Как художнику раскрутиться: Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера

Содержание

Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера

В студии Art of You на Патриарших прудах, в отличие от множества подобных проектов, учат не просто рисовать, но и продвигать свое искусство. Помимо курсов арт-терапии, рисунка маслом или скетчинга здесь проводят индивидуальные занятия с арт-менеджером. Чтобы разобраться, зачем вообще молодому художнику нужен этот специалист и стоит ли услуга финансовых вложений, мы пообщались с главой департамента арт-менеджмента Art of You Светланой Филаретовой.

— Что такое арт-менеджмент?

— Управление проектом в сфере искусства — сюда входит продажа картин, создание и продвижение творческих коллабораций, организация локальных и международных выставок. До того как вы продадите первую работу, придется проделать огромный путь: поработать над именем, позиционированием, оформить и «упаковать» в понятный для зрителя формат.

Важно подготовить аудиторию: получить одобрение экспертов и лидеров мнений из мира искусства. Арт-менеджер — посредник между художником и целевой аудиторией, который способен эффективно организовать все бизнес-процессы.

Важно понимать, что арт-менеджмент — это не только про выставки и художников, это могут быть и проекты из сферы моды или дизайна, междисциплинарные слияния и открытие новых направлений работы. 

Тот же арт-менеджер отвечает за планирование и распределение финансов, поиск партнеров и спонсоров и вообще успех всего предприятия: начиная от логистики и заканчивая получением обратной связи от гостей и заключением контрактов с клиентами.

Пит Мондриан, без названия; Нью-Йорк I

— Какими качествами должен обладать арт-менеджер?

— Это прежде всего коммуникабельность и организованность. На сегодняшний день единственный работающий канал продаж и продвижения — это умение выстраивать коммуникации, договариваться, знакомиться, просто быть приятным и интересным собеседником, с которым хочется общаться и узнавать про новые проекты.

 

Организованность — это про сроки: все меняется очень быстро, если не успеть сделать и реализовать идею сегодня, завтра за нее возьмется кто-нибудь другой. Особенно печально, если у вас была хорошая задумка, но вашей команде не хватило сил и времени сделать ее масштабной — потом более крупные игроки могут взять ее себе, масштабировать, и о том, что изначально она была вашей, не узнает никто. 

— Можно ли успешно запустить проект без огромных стартовых вложений?

— Важно понять, что мы имеем в виду: галерейный бизнес, реализацию творческих проектов или запуск новых направлений. 

Галерейный бизнес и продвижение художника без капитала сейчас сложно представить, однако капитал можно привлечь и от спонсоров. Часто если галерея соглашается с вами сотрудничать, то и затраты на продвижение берет на себя. Однако проблема в том, что многие галереи работают со своими художниками и редко обновляют их ряды.

Пит Мондриан, Цветы. Солнце; Композиция № 11

Если говорить про старт нового проекта, например запуск линии одежды, то нужно посчитать основные затраты: выпуск минимальной серии и стоимость продвижения. Любой проект нужно тестировать на малых оборотах: проверить спрос, получить обратную связь клиентов, если нужно, внести изменения. Не стоит вкладывать большие деньги в продвижение, если процессы не отлажены и не получена обратная связь. Если следовать этому совету, затраты на первую коллекцию должны быть минимальными, но, если правильно наладить каналы продаж, получится не только окупиться, но и заработать средства на новый пошив в больших объемах. Я за маленькие окупаемые шаги, все крупные мероприятия и вложения стоит делать тогда, когда продукт уже приносит доход.

— Нужна ли начинающему большая команда? Что нужно отдать на откуп профессионалам, а что лучше делать самому?

— Из моей практики — успешный проект это всегда команда единомышленников, которая видит и понимает общие цели и миссию. Команда, которая не соглашается на компромиссы и хочет для своего проекта только лучшего. 

Пит Мондриан, Красная мельница; Композиция С (№3) 

Я считаю, что каждый должен заниматься своим делом: продавцы — продавать, бухгалтеры — делать расчеты, маркетологи — продвигать, а художники — творить. Это правило поможет сберечь нервы (да и время), ведь творить не получится, если вы постоянно в стрессе. Своим клиентам мы всегда рекомендуем выписать, что бы они хотели делать сами и в чем разбираются, а что готовы делегировать. 

