Картина оранжевый красный желтый: «Оранжевое, красное, жёлтое» Марка Ротко — Bird In Flight

Содержание

Казимир Малевич и Марк Ротко» – Коммерсантъ FM – Коммерсантъ

Обозреватель “Коммерсантъ FM” Дмитрий Буткевич рассказывает о том, какие картины художников побили рекорды по продажам.

Вот вам очередной аукционный рейтинг, который имеет прямое отношение к русскому искусству. Сайт Artprice называет его «Пионеры абстрактного искусства» или «топ-5 рекордных абстракций всех времен». Смотреть на список приятно. В нем два имени: Казимир Малевич и Марк Ротко. Казимир Северинович, как известно, родился в Киеве в 1879 году, вырос в Курске, жил и учился в Москве, работал в Витебске, умер в Санкт-Петербурге в возрасте 56 лет, а похоронен в подмосковной Немчиновке. За границей был в течение 1927 года, в Варшаве и Берлине. Так что он абсолютно русский художник, хоть в родной семье и говорили по-польски, а иногда и по-украински.

Маркус Яковлевич Роткович родился в 1903 году под Двинском (нынешний Даугавпилс) тогдашней Витебской губернии в семье аптекаря, где говорили на идише и по-русски.

Когда мальчику было семь лет, семья эмигрировала в США, с тех пор Марк не был замечен в любви к родному искусству, языку или литературе, а только в пороках, свойственных загадочной русской душе. Он умер в Нью-Йорке в возрасте 67 лет, наглотавшись таблеток, запив их огромной дозой крепкого алкоголя и вскрыв вены. Многие называют его русским художником и включают рейтинги отечественного искусства.

Ротко занимает с первого по пятое места в глобальном рейтинге абстракций. На вершине картина 1961 года «Оранжевый, красный, желтый». Она была продана в мае 2012 на Christie’s за $86,9 млн. Немногим дешевле оказался второй результат Ротко, третий в общем рейтинге: $81,9 млн, полотно «№10» 1958 года, май 2015, там же. Кстати, все рекорды на абстракции ставились исключительно в Нью-Йорке. 75 млн — такая цена была уплачена за «№1» в ноябре 2012 на Sotheby’s. И пятый результат был получен довольно давно, по рыночным меркам, в 2007 у Sotheby’s. 72,8 млн за «Белый центр». В те годы, помню, это был шок.

На второй позиций расположилось супрематическое полотно Малевича 1916 года. Май 2018, Christie’s. $85,8 млн. Интересно, что десятью годами ранее, в 2008, эта же картина была продана за $60 млн — 43% за декаду.

7 самых дорогих русских картин

За последние 10 лет работы известных русских художников побили многие рекорды мировых художественных аукционов.

Марк Ротко. «Оранжевый, красный, желтый», 1969

86,9 млн долларов (Christie’s, 2012)

Маркус Яковлевич Роткович, родившийся в 1903 году в Витебской губернии, традиционно из года в год возглавляет все рейтинги продаж «русского искусства». В возрасте 10 лет он эмигрировал с родителями и вырос в США, где укоротил имя до Марк Ротко и стал знаменитым художником-абстракционистом. Ротко прославился как мастер «живописи цветового поля» — беспредметных абстракций, где главным выразительным средством был эффектный, энергичный цвет. А полотно Ротко «Оранжевый, красный, желтый» входит и в десятку самых дорогих картин в мире — после шедевров Пабло Пикассо, Густава Климта и Энди Уорхола.

Казимир Малевич. «Супрематическая композиция», 1916

60 млн долларов (Sotheby’s, 2008)

Абстракции Малевича попадают в свободную продажу крайне редко и обычно весьма сложными путями. Например, «Супрематическая композиция» отправилась на аукцион прямо из государственного музея. Дело в том, что в 1927 году Малевич, стремительно уезжая из Германии, оставил на хранение архитектору Гуго Герингу много работ, привезенных на выставку. В 1958 году наследники Геринга, веря в железный занавес, продали их в амстердамский музей Стеделик. А в 2008 году потомки Малевича отсудили у музея несколько шедевров, поскольку сделка была незаконной.

Хаим Сутин. «Бычья туша», около 1923

28 млн долларов (Christie’s, 2015)


Уроженец Смоленской губернии 20-летний Хаим Сутин переехал в Париж в 1913 году и стал признанным мастером парижской школы, объединившей живописцев из многих стран.

Эта картина входит в серию с изображением подвешенных бычьих туш. Сутин писал мясо с натуры, покупая его на бойне, туши висели в мастерской по несколько дней, и он поливал их свежей кровью — для яркости. Соседи жаловались на запах и мух в полицию. Современные искусствоведы считают серию знаковой для современного искусства благодаря натуралистичности живописи и эмоциональному посылу.

Василий Кандинский. «Картина с белыми линиями», 1913

41,8 млн долл. (Sotheby’s, 2017)


Василий Кандинский написал эту абстрактную композицию в 1913 году для выставки в Германии, однако картина там так и не побывала — началась Первая мировая война. После Октябрьской революции 1917 года картина хранилась в фонде Музея живописной культуры на Волхонке, затем в Пензе, позже — в Третьяковской галерее. В 1974 году полотно оказалось у коллекционера Вильгельма Хака — он выменял работу Кандинского у советского правительства на письма Владимира Ленина.

В 1970-х годах для своей коллекции Хак построил музей, там и хранилась «Картина с белыми лилиями» до самых торгов Sotheby’s.

Василий Кандинский. «Негнущееся и согнутое», 1910

23,3 млн долл. (Christie’s, 2016)


Картина относится к парижскому периоду творчества Кандинского, когда после переезда из Германии он глобально изменил палитру и добавил в нее нежные оттенки и серые тона. Кандинский писал, что его вдохновила атмосфера Парижа, которая напоминала о дождливых днях на родине, в Москве. Фигура в правой части картины, возможно, изображает сюжет похищения Европы быком-Юпитером. Сторонники этой теории даже опознают в фигуре в самом углу резвящегося морского конька.

Алексей Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)», около 1910

16,5 млн долларов (Sotheby’s, 2008)


Соратник Кандинского по берлинскому художественному обществу «Синий всадник» Алексей Явленский, покинувший Россию в 1896 году, считается одним из создателей немецкого экспрессионизма. На картине изображена девушка из деревеньки под Мюнхеном, чье настоящее имя неизвестно. Прозвище Schokko она заработала, каждый раз прося чашку горячего шоколада во время позирования в холодной студии. Картина была написана на доске, на обороте которой когда-то находился второй портрет девушки — «Шокко в красной шляпе». Художник сумел разделить доску, и «Шокко в красной шляпе» сегодня находится в нью-йоркской частной коллекции.

Валентин Серов. «Портрет Марии Цетлиной», 1910

14,5 млн долларов (Christie’s, 2014)


Произведения Серова так редко появляются в продаже, что покупатели за них едва ли не дерутся. Это полотно попало на аукцион при печальных обстоятельствах. Мария Цетлина, которая также была коллекционером, в 1959 году завещала свое собрание израильскому городу Рамат-Ган с тем условием, что новый музей русского искусства будет назван в честь нее и мужа. Хорошего здания у этого музея с годами так и не появилось, и в 2014 году муниципалитет города отдал портрет — самую дорогую картину унаследованной коллекции — на аукцион.

Причем сделал это втайне и от горожан, и от местных депутатов. Однако картина Серова все же была продана за 14,5 миллиона долларов.

Автор: Софья Багдасарова

10 самых дорогих картин XX века / AdMe

Не каждый из нас может оценить подобные картины по заслугам и обнаружить в них тайный смысл. Однако стоимость этих картин порою достигает запредельных высот, и коллекционеры со всего мира съезжаются на торги, чтобы выкупить понравившееся полотно.

AdMe.ru делится с вами 10 произведениями искусства, которые были проданы за десятки миллионов.

«Оранжевый, красный, желтый»

Марк Ротко, 1961
Стоимость: $ 86,882 млн

Автор рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», — и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной.

«Номер 5»

Джексон Поллок, 1948
Стоимость: $ 140 млн

Ценность работ Поллока — не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком

False start

Джаспер Джонс,1959
Стоимость: $ 80 млн

Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. Художник будто играет со зрителем, часто неверно подписывая цвета на картине.

«Супрематическая композиция»

Казимир Малевич,1916
Стоимость: $ 60 млн

В Городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха.

«Спящая девушка»

Рой Лихтенштейн,1964
Стоимость: $ 44,882 млн

Рой Лихтенштейн стал известным благодаря картинам на основе комиксов, к которым он пришел в начале 1960-х, когда ему было уже около 40. Главное, чего хотел добиться Лихтенштейн, — чтобы его картины выглядели как напечатанные, а не созданные человеком. Отсюда их главная особенность — использование лишь нескольких типографских цветов, черная линия и точки, с помощью которых художник добивался тени и глубины изображения.

«Живопись»

Хуан Миро,1927
Стоимость: $ 36,824 млн

Другое название картины — «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись», — и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором.

1949-A-No.1

Клиффорд Стилл,1949
Стоимость: $ 61,7 млн

Все свои работы Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но строительство обходилось властям дорого, и для его завершения 4 работы были выставлены на аукцион.

«Победа. Буги-вуги»

Пит Мондриан,1944
Стоимость: $ 40 млн

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты — любимого материала Мондриана.

«Свет Анны»

Барнетт Ньюман,1968

Стоимость: $ 105,7 млн

Полотно «Свет Анны», написанное Ньюманом в 1968 году и названное так в память о его матери, умершей в 1965-м, является самым большим из всего творческого наследия художника. Его размеры действительно впечатляют — 610,5 x 275 см.

«200 банок супа»

Энди Уорхол, 1962

Стоимость: $ 70—100 млн

В 1960—1962 годах появился ряд картин с изображением консервных банок с супом «Кэмпбелл». Вначале «портреты» банок супа исполнялись в технике живописи: «Банка с супом «Кэмпбелл», а с 1962-го — шелкографии: «32 банки супа «Кэмпбелл», «100 банок супа «Кэмпбелл», «200 банок супа «Кэмпбелл».

По материалам 1tmn

«ЖИВОПИСНАЯ» КАРТИНА | Наука и жизнь

Кое-что о цветах как цвете, а не «цветке»

Картина «Посвящение борцам с ветряными мельницами».

Цветовой круг.

Не только распределение цвета и света, но и подбор цветовой гаммы помогает ярче выразить содержание композиции «Прозрачный покров», создать в ней определенное настроение. В работе использованы листья дерева Будды, обработанные по специальной технологии и

На нежно-розовом фоне особенно гармонируют молодые листья и малиновые цветки розы. Облегчают композицию картины «Малиновый этюд» лепестки гвоздики и покрашенные в малиновый цвет метелочки пампассной травы.

