Поп арт книги: Поп арт — популярные книги

Содержание

Проект Бук-поп-арт

В 2006 году мы издаем альбом «МоМа», посвященный Музею современного искусства в Нью- Йорке. Но издательство не было бы издательством «СЛОВО/SLOVO», если бы не придумало для выхода книги нечто совершенно особенное…

Вернее, за акцию, которая сопровождала выход альбома (как и за многие другие невероятные проекты издательства) ответственен основатель издательства – Григорий Шагенович Ерицян. Только ему могло прийти в голову упаковать альбом в гигантские банки легендарной «сгущёнки», а банки вместе с книгой – в советские «авоськи»; затем сопроводить презентацию книги в книжном магазине «Москва» первым в мире перформансом «Бук-поп-арт», а еще затем устроить вернисаж известных современных художников (и не только художников), которые расписали банки каждый в своем стиле и настроении.


Пресса об акции Бук-поп-арт

20 апреля 2006 года по адресу ул. Тверская, д.8 (книжный магазин «Москва») состоялась церемония открытия «Галереи за стеклом».

Председатель совета директоров издательства «СЛОВО/SLOVO» Григорий Ерицян придумал новое направление в области книгоиздания под названием «Бук-поп-арт». Речь идет об альбоме, посвященном Музею современного искусства в Нью-Йорке (МоМА) и содержащем 350 иллюстраций представляющих собрание Музея.

Новое направление в книжном деле представлял …Альберт Эйнштейн, стоявший в …старой советской кухне, в которой только что произошел взрыв «синей стратегической» – так когда то называли банки со сгущенкой.


Кухня – центральный объект инсталляции, с двух сторон ее окружают новые банки, чрезвычайно похожие на банки из-под сгущенки, только значительно увеличенные в размерах. Да и содержимое у них – совсем иное: в каждой из них находится книга, а вернее – художественный альбом.

Церемонию почтили своим присутствием директор ГБИИ Е.Гениева и директор Эрмитажа М.Пиотровский, который сообщил корреспондентам НТВ, что одна из «банок» уже стоит в зале современного искусства в Эрмитаже.

Григорий Ерицян, автор идеи, демонстрирует телевизионщикам технологию доступа к альбому. На обложке книги – одна из самых известных картин Энди Уорхола с изображением банок с томатным супом «Campbell». Альбом помещен в увеличенную пропорционально его размерам банку из-под сгущенки, внутри банки книгу поддерживают разноцветные детские мячики с именами авторов экспонатов музея, а сама банка положена в классическую советскую сумку-авоську.





Когда Энди Уорхол иронизировал над американским обществом изобилия, в Советском Союзе царил тотальный дефицит. Это были два параллельных мира. Жестянка с томатным супом «Campbell» в США была символом массовости и дешевизны. А «сгущенка» в СССР – малодоступным лакомством. Современность уравняла обе жестянки в своей ценности. Теперь и у нас сгущенка – дешевый, массовый, доступный продукт, над которым не грех иронизировать.

Таким образом, первый объект Бук-поп-арт – это не только прекрасно иллюстрированный альбом… Это символ пересечения двух параллельных миров! О чем, собственно, и поведал собравшимся на Тверской гостям г-н Эйнштейн.

Валерий Черкашин и Дмитрий Пригов


Отец-основатель. Какой он для нас?


  • Авантюрист. Для него не существует пределов возможного.
  • Балагур. Его шутки мгновенно обретают широкую известность в узких кругах.
  • Джентльмен. Вежлив и галантен.
  • Добряк. Всегда поможет словом или делом.
  • Мудрец. Сам, будучи страстной натурой, удерживает нас от глупых поступков.
  • Сама непосредственность. Воротила книжного бизнеса. В душе – ребенок.
  • Семьянин. Родные для него – превыше всего.
  • Сладкоежка. Всегда знает, где в издательстве прячутся конфеты.
  • Стиляга. Всегда одет с иголочки.
  • Трудоголик. Не жалеет себя и готов на все ради общего дела.
  • Фантазер. Его идеи часто опережают время.
  • Эстет. Знает толк в роскошных вещах.


Аудио в тему: Г. Ерицян в программе «Мой первый рубль», 2000 год



Тем временем в стране и мире

  • Россию сотрясает нанолихорадка – власть и околовластные наука и бизнес уверовали в технологии, позволяющие составлять из атомов новые материалы с невиданными прежде свойствами.
  • За год стремительно раскручивается глобальный интернет-ресурс свободного размещения и просмотра видеороликов – YouTube.

Поп-арт роман читать книгу онлайн бесплатно

Недавно одна компания заинтересовалась приобретением моей «ауры». Мои произведения им были не нужны. Они только говорили: «Нам нужна ваша аура». Я так и не понял, чего они хотели. Но они были готовы заплатить большие деньги. Тогда я подумал, что, если люди готовы столько за «это» заплатить, надо бы мне постараться выяснить, что это такое.

Я думаю, «аура» – это то, что видно только другим людям и они видят столько ауры, сколько захотят.

Отчужденность человечества от самого себя достигла уже такого уровня, что оно может переживать свое собственное уничтожение как эстетическое удовольствие высшего класса.

Вальтер Беньямин

Factum. Andy Warhol – американский художник словацкого происхождения. Родился 6 августа 1928 года в Питсбурге, умер 22 февраля 1987 года в Нью-Йорке, похоронен в Питсбурге.

Andy Warhol – один из самых успешных и влиятельных художников ХХ века.

В 1945–1949 годах Andy Warhol изучал искусство в Питсбурге. Потом работал иллюстратором в журналах и рекламных агентствах Нью-Йорка.

В начале 60-х годов Andy Warhol становится одним из основоположников «поп-арта», а позже Andy Warhol получает прозвище «Папа римский поп-арта».

Andy Warhol создал собственную студию – «Фабрику» (The Factory), где собиралась вся богема Нью-Йорка и где он сам создавал свои работы.

3 июня 1968 года Валери Соланас стреляла в Andy Warhol’а прямо у него в студии.

Andy Warhol использовал в своих работах образы из массмедиа, рекламы и коммерции.

Наиболее известные его работы – портреты популярных людей (Мэрилин Монро, Элвис Пресли, Мао, Альберт Эйнштейн, Энди Уорхол и др.) и шелкографические изображения банок «Campbell’s Soup».

Andy Warhol также снимал авангардные фильмы («Еда», «Empire», «Сон», «Бедная маленькая богатая девочка», более 500 «Кинопроб» и др.).

Andy Warhol написал книгу «The Philosophy of Andy Warhol (From A to В and Back Again)».

В 60-е годы Andy Warhol продюсировал группу «The Velvet Underground».

Работы Andy Warhol’а имеются во многих музеях мира. В Питсбурге находится The Andy Warhol Museum, где хранится огромная коллекция его работ.

Слоган: «Мне нравятся скучные вещи» ( original version: «I like boring things»).

Punctum. У меня есть альбом Andy Warhol’а. Я люблю его пересматривать. Я в основном смотрю фотографии, где изображен сам Andy Warhol, и перечитываю то, что о нем написано. Мне больше нравится читать об Andy Warhol’е, чем смотреть его картины. Вокруг слишком много эстетического. Мне кажется, что вокруг слишком много эстетического, поэтому само искусство становится интересно, только если имя художника стало уже чем-то большим, чем просто именем художника. Andy Warhol – это больше философия, чем искусство. Andy Warhol – это более мифический персонаж, чем Прометей. Я мог бы не видеть ни одной работы Andy Warhol’а и при этом любить его как художника. Хотя есть две его картины, которые меня завораживают, – это автопортрет самого Andy Warhol’а 1986 года, сделанный в красном цвете, и двуглавый Элвис Пресли с пистолетом. Я даже сделал фотокопии этих картин, поместил их в рамки Ribba из IKEA и развесил у себя по квартире. Я повесил их в своей спальне, в гостиной, на кухне, в прихожей и в туалете. Я живу один, не смотрю фильмов ужасов, и поэтому мне нужно побольше глаз, смотрящих на меня. Мне нужно побольше грозных взглядов. А обе эти картины мне кажутся очень угрожающими. Картины Andy Warhol’а – это практически современные иконы, которые напоминают тебе, что современность – это не рай и что рая вообще никогда не будет.

Мне кажется, что Andy Warhol – очень скучный художник, хотя все считают его королем поп-культуры. Наверно, король должен чем-то отличаться от всех остальных. Поп-культура не переносит скуки. Поп-культура может быть мрачной, но она не может быть скучной. Andy Warhol был скучным художником, потому что показал, как на самом деле скучна поп-культура. Andy Warhol снял посмертный слепок с поп-культуры еще до того, как она по-настоящему родилась.

Со времен Andy Warhol’а, Пресли и Монро поп-культура очень изменилась. Она стала более компьютерной, она стала менее красивой, но более яркой и насыщенной. Когда много всего, когда слишком много эстетики – это всегда менее красиво, это всегда более скучно. Мы живем в конвейере эстетического, где все – от жвачки до автомобиля – должно выглядеть красиво. Здесь, наверно, и теряется красота. Чтобы ощутить настоящую красоту, нужно как можно меньше искать красоту в окружающей нас жизни. Я боюсь, когда вокруг меня столько много красивого. Я боюсь привыкнуть к красоте.

Читать дальше

Олег Сивун — Brand: Поп-арт роман читать онлайн бесплатно

Олег Сивун

Brand

Недавно одна компания заинтересовалась приобретением моей «ауры». Мои произведения им были не нужны. Они только говорили: «Нам нужна ваша аура». Я так и не понял, чего они хотели. Но они были готовы заплатить большие деньги. Тогда я подумал, что, если люди готовы столько за «это» заплатить, надо бы мне постараться выяснить, что это такое.

Я думаю, «аура» – это то, что видно только другим людям и они видят столько ауры, сколько захотят.

Отчужденность человечества от самого себя достигла уже такого уровня, что оно может переживать свое собственное уничтожение как эстетическое удовольствие высшего класса.

Вальтер Беньямин

Factum. Andy Warhol – американский художник словацкого происхождения. Родился 6 августа 1928 года в Питсбурге, умер 22 февраля 1987 года в Нью-Йорке, похоронен в Питсбурге.

Andy Warhol – один из самых успешных и влиятельных художников ХХ века.

В 1945–1949 годах Andy Warhol изучал искусство в Питсбурге. Потом работал иллюстратором в журналах и рекламных агентствах Нью-Йорка.

В начале 60-х годов Andy Warhol становится одним из основоположников «поп-арта», а позже Andy Warhol получает прозвище «Папа римский поп-арта».

Andy Warhol создал собственную студию – «Фабрику» (The Factory), где собиралась вся богема Нью-Йорка и где он сам создавал свои работы.

3 июня 1968 года Валери Соланас стреляла в Andy Warhol’а прямо у него в студии.

Andy Warhol использовал в своих работах образы из массмедиа, рекламы и коммерции.

Наиболее известные его работы – портреты популярных людей (Мэрилин Монро, Элвис Пресли, Мао, Альберт Эйнштейн, Энди Уорхол и др. ) и шелкографические изображения банок «Campbell’s Soup».

Andy Warhol также снимал авангардные фильмы («Еда», «Empire», «Сон», «Бедная маленькая богатая девочка», более 500 «Кинопроб» и др.).

Andy Warhol написал книгу «The Philosophy of Andy Warhol (From A to В and Back Again)».

В 60-е годы Andy Warhol продюсировал группу «The Velvet Underground».

Работы Andy Warhol’а имеются во многих музеях мира. В Питсбурге находится The Andy Warhol Museum, где хранится огромная коллекция его работ.

Слоган: «Мне нравятся скучные вещи» ( original version: «I like boring things»).

Punctum. У меня есть альбом Andy Warhol’а. Я люблю его пересматривать. Я в основном смотрю фотографии, где изображен сам Andy Warhol, и перечитываю то, что о нем написано. Мне больше нравится читать об Andy Warhol’е, чем смотреть его картины. Вокруг слишком много эстетического. Мне кажется, что вокруг слишком много эстетического, поэтому само искусство становится интересно, только если имя художника стало уже чем-то большим, чем просто именем художника. Andy Warhol – это больше философия, чем искусство. Andy Warhol – это более мифический персонаж, чем Прометей. Я мог бы не видеть ни одной работы Andy Warhol’а и при этом любить его как художника. Хотя есть две его картины, которые меня завораживают, – это автопортрет самого Andy Warhol’а 1986 года, сделанный в красном цвете, и двуглавый Элвис Пресли с пистолетом. Я даже сделал фотокопии этих картин, поместил их в рамки Ribba из IKEA и развесил у себя по квартире. Я повесил их в своей спальне, в гостиной, на кухне, в прихожей и в туалете. Я живу один, не смотрю фильмов ужасов, и поэтому мне нужно побольше глаз, смотрящих на меня. Мне нужно побольше грозных взглядов. А обе эти картины мне кажутся очень угрожающими. Картины Andy Warhol’а – это практически современные иконы, которые напоминают тебе, что современность – это не рай и что рая вообще никогда не будет.

Мне кажется, что Andy Warhol – очень скучный художник, хотя все считают его королем поп-культуры. Наверно, король должен чем-то отличаться от всех остальных.

Поп-культура не переносит скуки. Поп-культура может быть мрачной, но она не может быть скучной. Andy Warhol был скучным художником, потому что показал, как на самом деле скучна поп-культура. Andy Warhol снял посмертный слепок с поп-культуры еще до того, как она по-настоящему родилась.

Со времен Andy Warhol’а, Пресли и Монро поп-культура очень изменилась. Она стала более компьютерной, она стала менее красивой, но более яркой и насыщенной. Когда много всего, когда слишком много эстетики – это всегда менее красиво, это всегда более скучно. Мы живем в конвейере эстетического, где все – от жвачки до автомобиля – должно выглядеть красиво. Здесь, наверно, и теряется красота. Чтобы ощутить настоящую красоту, нужно как можно меньше искать красоту в окружающей нас жизни. Я боюсь, когда вокруг меня столько много красивого. Я боюсь привыкнуть к красоте.

Мы живем уже не в обществе изобилия, мы живем в обществе постизобилия. Это не значит, что в мире больше не осталось бедных, это значит, что бедность обретает эстетическую форму.

Нищие красивы. Мне абсолютно не нравится Монте-Карло, потому что там нет нищих. В по-настоящему красивых городах полно нищих – в Праге, в Нью-Йорке, в Париже, в Рио… Очарование клошара гораздо сильнее очарования человека из высшего общества. Мне больше нравится бомж, спящий на скамейке в парке Хельсинки, чем Пэрис Хилтон на красной ковровой дорожке.

Когда вокруг столько всего красивого, то искусство становится непрекрасно. Иногда оно становится отвратительным. У меня дома где-то 500 компакт-дисков с музыкой и около 300 кассет с фильмами. Из них я послушал, наверно, 50 дисков и посмотрел 30 кассет. Обилие искусства отвращает от искусства. Я совсем не смотрю фильмы на DVD, потому что их слишком много, я почти не хожу в кинотеатр, потому что все фильмы есть на DVD. Сейчас я смотрю кино, только если его показывают по телевизору. В общем, я потерял чувство красоты кинематографа.

Когда мне надоедает изобилие, мне хочется побольше одинакового. Я хочу смотреть на одну и ту же картину Andy Warhol’а, я хочу смотреть один и тот же фильм и одну и ту же телепередачу, я хочу видеть одну и ту же женщину. Когда я вижу слишком много красивых женщин, мне кажется, что я импотент или голубой. Мне они становятся абсолютно неинтересны. Поэтому я стараюсь почаще сидеть дома и пересматривать в сотый раз один и тот же порнофильм – «Too many women for а man».

Andy Warhol всегда ходил в очках (наверно, Ray-Ban), темных или с диоптриями. Но это лет, наверно, с 30–35. Я просто не могу представить Andy Warhol’а в 18-летнем возрасте, хотя я видел одну или две фотографии из его молодости. Мне кажется, что Andy Warhol родился в 40 лет написал все, что он написал, в 40 лет, снял все, что он снял, в 40 лет, прожил все, что он прожил, в 40 лет, и умер в 40 лет. Мне 27, а я еще ничего не сделал. До 40 еще есть время. Но я уже сейчас хожу в очках (Ray-Ban), темных или с диоптриями. Может, 40 – это не мой возраст? На меня ведь еще даже покушения не было. Иногда я думаю, как бы я отнесся к тому, если бы в меня стреляла женщина, как в Andy Warhol’а. Мне кажется, что мне бы понравилось. Если в тебя стреляет женщина, то ты действительно чего-то стоишь. Владимир Ленин, Andy Warhol. Джону Леннону, однако, не повезло. Может быть, в Кеннеди тоже стреляла женщина?

Читать дальше

Энди Уорхол, художник, поп-арт, иллюстрации, книга, коммерция

«Это пред-поп Уорхол, до Фабрики, когда он пытался стать коммерческим художником», — поясняется в  новом томе, посвящённом Уорхолу. Опубликованный издательством Taschen, сборник «Энди Уорхол. Семь иллюстрированных книг 1952-1959 гг.» представляет серию персональных работ художника, сделанных им в возрасте 20-ти лет, чтобы продвинуть себя в качестве иллюстратора и дизайнера.

Уорхол сделал книги, в том числе «Дикая малина», «Внизу моего сада» и «Любовь — это розовый торт» и отправил их друзьям, клиентам и влиятельным людям как визитные карточки. Работы показывают личность и амбиции художника раннего периода его карьеры. «Вы можете видеть то, благодаря чему он стал знаменит, сильный графический дизайн и элемент иллюстрации, то, как он играет с классическими ссылками на искусство и использует вдохновение из повседневной жизни».

Книги также показывают, насколько коммерчески продуманным были действия Уорхола, как он находил баланс между искусством и чистой коммерцией. Однако, эти работы противоречит мнению многих о том, что художник внёс некую рекламность в мир искусства. «Я думаю, что люди часто ассоциируют Уорхола с цинизмом», — рассказывает о книге Реуел Голден. «Они думают, что все, что он делал, было ироничным, или это был расчёт в его собственной игре. Но я думаю, что это показывает невинность, что он делал это ради удовольствия, что у него была потребность рисовать и он хотел рассказать миру о своей работе.

Это издание также демонстрирует и то, что даже на экспериментальных этапах работы Уорхола всегда были доступны пониманию зрителей. Например, «Дикая малина» представляет собой поваренную книгу-обманку, которую Реуел называет«забавной и привлекательной, опережающей свое время в пародировании претенциозности еды».

Только две книги были переизданы до этого момента, поэтому новое издание является первым, которое воспроизвело все семь оригинальных книг. Каждая из них воссоздана максимально достоверно, копируя оригинальный размер, бумагу и ощущения.

Книга «Энди Уорхол. Семь иллюстрированных книг 1952-1959 годов» будет доступна уже с 11 ноября.

Комментарии

Книги | Gallery Victoria

Джессика Черази, Кён Ан

Кто боится современного искусства?

Современное искусство порой озадачивает, но Кён Ан и Джессика Черази готовы разложить для вас всё по полочкам. В этом путеводителе по миру современного искусства представлены яркие зарисовки из жизни сегодняшней арт-сцены, объясняющие, чем занимаются современные художники и кураторы. Авторы книги снимают покров загадочности с концептуализма и отвечают на множество других вопросов, связанных с миром современного искусства.

Ключевые моменты в искусстве

«Ключевые моменты в искусстве» представляют читателю пятьдесят поворотных вех в истории западного искусства от эпохи Возрождения до наших дней. Краткие и увлекательные главы книги рассказывают о событиях, которые поразили или озадачили их современников — будь то установка «Давида» Микеланджело или предложение Дюшана выставить «Фонтан»; о рождении, порой случайном, идей и техник, которые подтолкнули художников к созданию новых стилей; о выставках, изменивших наш взгляд на искусство. Непринужденно написанный Ли Чеширом текст легко читается и запоминается. Среди его тем — не только открытия и достижения художников, но и острые споры, судебные тяжбы и преступления, которыми отмечен извилистый ход истории искусства.

Краткая история современной живописи

Классический труд английского историка искусства Герберта Рида (1893–1968), впервые опубликованный по-английски в 1959 году и с тех пор регулярно переиздающийся по всему миру, обозревает основные направления и тенденции европейской и американской живописи конца XIX–XX века. Доведенный автором до 1950-х годов, впоследствии он был дополнен главой, посвященной развитию живописного искусства в следующем десятилетии и публикуемой в русском переводе впервые. Издание адресовано искусствоведам, культурологам и всем, интересующимся историей искусства и культуры XX века.

