картины. Но Пикассо воспринял это буквально. С тех пор все работы автора имели строгие геометрические формы.


“Девушка перед зеркалом” — яркий пример картины, разбитой на фигуры. На этой картине Пикассо изобразил одну из своих многочисленных любовниц. Девушка, которая любуется своим отражением, является символом тщеславия. С первого взгляда может показаться, что произведение максимально простое и незатейливое. Но более пристальный взгляд раскрывает богатую символику картины.  

Сальвадор Дали

Гений, психопат, фрик — его называли по-разному. Ясно одно: настолько эпатажный и эксцентричный человек рождается нечасто. Сальвадор Дали отличался нестандартным мышлением и тяготел к теории психоанализа Фрейда. Его психологические травмы и психоделические сновидения потоком выливались на холсты. Как результат — уникальные сюрреалистические произведения, известные на весь мир.


“Постоянство памяти”, пожалуй, самая узнаваемая картина Дали. На этом полотне мы видим мягкие, текучие часы. Художник рассказывал, что на эту мысль его натолкнул кусочек расплавленного сыра. Но задумка автора намного глубже: “Постоянство памяти” отображает теорию нелинейного и относительного пространства-времени, предложенного Эйнштейном. 

В других работах автора часто поднимаются будоражащие темы: война, сексуальность, страх. Символизм Дали порой странный, а иногда — пугающий и отвратительный. Но при этом от его работ невозможно отвести взгляд! 

Клод Моне

Если разговор заходит про импрессионизм, с уверенностью вспомните Клода Моне. Он действительно видел переменчивость и красоту природы в деталях. Мастер выделился уникальной техникой передачи форм и цвета. Картины Клода Моне можно рассматривать вечно, находя удивительной каждую мелочь.

Представьте художника, который долгие годы рисует один и тот же пруд. Кувшинки, кувшинки, кувшинки… Утренний пруд — это одна картина, вечерний — уже совсем другая. Так родилась целая серия работ, причем все они уникальны и удивительны. Моне не старался передать фотографическую картинку, а создавал настроение и эмоции (что присуще импрессионизму). Экспериментировал с подачей света и тени, переходами и формами. 

Моне также известен сериями картин “Стог сена в Живерни” и “Лондон. Парламент”. Художник часто менял холст за холстом, пытаясь уловить минутное состояние природы. Мастер говорил: “Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет. Я ничего в жизни не делал, не считая того, что смотрел на то, что мир показывал мне, для того, чтобы запечатлеть его посредством моей кисти”.

Сандро Боттичелли 

Боттичелли творил во Флоренции — колыбели эпохи Возрождения. Он был востребованным художником, который писал портреты для знати. Талант мастера оценила знаменитая семья Медичи, члены которой нередко становились правителями Флоренции. Даже когда город пришел в упадок и былые дни процветания остались позади, Боттичелли не перестал создавать шедевры. Сегодня его гениальные творения выставляются в лучших галереях мира и оцениваются в миллионы долларов.

Чем уникален Боттичелли? Во-первых, он первым из европейских художников видел женское тело, как нечто божественно прекрасное, а не греховное. Во-вторых, в своих произведениях мастер умело объединял древние мифы и религиозные мотивы. Он расписывал храмы и святыни, но при этом не стеснялся изображать древнегреческих богов.  

“Венера” — самая известная картина мастера. Произведение буквально пронизано символами, которые создают определенное впечатление. Автор показал явление прекрасной и чистой Венеры, в которой есть не только телесное, но и духовное. Богиня рождается из моря, словно Христос выходит из вод крещения. Немалая смелость понадобилась, чтобы объединить эти два сюжета.

Микеланджело Буонарроти

Имя Микеланджело Буонарроти ассоциируется с искусством Возрождения. Скульптуру Давида, созданную мастером, нередко демонстрируют в качестве наглядного примера достижений того времени. Его художественные произведения не менее потрясающие и узнаваемые во всем мире.


Лучшие произведения Микеланджело — фрески на стенах Сикстинской капеллы. Пожалуй, “Сотворение Адама” — самая узнаваемая роспись, иллюстрирующая прикосновение Бога к первому человеку. Адам лежит неподвижно, пустой и холодный. Господь снисходит с небес, чтобы вдохнуть в него жизнь. Между пальцами героев фрески остается едва заметное расстояние, которое создает некую интригу и напряжение. 

Фрида Кало де Ривера

Увы, среди гениев всех времен и народов очень мало женщин. Вызвано это всеми известными обстоятельствами: исторически сложившимся статусом прекрасного пола. Но прогрессивный ХХ век дал женщинам возможность раскрыться и показать свои способности. Фрида Кало — яркое тому подтверждение.

Творчество мексиканской художницы трудно с чем-то спутать. Основа ее искусства — автопортреты и элементы мексиканской культуры. Фрида много путешествовала, по это все больше пробуждало в ней любовь к Родине. Она стала носить мексиканские народные костюмы в повседневной жизни и рождать самобытные сюжеты.


“Две Фриды” — известная картина художницы, иллюстрирующая сразу два автопортрета. Большинство искусствоведов сходятся во мнении, что левая Фрида символизирует немецкое происхождение женщины, правая — мексиканское. Сердца двух фигур соединены кровеносными сосудами. “Немецкая” Фрида держит щипцы, которые разорвали сосуд. Эта часть картины написана вскоре после развода и символизирует утрату части себя. 


Джексон Поллок 

С помощью чего пишут картины? Кисти, карандаши? Джексон Поллок думал совсем иначе. Его инструментами становились самые необычные предметы: ножи, палочки, осколки стекла и собственные руки. Мастер не закреплял холст на мольберт, а чаще всего просто ложил на пол. Так он ощущал себя “внутри” картины и мог подходить к ней с разных сторон. Сегодня знаменитые абстракционисты буквально “молятся” на Поллока, как на своего вдохновителя.

Самая известная картина Поллока — «Номер 5». Произведение продано на аукционе за 140 млн долларов в 2006 году. Конечно, художник изучал основы изобразительного искусства и анатомии человека. Но, как и всякий гений, нашел собственный путь в творчестве. 

Думаете, абстракционизм Поллока — это только хаос и брызги краски? «No chaos, damn it!», — возмутился однажды мастер. Каждый холст автора — это упорядоченное произведение, и каждое пятно абсолютно не случайно. 

Энди Уорхол 

Многие известные художники современности копируют его стиль. Уорхол — ещё один эпатажным художник ХХ века, ставший олицетворением нового стиля. Король поп-арта был любимцем американского бомонда. Мастер писал портреты голливудских звёзд, хотя часто объектом его творчества становились неожиданные вещи. Стоит вспомнить знаменитую картину с консервами. В своем искусстве Уорхол отображал дух новой эпохи: массовость, потребление, обилие рекламы. 


«Авария в серебряной машине» — самая знаменитая и дорогая работа Уорхола, продана за 105 миллионов долларов. Левая часть картины создана методом шелкографии. Автор перенес на холст 15 снимков, на которых изображена автомобильная авария. Правую часть полотна художник оставил нетронутой. Оригинальная картина имеет нешуточные размеры и достигает 4 метров в длину.

Хотя вам наверняка встречалась другая работа Уорхола: “Бирюзовая Мэрилин”. Знаменитая актриса стала одной из семи женщин, которой художник посвятил свои картины. Автор изобразил красавицу такой, какой ее видели всего: иконой женственности и красоты для миллионов людей. Хотя реальный характер и судьба актрисы были далеко не идеальными.  

Иван Айвазовский

Имя этого художника неизменно ассоциируется с морской стихией. Иван Айвазовский посвятил свою жизнь морю во всех его ипостасях: тихая гавань, лодка посреди шторма, морской закат, в предвкушении бури… В целом, коллекция мариниста насчитывает более 600 картин. 

В мире искусства устоялось выражение «волна Айвазовского». Вода художника будто живёт, волны пенятся и вздымаются вверх. В красках чувствуется воздушность и лёгкость, свойственная настоящей воде. Мастер потратил немало лет, чтобы добиться такого эффекта. 

«9 вал» — самая узнаваемая картина Айвазовского. На полотне мы видим людей, из последних сил цепляющихся за обломок мачты. Ночью во время сильнейшего шторма они потерпели кораблекрушение. Но море и не думает успокаиваться даже утром, готовя для несчастных последний удар: самую большую волну, которую прозвали 9 вал. Поглотит ли их море? Или останутся живы? Этот вопрос автор оставляет открытым.

Искусствоведы сходятся во мнении, что художник дает зрителю надежду на благополучный исход. Картина выполнена в теплых тонах, что делает произведение не таким мрачным. А сквозь тучи пробиваются лучи солнца, символизирующие надежду. Можно сказать, что эта картина не о страхе или страданиях — она о борьбе и вере в лучшее. 

Знаменитые художники

Работы известных художников стали знаковыми во всех смыслах. Они уникальны для своего времени, во многом загадочны и неординарны. Каждый мастер нашел собственный путь — это самое главное. Они увидели мир по-другому, не так, как все. Душа и мировоззрение автора вылилось на холст — и так получились гениальные творения! 

К счастью, не нужно копить миллионы на оригиналы Моне и да Винчи. Можно воспользоваться печатью на холсте и украсить собственный дом великими шедеврами. Какая работа вам понравилась больше всего?



Самые дорогие и влиятельные женщины-художницы

Самые дорогие и влиятельные женщины-художницы

ArtWizard 13.01.2020

 

За каждым мужчиной-художником стоит женщина, которой отказано в ее справедливой доле признания. Размышляя об истории художественных движений, которые они помогли создать, не позволивших им свободно перемещаться в прославленных социальных кругах и организациях, открытых для их коллег-мужчин, и зачастую только находящих финансовый успех, которого они заслуживают посмертно, это невероятные женщины-художницы, живые и покойники, занявшие сегодня свои места на самых престижных и дорогих аукционных домах мира.

 

Джорджия О’Киф (1887-1986)

Джорджия О’Кифф, известная как «Мать американского модернизма», является одним из самых выдающихся представителей этого списка. Ее картина Jimson Weed/White Flower No. 1 завершена в 1932 и продана на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2014 году за впечатляющие 44,4 миллиона долларов США. О’Киф была особенно известна своими картинами с увеличенными цветами, на которые повлияла развивающаяся форма и стиль американских фотографов-модернистов, но она также посвятила много внимания тому, чтобы запечатлеть уникальную красоту северного пейзажа Нью-Мексико — любимого места для путешествий и в конечном итоге принятое домом. Глубоко вписываясь в мир природы, в работах О’Киф использовался музыкальный, эмоциональный и сверхчувствительный подход к тому, как цвета и формы играют вместе и друг против друга.

 

 

Georgia O’Keeffe, Jimson Weed/White Flower No. 1, 1932

 

 

Georgia O’Keeffe, Abstraction Blue, 1927

 

 

Луиза Буржуа (1911-2010)

Несмотря на, возможно «женскую», тему большей части работ французской скульпторши Луиза Буржуа, создавала различные сексуально откровенные скульптуры, изображающие женскую фигуру на протяжении всей ее карьеры, она последовательно сопротивлялась идее, что она была художницей-феминисткой. Тем не менее, в 1970-х годах Буржуа стала связываться с группой активистов-феминисток, названных Fight Censorship Group / Группа Борьбы с Цензурой, оспаривая ограничительную цензуру на сексуально откровенных образов. Ее более поздние работы, которые она продолжала производить вплоть до своей смерти в 2010 году в возрасте 98 лет, защищали права сообщества ЛГБТК. Самые известные работы Буржуа — и те, которые поместили ее в этот список — это ее гигантские скульптуры пауков (по имени Maman), впервые отлитые в 1997 году и воспроизведенные в различных изданиях и материалах в последующие годы, самые маленькие украшающие серебряную брошь, а самый большой стоящий на 30 футов. Буржуа утверждала, что ее связь с паукообразными представляет ее отношения с матерью. Бронзовая версия была продана на Christie’s в 2015 году за 28,2 млн долларов США.

 

 

Louise Bourgeois, Maman, 1999

 

 

Джоан Митчелл (1925-1992)

Чикагская художница Джоан Митчелл возглавляет список с точки зрения общей стоимости ее работ. Картины Джоан приобрели крутые 286 миллионов долларов США в период с 2005 по 2015 годы. У нее также было продано более 3’000 произведений, что на 2’500 единиц больше, чем у Синди Шерман — следующая по рейтингу по объеме женщина-художник. Родившаяся в 1925 году, Митчелл была ведущей фигурой во втором поколении американских абстрактных экспрессионистов и одной из немногих женщин, участвовавших в междисциплинарной нью-йоркской школе в 1950-х годах. Особенно под влиянием стиля и чувствительности Ван Гога в ее ранние годы, картины Митчелла характеризовались энергичными мазками, ярким использованием цвета и очень эмоциональным, выразительным подходом к ее искусству. Ее картина 1960 года без названия была продана почти за 12 миллионов долларов США в 2014 году.