Пейзажная картина «Полет стрекозы». Минимум использованного растительного материала: травинки, соцветие дикого укропа, лепестки маргариток и листик мышиного горошка.

Монохромная композиция «Дуновение ветра». Основной растительный материал: цветки дельфиниума — от нежно-розового до темно-сиреневого, сиреневые осенние листья сныти, осенние листья одуванчика и соцветие-зонтик цветущей сныти.

Картина «Планета двух солнц». Работа выполнена с использованием листьев девичьего винограда, одуванчика, остролистного клена, лепестков гвоздики и розы.

Контрастная композиция «Солнечные блики».

Одно из направлений современной флористики — флорраж: композиционный коллаж с использованием высушенных растительных материалов. Флорраж по своей сути декоративная «живописная» картина. Для ее создания необходимо в первую очередь знание законов цветовосприятия живописи.

Каждый сталкивался в своей жизни хоть раз с тем, что, зайдя в какое-нибудь помещение, вдруг начинал плохо себя чувствовать и не мог долго в нем находиться. А бывает и такое — сделан ремонт в квартире и вместо того, чтобы им наслаждаться, тянет из больших комнат на маленькую кухню. И во многом эти негативные ощущения определяет цвет.

НЕМНОГО ИСТОРИИ

Одним из первых, кто начал исследовать физиологическое и психологическое воздействие цвета, был немецкий поэт Гёте, считавший, что синий цвет вызывает чувство холода, красный — действует устрашающе, а зеленый — способен успокоить и глаза и душу.

В начале ХХ века интересное исследование провел французский ученый Ферэ. С помощью динамометра измерялась сила сжатия руки человека, затем этот же человек подвергался воздействию цветовыми лучами. Оранжевые лучи увеличивали силу сжатия руки в полтора раза, красные — в два. При кратковременной работе производительность труда увеличивалась при красном цвете и падала при синем, а во время длительной работы снижалась при синем и фиолетовом и увеличивалась при зеленом.

Другой ученый — Стефенеску-Гоанга из Румынии установил, что от оранжевого, желтого, красного цветов учащаются и углубляются дыхание и пульс; обратные явления вызывают голубой, синий, фиолетовый и зеленый цвета.

Особое значение цвету как резерву лечения придавал русский ученый и врач В. М. Бехтерев; он мечтал о постройке больницы, где бы цвет служил лекарством от нервных болезней.

ЦВЕТОВОЙ КРУГ — ПОМОЩНИК ДИЗАЙНЕРА

Зрительные ощущения возникают у человека в результате воздействия электромагнитных волн (принято говорить «световых лучей») на чувствительную часть глаза. Благодаря зрительным ощущениям мы познаем величины предметов, их пропорции, конструкцию, объем, пространственное расположение, а также освещенность и цвет.

Естественной шкалой цветовых тонов служит спектр. Свет солнца принято считать белым, на самом деле сложный его состав можно наблюдать при прохождении солнечного луча через стеклянную призму. Вне зависимости от размера полученной спектральной полосы последовательность цветов неизменна: на одном конце находятся фиолетовые, на другом — красные цвета (в природе можно это видеть, наблюдая радугу). При расположении цветов спектра по окружности получают цветовой круг — основной помощник дизайнера при подборе цветовых сочетаний.

В цветовом круге представлены цвета, характеризующиеся определенной длиной волны; называют их хроматическими. В спектре нет белых, серых и черных цветов, образованных путем смешения нескольких других; их называют ахроматическими.

Обычно цветовой круг разделяют на две части — теплую и холодную. Теплые цвета — красный, оранжевый, желтый — напоминают цвет огня и солнца, несущий тепло и энергию. Холодные — синий, фиолетовый, зеленый — ассоциируются в нашем представлении с водой, льдом, лунным светом и оказывают расслабляющее действие.

Существуют и другие деления цветового круга, например на тяжелые и легкие цвета.

ЧЕЛОВЕК ПОЗНАЕТ ЦВЕТ

На две группы принято разделять и наши ощущения цвета. Ощущения ахроматических цветов: черный, белый и все серые (от самого светлого до самого темного), их отнюдь не три или четыре, а значительно больше — это мокрый асфальт, сажа, маренго, насыщенный черный, китайские белила. Все остальные — ощущения хроматических цветов.

Выделяя любой цвет, обращают внимание на его тон, светлоту (светосилу) и насыщенность (интенсивность). По цветовому тону глаз обычного человека способен различить до 150 переходов, тренированного — до 360 тонов.

Светлота цвета определяется коэффициентом отражения лучей, падающих на поверхность. Например, белая бумага отражает 85% падающего цвета, черный бархат — 0,03%. Светлота тесно связана с фактурой материала: чем больше света отражает та или иная поверхность, тем больше ее светлота. Так, гладкая белая бумага отражает падающий свет лучше и выглядит светлее, чем белая шероховатая.

Со словом «насыщенность (интенсивность) цвета» художники обычно связывают такие понятия, как «звучность», «глубина», и зависит эта величина от соотношения количества лучей, характеризующих цвет конкретной поверхности, со всем количеством лучей, отражаемых этой поверхностью.

ТРЕХКОМПОНЕНТНАЯ ТЕОРИЯ ЗРЕНИЯ

Согласно трехкомпонентной теории зрения, все цветовые ощущения можно получить посредством смешения трех цветов — красного, синего и желтого; их так и называют — основные. Различают смешение цветов оптическое и пространственное. Закономерности пространственного смешения, прежде всего, необходимо учитывать при создании композиции, рассчитанной на восприятие с дальнего расстояния — более чем 3-4 метра. Как важны здесь располагаемые рядом цвета — будь то листья, лепестки или отдельные бутоны!

СМЕШЕНИЕ ЦВЕТОВ

Наглядно оптическое смешение можно наблюдать при быстром вращении круга, составленного из секторов разного цвета. Для каждого хроматического цвета есть другой, от смешения с которым получается ахроматический цвет. Такие цвета, взаимно нейтрализующие друг друга, называются дополнительными. На цветовом круге они располагаются напротив, например оранжевый и голубой.

Смешивая два недополнительных цвета, получают новый, промежуточный цвет. Так, при смешении красного и синего получают фиолетовый.

Пространственное смешение происходит, если посмотреть с некоторого расстояния на небольшие, касающиеся друг друга цветовые пятна. Это как раз то, с чем работает фитодизайнер, — своеобразная мозаика цветовых плоскостей и объемов. Оптическое и пространственное смешение не всегда совпадает. Например, расположенные рядом два дополнительных цвета усиливают друг друга, создают контрастную гамму, и, напротив, они бледнеют и становятся серыми, если их смешивают.

ЦВЕТОВОЙ КОНТРАСТ

Любой цвет (как ахроматический, так и хроматический) на фоне более темных светлеет, а на фоне более светлых — темнеет.

Контраст называется светлотным, или ахроматическим, если изменяется только светлота, и хроматическим, если изменяется тон или насыщенность (либо то и другое одновременно).

Для лучшего восприятия композиции цвета, используемые для ее исполнения, не должны быть уравновешены, то есть находиться в равных пропорциях. Лучшее впечатление производят композиции с контрастными цветовыми сочетаниями. Не всегда могут похвастаться тем же монохромные произведения, хотя для интерьеров, выполненных в спокойной цветовой гамме, они подходят больше.

ГАРМОНИЧНЫЙ ФЛОРРАЖ

Многие, наверное, сталкивались в жизни с тем, что яркое и броское, например алые тюльпаны, вдруг тускнели, блекли в букете рядом с другими цветами. Необходимого гармоничного сочетания можно достичь медленно, путем проб, или быстро, используя знание законов цветоведения, о которых мы уже рассказали. Для начала запомните: нет цвета как такового, он существует лишь в соотношении с другими.

НЕМНОГО ПРАКТИКИ

Контрастная композиция «Солнечные блики» (эта и все другие картины выполнены автором статьи художником-дизайнером Н. Кошевой).

Цветы и растения подбирают по цветовой гамме. Наиболее контрастные цвета(называемые часто дополнительными) расположены на цветовом круге по диагонали напротив друг друга, например зеленый и красный или желтый и фиолетовый. Учитывая это, находят растительный материал: лепестки хризантемы, желтой циннии, подсолнуха, соцветия таволги, цветки календулы, мать-и-мачехи, фиолетовые цветки дельфиниума, сиренево-фиолетовые листья девичьего винограда, листья клена, в зависимости от того, какой цвет будет преобладать в картине — желтый или фиолетовый. Растительным материалом заполняют 1/2 площади фона. При желто-фиолетовой гамме фон должен быть спокойным, светло-желтым.


Моне и money: импрессионизм и модернизм за миллионы | Статьи

Сезанн за десятки миллионов долларов, огромная абстракция Марка Ротко и портреты возлюбленной Пабло Пикассо. В середине мая с молотка уйдет целый ряд живописных произведений конца XIX и XX века исключительного качества. Причем конкурирующие аукционные дома будто нарочно выставляют в качестве топ-лотов работы одних и тех же художников в одной и той же — высшей — ценовой категории. «Известия» выбрали самые громкие заявки на рыночные рекорды.

Пейзажи Клода Моне

Сразу два больших полотна Клода Моне можно будет купить в ближайшие дни в Нью-Йорке. Вечером 12 мая Sotheby’s продаст «Пруд с водяными лилиями» (1917–1919), а сутки спустя Christie’s предложит коллекционерам побороться за «Мост Ватерлоо. Эффект тумана» (1899–1903). Оба аукционных дома не указывают эстимейты, но «Известия» узнали, что «Пруд с водяными лилиями» оценивается в районе $40 млн, а «Мост Ватерлоо» — около $35 млн. Цифры поражают воображение, но на самом деле для живописи главного импрессиониста это не так уж и много. Текущий аукционный рекорд был поставлен в 2019-м: за $110,7 млн ушло полотно «Стога сена» (1890). И хотя шансы, что эта планка будет преодолена, минимальны, список из 10 самых дорогих произведений Моне вполне может скорректироваться.

Фото: Sotheby’s

Картина Клода Моне «Пруд с водяными лилиями»

Изображение пруда в Живерни — прекрасный экземпляр из поздней серии, фактически перебрасывающей мостик от импрессионизма к абстракционизму. Вибрирующие, будто парящие краски на полотне 200х100 см обладают самодостаточной выразительностью. Недаром в лондонской Tate Modern картины этого цикла висят аккурат напротив зала Марка Ротко. Впрочем, линии и формы на вещи Sotheby’s конкретнее, а цвета ярче, чем на одноименной картине того же размера и с тем же видом, проданной в 2008 году за £40,9 млн.

«Мост Ватерлоо» — работа более ранняя, чем «Лилии», но не менее показательная для эволюции стиля художника. Контуры центрального объекта буквально растворяются в голубовато-сизом тумане. Моне в те годы был увлечен передачей атмосферных явлений на фоне архитектурных объектов (вспомним серию с Руанским собором из ГМИИ имени Пушкина). В 2007-м аналогичное изображение моста Ватерлоо ушло за £17,9 млн при эстимейте £6-8 млн. Видимо, теперь в Christie’s решили не скромничать. Пандемии пандемиями, а импрессионизм всегда в цене.