Измы. Как понимать современное искусство

Данный путеводитель по современному искусству призван объяснить все его ключевые «измы»: группы, стили и школы, определяющие то, что считается искусством с конца XIX века по наши дни. Автор, британский искусствовед, редактор журнала Frieze, выросшего из одноименной арт-ярмарки, помещая современное искусство в исторический контекст, создает своего рода карту траекторий, по которым развивалась художественная практика новейшего времени. Вооружившись подобной картой, любой читатель — от студента-искусствоведа до простого любителя искусств — способен дальше прокладывать собственные маршруты. Список художников, ключевых работ и музеев всего мира прилагается.

Флавия Фриджери

Поп-арт

Полный кричащих красок, броских образов и искрометной иронии, поп-арт прорвал традиционные границы высокой и низкой культуры. Флавия Фриджери знакомит читателя с этим примирившим искусство с повседневностью направлением, прослеживая его историю от зарождения потребительского мира в послевоенных США и Великобритании до утверждения консюмеризма по всему миру в 1960-х годах. Наряду с творчеством таких прославленных художников, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Ричард Гамильтон или Питер Блейк, в книге рассматриваются произведения менее известных поп-артистов разных стран: японца Юсио Синохары, венесуэлки Марисоль, аргентинки Марты Минухин и др. Организованная вокруг основных тем поп-арта — рекламы, политики, знаменитостей, товаров и магазинов, войны, космоса и т. д., — книга увлекательно рассказывает о том, как поп-арт претворял «популярную» культуру в искусство.

Ондржей Хробак, Ростислав Корычанек, Мартин Ванек, Давид Бём, Иржи Франта

Как устроен музей

Эта иллюстрированная книга приглашает юных читателей в мир художественных музеев и галерей. Художник Давид Бём и авторы текстов Ондржей Хробак, Ростислав Корычанек и Мартин Ванек познакомят тебя с историей музеев, расскажут, для чего нужен музей, как он устроен и кто в нем работает, по какому принципу выставляются произведения искусства и как планируются выставки. Книга покажет, какие сокровища император Рудольф II хранил в Пражском граде, а еще объяснит, почему неубранная кровать и акула в аквариуме с формалином считаются произведениями искусства. Ты убедишься, что ходить в музей вовсе не скучно – это место наполнено захватывающими историями и неожиданными открытиями!

Модернизм. Соблазн ереси: от Бодлера до Беккета

Вниманию читателя предлагается вторая переведенная на русский язык книга известного американского историка Питера Гэя (1923–2015), автора классических трудов об эпохе Просвещения, Веймарской республике и т. д. В своем обобщающем исследовании модернизма, написанном в поздний период творчества, Гэй подводит итоги полуторавековой эволюции движения, коренным образом изменившего культуру и искусство всего мира.

Рембрандт

В книге собраны три текста о Рембрандте, написанные в 1950–1960-х годах выдающимся французским писателем Жаном Жене (1910–1986), который вынашивал замысел большой книги о голландском живописце, так и не получивший осуществления. Размышления об искусстве Рембрандта и о событиях его жизни переплетаются в этих текстах с изложением личного опыта Жене и его попытками разобраться в самом себе. Книгу дополняет библиографический очерк, в котором кратко прослежена история интереса Жене к творчеству Рембрандта.

Сьюзен Вудфорд

Как смотреть на картины

Книга Сьюзен Вудфорд послужит идеальным проводником тому, кто начинает знакомиться с историей искусства и хочет понять природу того наслаждения, которое так часто, но не давая при этом никаких объяснений, доставляет нам живопись. Вудфорд пишет с глубоким знанием дела, с чувством и остроумием, по существу и без лишних сложностей. В ее тексте затрагиваются и раскрываются темы, которые расширят кругозор любого читателя — не только новичка. Книга “Как смотреть на картины” убедительно доказывает, что можно учиться, получая удовольствие

Ханс-Тис Леман

Постдраматический театр

Книга Ханса-Тиса Лемана ПОСТДРАМАТИЧЕСКМЙ ТЕАТР — безусловная веха в самом развитии европейской эстетической и театроведческой мысли. Она вышла в Германии еще в 1999 году и вот только сейчас попадает в руки русскому читателю (а понадобится она наверняка не только театроведам, но и философам, культурологам, — всем, кому небезразличны приключения мысли и осмысление современного театра). Здесь охвачена и проанализирована целая эпоха в развитии театра, здесь зрителя учат видеть, замечать новое, уметь различать настоящие точки роста в пестром многообразии театральных и паротеатральных событий. Предисловие к книге написано практиком и теоретиком театра — Анатолием Васильевым.

Бенджамин Х.Д. Бухло

Неоавангард и культурная индустрия

В книге собраны 19 очерков, представляющих собой попытку пересмотра официальной истории искусства XX века. Автор рассматривает такие течения, как новый реализм во Франции, американский поп-арт и искусство Fluxus, минимализм и постминимализм, европейское и американское постконцептуальное искусство и т.д., устанавливая связь и проводя различия между этими практиками и историческим авангардом 1915–1925 годов.

под ред. Виктора Мизиано

Сборник текстов Московской кураторской летней школы. Делать выставки политически

Сборник текстов художников и теоретиков современного искусства, составленный по итогам работы Московской кураторской летней школы. 14 статей о политичекеском в искусстве. среди авторов: Анатолий Осмоловский, Дмитрий Виленский, Дейв Бич, Геральд Раунинг, Риза Гринберг и др.

Джеймс Уистлер

Изящное искусство создавать себе врагов

«Изящное искусство создавать себе врагов» Джеймса Уистлера (1834–1903) представляет собой подборку из наиболее нелепых отзывов на творчество художника и его самых язвительных ответов на них. В основу книги лег протокол скандального дела «Уистлер против Рёскина», состоявшегося 15 ноября 1878 года и ставшего первым публичным обсуждением, пусть и в юридических терминах, вопроса о цене, символической и финансовой, искусства. Уистлер блещет bon mots, остроумно полемизирует, отделывая каждую язвительную записку как самую трудную офсетную доску, создавая тем самым своего рода «офорты в прозе». «Изящное искусство создавать себе врагов» — своеобразный манифест антивикторианского движения, первая в истории попытка художника защитить свое новаторское искусство от невежественной и пошлой критики, отстоять независимость в складывающемся на глазах новом мире искусств, основанном на продажах.

Ханс Ульрих Обрист

Пути кураторства

Ханс Ульрих Обрист (род. 1968), один из наиболее влиятельных кураторов в современном арт-мире, прослеживает в серии очерков, балансирующих на грани между критическим эссе и мемуарным фрагментом, эволюцию своих взглядов и практики. Живые свидетельства общения автора с другими кураторами и художниками сочетаются в ней с проницательными размышлениями о судьбах современного искусства.

Николя Буррио

Реляционная эстетика / Постпродукция

Вниманию читателей предлагается первый перевод на русский язык двух книг известного французского куратора и художественного критика Николя Буррио (род. 1965). «Реляционная эстетика» и «Постпродукция» составляют одну из наиболее убедительных попыток объединить общими понятиями и определениями многообразный спектр новаторских художественных практик 1990–2000-х годов.

«Джон Кейдж»

«Что случится со мной и с вами, если мы окажемся там, где нет красоты?» Книга представляет свежий взгляд на творчество одной из самых неоднозначных фигур в культуре XX века — Джона Кейджа.

Я стану твоим зеркалом. Избранные интервью Энди Уорхола (1962-1987)

В настоящей книге собрано более тридцати интервью Энди Уорхола (1962-1987), разделенных по трем периодам: 60-е, 70-е, 80-е. Изобретательность Уорхола в интервью обычно оставалась в рамках формата «вопрос-ответ», но намекала, что это лишь формат, и давала интервьюеру право его разрушить. Своими вроде бы банальными ответами художник создавал простор для творческих способностей интервьюера, поощряя их еще больше, когда менялся с интервьюером местами или как-то иначе размывал роли интервьюера и интервьюируемого. Можно ли считать эти интервью искусством? Если рассмотреть их в широком контексте, на фоне всего корпуса творчества Энди Уорхола во всех техниках и видах искусства, то, по мнению составителей этого сборника, придется ответить: «Можно». Если вы хотите узнать все-все об Энди Уорхоле, просто взгляните на поверхность: поверхность моих картин, моих фильмов и меня самого, вот он я. А под ней ничего нет.

Музей Людвига в Русском музее

«Музей Людвига в Русском музее» представляет собой второе, после 1998 года, издание (исправленное, переработанное и дополненное). Помимо первоначальной коллекции, подаренной супругами Людвиг Русскому музею в 1995 и 1998 годах, здесь публикуются работы, позднее приобретенные или полученные в дар при участии Фонда Людвига. В издание вошли также две статьи, знакомящие читателя с историей коллекционерской деятельности Людвигов. Иллюстрации сопровождаются аннотациями ведущих российских и европейских искусствоведов.

Радикальная музеология, или Так ли уж «современны» музеи современного искусства?

Будущее государственных музеев, способных представлять интересы 99% населения, а не укреплять привилегии меньшинства, никогда еще не было столь мрачным. Или уже было? В ответ на жесткое сокращение государственного финансирования несколько музеев современного искусства разработало убедительные альтернативы мантре «чем больше, тем лучше и богаче». В «Радикальной музеологии» Клэр Бишоп говорит о новом понимании современного в современном искусстве, приводя в пример постоянные экспозиции собраний Музея Ван Аббе в Эйндховене, Музея королевы Софии в Мадриде и Музея современного искусства Metelkova в Любляне.

Осмысляя современное кураторство

Данное издание — первый том в серии «GARAGE Pro», новой инициативе Музея современного искусства «Гараж» и издательства «Ад Маргинем Пресс». Задача серии — представить размышления кураторов, художников, критиков и искусствоведов из разных уголков мира о кураторской практике, функциях современных музеев и работе в сфере искусства сегодня

Дневники 1976-1987

Энди Уорхол вел эти дневники с ноября 1976 до февраля 1987 года вплоть до последней недели своей жизни, когда по неизвестным причинам он скончался в Нью-Йоркской больнице после операции. На протяжении десяти лет Уорхол делился впечатлениями о светских вечеринках и ночных походах в «Студию 54», поездках в Лондон, Париж и Лос-Анджелес, а также сообщал Дневнику обо всех своих расходах за день, начиная с оплаты такси и заканчивая стоимостью звонка из уличного телефона-автомата. Рассказанные в неповторимой манере культового художника истории о встречах с Труменом Капоте, Лайзой Минелли, Миком Джаггером, The Velvet Underground, Жан-Мишелем Баския, Джимом Моррисоном, Мохаммедом Али, Йоко Оно, записанные и отобранные Пэт Хэкетт, превращают эти дневники в одну из самых гламурных, остроумных и откровенных книг ХХ века.

Под ред. Ойгена Блуме

Йозеф Бойс. Призыв к альтернативе

Богато иллюстрированная мини-экциклопедия, посвященная творчеству Йозефа Бойса.

Двадцать минут на Манхэттене

Каждое утро архитектор и писатель Майкл Соркин идет из своей квартиры в Гринвич-Виллидж через Вашингтон-сквер в свою мастерскую в Трайбеке. Соркин не спешит; и он никогда не пренебрегает тем, что его окружает. Напротив, он уделяет всему вокруг самое пристальное внимание. В «Двадцати минутах на Манхэттене» он объясняет, что видит, что представляет, что знает. При этом перед нами раскрываются невероятные слои истории, инженерного дела, искусства и насыщенной социальной драмы — и все это за время простой двадцатиминутной прогулки.

Nobrow. Культура маркетинга. Маркетинг культуры

Как изменился культурный ландшафт после появления глобального супермаркета? Что произошло с современным искусством после Энди Уорхола, с поп-музыкой — после Нирваны и MTV, с кино — после «Звездных войн»? И так ли важны сегодня, когда лейбл на вашей майке ценнее ее фасона, старые понятия вкуса и стиля? Ответы на эти вопросы предлагает в своей книге Джон Сибрук, его исследование — путеводитель по современной культуре, в которой информационный шум оказывается важнее самого события, качество равно актуальности, и уже никто не в состоянии отделить продукт от его позиционирования, а культурную ценность — от рыночной стоимости

Вилем Флюссер

О положении вещей. Малая философия дизайна

В сборнике эссе разных лет «О положении вещей. Малая философия дизайна» Флюссер в форме краткой и изящной философской эссеистики раскрывает смысловые структуры нашего повседневного мира, его важнейших областей и происходящих с ними трансформаций.

Салим Мокаддам

Влюбленный Сократ

Серия «Платон и Kº» продолжает знакомить юных читателей с классиками философской мысли и их лучшими произведениями. Диалог Платона «Пир», непринужденно и с юмором пересказанный языком детской литературы, с фактурными иллюстрациями Яна Ле Бра.

Этика пыли

«Этика пыли» (1866) – трактат британского арт-критика, писателя и социального мыслителя Джона Рёскина, выполненный в форме платоновских диалогов старого профессора и учениц. Этот необычный текст служит своего рода введением в проблему кристаллизации, структурной формы, присущей предметному миру, окружающему нас, и содержит в себе мысли Рёскина о системе образования, развитии европейского изобразительного искусства и дизайна и месте человека в мире. Книга была написана по следам лекций, прочитанных в Оксфорде, Брэдфорде и Манчестере в 1860-х годах.

Машина песен. Внутри фабрики хитов

Кажется, что на заре XXI века популярная музыка достигла совершенно новой фазы развития. Для того чтобы написать песню, уже не требуется виртуозно играть на гитаре и обладать поэтическим талантом, а чтобы ее спеть, не нужен мощный голос — добро пожаловать в эпоху автотюна! Но одно дело — просто песня, и совсем другое — хит, который способен в одночасье прославить исполнителя и сделать миллионером ее автора. Кстати, кто создает все эти шедевры?

Аннабель Бюкстон, Франсуаза Арменьо

Носорог Витгенштейна

Людвиг Витгенштейн (1889-1951) Мы пойдём по пятам агента Витгенштейна и увидим, как он расследует труднейшее дело о высших целях существования. Витгенштейн был непревзойдённым детективом в королевстве значений. Он понял, что претендовать на звание мыслителя может только тот, кто размышляет о предметах ещё более безумных, чем те, которые выбрали другие философы. Бескомпромиссный моралист, он оставался верен своим убеждениям среди зыбучих песков морали. Но, главное, Витгенштейн не желал приспосабливаться к обстоятельствам и выступал против любых компромиссов, на которые, как правило, склонны идти люди ради своего выживания. Витгенштейн никогда не стремился к спокойной жизни и не боялся трудностей. По мотивам произведения «Дело Витгенштейна» Ролана Жаккара.

Невольники Маркса: Бойс, Уорхол, Кляйн, Дюшан

«»Невольники Маркса» — книга не о Марксе, хотя она в буквальном смысле натянута между двумя его высказываниями, вынесенными в эпиграф. Нельзя назвать ее однозначно и книгой о четырех художниках, чьи имена составляют подзаголовок. Я не ставил перед собой цели ввести читателя в их творчество и в четырех довольно коротких главах наследие каждого из них обозревается, скорее, эллиптически, а отдельные произведения — аллюзивно. Основной темой книги является перекрытие эстетического поля политэкономическим — феномен, который, с моей точки зрения, заслуживает рассмотрения в качестве определяющего для искусства модернизма. Бойс, Уорхол, Кляйн и Дюшан выбраны потому, что сообща они предоставляют хорошую ретроспективную точку зрения на этот феномен, доводя наложение двух упомянутых полей до точки полного — прозрачного или непрозрачного — совпадения».

Брайан О’Догерти

Внутри белого куба

Опубликованные в 1976 году в журнале «Артфорум» эти провокационные эссе Брайана О’Догерти сразу вызвали ажиотаж. Их обсуждали, комментировали, цитировали и переводили; три номера «Артфорума», в которых они были напечатаны, стали библиографической редкостью. Для нынешнего арт-мира их переиздание является знаковым событием. Настоящая книга включает, помимо трех эссе 1976 года, еще один важный критический текст О’Догерти — «Галерея как жест», — вышедший десять лет спустя. Книга выходит в серии «GARAGE Pro», новой инициативе Музея современного искусства «Гараж» и издательства «Ад Маргинем Пресс». Задача серии — представить размышления кураторов, художников, критиков и искусствоведов из разных уголков мира о кураторской практике, функциях современных музеев и работе в сфере искусства сегодня

Роузли Голдберг

Искусство перформанса. От футуризма до наших дней

Эта новаторская книга была впервые опубликована в 1979 году. Настоящее расширенное издание дополнено исчерпывающим рассказом о технических, политических и эстетических сдвигах в искусстве перформанса, свойственных началу ХХI века. Широкая привлекательность перформанса в глазах растущей аудитории, интересующейся новым искусством, объясняется желанием напрямую общаться с наиболее выдающимися художниками современности. Маурицио Каттелан, Пол Маккарти, Таня Бругера, Мэтью Барни, Пэтти Чанг — лишь несколько из множества имен, которые эта книга представляет в историческом контексте, связанном с другими пионерами в области перформанса — от футуристов с дадаистами до Ива Кляйна с Лори Андерсон.

Надзирать и наказывать. Рождение тюрьмы

Более 250 лет назад на Гревской площади в Париже был четвертован Робер-Франсуа Дамьен, покушавшийся на жизнь короля Людовика XV. С описания его чудовищной казни начинается «Надзирать и наказывать» — одна из самых революционных книг по современной теории общества. Кровавый спектакль казни позволяет Фуко продемонстрировать различия между индивидуальным насилием и насилием государства и показать, как с течением времени главным объектом государственного контроля становится не тело, а душа преступника. Эволюция способов надзора и наказания постепенно превращает грубое государственное насилие в сложнейший механизм тотальной биовласти, окутывающий современного человека в его повседневной жизни и формирующий общество тотального контроля.

Сьюзан Сонтаг

Сознание, прикованное к плоти. Дневники и записные книжки. 1964-1980

«Порою, когда в голову мне приходят необычные мысли, я думаю о том, что материнские дневники (а настоящая книга – это второй из трех томов ее записок) – это не просто автобиография, которую она так и не собралась писать (а поступи она так, то автобиография ее была бы, вероятно, произведением высоколитературным и фрагментарным, в чем-то сродни «Самосознанию» Джона Апдайка, которым она восхищалась), а замечательный автобиографический роман, сочинять который она никогда и не собиралась. Если развивать мою фантазию согласно традиционной траектории, то первый том дневников, «Заново рожденная», окажется романом воспитания – ее «Будденброками» (вспоминая монументальное произведение Манна) или, на более камерной ноте, ее «Мартином Иденом» (прочитанный ею в юности роман Джека Лондона, о котором моя мать с нежностью отзывалась до конца жизни). Этот второй том, который, позаимствовав фразу из дневников, я назвал «Сознание, прикованное к плоти», стал бы романом о деятельной, успешной зрелости». Дэвид Рифф

Культура кураторства и кураторство культур(ы)

Данная книга представляет собой подробный анализ становления современного кураторского дискурса с конца 1980-х, когда, собственно говоря, независимое кураторство и возникло. На ее страницах показано, как благодаря дискурсу, в центре которого оказалась фигура куратора, произошла кардинальная смена в понимании кураторства как такового. Сегодня — и читатель в этом убедится — кураторство можно с полной уверенностью рассматривать как особую практику медиации, возникшую в результате усилий художников, кураторов и тех, кто сочетает в себе эти две ипостаси, а также кураторских коллективов, которые продолжают ставить под вопрос границы и пределы произведения искусства, изменяя наше понимание взаимодействия между различными акторами и институтами в поле культурного производства. Книга вышла в серии «GARAGE Pro», новой инициативе Музея современного искусства «Гараж» и издательства «Ад Маргинем Пресс». Задача серии — представить размышления кураторов, художников, критиков и искусствоведов из разных уголков мира о кураторской практике, функциях современных музеев и работе в сфере искусства сегодня.

Джулиан Сталлабрасс

Высокое искусство, версия облегченная. Взлет и падение брит-арта 90-х

В настоящей книге британский искусствовед, арт-критик и художник Джулиан Сталлабрасс дает оценку феномену «молодого брит-арта» 1990-х годов (другое название, которое он дает этому движению — «высокое искусство, версия облегченная», сокращенно ВИВО). Автор попытался ознакомить широкий круг любителей современного искусства, привлеченных этим новым течением, с причинами, по которым британское искусство столь кардинально изменилось в конце прошлого века, и предоставить читателю средства для его анализа и критики. Сталлабрасс последовательно рассматривает творчество основных представителей ВИВО, молодых художников, одержимых коммерцией и масс-медиа: Дэмиена Хёрста, Трейси Эмин, Джейка и Диноса Чепменов, Сары Лукас и др.