  

 

Joan Mitchell, Untitled, 1960

 

 

Joan Mitchell, Before, Again III, 1980

 

 

Берта Морисо (1841-1895)

Берта Морисо была французским художником-импрессионистом и, наряду со своей сестрой Эдмой, очень уважаемыми талантами среди парижских художественных кругов, несмотря на то что их пол не позволил им присоединиться к официальным художественным организациям. Одна треть художественного критика Густава Жеффруа «Les Trois grandes dames» сделала свою первую публичную выставку в престижном Salon de Paris. За свою жизнь Морисо опередила несколько огромных имен в импрессионистском движении, в том числе Моне и Ренуара, и выставлялась вместе с импрессионистами каждый год, а одна с 1874 года. Ее картины изображали предметы из семейной жизни французского общества высшего класса, а также натюрморты и сельские пейзажи. Après le déjeuner, написанная в 1881 году и проданная за 11 миллионов долларов США в 2013 году, является ее наиболее дорогим произведением.

 

 

Berthe Morisot, Après le déjeuner, 1881

 

Berthe Morisot, Dans la véranda, 1884

 

 

Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962)

Русская художница-авангардистка Наталья Гончарова была настоящим универсалом. Артист, художник, художник по костюмам, писатель, иллюстратор и сценограф, Гончарова была одним из основателей школы художников «Бубновый валет» созданной в Москве в 1910 году. Одна из крупнейших и наиболее влиятельных групп раннего русского авангарда была сформирована, чтобы бросить вызов воспринимаемой вялости российской художественной сцены после изгнания нескольких художников из Московской школы живописи, ваяния и зодчества для подражания современному западному стилю. Демонстрируя увлечение этническим русским примитивизмом и народным искусством в ее ранней карьере, которая прекрасно сочеталась с ее антигородской, деревенской чувствительностью, Гончарова стала пионером инновационного российского футуристического движения. В 2007 году Гончарова ненадолго была самой дорогой женщиной-художницей в мире после того, как ее картина с 1909 года «Сбор яблок», продана за рекордные 9,8 миллиона долларов США, а в 2008 году продала свои «Цветы» за 10,8 миллиона долларов

 

 

Наталия Гончарова, Сбор яблок, 1909

 

 

Агнес Мартин (1912-2004)

Канадско-американская художница Агнес Мартин была выдающейся фигурой и одной из немногих женщин в движении абстракционистов, где доминировали мужчины. Подобно Джорджии О’Киф, Мартин постоянно обосновалась в Нью-Мексико, и ее работа черпала вдохновение из окружающей среды штата — благодаря этому результат дико отличается от ярких, красочных картин первых ее работ, предпочитая вместо этого направлять свое вдохновение в тонкие, нежные и приглушенные смытые цвета. Работая исключительно в коричневом, черном и белом цветах до ее переезда в Нью-Мексико, не может быть никаких сомнений в отношении роли уникального и мистического пустынного ландшафта в ее работе. Мартин известна своими квадратными картинами, наполненными бледными сетками и повторяющимися линиями. Ее картина Orange Grove была продана за 10,7 млн долларов США в начале этого года.

 

 

Agnes Martin, Orange Grove, 1965

 

 

Agnes Martin, Untitled, 1993

 

 

Кади Ноланд (р. 1956)

«Американский кошмар» — самопровозглашенная тема американской скульпторши постмодерна Кади Ноланд. Она использует свой медиум, чтобы начать жестокие атаки на современную культуру США — будь то одержимость знаменитостей, гламур или фиксация на насилие — комментируя то, что она воспринимает сегодня как фрагментированную социальную идентичность Америки. Скульптура Ноланда «Bluewald» 1989 года, в которой рассказывается об убийстве Джона Ф. Кеннеди и последующем убийстве его убийцы Ли Харви Освальда, продана в 2015 году за 8 миллионов долларов США, заработало ей место как единственного живого художника в этом списке. Произведение, напечатанное на алюминии, состоит из образа Освальда в момент, когда он умирает, взорванный, пронизанный увеличенными пулевыми отверстиями и хлопковым американским флагом, набитым во рту.

 

 

Cady Noland, Bluewald, 1989

 

 

Cady Noland, Four in One Sculpture, 1998

 

 

Тамара де Лемпицка (1898-1980)

Польская художница в стиле ар-деко Тамара де Лемпицка часто рекламируется как «первая женщина-художница, которая стала звездой гламура». Гламур, несомненно, играла заметную роль во многих ее картинах, причем художница часто изображала светских и королевских особ по всей Европе и Северной Америке, становясь любимым художником Голливуда. Лемпицка, беженец времен Первой мировой войны, разработала чувственный подход к мягкому кубизму, пытаясь заработать на жизнь в Париже. Она полностью приняла дух 1920-х годов, приняв богемный образ жизни, смешавшись с такими художниками, как Пабло Пикассо, и отвергла социальные нравы, чтобы без стеснения приняли ее бисексуальность. Le rêve (Rafaëla sur fond vert) Лемпицкой была продана за 8,4 миллиона долларов США в 2011 году, при этом художница считает на сегодняшний день своими лояльными коллекционерами некоторые из самых популярных имен, включая Мадонну, Джека Николсона и Барбару Стрейзанд.

 

 

Tamara de Lempicka, Le Rêve (Rafaëla Sur Fond Vert), 1927

 

 

Tamara de Lempicka,  Idylle (Le Départ), 1931

 

 

Фрида Кало (1907-1954)

В невероятно красноречивом комментарии о евроцентричной природе арт-рынка мексиканская художница Фрида Кало является единственной незападной и нерусской фигурой в этом списке. Несмотря на переезд в США в раннем взрослом возрасте, Кало никогда не отказывается от своей мексиканской культуры и наследия, изо всех сил пытаясь приспособиться к американской жизни — яркие цвета и символика, связанные с традиционным мексиканским искусством, можно найти в ее работе постоянно. Кало была также политически активным и преданным коммунистом. Фрида Кало отмечается во всем мире феминистками в свете ее настойчивого исследования женской формы и самопрезентации посредством ее многочисленных интроспективных автопортретов, а также ее графического опроса женской репродуктивной системы в свете ее собственного бесплодия. Ее картина Dos desnudos en el bosque (La tierra misma), продана за 8 миллионов долларов США.

 

 

Frida Kahlo, Dos desnudos en el bosque (La tierra misma), 1939

 

 

Эмма Хопкинс (р.1989)

Сосредоточившись почти исключительно на ню-портретах и исследованиях человеческой плоти, Эмма Хопкинс обратилась к портретной живописи после получения степени по специальности «Макияж и протезирование для перформанса» Лондонского университета искусств, где она обучалась дизайну и изготовлению протезов части тела для театра, кино и телевидения. Она быстро становится одной из влиятельных женщин-художников этого века. Родившийся в Брайтоне в 1989 году, Хопкинс увлечена темами анатомии, психологии и смертности, отмечая в качестве влияния Эгона Шиле, Фриду Кало и Пола Маккарти. Она старается «рисовать людей изнутри», пытаясь раскрыть взаимоотношения с нашим телом, разумом и эмоциями.
Используя различные материалы для создания множественных интерпретаций своих натурщиков, работа продвигается от интуитивных исследований, балансирующих на грани абстракции и сюрреализма, к эмоционально заряженным картинам маслом, которые являются скульптурными по стилю и клиническими в деталях. Хопкинс — освежающий исследовательский фигуратор. Используя тяжелую палитру красного цвета, символизирующую живительный цвет крови, ее работа — беззастенчивое выражение сексуальности, расширения возможностей и эмоций. Фрагментированная обрезка ее композиций увеличивает драму и напряжение ее предметов.

 

 

Emma Hopkins, Defense Mechanisms

20 лучших артисток всех времен

1 Элизабет Луиза Виже Лебрен (французская, 1755–1842)

Полностью самоучка, Элизабет Луиза Виже-Лебрен стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая женщина в Париже конца 18-го века) и активно работала в одни из самых неспокойных периодов в европейской истории. С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов.Виже Лебрен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократок, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, впечатляюще получая заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию ​​после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже-Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

2 Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была бесценным консультантом, помогая представить европейское искусство крупным коллекционерам в Соединенных Штатах.Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь. Ее современная женщина мастерски изображена на картине 1878 года In the Loge , первой импрессионистской работе художника, выставленной в Соединенных Штатах. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты для демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамичную роль, наблюдая за происходящим. Тем не менее преобладает мужской взгляд, так как вдалеке седовласый театрал смотрит прямо на нее в собственный бинокль.Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, В ложе (1878 г.), МИД Бостона.

3 Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)

Только когда в Музее Гуггенхайма был проведен масштабный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были завершены за несколько лет до работ Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана.С октября 2018 года по апрель 2019 года выставка « Hilma af Klint: Paintings for the Future » представляла собой множество больших, ярких, несколько волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Родившаяся в Стокгольме, аф Клинт посещала городскую Королевскую академию изящных искусств, которую окончила в 1887 году и впоследствии стала широко известна своими фигуративными работами и работала секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритуализм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе аф Клинт, искали способ примирить религию со многими последними научными достижениями.Эти системы верований вдохновили ее на первую большую группу непредметных, необъективных работ. Названные Картины для храма, , 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и вселенной. Аф Клинт, предназначенный для установки в спиральном храме, распорядился, чтобы работы не демонстрировались до 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних произведений, составляли основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, № 7, Взрослость (1907).

4 Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)

Основополагающая фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одной из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В Music, Pink and Blue из 1918 года О’Киф абстрагирует цветочный сюжет с помощью экстремальной обрезки, создавая арку из разноцветных лепестков, которые гудят с музыкальной энергией, подсказанной названием.Теории русского художника Василия Кандинского отчасти вдохновили О’Киф исследовать «идею о том, что музыку можно превратить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних отсылок.

На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red with Yellow (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, 1960 год.

5 Августа Сэвидж (американка, 1892–1962)

Скульптор-новатор, связанный с Гарлемским ренессансом, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве. Родившаяся недалеко от Джексонвилля, штат Флорида, Сэвидж переехала в Нью-Йорк в 1921 году, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в списке ожидания на место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст У. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.

В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Gamin, принесла ей широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии де ла Гранд Шомьер, расположенной в Париже, где она выставляла свои работы и получила множество наград. Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и основала Студию искусств и ремесел Savage, которая в 1932 году стала Центром искусств сообщества Гарлема. Два года спустя она стала первой афроамериканской художницей, избранной в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ на Всемирной выставке 1939 года, — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На снимке: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 1938 год.

6 Фрида Кало (Мексика, 1907-1954)

Яркие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми смелыми монобровями и усами однажды были описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленты вокруг бомбы».Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В «Двух Фридах (Las dos Fridas)» 1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две свои личности — одну в традиционном костюме техуана со сломанной шеей. сердце, а другой в современной одежде, независимый, с полным сердцем. Постоянное переделывание и наслоение Кало собственной личности было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Las dos Fridas) (1939), экспозиция 2007 г.

7 Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)

Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, занимавшейся реставрацией гобеленов, и выросла, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась к искусству, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала в своих работах такие темы, как одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила шанс проявить себя, когда в Музее современного искусства была представлена ​​ретроспектива ее работ, на которой были представлены искаженные человекоподобные фигуры, подвешенные к проводам; тканевые творения из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которыми ее больше всего помнят сегодня.

На снимке: Луиза Буржуа, Maman (1999), сфотографировано в Гамбурге, Германия, в 2012 году.

8 Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с минималистским движением, существовала в своей собственной лиге и не поддается простой категоризации. Сильно личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины приходят к ней полностью сформированными, размером с почтовые марки, которые она переводит на крупномасштабные холсты.Блестящая золотая икона Дружба 1963 года — великолепный пример оригинальной сетки художника. Тонко прочерченные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при ближайшем рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение трансцендентного спокойствия. Ретроспектива работ Мартина открывается в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в октябре 2016 г.