Портреты Пабло Пикассо

Не только два образцовых Моне, но и два столь же выдающихся Пикассо практически одновременно выставлены на торги. Причем, на обеих картинах испанца изображена одна и та же модель, его любовница Мария-Тереза Вальтер. Самый громкий лот — у Christie’s: «Женщина, сидящая у окна» (1932) оценена в $55 млн (читайте отдельный материал «Известий»). Скромнее в запросах — клиент Bonhams: эстимейт «Женщины в лиловом берете» (1937) составляет $10–15 млн. Разница объясняется в первую очередь размером — 146х114 см против 41х33 см.

Фото: Christie’s

Картина Пабло Пикассо «Женщина, сидящая у окна»

Но и по части живописных достоинств более ранняя вещь интереснее: обтекаемые однотонные геометрические формы, из которых сложен образ девушки, будто разъезжаются, но в то же время выглядят вместе исключительно гармонично. У лота Bonhams «в кадре» только голова модели, и здесь Пикассо устраивает излюбленный фокус, совмещается вид анфас и профиль. Вдобавок персонаж зажат между тремя стенами, и вкупе с небольшими размерами полотна это заставляет нас ощутить себя в непосредственной близости от изображенной дамы — художник специфически передал свое физическое влечение к ней.

«Натюрморт. Яблоки и груши» Поля Сезанна

Еще один шедевр импрессионизма на тех же торгах Sotheby’s, где представлена картина Моне — «Натюрморт. Яблоки и груши» (1888–1890) Поля Сезанна. Выполненное в типично сезанновской цветовой гамме изображение фруктов на первый взгляд вполне реалистично, но можно заметить, что художник нарушает законы перспективы. Показателен и уклон края стола, на котором лежат яблоки, груши и блюдце. Кажется, что все они сейчас съедут вправо. Отсутствие устойчивости делает композицию более динамичной и нестандартной, и в целом это уже шаг к модернизму.

Фото: Sotheby’s

Картина Поля Сезанна «Натюрморт. Яблоки и груши»

Первым владельцем картины был знаменитый парижский арт-дилер Амбруаз Воллар, затем она побывала во многих известных коллекциях и неоднократно участвовала в выставках. Так что провенанс у лота прекрасный. Вкупе с исключительными художественными достоинствами это обеспечило впечатляющий для небольшого полотна эстимейт $25–35 млн. Впрочем, в 2013 году очень похожий натюрморт Сезанна того же периода и размеров был продан за $41,6 млн. И этот факт не оставляет сомнений, что сейчас стоит ожидать существенного превышения верхней границы оценки.

«Без названия» Марка Ротко

Вышеописанная картина Клода Моне, как оказывается, не самая дорогая на вечерних торгах Christie’s. Еще более высокий эстимейт — у безымянной абстракции Марка Ротко, его предпоследней работы. Три нестабильных по насыщенности темно-зеленых плоскости омываются мерцающими линиями индиго, по краям холста переходящим в фиолетовый. Образцовая вещь, достойный финал творчества — и пугающая, мистическая метафора приближения к вечности: менее чем через два месяца после создания полотна Ротко покончил с собой.

Фото: Christie’s

Безымянная абстракция Марка Ротко

Семь лет назад это произведение было продано на Sotheby’s за $39,9 млн при эстимейте $15–20 млн. Christie’s и нынешний владелец полотна рассчитывают, очевидно, на более высокий результат. Оценка не фигурирует в открытом доступе, но, как сообщили «Известиям» в аукционном доме, эта цифра составляет около $40 млн. А эстимейт, как правило, ниже суммы продажи. Заметим, что текущий рекорд при публичной продаже произведений Ротко был поставлен именно на Christie’s: в 2012 году работа «Оранжевый, красный, желтый» была продана за $86,8 млн, но она существенно крупнее. К тому же, считается, что изображения в ярких теплых цветах для коллекционеров привлекательнее.

С картами

Легендарный нонконформист Олег Целков нашел своего персонажа в 1960 году, и с тех пор этот образ не покидает его картины, его мысли. Он называет его просто — «морда». В автобиографии художник красочно описывает его облик: «Невиданное доселе племя… Безволосые гладкие головки, сидящие на мощных шеях, с узенькими лбами и массивными подбородками. Сверлящие, запрятанные в узкие щелочки немигающих век зрачки, похожие на взгляд сильного животного, которое неожиданно столкнулось с тобой нос к носу и вперилось в твои глаза так, что ты опускаешь свои и боком уходишь прочь, в сторону, боясь оглянуться…»

По словам Олега Целкова, за почти 60 лет создания этого «невиданного доселе племени», этих «морд», он так и не смог понять, кто они: «Волею судеб я первым из всех художников создал лицо, в котором нет идеализации. Лицо, в котором нет ничего от лица Бога. И с тех пор всю свою жизнь я думаю над загадкой этого лица и не нахожу ответа».

В картинах периода 1960-х «морды» выглядят плоскостными, цвета почти локальными. В начале 1970-х Целков начинает работать в технике живописи Рембрандта: нанося множество слоев краски, создавая тончайшие лессировки, он достигает новой глубины цвета. В это же время художник начинает использовать в полотнах не более 2-3 спектральных цветов (красный, желтый, зеленый, фиолетовый, др.) и иногда черный. Причем один из них всегда выступает основным — часто фоновым, в котором утопают изображенные фигуры. Олег Целков совершенствует эту технику в течение многих лет. К 1980-м годам формируется узнаваемая изобразительная манера художника. Его картины будто светятся изнутри, их колорит, их объем не может передать никакой фотоаппарат.

Над одним полотном Олег Целков, стоя за мольбертом по девять часов в день, работает от одного года до трех лет. Обычно у него в процессе сразу несколько картин: пока слои краски на одной подсыхают, художник продолжает другую. Целков работает не только кистью, он буквально «лепит форму» руками — пальцами и ладонями: растушевывает, высветляет отдельные поля, которые придают фигурам объем.

Картины Олега Целкова можно разделить на условные циклы по колориту, по сюжетам или по тем предметам, которые используют «морды». В 1996-1999 годах Целков создает ряд полотен, в которых появляются плоские прямоугольные фигуры: они образуют то карты, то веер, то книгу. На картине «С картами» 1999 года, представленной на аукционе, изображен персонаж с картами в правой руке, также мы видим часть стола, на которой лежит одна из них. Будто сделан ход, и «морда» смотрит на нас, и ждет, чем карта будет бита. Композиционно с этой работой рифмуются еще две картины с другим — фиолетовым колоритом. В одной из них — одноименной, 1997 года, — наверно, идея только зародилась: мы не видим ни стола, ни предплечья правой руки. Действительно, существует «прототип»: еще более ранняя картина «С веером» 1996 года, ее общая структура и колорит перейдет к картине «С картами» 1997 года. Далее вторая «рифма», благодаря которой мы можем наблюдать, как работает мысль художника: Целков развивает идею и создает к 1999 году более масштабное полотно «С картами за столом». Здесь, помимо верхней, аналогичной предыдущим картинам, части, появляется нижняя — с ногами и левой рукой с картами. Причем верхнюю часть художник выполняет в том же фиолетовом с парой розовых карт, а нижнюю — полностью выписывает цветом, близким к красному.

В этом же 1999 году Целков будто создает инверсию всей верхней части работы «С картами за столом», и тогда появляется картина «С картами», представленная на аукционе. Она выполнена в сложном красно-розовом колорите, оттенки которого, кажется, невозможно различить. Персонаж объединен с фоном, он будто выплывает из этого светящегося озера цвета. Художник делает здесь только три акцента контрастным зеленым — две карты из веера в руке и одна на столе. Олег Целков всегда смело экспериментирует с цветом. В рассматриваемый период — в 1996-1999 годах — в ряде картин основным выступает цвет, близкий то к красному, то к розовому, художник прибавляет к нему зеленый, фиолетовый, синий, оранжевый, создавая практически психоделические сочетания.

Персонажи картин, даже тех, что рифмуются между собой, значительно различаются. У них разные формы носа, глаз, рта, разное выражение лиц — хитрое, злое, хищное, спокойное, удивленное и так далее, разный пол. Они как люди одной национальности: вроде очень похожи, но все-таки совершенно разные, уникальные. И, как рассказывает Олег Целков, они так же, как люди, меняются с годами: «Мои картины имеют удивительное свойство, которое я заметил, наблюдая за ними в течение многих лет. Иногда я смотрю на своих персонажей и не узнаю их: вроде бы я писал другое… Как будто картины вбирают в себя окружающую энергетику. И они меняются… Или, может, меняемся мы?» V

«Оранжевое, красное, желтое» Марка Ротко — каракули, царапины и другие абстрактные произведения искусства, которые принесли миллионы

«Оранжевое, красное, желтое» Марка Ротко — каракули, царапины и другие абстрактные произведения искусства, которые принесли миллионы | The Economic Times

Кто сказал, что каракули или царапины ничего не стоят? Посмотрите на эти рефераты, которые были проданы за целое состояние благодаря своему минималистичному очарованию.

Getty Images

2/6

Без названия (1970) Сая Твомбли

Стоимость: 70 долларов. 5 миллионов

То, что кажется меловыми каракулями на грифельной доске, на самом деле является произведением Эдвина Паркера «Сай» Твомбли-младшего, написанным масляной краской и мелками на холсте, которое принесло художнику рекордную цену на аукционе Christie’s в 2014 году. Часть картин Твомбли «классная доска», произведение искусства 1970 года вдохновлено его работой в Пентагоне в качестве криптолога. Что интересно, так это то, как он создал это произведение искусства. Он сидел на плечах друга, который продолжал ходить по холсту, позволяя Твомбли создавать плавные линии.Тогдашний владелец картины Одри Ирмас, филантроп, рассталась с картиной, чтобы собрать средства для своего фонда социальной справедливости. Интересно, что Ирмас купил картину за 3,85 млн. Долл. США в 1990 году.

(изображение: www.christies.com)

Агентства

3/6

Зеленый белый от ellsworth Kelly

Стоимость: $ 1. 65 миллион

Это произведение искусства 1961 года, когда-то входившее в коллекцию Роберта и Джин Шенберг, было выставлено на продажу на аукционе Christie’s в 2008 году.Келли был художником по камуфляжу во время службы в армии в 1940-х годах. Он был частью подразделения, известного как «Армия Призраков», состоящего из художников и дизайнеров, которые рисовали предметы, которые могли ввести вражеских солдат в заблуждение.