Сьюзан Сонтаг

Против интерпретации

«Против интерпретации» — собрание эссе Сьюзен Сонтаг, сделавшее ее знаменитой. Сонтаг была едва ли не первой, кто поставил вопрос об отсутствии непроходимой стены между «высокой» и «низкой» культурой, а вошедшие в сборник «Заметки о кэмпе» и эссе «О стиле» сформировали целую эпоху в истории критической мысли ХХ века. Книга «Против интерпретации», впервые опубликованная в 1966 году, до сих пор остается одним из самых впечатляющих примеров картографии культурного пространства минувшего столетия.

Илья Будрайтскис, Арсений Жиляев

Педагогическая поэма

В издании представлены результаты культурно-образовательного проекта «Педагогическая поэма», который был разработан Арсением Жиляевым и Ильей Будрайтскисом и организован Фондом V-A-C. «Педагогическая поэма» — это уникальное междисциплинарное исследование на пересечении истории, современного искусства и образования.

Посткапитализм. Путеводитель по нашему будущему

Зарождение и развитие капитализма сопровождалось как его циклическими кризисами, так и его возрождениями в новых обличьях. Однако в реалиях XXI века капиталистическая система, по мнению Пола Мейсона, более не способна адаптироваться к новым вызовам, что означает ее фактический крах. Раз так, то главный вопрос: каким может быть будущее, если капиталистические перспективы не утешительны? В своем исследовании Пол Мейсон в качестве альтернативы предлагает модель «посткапитализма», основы которой можно найти в современной экономической системе.

Когда соборы были белыми. Путешествие в край нерешительных людей

Книга выдающегося архитектора XX века Ле Корбюзье (1887–1965), впервые опубликованная в 1937 году, объединяет в себе документально-художественное повествование о первом посещении автором Америки и размышления о судьбах зодчества в эру технологического прогресса и урбанизма.

Язык новых медиа

Книга Льва Мановича «Язык новых медиа» впервые была опубликована еще в 2001 году, однако и сегодня не утратила своей актуальности. Последовательно рассуждая о технологиях и режимах существования медиа, автор выстраивает генеалогию элементов информационной среды, демонстрируя читателю почти что анатомию новых — цифровых — медиа.

Искусство и революция. Эрнст Неизвестный

Известный британский художественный критик, прозаик и эссеист Джон Бёрджер (1926-2017) анализирует с художественной и историко-политической точек зрения творчество русского скульптора Эрнста Неизвестного (1925-2016), предстающее в этом эссе как оригинальное явление антисоветского и вместе с тем антикапиталистического модернизма. Подробнее: https://www.labirint.ru/books/643972/

Блокнот Бенто. Как зарождается импульс что-нибудь нарисовать?

Блокнот Бенто — книга известного британского арт-критика, писателя и художника, посвящена изучению того, как рождается импульс к рисованию. По форме это серия эссе, объединенных общей метафорой. Бёрджер воображает себе блокнот философа Бенедикта Спинозы, или Бенто (среди личных вещей философа был такой блокнот, который потом пропал), и заполняет его своими размышлениями, графическими набросками и цитатами из «Этики» и «Трактата об усовершенствовании разума».

Марион Мюллер-Колар

Маленький театр Ханны Аренд

Живое и доступное изложение философии Ханны Аренд — для детей и взрослых.

Карстен Шуберт

Удел куратора. Концепция музея от Великой французской революции до наших дней

Карстен Шуберт (род. 1961), арт-дилер, издатель и писатель, прослеживает эволюцию западного музея, его концепции и рецепции со времен появления первых публичных художественных собраний в конце XVIII века и до недавнего открытия Галереи Тейт Модерн в Лондоне. Среди поднимаемых в книге тем — взаимодействие музея с общекультурной, политической, экономической областями жизни общества, а также статус и функции куратора, менявшиеся на протяжении рассматриваемого периода.

Статьи об Илье Кабакове

В книге собраны статьи Бориса Гройса о творчестве Ильи Кабакова, написанные в период с 1980 по 2008 год. За это время Кабаков перешел от альбомов и других ранних концептуалистских работ к созданию тотальных инсталляций и далее — к новой интерпретации мировой истории живописи. В своих статьях Гройс описывает и анализирует эволюцию творчества художника на всех этапах. Тем самым его эссе создают портрет одного из самых влиятельных художников в мировом искусстве последних десятилетий.

Энди Уорхол, Пэт Хэкетт

ПОПизм: Уорхоловские 60-е

Культурная буря охватила 60-е — поп-арт, сексуальная революция, психоделия, Боб Дилан, андеграундное кино, — и в центре всего этого Энди Уорхол. «ПОПизм» — это реконструированное десятилетие начиная с 1960 года, когда Уорхол только начал создавать свои полотна с банками супа Campbell’s и Мэрилин; ретроспективный взгляд на живопись, кино, моду, музыку, знаменитостей и отношения, определявшие атмосферу «Фабрики» — места, ставшего центром 60-х в Нью-Йорке, места, где всегда можно было найти всех: от Лу Рида с Тhe Velvet Underground и Нико до Эди Седжвик, Джерарда Маланги и Пола Моррисси. Неоднородный, смешной и откровенный «ПОПизм» — своеобразный итог десятилетия, изменившего мир.

Гильда Уильямс

Как писать о современном искусстве

Книга-руководство (методичка) по написанию увлекательных текстов о современном искусстве. В первой части книга знакомит читателя с основными элементам стиля и содержания, задачами и структурой текста, с интонацией и языком. Вторая часть содержит практические советы о том, как писать тексты о современном искусстве в различных жанрах, включая академические эссе, пресс-релизы, тексты для аукционных и выставочных каталогов и этикетаж, статьи в журналах и рецензии, а также тексты для веб-сайтов и блогов. «Задача книги “Как писать о современном искусстве” — не дать безапелляционное руководство к действию, а мягко указать на самые распространенные неудачи и продемонстрировать, как их избегают маститые авторы». (Нет в наличии)

Макс Хоркхаймер, Теодор Адорно

Культурная индустрия

«Культурная индустрия может похвастаться тем, что ей удалось без проволочек осуществить никогда прежде толком не издававшийся перевод искусства в сферу потребления, более того, возвести это потребление в ранг закономерности, освободить развлечение от сопровождавшего его навязчивого флера наивности и улучшить рецептуру производимой продукции. Чем более всеохватывающей становилась эта индустрия, чем жестче она принуждала любого отдельно стоящего или вступить в экономическую игру, или признать свою окончательную несостоятельность, тем более утонченными и возвышенными становились ее приемы, пока у нее не вышло скрестить между собой Бетховена с Казино де Пари. Культурная индустрия убивает двух зайцев одним ударом: то истинное искусство, что она уничтожает вокруг себя, она с легкостью воспроизводит в рамках собственной системы как искусство ложное…»

Франсуа Жюльен

Великий образ не имеет формы, или Через живопись — к не-объекту

Книга выдающегося французского синолога Франсуа Жюльена, профессора философии Сорбонны и директора Института Марселя Гране, представляет собой сравнительный анализ европейской и китайской живописи. По мнению автора, китайская живопись является подлинной философией жизни, которая, в отличие от европейского искусства, не стремится к объективности и не желает быть открытым «окном в мир», предназначенным для единственной истинной точки зрения. Отсутствие формы у великих образов китайского искусства означает, что данная эстетика пытается уловить непрерывное движение и перетекание форм друг в друга, которое стирает ясные очертания вещей и нивелирует границу между видящим глазом и миром.

Ричард Костелянец

Разговоры с Кейджем

Книга «Разговоры с Кейджем» составлена из сотен интервью с величайшим музыкальным новатором XX века, философом, поэтом, музыковедом и художником Джоном Кейджем (1912–1992), которые он давал различным изданиям и журналистам на протяжении почти полувека. Костелянец отобрал из этих бесед характерные отрывки и составил развернутое протоинтервью, которое в идеале мог бы дать Кейдж. Оформлены фрагменты так, словно это одна продолжительная беседа, в которой идет речь о жизни и образе мысли композитора, о его взглядах на различные аспекты культуры и искусства. Сам Кейдж проверил рукопись на предмет ошибок и дополнил ее своими замечаниями.

Третий смысл

Книга включает три статьи известного литературоведа и философа-структуралиста Ролана Барта о конструировании образов в фотографии и в кино.

Фото и кино

Сборник статей известного критика и литературоведа 1920-30 гг. Осипа Брика, посвященные теории фотографии и кино.

Элиас Канетти

Гитлер по Шпееру

Книга Элиаса Канетти посвящена анализу творчества главного архитектора гитлеровской Германии, Альберта Шпеера.

Николай Тарабукин

От мольберта к машине

Эссе Николая Тарабукина 1922 г. «От мольберта к машине» с предисловием Бориса Гройса. «Выход из кризиса найден не путем «гибели» искусства, а путем дальнейшей эволюции его форм, подсказанных как логическим процессом их развития так и социальными условиями. Только в эпохи глубокого упадка общественной жизни искусство замыкалось в музейные клетки. Теперь перед искусством открывается необозримый горизонт поприща в самой жизни. И как бы ни негодовали эклектики-искусствоведы, что бы ни говорили о профанации «святого» искусства, им не удержать его в своих клетках, и, разрывая музейные оковы, оно выходит победоносно в жизнь…»

Этан Цукерман

Новые соединения. Цифровые космополиты в коммуникативную эпоху

Этан Цукерман, директор Центра по изучению гражданских медиа при Массачусетском технологическом институте (MIT), интернет активист и блогер, в своей дебютной книге описывает как социальные сети, транспортные хабы и новые информационные технологии, изменяют нашу жизнь. Новый взаимосвязанный мир функционирует не совсем так, как представляют себе технооптимисты и колумнисты специализированных изданий, но тем не менее он уж существует, и научиться жить в нем, адекватно используя интернет и прочие инструменты во благо, а не во вред, — задача, которая стоит сегодня необычайно остро. «Падение автократических режимов Туниса, Египта и Ливии в 2011 году («арабская весна») снова актуализировало вопрос о роли технологий в создании благоприятных условий для социальных изменений. Так что же — это кассетные магнитофоны свергли шаха? Не в большей степени, чем Facebook изгнал Мубарака. Однако в обоих случаях произошел сдвиг на технологическом, политическом и социальном уровнях, и старые способы прогнозирования изменений перестали работать. В процессе поиска секретов — недостающих сведений в рамках в целом понятной системы — мы легко упускаем из виду тайны: события, которые обретают смысл, только когда мы понимаем, какие изменения претерпела сама система. Вступая в век все возрастающей глобальной взаимосвязанности, мы становимся свидетелями на первый взгляд незаметных, но повсеместных изменений того, как люди общаются, организуются и принимают решения. У нас появляются новые возможности участвовать в разговорах о местной и мировой повестке, и спорить, и убеждать, и быть убеждаемыми людьми, далекими от наших границ. А спорить у нас есть о чем, поскольку наши экономики все более тесно переплетаются, а наши действия, и как частных лиц, и как граждан разных государств, влияют на климат, здоровье и благополучие друг друга. Вполне закономерно, если по мере возрастания этих связей будет расти и количество сопутствующих тайн».

Грамматика множества

Книга итальянского философа Паоло Вирно «Грамматика множества» (2001) несмотря на свой небольшой объем представляет собой настоящую теоретическую революцию. Вирно предлагает думать о современном обществе не в терминах разного рода идентичностей («народ», «класс», «государство» ), а с помощью категории «множество» и смежных с ней понятий (исход, виртуозность, General Intellect, цинизм, болтовня, любопытство и т. п.). Согласно его концепции, современный тип производства (постфордизм) приводит к тому, что на смену традиционным общественным структурам приходят разнообразные динамические «множества», временные сообщества и кофигурации работников, сочетающие в себе мобильность, избегание идентичности, синтез разных видов деятельности, основанных на гибкости и приспособляемости к меняющимся социальным и экономическим условиям жизни.

Паскаль Гилен

Бормотание художественного множества.

В авторский сборник известного нидерландского социолога Паскаля Гилена (род. 1970) вошли статьи последних лет, посвященные актуальным вопросам теории и практики современного искусства, его взаимодействия с политикой, экономикой и текущими социальными процессами.

Философия Энди Уорхола (от А к Б и наоборот)

Энди Уорхол (1928–1987) – культовый американский художник, режиссер, продюсер, издатель, один из основателей поп-арта. В своей автобиографической «Философии» он делится с читателями мыслями о славе, отношениях, деньгах, сексе, еде, моде, работе, времени, Нью-Йорке и о том, что значит быть современным. В отличие от книг других художников, манифест Уорхола – литературное произведение, в котором размышления об искусстве чередуются с воспоминаниями о детстве, а диалоги с вымышленным Б – с полноценными рассказами от первого лица. Все это делает «Философию» еще одним великим поп-произведением художника, созданным на этот раз с помощью слов, а не красок.

Америка

Энди Уорхол всюду брал с собой фотоаппарат, и его «Америка» — выборка из поразительных кадров, отснятых за 10 лет, — задумана как подобие всей страны с ее странной красотой и ошеломляющей противоречивостью. Исследуя случаи сильнейшей одержимости — в том числе помешательства на имидже и знаменитостях, Уорхол фотографирует рестлеров и политиков, красивых богачей и обездоленных бедняков, Трумэна Капоте со свежими шрамами от подтяжки лица и Мадонну, которая пытается спрятаться за нестандартной для нее прической. Он пишет о своей любимой стране, признается, что жалеет, что не умер, когда его ранили, затрагивает темы коммерционализма, красоты и славы. Представить себе Америку без Уорхола почти также трудно, как представить себе Уорхола без Америки, и эта книга фотографий — прочувствованное, остроумное объяснение в любви — позволяет великому певцу преходящего высказать глубоко личные мысли.

Вена

«Мне кажется, я догадываюсь, что хотят сказать нам этим разнобоем старинные куранты, наша добрая старая тетушка. Будучи венским символом, они чувствуют внутреннюю необходимость стать венским симптомом. И показывают нам не время наступившего часа, а время вообще, время как таковое. Они являют собой воплощение разлада, демонстрируя уведомление и его ошибочность, указ и его неисполнимость, весть и ее опровержение. Они как бы говорят нам: «У нас в Вене не стоит ничего принимать слишком всерьез. Вот увидите — все еще обернется совсем иначе…»

Как ходить в музей. Советы о том, как сделать посещение по-настоящему запоминающимся

«Как ходить в музей» предлагает новые правила поведения в художественном музее. Будь вы новичок или завсегдатай, вы увидите, что в музейном этикете продиктовано здравым смыслом, а что — его отсутствием. Обычная концепция поведения в музее — «иди медленно, но продолжай идти», — едва ли себя оправдывает. Вот почему эта книга призывает вас принять вызов, который бросает нам искусство, сойти с проторенной дорожки и взять инициативу в свои руки. (Нет в наличии)

Марсель Дюшан

Марсель Дюшан (1887–1968) — одна из ключевых фигур в искусстве ХХ века. Но до сих пор актуален вопрос, кто же он — гениальный художник или ловкий провокатор? Широкой публике Дюшан известен прежде всего как создатель реди-мейдов, буквально взорвавших традиционные представления о природе и ценности произведений искусства. Подвергнув пересмотру эстетические нормы и концепцию авторства, Дюшан вывел искусство в четвертое измерение, расширив его горизонты в бесконечность. Интересы Дюшана удивительно разносторонни: от живописи до оптики, от фотографии до издательской деятельности, от литературы до шахмат. Соединяя несоединимое, он создал для себя и женское альтер эго — Ррозу Селяви. В сущности, главным произведением Дюшана стала сама его жизнь, и книга Каролин Кро позволит читателю хотя бы отчасти оценить стройность ее замысла и безупречность исполнения.

Розалинда Краусс

«Путешествие по Северному морю»: искусство в эпоху постмедиальности

Небольшая статья ведущего историка и теоретика современного искусства Розалинд Краусс (род. 1941) о бельгийском художнике Марселе Бротарсе (1924—1976) представляет собой парадоксальный опыт: констатируя на примере Бротарса и заодно с ним конец владычества медиума в искусстве и наступление постмедиальной эпохи, автор вместе с тем находит в творчестве своего героя зацепку для выдвижения обновленного и, возможно, не менее действенного, чем прежде, понятия медиума. (Нет в наличии)

Ранние тексты 1976-1990

В книге собраны тексты Бориса Гройса, написанные в период с 1976 по 1990 год, выходившие в ленинградских самиздатских журналах «37» и «Часы» и парижских тамиздатских — «Синтаксис» и «Беседа». В настоящий сборник не вошли статьи из этих журналов, переизданные после перестройки.

Сьюзан Сонтаг

Болезнь как метафора

«Болезнь как метафора» (1978) — эссе Сьюзен Сонтаг, в котором она пытается демистифицировать рак, разоблачая мифы и метафоры, окружающие эту болезнь. Темой работы является не физическая боль как таковая, а использование болезни в качестве фигуры речи. Сонтаг утверждает, что рак не является ни проклятием, ни наказанием; это просто заболевание (которое возможно излечить). Спустя десять лет, со вспышкой новой стигматизированной болезни, изобилующей мистификациями и карательными метафорами, появилось продолжение к «Болезни…» — «СПИД и его метафоры» (1989) — эссе, расширяющее поле исследования до пандемии СПИДа. В настоящей книге представлены обе работы, в которых Сонтаг показывает, что «болезнь не метафора и что самый честный подход к болезни, а также наиболее “здоровый” способ болеть — это попытаться полностью отказаться от метафорического мышления».

Нью-йоркская школа и культура ее времени

Книга Дори Эштон, вышедшая в 1972 году и с тех пор признанная классической, рассматривает в широком культурном контексте феномен Нью-Йоркской школы, которая объединила в 1940–1950-х годах живописцев и теоретиков, оказавших значительное влияние на искусство XX века.

Супрематический сказ про два квадрата

Для искусства начала ХХ века геометрия и беспредметность стали тем, что способно визуализировать скрытые процессы, сделать видимым то, что, являясь основой творчества и мироздания, тем не менее внешне никак себя не проявляет.

Александр Дейнека

В облаках

«В облаках» — идея освоения третьего измерения, покорения воздушной стихии, новые ракурсы, новые силуэты, авиация и ее применение: от войны до пассажирского дирижабля и борьбы с вредителями полей. Это отрыв от земли в реальном и, конечно, в композиционном смысле.

Сьюзен Сонтаг

Болезнь как метафора

«Болезнь как метафора» (1978) — эссе Сьюзен Сонтаг, в котором она пытается демистифицировать рак, разоблачая мифы и метафоры, окружающие эту болезнь. Темой работы является не физическая боль как таковая, а использование болезни в качестве фигуры речи.

Краткая история мысли. Трактат по философии для подрастающих поколений

«Это очень актуальная книга. Люк Ферри реабилитирует вопрос античных философов “Как жить?” будто наша жизнь зависит от ответа… Читатель сам разъяснит собственный опыт и расширит свои горизонты». Мютью Б. Кроуфорд

Что такое искусство?

Книгу известного американского философа и художественного критика Артура Данто (1924–2013) составляют эссе разных лет, объединенные темой поиска определения искусства. Подходя к этой теме с разных точек зрения, задаваемых столь разными сюжетами, как история модернизма, реставрация росписи Микеланджело в Сикстинской капелле или философия Канта, автор обосновывает необходимость нахождения отличительных признаков искусства, свойственных ему на протяжении всей его истории — от доисторических пещер до наших дней.

Вера Михайловна Ермолаева, Евгений Львович Шварц

Поезд

Книжка «Поезд» — одна из лучших; в ней воплотились и редкий живописный талант Веры Ермолаевой, и авангардный поиск, и научные эксперименты в области цвета и формы. Тема железной дороги была популярной в то время, к ней обращались многие писатели и художники. Книжка построена так, что текст является предисловием и послесловием, а иллюстрации становятся самостоятельными композициями с конкретной темой. Поезд с вереницей вагонов проносится через все композиции, становясь их четкой ритмической доминантой, которая связывает отдельные сюжеты — пустыни, джунгли, мегаполисы, горные ущелья, восточные города и т. д. Это своеобразное кругосветное путешествие показывает маленькому читателю все многообразие и необъятность мира, но в тоже время утверждает его в возможности и способности постичь этот мир.