9 Леонора Кэррингтон (британка-мексиканка, 1917-2011)

Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Кэррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфанта в Лондоне. В том же году она посетила Международную Выставка сюрреалистов и была обращена к творчеству немецкого художника Макса Эрнста.В следующем году они встретились на вечеринке и закрутили короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден бежать от преследований. Он бежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после того, как они расстались, Кэррингтон была госпитализирована с психическим расстройством и лечилась сильнодействующими препаратами. После освобождения она бежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество.Ее очень автобиографические картины содержат отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображая фантастических существ и преследующие сцены. В 1970-х она стала участником Движения за освобождение женщин и разработала плакат под названием Mujeres Conciencia, для этого дела в 1973 году. приверженность ее политической деятельности.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуайна (1959).

10 Элейн Стертевант (американка, 1924–2014 гг.)

Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякое впечатление; то, что на первый взгляд кажется картиной Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала воспроизведены с пугающей точностью. С 1964 года Стертевант использовала работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение иерархию пола, оригинальности и авторства, а также структуры искусства и культуры.На самом деле Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего производителя экранов для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он говорил людям «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный на Christie’s в 2015 году.

11 Бетье Саар (американка, 1926 г.р.)

Одна из самых известных художниц в области ассамбляжа, Бетье Саар — настоящая икона в сфере современного искусства.Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончила в 1947 году со степенью в области дизайна, но со страстью к гравюре. В 1967 году она посетила выставку скульптора по найденным предметам Джозефа Корнелла, которая радикально повлияла на ее творческую траекторию. Она начала выстилать коробки для сборки своими собственными отпечатками и рисунками и заполнять их найденными предметами, создавая предметы, посвященные расе и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего.в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремальной. В 1970-х Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и озвучить опыт черных. В ее самой известной работе, «Освобождение тети Джемаймы » (1972), изображена кукла-мама, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам.Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а духовно символ надежды и обещания».

На фото: Бетье Саар, Brides of Bondage , на выставке в Saddleback College в Mission Viejo, Калифорния, 1998 год.

12 Хелен Франкенталер (американка, 1928–2011)

Прорывная картина Хелен Франкенталер «пятно», Горы и море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля.В первую очередь колорист, Франкенталер выливал банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитываться в основу, образуя аморфные формы. Будучи женщиной абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась сквозь движение, в котором доминировали мужчины, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. Ее работы в настоящее время являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Художественном музее Денвера в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер c. 1956.

13 Яёи Кусама (яп., 1929 г.р.)

Королева в горошек Яёи Кусама была значительной силой авангардного искусства в 1960-х годах и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря ее недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хэппенинги» 1960-х годов были новаторскими, в частности «Сад нарциссов» 1966 года, которые художница представила на мировой сцене на Венецианской биеннале.На средства своего коллеги-художника Лучио Фонтана Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их для продажи посетителям по 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализации мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Narcissus Garden (1966), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, 2009 г.

14 Джуди Чикаго (американка, 1939 г.р.)

Отдавая дань уважения выдающимся женщинам в истории, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго ушла значительно дальше во времени, чем Париж конца 18-го века.В The Dinner Party с 1974 по 1979 год в Чикаго была создана культовая инсталляция, посвященная 1038 женщинам в истории, с вышитыми входными знаменами, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с гостями, начиная от Изначальной Богини. в Джорджию О’Киф. В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданным в ключевой период 1970-х годов, когда женщины-художницы решали проблемы гендера.

На фото: Джуди Чикаго, Званый ужин (1974-1979), Бруклинский музей.

15 Марина Абрамович (серб, 1946 г.р.)

Марина Абрамович, самопровозглашенная бабушка перформанса, развивает свою практику уже более пяти десятилетий. Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать искусство перформанса в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратившись в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, состоящая из длинных рутин, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начала сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались творческими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменил ей. В 2010 году Абрамович поставил перформанс на выносливость в Музее современного искусства под названием «Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела на одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго поучаствовать в молчаливых встречах. Удивив Абрамович и тронув ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили трогательный момент после более чем 20-летнего молчания.

На фото: Марина Абрамович исполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

16 Адриан Пайпер (американец, 1948 г.р.)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что вы не осознавали этого, когда делали / смеялись / соглашались с этим расистским замечанием», — говорится в My Calling (Card) № 1 Адриана Пайпера с 1986 по 1990 год. Художник-концептуалист и перформансист, Пайпер является первопроходцем в решении острых вопросов, связанных с полом и расой. В своей серии « Мифическое существо » Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, разоблачая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей чернокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно пророческими и значимыми сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , состоящую из киосков корпоративного вида, в которых посетители могли подписать контракты, соглашаясь жить по установленным правилам. правил, поощряющих личную ответственность.

На снимке: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.

17 Мэрилин Минтер (американка, 1948 г. р.)

Стирая границы между чувственностью и гротеском, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленку, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее окончательная картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать безвкусные сцены, связанные с женским домашним хозяйством, такие как кухонный пол и различные продукты питания. В 80-х она сосредоточила свой объектив на более чувственных темах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутаны публичным дискомфортом. Сочетая в себе элементы изящной фэшн- и бьюти-фотографии и яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепительные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желательными реалиями (потом, слюной, волосами и грязью).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 году.

18 Синди Шерман (американка, Б.1954)

Важная художница «Поколения картинок», группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие пол и идентичность. Работая режиссером, визажистом, парикмахером, стилистом, моделью, сценографом и фотографом, художница превращается в сложных персонажей и снимает себя в не менее сложных сценах.

После окончания Университета штата Нью-Йорк в Буффало Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа.Вскоре после прибытия она начала работать над безымянными кадрами из фильма (1977-80), своим ныне культовым сериалом, в котором она появляется во множестве обличий и настроек, изображая женские стереотипы, встречающиеся в кино и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф . С тех пор она продолжала перевоплощаться во множество персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля для сатирической статьи в мартовском номере Bazaar .

На фото: Синди Шерман, Untitled #414 , (2003), на выставке в Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

19 Ширин Нешат (иранка, 1957 г.р.)

Родившаяся в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где 10 лет проработал в Магазине искусства и архитектуры. Только вернувшись в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться в Иране, стране, которая подорвала основные права человека, особенно после исламского революции, я неудержимо стремился к созданию искусства, связанного с проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечности».

Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограничения исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм « Махдохт » (2004 г. ), основанный на романе Шахрнуш Парсипур « женщин без мужчин, », аналогичная тема.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свою работу, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру Венецианского кинофестиваля 2009 года.

На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.

20 Микалин Томас (американка, 1971 г.р.)

Микалин Томас, наиболее известная своими картинами-коллажами, создает яркие портреты и детализированные интерьеры, затрагивающие такие темы, как сексуальность, раса, красота и пол, и исследует, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогией женственности, Томас привлекает внимание к определенным компонентам своих изделий (волосы, обувь и т. д.) и просит зрителей задуматься о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством движений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих героинь в позах, популяризированных ею. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть их представление о женщинах как о объектах.

Член движения Post-Black Art Movement, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.

На фото: Микалин Томас позирует в Художественной студии в Нью-Йорке, 2008 год.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти дополнительную информацию об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

12 известных женщин-художников, о которых вам нужно знать, если вы увлекаетесь историей искусства

История искусства усеяна именами великих людей — Леонардо да Винчи, Винсента Ван Гога, Пабло Пикассо и т. д. Но как насчет женщин кто помог сформировать визуальную историю мира? Как и во многих других областях, женщинам исторически не рекомендовалось делать карьеру в искусстве, но есть много невероятных женщин, которые выстояли. У этих известных художниц больше общего, чем их пол и карьерный путь — все они сами по себе являются первопроходцами, преодолевая множество барьеров в своей личной и общественной жизни.

Конечно, эти женщины, скорее всего, были бы недовольны включением в список женщин-художников, предпочитая, чтобы их ценили как художников вне их пола. К сожалению, поскольку женщины продолжают бороться за равенство во всех областях, эти выдающиеся артисты часто упоминаются с точки зрения их пола.К счастью, больше, чем когда-либо, этих выдающихся женщин противопоставляют их сверстникам-мужчинам, и они получают положительное признание за их вклад в историю искусства. Такие организации, как Advancing Women Artists, работают над тем, чтобы женские таланты прошлого не остались за бортом книг по истории.

Взгляд на некоторых великих художниц прошлого — это также хронология истории искусства. Женщины были ведущими фигурами в каждом художественном движении от итальянского Ренессанса до американского модернизма и далее. Прокладывая свой путь через историю искусства — от придворной художницы 16-го века для короля Филиппа II до иконы 20-го века Фриды Кало — давайте взглянем на силу, характер и талант этих исключительных женщин.

Если вы любитель искусства, вот 12 известных художниц, которых вам нужно знать.

 

Софонисба Ангиссола (1532–1625)

«Трое детей с собакой» Софонисбы Ангвиссолы. около 1570-1590 гг. (Фото: Викимедиа, общественное достояние)

Художник Софонисба Ангиссола был первопроходцем итальянского Возрождения.Родившись в относительно бедной дворянской семье, ее отец позаботился о том, чтобы она и ее сестры получили всестороннее образование, включающее изобразительное искусство. Это включало ученичество у уважаемых местных художников. Это создало прецедент для будущих художниц, которые до этого момента обычно ходили в ученики только в том случае, если у члена семьи была мастерская. Талант Ангвиссолы привлек внимание Микеланджело, с которым она осуществляла неформальное наставничество посредством обмена рисунками.

Хотя ей как художнице не разрешалось изучать анатомию или практиковаться в рисовании моделей из-за кажущейся вульгарности, ей все же удалось сделать успешную карьеру.Во многом своим успехом она обязана своей роли художницы при дворе короля Испании Филиппа II. В течение 14 лет она развивала свои навыки как в официальной придворной портретной съемке, так и в более интимных портретах знати. Ее картины известны тем, что передают дух и яркость ее натурщиков, и теперь их можно найти в коллекциях по всему миру.

 

Артемизия Джентилески (1593–1653)

«Автопортрет как аллегория живописи» Артемизии Джентилески.1638–39. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Будучи дочерью известного художника, Артемизия Джентилески получила доступ к миру искусства в юном возрасте. Вначале она смешивала краски в мастерской своего отца, и он поддержал ее карьеру, когда заметил, что она исключительно одарена. Как известная художница периода итальянского барокко, Артемизия Джентилески не позволяла своему полу удерживать ее от предмета. Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.

Ее наследие иногда затмевается ее биографией, а ее кровавые изображения Юдифи и Олоферна часто интерпретируются через призму ее изнасилования, совершенного другим художником. Тем не менее, ее талант неоспорим, и она по-прежнему известна своим реалистичным изображением женских форм, глубиной цветов и поразительным использованием света и тени.

 

Джудит Лейстер (1609–1660)

«Счастливая парочка» Джудит Лейстер.1630. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Родилась в Харлеме, Джудит Лейстер была ведущей художницей Золотого века Голландии. Типичный для голландских художников этого периода, Лейстер специализировался на жанровых картинах, натюрмортах и ​​портретах. Подробности ее художественного образования неясны, но она была одной из первых женщин, принятых в гильдию художников Харлема. Позже она провела успешный семинар с несколькими учениками-мужчинами и была известна непринужденным, неформальным характером своих портретов.

Несмотря на то, что она была довольно успешной при жизни, ее репутация пострадала после ее смерти из-за неудачных обстоятельств. Все ее творчество было выдано за произведение либо ее современником Франсом Хальсом, либо ее мужем. Во многих случаях ее подпись скрывали коллекционеры, стремящиеся получить прибыль из-за высокой рыночной стоимости работ Франса Хальса. Только в конце 19 века эти ошибки были обнаружены, и ученые начали вновь ценить мастерство Лейстера как художника.

 

Элизабет Виже Лебрен (1755–1842)

«Автопортрет в соломенной шляпе» Элизабет Виже Лебрен. 1782. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Французская художница-портретист Элизабет Виже Ле Брун создала впечатляющее количество работ, насчитывающих около 1000 портретов и пейзажей. Будучи дочерью художника, она получила раннее обучение от своего отца и уже в подростковом возрасте профессионально рисовала портреты. Большой прорыв в ее карьере произошел, когда она была названа художником-портретистом Марии-Антуанетты, а позже ей разрешили поступить в многочисленные художественные академии.