(изображение: www.christies.com)

Агентства

4/6

‘Оранжевый, красный, желтый’ от Mark Rothko

Стоимость: $ 86,88 млн. (Включая премию покупателя)

Яркие оранжевые, красные и желтые прямоугольники были частью имущества коллекционера произведений искусства Дэвида Пинкуса и были выведены на рынок Christie’s в 2012 году, где их продажа установила рекорд для послевоенного/современного искусства того времени.Работа Ротко 1961 года находилась во владении Пинкуса четыре с половиной десятилетия. Окончательная ставка в два раза превышала самую высокую оценку произведения искусства.

(изображение: www.carmrothko.org)

5/6

‘Concetto Spaziale, ATTESE’ by Lucio Fontana

Стоимость: $ 16,2 млн.

24 острых вертикальных слез на На аукционе Sotheby’s в 2015 году на аукционе Sotheby’s в 2015 году оспаривался темно-красный, написанный водой холст шириной семь футов.Тем не менее, картина была продана ниже низкой предпродажной оценки в 15 миллионов долларов. Оказывается, Фонтана был вдохновлен на создание этого произведения искусства просмотром «Красной пустыни» — фильма 1964 года, созданного Микеланджело Антониони и получившего «Золотого льва» на Венецианском кинофестивале того года. На самом деле надпись на обороте картины на итальянском языке гласит: «Я вчера вернулся из Венеции, я видел фильм Антониони!!!»

(Изображение: www. sothebys.com)

Агентства

6/6

«Черный огонь I» Барнетта Ньюмана

Стоимость: $.16 миллионов

Совершенно черная палитра Ньюмана 1961 года на бледном холсте была частью послевоенного и современного вечернего аукциона Christie’s в 2014 году. Ньюман начал баловаться абстрактным выражением, когда оплакивал смерть своего младшего брата Джорджа. О зацикленности художника на черном цвете искусствовед Томас Хесс вспоминал, как Ньюман сказал: «Когда художник хочет измениться, когда он хочет изобретать, он обращается к черному цвету, поскольку это способ очистить стол — получить новые идеи». Сейчас картина находится у частного коллекционера.У предыдущего владельца картина хранилась почти 40 лет.

(Изображение: www.christies.com)

Чтобы просмотреть сохраненные истории, щелкните ссылку, выделенную жирным шрифтом

Почему в живописи основными цветами являются красный, желтый и синий, а на экранах компьютеров используются красный и зеленый , а синий?

Категория: Биология      Опубликовано: 22 января 2015 г.

Цветовая система, которая лучше всего соответствует человеческому глазу, — это красно-зелено-синяя цветовая система.Для аддитивных цветовых систем, таких как компьютерные экраны, основными цветами системы этого типа являются красный, зеленый и синий. Для субтрактивных цветовых систем, таких как чернила, основными цветами этого типа системы являются противоположности красного, зеленого и синего, то есть голубого, пурпурного и желтого. Красно-желто-синяя цветовая система живописи фактически представляет собой искажение голубо-пурпурно-желтой системы, поскольку голубой близок к синему, а пурпурный близок к красному. Изображение общественного достояния, источник: Кристофер С. Бэрд.

Красный, желтый и синий не являются основными основными цветами живописи и фактически не очень хороши для любого применения.

Прежде всего, вы можете определить любые цвета, которые вы хотите сделать «основными цветами» вашей цветовой системы, чтобы другие цвета были получены путем смешивания основных цветов. Хотя цветовых систем может быть бесконечное количество, не все они одинаково полезны, практичны или эффективны. Например, я могу создать цветовую систему, в которой я определяю светло-голубой, средне-синий и фиолетовый цвета в качестве основных. Несмотря на то, что я могу свободно определять мои основные цвета как таковые, эта цветовая система в целом не очень полезна, потому что никакое смешивание этих основных цветов не даст красного, оранжевого, желтого и т. д.Следовательно, мы должны различать цветовую систему и эффективных цветовых систем . Эффективность цветовой системы лучше всего измеряется количеством различных цветов, которые можно получить, смешивая основные цвета системы. Этот набор цветов называется «цветовой гаммой» системы. Цветовая система с широкой гаммой способна более эффективно отображать большое разнообразие изображений, содержащих разные цвета.

Наиболее эффективными цветовыми системами являются те, которые точно соответствуют физической работе человеческого глаза, поскольку в конечном итоге именно человеческий глаз воспринимает цвет. Человеческий глаз содержит изогнутый массив светочувствительных клеток в форме маленьких колбочек и палочек. Колбочки улавливают цветной свет. Клетки колбочек бывают трех видов: обнаруживающие красный цвет, обнаруживающие зеленый цвет и обнаруживающие синий цвет. Они названы так потому, что клетки красных колбочек в основном обнаруживают красный свет, клетки зеленых колбочек в основном обнаруживают зеленый свет, а клетки синих колбочек в основном обнаруживают синий свет. Обратите внимание, что несмотря на то, что красная колбочка в основном распознает красный цвет, она также может распознавать некоторые другие цвета.Поэтому, хотя у людей нет желтых колбочек, мы все равно можем видеть желтый свет, когда он запускает красную и зеленую колбочки. Таким образом, у людей есть встроенный механизм декодирования цветов, который позволяет нам воспринимать миллионы цветов, хотя у нас есть только зрительные клетки, которые видят преимущественно красный, зеленый и синий цвета. На этом этапе должно быть очевидно, что наиболее эффективными цветовыми системами являются те, которые точно соответствуют человеческому глазу, т. е. цветовые системы, которые смешивают красный, зеленый и синий свет.

Есть небольшая сложность, потому что на самом деле есть два основных способа создания светового луча. Мы можем либо создавать свет напрямую, используя источники света, либо отражать белый свет от материала, который поглощает определенные цвета. Система, которая создает свет напрямую, называется «аддитивной» цветовой системой, поскольку цвета от разных источников света складываются вместе, чтобы дать окончательный луч света. Примерами аддитивных цветовых систем являются компьютерные экраны. Каждый пиксель изображения на экране компьютера — это всего лишь небольшой набор источников света, излучающих разные цвета.Если вы отображаете изображение тыквы на экране вашего компьютера, вы на самом деле не включили какие-либо источники оранжевого света на экране. Скорее, вы включили крошечные источники света, излучающие красный, а также крошечные источники света, излучающие зеленый свет на экране, и красный и зеленый свет складываются, чтобы получить оранжевый цвет.

Верхнее изображение показывает, как красный, зеленый и синий добавляются к другим цветам, например, на экранах компьютеров. На нижнем изображении показано, как голубой, пурпурный и желтый вычитаются для получения других цветов, например чернил.Изображение общественного достояния, источник: Кристофер С. Бэрд.

В отличие от аддитивной системы цветовые системы, которые удаляют цвета за счет поглощения, называются «вычитающими» цветовыми системами. Они называются так потому, что окончательный цвет получается, начиная с белого света (который содержит все цвета), а затем вычитая определенные цвета, оставляя другие цвета. Примерами субтрактивных цветовых систем являются краски, пигменты и чернила. Оранжевая тыква, которую вы видите напечатанной в газете, не обязательно создается путем распыления оранжевых чернил на бумагу.Скорее всего, на бумагу распыляются желтые и пурпурные чернила. Желтые чернила поглощают синий свет и немного зеленого и красного из луча белого света, в то время как пурпурные чернила поглощают зеленый свет и немного синего и красного, оставляя обратно только оранжевый свет.

Таким образом, существуют два равноценных метода создания цвета: аддитивные системы и субтрактивные системы. Имея это в виду, есть, таким образом, две системы цвета, которые наиболее эффективны (т. е. наиболее способны соответствовать человеческому глазу): (1) аддитивная система, которая создает красный, зеленый и синий свет, и (2) субтрактивная система, которая создает красный, зеленый и синий свет.

Для аддитивной системы свет создается напрямую. Это означает, что основными цветами наиболее эффективной системы аддитивных цветов являются просто красный, зеленый и синий (RGB). Вот почему экраны большинства компьютеров, от iPod до телевизоров, содержат сетку из маленьких красных, зеленых и синих источников света.

Для субтрактивной цветовой системы определенный отраженный цвет получается путем поглощения противоположного цвета. Таким образом, основные цвета наиболее эффективной субтрактивной системы — противоположности красного, зеленого и синего, которые оказались голубым, пурпурным и желтым (CMY). Вот почему большинство печатных изображений содержат сетку из маленьких голубых, пурпурных и желтых точек чернил. Голубой противоположен красному и находится на полпути между зеленым и синим. Пурпурный цвет противоположен зеленому и находится на полпути между синим и красным, а желтый цвет противоположен синему и находится на полпути между красным и зеленым.

Таким образом, наиболее эффективными цветовыми системами являются красный-зеленый-синий для аддитивных цветовых систем и голубой-пурпурный-желтый для субтрактивных цветовых систем.

Так откуда взялась красно-желто-синяя цветовая система, которой учат в начальной школе? Как правило, учащиеся впервые сталкиваются с понятиями цвета, когда рисуют на уроках рисования в начальной школе.Краска — это субтрактивная цветовая система, поэтому наиболее эффективными основными цветами для рисования являются голубой, пурпурный и желтый. Обратите внимание, что высококачественные картины, как правило, не используют только три основных цвета, поскольку более яркие сцены могут быть получены с использованием десятков основных цветов. Но при обучении искусству проще начать с простого; всего тремя основными цветами. Теперь для маленького школьника слова «голубой» и «пурпурный» мало что значат. Кроме того, для неразборчивого глаза подростка голубой цвет выглядит ужасно близким к синему, а пурпурный — ужасно близким к красному.Таким образом, голубой-магнета-желтый становится сине-красно-желтым. Учителя начальной школы либо по незнанию увековечивают эту менее эффективную цветовую модель (потому что так их учили в детстве), либо намеренно увековечивают ее (потому что слишком сложно научить шестилетних детей разнице между голубым и синим). Историческая традиция также была основной движущей силой красно-желто-синей цветовой системы, поскольку исторически считалось, что она эффективна до того, как были поняты детали человеческого зрения.Поскольку красно-желто-синяя цветовая система менее эффективна, в наши дни она практически нигде не используется, кроме как в начальной школе.

Темы: CMY, RGB, цвет, смешивание цветов, теория цвета, свет, основной цвет, основные цвета, зрение

Картина Модильяни «Ню Кушэ» продана за 170,4 миллиона долларов — это вторая самая дорогая картина, когда-либо проданная на аукционе

через Christie’s

Картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины (версия O)» стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе за ошеломляющую цену в 179 миллионов долларов 11 мая 2015 года. .. возглавляет список картин прославленных художников со всего мира.

Нью-йоркский аукционист Christie’s Юсси Пюлкканен, продавший картину, назвал ее «Моцартом живописи 20-го века».