В потоке

Ведущий теоретик искусства размышляет об искусстве в эпоху интернета.В течение ХХ века постепенно утратилась вера в стабильность художественных институтов. Соответственно, утратилась и надежда художников на сохранение произведений искусства в музеях, на их доступность для зрителя будущего. В результате искусство стало производить не объекты, а события (от перформанса до социальных проектов). Информация об этих событиях сохраняется в виде художественной документации, которую можно найти прежде всего в интернете.

«Утц» и другие истории из мира искусств

Брюс Чатвин (1940-1989) — британский писатель, работавший в разное время экспертом по импрессионизму в аукционном доме «Сотбис» и консультантом по вопросам искусства и архитектуры в газете Sunday Times. В настоящее издание вошли его тексты, так или иначе связанные с искусством: роман о коллекционере мейсенского фарфора «Утц», предисловия к альбомам, статьи и эссе разных лет. В своих текстах Чатвин, утонченный стилист и блистательный рассказчик, описывает мир коллекционеров и ценителей искусства как особую атмосферу, с другой оптикой и интимными отношениями между произведением и его владельцем или наблюдателем. И сам выступает как коллекционер занимательных фактов, интересных собеседников и забытых имен.

Клер Гобл, Сьюзи Ходж

Почему в искусстве так много голых людей?

«Почему в искусстве так много голых людей?» — информативное пособие, которое дает ответы на разнообразные вопросы об искусстве. Зачем нужны фрукты? О чем эта картина и что нам о ней думать? В этой книге вы найдете ответы на вопросы о том, как искусство помогает воспринимать окружающий мир, — от наскальной живописи до кубизма и от Ренессанса до современного искусства — о разных жанрах, включая натюрморты, пейзажи и портреты, и вопросы о роли и ценности искусства в прошлом и настоящем.

Донна Харауэй

Манифест киборгов

В одной из своих важнейших статей Харауэй утверждает, что всякое знание несет на себе отпечаток того места/позиции/ситуации, в которой оно производится. Это не значит, что при этом оно становится неизбежно субъективным и относительным. Наоборот. Только в том случае, если мы откажемся от того, чтобы играть в God’s trick, размещая себя в качестве бестелесных субъектов-наблюдателей, парящих в высотах абстракции и незаинтересованно окидывающих мир своим всевидящим взором, становится возможной объективность. Ситуационная, частичная, политическая. К тому же, как замечает Харауэй, лучше смотреть не с надмирных высот, а снизу, со дна, из андеграунда, из позиции угнетенных: колонизированных, не-белых, женщин, рабочих, ЛГБТК+, киборгов. Но никакое положение и никакая идентичность не гарантируют привилегированного доступа к истине или чистому опыту.

Партиципаторный музей

Нина Саймон, известный специалист в области организации взаимодействия музеев с публикой, предлагает переосмыслить понятие музея, а вместе с ним и других публичных учреждений культуры — художественных и научно-просветительских центров, исторических мемориалов, библиотек и т. д., — исходя из приоритета зрителя, от степени участия которого в работе этих учреждений напрямую зависит их успех. Решающая роль участия (англ. participation) определяет своеобразие концепции партиципаторного музея. Широкий спектр примеров привлечения публики к активному сотрудничеству и их обстоятельный анализ делает книгу ценным подспорьем для практиков музейной работы.

Александр Пшера

Интернет животных

Еще в древности люди познавали мир, наблюдая за животными и анализируя их поведение. Теперь же, в XXI веке, мы можем делать это совсем на другом уровне. Интернет животных — важнейшее достижение человечества — решает сразу несколько проблем. Во-первых, при помощи него мы становимся ближе к животному миру и лучше понимаем братьев наших меньших. Во-вторых, благодаря этой сенсорной сети мы получаем доступ к новым знаниям и открытиям. В книге представлен подробный анализ «фундаментальных перемен, которые сыграют не меньшую роль для человеческого самосознания, чем открытие жизни на других планетах».

Майк О’Махоуни

Сергей Эйзенштейн

Сергей Михайлович Эйзенштейн (1898–1948) считается одним из величайших режиссеров мирового кино за все время его существования. Кроме того, за последние десятилетия его фигура приобрела дополнительные измерения: появляются все новые и новые материалы, в которых Эйзенштейн предстает как историк и теоретик кино, искусствовед, философ, педагог, художник. Работа британского исследователя Майка О’Махоуни представляет собой краткое введение в биографию этого Леонардо советской эпохи. Автор прежде всего сосредоточивает внимание на киноработах режиссера, на процессе их создания и на их восприятии современниками, а также на политическом, социальном и культурном контексте первой половины XX века, без которого невозможно составить полноценное представление о творчестве и судьбе Эйзенштейна.

Брайан О’Догерти

Внутри белого куба

Опубликованные в 1976 году в журнале «Артфорум» эти провокационные эссе Брайана О’Догерти сразу вызвали ажиотаж. Их обсуждали, комментировали, цитировали и переводили; три номера «Артфорума», в которых они были напечатаны, стали библиографической редкостью. Для нынешнего арт-мира их переиздание является знаковым событием. Настоящая книга включает, помимо трех эссе 1976 года, еще один важный критический текст О’Догерти — «Галерея как жест», — вышедший десять лет спустя.

Виктор Мизиано

Пять лекций о кураторстве

Книга известного арт-критика и куратора Виктора Мизиано представляет собой первую на русском языке попытку теоретического описания кураторской практики. Появление последней в конце 1960-х — начале 1970-х годов автор связывает с переходом от индустриального к постиндустриальному (нематериальному) производству. Деятельность куратора рассматривается в книге в контексте системы искусства, а также через отношение глобальных и локальных художественных процессов. Автор исследует внутреннюю природу кураторства, присущие ему язык и этику. Прочитанный впервые как цикл лекций в московском Институте УНИК текст книги сохраняет связь с устной речью и сопровождается экскурсами в профессиональную биографию автора.

Энди Мерифилд

Ги Дебор

Ги Дебор (1931–1994) был одним из самых интеллектуальных революционеров XX века. Критик урбанизма и режиссер, искатель приключений и активный участник парижских волнений в мае 1968 года, он одновременно обгонял свое время и отставал от него, разрабатывая теории о демократии и политической власти, которые и по сей день не утратили своей злободневности и остроты. Дебор более известен как лидер авангардистского революционного движения Ситуационистский интернационал (1957–1972) и автор памфлета «Общество спектакля» (1967), разоблачающего послевоенное потребительское общество и капитализм.

Винсен Сорель, Ян Маршан

Диоген. Человек-собака

Диоген (413-327 г. до н.э.) Диоген должен непременно меня победить. Он идёт обнажённым среди македонских сокровищ и попирает ногами королевские богатства. Он был могущественным человеком, богаче, чем владыка мира Александр, поскольку он мог отказаться от гораздо большего, чем может дать царь. Сенека «О благодеяниях» 61-63 гг. Бегите на агору, сейчас туда придёт Диоген! Он покусает вас за икры, задерёт лапу и обмочит ваши богатства. От вашего честолюбия ничего не останется! Его не остановить: он в ярости! Даже Александр Великий не сумел с ним совладать. Поскольку Диоген — это настоящая собака, свободная, злая, неутомимая. Но она также лучший друг человека.

Николай Федорович Лапшин, Осип Мандельштам

Шары

«Шары — надувные, резиновые, разноцветные — в России всегда воспринимались как неотъемлемые атрибуты уличного праздника, как метафора счастья рядового горожанина. Искать и находить скрытые смыслы в “Шарах” Мандельштама/Лапшина — занятие соблазнительное, но обойти эту тему можно простым указанием на первоисточник “Шаров” — стихотворение Иннокентия Анненского “Шарики детские” (1910). Лапшину, который, как и Мандельштам, посещал званые четверги “Квартиры номер 5” (1915–1917), объединявшей художников, музыкантов, поэтов символизма, удалось своими рисунками показать юному читателю мир, украшенный нарядными шариками, символами надежды на лучшее». Ильдар Галеев

Дин Макканелл

Турист. Новая теория праздного класса

В своей работе Дин Макканелл (р. 1940), профессор ландшафтной архитектуры Калифорнийского университета в Дейвисе, исследует понятия аутентичности, элитарной и популярной культуры, связанные с построением социальной реальности вокруг феномена туризма, захватившего западный мир во второй половине XX века. Макканелл проявляет интерес к взаимосвязи индивидуального поведения и социальных отношений, изучению «поведения туристов и мест их путешествий, чтобы лучше понять скрытые структуры и значения жизни в конце современной эпохи».

Саймон Кричли

Боуи

В этом коротком и увлекательном путешествии по песням одной из ярчайших мировых поп-звезд Кричли, чьи философские работы повсеместно получают хвалебные отзывы, соединил личную историю того, как Боуи озарил его скучную жизнь в южноанглийском захолустье, с небольшими философскими размышлениями о том, как идеи аутентичности и идентичности преломляются у Боуи. Книга Кричли такая же провокационная и расширяющая сознание, каким был и сам музыкант.

Джорджо де Кирико

Воспоминания о моей жизни

Творчество Джорджо де Кирико (1888–1978), основателя движения «Метафизическая живопись», богато и многообразно. Художник, ярко и самобытно проявивший себя в области живописи, графики, скульптуры и сценографии, оставил также значительный след, как художественный критик и литератор. «Воспоминания о моей жизни» (Memorie della mia vita), первая часть которых вышла в Италии в 1946 году, не только позволяют глубже понять личность де Кирико, но и помогают по-новому интерпретировать богатый загадочными символами живописный мир художника.

Мастерская Альберто Джакометти

Текст посвящен швейцарскому художнику и скульптору Альберто Джакометти (1901–1966), уроженцу итальянской части Швейцарии, родившемуся в семье художника-постимпрессиониста Джованни Джакометти. Жене начал делать записи о Джакометти с самого начала знакомства с ним, то есть с 1954-го года. Книга не следует точной хронологии, а скорее передает впечатления Жене от той или иной встречи с Джакометти или с его произведениями. Этот текст является развитием темы художника, его одиночества, близости его произведений с миром мертвых (Смертью).

Кино

Жиль Делёз, по свидетельству одного из его современников, был подлинным синефилом. «Он раньше и лучше нас понял, что в каком-то смысле само общество — это кино». Делёз не просто развивал культуру смотрения фильма, но и стремился понять, какую роль в понимании кино может сыграть философия и что, наоборот, кино непоправимо изменило в философии. Он был одним из немногих, кто, мысля кино, пытался также мыслить с его помощью. Пожалуй, ни один философ не писал о кино столь обстоятельно с точки зрения серьезной философии, не превращая вместе с тем кино в простой объект исследования, на который достаточно посмотреть извне.

Психогеография

Ги Дебор вместе с единомышленниками разрабатывает сугубо позитивную, радикализирующую поиски современной ему архитектуры программу, которая остается поразительно актуальной и сегодня. Ее основные термины пронизаны духом дематериализации: это психогеография — переосмысление общего представления о городе исходя из того, что его составляют принципиально временные, изменчивые, перетекающие друг в друга атмосферы, порождаемые взаимодействием всех элементов городской среды и чувств живущих в ней людей; дрейф — практика обнаружения этих атмосфер, прокладки новых маршрутов по воле чувств и желаний дрейфующих, а также фиксации этих маршрутов в новой картографии; конструирование или строительство ситуаций (Дебор учитывает оба значения этого слова: местоположение и стечение обстоятельств) — временных и изменчивых, подобно атмосферам, но гораздо более емких, чем прежде, зданий новой архитектуры, возводимых из столь же новых материалов — желаний и чувств.

Мир искусства

Выход «Мира искусства» в 1964 году совпал с «летом свободы» (Freedom Summer), когда многие белые американцы активно присоединились к борьбе чернокожего населения юга страны за свои конституционные права. Для меня было важно, что «Коробки» Уорхола приобрели статус искусства в то время, когда точно такие же коробки продолжали свое существование в тиши повседневности, походя на уорхоловские так же, как черные похожи на белых, то есть будучи в точности такими же. <…> Мне казалось, что изъятие произведений искусства из реального мира и их превращение в объекты незаинтересованного созерцания ничем не отличалось от постановки женщин на пьедестал, превращающего их в предметы украшения. Поэтому я считаю, что и революция поп-арта, и начавшаяся чуть позже феминистская революция были частью общей освободительной борьбы, которая характеризовала шестидесятые годы.

Бобо в раю: Откуда берется новая элита

Книга американского социолога и журналиста Дэвида Брукса посвящена описанию нового класса, возникшего за последние двадцать лет в США. Для обозначения этого класса автор придумал неологизм «бобо» (bourgeois bohemian, богемная буржуазия). Русским читателям более известны другие определения — хипстеры, креативный или образованный класс. Но как бы ни менялись названия или национальная специфика, перед нами новая глобальная элита, соединившая в своем этосе демократизм и элитизм, уважение к образованию и финансовую состоятельность, творчество и корпоративный бизнес. Путеводитель по миру «бобо» — возможность узнать о привычках и происхождении элиты информационного века, то есть возможность понять и принять ее.

Разговоры с Пикассо

«Брассай – живое око», — написал Генри Миллер. Сказанное справедливо не только потому, что автор этой книги – один величайших фотографов. Его взгляд – это взгляд художника, которого ничто не оставляет равнодушным и от которого ничто не ускользает. Но мир слишком разнообразен, чтобы Брассай мог ограничить себя каким-то одним способом выражения. Он оставил нам творения фотографа, но также и художника, рисовальщика, скульптора, кинематографиста и писателя.

Вальтер Беньямин

Бодлер

В настоящем издании впервые собраны все тексты Вальтера Беньямина о Шарле Бодлере – ключевом персонаже в творчестве немецкого мыслителя. Бодлер для Беньямина – главный герой театра «модерна», сквозь фигуру которого, как сквозь призму, просвечивает сеть беньяминовских понятий-метафор, раскрывающих особенности культуры XIX века: фланер, аллегория, сплин, богема, проститутка, буржуа, мода, толпа и т.д. Именно в цикле эссе о Бодлере Беньямин формулирует ключевые идеи собственной культурно-исторической антропологии, оказавшей огромное влияние на современные представления о культуре.

Camera lucida. Комментарий к фотографии

«Camera lucida. Комментарий к фотографии» (1980) Ролана Барта – одно из первых фундаментальных исследований природы фотографии и одновременно оммаж покойной матери автора. Интерес к случайно попавшей в руки фотографии 1870 г. вызвал у Барта желание узнать, благодаря какому существенному признаку фотография выделяется из всей совокупности изображений. Задавшись вопросом классификации, систематизации фотографий, философ выстраивает собственную феноменологию, вводя понятия Studium и Punctum. Studium обозначает культурную, языковую и политическую интерпретацию фотографии, Punctum — сугубо личный эмоциональный смысл, позволяющий установить прямую связь с фотоизображением.

Мари Гринде Арнтцен

Дресс-код. Голая правда о моде

Человеку свойственно себя украшать, и порой в стремлении выделиться он может зайти слишком далеко. Для мира моды характерны не только изысканные туалеты, но и перепроизводство, масштабные экологические проблемы и слепое поклонение брендам. Мода превозносит узкий круг людей, создающих тренды и влияющих на умы миллионов. Мода заставляет потреблять, не задумываясь о последствиях. Мари Арнтцен рассказывает о пятой по величине мировой индустрии «и об одной из величайших и, возможно, самых бессмысленных проблем нашего времени. О том, что такое на самом деле мода. Почему бренды наделяют людей властью. И почему красота так важна в нашей жизни».

Виктор Тупицын

Круг общения

«Круг общения» — не ковчег и не усыпальница. Скорее, это место встречи с «фантомными» персонажами, художниками, критиками и литераторами, с которыми автора этих строк связывали профессиональные и дружеские отношения. Текст книги похож на лоскутное одеяло (quilt). Лоскутность по-английски quilty — слово, знакомое нам по роману Набокова «Лолита», где фигурирует лоскутный персонаж c этой фамилией. Со временем quilt превратился в жанр, и мне удалось напечатать с десяток таких «одеял» в периодических изданиях. Лоскутность — неотъемлемая часть ландшафта культуры, поскольку каждый такой ландшафт представляет собой констелляцию кластерных зон, «кругов общения». Именно в них (и благодаря взаимодействию между ними) происходит воспроизводство культуры.

Антье Шрупп, Пату

Краткая история феминизма в евро-американском контексте

Вызывающая иллюстрированная история феминизма от Античности до настоящего времени и «третьей волны» при участии Сафо, Мэри Уолстонкрафт, Олимпии де Гуж, Симоны де Бовуар и многих других.

Даниэль Шёнпфлуг

Время кометы. 1918: Мир совершает прорыв

Яркой вспышкой кометы оказывается 1918 год для дальнейшей истории человечества. Одиннадцатое ноября 1918 года — не только последний день мировой войны, швырнувшей в пропасть весь старый порядок. Этот день — воплощение зародившихся надежд на лучшую жизнь. Вспыхнули новые возможности и новые мечты, и, подобно хвосту кометы, тянется за ними вереница картин и лиц. В книге известного немецкого историка Даниэля Шёнпфлуга (род. 1969) этот уникальный исторический момент воплощается в череде реальных судеб: Вирджиния Вулф, Гарри С. Трумэн, Арнольд Шёнберг, Махатма Ганди, Рудольф Гесс, Хо Ши Мин и многие другие. Острый взгляд историка помогает увидеть в этом пестром калейдоскопе событий зерна грядущих триумфов и катастроф. Книга одновременно поэтична и поучительна: овеянная образами красных маков на полях Фландрии, она учит распознавать симптомы будущего в самых, казалось бы, далеких от истории событиях.

Генеалогия эксцентриков: от Матабэя до Куниёси

Книга «Генеалогия эксцентриков: от Матабэя до Куниёси», впервые опубликованная в 1970 году, открыла японским читателям ранее неизвестных японских живописцев эпохи Эдо. В центре повествования шесть имен: Иваса Матабэй, Кано Сансэцу, Ито Дзякутю, Сога Сёхаку, Нагасава Росэцу и Утагава Куниёси. Эти художники, ведущие «эксцентричный» образ жизни, демонстрировали авангардность в своих работах, но их долго считали лишь «еретиками» в истории японского искусства. Описывая в достаточно вольной манере биографии шести выбранных живописцев, Нобуо Цудзи прослеживает генеалогию художников дореволюционной Японии, склонных к экспрессионизму, особенностью работ которых было создание эксцентричных и фантастических образов. Книга, неоднократно переизданная, привлекла к забытым именам живописцев и их работам внимание не только в Японии, но и на Западе. А также повлияла на поздние работы известного японского современного художника Такаси Мураками, назвавшего «Генеалогию эксцентриков» книгой, подобной Библии.

Сьюзен Сонтаг

О фотографии

Коллекция эссе Сьюзен Сонтаг “О фотографии” впервые увидела свет в виде серии очерков, опубликованных в New York Review of Books между 1973 и 1977 годами. В книге, сделавшей ее знаменитой, Сонтаг приходит к выводу, что широкое распространение фотографии приводит к установлению между человеком и миром отношений “хронического вуайеризма”, в результате чего все происходящее начинает располагаться на одном уровне и приобретает одинаковый смысл. Главный парадокс фотографии заключается, согласно Сонтаг, в том, что человек, который снимает, не может вмешаться в происходящее, и наоборот – если он участвует в событии, то оказывается уже не в состоянии зафиксировать его в виде фотоизображения.

Искусство смотреть. Как воспринимать современное искусство

Нет ничего зазорного в том, чтобы пристально рассматривать произведение искусства. Даже наоборот: это минимум того, что вы можете сделать. Остановитесь. Дышите. Расслабьтесь. Не думайте, просто смотрите, впустите его в себя. Впитайте окружающую обстановку, ощутите пространство перед собой, освободите сознание, дайте внутреннему монологу отойти на второй план, а глазам — привыкнуть. Когда вы в последний раз позволяли себе такое? Поскольку я художественный критик по профессии, моя работа — препарировать красоту и рассуждать о глубине, но даже мне приходится заставлять себя не спешить с выводами.

Новые медиа в искусстве

Книга американского историка искусства и музейного деятеля Майкла Раша (1949–2015) посвящена революции в визуальном искусстве второй половины XX века, вызванной появлением множества новых техник создания изображений. Автор подробно рассматривает все этапы этой революции от ее предвестий в классическом авангарде до бума видео-арта и цифрового искусства в 1980–2000-х годах.

Новые медиа в искусстве

Книга американского историка искусства и музейного деятеля Майкла Раша (1949–2015) посвящена революции в визуальном искусстве второй половины XX века, вызванной появлением множества новых техник создания изображений. Автор подробно рассматривает все этапы этой революции от ее предвестий в классическом авангарде до бума видео-арта и цифрового искусства в 1980–2000-х годах.