Ее картины перекрывают разрыв между театральным стилем рококо и более сдержанным неоклассическим периодом. Она пользовалась постоянным успехом в своей карьере, даже находясь в изгнании после Французской революции, поскольку была любимым художником аристократии по всей Европе. Ниттерс наслаждалась ее способностью успокаивать их, что привело к созданию портретных картин, которые были живыми и лишенными жесткости.Естественная, непринужденная манера ее портретов считалась революционной в то время, когда портретная живопись часто требовала формальных изображений высших классов.

 

Роза Бонёр (1822–1899)

«Ярмарка лошадей» Розы Бонёр. 1852–55. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Как и у многих художниц, Роза Бонёр, отец , был художником. Французская художница-реалистка считается одной из самых известных художниц 19 века, известной своими крупноформатными картинами с изображением животных.Она регулярно выставлялась в известном парижском салоне и добилась успеха за границей как в Соединенных Штатах, так и в Великобритании. Бонёр провела много времени, зарисовывая живых животных в движении, что объясняет ее замечательную способность запечатлевать их сходство на холсте.

Bonheur также известен тем, что ломает гендерные стереотипы. С середины 1850-х годов она носила мужскую одежду, даже получив на это разрешение полиции. Хотя ее часто критиковали за то, что она носила брюки и свободные блузки, она продолжала носить их на протяжении всей своей жизни, ссылаясь на их практичность при работе с животными.Она также была открытой лесбиянкой, сначала прожив с партнером Натали Микас более 40 лет, а затем, после смерти Микаса, наладила отношения с американской художницей Анной Элизабет Клампке. Живя своей жизнью открыто в эпоху, когда правительство осуждало лесбиянство, Бонёр заявила о себе как о новаторской личности как в своей карьере, так и в личной жизни.

 

Берта Моризо (1841–1895)

Берта Моризо «Дама за туалетом». 1875 г.(Фото: Википедия, общественное достояние)

Считающаяся одной из великих женщин-импрессионистов, Берта Моризо , искусство текло по ее венам. Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой ​​племянницей знаменитого художника рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом парижском салоне, прежде чем присоединиться к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанна, Ренуара и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуаром Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.

Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковали как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о своей борьбе за то, чтобы ее воспринимали всерьез как художницу, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который обращался с женщиной как с равной, и это все, о чем я бы просил, потому что я знаю, что я Я стою столько же, сколько и они.

 

Мэри Кассат (1844–1926)

«Купание ребенка» Мэри Кассат.1893 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Американская художница Мэри Кассат провела взрослую жизнь во Франции, где стала неотъемлемой частью группы импрессионистов. Кассат родилась в обеспеченной семье, которая поначалу протестовала против ее желания стать художницей. В конце концов она бросила художественную школу из-за того, что ее разочаровало отдельное отношение к ученицам: они не могли использовать живых моделей и вынуждены были рисовать по слепкам.

Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат искала частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре.Карьера Кассат уже пошла в гору, когда она присоединилась к импрессионистам и подружилась с Дега на всю жизнь. В то же время она откровенно выражала тревогу по поводу формальной системы искусства, которая, по ее мнению, требовала от женщин-художников флиртовать или дружить с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед. Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, осваивая пастель для создания мягких, легких работ, в которых часто выделялись женщины, выступающие в роли опекунов. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.

 

Джорджия О’Киф (1887–1986)

Будучи художницей в авангарде американского модернизма, Джорджия О’Киф является одной из самых знаменитых женщин-художниц в истории. Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открыв эру «искусства ради искусства». При жизни ее карьера была тесно связана с мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идею о том, что американское искусство может сравниться с европейским и что женщины-художники могут создавать искусство не менее мощное, чем мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.

Стиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли в сочетании с его интимными портретами О’Киф подтолкнули к мысли, что ее картины с цветами крупным планом были метафорами женских гениталий. Это концепция, которую художница всегда отрицала, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Киф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражение ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в чисто женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола.

 

Тамара де Лемпицка (1898–1980)

Польская художница Тамара де Лемпицка известна своими очень стилизованными портретами и обнаженными телами, олицетворяющими эпоху ар-деко. Де Лемпицка провела большую часть своей карьеры во Франции и Соединенных Штатах, где ее работа была одобрена аристократами. Одна из ее самых известных картин, Автопортрет в зеленом Bugatti , иллюстрирует холодный и отстраненный характер фигур Де Лемпицка. В работе, созданной для обложки немецкого модного журнала, Де Лемпицка излучает независимость и неприступную красоту.

Ее картины часто содержали рассказы о желании, соблазнении и современной чувственности, что делало их революционными для своего времени. Де Лемпицка пользовалась успехом до начала Второй мировой войны, но интерес к ее работам возродился, когда в 1960-х годах ар-деко снова стал популярным. Ее сразу узнаваемый стиль делает ее особенно любимой среди поклонников художников ар-деко, и сегодня ее работы популярны как никогда, а Мадонна является известным коллекционером ее картин.

 

Фрида Кало (1907–1954)

В настоящее время нет другой художницы 20-го века с таким узнаваемым именем, как Фрида Кало . В то время как драма ее трагического несчастного случая в молодости и ее бурные отношения с мужем Диего Риверой иногда затмевали ее художественные способности, нельзя отрицать силу ее живописи. Она особенно известна своими автопортретами, посвященными темам личности, страданий и человеческого тела.

Хотя при жизни о ней иногда писали исключительно как о «жене Диего Риверы», после ее смерти ее творчество только набирало обороты. Самые известные картины Фриды Кало принадлежат важным художественным музеям мира, а сама она завоевала статус поборницы феминисток, чиканос и ЛГБТ-сообщества.

 

Хелен Франкенталер (1928–2011)

Выросла на Манхэттене, Хелен Франкенталер изучала живопись в Далтонской школе и Беннингтонском колледже.Она начала свою обширную выставочную карьеру в 1952 году, выставив свою картину « Горы и море ». Учась у художника Ганса Хоффмана, будучи молодой художницей, она стала важной фигурой в художественном движении абстрактного экспрессионизма. Ее картины отличались красочными, органическими формами. В первые годы ее карьеры эти композиции, как правило, были сосредоточены на холсте. К 1960-м годам работы Франкенталера часто занимали все полотно. Ее шестидесятилетняя работа демонстрирует постоянную эволюцию стиля.

Сегодня Франкенталера помнят как пионера живописи цветового поля — стиля, в котором большие полосы цвета являются «предметом» картины. Чтобы добиться эффекта яркого цвета, Франкенталер разбавляла краски скипидаром перед нанесением их на незагрунтованное полотно. Результатом этого метода «замачивания пятен» стал почти акварельный вид с цветом, встроенным в органические слои. Ее и подобные работы были включены в знаменитую выставку 1964 года, организованную искусствоведом Клементом Гринбергом, под названием Post-Painterly Abstraction .Сегодня ее работы можно найти в большинстве крупных американских художественных музеев.

 

Июньский лист (с 1929 г. по настоящее время)

Родилась и выросла в Чикаго, Июнь Лиф непродолжительное время обучалась в IIT Institute of Design, прежде чем в нежном возрасте 18 лет начала самостоятельное обучение в Париже. В 1954 году она вернулась в Иллинойс, чтобы получить степень бакалавра и магистра. степени в области художественного образования. Однако в 1958 году она вернулась в Париж, получив финансирование от программы Фулбрайта.С годами она разработала аллегорический стиль в нескольких средах. С помощью рисунков пером и тушью, картин на холсте и кинетической скульптуры работы Листа охватывают абстрактное и необычное. В ее работах часто изображено человеческое тело, часто с участием ее собственных воображаемых рук.

Лиф и ее муж — кинорежиссер и фотограф Роберт Франк — делят свое время между квартирой на Бликер-стрит в Нью-Йорке и рыбацким коттеджем в Новой Шотландии. В 2016 году Музей американского искусства Уитни провел ретроспективу ее работ под названием « июньский лист: мысль бесконечна ».Хотя Фрэнк скончался в 2019 году, Лиф продолжает творить. В интервью 2016 года журналу Women’s Wear Daily она описала свою работу как процесс поиска. Она сказала: «Может быть, я не хочу общественного признания. Я хочу выжить с той целостностью, которая так драгоценна для меня. Тот факт, что я смог сделать этот рисунок [указывая на мольберт], заставил меня подумать: «О, хорошо, ты все еще ученый, который может изобрести что-то, что сопутствует твоей жизни».

 

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

Онлайн-база данных включает незамеченных женщин-художников 15-19 веков

Расширение возможностей художественной книги о женщинах-художницах, которых не замечают музеи

9 смелых и влиятельных женщин, которые сформировали мир искусства

8 культовых художников и вдохновение их любимых сюжетов

10 самых известных художниц

Фрида Кало считается одной из самых значительных женщин-художников в истории по ряду причин, но кто еще стоит рядом с ней?

Откройте для себя ниже нашу коллекцию 10 самых значительных женщин-художников в мире, охватывающую все от эпохи Возрождения до наших дней.Мы постарались сделать список как можно более разнообразным и интересным, а также включили примеры некоторых из их самых известных работ, чтобы вы могли быстро получить представление о каждом художнике для тех, кто с ними не знаком. Было много маргиналов, которых легко можно было бы включить в эту группу, и поэтому другие наверняка не согласятся с некоторыми из наших включений и исключений — в конце концов, это особенно субъективный выбор, который нам пришлось сделать.

Говоря о влиянии, мы, конечно, говорим о том, как художник повлиял на мир искусства, а не об обязательном изменении общества вне этой сферы.В некоторых случаях, безусловно, имел место эффект домино, когда повышенная известность женщин в искусстве также способствовала их появлению в других областях, но этот список не выходит слишком далеко за пределы самой арт-сцены. В то время как некоторые женщины были вынуждены использовать тот же контент и методы, что и их коллеги-мужчины, чтобы добиться определенного уровня признания, другие добились успеха, создавая искусство с исключительно женской точки зрения, что бы это ни влекло за собой. Например, женщины-импрессионисты отражали жизнь скрытого пола, часто спрятанного дома, занимаясь домашними делами.Это оказало большее влияние, чем просто разнообразие содержания в движении, и несколько художников-импрессионистов-мужчин призвали их продолжать в том же духе.

Несмотря на то, что женщины по-прежнему сталкиваются с вопросами равенства в искусстве, из приведенного ниже списка вы заметите, что подавляющее большинство знаменитых имен появились за последние два столетия, что подчеркивает, насколько большой прогресс был достигнут на пути к истинному равенству по сравнению с тем, где мы были ранее.На самом деле, отрасль, возможно, могла бы претендовать на то, что сегодня она ближе к идеальному сценарию, чем ряд других отраслей, хотя ей еще предстоит проделать большую работу. Тем не менее, остаются другие проблемы, такие как предоставление возможности привлечь внимание к своей работе людям из более бедных слоев общества, а также представителям некавказского происхождения, чтобы отразить меняющийся баланс современного общества. Вероятно, всегда будет определенный элемент той или иной группы, стремящийся к большей интеграции в ту или иную часть общества, но всегда можно просто стремиться к улучшениям и достижениям с течением времени.

Список самых известных художниц

  1. Артемизия Джентилески
  2. Соня Делоне
  3. Тамара де Лемпицка
  4. Мэри Кассат
  5. Берта Моризо

    Эта французская художница должна была сосредоточиться на темах, связанных с жизнью женщин, в своих работах, и это добавило важную струну к и без того впечатляющему поклону импрессионистского движения.Такие люди, как Моне и Ренуар, были особенно воодушевлены, и она участвовала в ряде выставок, на которых лучшие картины этого творческого коллектива были представлены для заинтригованной публики. Семейная жизнь и домашние сцены доминировали в ее творчестве, а ее прикосновение кисти было особенно тонким. Берта Моризо также вышла замуж за члена семьи Мане, что еще больше связало ее с миром французского искусства и обеспечило ей всю поддержку, необходимую для успеха ее талантов.


  6. Барбара Хепворт
  7. Бриджит Райли
  8. Трейси Эмин
  9. Джорджия О’Киф

    О’Киф была поистине уникальной художницей, которая черпала вдохновение в местных природных предметах для создания необычных, выразительных произведений искусства.Ее цветовые схемы были яркими, а ее минимальные детали напоминали современную иллюстрацию. Она, безусловно, одна из самых известных американских художниц любого пола в истории, и музей ее имени продолжает продвигать ее работы среди новых поколений. Цветы были обычным явлением в ее работах, но были также серии вокруг костей, которые она нашла лежащими вокруг, а также различные архитектурные объекты, некоторые здания в дикой местности и другие городские пейзажи с гораздо более оживленной атмосферой. Стиль картин Джорджии О’Киф обычно называют модернизмом, но на самом деле ее творчество остается совершенно уникальным.