CBSNews.com Старший фоторедактор Радхика Чаласани

№ 1 — «Женщины Алжира», Пикассо

Кэти Уилленс/AP

Аукционист Юсси Пылкканен принимает ставки на картину Пабло Пикассо «Женщины Алжира (Версия O)», которая была продана чуть более чем за 179 миллионов долларов, установив мировой рекорд для произведений искусства на аукционе Christie’s, Нью-Йорк, 11 мая 2015 года.

№ 1 — О’Киф — Самая дорогая художница

Сотбис

Картина Джорджии О’Киф 1932 года «Джимсон Уид, белый цветок № 1» побила рекорды 20 мая 2015 года, когда была продана анонимному покупателю за 44,4 миллиона долларов — цена, в три раза превышающая предыдущий аукционный рекорд для художницы. Джоан Митчелл стала самой продаваемой художницей за безымянную картину 1960 года за 11 долларов.9 миллионов.

На картине О’Киф изображен один из любимых предметов художника: увеличенный цветок. О’Киф сказал: «Когда вы берете цветок в руку и действительно смотрите на него, на данный момент это ваш мир. Я хочу подарить этот мир кому-то другому».

№ 2 — «Ню Кушэ»

через Christie’s

Картина Амедео Модиджани «Nu Couché» была продана за 170,4 миллиона долларов с учетом сборов 9 ноября 2015 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке всего за девять минут.

Первоначально оцененная в 100 миллионов долларов, она стала второй самой дорогой картиной, проданной на аукционе. Покупатель из Китая сделал ставку по телефону.

№3 — «Три этюда Люсьена Фрейда»

Питер Макдиармид / Getty Images

Написанный Фрэнсисом Бэконом в 1969 году триптих в натуральную величину «Три этюда Люсьена Фрейда» изображает друга Бэкона Люсьена Фрейда на деревянном стуле. Бэкон — один из величайших современных художников середины 20 века.

Картина была частью аукциона послевоенного и современного искусства Christie’s, Нью-Йорк, 12 ноября 2013 года, и была оценена в 85 миллионов долларов.

Тем не менее, из-за войны между семью покупателями цена продажи выросла до 142,4 миллиона долларов.

№4 — «Крик», Эдвард Мунк

Карл Корт/AFP/Getty Images

Версия «Крика», написанная пастелью на доске норвежского художника Эдварда Мунка в 1895 году, является одним из величайших шедевров экспрессионизма всех времен.Пока «Женщины Алжира» не попали в заголовки, это была самая дорогая картина, когда-либо проданная на аукционе, которая была продана на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2012 году за 119,9 миллиона долларов.

«Крик» также является самым дорогим рисунком пастелью. Это было описано как «выражение личных страданий» из-за трагической семейной истории художника, которая включала сестру, содержащуюся в приюте, где, как сообщается, крики можно было услышать снаружи.

Существуют три другие версии картины.

№4 — «Крик», Эдвард Муч

Марио Тама / Getty Images

Картина Эдварда Мунка «Крик» выставлена ​​на аукцион Sotheby’s May 2012 Sales of Impressionist, Modern and Contemporary Art в Нью-Йорке 2 мая 2012 года. Шедевр является одной из четырех версий, созданных Мунк, и единственной, находящейся в частной собственности. Шедевр был продан более чем за 119 миллионов долларов.

№ 5 — «Обнаженная, зеленые листья и бюст»

Стэн Хонда/AFP/Getty Images

Картина Пабло Пикассо 1932 года «Обнаженная, зеленые листья и бюст», оцененная до продажи в 70–90 миллионов долларов, продана за 106 долларов.5 миллионов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке, 4 мая 2010 года.

Картина известна как «потерянный Пикассо», поскольку ее не видели на публике 60 лет. Ранее он переходил из рук в руки еще в 1951 году всего за 18 000 долларов.

№ 6 — «Серебряная автокатастрофа (двойная катастрофа)»

Эммануэль Дюнан/AFP/Getty Images

Двухпанельная картина Энди Уорхола «Серебряная автокатастрофа (Двойная катастрофа)» 1963 года продана за 105 долларов.4 миллиона на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2013 году. Это последняя из четырех работ, изображающих автокатастрофу. Слева — набор из 15 фотографий автокатастрофы. Правая сторона представляет собой большой серебряный прямоугольник.

Это произведение превзошло предыдущий аукционный рекорд Уорхола для поп-арта («Зеленая автокатастрофа», 1963) на 30 миллионов долларов. 1 января 2013 г. Картина была замечена на публике только один раз с 1987 года и была продана неизвестному покупателю.

№7 — «Гарсон а ля трубка», Пабло Пикассо

Стэн Хонда/AFP/Getty, AFP/Getty Images

Картина Пабло Пикассо «Garcon a la Pipe» достигла своей цены в 104,2 миллиона долларов всего за семь минут торгов на Soethby’s в Нью-Йорке в 2004 году, что было рекордной ценой для Пикассо, пока ее не превзошла продажа «Les Femmes D’Alger».

Здесь двое сотрудников Sotheby’s держат «Garcon a la Pipe» 5 мая 2004 года во время аукциона.

Великий мастер Пикассо имеет четыре картины в списке 10 лучших, что делает его, возможно, одним из самых ценных художников двадцатого века всех времен на сегодняшний день.

№8 — «Медсестра»

через Christie’s

Поп-арт 1964 года «Медсестра» американского художника Роя Лихтенштейна был продан за 95,4 миллиона долларов на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в рамках кураторской распродажи «Муза художника» 9 ноября 2015 года.Это был рекорд для эстрадного исполнителя.

Шедевр с фирменными точками Бен-Дэя художника был написан на пике карьеры Лихтенштейна. Аукционный дом описал предмет как «типичную героиню Лихтенштейна», позаимствованную из комического любовного романа начала 1960-х годов.

Картина в стиле комиксов, ранее проданная на аукционе за 1,7 миллиона долларов в 1995 году.

№9 — «Дора Маар с кошкой»,

Бертран Гуай/AFP/Getty Images

«Дора Маар с кошкой», один из самых больших и важных портретов любовницы и музы Пикассо, был написан в 1941 году.

Оцененная в 50 миллионов долларов, она была продана за 95,2 миллиона долларов, что сделало ее второй самой дорогой картиной, проданной аукционным домом в истории искусства. Его не показывали публике почти 40 лет.

№10 — «Адель Блох-бауэр II», Климт

Тимоти А. Клэри/AFP/Getty Images

Картина Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр II», написанная в 1912 году, продана на аукционе в 2006 году за 87 долларов.9 миллионов. Это одна из двух известных версий; у первой версии был золотой фон. Климт считается одним из лучших портретистов довоенной Европы.

Здесь сотрудники Christie’s разговаривают по телефону и принимают ставки, пока изображение Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр II» проецируется на экран во время вечерней распродажи импрессионистов и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке, 8 ноября 2006 года. Картина была продана за 87 936 000 долларов.

№11 — «Оранжевый, красный, желтый», Rothko

Кейт Гиллон / Getty Images

Картина Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в 2012 году за 86 долларов.9 миллионов, что делает ее самой дорогой абстрактной картиной художника 20-го века.

№ 12 — «Триптих», Фрэнсис Бэкон

Кейт Гиллон / Getty Images

«Триптих» Фрэнсиса Бэкона 1976 года имел предпродажную оценку в 70 миллионов долларов, но в конечном итоге был продан за 86,3 миллиона долларов в 2008 году на распродаже современного искусства Sotheby’s в Нью-Йорке.

Картина считается одной из самых сложных и творческих работ Бэкона.

цветовых палитр, используемых 10 известными картинами, чтобы помочь вам использовать цвет

Цвет может создать или разрушить любую картину.

Цвет — это первое впечатление, которое возникает у человека при первом взгляде на вашу работу.

Независимо от того, являетесь ли вы дизайнером, прекрасным художником или иллюстратором, цвет играет решающую роль, и мы все можем учиться у него.

Самые известные художники прошлого и настоящего использовали цвет для создания художественных шедевров – (поскольку они являются шедеврами не просто так!).

Следуя моей предыдущей статье о том, как использовать цвет, и другому моему руководству, помогающему вам понять цветовой круг, в этом посте я рассмотрю 10 шедевров живописи и цвета, которые используют эти художники.

Я рассмотрю различные цветовые схемы этих картин, пойму выбранные ими цветовые палитры и гаммы, а также их место в цветовом круге. Вы можете взять это в свою собственную теорию цвета и использовать в своих иллюстрациях, дизайнерских работах и ​​собственном выборе цвета.

В этом сообщении блога вы узнаете, как эксперты использовали цвет, чтобы вы могли повысить уровень этого жизненно важного навыка в своем искусстве. Вы узнаете, какой цвет они используют, цветовой анализ каждой картины, узнаете, как цвет сформировал их композиции.

Эти 10 известных художников и картин включают в себя моего любимого художника всех времен Дэвида Хокни, классическую работу Рембрандта, и картину Клода Моне, написанную маслом.

Цветовой круг

Прежде чем говорить о цвете, используемом в каждом шедевре, важно поговорить об основах цвета: цветовом круге.

Цветовой круг состоит из основных цветов: красного, желтого и синего (или цветов RGB или цифровых). Цвета печати включают голубой, пурпурный и черный. Этот спектр цветов — это то, из чего может выбирать каждый художник, но, как вы узнаете, цвета, которые вы не выбираете, являются наиболее важными.

Все эти картины появились благодаря использованию цветового круга, позволяющего выбирать различные гаммы для рисования. Гамма — это выбранная область из цветового круга, с которой рисует художник (аналогично ограниченной цветовой палитре).

Во всех этих примерах я буду показывать гаммы на цветовом круге YRMBCG (или желтом, красном, пурпурном, синем, голубом и зеленом цветовом круге, о которых вы можете узнать здесь). Создано Альбертом Манселлом и доработано Джеймс Герни в своей книге «Свет и цвет» указывает, что это цветовое колесо использует вместе RGB и CMY, что является гораздо лучшим цветовым колесом для работы, поскольку оно одинаково уравновешивает каждый цвет. Колесо Юрмби, созданное Джеймсом, можно запомнить по запоминающейся фразе «Ты едешь на моем автобусе, кузен Гасс».

Если вы мало что знаете о цветовом круге, нажмите здесь.

Итак, теперь вы понимаете, из чего состоит цвет, давайте начнем с классического изделия Vermeer.

Девушка с жемчужной сережкой – Иоганн Вермеер (1665), Масло

Земные цвета используются в этом классическом изделии Vermeer, а синий цвет служит дополнением к теплым цветам.

Фигура размещена на темном сине-сером фоне, с теплой цветовой палитрой для фигуры, с использованием красного цвета для губ. Это отличная композиция, так как ваш взгляд притягивается к этому участку картины. Вы можете заметить, что красный цвет используется только для этой части, что Вермеер использовал в своих интересах.

Для головного платка использована смесь светлого и темно-синего цветов, которая привлекает внимание к центру – чтобы мы могли смотреть на ее лицо, ее губы и, конечно же, ее жемчужную сережку.