Одинокий город. Упражнения в искусстве одиночества

В тридцать с лишним лет переехав в Нью-Йорк по причине романтических отношений, Оливия Лэнг в итоге оказалась одна в огромном чужом городе. Этот наипостыднейший жизненный опыт завораживал ее всё сильнее, и она принялась исследовать одинокий город через искусство. Разбирая случаи Эдварда Хоппера, Энди Уорхола, Клауса Номи, Генри Дарджера и Дэвида Войнаровича, прославленная эссеистка и критик изучает упражнения в искусстве одиночества, разбирает его образы и социально-психологическую природу отчуждения. Человечный, дерзкий и глубоко проникновенный «Одинокий город» — книга о пространствах между людьми, о вещах, которые соединяют людей, о сексуальности, нравственности и чудодейственных возможностях искусства. Это исследование неведомого и чарующего состояния, оторванного от обширного материка человеческого жизненного опыта, но глубинно присущего жизни как таковой.

Джорджо Агамбен

Автопортрет в кабинете

Это поэтическое эссе одной из главных фигур современной интеллектуальной мысли Джорджо Агамбена (род. 1942). Демонстрируя своему читателю кабинеты, в которых ему приходилось работать, итальянский философ пытается выстроить свой автопортрет через находившиеся там вещи. Для Агамбена рассуждать о себе оказывается возможным только говоря о других: поэтах, философах, художниках, друзьях, которые создали его воспоминания и вдохновили его на письмо. Поэтому автопортрет философа оказывается неразрывно связан с Мартином Хайдеггером и его семинарами в Ле Торе, книгами Ханны Арендт, итальянской интеллигенцией и философскими размышлениями о природе памяти, любви и письме.

Модернизм и современное искусство

Эми Демпси представляет хитросплетения современного искусства, порой отпугивающие зрителей и читателей своей сложностью, в виде понятной карты стилей, школ и направлений. В удобной и наглядной форме ее увлекательная книга описывает шестьдесят восемь наиболее важных направлений в искусстве модернизма и постмодернизма. Каждая глава содержит краткую характеристику направления, анализ одной или нескольких типичных для него работ, а также перечни его основных представителей, проблем и техник, к которым они обращались, и музейных собраний, где можно увидеть их произведения.

Что такое искусство?

Книгу известного американского философа и художественного критика Артура Данто (1924–2013) составляют эссе разных лет, объединенные темой поиска определения искусства. Подходя к этой теме с разных точек зрения, задаваемых столь разными сюжетами, как история модернизма, реставрация росписи Микеланджело в Сикстинской капелле или философия Канта, автор обосновывает необходимость нахождения отличительных признаков искусства, свойственных ему на протяжении всей его истории — от доисторических пещер до наших дней.

Блокнот Бенто

Джон Бёрджер — британский арт-критик, писатель и художник. Его роман «G.» получил Букеровскую премию в 1972 году, а сборник эссе «Ways of Seeing» лег в основу одноименного телесериала на «Би-би-си» и вошел в обязательную программу искусствоведческих отделений университетов Англии и США. «Блокнот Бенто» — книга живого классика — посвящена изучению того, как рождается импульс к рисованию. По форме это серия эссе, объединенных общей метафорой. Бёрджер воображает себе блокнот философа Бенедикта Спинозы, или Бенто (среди личных вещей философа был такой блокнот, который потом пропал), и заполняет его своими размышлениями, графическими набросками и цитатами из «Этики» и «Трактата об усовершенствовании разума».

Вальтер Беньямин

Краткая история фотографии

Три классических эссе («Краткая история фотографии», «Париж – столица девятнадцатого столетия», «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости»), объединенные темой перемен, происходящих в искусстве, когда оно из уникального становится массовым и тиражируемым. Вальтер Беньямин (1892–1940) предлагает посмотреть на этот процесс не консервативных позиций, а, напротив, увидеть в его истоках новые формы социального бытования искусства, новую антропологию «массового зрителя» и новую коммуникативную функцию искусства в пространстве буржуазного мира.

Брюс Альтшулер

Авангард на выставках. Новое искусство в ХХ веке

Книга известного историка искусства, профессора Нью-Йоркского университета Брюса Альтшулера (род. 1949), представляет собой подробный и тщательно документированный обзор главных выставок передового искусства Запада и Востока 1900–1960-х годов. Всесторонне описывая каждую из этих эпохальных экспозиций, от парижского Осеннего салона 1905 года до бернской выставки Харальда Зеемана «Когда отношения становятся формой» (1969), автор вместе с тем выстраивает четкую эволюционную линию, показывающую, как менялись на протяжении XX века формы художественного новаторства и критицизма.

Домашнее чтение: отрывок из книги «Я стану твоим зеркалом»

В совместной серии издательства Ad Marginem и музея современного искусства «Гараж» выходит книга избранных интервью Энди Уорхола — отличная возможность узнать художника еще лучше. Мы выбрали опубликованный в журнале Art Voices разговор о поп-арте

Поп-арт? Это вообще искусство? Откровенное интервью
Энди Уорхола
Art Voices. Декабрь 1962 года

Осенью 1962 года поп-арт вошел в моду, а жизнь Энди Уорхола стала бурной. Летом того же года Уорхол скандально прославился в Лос-Анджелесе, где впервые выставил свою серию картин «Банки супа Campbell’s», но до сотрудничества с крупными нью-йоркскими галереями пока не дошло. И вот ситуация изменилась: Уорхолу неожиданно предложили устроить сольную выставку в авторитетной галерее Stable. Итак, в ноябре он показал там шелкографии с Мэрилин Монро, изображения банок консервированного супа, долларовых купюр и бутылок кока-колы. Арт-сообщество расхвалило выставку, а затем все работы с нее нашли своих покупателей. Так Уорхол оказался в авангарде молодого художественного течения.
Когда сольная выставка еще не закончилась, Уорхола позвали участвовать в групповой выставке «Новые реалисты» в солидной галерее Sidney Janis. Эта выставка обсуждалась бурно, как ни одна другая в тот сезон, и стала поворотным моментом для нью-йоркского арт-сообщества: этакой символической «сменой караула». Галерея Sidney Janis, в пятидесятые годы ХХ века сделавшая себе имя на выставках абстрактных экспрессионистов (то есть предыдущего поколения художников), внезапно заключила альянс с совершенно другим течением: начала устраивать дебютные выставки таких новичков, как Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и Клас Олденбург. Новый стиль вначале не имел названия, но спустя несколько недель — собственно, 13 декабря, на симпозиуме критиков, коллекционеров, арт-дилеров и художников в нью-йоркском Музее современного искусства (MоMA) — был наречен поп-артом.
Нижеследующее интервью, которое мы нашли в небольшом художественном журнале, уловило дух времени. В нем звучит характерная фраза: «Не любовь, а поп-арт захлестывает страну». (Отсылка к песне «Страну захлестывает любовь», которая впервые прозвучала в сатирическом политическом мюзикле Джорджа и Айры Гершвинов «Я о тебе пою». В спектакле исполняется в честь кандидата в президенты, политическая программа которого сводится к идее «любви». — Примеч. пер.) В этом интервью Уорхол впервые использует многие стратегии: уклончивость, пассивность, отзеркаливание, к которым с завидным постоянством будет прибегать в последующие двадцать пять лет.

Процитируем фрагмент введения к интервью, где описывается атмосфера: «Мы навестили Уорхола в его студии и нашли, что этот молодой человек — настоящий оригинал. Он чудаковат и язвителен, вовлечь его в серьезный разговор совершенно невозможно. С ним не соскучишься. Мы ему говорим: давайте мы вас проинтервьюируем как официального представителя поп-арта, а он говорит: нет, давайте я вас проинтервьюирую. Мы сказали: нет, давайте это мы возьмем интервью у вас. Ну ладно, сказал он, но только при условии, если я смогу отвечать на ваши вопросы только «да» или «нет». Мы сели на диван в окружении новых холстов с Мэрилин Монро и Троем Донахью (последнего Уорхол числит среди своих любимых кинозвезд, хотя ни разу не видел его на экране). Повсюду валялись журналы о кино, бейсболе и культуризме. На книжных полках, абсолютно свободных от книг, размещались банки с пивом и фруктовым соком, бутылки от кока-колы. Все время звучали поп-шлягеры из репертуара музыкальных автоматов, так что, задавая свой первый вопрос, мы пытались перекричать песню «Пускай прольется много слез — что ж, так велит игра»». (Строки из песни Томми Эдвардса It’s All In The Game, хита номер один в 1958 году). (Здесь и далее, кроме специально указанных случаев, примеч. составителя.)

ВОПРОС: Что такое поп-арт?
ОТВЕТ: Да.
ВОПРОС: Хороший метод брать интервью, а?
ОТВЕТ: Да.
ВОПРОС: Поп-арт — это сатирический взгляд на американскую жизнь?
ОТВЕТ: Нет.
ВОПРОС: Мэрилин и Трой — значимые фигуры для вас?
ОТВЕТ: Да.
ВОПРОС: Почему? Это ваши любимые кинозвезды?
ОТВЕТ: Да.
ВОПРОС: По вашим ощущениям, вы вдыхаете жизнь в мертвые клише?
ОТВЕТ: Нет.
ВОПРОС: Есть ли какая-то связь между поп-артом и сюрреализмом?
ОТВЕТ: По-моему, нет.
ВОПРОС: Это не односложный ответ. Вам надоела наша игра в односложные ответы?
ОТВЕТ: Да.
ВОПРОС: Влияют ли на вас рекламные щиты?
ОТВЕТ: По-моему, они прекрасны.
ВОПРОС: Бросают ли поп-артовцы вызов абстрактному экспрессионизму?
ОТВЕТ: Нет, я его люблю.
ВОПРОС: Влияют ли поп-артовцы друг на друга?
ОТВЕТ: Об этом пока рано говорить.
ВОПРОС: Вы не на пресс-конференции Кеннеди. Поп-арт — отдельная школа?
ОТВЕТ: Не знаю, есть ли уже школа.
ВОПРОС: Насколько поп-арт близок к хеппенингам?
ОТВЕТ: Не знаю.
ВОПРОС: Что пытается сказать поп-арт?
ОТВЕТ: Не знаю.
ВОПРОС: Что означают ваши ряды банок супа Campbell’s?
ОТВЕТ: Это штуки, которые были у меня в детстве.
ВОПРОС: Что для вас значит кока-кола?
ОТВЕТ: «Поп». (Возможно, ответ содержит каламбур. Одно из значений английского слова pop — «хлоп» (отрывистый звук лопающегося пакета, взрывающегося пистона, открывающего предохранительного клапана, извлекаемой из бутылки пробки и т. д., хлоп, бух). — Примеч. пер.)

Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.

Купить билет

Самые интересные книги о жизни и творчестве Энди Уорхола

Энди Уорхолу, основателю поп-арта, эпатажному художнику, дизайнеру и одному из самых ярких творцов прошлого века, сегодня исполнилось бы 93 года. Рассказываем, что еще почитать о жизни и творчестве гения, кроме знаменитой «Философии Энди Уорхола (От А к Б и наоборот)»

«ПОПизм. Уорхоловские 60-е», Энди Уорхол, Пэт Хэкетт 

60-е стали особенным десятилетием в культуре: сексуальная революция, поп-арт, андеграунд и психоделия — этот уникальный период изменил мир. В центре Америки 60-х стоял Уорхол — он начал создавать свои полотна с банками супа Campbell’s и Мэрилин Монро, основал культовую «Фабрику», куда приходили абсолютно все: от Боба Дилана и Лу Рида с Тhe Velvet Underground до Нико и Эди Седжвик. Книга «ПОПизм» — личный взгляд художника на феномен 60-х в Нью-Йорке: «Мы с Пэт реконструировали десятилетие начиная с 1960 года, когда я только начал создавать свои поп-арт-полотна. Это воспоминание о том, какой была моя жизнь и жизнь моих друзей, ретроспективный взгляд на живопись, кино, моду, музыку, знаменитостей и отношения, определявшие атмосферу нашей манхэттенской студии, известной на весь мир как «Фабрика»».

«Америка», Энди Уорхол

Уорхол оставил след и в искусстве фотографии. Посмотреть на самые удивительные кадры, которые гений снимал на протяжении 10 лет в США, можно в книге «Америка». Энди отобрал для издания снимки рестлеров, политиков, богачей, бедняков и помешанных на имидже знаменитостей, среди которых Трумэн Капоте со шрамами от подтяжки лица и Мадонна, прячущаяся за нестандартной прической. В этой книге фотографий Уорхол не только показывает свои самые интересные кадры, но и высказывает глубоко личные мысли о красоте, славе и любимой стране.  

«Я стану твоим зеркалом. Избранные интервью Энди Уорхола. 1962–1987», Кеннет Голдсмит

Книга «Я стану твоим зеркалом», названная в честь одноименной песни Тhe Velvet Underground, — одна из самых важных для изучения личности и творчества художника. В нее включены наиболее важные интервью, взятые у Уорхола писателями и журналистами в 60-е, 70-е, 80-е годы. «Если вы хотите узнать все-все об Энди Уорхоле, просто взгляните на поверхность: поверхность моих картин, моих фильмов и меня самого, вот он я. А под ней ничего нет», — говорил Энди Уорхол, давая интервьюерам пространство для воображения, а порой и меняясь с ними местами.

«Дневники Энди Уорхола. 1976–1987», под редакцией Пэт Хэкетт

В этой книге перед читателями раскрывается последнее десятилетие в жизни художника. Энди Уорхол вел эти дневники с ноября 1976 года до последней недели своей жизни, когда по неизвестным причинам скончался в Нью-Йорке после операции. На страницах дневников он откровенно и остроумно делился впечатлениями о вечеринках, походах в «Студию 54» и путешествиях, рассказывал о своих расходах за день и описывал встречи с Лайзой Минелли, Миком Джаггером, Жан-Мишелем Баския, Джимом Моррисоном, Мохаммедом Али, Йоко Оно и другими культовыми личностями, входившими в его круг общения.

«Гениальный Уорхол», Кэтрин Инграм

«Гениальный Уорхол» понравится тем, кто изучил жизнь и творчество Энди вдоль и поперек, но все еще хочет пополнить свою коллекцию изданий о художнике. Книга состоит из репродукций картин, комиксов, ярких и точных иллюстраций и емких вкраплений текста, она рассказывает о его знаменитых картинах и проектах, демонстрирует читателю самые важные составляющие личности Уорхола и повлиявшие на него события. Над «Гениальным Уорхолом» работали искусствовед Кэтрин Инграм и иллюстратор Эндрю Рэ. Авторам удалось показать невероятные факты из биографии художника, опираясь на визуальную составляющую.

«Уорхол: Биография», Виктор Бокрис

«Уорхол: Биография» рассказывает о жизни Энди со слов его друга и резедента «Фабрики» Виктора Бокриса. Он подробно описывает семейную историю и детство гения и делится честными историями о его проектах, знаменитых друзьях, личной и профессиональной жизни. В этой биографии его путь кажется коллажем из эстетики, смелых творческих задумок, бизнес-стратегий, влюбленностей и трагедий — вероятно, именно таким Уорхола знали его близкие. 

Поп-арт. ТАШЕН Книги

Сюжеты Поп-арта лежат в банальных и повседневных предметах , которые нас окружают; консервные банки и комиксы, кинозвезды и заправочные станции. Охватывая период с середины 1950-х годов и продолжающийся до наших дней, движение поп-арт бросило вызов самим основам изобразительного и «высокого» искусства. Придуманные из поп-культуры, произведения искусства этой эпохи использовали в качестве материала массовую культуру , подвергали сомнению роль художника и применяли приемы, связанные с методами механического воспроизведения.

Поп-арт возник как реакция на идеи абстрактного экспрессионизма, который отдавал предпочтение субъективному опыту и подчеркивал уникальный подход индивидуального художника. Вместо этого художники поп-музыки создавали произведения, которые отрицали возможность оригинальности и во многих случаях были копиями или серией повторений, например, трафаретные отпечатки Энди Уорхола Мэрилин Монро или Плачущая девушка Роя Лихтенштейна, симулякры иллюстрации из комикса . . В произведениях искусства использовалась реклама, журналы, знаменитости, маркировка, логотипы, найденные изображения и объекты, а также типографика коммерческого графического дизайна.Поп-арт также можно идентифицировать по характеристикам иронии, китча и стилизации, что делает его отчетливо постмодернистским движением .

Будь то глянцевые копии или фрагментарные повествования, поп-исполнители, такие как Кит Харинг, Джефф Кунс, Ричард Гамильтон, Клас Ольденбург, Эд Руша, Роберт Индиана, Джаспер Джонс и Билли Эппл, создали самые разнообразные работы. TASCHEN отражает широту поп-музыки в книгах , посвященных группе в целом, а также в книгах Basic Art Series о выдающихся артистах.Многие из книг TASCHEN взаимодействуют с наследием поп-арта, например, обложка Аллена Джонса для монографии Наоми Кэмпбелл или SUMO Дэвида Хокни. Отмечая середину искусства двадцатого века , поп-музыка продолжает помогать нам понимать мир, в котором мы живем — мир, в котором границы искусства и жизни продолжают стираться.

Поп-объект: Традиция натюрморта в поп-арте

Большой обзор поп-арта из частных коллекций.Опубликованный по случаю одноименной выставки, «Поп-объект» представляет собой наиболее полный обзор поп-арта, организованный по темам и историческим прецедентам, с такими классическими работами, как мыльные подушечки Brillo Энди Уорхола, баночка для печенья Oreo Роберта Арнесона, Claes «Пирог в стиле моды» Ольденбурга, «Черные цветы» Роя Лихтенштейна и «Машина Гамбола» Уэйна Тибо. Эта крупноформатная книга с более чем 90 цветными иллюстрациями объединяет наиболее важные примеры работ художников Джаспера Джонса, Джима Дайна, Марисоль, Класа Ольденбурга, Роберта Раушенберга, Джеймса Розенквиста, Уэйна Тибо, Энди Уорхола, Тома Вессельмана и многих других. другие, с 1960-х годов по настоящее время.Натюрморт часто был пасынком пейзажной, исторической и фигуративной живописи. Изучая такие темы, как еда и напитки, предметы домашнего обихода, цветы и части тела, известный искусствовед Джон Уилмердинг подчеркивает игривость Попа и обновляет историю движения.

Джон Уилмердинг — почетный профессор американского искусства Сарофима в Принстонском университете. Он является председателем попечительского совета Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.C., попечитель Музея Гуггенхайма и Музея американского искусства «Хрустальные мосты». Он является автором многих книг, в том числе монографий об Уэйне Тибо, Томе Вессельманне, Ричарде Эстесе и Роберте Индиане.

  • Дата публикации: 09 апреля 2013 г.
  • Формат: Твердый переплет
  • Категория: Искусство — коллекции, каталоги, выставки — общее
  • Издатель: Риццоли
  • Размер отделки: 9-3/4 x 12-1/4
  • Страниц: 288
  • Цена США: 75 долларов.00
  • CDN Цена: $80.00
  • ISBN: 978-0-8478-3967-4
« The Pop Object — впечатляющее новое издание в твердом переплете от Rizzoli. Здоровенный 248-страничный том большого формата представляет собой крупный обзор поп-арта с 60-х годов до наших дней.». ~ TypoGraphical

Автор Книжная полка: Джон Вилмердинг

Поп-арт | Издательство Йельского университета

Современные перспективы

Предисловие Джона Уилмердинга; Введение Хэла Фостера; Очерки Джоанны Бертон, Кевина Хэтча, Сюзанны Хадсон, Алекса Китника, Джулии Э. Робинсон и Дайаны К. Туите

Анонс новой серии монографий Художественного музея Принстонского университета:
Монографии Художественного музея Принстонского университета — это новая серия всесторонних исследований богатых коллекций музея.Красиво оформленные и изданные, эти книги ведущих и начинающих ученых предлагают новые идеи и взгляды на одну работу или группу работ из выдающейся постоянной коллекции Принстона.
Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Клас Олденбург, Том Вессельманн, Роберт Индиана и Алекс Кац определили движение поп-арта, возникшее в Америке в 1960-х годах. Эта прекрасно иллюстрированная книга посвящена 40 малоизученным и редко встречающимся поздним картинам, работам на бумаге и скульптурам этих влиятельных художников из коллекции Художественного музея Принстонского университета.
Поп-арт предлагает свежий взгляд на то, как художники радикально изменили средства живописи и скульптуры. Например, Лихтенштейн позиционируется как классический «студийный художник»; Показано, что Вессельманн игриво увлечен академическими жанрами; и Индиана интерпретируется не столько как поп-артист, сколько как народный артист в контексте массовой культуры. Эта важная книга также содержит увлекательное введение Хэла Фостера, которое помещает эти новые интерпретации в контекст истории поп-арта и его критической литературы.