  10. Фрида Кало

    Вряд ли мы могли бы опубликовать статью о самых известных художницах в истории на этом сайте, посвященном Фриде Кало, и не выбрать ее номером один! На ее влияние повлиял как ее яркий и воодушевляющий художественный стиль, так и серьезные трудности, которые она испытала и преодолела при жизни.Именно ее травмы и бурные отношения подпитывали большую часть ее выразительного искусства, в то время как ее стиль в мексиканской тематике также повысил ее роль значимого нишевого художника с точки зрения европейцев. К сожалению, без ее связи с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой она, возможно, никогда не добилась бы славы, но это еще больше подчеркивает общее положение женщин в мире искусства за последние несколько столетий.


12 известных художниц Спорим, вы не знали

Женщин-художников уже давно затмили их коллеги-мужчины, многие из которых неизвестны или забыты в истории.Хотя в последние десятилетия некоторые из них вновь привлекли к себе внимание, большинство их имен сегодня остаются малоизвестными. Стремясь изменить это, мы проливаем свет на великих художниц, забытых историей, и подчеркиваем их вклад в мир искусства.

Сколько женщин-художниц вы можете назвать? Если вы знаете меньше, чем горстка, вы не одиноки. Хотя существовало больше женщин-художников, чем кажется сразу, большинство из них канули в безвестность сразу после смерти.В этой статье мы раскрываем истории 12 женщин-художников из прошлого, оглядываясь назад на их достижения, препятствия, которые они преодолели, и как они выстроились в ряд с некоторыми из самых известных художников в истории.

Где женщины-художницы?

Но прежде чем мы перейдем к нашему списку, давайте ответим на вопрос, который некоторые из вас, возможно, уже задают. Почему на протяжении всей истории было так мало известных женщин-художников?

Начнем с того, что женщины-художники не имели доступа к тому же образованию , что и их коллеги-мужчины.С 16 по 19 века большинство художественных школ отказывались принимать учениц, и было очень мало учреждений, которые публично демонстрировали или продавали свои работы. Женщин-художниц, которым запретили академическое обучение, либо занимались самоучкой, либо обучали их отцы.

В то время натурный рисунок обнаженной натуры был основой всего художественного обучения. Умение мастерски изображать человеческое тело было необходимо для исторической живописи, которая тогда считалась высшей категорией искусства.Однако женщинам не разрешалось участвовать в изучении обнаженной натуры по соображениям морали. В результате начинающим художницам было отказано в возможности отточить самый важный навык, необходимый для создания «значительных» произведений искусства.

Со всем этим были связаны патриархальные социальные нормы , которые не позволяли женщинам заниматься карьерой вне дома. Не имея возможности вырваться за рамки домашней жизни, многие женщины-художницы обратились к тканям и ремеслам, средствам, которые художники-мужчины в значительной степени игнорировали, считая их второстепенными по сравнению с живописью и скульптурой.Это еще больше подпитывало стереотип о женщинах, неспособных стать великими художниками, поскольку исторически ремесла считались низшими по сравнению с искусством.

За исключением очень немногих, которым удалось разорвать порочный круг отчуждения и дискриминации, наиболее талантливые женщины оказались маргинализованными, потому что они оказались женщинами. В значительной степени выпавшие из анналов истории искусства, их работы игнорировались, умалялись или, как вы скоро узнаете, приписывались мужчинам.

12 влиятельных художниц, забытых временем

#1 Катерина ван Хемессен (1528–1588) – Неизвестный пионер 

Катерина ван Хемессен, одна из первых известных женщин-художниц, была фламандской художницей эпохи Возрождения, наиболее известной своими женскими портретами и религиозными композициями.Скорее всего, она была ученицей своего отца, известного художника-маньериста Яна Сандерса ван Хемессена. Позже в жизни она стала мастером в Гильдии Святого Луки, где обучала своих собственных учеников.

Интересные факты о художнике : Ван Хемессену часто приписывают создание первого автопортрета художника, изображенного сидящим за мольбертом. Она написала на нем латинскими словами: «Я, Катерина ван Хемессен, нарисовала себя/1548/Здесь 20 лет». Это новаторское полотно изображает ее на ранних этапах написания портрета и сейчас является частью коллекции Художественного музея Базеля.

#2 Софонисба Ангвиссола (1535-1625) – Ученица Микеланджело

Софонисба Ангвиссола — самая известная художница эпохи Возрождения. Она занялась живописью при поддержке своего отца, дворянина, который поддерживал ее в развитии ее художественного таланта. Она добилась большого успеха при жизни и даже была назначена придворным художником Филиппа II Испанского. Когда возраст помешал ей рисовать, она наставляла молодых художников, в том числе Антониса Ван Дейка.

Интересные факты о художниках : В молодости Ангвиссола отправилась в Рим, где ее представили не кому иному, как Микеланджело. Итальянский мастер сразу же признал ее талант и предложил ей свое руководство. В 1577 году отец Ангвиссолы написал Микеланджело письмо, в котором благодарил его за «благородную и вдумчивую привязанность, которую ты проявил к Софонисбе, моей дочери, которую ты познакомил с самым почетным искусством живописи».

#3 Артемизия Джентилески (1593-1653) – Героиня барокко Юдифь обезглавливает Олоферна (ок.1613-14) через Википедию

В эпоху, когда у женщин было мало возможностей стать профессиональными художниками, Артемизия Джентилески сумела зарекомендовать себя как успешный художник и стала первой женщиной, ставшей членом Академии ди Арте дель Дизайн во Флоренции. Ее работы, отличающиеся драматическими сюжетами, яркими цветами и контрастом светлых и темных тонов, недавно пережили заслуженное возрождение интереса и восхищения.

Интересные факты о художниках : В юном возрасте Джентилески была изнасилована другом своего отца и коллегой-художником Агостино Тасси.Неудивительно, как это часто бывало в то время, что ее репутация была поставлена ​​под сомнение. Однако юная Артемизия придерживалась своего мнения даже после того, как ее пытали во время дачи показаний. После суда Тасси был осужден, но так и не отбыл свой срок.

#4 Джудит Лейстер (1609-1660) – Потерянный и обретенный талант

Джудит Лейстер была одной из первых успешных художниц в Нидерландах. Талантливый живописец и гравер Золотого века Голландии, она наиболее известна своими жанровыми сценами из повседневной жизни — что-то необычное для художницы того времени.Хотя современники хвалили ее, ее художественная карьера была недолгой. В 1636 году она вышла замуж за коллегу-художника Яна Миенсе Моленаера и бросила живопись, чтобы вместо этого сосредоточиться на своей семье.

Интересные факты о художниках : Прославившаяся при жизни, Джудит Лейстер была практически стерта из истории искусства после своей смерти. Ее работы либо остались без указания авторства, либо были приписаны ее коллеге-художнику Фрэнку Халсу или ее мужу Моленэру. Она вновь появилась только в конце 19-го века, когда ее инициалы были найдены на картине Гуляющая пара , спрятанной под фальшивой подписью Хальса.

#5 Анжелика Кауфман (1741-1807) A Неоклассическая суперзвезда Автопортрет, колеблющийся между искусством музыки и живописи (1791) через Wikimedia

Анжелика Кауфман была самым известным портретистом в Европе 18-го века и преданным историческим художником в то время, когда женщинам все еще запрещалось рисовать обнаженную натуру. Не имея возможности участвовать в уроках рисования с натуры, она якобы изучала анатомию, изучая гипсовые слепки известных статуй.Как и у многих успешных художниц до нее, у нее был поддерживающий отец, художник Джозеф Кауфман. Он обучил ее основам рисования и живописи и помог ей продвинуться по карьерной лестнице.

Интересные факты о художниках : Хотя Кауфман была одной из двух женщин-художников среди тридцати шести членов-учредителей Лондонской Королевской академии, она не появляется на их знаменитом групповом портрете Академики Королевской академии. Поскольку картина была поставлена ​​в лайф-студии с обнаженными моделями-мужчинами, двух художниц пришлось из соображений приличия выгнать из комнаты.

#6 Луиза Элизабет Виже Лебрен (1755-1842) – Королевский портретист Автопортрет в соломенной шляпе (1782) через Википедию

Луиза Элизабет Виже-Лебрен была одной из самых известных и модных портретисток Франции 18-го века. У нее было особое положение протеже Марии-Антуанетты, которую она рисовала в общей сложности 30 раз. Фактически именно королевское вмешательство привело к тому, что Виже Лебрен была принята в Королевскую академию в 1783 году в качестве одной из четырех допущенных женщин-членов.

Интересные факты о художниках : Из-за тесных связей с королевой Виже Ле Брун была вынуждена бежать из Франции во время Французской революции. Однако ей удалось организовать успешную карьеру за границей, изображая аристократических женщин и мужчин Италии, Австрии и России, прежде чем вернуться во Францию ​​​​в 1802 году, когда ее имя в конечном итоге было вычеркнуто из списка вражеских эмигрантов.

#7 Роза Бонёр (1822-1899) – блестящая трансвестит

Роза Бонер добилась беспрецедентной славы и признания и стала самой известной художницей 19 века.Сказочно дерзкая анималистка викторианской эпохи, она специализировалась на рисовании лошадей и домашнего скота. Ее шедевром, несомненно, является ее монументальная Horse Fair, , занимающая всю стену галереи в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.

Интересные факты о художниках : В столетие, которое делало все возможное, чтобы женщины оставались на своем месте, Бонёр определяла себя вне социальных и правовых норм своего времени. Она сама зарабатывала, носила мужскую одежду, курила и жила с подругами.Ссылаясь на свое пресловутое безразличие к мужчинам, она незабываемо заявила: «Что касается самцов, мне нравятся только быки, которых я рисую».

#8 Мэри Кассат (1844-1926) – Забытый импрессионист

Единственная американская художница, приглашенная на выставку с французскими импрессионистами, Мэри Кассат, была женщиной, опередившей свое время. Она избежала традиционных ограничений своей семьи и поступила в Пенсильванскую академию изящных искусств, чтобы учиться среди своих сверстников-мужчин.Разочаровавшись в своем художественном образовании в США, она сбежала в Париж, где помогала развивать импрессионизм вместе с Клодом Моне, Эдуардом Мане и Камилем Писсарро.

Мелочи о художниках : Будучи женщиной, Мэри Кассат была лишена большей части предметного материала, любимого ее современниками-мужчинами. Поскольку она не могла посещать бары и ночные клубы или совершать однодневные поездки в сельскую местность, чтобы рисовать, вместо этого она сосредоточилась на простых сценах домашней жизни. В результате она преуспела в рисовании интимных изображений матерей и детей, отдавая дань уважения женскому опыту, а не упрощая его.

#9 Хильма аф Клинт (1862–1944) – первый абстракционист

Родившаяся в Швеции в 1862 году, Хильма аф Клинт была одной из первых женщин, получивших образование в Королевской академии изящных искусств в Стокгольме. Она начала создавать радикально абстрактные картины за много лет до того, как Василий Кандинский, Казимир Малевич и Пит Мондриан якобы изобрели концепцию абстрактного искусства. Однако лишь недавно историки взялись за перо и начали переписывать историю современного искусства, отдав, наконец, заслуженное должное забытому первооткрывателю.

Интересные факты о художниках : Увлекшись оккультизмом, юная Хильма участвовала в духовных сеансах, где она якобы разговаривала с духами-проводниками. В 1906 году ее общение привело к тому, что ее духовный наставник заказал картин для храма , которые считаются ее самой амбициозной серией. Позже она описала это как «единственную великую задачу, которую я выполнила за всю свою жизнь».

№ 10 Джорджия О’Киф (1887–1986) — современная американка

Центральная фигура американского модернизма и прародительница феминистского искусства Джорджия О’Киф — одна из самых влиятельных женщин-художниц 20 века.Она получила классическое образование в Чикаго и Нью-Йорке. Тем не менее, она утверждала свою независимость от традиционного художественного образования, создавая абстрактные работы, которые не поддавались простой классификации. Она наиболее известна своими эротическими изображениями цветов крупным планом, которые многие интерпретируют как метафорические изображения женского тела.

Интересные факты о художниках : В свои 70 лет у О’Киф начало ухудшаться зрение. Хотя привычные инструменты краски и кисти были для нее потеряны, ее желание творить не исчезло.Как известно, она сказала: «Я вижу то, что хочу нарисовать. То, что заставляет вас хотеть создавать, все еще здесь». Итак, она начала экспериментировать с лепкой из глины и продолжала заниматься этим до своей смерти в возрасте 98 лет.