Цветовая гамма этой картины расположена в верхней части цветового круга. Вермеер использовал цветовую гамму синего, желтого, красного и оранжевого цветов.

Основные выводы: используйте цвет в своих рисунках, чтобы улучшить композицию. Нарисуйте отдельные цвета в определенных областях, чтобы привлечь внимание к фокусу.

Дэвид Хокни — Большой всплеск (1967), акрил

В этой картине Хокни использует синий цвет как доминирующий. С добавлением коричнево-красного и зелено-желтого эти цвета становятся нейтральными, причем наиболее насыщенная часть изображения приходится на синий.

Синий, используемый для воды, почти зелено-голубой.

В этой цветовой гамме основное внимание уделяется синему оттенку, а также играют роль оттенки желтого, красного и зеленого (с промежуточными тонами). Вы также можете заметить, что Хокни использовал серый цвет для окон, чтобы убедиться, что цвет здания не доминирует над картиной.

Композиция сбалансирована внутри произведения. Синий используется для неба и бассейна (избегая тяжелого изображения сверху или снизу), с землистыми тонами в центре. Подобно картине Вермеера, желтый цвет используется только для трамплина, привлекая наш взгляд и, таким образом, переводя взгляд с доски на всплеск — основную часть картины.

Основные выводы: Земные, грязные и серые цвета — ваши друзья! Используйте смесь этих цветов с небольшим количеством насыщенного цвета, чтобы создать идеальную комбинацию.

Винсент Ван Гог – Терраса кафе ночью (1888), Масло

Ван Гог использует дополнительные цвета желтого и синего с оттенками зеленого и красно-коричневого. Эту цветовую палитру уже использовали 3 художника, что показывает, насколько она популярна (поскольку она работает каждый раз)!

Эта картина Ван Гога довольно насыщенная, с помощью серо-голубого, чтобы нейтрализовать это.

Цветовой круг YRMBCG выглядит как ромб с акцентом на синий и желтый.

Вы можете видеть, что Винсент использовал доминирующий зеленый блок для дерева с правой стороны. Форма не только направляет взгляд к центру композиции, но и разбивает желто-голубые цвета по всему произведению.

Основные выводы: создайте ощущение тепла в картине, используя эти два взаимодополняющих цвета — желтый и синий. Они радуют глаз и отлично смотрятся вместе.

Рембрандт – Ночной дозор (1642), Масло

На этой замечательной картине Рембрандта почти трудно увидеть цвета, которые он использует, это очень землистые тона коричневого цвета, соседствующие с желтым и красным.

Эта картина чрезвычайно умна и показывает, как цвет картины может влиять на ее композицию. Вы заметили, что когда смотрите на картину, вас сначала привлекает желтая мужская фигура в центре, а затем желтая девушка на заднем плане?

Рембрандт сделал это не случайно и использовал здесь насыщенный цвет, чтобы привлечь внимание.Девушка размещена на фоне темных цветов, что еще больше подчеркивает ее цвет. Центральная фигура носит оранжево-красный предмет одежды, направляющий взгляд на девушку и краснокожего мужчину, чистящего пистолет слева от девушки.

Вы можете заметить, что красный цвет используется только в этой части картины, что еще больше иллюстрирует преднамеренную попытку Рембранта привлечь внимание.

Цветовой круг расположен в верхнем правом углу круга, в нем используются в основном землистые тона с красными оттенками.

Основные выводы: это просто блестящий шедевр. Чем больше вы смотрите на это, тем лучше оно становится. Цвет преображает картины и показывает, насколько важен цвет!

Пабло Пикассо – Девушка перед зеркалом (1903), Масло

В этом изделии используются оранжево-красный, зеленый, фиолетовый, лимонно-зеленый, желтый и оранжевый цвета.

В отличие от приведенных выше примеров, это произведение не имеет гаммы как таковой и довольно велико в пределах цветового круга.Несмотря на то, что это так, кажется, что это работает хорошо.

Но почему это?

Пикассо использует тонкие и серые цвета с яркими цветами, такими как оранжевый, в качестве соседнего. Вообще довольно грязная картина (и когда я говорю грязная — это не минус!).

Это далеко не кричаще, что заставляет его работать. Цвета размещены по всей картине, чтобы направлять взгляд и поддерживать интерес зрителя к произведению искусства. Например, светло-фиолетовый используется для лица, рук, частей зеркала, а также тела.

Основные выводы: если вы заинтересованы в использовании широкой цветовой палитры, вам подойдут серые, приглушенные и грязные цвета. Используйте яркие цвета умеренно.

Эдвард Хоппер — Нью-Йоркский фильм (1939), масло

Это удивительное произведение искусства благодаря использованию композиции и цвета. Используется много серого с четырьмя основными цветами: синим, красным, желтым (серо-желтым) и оранжевым (серо-оранжевым).

Выбранный синий цвет используется для облегчения композиции произведения, так как ваш взгляд притягивается к экрану фильма и женской одежде.

Цветовая гамма находится ниже по колесу, с большим акцентом на синий, красный, немного голубого и желтого.

Вы можете заметить, что самая насыщенная часть изображения находится справа; женская одежда, но и ярко-желтый свет, исходящий от настенных светильников. Это еще больше привлечет ваше внимание к заинтересованной женщине.

Основные выводы: если ваша картина сосредоточена на естественных и серых тонах, используйте насыщенные цвета, чтобы привлечь внимание к фокусу.

Клод Моне – Пшеничные стога (Конец лета), 1890 – 1891, Масло

Превосходное использование цвета создает классическую картину Моне. Моне использует приземленные тона красно-коричневого, желто-зеленого, зеленого, голубого и желтого цветов.

Когда вы думаете о свете и тьме, вы можете думать о черном и белом в основных терминах. Однако эта картина полностью противоречит этому. Темные тона описываются как зеленые цвета, тени стога сена формируются с помощью светлого сине-зеленого, а светлые — с использованием желто-розового.

Ощущение тепла после жаркого летнего дня, которое эти цвета волшебным образом передают.

Подобно цветовой палитре Винсента Ван Гога, на цветовом круге формируется ромбовидная форма с акцентом на синий, желтый, зеленый и немного красного.

Основные выводы: мыслите нестандартно. Вместо того, чтобы использовать черный для теней и белый для света, какие еще цвета вы можете использовать, чтобы передать тот же смысл?

Караваджо – Ужин в Эммаусе (1601), Масло

В этой картине используются

земных цвета, с особым акцентом на дополнительные цвета: зеленый, красный, оранжевый, красно-коричневый, а также небольшой оттенок красно-зеленого.

Используемая цветовая гамма сильно отличается от остальных, она образует ромбовидную форму, направленную горизонтально, с акцентом на зеленый, красный, немного синий и желтый.

Отлично сочетаются красный и зеленый цвета, а в качестве фона используются темно-земные красно-коричневые.

Красный используется для одежды центральной фигуры, а в качестве комплимента используются теплые земные тона. Как и в большинстве других картин с этой статьей, красный цвет используется для привлечения внимания к центру произведения.

Основные выводы: вместо использования черного пигмента для создания теней и темных областей используйте различные цвета, такие как синий, красный и коричневый.

Сальвадор Дали – Постоянство памяти (1931), Масло

В этой картине преобладают синий и коричневый цвета, соседствующие с оранжево-красным, желтым и едва уловимым желто-зеленым.

Используется аналогичная цветовая гамма алмаза, с одним отдельным оранжевым, выступающим с левой стороны.

Эта работа показывает, насколько важны земные тона и какое положительное влияние они оказывают на картины.

Но что Дали пытается передать с помощью цвета? Синий используется для циферблатов, а в психологии синий цвет означает доверие, мудрость, глубину и небеса. Говорят, что используемая иконография может относиться ко сну, который приснился Дали, или ко времени, прошедшему во сне — как вы думаете, цвета отражают это?

Основные выводы: от красного для страсти до зеленого для зависти, используйте цвет в своем искусстве, чтобы передать сообщение.

Джек Веттриано — Игра началась (2006) — Масло

Не знаю, почему критики ненавидят и ненавидят Веттриано, но я люблю его, поэтому мне пришлось включить его в этот пост в блоге. Теплые, страстные и полные страсти цвета используются для того, чтобы легко передать тему картины.

В изделии в основном используются красный и теплые тона коричневого, светло-коричнево-красного, желто-коричневого, красно-черного, с примесью пурпурно-красного для мужской рубашки.

Цветовая гамма на цветовом круге сосредоточена на теплом спектре с небольшими оттенками желтого и пурпурного, которые действуют как противовес.

Обратите внимание, что если вы прищуритесь (используется, чтобы помочь художникам видеть тона), женская одежда, волосы и мужские брюки выделяются на светлом фоне. Этот почти черный цвет представляет собой интересный контраст с теплыми цветами, которые используются повсюду.

Основные выводы: подбирая цвет для своей картины, всегда помните об этой фразе: «Ни один цвет не сидит в одиночестве». Каждый цвет взаимодействует с другим. Например, светло-желтый цвет на темно-красном фоне выглядит совершенно иначе, чем на светло-оранжевом фоне.

Итак, что мы узнали о цвете из этих картин?

1. Ограниченное количество цветов и продуманная цветовая гамма имеют решающее значение для любой картины.

2. Серый — ваш лучший друг: эти художники использовали землистые и нейтральные цвета для создания этих шедевров.

3. В этих картинах популярна алмазная цветовая гамма, обычно использующая синий, желтый, с оттенком зеленого и красного.

4.Дополнительные цвета — это важная цветовая схема, о которой нужно помнить — они приятны для глаз и также привлекают внимание!

5. Понимание цветового круга, цветовых гамм и того, какие цвета хорошо сочетаются друг с другом, имеет решающее значение для успеха художника и живописи.

6. Эти художники использовали цвет в своих картинах, чтобы привлечь внимание и создать потрясающие композиции. В композициях используются не только формы, линии и тона, но и цвет играет решающую роль.

Надеюсь, вам понравился этот пост, ребята! Было очень интересно узнать об этих художниках и о цвете, который они используют в своих работах.

Я буду рад услышать от вас, так что оставьте комментарий ниже, чтобы поделиться своими мыслями об этих цветовых гаммах, цвете, который вы используете в своем искусстве, или о любых классических картинах, которые я, возможно, пропустил!

Если вы мало что знаете обо мне, я иллюстратор и дизайнер, и вы можете ознакомиться с моим портфолио иллюстраций на моей домашней странице. Следуйте за мной по ссылкам в социальных сетях ниже или подпишитесь на мою рассылку!

Большое спасибо, что выслушали меня и посетили сегодня мою страницу новостей.Вы можете следить за тем, что я делаю, на моих страницах в Twitter, Facebook или Google +, я буду очень признателен, если вы это сделаете, и не бойтесь сказать мне привет! Еще раз большое спасибо и хорошего дня!