Джон Уилмердинг — Кристофер Биньон Сарофим, профессор американского искусства 1986 года на факультете искусства и археологии Принстонского университета. Хэл Фостер — Таунсенд Мартин, профессор искусства и археологии 17 лет и заведующий кафедрой в Принстоне. Джоанна Бертон , Кевин Хэтч , Сюзанна Хадсон , Алекс Китник , Джулия Робинсон и Дайана Туите недавно получили степень доктора философии.D. или являются текущими докторантами факультета искусства и археологии Принстонского университета.

РАСПИСАНИЕ ВЫСТАВОК

Художественный музей Принстонского университета (24 марта – 12 августа 2007 г.)

«Любой — специалист или кто-либо другой — заинтересован в доступном критическом взаимодействии с движением, найдет здесь щедрые награды». Publishers Weekly

получил почетное упоминание в конкурсе дизайна публикаций Американской ассоциации музеев 2007 г.

ISBN: 9780300122121
Дата публикации: 28 апреля 2007 г.
Партнер-издатель: Распространено для Художественного музея Принстонского университета

160 страниц, 7 1/2 x 10 1/2
45 ч/б + 96 цветных иллюстраций.

Поп-арт | Тейт

Возникнув в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Америке, поп-арт достиг своего пика в 1960-х годах. Это началось как бунт против господствующих подходов к искусству и культуре и традиционных взглядов на то, каким должно быть искусство. Молодые художники чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и то, что они видели в музеях, не имело ничего общего с их жизнью и тем, что они видели вокруг себя каждый день. Вместо этого они обратились за изображениями к таким источникам, как голливудские фильмы, реклама, упаковка продуктов, поп-музыка и комиксы.

В 1957 году поп-художник Ричард Гамильтон перечислил «характеристики поп-арта» в письме своим друзьям, архитекторам Питеру и Элисон Смитсон:

Поп-арт — это: Популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), Преходящее (краткосрочное решение), Расходный материал (легко забываемый), Низкая стоимость, Массовое производство, Молодой (направленный на молодежь), Остроумный, Сексуальный, Бесполезный, Гламурный, Большой бизнес

Модернистские критики были в ужасе от использования артистами поп-музыки такого «низкого» сюжета и их явно некритического отношения к нему.На самом деле поп-музыка вывела искусство в новые области предмета и разработала новые способы его представления в искусстве, и его можно рассматривать как одно из первых проявлений постмодернизма.

Американская поп-музыка против британской поп-музыки

Хотя они были вдохновлены схожей тематикой, британская поп-музыка часто рассматривается как отличная от американской поп-музыки.

Ранний поп-арт в Британии питался американской популярной культурой, рассматриваемой на расстоянии, в то время как американские художники вдохновлялись тем, что они видели и переживали, живя в этой культуре.

В Соединенных Штатах поп-стиль был возвращением к репрезентативному искусству (искусству, которое изображало визуальный мир узнаваемым образом) и использованию резких краев и четких форм после живописной расплывчатости абстрактного экспрессионизма. Используя безличные, обыденные образы, поп-артисты также хотели отойти от акцента на личных чувствах и личном символизме, который был характерен для абстрактного экспрессионизма.

В Великобритании движение было более академическим по своему подходу. Используя иронию и пародию, он больше сосредоточился на том, что представляли американские популярные образы, и на их силе в манипулировании образом жизни людей.Художественная группа 1950-х годов The Independent Group (IG) считается предшественником британского движения поп-арт.

Искусство / Книги | Издатели прекрасно иллюстрированных книг

Искусство Ричарда Гамильтона

Майкл Брейсуэлл

Ричард Гамильтон был одним из самых влиятельных художников своего поколения. Его часто называют «отцом поп-арта», он создавал многослойные работы, в которых исследовал и кристаллизовал послевоенное общество потребления и «поп-культуру» в попытке «связать все, что происходит в мире».Основополагающие работы, такие как его коллаж 1956 года . Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , картина 1965 года Моя Мэрилин и скриншоты, основанные на пресс-фотографии ареста по обвинению в наркотиках Мика Джаггера и Роберта Фрейзера, Swinginging London 67 , определили эпоху, в которой появились новые товары и технологии, средства массовой информации и знаменитость вышла на первый план и бросила вызов иерархическим ценностям «высокого» и «низкого» искусства. Его новаторская работа с инсталляцией и выставочным дизайном продолжает влиять на художественную и кураторскую практику и по сей день; и его важность для областей, выходящих за рамки современного искусства, была продемонстрирована, когда он разработал радикальную упаковку «Белого альбома» The Beatles в 1968 году.Однако его окончательной приверженностью были способности к рисованию.

В этой прекрасной книге известный писатель Майкл Брейсуэлл представляет краткое введение в жизнь этого очень сложного художника. Писая с личной точки зрения, он обсуждает всеобъемлющую работу Гамильтона в отношении музыки, кино и популярной культуры того времени в богатой и блестящей новой интерпретации его искусства и идей. Он охватывает весь спектр практики художника, включая примеры из различных медиа, в которых он работал — коллаж, печать, живопись, рисунок, скульптура, фотография и инсталляция — а также различные предметы, которые он затрагивал до своей смерти в 2011 году.Брейсвелл фокусируется на ключевых работах, таких как серии My Marilyn и Swingeing London 67 ; изображения, созданные в ответ на крайне напряженные текущие события, а также политические и социологические события, включая Kent State и The Citizen ; а также коллажи, гравюры и картины, посвященные индустрии моды и рекламы. Он также рассматривает иллюстрации Гамильтона к роману Джеймса Джойса « Улисс », его сотрудничество с Марселем Дюшаном, его работу с The Beatles и значение его явно незаконченной последней работы, которая сама по себе является поиском состояния «совершенства» в масляной живописи.Этот привлекательный том, содержащий цитаты из произведений и интервью художника, понравится всем, кто хочет понять знаковые и новаторские работы Гамильтона и его непреходящее культурное наследие.

Майкл Брейсвелл является автором шести романов и двух научно-популярных произведений, включая новеллы The Crypto-Amnesia Club (1988) и Perfect Tense (1999). Он много писал о современном искусстве и внес свой вклад в каталоги музейных выставок работ Ричарда Гамильтона, в том числе в лондонской галерее Серпентин (2010 г.) и Национальной галерее в Лондоне (2012 г.).Сборник работ Брейсвелла об искусстве «Пространство между » был опубликован в 2011 году.

 

Али Смит на пике популярности поп-исполнительницы Полины Боти | Книги

БУМ, 1966 г., холст, масло

Очень дерзкая картина. Мультяшная традиционная театральная арка авансцены со свитками, колоннами и имперским гербом, окруженная развернутыми флагами, обрамляет сцену, пространство которой буквально заполнено гигантским мясистым обнаженным женским задом.Внизу, ярко-красные, отскакивающие от синих, зеленых и белых полос, три массивные буквы составляют слово БУМ, а в самом верху картины два крошечных любовных сердечка в таком же ярко-красном цвете выглядывают из-за крыши сцены, щеголяя ягодицами. кривые.

БУМ, 1966, холст, масло, Полина Боты. Фотография: Галерея Pallant House

Это смехотворный сюрприз. Он буквально обнажает заднюю часть на условном обозначении. Производительность, моя задница.

Это также последняя сохранившаяся картина Полины Боти.Кем был Боти? Обычная версия трагична; она была яркой молодой женщиной, великолепной и жизнерадостной, которая умерла молодой и трагической смертью в 1966 году от рака в возрасте всего 28 лет. Трагедия усугубляется обстоятельствами; рак был обнаружен во время осмотра беременных. Ей предложили сделать аборт, чтобы она могла пройти лучевую терапию (без аборта — без лечения, таков был закон), но она отказалась от обоих вариантов в пользу ребенка. Она умерла в июле 1966 года, менее чем через пять месяцев после рождения дочери.Десятилетия после ее смерти были полны сопутствующей ей печали: ее муж, литературный агент Клайв Гудвин, трагически погиб в конце 70-х в США, затем их дочь Боти Гудвин, ставшая художницей. от передозировки и умерла в ночь после выпуска почти такой же молодой, как и ее мать.

Но давайте вернемся назад, стряхнем с себя грусть и вернемся к жизни, которая привела к остроумному ответу традициям. «Привидение, прекрасное видение того, какой прекрасной и обширной может быть жизнь», — говорит о ней писатель, куратор и искусствовед Дэвид Алан Меллор.«Вроде как Оскар Уайльд, создавая Дориана Грея, выразился: у каждого возраста есть свое воплощение, и никакого давления, Дориан, — ты ОНО. Ну, она была ОНО. Она была его воплощением».

В первые годы 1960-х яркая, умная и поразительно красивая Боты уже переросла обычные возможности девушки из полуфабриката в пригороде Каршалтона. Телевизионный и театральный актер; театральный художник; ранний левый активист; громкий и остроумный протестующий против послевоенной самобытной архитектуры; энергичный, протофеминистский, язвительный обозреватель культуры, современности и гендера и даже один из первых интервьюеров «Битлз» в радиопрограмме BBC The Public Ear ; аккредитованная танцовщица телепрограммы Ready Steady Go! ; а также, как полагают, модель для свободолюбивого персонажа Лиз (которую играет Джули Кристи) в фильме Джона Шлезингера 1963 года Билли Лжец .

Ходят слухи, что Боб Дилан написал песню о Боти под названием «Ливерпульская девочка». Они познакомились суровой унылой зимой 62-63 года, еще до того, как Дилан прославился, когда он приехал в Великобританию сниматься в драме (давно стертой). И если вы когда-нибудь видели Alfie Льюиса Гилберта (1966), то вы видели 20 или около того секунд ее в незарегистрированном и радостном моменте пощечины с Майклом Кейном за решеткой одежды в сухом белье. чистящие средства. К моменту съемок она уже была беременна, у нее уже диагностировали рак.

Но помимо всей этой вихревой энергии – помимо короткой жизни, слишком ранней смерти, легенд, слухов, яркого и новаторского нового духа 60-х, который она не просто воплощала, но, кажется, буквально имела помогла создать, Боти была и всегда будет первой и единственной британской поп-исполнительницей, которой довелось быть женщиной.

Ей оставалось всего несколько месяцев до конца жизни, когда она нарисовала свой тупик театра ; это была первая работа Кеннета Тайнана по более крупному заказу для его постановки « О, Калькутта!». , спроецированный балет в стиле поп-арт, визуально оформленный ею.Больше не было. Она знала, что умирает.

Какой же путь, однако, в этом откровенно комическом жесте – жизненном, вдумчивом, вызывающем, чувственном, красивом, ярком и непристойном:

БУМ.

Color Her Gone, 1962, оргалит, масло

Поп-арт упивается, восхищает и преображает одноразовое. Он вырос из вновь открывшейся чувствительности его артистов к поп-мусору повседневности, из культуры многократного тиражирования образов, кино- и музыкальных икон, рекламы, комиксов, журналов, сигаретных пачек, пивных подставок, хлама — проявления того, что Сама Боты назвала это «ностальгией по СЕЙЧАС»: «Это почти как рисовать мифологию, — сказала она, — мифологию сегодняшнего дня — кинозвезды и т. д.… боги и богини 20-го века.Люди нуждаются в них и мифах, которые их окружают, потому что они обогащают их собственную жизнь. Поп-арт окрашивает эти мифы».

Но нам повезло, что спустя 50 лет сохранились работы Боти. То, что оно само не превратилось в обломки, во многом обязано трем людям: Меллору, искусствоведу-феминистке и лектору Сью Тейт и покойному кинорежиссёру Кену Расселу.

Нам повезло, что спустя 50 лет у нас сохранились работы Боти, отчасти благодаря режиссеру Кену Расселу

В 1962 году Рассел снял 45-минутный фильм для шоу искусств BBC Monitor под названием Pop Goes Мольберт о четырех подающих надежды молодых поп-артистах: Питере Блейке, Дереке Бошире, Питере Филлипсе и Боти. Pop Goes the Easel никогда не переставал быть оригинальным. Такого фильма еще не было. Кроме того, это был первый телевизионный документальный фильм, в котором поп-музыка использовалась в качестве саундтрека, и, как и большинство телевизионных работ Рассела, он был не только поразительно оригинальным для своего времени, но и до сих пор остается спустя более 50 лет.

Своим первым взглядом на Боти и ее работу я обязан Расселу; Осенью 2008 года я проводил время в гостинице на Джерси, оказалось, что телевизор включен, а BBC4 повторяет знаменитые эпизоды Monitor .Британская поп-исполнительница? Действительно? Почему я не знал, что такое было?

Жизнь продолжается. Время прошло. Шесть лет спустя мне довелось увидеть репродукцию картины под названием « Раскрась ее, она ушла »: дикое и разрушительное, но все же какое-то безмятежное сочетание абстракции и фигуративности, серых и ярко-красных и розовых, зеленых и розовых абстрактных завихрений, на центр которого полоса фигурации была накинута или сумела прервать абстракцию, возможно, устояв против нее, чтобы в любую минуту быть затмеваемой ею. На этой полосе пышное, теплое изображение Мэрилин Монро нарисовано на фоне того, что похоже на обои с узором из раскрытых роз, за ​​исключением того, что в нижней части изображения обои оторвались от стены и обвились вокруг груди и сердца Монро. , обнимая или собираясь поглотить ее.

Картина была упражнением – тем более удивительным из-за своего глубокого спокойствия – в удержании парадоксальной позиции против шерсти, вопреки всему. Название также привлекло мое внимание, потому что мне всегда нравилась песня Эбба и Кандера «Моя книжка-раскраска», за исключением того, что здесь последняя строчка: «Раскрась его ушел».Кто был его художником? Полина Боти. ВОЗ? Ах. Я вспомнил Pop Goes the Easel . Я посмотрел в Google, чтобы найти еще несколько фотографий. Были некоторые; многого не было. Затем я удивился, почему ни одна из ее онлайн-работ не датирована 1966 годом. Каждому из художников Рассел выделил примерно четверть шоу, который тесно работал с каждым над его или ее видением кинопортрета. Он посещает студии всех четырех художников, затем следует за каждым, а также снимает их вместе, когда они собирают вещи с прилавков на уличном рынке, бродят по заброшенной ярмарке, а затем танцуют на вечеринке в художественной школе.

Boty’s — безусловно, самая дикая, самая экспериментальная, сюрреалистичная и привлекательная часть, которая до сих пор кажется странной. Ей интересно, говорит она, показывая коллаж, где тонет массивный океанский лайнер, но как бы в пасторальной сцене, поле, полном пасущихся овец, в моменты, когда «происходит что-то очень экстраординарное, но все вокруг не вообще не обращая на это внимания». Трое других художников играют с игрушечными пистолетами, разъезжают, разрисовывают двери, флаги и Американу.Боти, наоборот, погружает нас с головой в сон, и когда сон превращается в кошмар, она бьет его по лицу, просыпается в том, что теперь представляет собой многослойное повествование о мире грез и обыденности, одетая в цилиндр и смокинг. , она причудливо имитирует в полной взрослой сладострастности детским голосом Ширли Темпл, поющую «On the Good Ship Lollipop», пока сам экран не разрывается мультяшным взрывом.

«Это мужской мир I», 1964, холст, масло с коллажем, Полина Боти. Фотография: Поместье Полины Боти

Меллор помнит, как в 1963 году ему было 13 лет, и он был полностью очарован Поп идет к мольберту и Боти – до степени, изменившей его жизнь.«Это было что-то совершенно другое. Он обещал Англии на пороге чего-то прекрасного. Формировался новый мир». Между тем жизнь продолжалась, время шло. Боти жила, умерла, и ее работы, очень влиятельные и высоко ценившиеся при ее жизни, просто исчезли из поля зрения общественности после ее смерти. В конце 1980-х, работая куратором с Джоном Хулом в Барбикане, Меллор интенсивно начал поиск работ Боти. «Вокруг не было картин». Он провел некоторую детективную работу и связался с дочерью Боты, которой тогда было около 20 лет.

«Она сказала: «Нет, они все еще существуют, они все еще там, на ферме моего дяди», — вспоминает он. «Однажды воскресным утром мы поехали на ферму. Вот они все, затянутые паутиной, все свалены к стене, в сарае, в пристройке. Я был так тронут этим. Боты, однако… Я часто не могу начать говорить об этом из-за трагедий. Боты вышли из флигеля, она вышла из флигеля. У нее было больше причин для преодоления, чем у меня. Вся живость ее матери.

По прошествии десятилетий картины были перевезены с чердака во флигель.«Я должен подчеркнуть, что семья заботилась о фотографиях. Фотографии нужно немного освежить, вот и все». Барбакан предложил очистить и сохранить их, и Меллор выставил их там в 1993 году на выставке Art in 60s London , которую посетил тогдашний студент, а ныне специалист по Boty Тейт.

Тейт все еще был взбешен посещением двумя годами ранее огромной ретроспективы Pop Art в Королевской академии, особенно «несоответствием между многочисленными изображениями женщин, обычно сильно сексуализированными, часто сведенными к овеществленным частям тела, и отсутствие женщин-художниц, создающих образы (позже я посчитал – из 202 работ – только одна женщина).Она встретила Меллора, они обменялись контактами, и она нашла еще одну работу «за шкафом у своего брата, на кухне другого фермерского дома». Она нашла «картины, альбомы для рисования, коллажи», в том числе картину 1966 года BUM , которую она обнаружила «в камере хранения» под некоторыми квартирами в западном Лондоне. Она и Меллор совместно работали над каталогом Полин Боти: Единственная блондинка в мире (1998), за которым затем Тейт последовала полноформатная биографическая и критическая монография Полин Боти: поп-артистка и женщина (2013).

Эти тома и сопутствующие им британские и международные выставки положили начало задаче утверждения места Боти в каноне, из которого она фактически полностью исчезла.

Это мужской мир I, 1964, холст, масло с коллажем
Это мужской мир II, 1964/5, холст, масло

Но не все думают, что работа Боти заслуживает места в каноне. Меллор помнит сбивающую с толку, расслабляющую и враждебную реакцию прессы на шоу 1993 года.В особенности, однако, он вспоминает, что его собственное плохое настроение значительно поднялось, когда художник, культурный критик и активистка Кэролайн Кун «разорвала» Вальдемара Янущака, тогдашнего арт-критика из Guardian, в программе BBC2 The Late Show за его вопиющий сексизм по поводу Боти; Янушчак заявил, что, поскольку она такая «плохая» и «деривативная» художница, статус Боти как «птички-куколки» — единственное, что кого-то может в ней заинтересовать. «Производная от кого? Нарисовано плохо по каким критериям?» — спросил Кун.

Конечно, никто из представителей обоих полов не занимался тематическими и формальными работами, как Боти. Тейт отмечает, что она разработала свой «отличительный стиль» фотореалистичной живописи, напоминающий коллаж, в 1962 году, и никто не критиковал гендер, не критиковал использование гендера в массовой культуре, не было ни одного художника, выражающего или , критикующего особое удовольствие женщин от новая послевоенная массовая культура, конечно, ни один поп-артист не обращал внимания на женское сексуальное удовольствие. «О, на фу…» со смехом заявляет картина Боти 1963 года, 54321 , на которой Ready Steady Go! Ведущая Кэти Макгоуэн весело запрокинула голову.

Боти стала одной из первых художниц-феминисток, которая сделала то, что вскоре стало феминистским приемом: использовала свое тело как средство для своего искусства, позируя перед ее работами фотографам, которых отправили в студию для съемки « аномалия» художницы, которая к тому же была потрясающей блондинкой. Боти стала руководить их съемками, иногда с радостью раздеваясь, пока они держали ее работу в центре кадра. (Это не всегда срабатывало; газеты имели тенденцию обрезать девушку, вырезая произведения искусства.)

Вот типичная современная риторика: «У актрис часто маленькие мозги. Художники часто носят большие бороды. Представьте себе умную актрису, которая также является художницей и блондинкой, и у вас есть ПОЛИНА БОТИ», — провозгласил журнал «Сцена» в 1962 году. Но Боти, независимо от ожиданий, наполнила свои работы образами , теперь : Карибский кризис, Вьетнам, США. нарушения гражданских прав, изображения Кристин Киллер в прессе.