#11 Тамара Де Лемпицка (1898-1980) – баронесса с кистью Автопортрет (Тамара в зеленом Bugatti) 1929 через Википедию

Тамара Де Лемпицка была самой известной художницей периода ар-деко, чья жизнь и искусство олицетворяли гламур и декаданс 1920-х годов.Икона раскрепощенной женственности, она произвела фурор в мире искусства, рисуя изящные, чувственные портреты аристократов и знаменитостей. Хотя она сделала себе имя как художник-портретист, ей также было поручено рисовать натюрморты и создавать произведения искусства для журналов.

Мелочи о художниках : Де Лемпицке нравился гедонистический образ жизни бурных двадцатых. У нее были любовники как мужчины, так и женщины, что может объяснить, почему ее обнаженные картины, в основном женские, обладают такой сильной эротической энергией.Она также была тесно связана с другими иконами бисексуалов того времени, такими как Вита Саквилл-Уэст и Колетт.

#12 Фрида Кало (1907-1954) – Мать селфи  

Когда-то малоизвестная мексиканская сюрреалистка, Фрида Кало стала культовой фигурой, прославившейся своими грубыми и эмоциональными автопортретами, культовым чувством стиля и откровенным характером. Она боролась с последствиями полиомиелита и автобусной аварии большую часть своей жизни, страдая от частых приступов боли, которые затем превратила в искусство.Ее муж, художник Диего Ривера, однажды описал это: «Никогда еще женщина не писала на холсте такие мучительные стихи, как Фрида».

Интересные факты о художниках : Хотя 20-й век был первым, когда женщины начали добиваться равенства в мире искусства, многие из них по-прежнему считались музами своих знаменитых партнеров, а не художниками как таковыми. Фрида Кало всю свою жизнь находилась в артистической тени своего мужа Диего Риверы. Сегодня ее считают новаторской художницей-феминисткой, которая использовала свою женскую идентичность в качестве основного направления своей работы.Некоторые даже считают ее самой известной художницей всех времен!

Вам слово!

Эти 12 выдающихся женщин сломали стереотипы и бросили вызов общественным ожиданиям, проложив путь для будущих поколений женщин-художников. Исключенные из школ и академий, исключенные из гильдий и обществ, их доступ к культурным учреждениям никогда и нигде не был таким же, как у мужчин, однако, несмотря ни на что, они преодолевали препятствия и добивались успеха.

В последние десятилетия женщины-художники заявили о себе, революционизировав искусство перформанса как средства массовой информации, наряду с боди-артом и ремесленничеством, подвиг, которого они не достигли бы без новаторских усилий предшественниц.

Есть ли другие известные художницы или известные картины женщин, которые, по вашему мнению, мы должны включить в наш список? Дайте нам знать об этом в комментариях!

Если вы дочитали до этого места, возможно, вам понравятся и другие статьи из нашей серии:

10 самых известных художниц и живописцев

На протяжении большей части истории мужчины доминировали на художественной сцене, и только в последние несколько сотен лет у женщин-художников появилась возможность расцвести и сделать карьеру в искусстве.

Для многих из женщин, перечисленных здесь, путь к тому, чтобы стать известными художницами, был проложен как личной борьбой или трудностями, так и борьбой с постоянным потоком женщин в мире, где доминируют мужчины.

Некоторые из лучших художников-женщин были первопроходцами, работая в мире, где доминируют мужчины, им приходилось прилагать гораздо больше усилий, чем некоторым их коллегам-мужчинам, просто чтобы получить такое же признание.

Известные художницы

1.

Джорджия О’Киф

Джорджия О’Киф хорошо известна как художник, стоящий в авангарде американского модернизма. Она родилась в 1887 году и выросла на ферме в Висконсине.

После окончания средней школы в 1905 году она поехала в Чикаго и Нью-Йорк, чтобы изучать традиционные стили искусства.

Она расширила свой стиль, включив в него абстрактные картины. Арт-дилер и фотограф Альберт Стиглиц заметил эти абстрактные картины и стал первым человеком, выставившим ее работы.Пара также поженилась.

Знаменитый стиль О’Киф включает в себя картины с изображением небоскребов Нью-Йорка, а также большие смелые цветы. С 1929 года на ее творчество большое влияние оказал пейзаж юго-запада США.

Она попала в Нью-Мексико и в итоге переехала туда на постоянную работу. В 1950-х годах она рисовала то, что видела, путешествуя по миру.

Зрение Джорджии О’Киф подвело ее, но в 90-е годы помощники помогали ей создавать искусство. Джорджия О’Киф умерла в 1968 году в Санта-Фе в возрасте 98 лет.

2.

Фрида Кало

Фрида Кало считается одной из лучших художниц Мексики и мастером автопортретов. Кало родилась в 1907 году в Мехико.

В детстве она вылечилась от полиомиелита, но хромала из-за повреждения, нанесенного вирусом ее ноге и ступне. Кало стала политически активной как коммунистка во время учебы в колледже.

Читайте также: Картины Фриды Кало

В 1925 году Кало была пассажиркой автобуса, который столкнулся с трамваем.Ее проткнули перилами, и остаток жизни она прожила в хронических болях.

Во время выздоровления она нарисовала и создала свой первый автопортрет. Кало вышла замуж за другого известного художника, Диего Риверу.

В бурные годы совместной жизни они разделяли любовь к искусству и активизму в коммунистической партии. Кало почитается как символ феминистского творчества, и в своих автопортретах она часто изображала собственную физическую боль. Она умерла в 1954 году.

3.

Трейси Эмин

Трейси Эмин — современная художница, создающая работы, полные автобиографических деталей.Она владеет рисованием, живописью, видео, фотографией и скульптурой.

Она родилась в 1963 году и является частью группы, известной как «Молодые британские художники», прославившейся в 1980-х годах.

В своей работе 1998 года «Моя кровать» Эмин принесла в галерею Тейт свою грязную неубранную кровать. Выставка вошла в шорт-лист премии Turned Prize. Ее работы выставлены в музеях Нью-Йорка, Лондона и Мюнхена.

В 2011 году Эмин стал профессором Королевской академии.Она одна из двух женщин, которые когда-либо занимали там эту должность с момента основания Академии в 1768 году.

В 2013 году Эмин стала кавалером Высшего ордена Британской империи. Она продолжает жить и работать в Соединенном Королевстве.

4.

Мэри Кассат

Мэри Кассат — художница, известная своими картинами, изображающими узы между матерями и дочерьми, и одна из лучших художников-пастелей всех времен. Она родилась в 1844 году в западной Пенсильвании и переехала через штат в Ланкастер, а затем в Филадельфию.

Кассат училась в Пенсильванской академии изящных искусств, но была разочарована образованием, которое дают женщинам. Вопреки желанию своей семьи, она провела большую часть своей взрослой жизни во Франции, где она училась в частном порядке у Мастеров.

Она была другом художника Эдгара Дега и выставляла свои работы с великими импрессионистами. В 1890-е годы она была очень занята как художник, за исключением своих друзей-импрессионистов, таких как Ренуар и Моне, потому что их группа распалась.

Кассат пробовала себя в других стилях искусства, несмотря на то, что ее отец не одобрял ее призвание. Ее затмил ее брат Александр Кассат, который был президентом Пенсильванской железной дороги с 1899 года до своей смерти в 1906 году. Она умерла в 1926 году во Франции.

5.

Берта Моризо

Берта Моризо считается одной из великих женщин импрессионистского движения наряду с Мэри Кассат.

Ее семья была зажиточной, и ее мать поддерживала художественное образование, в рамках которого ее дочь копировала картины старых мастеров в Лувре и становилась опытной пленэрной или уличной живописью.

Моризо работала акварелью до того, как научилась рисовать масляными красками, и критики часто считали ее работы легкими и нежными.

Моризо выставляла свои картины большую часть десятилетия в Парижском салоне, эпицентре импрессионистского движения. Ее сюжетами обычно были женщины и дети в сценах из повседневной жизни Франции.

Моризо была замужем за Эженом Мане. Он был братом ее друга и коллеги Эдуарда Мане.Она умерла в 1895 году.

6.

Роза Бонёр

Роза Бонер — французская художница и скульптор, известная своими работами с изображением животных.

Она родилась в 1822 году во Франции, первоначально известная как Мари-Розали Бонер. Ее обучал отец, который был учителем рисования.

Когда она была подростком, она путешествовала по фермам и рынкам животных, рисуя животных. Она выставляла свои работы в престижном парижском салоне.

Она занималась только живописью и отказалась от скульптуры, чтобы не затмевать одного из своих братьев.Роза Бонёр в свое время была неоднозначной фигурой.

Она курила сигареты на публике, была коротко стрижена, носила мужские брюки и садилась верхом на коня. Бонёр умерла в 1899 году, и ее прах был похоронен во Франции вместе с двумя близкими подругами.

7.

Луиза Буржуа

Луиза Буржуа — известная художница 20 века, чье творчество растянулось на восемь десятилетий. Она родилась в 1911 году в Париже, и многие из ее художественных тем были основаны на ее несчастливом детстве.

Ее мать умерла от осложнений, вызванных испанкой, когда Луизе было 22 года, а у ее отца было несколько любовниц. К искусству ее привела депрессия, от которой она страдала после смерти матери.

В 1938 году Буржуа вместе с мужем переехала в Соединенные Штаты и вскоре после этого начала выставлять свои картины как абстрактный импрессионист. К 1960-м годам Буржуа начала создавать крупномасштабные скульптуры, которыми она известна, в том числе 30-футового паука из металла и мрамора.

Луиза Буржуа активно занималась искусством вплоть до 2000-х годов. Она умерла в 2010 году в возрасте 98 лет.

8.

Марина Абрамович

Марина Абромович — художница-авангардистка, использующая собственное тело в качестве медиума и часто терпящая физическую боль как часть своего искусства. Абромович родился в Белграде, Сербия, в 1946 году.

На протяжении своей карьеры она позволяла зрителям подходить к ней и пытаться причинить ей боль, чтобы она могла исследовать физическую боль.

Она также известна тем, что проводила восемь часов в день в течение трех месяцев, сидя в кресле в Нью-Йоркском музее современного искусства, в то время как посетителям разрешалось сидеть рядом с ней для молчаливого обмена мнениями.

У Абромовича были романтические отношения с немецким фотографом и перформансистом Улаем. Во время своего знаменитого разрыва они прошли с противоположных концов Великой Китайской стены и встретились посередине, чтобы попрощаться. Абромович живет и работает в Нью-Йорке.

9.

Артемизия Джентилески

Артемезия Джентилески — итальянская художница эпохи барокко, одна из самых известных живописцев 17 века.Она родилась в 1593 году в Риме.

Ее отец Орацио сам был опытным художником. Они оба писали вместе с другим художником эпохи барокко, Караваджо, и историки говорят, что трудно найти разницу в ранних картинах отца и дочери.

Когда ей было 17 лет, Джентилески была изнасилована другим художником, Агостино Тасси. Последующий суд возмутил Рим, и Джентилески пытали винтами с накатанной головкой во время дачи показаний.

До конца своей карьеры она направляла свой гнев на классические библейские картины в стиле барокко.Джентилески была неграмотной, но ее кисть говорила о многом.

Одной из самых известных ее работ является «Автопортрет как аллегория живописи», на котором она изображена с кистью. Мало что известно о последних годах ее жизни, за исключением того, что она умерла в Неаполе около 1652 года.

10.

Хильма аф Клинт

Хильма аф Клинт была шведской художницей и мистиком, которая сейчас считается западным пионером абстрактного искусства. Она родилась в 1862 году в Стокгольме и училась в Королевской академии изящных искусств.

Начинала свою карьеру как художник-пейзажист и портретист. Она была очень вовлечена в спиритизм и практиковала как медиум.

По мере того, как менялись ее интересы, менялось и ее искусство, и она стала создавать радикальные абстрактные картины. Хильма аф Клинт редко выставляла свои работы при жизни, потому что думала, что людям будет слишком сложно их понять.

Умерла в 1944 году от травм, полученных в автокатастрофе. Ее всемирный дебют состоялся только в 1986 году в Художественном музее округа Лос-Анджелес.


Надеемся, вам понравился наш список известных художниц и художников!