Посмотрим правде в глаза: художники — не бизнесмены, и нужно ли им это? Ведь есть те, кто делает это профессионально. 

Все затраты и окупаемость привлеченных специалистов можно и нужно просчитать заранее. Если у вас ограниченный бюджет, начните с простых шагов, например, продвижения в социальных сетях. Сейчас даже галереи следят за новыми именами именно там. О том, как работать в социальных сетях, сейчас много доступной информации, этим можно заниматься и самостоятельно. 

— Каковы самые распространенные ошибки молодых художников?

— Одна из главных ошибок — либо в уверенности, что все слишком замечательно и автор не нуждается в дополнительных знаниях, либо, наоборот, в неуверенности в своем проекте и шансах на успех. Все это от нехватки стороннего мнения специалиста. Можно много размышлять о том, насколько плох или хорош проект, но важнее узнать адекватное мнение профессионала рынка, понять перспективы и получить конструктивную критику. 

Пит Мондриан, Амариллис; Композиция А

Смотреть нужно шире: есть вы и ваше творчество, но есть еще и контекст, в котором вы хотите его представить, а также общая ситуация в мире. 

Бизнесмен и художник в одном лице — идеальное сочетание, но довольно редкое. Если вы скорее относите себя к творцам, то начните работать с арт-менеджером, это освободит вас от большей части организационной работы и поможет спокойно творить.

— Какие общие рекомендации можно дать начинающему художнику?

— Верьте в себя и совершенствуйтесь, прислушивайтесь к мнению тех экспертов, которым доверяете, общайтесь и учитесь выстраивать социальные связи, говорить о себе, своем творчестве и своем деле. 

Бонус: 15 советов для будущего успешного художника

Команда

  • Соберите команду, с которой вы мыслите в одном направлении.
    Проверьте, правильно ли вы понимаете, чего хотите от проекта.
  • Если делать, то делать качественно и профессионально. Если обещать, то выполнять. А еще уметь договариваться.
  • Сталкиваясь с трудностями, научитесь быстро мобилизовываться и принимать решения. Всегда ищите новые возможности и будьте гибкими.

Маркетинг

  • Поймите свою целевую аудиторию и научитесь говорить с ней на одном языке.
  • С аудиторией нужно общаться как можно чаще, здесь помогут офлайн-мероприятия.
  • Будьте настоящими. Важно понять все свои сильные и слабые стороны, а также отличия от конкурентов.

Менеджмент

  • Ваши цели должны соответствовать вашим внутренним ценностям. Делайте то, чего действительно хотите.
  • Учитесь планировать и делите большой путь на маленькие шаги.
  • Контролируйте сроки.

Дизайн и стиль

  • Визуализация проекта — это ключ к его успеху. Общайтесь с исполнителями, проверяйте, понимают ли они вашу идею. Делайте все как можно легче, проще и понятней.
  • Ваш дизайн должен сказать как можно больше о вас.
  • Ваша позиция должна прослеживаться во всех аспектах вашей жизни. Найдите уникальный стиль и образ. Я называю это «осознанной визуализацией», когда вы творец не только внутри, но и снаружи — и стремитесь это показать.

Уверенность

  • Любите то, что делаете. Ведь если вам пришла в голову идея что-то реализовать, значит, это кому-то нужно.
  • Адекватно относитесь к критике. Нужно брать все самое полезное и двигаться вперед.

Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.

Купить билет

Реально ли художнику построить бизнес в Instagram

Я начала вести инстаграм-аккаунт, посвященный искусству, шесть месяцев назад. Я уже год не брала в руки цветной карандаш, поэтому записалась на уроки рисования к одному местному художнику. Занятия дали результат, и мне казалось, что я рисовала лучшие работы. У меня никогда прежде не было аккаунта в Instagram – даже личного – поэтому это была полностью новая для меня территория.

Мое желание показать свои работы миру подкреплялось успехом моих друзей-художников на этой платформе, и я решила попробовать. Кроме того, в интернете есть множество веб-сайтов, которые кричат о том, что Instagram очень важен для творческих людей. Хотите, чтобы ваш труд увидели? Забудьте о галереях и выставках; все, что вам нужно – красивый снимок, поэтичное описание и множество хэштегов.