Смерть Джона Кеннеди изображена у подножия It’s a Man’s World I , между нарисованными бюстами Ленина и Эйнштейна и под коллажем изображений мужественности, славы и насилия на протяжении веков.Единственным улучшающим моментом в картине является маловероятное включение изображения одинокой ярко-алой розы. Он плывет, пылая анафемой, над головой единственной женщины на картине, Джеки Кеннеди, ее рука в розовом костюме обнимает умирающего в кортеже мужа.

«Это мужской мир II», 1964/5, холст, масло, Полин Боти. Фотография: Поместье Полины Боти

Выступая по радио The Public Ear , Боти объявила революцию в мире. «По всей стране молодые девушки вздрагивают и трясутся, и если они пугают вас, то так и задумано, и они начинают впечатлять мир.«Это мужской мир» — одна из любимых фраз ее матери; В том, что можно было бы назвать личной историей искусства Боти, ее мать в молодости не могла занять место в Slade, запрещенное драконовским отцом, поэтому она сильно надавила на своего мужа, чтобы он позволил их дочери, которая унаследовал ее талант, пошел в художественную школу (в конце концов он согласился, хотя и упорно отказывался позволить одному из братьев Полины заниматься тем же самым, вместо этого навязав ему его собственную профессию — бухгалтера).Когда она поступила в Королевский колледж искусств, она изучала витражи, поскольку в начале 1960-х у женщин было мало шансов попасть в Школу живописи. Пока она бродила по коридорам здания, чье последнее архитектурное преобразование просто забыло включить в проект место для женских туалетов — или не сочло нужным, — поползли слухи о том, что вокруг него живет невообразимо начитанная, гламурная красавица. по-видимому, на самом деле читал не только Пруста, но и Аполлинера и Рембо.

Только покинув RCA, она начала рисовать на своих условиях необычные произведения, которые Меллор и Тейт помогли восстановить. «Она сделала то, чего не делали другие люди, — говорит Меллор. «Последнее оправдание есть работа, работа по существу монтажная, сборка образов, а не овеществленным образом. Девяносто процентов поп-музыки — это невозмутимый и бесчеловечный нудный материал. Она этого не делала». Он приветствует тот факт, что это работа художника, который все еще находится в стадии формирования, «неуклюжие картины.Она была молода. И я думаю, что они не соответствовали представлению о том, какой должна быть английская поп-музыка». Затем он цитирует раннее творчество Сезанна. «Еще в 1860-х годах его работы выглядели, если не сказать лучше, неуклюжими».

Центральное место в ее художественной практике занимало рисование самих изображений — изображения как нового предмета картины. Центральной в ее видении мира была критика репрезентации, образа. Первой картиной, которую Меллор увидел в пристройке на ферме, была одна из двух картин «Это мужской мир ».Теперь он вспоминает о специфическом электрическом заряде при поиске работы. «Изображения — это объекты, изображения — это физические вещи. Чтобы оторвать их от стены, держать их, держать вертикально, чтобы они не упали назад к стене или от стены, чтобы они не упали!»

Это мужской мир II будет очень шокирующим. То, что это картина женщины, будет еще более шокирующим.

Это мужской мир I и II — это картины о физических состояниях.Один показывает мужчин, гламур, славу, войну, насилие, потери. Другой — опять же — не похож ни на что другое, нарисованное никем здесь в то время. Полоса изображений полуобнаженных женщин в кокетливых штампованных позах из порножурнала наложена на сине-зеленый классический английский пейзаж с небольшой палладианской структурой. В центре этого нарисованного коллажа из застенчивых порнографических изображений находится чистый, неподдельный обнаженный женский торс. Туловище обрезано по шее и бедрам, обезличено — и настолько далеко от порнографического, насколько может быть изображение наготы.Он бросает вызов порнографическим образам, просто будучи самим собой.

Картина будет глубоко шокирующей. То, что это картина женщины, было еще более шокирующим. Он был выставлен незадолго до смерти Боти на групповой выставке в Брэдфорде. О какой-либо реакции на него вообще не сообщается. Те, кто его видел, должно быть, не замечали его или просто не могли найти слов, чтобы рассказать об этом.

Полин Боты, картина Майкла Сеймура, современная печать с оригинального негатива, коллекция NPG 1963 года x88176

Жизнь Боты? Смесь Молотова возможности и потери.Чтобы узнать, каково было познакомиться с ней, прочитайте статью Маргарет Драббл под названием «Тот, кто ушел». Чтобы узнать, каково было с ней разговаривать, найдите копию поразительной, беспримесной и самой по себе беспрецедентной книги интервью Нелл Данн 1965 года « Talking to Women ». Чтобы узнать, что от нас осталось, что такое дух, для чего нужен цвет, как он действует на глаз и за что мы его любим, и рассмотреть, что представляет собой сам образ и что он означает, обратитесь к произведениям искусства.

Родилась в Кройдоне весной 1938 года.Она умерла летом 1966 года. В Уимблдонской школе искусств в конце 50-х годов, когда мальчик спросил ее, почему на ее губах так много красной помады, она погналась за ним по всей столовой, крича: «Чем лучше тебя поцеловать».

Она выковала искусство соединения вещей. Она превратила стены своей комнаты в массивные коллажи. Она приподнялась в постели в последние дни, все еще рисуя и делая наброски, с ребенком в корзине в конце кровати. Когда она умерла, вспоминал писатель и театральный режиссер Джон МакГрат, она оставила завещание, которое муж прочитал на ее поминках, — «послание бессмертной надежды, солидарности с угнетенными и уверенности в завтрашнем дне, которое дало всем нам больше, чем храбрость.Определение.»

«Я бы использовал слово «щедрый», — сказал мне Меллор во время нашего разговора на прошлой неделе. «То, что она олицетворяла, было благодатью».

«Определить благодать?» Я сказал.

— Не могу, — сказал он, как бы пожимая плечами. «Идея присутствия благодати. Полин Боти.

Осень Али Смит опубликован Хэмишем Гамильтоном (Penguin, 16,99 фунтов стерлингов). Чтобы заказать экземпляр за 13,93 фунтов стерлингов, перейдите на сайт bookshop.theguardian.com или позвоните по номеру 0330 333 6846. Бесплатно в Великобритании на сумму свыше 10 фунтов стерлингов, только онлайн-заказы.Заказы по телефону мин. на человека в размере 1,99 фунта стерлингов.

Поп-арт. История и анализ движения яркого поп-арта

В 1950-х годах международное искусство совершило внезапный и неожиданный поворот на 180 градусов. В Соединенных Штатах и ​​Соединенном Королевстве стало набирать популярность новое направление в искусстве — поп-арт. Это новое художественное движение черпало вдохновение в часто приземленных, потребительских, слегка китчевых и массовых частях популярной культуры. Поп-исполнители, такие как Энди Уорхол, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн, спровоцировали сдвиг в нашем представлении о высоких и низких формах искусства.Эти художники обратили внимание на растущий потребительство на рынках и наше потребление искусства.

 

 

Краткий обзор движения поп-арт: что такое поп-арт

Многие из нас знают таких художников, как Энди Уорхол, но что такое поп-арт как движение? Когда дело доходит до определения поп-арта, нам нужно учитывать тип поп-арта. Есть некоторые разногласия по поводу первоначального места рождения поп-арта. Подобные тенденции начали появляться в Англии и Америке в начале 1950-х годов.Поп-арт стал настоящим поворотом на 180 градусов в развитии модернизма по сравнению с предшествующим ему движением абстрактного экспрессионизма.

Определение поп-арт обратилось к осязаемым и доступным частям популярной культуры в качестве вдохновения, заменив традиционные темы «высокого искусства» классической истории, мифологии, морали и абстракции. Поп-арт поднял более приземленные части популярной культуры до уровня изобразительного искусства, и сегодня это один из самых узнаваемых стилей современного искусства.

 

Ключевые идеи поп-арта

Поп-арт может показаться более тривиальным и излишним, чем другие направления традиционного изобразительного искусства.Яркие цвета, использование популярных образов, основных форм и толстых контуров могут указывать на более игривую форму искусства, но движение поп-арт наполнено скрытыми сложностями и социальными комментариями. Вот небольшой фон в стиле поп-арт.

Мэрилин в небе (1999) Джеймса Гилла; Джеймс Фрэнсис Гилл, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

Что делает искусство прекрасным?

Самая заметная идея движения поп-арт заключалась в том, чтобы стереть границы между тем, что раньше считалось изобразительным искусством, и более китчевыми, приземленными частями популярной культуры.Поп-артисты прославляли предметы потребительской ценности, настаивая на том, что не существует культурной иерархии, когда речь идет о достойных предметах художественного творчества. Поп-исполнители черпали вдохновение из любого источника, вне зависимости от культурной ценности.

 

Шокированный уход или хладнокровное принятие?

Работы художников-абстрактных экспрессионистов обычно очень эмоциональны. Напротив, картины в стиле поп-арт и коллажи имеют тенденцию быть более удаленными и отдаленными. Хотя произведения поп-музыки часто исследуют различные культурные взгляды и неотъемлемые части социальной жизни, они делают это прохладно и относительно бесстрастно.Историки искусства горячо спорят о том, является ли эта дистанция шокирующим уходом от культурных тем, которые исследует поп-арт, или наоборот. Возможно, крутость отражает принятие популярной культуры.

 

Как поп-арт исследует культурную травму?

Неотъемлемой частью абстрактного экспрессионизма, предшествовавшего поп-арту, был поиск травмы в душе. Поп-артисты искали ту же душевную травму, но на культурном уровне. В поп-арте эту социальную травму опосредуют миры популярных образов, карикатур, рекламы и культурных явлений, таких как бум ресторанов быстрого питания.

В поп-арте все эти проявления культурной травмы значимы, и они дают художнику непосредственный доступ к более глубоким проблемам человечества.

Современный мир характеризуется непосредственным доступом практически ко всему. От искусственной среды до личной жизни знаменитостей — все доступно для потребления и критики. Поп-арт отражает этот доступ, объединяя различные культурные элементы, чтобы продемонстрировать, что все взаимосвязано.

 

Капиталистическая критика или восторженное одобрение?

В частности, в Англии художники поп-арта восприняли медиа- и производственный бум Второй мировой войны. Многие рассматривают широкое использование коммерческой рекламы в поп-произведениях как одобрение капиталистического рынка. Некоторые критики считают, что поп-арт прославляет растущее потребительство современности.

Другие находят в этих многослойных работах элемент культурной критики.Поп-артисты возвели обыденные коммерческие объекты в статус изобразительного искусства. Приравнивая коммерческие товары к изобразительному искусству, поп-художники обращают наше внимание на тот фундаментальный факт, что искусство само по себе является товаром.

Многие художники поп-арта начинали как коммерческие художники. Эд Руша был графическим дизайнером, а Энди Уорхол также был невероятно успешным журнальным иллюстратором. Благодаря такому раннему начинанию эти художники демонстрируют свободное владение визуальной лексикой популярной культуры. Эти навыки облегчили способность этих художников плавно сочетать изобразительное искусство и коммерческую культуру.

Реклама New York Times (17 апреля 1955 г.) обуви I. Miller, иллюстрация Энди Уорхола; JSalleres, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

 

Истоки движения поп-арт

Движение поп-арт интересно тем, что развивалось одновременно в США и Англии. Первые искры поп-арта в каждой из этих стран были совершенно разными. Таким образом, важно начать рассматривать их отдельно.

В Соединенных Штатах поп-арт был возвратом к более чем репрезентативному искусству , которое использовало иронию обыденной реальности, чтобы нейтрализовать личную символику абстрактного экспрессионизма. Напротив, ранний британский поп-арт был более академическим. Британские поп-исполнители использовали иронию, чтобы исследовать и критиковать взрывной потребительство послевоенной американской поп-культуры.

 

Прото-поп арт

Хотя в 1950-е годы зародился американский и британский поп-арт, некоторые европейские художники, такие как Марсель Дюшан, Мани Рэй и Фрэнсис Пикабиа, предшествовали этому движению в своем исследовании капиталистических и модернистских тем и стилей.

Некоторые американские художники намекали на развитие современного поп-арта еще в 1920-е годы. Такие художники, как Стюарт Дэвис, Джеральд Мерфи, Патрик Генри Брюс и Чарльз Демут, создавали работы, в которых использовались образы популярной культуры, в том числе обыденные коммерческие объекты и рекламный дизайн.

Lucky Strike (1921) Дэвиса Стюарта;  Дэвис Стюарт, общественное достояние, Wikimedia Commons

 

The Independent Group: поп-арт в Великобритании

В Лондоне в 1952 году была образована Независимая группа художников, и многие считают эту группу предшественником нового поп-движения.Это собрание молодых художников, скульпторов, писателей, архитекторов и критиков приветствовало новое движение поп-арт. Эта группа художников начала регулярно встречаться в 1950-х годах, и их обсуждения были сосредоточены на развитии технологий и науки, найденном объекте и месте массовой культуры в изобразительном искусстве.

Среди известных членов были архитекторы Питер и Элисон Смитсоны, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и критики Рейнер Бэнэм и Лоуренс Аллоуэй. Когда эти творческие люди начали встречаться в 1950-х годах, Англия все еще постепенно оправлялась от послевоенных лет, и большая часть населения неоднозначно относилась к популярной культуре в Америке.

Независимая группа разделяла эту нерешительность в отношении коммерческого характера американской поп-культуры, но они были в восторге от богатого мира поп-культуры, обсуждая научную фантастику, дизайн автомобилей, западные фильмы, рок-н-ролл, рекламные щиты и комиксы. по длинне.

В 1960 году на ежегодной выставке молодых талантов Королевского общества британских художников впервые проявилось влияние американской поп-музыки. К январю 1961 года Р. Б. Китай, Дэвид Хокни, Джо Тилсон, Билли Эппл, Дерек Бошир, Питер Блейк, Патрик Колфилд, Аллен Джонс и Питер Филлипс прочно закрепились на карте поп-арта.

Билли Эппл отвечал за дизайн приглашений и плакатов для следующих двух ежегодных выставок «Молодые современники». В том же году Блейк, Китай и Хокни получили призы в Ливерпуле на выставке Джона-Мура. Во время летних каникул 1961 года в Королевском колледже Хокни и Эппл вместе посетили Нью-Йорк.

Фотография Билли Эппл на церемонии вручения наград Фонда искусств Новой Зеландии Icon Awards 2018; Правительство Новой Зеландии, Канцелярия генерал-губернатора, CC BY 4. 0, через Викисклад

 

Поиск определения поп-арта

Когда дело доходит до решения, кто первым употребил термин «поп-арт», возникает много споров. В Великобритании есть несколько возможных искр, которые привели к фактическому термину «поп-арт». Питер и Элисон Смитсон использовали этот термин в статье 1956 года, опубликованной в журнале Ark Magazine. Статья называлась «Но сегодня мы собираем рекламу».

Ричард Гамильтон дал определение «поп» в написанном им письме, и Паолоцци также использовал слово «поп» в своем коллаже « I   Was a Rich Man’s Plaything » (1947).Сын Джона Макхейла также считает, что его отец впервые употребил этот термин во время разговора с Фрэнком Корделлом в 1954 году.

Лоуренсу Аллоуэю также часто приписывают первое использование этого термина в его эссе 1958 года « Искусство и средства массовой информации». Однако в этом эссе он использует только фразу «популярная массовая культура», и он имеет в виду массовую культуру как продукт средств массовой информации, а не как произведение искусства. В 1966 году Аллоуэй разъяснил эти термины, но к тому времени поп-арт уже проник в школы и галереи.

 

 

Американский поп-арт фон

Нью-Йорк был родиной американского поп-арта. В середине 1950-х нью-йоркские художники подошли к важному перепутью в развитии современного искусства. В Америке художники поп-арта могли либо пойти по стопам абстрактных экспрессионистов, либо восстать против формализма модернистских школ мысли. Естественно, многие художники выбрали бунтарство и стали экспериментировать с нетрадиционными формами и материалами.

В это время Джаспер Джонс уже вызывал переполох своими абстрактными картинами, отсылающими к объектам, которые «ум уже знает». Эти объекты включали числа, отпечатки ладоней, флаги, буквы и мишени. Другие художники поп-арта, такие как Роберт Раушенберг, использовали найденные изображения и предметы наряду с традиционными масляными красками. Точно так же движения Fluxus и Аллан Капроу решили включить в свои произведения элементы окружающего мира. Наряду с другими, эти художники позже сформировали движение Неодада.

Хотя поп-арт начал появляться в Соединенных Штатах в начале 1950-х годов, именно в 1960-х годах это движение набрало обороты. В Музее современного искусства в 1962 году поп-арт был представлен на симпозиуме по поп-арту. Когда художники начали использовать элементы рекламы в современном искусстве, коммерческая реклама стала включать в себя элементы современного искусства. Американская реклама стала очень изощренной, и американским художникам нужно было найти более драматические стили, чтобы дистанцироваться от материалов массового производства.

В то время как британский поп-арт использовал слегка юмористический, романтический и сентиментальный подход к американской поп-культуре, американские художники создавали поп-арт, который обычно был более агрессивным и смелым. Британцы были дистанцированы от реалий американских потребительских образов, в то время как американские художники ежедневно бомбардировались ими.

 

Создание американского современного поп-арта

На Роберта Раушенберга большое влияние оказали художники-дадаисты, в том числе Курт Швиттерс.Раушенберг считал, что живопись связана как с миром изобразительного искусства, так и с повседневной жизнью. Это мнение бросило вызов доминирующей модернистской точке зрения того времени. Раушенберг сочетал в своих работах образы поп-культуры и выброшенные предметы. Таким образом, Раушенберг смог провести связь между своей работой и актуальными событиями в американском обществе.

Шелкографические картины, которые Раушенберг выполнил между 1962 и 1964 годами, объединили вырезки из журналов National Geographic , Newsweek и Life с выразительной кистью.Ранние работы Раушенберга часто классифицируют как нео-дадаизм, потому что они отличаются от стиля американского поп-арта, процветавшего в 1960-х годах.

Роберт Раушенберг у одного из своих экспонатов в Стеделийк-музее, 1968 год;  Джек де Нийс / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

Когда дело доходит до выдающихся американских поп-исполнителей, мы не можем забыть Роя Лихтенштейна . Использование Лихтенштейном пародии в своих работах предлагает, пожалуй, лучшее определение основной предпосылки поп-арта.Лихтенштейн создает четкие, резкие композиции, основанные на старомодных комиксах.

Используя масляные краски Magna и , Лихтенштейн адаптировал и изменил сцены из комиксов DC и других. Работы Лихтенштейна легко узнать по использованию точек Бен-Дея, смелых цветов и толстых контуров. Художник легко сочетает массовую культуру и изобразительное искусство, интегрируя в свои работы иронию, популярные образы и юмор.

 

Американский поп-арт против британского поп-арта

Поп-арт появился в Америке и Великобритании примерно в одно и то же время в 1950-х и 60-х годах.Всеобъемлющий стиль поп-арт представляет собой объединение различий между двумя народами. Хотя обе страны черпали вдохновение в одном и том же предмете, между их стилями есть несколько различий.

Ранний британский поп-арт черпал вдохновение в созерцании американской популярной культуры на расстоянии. С этой дистанцией пришел определенный уровень романтизма и сентиментализма, а также значительная доля презрения.

Британские поп-исполнители применили академический подход к американской поп-культуре, анализируя силу американских популярных образов в управлении жизнями своих граждан.Традиционно сухое британское чувство иронии и пародии просочилось в британский поп-арт.

американских поп-исполнителей, напротив, жили и дышали американской поп-культурой, и это отсутствие дистанции очевидно. Американский поп-арт также был отчасти бунтом против других форм современного искусства. Абстрактный экспрессионизм был самым большим стимулом для американских художников поп-музыки, которые хотели отойти от очень эмоционального и личного символизма стиля. В результате американские поп-исполнители используют в своих работах обыденные, безличные образы.

Организация выставки Роя Лихтенштейна в Stedelijk Museum, 1967;  Рон Крун / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

 

 

Тенденции, концепции и стили в поп-арте

После перехода от неодадаизма к поп-арту художники всего мира стали все больше интересоваться использованием массовой культуры в своих работах. В то время как члены Independent Group были первыми, кто использовал термин «поп-арт», американские художники быстро тяготели к этому новому стилю.

Хотя индивидуальные стили художников поп-арта сильно различаются, существуют общие основные темы и концепции движения поп-арт. Использование образов из популярной культуры является наиболее заметной чертой произведений поп-музыки.

MM Критика массовой иконологии (2013) Джеймса Гилла; Джеймс Фрэнсис Гилл, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

После того, как в Америке возникло движение поп-арт, начали появляться несколько европейских вариантов, в том числе немецкое движение капиталистического реализма и французский модерн-реализм.