художниц, изменивших мир — ARTDEX

Ноги, зачем вы мне нужны, когда у меня есть крылья, чтобы летать? – Фрида Кало

Мы все слышали их имена — известные художницы, оказавшие влияние на последующие поколения. Фрида Кало, Джорджия О’Киф, Луиза Буржуа, Яёи Кусама, Роза Бонёр, Мэри Кассат — скорее всего, вы хоть немного знакомы с их работами и их художественным видением.Женщин-художников , которые изменили историю и мир искусства, следует отмечать за их бесстрашие, настойчивость и смелость, чтобы заявить о себе и о своей приверженности ремеслу.

Несмотря на то, что нам потребуется несколько жизней, чтобы должным образом отдать дань уважения всем влиятельным женщинам-художникам, оставившим след в истории искусства, мы выбрали четыре из них для обсуждения в этом посте. Эти замечательные женщины бросили вызов общественным ожиданиям, направленным против них, чтобы остаться верными своему характеру и своему творчеству.От реалистов и импрессионистов до сюрреалистов и абстрактных экспрессионистов, от художников и граверов до скульпторов, мы чествуем женщин в искусстве, которые вдохновляли мир.

[YouTube/TheNational Gallery] Роза Бонёр и Энн Роббинс: рассказ о том, как Бонёр прославилась благодаря своей картине «Ярмарка лошадей». | Национальная галерея

Роза Бонёр (1822 – 1899)

В 19 веке Роза Бонёр добилась беспрецедентной славы и признания и стала самой известной художницей своего века.Ее любовь к рисованию животных росла с раннего возраста — ей было всего 19 лет, когда ее первая работа под названием « Две очаровательные группы коз, овец и кроликов» (1841) была выставлена ​​в Парижском салоне, официальном художественная выставка Академии изящных искусств. Картина Ploughi n g в Ниверне (1849) принесла ей медаль еще до того, как ей исполнилось 30 лет.

Бонёр был мастером реализма. Ее специальностью были лошади и животные на пастбищах, а ее шедевром, несомненно, был Ярмарка лошадей (1852-55) . Монументальная картина высотой более 8 футов и длиной 16,5 футов занимает всю стену галереи в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Работая над этой картиной, Бонер за пару лет посетила парижский конный рынок, хотя для женщин это было необычно. Как художник-анималист, она даже получила разрешение полиции носить мужскую одежду на конном рынке и на скотобойне не только для того, чтобы предотвратить домогательства, которые она часто получала, но и для сопротивления традиционным гендерным нормам.Бонёр на протяжении всей своей карьеры предпочитала брюки, рубашки и галстуки юбкам и платьям, что давало ей чувство подлинной идентичности.

Известно, что она была равнодушна к мужчинам и не ценила их доминирующую роль в семье или обществе. «Что касается самцов, — заявила Роза Бонёр, — мне нравятся только быки, которых я рисую».

Необычным элементом мастерства Бонёр было то, что она написала на пленэре, в отличие от большинства других известных академических художников 19-го века.При ее всемирной известности по ее образу были изготовлены даже «куклы Розы», которые достигли далеко за пределами Франции. Бонер повлиял на новую эру живописи, в которой художники медленно переходили из своих студий на улицу и положили начало движению импрессионизма.

Бонёр была похоронена вместе со своей спутницей жизни Натали Микас на кладбище в Париже. После смерти Бонёра ее более поздняя спутница, американская художница Анна Элизабет Клумпке , стала ее единственной наследницей, позже присоединилась к Микасу и Бонёру и была похоронена на том же кладбище.

Слева: Мэри Кассат, «Автопортрет» (1878 г.) (Фото: The Met via Wikimedia Commons), справа: «Вечеринка на лодке» (1893-94 гг.) и «Маленькая девочка в синем кресле» (1878 г.) | Источник изображения: mymodernmet.com

Мэри Кассат (1844–1926)

Единственная американская художница, приглашенная на выставку с французскими импрессионистами, Кассат была женщиной, опередившей свое время. Она восстала против патриархальных норм, которые пытались запретить ей изучать искусство и пользоваться всеми преимуществами своих коллег-художников.Она поступила в Пенсильванскую академию изящных искусств, несмотря на желание отца, и когда она нашла их методы обучения слишком медленными и снисходительными, она сбежала в Париж, чтобы получить образование у частных репетиторов.

Как и ее подруга-импрессионистка Берта Моризо, Кассат рисовала женщин и детей в их тихие, интимные моменты, как показано в «Купание ребенка» (1893 г.) и «Луиза, кормящая ребенка» (1898 г.). Под руководством своего близкого друга Эдгара Дега Кассат экспериментировала с различными материалами и средами, научившись мастерски рисовать пастелью.Позже ее стиль превратился из типичных импрессионистских мазков в плоские и монохроматические цветовые тона, вдохновленные японским искусством укиё-э.

Наряду с ее неоспоримым талантом и навыками рисования и печати, Кассат была также откровенной феминисткой, которая не позволяла мужчинам игнорировать себя. Мэри Кассат никогда не была замужем и прекрасно понимала, что ей придется пожертвовать своей карьерой художника, если она это сделает. Она приняла участие в воссоздании того, что значило быть «новой женщиной» в 19 веке, следуя примеру своей матери, принципиальной и социально активной.Как и на портрете ее матери, , читающем «Фигаро» (1878 г.), где мать Кассат читает массовую ежедневную газету, часто связанную с мужской и интеллектуальной деятельностью.

Даже когда она больше не могла заниматься искусством из-за ухудшения зрения в последние годы жизни, Кассат продолжала поддерживать движение за избирательное право женщин. На протяжении всей своей жизни она выступала за права женщин и представляла их в своих работах с чувством достоинства и глубины, которые художники-мужчины часто не могли передать.

Фрида Кало (1907–1954)

Художница, которая смогла превратить боль в красоту, Фрида Кало — наследие. Тяжелые травмы, которые она получила в автобусной аварии в возрасте 18 лет, оставили ее в хронической боли на всю оставшуюся жизнь, но это не помешало Кало выразить через искусство — ее эксцентричный, новаторский магический реализм и фантазию, смешанные с сильным автобиографические элементы, уникальные для ее личности.

При жизни Кало была в основном известна как жена Диего Риверы, знаменитого мексиканского художника и художника-монументалиста.Только после ее смерти и благодаря движениям феминистского искусства работы Фриды Кало получили заслуженное признание. Она прославилась тем, что исследовала концепции идентичности, пола и смерти и раздвинула границы реализма и сюрреализма в своем наивном стиле народного творчества. Она была особенно осведомлена о своем смешанном европейско-коренном наследии, которое просочилось на ее холсты, как видно из Мои бабушка и дедушка, мои родители и я (Семейное древо)  (1936) .

Автопортреты Кало изобилуют символикой.Одним из таких примеров является «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри» (1940) , , где Кало изображала свои эмоции птицей, кошкой, обезьяной и шипами на шее, от которых у нее шла кровь. Птица — характерная черта ее творчества — темная и безжизненная, по-видимому, олицетворяющая ее собственный сломленный дух. «Сломанная колонна» (1944) ясно изображает мучительное состояние Кало и боль, которую она испытывает каждый день. Из-за проблем с позвоночником Кало всю жизнь носила литые и металлические корсеты.

Фрида Кало была воплощением сильной женщины, которая бросала вызов всем обстоятельствам более чем в одном контексте. Ее физические недуги и эмоциональные проблемы не помешали ей занять нишу собственной художественной самобытности и стать иконой феминисток и движений ЛГБТК+, а также эмблемой мексиканских и местных культур и традиций.

Луиза Буржуа и ее скульптура «Пара 1» (1996). © Коллекция The Easton Foundation, Комнаты художника: Национальные галереи Шотландии и Тейт | Источник изображения: журнал «Проспект».co.uk

Луиза Буржуа (1911 – 2010)

Мне нужно что-то делать. Физическое взаимодействие со средой оказывает лечебный эффект. Мне нужно физическое отыгрывание. Мне нужно, чтобы эти объекты существовали по отношению к моему телу. – Луиза Буржуа

Несмотря на то, что она руководила несколькими художественными стилями, такими как абстрактный экспрессионизм, феминистское искусство и сюрреализм, Буржуа формально не была связана с каким-либо конкретным художественным движением на протяжении всей своей художественной карьеры, охватывающей восемь десятилетий с 1930-х по 2010 год.Как одна из величайших фигур современного искусства, Буржуа играла с универсальными и нетрадиционными визуальными символами в своих картинах и гравюрах, а также с уникальными персонализированными формами и материалами в своих скульптурах, которые дали мощное понимание ее беспокойных воспоминаний из прошлого. Буржуа погрузилась глубоко в человеческую психику и исследовала грубые эмоции ревности, гнева, покинутости, одиночества и страха в своих работах.

Как часть повторяющихся тем, домашняя жизнь и дом часто занимали творчество Буржуа на протяжении всей ее карьеры.Ее самая известная серия картин на эту тему — « Femme Maison» (1946-47) , посвященная женской идентичности. В этих сериях головы изображенных женщин заменены домами и зданиями, как будто их душит их домашние обязанности, и они заперты внутри дома. «Она полностью обречена на провал, потому что показывает себя в тот самый момент, когда ей кажется, что она прячется», — говорит Буржуа о женщинах в ее сериале.

Буржуа создал инсталляции, такие как Cells (1989-93) , серия ограждений, которые приглашали зрителя заглянуть внутрь и поразмышлять над понятием вуайеризма.В то время как ее структуры Cell часто показывают предметы домашнего обихода, Буржуа постоянно бросала вызов общепринятой роли женщин в обществе 20-го века, исследуя женскую идентичность на протяжении всей своей творческой карьеры. В конце 1990-х она обратилась к форме паука как к источнику вдохновения. Ее самая большая скульптура такого рода — Maman (1999) , паук высотой более 30 футов. Он сделан из мрамора, бронзы и нержавеющей стали и представляет собой оду матери Буржуа и тому, как она плела паутину, чтобы защитить своих детей и семью.

Ее диковинные скульптуры и инсталляции (и картины на раннем этапе) были для Буржуа способом проработать свои эмоции и борьбу в разные моменты ее жизни. Она не боялась оставлять кусочки себя в своем творчестве, поскольку она работала с травмирующими воспоминаниями о смерти своей матери и измене отца таким образом, который имел смысл для нее в ее творческом пути.

В конце концов, как заявила Буржуа в своем произведении 2000 года: «Искусство — гарантия здравомыслия.

Заключение

Учитывая, что мужчины в основном доминировали в мире искусства на протяжении всей истории, неудивительно, что, обсуждая успешных женщин в искусстве, мы также сталкиваемся с разоблачением уязвимости женщин, их положения в обществе и постоянной борьбы между феминизмом и сексизмом.

Нет никаких сомнений в том, что известные художницы в истории искусства, такие как Роза Бонёр и Мэри Кассат, должны были быть смелее в своих требованиях, вплоть до того, что просили у правоохранительных органов разрешения вырваться из женского стереотипа и остаться одинокими. для продолжения своей художественной карьеры.В свою очередь, женщины-художники 20-го и 21-го веков, тем не менее, столкнулись с, возможно, более тонкими, но разными наборами препятствий и проблем.

Чему мы можем научиться у женщин, изменивших мир искусства, так это тому, что художнику не нужно извиняться за то, кто он такой и какой вклад он вносит в общество в целом. Каждая точка зрения имеет значение, и каждая эстетическая и творческая тенденция может найти свое место. От самых престижных выставок художественных музеев до небольших местных персональных выставок, каждая женщина-художник должна гордиться своей работой и своей приверженностью своему ремеслу, независимо от того, какой стиль или какое средство она использует, больше не связанная архаичными гендерными нормами, сложившимися в истории. поставил их как прежде.

10 самых известных художниц и их шедевры

 

В 1971 американский искусствовед Линда Ночлин опубликовала свое эссе «Почему не было великих женщин-художниц?». Он сосредоточился на институциональных препятствиях, которые мешали женщинам на западе стать успешными художницами . Эссе Линды стало считаться новаторским эссе как для феминистской истории искусства, так и для феминистской теории искусства ; и инициировал поиск выдающихся женщин-художников в истории .Среди самых известных ранних художников-женщин Артемизия Джентилески , которая в настоящее время считается одной из великих художниц периода барокко . В 19 веке впервые на Западе появилось несколько ведущих женщин-художниц. Среди них Роза Бонер и Мэри Кассат , которые стали видными художниками художественных направлений Реализм и Импрессионизм соответственно. Некоторые из самых известных и влиятельных художников 20-го века были женщинами; а такие художники, как Джорджия О’Киф и Фрида Кало , сыграли важную роль в изменении гендерного баланса в мире искусства.Вот 10 самых известных художниц и их самые известные работы.