Без Названия (Живопись) | Художественный институт Чикаго

Без Названия (Живопись)

Дата:

1953/54

Исполнитель:

Марк Ротко (Marcus Rothkowitz)
Американец, родившийся в России (Латвия), 1903–1970

Об этой работе

Известный своей страстной формой живописи, основанной на поэтике цвета, Марк Ротко был одним из ведущих сторонников живописи цветового поля, типа нежестового абстрактного экспрессионизма, который предполагал большие холсты, отличающиеся монументальным пространством формы и тона. Холст Без названия (Живопись) горит тонкими вариациями оранжевых и желтых оттенков. Картина следует характерному формату зрелых работ Ротко, согласно которому сложенные прямоугольники цвета кажутся плавающими в границах холста. Непосредственно окрашивая ткань холста множеством тонких мазков пигмента и уделяя особое внимание краям, где взаимодействуют поля, он добился эффекта света, исходящего от самого изображения. Эта техника соответствовала его метафизическим целям: предложить живопись как дверь в чисто духовные сферы, сделав ее такой же нематериальной и пробуждающей воспоминания, как музыка, и напрямую передать самые существенные, самые грубые формы человеческих эмоций.Ротко описал свое искусство как «устранение всех препятствий между художником и идеей, между идеей и наблюдателем». Вместо явного символизма он использовал цвет, ошеломляющий масштаб и яркость поверхности, чтобы вызвать у зрителя эмоциональную и глубокую реакцию.

Статус

На просмотре, Галерея 293

Художник

Марк Ротко

Титул

Без Названия (Живопись)

Происхождение

Соединенные Штаты

Дата

1953–1954 гг.

Средний

Масло на холсте

Надписи

Без надписей на лицевой стороне; подпись и дата: оборотная сторона: «Марк Ротко / 1954» (в центре слева оранжевой краской)

Размеры

265. 1 × 298,1 см (104 3/8 × 117 3/8 дюйма), без рамы

Кредитная линия

Коллекция друзей американского искусства

Справочный номер

1954.1308

Авторское право

© 1998 Кейт Ротко Призел и Кристофер Ротко / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Расширенная информация об этом произведении

История публикаций

  • «Годовой отчет за 1954–1955 гг. » (Художественный институт Чикаго, 1955 г.), н.стр., как «Без названия».
  • «Недавние дополнения к коллекции двадцатого века», «The Art Institute of Chicago Quarterly» 49, 2 (1 апреля 1955 г.), стр. 23–24, как «Без названия».
  • «Картины в Художественном институте Чикаго» (Art Institute of Chicago, 1961), с. 404.
  • «Instituto de Arte de Chicago», El mundo de los museos (Madrid: Editorial Codex, 1967), стр. 15 (ил.), 79 (цветной рисунок).
  • Джеймс Н. Вуд, «Сокровища живописи 19-го и 20-го веков: Художественный институт Чикаго» (Abbeville Press, 1993), с.305 (цветной рисунок).
  • Дэвид Анфам, «Марк Ротко, Работы на холсте: резюмирующий каталог» (Национальная художественная галерея/издательство Йельского университета, 1998), кат. 500 (цветной рисунок).
  • Мигель Лопес-Ремиро, «Марк Ротко: сочинения об искусстве» (Yale University Press, 2006), стр. 104–07.

Происхождение

Продано художником, Нью-Йорк, Художественному институту, 1954 г.

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований. Чтобы помочь улучшить эту запись, пожалуйста, напишите по электронной почте. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

Множество смертей картины

В 1975 году Барбара Виссер была девятилетней девочкой во время школьной экскурсии в художественном музее Стеделийк, когда она впервые увидела картину под названием « Кто боится красного, желтого и синего III » американского послевоенного художника Барнетта. Новичок.

Художественный музей Стеделийк Фото Editør (CC BY-SA 3.0)

То, что она увидела, было массивным холстом почти 18 футов в ширину и восемь футов в высоту. С левой стороны небольшая полоска синего цвета, а справа небольшая полоска желтого цвета. Но остальная поверхность была полностью окрашена в красный цвет. «И я очень разозлился, — говорит Виссер, — я выбежал из музея. Я сел на ступеньки и был полон решимости больше туда не заходить».

Кто боится красного, желтого и синего III Барнетта Ньюмана

Эта картина вызывала у людей такую ​​сильную реакцию, что побуждала их к действию.Виссер боролась с картиной всю свою жизнь и сняла о ней полнометражный документальный фильм под названием «Конец страха », который вдохновил ее на эту историю. Речь идет о реакции на картину, которая была настолько интенсивной, настолько бурной, что она вызвала цепь событий, потрясших мир искусства до основания.

Это может сделать каждый

Барнетт Ньюман поздно расцвел. Он был подменным учителем рисования, затем искусствоведом, а затем художником. У Ньюмана не было даже своего первого персонального шоу, пока ему не исполнилось почти сорок пять лет.Ньюман быстро стал фактическим представителем нового художественного движения под названием «Абстрактный экспрессионизм».

Onement 1, 1948. В течение 1940-х Барнетт Ньюман

Абстрактный экспрессионизм пришел из Нью-Йорка в 1940-х годах. Движение породило таких художников, как Джексон Поллок, Марк Ротко и Хелен Франкенталер. Эти художники были известны своими большими полотнами, наполненными дикими цветами, формами и брызгами краски. Как и многие художники-абстрактные экспрессионисты, Ньюман видел в своих работах реакцию на ужасы Второй мировой войны.Для Ньюмана выяснить, что может сделать художник после таких событий, как Холокост и бомбардировки Хиросимы и Нагасаки, требовало игнорирования всей истории искусства и начала с нуля.

Джексон Поллок

Он начал делать большие картины, которые были большими даже по стандартам абстрактного экспрессионизма. Часто они могли заполнить всю стену галереи. Обычно на них было очень мало цветов — обычно один сплошной оттенок, разбитый несколькими вертикальными полосами, которые Ньюман называл «молниями».

Vir Heroicus Sublimis Барнетта Ньюмана. Фото Шэрон Моллерус (CC BY 2.0)

В 1967 году Ньюман закончил то, что впоследствии стало одной из его самых больших картин: «Кто боится красного, желтого и синего III ». Это был третий фильм в серии, а название было отсылкой к «Кто боится Вирджинии Вулф », знаковой пьесе, которая позже стала фильмом с Элизабет Тейлор и Ричардом Бертоном в главных ролях.

Барбара Виссер говорит, что, когда в 1969 году Stedelijk Museum приобрел набор Who’s Afraid of Red, Yellow, and Blue III , многим он не понравился. «В то время люди писали очень длинные и сложные письма, чтобы сказать, как сильно они ненавидят эту картину», — вспоминает она. Картина вызвала реакцию, которую многие люди до сих пор испытывают к абстрактному искусству — вопрос, почему это вообще представляет собой искусство, когда кажется, что любой может это сделать. Одна женщина даже сказала, что ее буквально тошнило.

В 1980-х картина была центральным экспонатом музея под названием «Гранд-парад», целью которого было поднять именно этот вопрос о том, что такое картина, а что нет.Это было, когда негативные мнения о Кто боится красного, желтого и синего III были подняты на совершенно новый уровень.

Убийство того, кто боится красного, желтого и синего III

Пока картина была выставлена ​​на обозрение, человек по имени Джерард Ян ван Бладерен атаковал Кто боится красного, желтого и синего III канцелярским ножом, нанеся серию длинных порезов по центру холста. Когда разрезы были сложены вместе, их длина составила почти пятьдесят футов. Ван Бладерену был 31 год, он был безработным, жил с родителями и сам был художником, хотя и не очень успешным. Он расценил этот акт вандализма как художественный жест. Он увидел в картине своего рода культурную провокацию, и один из главных аргументов, который привел его адвокат в свою защиту, заключался в том, что эта провокация требовала реакции и получила ее.

Ван Бладерен был приговорен к пяти месяцам тюремного заключения и отстаивал свои действия в защиту художественных ценностей.Многие люди в Нидерландах согласились и отправили письма в Stedelijk. «Этого так называемого вандала надо сделать директором современных музеев», — гласил один. «Он сделал то, что хотели бы сделать сотни тысяч из нас», — читал другой.

Правила восстановления

Кэрол Манкузи-Унгаро — один из ведущих экспертов в области сохранения произведений искусства. Манкузи-Унгаро впервые применил методы реставрации работ современных художников и работал над несколькими картинами Барнетта Ньюмана.Она говорит, что существует ряд правил, которым должны следовать реставраторы при реставрации картины, первое из которых заключается в том, что вы должны приложить все усилия, чтобы не использовать материалы, которые нельзя удалить или обратить вспять в будущем.

Если реставраторы добавляют краску на холст, они хотят убедиться, что краску можно будет растворить и удалить позже. Они делают это на случай, если произведение искусства нужно будет снова отретушировать в будущем. Реставраторы также стараются сохранить как можно больше оригинального материала, затрагивая только те области, которые нуждаются в обработке.Они также должны по-настоящему изучить художника и взглянуть на его прошлые работы, чтобы понять, чего художник пытался достичь.

Помня об этих правилах, Stedelijk обзвонил практически каждого реставратора в Европе. Самой большой проблемой была сама простота картины. Плотная текстура и детали Пикассо или Рембрандта часто помогают замаскировать ремонтные работы, но холст Ньюмана в основном представлял собой одну большую полосу однородного цвета, поэтому любые признаки ремонта выделялись.

Vir Heroicus Sublimis Барнетта Ньюмана

Дэниел Голдрейер был реставратором из Лонг-Айленда, который работал с Ньюманом, когда он был еще жив, и сказал, что может восстановить картину с точностью до 98%. Голдрайер пообещал, что когда он закончит, косые черты будут практически незаметны. Чиновники Стеделийка вздохнули с облегчением, и в 1987 году «Кто боится красного, желтого и синего III » свернули, положили в узкий ящик, похожий на гроб, и торжественно пронесли по ступеням музея и отправили. в студию Голдрейера в Нью-Йорке.

Убит! Опять таки!

Наконец, четыре с половиной года спустя Голдрейер представил картину, и когда директор музея Вим Берен пришел осмотреть его работу, на ней не было никаких следов косых черт. Кто боится красного, желтого и синего III возвращался в Амстердам. Но когда картина снова поднялась, люди сразу заметили, что красная краска выглядит по-другому. Он был того же оттенка, что и раньше, но раньше красный цвет был мерцающим, что придавало ему ощущение глубины.Все это исчезло, заменено плоской красной краской, которая, по мнению реставраторов, лишила картину ее первоначальной силы. Городской совет Амстердама отправил его в лабораторию судебной экспертизы, чтобы попытаться выяснить, что сделал Голдрейер, и они пришли к выводу, что Голдрейер использовал малярный валик, чтобы нанести слои тусклой акриловой краски, похожей на домашнюю краску, поверх оригинала. Если анализ был верным, Голдрейер закрасил весь холст шедевра двадцатого века домашней краской. Кто боится красного, желтого и синего III был убит… снова.