 

 

Табличное изображение: Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон

Европейские поп-исполнители испытывали смешанные чувства к популярной культуре Америки, и эти чувства, пожалуй, лучше всего переданы через коллажи в стиле поп-арт Гамильтона и Паолоцци. Художники одновременно критиковали излишества и превозносили массово воспроизводимые предметы и образы.

Члены Independent Group, включая Гамильтона, были одними из первых, кто использовал в своих работах образы средств массовой информации. Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , коллаж Гамильтона 1956 года, сочетает в себе тщательно подобранные элементы из изображений средств массовой информации, чтобы передать его убеждение в том, что американская культура была одной из излишеств. Паолоцци анализирует шквал средств массовой информации с помощью своих фотомонтажных коллажей, таких как его работа 1947 года « Я был игрушкой богатого человека».

 

Культура пульпы: Рой Лихтенштейн

Частично значимость работ Лихтенштейна заключается в его способности создавать потрясающие композиции, несмотря на то, что в качестве сюжета он использовал комиксы.Лихтенштейн не только заимствовал образы из серийно издаваемых иллюстрированных книг, но также применял технику комиксов, а именно точки Бен-Дея.

Ура!  (2018) диптих Роя Лихтенштейна; GualdimG, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Хотя в своих картинах он использует популярные образы, работы Лихтенштейна не являются простыми дубликатами. Лихтенштейн сосредоточился на одной панели из комикса, часто обрезая ее, чтобы изменить историю. Лихтенштейн также добавлял или удалял различные элементы и экспериментировал с языком и текстом.Лихтенштейн еще больше размыл грань между изобразительным искусством и массовым воспроизведением, нарисовав вручную точки, которые традиционно печатались машинным способом.

 

Монументальное изображение: Джеймс Розенквист

Розенквист был еще одним художником, который использовал образы популярной культуры непосредственно в своих картинах. Однако, как и Лихтенштейн, Розенквист не просто производил копии. Вместо этого Розенквист сопоставляет различных знаменитостей, продукты и изображения в сюрреалистической манере.

Многие работы Розенквиста также содержат яркие политические послания. Розенквист начинал свои работы с создания коллажей из рекламных объявлений и вырезок из фоторепортажей. Затем он превращал простой коллаж в целостную картину.

Розенквист начал свою художественную карьеру с росписи рекламных щитов, и он смог прекрасно перейти к визуализации своих коллажей в монументальных масштабах. Многие работы Розенквиста были шириной 20 футов и больше. Раздувая обыденные образы из популярной культуры в таких больших масштабах, Розенквист смог поднять обыденность до статуса изобразительного искусства.

 

Повторение: Энди Уорхол и повторение

Когда вы думаете о поп-арте, имя Энди Уорхола, скорее всего, всплывает в вашей голове. Уорхол — один из самых известных поп-исполнителей, а его стиль является культовым и мгновенно узнаваемым во всем мире. Уорхол, пожалуй, наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей. На протяжении всей своей блестящей карьеры Уорхол экспериментировал с самыми разными предметами.

Общая нить, лежащая в основе всех его работ, — это вдохновение массового потребления и поп-культуры.Повторение — еще один ключевой элемент творчества Уорхола, комментирующий массовое воспроизведение в современную эпоху.

бутылок Coca-Cola и банок из-под супа Campbell’s занимают видное место во многих ранних работах Уорхола. Уорхол воспроизводил изображения этих предметов до бесконечности, превращая стены галереи в полки супермаркетов. Чтобы еще больше имитировать и пародировать массовое производство, Уорхол начал трафаретную печать своих работ, которые ранее были раскрашены вручную.

Настаивая на механическом создании своих произведений, Уорхол отвергал понятие художественного гения и подлинности.Вместо этого Уорхол подчеркивал коммодификацию искусства в современную эпоху, приравнивая картины к банкам с супом. И суп, и картины можно покупать и продавать как потребительские товары, и оба они имеют внутреннюю материальную ценность. Уорхол пошел еще дальше, приравняв массовые потребительские товары к таким знаменитостям, как Мэрилин Монро.

Нью-йоркская выставка банок для супа Campbell’s Энди Уорхола (серия из 42) в 2007 году; Эндрю Уорхола, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons

 

Поп-скульптура: Клас Ольденбург

Хотя скульптура кажется идеальной средой для поп-арта, Ольденбург был одним из немногих поп-художников, которые исследовали ее.Сегодня Ольденбург славится своими мягкими скульптурами и огромными публичными копиями обыденных предметов потребления, многие из его ранних работ были гораздо меньшего масштаба. В 1961 году Ольденбург создал выставку под названием The Store , где он арендовал витрину в Нью-Йорке, где продавались его небольшие скульптурные копии обыденных предметов.

Вскоре после Магазин, Ольденбург начал экспериментировать с мягкими скульптурами. Ольденбург использовал ткань и наполнитель для изготовления больших рожков для мороженого, кусочков торта, миксеров и других потребительских товаров. Эти мягкие скульптуры разрушались сами по себе, возможно, комментируя пустоту потребительских товаров.

На протяжении всей своей карьеры Ольденбург полностью сосредоточился на обычных предметах. Вслед за своими мягкими скульптурами Ольденбург начал создавать грандиозные произведения паблик-арта. Его скульптура Прищепка 1974 года в Филадельфии была высотой 45 футов. Чувство игривости в представлении обыденного нетрадиционными способами пронизывает все работы Ольденбурга, независимо от масштаба.

 

Поп-арт в Лос-Анджелесе

В то время как Нью-Йорк был родиной американского поп-арта, в Лос-Анджелесе был свой собственный бренд.Сцена Нью-Йорка была гораздо более жесткой, чем Лос-Анджелес, где не было признанных критиков и галерей Восточного побережья Америки. Это отсутствие жесткости выражается в поп-артистах, которые работали и жили в Лос-Анджелесе.

В 1962 году Художественный музей Пасадены провел первое исследование поп-арта. На выставке «Новая живопись обычных предметов» были представлены работы художников Лихтенштейна, Уорхола и художников из Лос-Анджелеса Джо Гуда, Эда Руша, Роберта Дауда и Филиппа Хеффертона.

Была еще одна эстетика поп-арта, которую практиковали лос-анджелесские поп-исполнители, такие как Билли Эл Бенгстон.Работы в этой эстетике отсылали к мотоциклам и серфингу, а также использовались новые материалы, такие как автомобильная краска. Сделать знакомое странным было центральной темой большей части поп-арта Лос-Анджелеса.

Используя неожиданные и новые комбинации медиа и изображений, а также смещая акцент с потребительских товаров, лос-анджелесские поп-художники вывели поп-арт за рамки простого воспроизведения. Эти художники начали вызывать в своих работах определенные взгляды, чувства и идеи, основывая свои композиции на опыте и раздвигая границы между популярной культурой и изобразительным искусством.

 

Вывеска: Эд Руша

Руша был одним из ведущих поп-исполнителей Лос-Анджелеса и использовал в своих работах самые разные средства массовой информации. Большинство его работ были либо нарисованы, либо напечатаны, и он часто использовал фразы или слова в качестве сюжетов своих ранних работ, подчеркивая вездесущность вывесок Лос-Анджелеса. Работы Руша стирают границы между абстракцией, живописью и рекламными вывесками, что стирает границы между коммерцией и эстетикой.

Большая часть работ Руши очень концептуальна, и он, как правило, сосредотачивается на идее, лежащей в основе работы, а не на самом изображении.Как и у многих поп-исполнителей, работа Руши не ограничивалась простым воспроизведением потребительских образов и объектов. Вместо этого он исследовал взаимозаменяемость опыта, текста, изображения и места.

 

Французский модерн-реализм

В 1960 году искусствовед Пьер Рестани основал движение «Новый реализм», составив «Учредительную декларацию нового реализма». В этом документе утверждалось, что новый реализм был новым способом восприятия реальности.Девять художников, объединившихся в своем стремлении к массовой культуре, подписали декларацию в мастерской Ива Кляйна. Принцип поэтического повторения реальности индустрии, городской жизни и рекламы очевиден в технике деколлажа Виллегла. Новые изображения были созданы путем разрезания слоев плакатов.

Озабоченность американского поп-арта коммерческой культурой нашла отражение в движении Nouveau Réalisme. Однако этих художников больше интересовали объекты, а не картины.

 

Немецкий капиталистический реализм

Немецким аналогом американского и британского поп-арта было движение капиталистического реализма. В 1963 году Зигмар Польке основал движение, которое использовало эстетику средств массовой информации для исследования объектов товарной культуры.

Другие художники, такие как Конрад Лейг и Герхард Рихтер, стремились разоблачить поверхностность и потребительство современных капиталистических обществ, используя эстетику и образы в своих работах. Рихтер исследовал культуру с помощью фотографии, Польке исследовал творческие возможности механического производства, а Леуг исследовал образы поп-культуры.

Propellerfrau (1969) Зигмара Польке; Зигмар Польке, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

 

 

Известные произведения поп-арта

Как и в любом движении, поп-арт отличается большим разнообразием. Движение претендует на роль многих разных художников, каждый из которых внес ценный вклад в развитие модернизма. В этом разделе статьи мы исследуем некоторые из самых известных произведений поп-арта и исследуем их вклад в одно из самых известных художественных движений 21 века.

 

Эдуардо Паолоцци:

Я был игрушкой богача (1947)

Эдуардо Паолоцци был художником и скульптором шотландского происхождения, одним из важнейших представителей послевоенного авангарда в Англии. В 1947 году он завершил этот коллаж из популярных изображений, произведение, намекающее на движение поп-арта, которое последовало лишь несколько лет спустя. В этом коллаже Паолоцци использует рекламу Coca-Cola, обложку криминального чтива и объявление о наборе в армию.

Как и многое другое в британском поп-арте, это произведение имеет более темный и критический тон. Работа является прекрасным примером того, как британский поп-арт отразил разрыв между суровой политической и экономической реальностью послевоенной Британии и богатым гламуром, идеализированным в популярной американской культуре. Паолоцци стал членом Independent Group, и большая часть его работ исследует влияние массовой культуры и технологий на изобразительное или высокое искусство.

Выбор Паолоцци в качестве средства для коллажа намекает на влияние фотомонтажа дадаистского и сюрреалистического движений .Физически сопоставляя широкий спектр изображений популярной культуры и идей поп-арта на одной странице, Паолоцци воссоздает повседневный шквал изображений средств массовой информации в современном мире.

 

Ричард Гамильтон:

Что же делает современные дома такими разными и привлекательными? (1956) Коллаж

был популярной формой раннего поп-арта, и этот коллаж Ричарда Гамильтона — еще один яркий тому пример. Гамильтон сделал это произведение для выставки «Это завтра » в 1956 году.Этот коллаж был рекламой выставки и попал в каталог. Многие критики называют этот коллаж самой первой работой британского движения поп-арт.

На коллаже мы видим современных Адама и Еву. Эти двое — не библейские персонажи, а танцор бурлеска и бодибилдер. Эти два основополагающих персонажа находятся в окружении современных удобств, включая консервированную ветчину, пылесос и телевизор.

Гамильтон вырезал каждый элемент из рекламы в журналах.Сцена, которую создает Гамильтон, поддерживает и эксплуатирует потребительство. Гамильтон также предлагает язвительную критику упадка американских послевоенных лет.

 

Джеймс Розенквист:

Избранный президент (1960-61)

Эта картина — первая картина в нашем списке, которая не является коллажем, но начала свою жизнь как единое целое. Розенквист начал создавать это произведение с создания коллажа из трех отдельных элементов. Каждый элемент вырезается из различных материалов СМИ.Картину украшает лицо Джона Ф. Кеннеди, желтый «Шевроле» и кусок торта. Затем Розенквист превратил объединение потребительских объектов в монументальную фотореалистичную картину.

Розенквист заявил, что он решил использовать лицо Джона Ф. Кеннеди с одного из плакатов своей кампании наряду с другими элементами, взятыми из рекламы, потому что его интересовала внезапная тенденция людей рекламировать себя как потребительские товары.

Розенквист умело сочетает элементы коллажа в живописи, доказывая свой художественный талант и способность предлагать яркие культурные и политические комментарии через популярные образы.

 

Клас Ольденбург:

Ящик для кондитерских изделий, I (1961-62)

Хотя скульптура не была самым распространенным средством поп-арта, Ольденбург был самым известным поп-скульптором. Если вы когда-либо видели большие, игриво-абсурдные скульптуры из неодушевленных предметов или еды, скорее всего, они были созданы Ольденбургом.  

Apple Core (1992) Класа Ольденбурга; צילום:ד”ר אבישי טייכר, CC BY 2.5, через Wikimedia Commons

Кондитерская, I — это коллекция работ, которые Олденбург выставил в 1961 году на своей инсталляции The Store . Магазин был магазином в Нижнем Ист-Сайде в Нью-Йорке, где Ольденбург создавал и демонстрировал скульптурные объекты. Гипсовые засахаренные яблоки Ольденбурга, клубничные пирожные и другие потребительские товары были выставлены в его магазинной инсталляции.

Вещи Ольденбурга не только были коммерческими товарами, но он также продавал их в The Store по очень низким ценам. Инсталляция и коллекция Pastry Case I комментируют отношения между коммерческими товарами и искусством как товарами.Хотя Ольденбург продавал эти предметы, как если бы они были массовыми потребительскими товарами, все они были тщательно изготовлены вручную.

Ольденбург включает в эти произведения еще одну культурную критику через обильно выразительные мазки, которые он использует для рисования каждого объекта. Многие считают, что эти мазки высмеивают работы абстрактных экспрессионистов. Критика абстрактного экспрессионизма является общей чертой поп-арта. Ольденбург создает очень ироничную атмосферу, сочетая коммерческие предметы с экспрессионистскими мазками.

Фотография Класа Ольденбурга в спектакле «Курс ножа » в Венеции, 1985 год;  Горупдебесанес, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

 

Рой Лихтенштейн:

Тонущая девушка (1963)

К началу 1960-х годов слава Лихтенштейна росла. Лихтенштейн специализировался на картинах, основанных на популярных комиксах, и это одно из его самых известных произведений. До Лихтенштейна ни один поп-исполнитель никогда не фокусировался исключительно на мультяшных образах.Другие художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, ранее использовали популярные образы в своих работах, но Лихтенштейн был первым, кто сосредоточился на мультфильмах.

Именно работы Лихтенштейна и Энди Уорхола положили начало движению поп-арт. Хотя Лихтенштейн работал исключительно с комиксами, он не копировал их напрямую из источников. Вместо этого он использовал сложные приемы, вырезая комические изображения для создания новых и захватывающих композиций. Лихтенштейн также менял написание каждой из своих картин, сокращая его и указывая на визуальное значение письма в комическом жанре.

Тонущая девушка — хороший пример этой техники, потому что исходное исходное изображение включало бойфренда девушки, стоящего над ней на лодке. В своих картинах Лихтенштейн переосмысливает эти аспекты коммерческого искусства. При этом он бросает вызов существующим представлениям об иерархии форм искусства.

Как и в случае со многими картинами в стиле поп-арт, неясно, поддерживает ли Лихтенштейн комическую форму в своих картинах или критикует ее. Одобряет ли он комический стиль и подражает ему, чтобы повысить его ценность, или это резкая критика? Ответ на этот вопрос остается за интерпретацией зрителя.

 

Зигмар Польке:

Кролики (1966)

Зигмар Польке был значительной фигурой немецкого капиталистического реализма, соучредителем движения в 1963 году. Наряду с другими художниками, такими как Конрад Лейг и Герхард Рихтер , Польке начал рисовать образы популярной культуры. Эти картины демонстрируют холодный цинизм в отношении состояния экономики Германии после Второй мировой войны. Эти картины в стиле поп-арт также вызывают чувство подлинной ностальгии по самим изображениям.

Когда Лихтенштейн начал копировать точки Бен-Дэя, Полке начал имитировать коммерческие четырехцветные печатные рисунки точек. В своей картине « кроликов» Польке воссоздает изображение четырех костюмированных кроликов из Playboy Club. Нарушение техники точечной печати на холсте прерывает массовый маркетинговый эффект сексуальной привлекательности. Чем ближе зритель подходит к скудно одетым женщинам, тем меньше он может видеть.

В большинстве своих картин Польке не призывает зрителя к личной идентификации.Вместо этого картины Польке становятся аллегориями потери себя в потоке коммерческих образов. Диссонанс между повышенной сексуальностью кроликов Playboy и точечными узорами перекликается с конфликтом между стремлением к массовой коммерческой современной жизни и одновременным отвращением к самой идее.

По сравнению с нью-йоркскими поп-исполнителями работы Польке гораздо более открыто критикуют потребительство в поп-культуре. Эти взгляды уходят корнями в движение капиталистического реализма.Вместо того, чтобы предлагать защищенную и слегка скрытую критику популярной культуры, Польке берет ее в лоб.

Фотография Дитера Фровейна Льяссо (слева) и Зигмара Польке (справа) где-то после 2000 года; Корнел Вахтер, общественное достояние, Wikimedia Commons

 

Эд Руша:

Стандартная станция (1966)

На западном побережье Америки Эд Руша был одним из самых выдающихся поп-фотографов, граверов и художников. Большая часть работ Руши представляет собой уникальное и красочное сочетание голливудских образов, юго-западного пейзажа и коммерческой культуры.Заправочная станция, как и в Standard Station, , является общим мотивом в его работах. На самом деле, в своей книге под названием « Двадцать шесть бензоколонок » (1963) Руша документирует поездку, которую он совершил по сельской местности на юго-западе.

В этой картине Руше удается превратить обыденный и прозаический образ заправочной станции в эмблему потребительской американской культуры. Экран Ruscha печатает это изображение, которое сглаживает перспективу и отражает эстетику коммерческой рекламы.Также можно увидеть ранние эксперименты Руши с взаимодействием текста и языка. В своих более поздних работах Руша будет опираться на эти ранние эксперименты, и язык станет неотъемлемой частью его концептуальных работ.

Обложка Twentysix Gasoline Stations (1962) Эдварда Руши;  Эдвард Руша, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Дэвид Хокни:

Большой всплеск (1967)

Хокни создал это большое полотно площадью 94 квадратных дюйма по эталонной фотографии в журнале о бильярде.Хокни заинтриговала мысль о том, что можно запечатлеть мимолетное событие с фотографии на картине. В то время как момент всплеска был коротким, процесс рисования был намного дольше. Хокни удается противопоставить статическую жесткость геометрического дома, пальм, края бассейна, ярко-желтого трамплина динамизму брызг воды. Результатом является преднамеренно разрозненное чувство.

Искусственная стилизация картины характерна для стиля поп-арт.

 

Энди Уорхол:

Суп Кэмпбелл I (1968)

Эта картина является одной из целой серии Банки с супом Кэмпбелл Энди Уорхола. В отличие от работ абстрактных экспрессионистов, Уорхол никогда не хотел, чтобы люди прославляли эти картины за их композиционный стиль или форму.

Уорхол — один из самых известных художников поп-музыки, наиболее известный тем, что использует общеизвестные популярные образы в контексте изобразительного искусства.В дополнение к своей серии о банках супа Кэмпбелл , Уорхол также использовал лица Мэрилин Монро, Микки Мауса и других известных личностей.

Специальное издание супов Кэмпбелл Энди Уорхола; Фото: Джон Леффманн, CC BY 3.0, Wikimedia Commons

Представляя эти различные популярные образы в повторяющемся стиле, Уорхол создал ощущение массового производства в контексте изобразительного или высокого искусства. Для Уорхола это был не случай подчеркивания или прославления популярных образов, а скорее предоставление социального комментария о потреблении.В наше время такие товары, как знаменитости, суп и мультфильмы, становятся узнаваемыми с одного взгляда.

Хотя Уорхол нарисовал эту раннюю серию, он быстро обратился к трафаретной печати. Мало того, что трафаретная печать была гораздо более экономичной, он также мог придать своим товарам массового производства еще больший смысл массового производства. На первой персональной выставке Уорхола в Лос-Анджелесе он представил 100 полотен из банок супа Кэмпбелл. Эта выставка в галерее «Ферус» сразу же поместила Уорхола на карту мира и подняла его на большую высоту.

 

Поп-арт, безусловно, одно из самых известных художественных направлений 21 века. После глобальной войны и невзгод движение стало полностью современным исследованием растущего потребительства и избытка современного мира. За яркими красками, игривыми композициями и абсурдной эстетикой скрывается резкая культурная критика.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.