 


#10 Бриджит Райли

Бриджит Райли

Родилась: 24 апреля 1931

Национальность: англичане

Оп-арт , сокращение от оптическое искусство — это жанр абстрактного искусства, в котором художник создает оптическую иллюзию посредством точного манипулирования узорами, формами и цветами. Бриджит Райли, пожалуй, самый известный оп-художник после Виктора Вазарели , а ее картины 1960-х годов стали синонимом движения оп-арт.В 1968 году Райли представляла Великобританию на Венецианской биеннале, где она стала первой современной британской художницей и первой женщиной, удостоенной Международной премии за живопись. На протяжении своей карьеры Райли также создавала фрески для крупных художественных учреждений, включая Тейт и Национальную галерею . Ее большие черно-белые фрески формируют и выражают окружающую среду, в которой они находятся. Бриджит Райли () — одна из самых известных художниц-абстракционистов ().За свой вклад в жанр она известна как Мать оп-арта.

Шедевр: Движение по квадратам (1 961 )

Движение на площадях (1961) — Бриджит Райли

Другие известные работы: —

Текущий (1964)

Поцелуй (1961)


#9 Тамара де Лемпицка

Тамара де Лемпицка

Продолжительность жизни: 16 мая 1898 г. – 18 марта 1980 г.

Национальность: поляк

Родилась в Польше в аристократической семье Тамара де Лемпицка провела трудовую жизнь во Франции и США.Она училась живописи у двух выдающихся художников: Мориса Дени и Андре Лота . Арт-деко был художественным стилем, характеризуемым точными и четко очерченными геометрическими формами и насыщенными цветами . Лемпицка была единственным художником-станковистом, работавшим в стиле ар-деко. Она наиболее известна портретами аристократов и богатых людей, выполненными в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко . Лемпицка была бисексуалкой и сделала смелую, раскрепощенную женскую сексуальность стержнем своего искусства .Она часто изображала своих любовниц и других женщин парами или группами, тем самым бросая вызов традиционному способу изображения обнаженной женщины для удовольствия зрителя-мужчины. После временного угасания искусство Лемпицки вернулось в конце 1960-х с повторным открытием ар-деко , и с тех пор у ее картин было множество поклонников, включая известную американскую певицу Мадонну .

Шедевр: Автопортрет (Автопортрет в зеленом бугатти) (1929)

Автопортрет в зеленом бугатти (1929) — Тамара де Лемпицка

Другие известные работы: —

Девушка в перчатках (1930)

Красавица Рафаэла (1927)


#8 Роза Бонёр

Роза Бонер

Продолжительность жизни: 16 марта 1822 г. – 25 мая 1899 г.

Национальность: Француз

Рожденная в богатой семье, Роза Бонер впервые представила свое искусство в салоне в Париже в возрасте 19 лет и вскоре была признана выдающимся художником.Ее популярность во Франции снизилась вокруг центра ее жизни, но ее работами восхищались в Англии и Америке. Даже королева Виктория получила высокую оценку шедевра Бонёра, Ярмарки лошадей . Бонёр наиболее известна своей картиной животных , которую она создала после обширных научных исследований анатомии животных. Ей принадлежит заслуга в том, что она проложила путь для будущего поколения женщин-художников. В 1865 году Роза Бонёр стала первой женщиной, награжденной Большим крестом Почетного легиона, высшим французским орденом за военные и гражданские заслуги .Реализм был художественным движением, которое концентрировалось на изображении настоящего с бескомпромиссной точностью. Бонёр не только самая известная художница-реалистка , но она также широко считается одной из величайших художниц XIX века .

Шедевр: Ярмарка лошадей (1855 г.)

Ярмарка лошадей (1853 г.) — Роза Бонёр

Другие известные работы: —

Вспашка в Ниверне (1849 г.)

Лев дома (1881)



#7 Леонора Кэррингтон

Леонора Кэррингтон

Продолжительность жизни: 6 апреля 1917 г. – 25 мая 2011 г.

Национальность: Мексиканец

Сюрреализм был влиятельным художественным движением, отвергавшим рационализм и литературный реализм; и вместо этого сосредоточился на chan n на том, чтобы заставить бессознательный разум раскрыть силу воображения .Учитывая, что известная мексиканская художница Фрида Кало заявила, что она не сюрреалистка, Леонора Кэррингтон , пожалуй, самая известная художница-сюрреалистка . Леонора родилась в Англии, но большую часть взрослой жизни прожила в Мексике. У нее были романтические отношения с Максом Эрнстом, одним из ведущих художников-сюрреалистов; и ее первой работой в этом жанре был портрет Эрнста как дань уважения их отношениям. В отличие от других сюрреалистов, Кэррингтон не интересовался сочинениями S Игмунда Фрейда .Вместо этого она известна своими запоминающимися автобиографическими картинами, включающими изображения колдовства, метаморфоз, алхимии и оккультизма . Ее искусство также известно тем, что выражает женскую сексуальность совершенно иначе, чем мужскую s .

Шедевр: Автопортрет: Трактир утренней лошади (1937 – 1938)

Автопортрет, Гостиница Лошади Зари (1938) — Леонора Кэррингтон

Другие известные работы: —

Портрет Макса Эрнста

Великанша (Хранительница яйца) (1947)


#6 Трейси Эмин

Трейси Эмин

Дата рождения: 3 июля 1963 г.

Национальность: англичане

«Молодые британские художники» — это название, данное свободной группе художников, которые впервые начали выставляться вместе в Лондоне в 1988 году.Они известны своей открытостью к материалам и процессам, ударной тактикой и предпринимательским отношением . Трейси Эмин — самая известная YBA после Дэмиена Херста. Она исследовала широкий спектр средств массовой информации; и ее искусство известно как автобиографическое и конфессиональное . Ее самые известные работы включают «Все, с кем я когда-либо спал, 1963–1995» , палатку с аппликацией с именами всех, с кем она когда-либо делила постель; и Моя кровать , готовая инсталляция, состоящая из ее собственной неубранной грязной кровати, когда она переживала период тяжелой депрессии.Прозванная «плохой девочкой британского искусства» , Трейси Эмин входит в число самых известных современных художников. Она была названа o одной из 100 самых влиятельных женщин Великобритании в 2013 , и она одна из двух женщин, назначенных профессором Лондонской Королевской академии художеств с момента ее основания в 1768 году.

Шедевр: Все, с кем я когда-либо спала в 1963–1995 годах (1995)

Все, с кем я когда-либо спал с 1963 по 1995 год — Трейси Эмин

Другие известные работы: —

Моя кровать (1998)

Ты забыл поцеловать мою душу (2007)


#5 Луиза Буржуа

Луиза Буржуа

Продолжительность жизни: 25 декабря 1911 – 31 мая 2010

Национальность: Франко-американец

Отец Буржуа был тираническим мошенником , у которого был роман со своей учительницей .Ее мать для удобства закрывала глаза на измены мужа. На искусство Буржуа сильно повлияли травматические психологические события ее детства , особенно неверность отца. Ее работы в конечном счете стали известны своим очень личным тематическим содержанием, включающим бессознательное, сексуальное желание и тело . Луиза Буржуа была одной из самых успешных и известных художниц 20 века . Хотя она больше всего известна своими крупномасштабными скульптурами и инсталляциями, она также была плодовитым художником и гравером .Буржуа исследовала широкий спектр тем на протяжении своей долгой карьеры, включая домашнее хозяйство и семью, сексуальность и тело, а также смерть и подсознание.

Шедевр: Маман (1999)

Маман (1999) — Луиза Буржуа

Другие известные работы: —

Мемориал Стейлнесет (2011)

Женский Дом (1947)


#4 Мэри Кассат

Мэри Кассат

Продолжительность жизни: 22 мая 1844 — 14 июня 1926

Национальность: Американец

Родившаяся в Пенсильвании в Соединенных Штатах, Мэри Кассат отправилась во Францию, чтобы получить художественное образование, и оставалась там большую часть своей жизни и карьеры.Французский художественный мир в то время был во власти импрессионизма , влиятельного движения, в котором художники сосредоточились на захвате сиюминутного эффекта сцены, а не на точном ее изображении . Мэри Кассат стала единственным американским художником, выставившимся вместе с импрессионистами в Париже . Ее талант был признан современниками, и она долгое время сотрудничала со знаменитым художником Эдгаром Дега. Мэри Кассат наиболее известна своим изображением социальной и частной жизни женщин , с особым акцентом на интимных связях между матерями и детьми .Ее вклад как художницы примечателен тем, что она смогла добиться профессионального успеха в то время, когда очень немногие женщины считались серьезными художниками . Мэри Кассат была самой известной женщиной-импрессионистом и считается одной из величайших художниц всех времен .

Шедевр: Детская ванночка (1893)

Детская ванна (1893) — Мэри Кассат

Другие известные работы: —

Маленькая девочка в синем кресле (1878)

Вечеринка на лодке (1893)



#3 Артемизия Джентилески

Артемизия Джентилески

Продолжительность жизни: 8 июля 1593 г. — ок.1656

Национальность: Итальянец

Артемизия потеряла мать, когда ей было всего 12 лет. После судебного преследования ее насильника она вышла замуж за художника и переехала во Флоренцию. Там она оставила позади трагедии своей молодости и расцвела как художник. Артемизия Джентилески была первой женщиной, ставшей членом Accademia di Arte del Disegno , учебной художественной академии во Флоренции.Она пользовалась покровительством Козимо Медичи, великого герцога Тосканы, среди прочих. У нее также было международных клиента . Артемизия специализировалась на изображении сильных и страдающих женщин из мифов, аллегорий и Библии . Она была известна убедительным изображением женской фигуры, а также своим умением и талантом обращаться с цветом. Она была связана с художественным стилем барокко . Артемизия Джентилески сегодня считается одной из самых опытных художниц своего времени , а также одной из величайших художниц всех времен .

Шедевр: Юдифь, убивающая Олоферна (1 6 20 )

Юдифь, убивающая Олоферна (1620 г.) — Артемизия Джентилески

Другие известные работы: —

Сусанна и старейшины (1611)

Автопортрет как аллегория живописи (1639)


#2 Джорджия О’Киф

Джорджия О’Киф

Продолжительность жизни: 15 ноября 1887 г. – 6 марта 1986 г.

Национальность: Американец

Американский модернизм был художественным и культурным движением, пик которого пришелся на период между двумя мировыми войнами.Он был отмечен преднамеренным отходом от традиции и использованием новаторских форм выражения . Джорджия О’Киф стала ведущей фигурой американского модернизма , бросив вызов границам художественного стиля своими картинами, сочетающими абстракцию и репрезентацию. Она наиболее известна своими невероятно крупными чувственными крупными планами цветов , которые, по сути, превратили их в абстрактные произведения. Джорджия О’Киф оказала большое влияние на гендерный баланс на художественной сцене.Известная как « Мать американского модернизма », она не только самая известная женщина американка художница , но и одна из самых влиятельных фигур искусства 20-го века . В 1977, она была награждена Президентской медалью Фридо м, высшей гражданской наградой в США .

Шедевр: Черный ирис III (19 26 )

Black Iris III (1926) — Джорджия О’Киф

Другие известные работы: —

Череп коровы: красный, белый и синий (1931)

Радиаторное здание — Найт, Нью-Йорк (1927)


#1 Фрида Кало

Фрида Кало

Продолжительность жизни: 6 июля 1907 – 13 июля 1954

Национальность: Мексика n

17 сентября 1925 , Фрида Кало и ее подруга Алекс ехали в автобусе, когда он врезался в трамвай.Из-за тяжелых травм, полученных в результате аварии, Фриде пришлось пережить 35 операций в своей жизни , медведь с рецидивами сильной боли и не мог иметь детей . Находясь в больнице, Кало начала рисовать и в конце концов отказалась от медицинской карьеры, чтобы стать художницей. Фрида Кало наиболее известна своими автопортретами, которые часто включают в себя символические изображения физических и психологических ран . Она сказала: «Я рисую себя, потому что я так часто бываю одна и потому что я тот предмет, который знаю лучше всего. Фрида Кало входит в число величайшая художница s в жанре автопортрета . Она, несомненно, одна из самых известных современных художниц и, возможно, самая известная художница . Она также остается иконой феминисток из-за того, как она вела свою жизнь.

Шедевр: Две Фриды (193 9 )

Две Фриды (1939) — Фрида Кало

Другие известные работы: —

Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940)

Сломанная колонна (1944)

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.