Голдрайер настаивал, что не закрашивал холст, а вместо этого сказал, что выделил красную часть двумя миллионами крошечных точек. Хотя судебная экспертиза опровергла это, Голдрейер подал в суд за клевету, и музей урегулировал дело, поскольку директор музея ранее дал согласие на реставрацию. Все это дело обошлось более чем в миллион долларов, и теперь музей все еще застрял с поврежденной картиной.

Возвращение убийцы искусства

В 1997 году, через одиннадцать лет после порезки, ван Бладерен узнал о неудачной реставрации «Кто боится красного, желтого и синего III, » и вернулся в музей, чтобы сделать это снова. Ван Бладерен вернулся в музей в поисках «Кто боится красного, желтого и синего III», , чтобы еще раз нанести удар, но, к счастью, картины в то время не было на выставке. Ван Бладерен нашел еще одно произведение Ньюмана, большую синюю картину с белой молнией посередине под названием Cathedra  , и атаковал ее канцелярским ножом.Закончив, он швырнул на пол пачку брошюр, содержащих бессвязный бессвязный текст. На втором судебном процессе ван Бладерен был признан психически нездоровым и отправлен в психиатрическую лечебницу.

История вандализма в искусстве

Эти конкретные нападения были вызваны психическим заболеванием, но они также являются частью длинной и печальной истории вандализма в сфере искусства. «Герника» Пикассо была написана аэрозольной краской в ​​70-х годах; картину Рембрандта облили кислотой; и две скульптуры Микеланджело подверглись нападению с молотками.Работа Ньюмана, в частности, несколько раз подвергалась актам вандализма по антисемитским мотивам. Ньюман был художником-евреем, и «Кто боится красного, желтого и синего IV» (, который был продолжением «Кто боится красного, желтого и синего III») был избит и оплеван в Германии, потому что нападавший сказал, что это носило насмешливое сходство с немецким флагом. Скульптура Ньюмана в музее в Хьюстоне была разрисована свастикой из баллончика в 1979 году, и только в прошлом году кто-то вылил белую краску в отражающую лужу, окружающую эту же скульптуру, и оставил после себя листовки сторонников превосходства белой расы.

«Ночной дозор» Рембрандта после вырезки Уильямом де Рийком в сентябре 1975 года. Фото из Национального архива Нидерландов (CC BY-SA 3.0)

не жалел денег. Полотно было сшито хирургическими нитями и ортодонтической проволокой на специально изготовленном столе. Четыре кропотливых года спустя он был открыт. Он не идеален — если присмотреться, то видны шрамы, но впечатление сохраняется.

Кафедра Барнетта Ньюмана. Фото Эрика де Ределийхейда (CC BY-SA 2.0)

Кафедра в настоящее время выставлена ​​в Stedelijk. Но не Кто боится красного, желтого и синего III . Картина находится в хранилище на окраине города. Он ждет там, надеясь на день, когда будущие консерваторы смогут исправить то, что с ним сделали. Чтобы удалить слои краски и получить оригинальный опыт, тот, который создал художник, все еще спящий под ним.

цветовых схем | Как выбрать правильное сочетание цветов

Раскрась свой мир смело

Большинство из нас понимает основы цветового круга: от основных и дополнительных цветов до того, как определенные цветовые комбинации работают вместе.Однако то, как вы интерпретируете цветовой круг, может быть гораздо большим, чем просто знание того, как смешивать и смешивать красный, желтый, синий, оранжевый, фиолетовый и зеленый. Знание различных цветовых схем помогает расширить наши знания о цвете. И это важно для креативщиков, таких как художники и дизайнеры. Ниже художница Патти Моллика описывает некоторые из наиболее распространенных цветовых схем. Она также быстро демонстрирует, как разные цветовые схемы влияют на одну и ту же композицию, из ее книги How to Paint Fast Loose and Bold .Наслаждаться!

Цветовой круг с первичными, вторичными и третичными оттенками; к основным цветам относятся: синий, желтый и красный; вторичные цвета включают: оранжевый, фиолетовый и зеленый; а третичные цвета включают: желто-оранжевый, красно-оранжевый, красно-фиолетовый, сине-фиолетовый, сине-зеленый и желто-зеленый.

Гармоничные цветовые схемы

Хотя интересно экспериментировать с цветовыми схемами, выбирая цвета случайным образом на основе наших индивидуальных предпочтений, существует ряд цветовых комбинаций, известных как гармонические цветовые схемы, которые считаются особенно приятными.Гармонические цветовые схемы состоят из двух или более цветов на цветовом круге, которые имеют определенные отношения в зависимости от их положения и расстояния друг от друга. Прежде чем мы обсудим основы, полезно, если вы знакомы с некоторыми из наиболее часто используемых цветовых терминов:

.
  • Оттенок : Цвет, осветленный добавлением белого.
  • Оттенок: Цвет краски, какой она появляется из тюбика, несмешанная.
  • Тон: Цвет, который был осветлен или затемнен путем добавления серого.
  • Оттенок: Цвет, затемненный добавлением черного.

При работе с цветовыми схемами следует рассмотреть возможность использования расширенного диапазона каждого цвета. Это включает в себя его оттенки, оттенки и тона. Он предложит глазу несколько успокаивающих цветов, которые были осветлены, затемнены или нейтрализованы. Эти вариации также позволяют более экономно использовать более насыщенные цвета для акцентирования внимания, когда это необходимо.

Пример нетрадиционной цветовой гаммы

Если вы хотите работать с цветами по вашему выбору, но не знаете, с чего начать, может быть полезно сделать несколько быстрых цветных набросков.Если вам нужно цветовое вдохновение, зайдите в хозяйственный магазин и купите несколько цветных чипов или образцов оттенков, с которыми вы хотите работать. Полезно видеть цвета вместе. И вы можете легко изменить свою палитру, добавляя и удаляя цвета по своему вкусу. После того, как вы приняли решение о цветовой палитре, смешивайте и смешивайте эти цвета, чтобы создавать новые оттенки, включая красивые унифицированные оттенки серого и другие связанные вариации. Теперь давайте перейдем к различным цветовым схемам.

Общие цветовые сочетания

Ниже приведены несколько наиболее часто используемых цветовых схем с примерами картин, созданных с использованием таких же цветовых схем. Аналогичная цветовая схема использует три или более цветов, расположенных рядом друг с другом на цветовом круге.

«Гарри, Мо и Керли» Патти Моллика, масло, панель; пример аналогичной цветовой схемы

Монохроматическая цветовая схема использует оттенки, тона и оттенки в пределах одного оттенка или семейства цветов

«Вид на мост» Патти Моллики, масло, панель; пример монохромной цветовой гаммы

Триадная цветовая схема использует три цвета, равномерно распределенные по цветовому кругу.

One Slacker от Патти Моллики, акрил на панели; пример триадной цветовой схемы

Дополнительная цветовая схема использует цвета, противоположные друг другу на цветовом круге.

Two-Lips от Patty Mollica, панель, акрил; пример дополнительной цветовой схемы

Квадратная цветовая схема использует четыре цвета, равномерно распределенные по цветовому кругу.

Верхний Вест-Сайд, Патти Моллика, холст, акрил; пример квадратной цветовой схемы

Тетрадная (или прямоугольная) цветовая схема использует четыре цвета, полученные из двух дополнительных цветов.

Crossing Madison, Патти Моллика, панель, акрил; пример четырехцветной схемы

Схема разделения дополнительных цветов использует один основной цвет плюс два цвета, которые находятся по обе стороны от дополнительного основного цвета.

Dunkin’ Donuts Патти Моллика, холст, акрил; пример расщепленной дополнительной цветовой схемы

Аналогичная дополнительная цветовая схема использует три аналогичных цвета плюс дополнительный аналог среднего цвета.

«Глядя на окраину», Патти Моллика, панель, акрил; пример аналогичной дополнительной цветовой схемы

Разработка цветовой схемы

Давайте рассмотрим, как создается цветовая схема.

1. Начните с фотографии

Используйте эталонную фотографию в качестве трамплина для работы над общим дизайном изображения для создания более динамичной композиции. Наиболее важным аспектом хорошей картины является хороший основной дизайн. Если вы пропустите этот шаг, вы в конечном итоге просто скопируете именно то, что видите перед собой.И редко природа предлагает наилучшую композицию для удачной картины. Вам часто придется двигать горы, деревья и все остальное, что ослабляет, а не усиливает вашу композицию.

2. Создание эскиза с тремя значениями

Из фотографии создайте трехзначный эскиз. Попробуйте некоторые модификации, которые, по вашему мнению, могут улучшить композицию. В данном случае я хотел, чтобы сарай был более заметным. Итак, я увеличил его и добавил бункер. Я изменил угол холма с горизонтального на диагональный.Таким образом, взгляд зрителя направлен прямо на сарай, который является фокусом.

Я уменьшил высоту холма, потому что чувствовал, что дерево слева добавит интересный силуэт на фоне неба. Полоса зелени на переднем плане отвлекала, потому что делила передний план на две равные части. Поэтому я превратил его в диагональное темное пятно, чтобы добавить более интересный угол к очень горизонтальному дизайну.

3. Выберите цветовую схему с доминирующими и подчиненными цветами

Как только вы будете удовлетворены наброском значений, выберите несколько цветовых схем для экспериментов.По часовой стрелке слева показаны цветовые схемы, которые я использовал:

.
  1. Аналогичный: Грин и блюз
  2. Дополнение: Reds и Greens
  3. Reds и Greens Основные цвета — красный, желтый и синий Аналогичный дополнительный: Блюз и фиалки, желтые и апельсины

работая с цветовыми схемами, основанными на личных предпочтениях или любой из традиционных схем из отношений цветового круга, лучше всего выбрать один цвет в качестве доминирующего, а остальные цвета использовать в качестве подчиненных. Другими словами, цвета более интересны, когда они используются в неравных количествах. Например, если вы используете комплементарную цветовую схему из красного и зеленого, лучше сделать либо красный, либо зеленый доминирующим цветом, а не использовать оба цвета в равных количествах. Это придает картине общее настроение и ощущение. Картина, состоящая на 50% из красного и на 50% из зеленого, не будет передавать общее настроение так же эффективно, как картина, в которой преобладает один цвет.

Хотите более смелые картины?

Понравился урок по цветовым схемам? Ознакомьтесь с остальными техниками и учебными пособиями в видеосеминарах Mollica Техники рисования акриловыми красками, быстрые, свободные и жирные и Техники рисования кистями акриловыми красками, быстрые, свободные и жирные .Моллика демонстрирует, как создать мощную композицию, какой бы ни была тема. С множеством демонстраций, упражнений и советов от начала до конца вы узнаете, как рисовать без страха.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.