Конечно, я не строила ложных ожиданий. Я не планировала стать следующим Бэнкси, но я верила, что мне удастся собрать нескольких фолловеров и продать пару картин.

К сожалению, даже эти низкие ожидания не сбылись. После нескольких недель на платформе я поняла, что Instagram – это что-то вроде школы. Либо вы будете процветать, либо прятаться в тени. Instagram – либо ваш лучший друг, либо худший враг. И для меня он стал последним.

Фото: Unsplash

Важно найти нишу

Я почти сразу заметила, что аудитория обожала нишевых художников. Люди с определенным стилем были популярными. Если вы рисовали цветным карандашом, все ваши снимки должны быть с работами, нарисованными цветным карандашом. Если вы диджитал-художник, ваш профиль должен быть заполнен цифровыми работами.

Конечно, вполне возможно совмещать несколько стилей и собирать огромную аудиторию, но это значительно сложнее. Люди любят постоянство.

Мне кажется, причина, почему многие художники выбирают какую-то нишу и придерживаются ее, заключается в перенасыщенности. Когда вы знаете, что миллионы других людей также пытаются привлечь внимание к своей работе, рынок быстро становится переполненным. Если вы хотите выделяться, вы должны дать людям причину фолловить вас.

Для меня это было большой проблемой. Я увлекаюсь всем. В одну минуту я обсуждаю гомофобию, в другую – пишу статью о разнице между латте и капучино. Так же я веду себя и в искусстве. Я люблю экспериментировать, это интересно, но в результате у меня получается беспорядочный профиль. Мои подписчики словно играют в лотерею – и никогда не знают, чего ожидать от меня завтра.

Нерегулярное выкладывание постов убьет вас

Чем больше вы постите фотографий, тем больше привлекаете фолловеров. Это неплохо; просто для художников это создает дополнительные сложности, поскольку на одну работу у них может уйти несколько дней или недель.

В среднем на одну картину я трачу уйму времени. И поскольку я не провожу в день более двух часов с карандашом в руках, я не выкладываю посты в инстаграм регулярно. Подписчики видят в ленте мою работу примерно раз в две недели.

Фото: Unsplash

Все было бы по-другому, если бы я уделяла искусству по шесть часов в день, но я так не могу. Рисование – мое увлечение, а не работа. Поэтому если вы не сможете уделять аккаунту на платформе почти все время и регулярно генерировать новый контент, вы не сможете создать большую аудиторию.

Новые фолловеры постоянно отписываются

Меня очень огорчает в Instagram то, как люди взаимодействуют с платформой. Каждый одержим количеством подписчиков. Я заметила, что люди придумали способ, как повысить это число, и он меня безумно раздражает. Вот типичная ситуация, которая может произойти.

Я выложу фотографию последней работы. У нее будет интересное название, и я добавлю хэштеги, чтобы повысить ее видимость. В течение 24 часов под постом появится 20-30 лайков, на меня подпишутся четыре человека. Если мне понравятся их аккаунты, я подпишусь на них в ответ.

На следующий день я замечу, что два человека уже отписались от меня. Очевидно, им не были интересны мои работы, они просто хотели, чтобы я подписалась на них в ответ. Это чем-то напоминает мне сплетни в школе. Люди делают вид, что вы им нравитесь, но как только вы отвернетесь, они начинают вас обсуждать.

Этот феномен не так заметен, если у вас тысячи подписчиков, но если вас фолловят 50-60 человек, это огорчает.

Все хотят рекламировать вас за деньги

С момента регистрации в Instagram я получила как минимум три сообщения от разных аккаунтов с предложением о рекламе. Как только это произошло, я была взволнована. Аккаунт, с которого мне написали, был успешным, и мне казалось, что реклама от них сильно сыграла бы мне на руку.

Фото: Unsplash

Вся моя радость улетучилась, когда за предложением поступила просьба заплатить за услугу $15. Сумма не так уж велика, но что-то мне подсказывало, что это не лучшая идея. Примерно то же произошло и потом.

Люди, предлагающие раскрутку за деньги – далеко не новость для Instagram, но они процветают, потому что многие пользователи одержимы количеством подписчиков.

Instagram может быть вашим лучшим другом

Я понимаю, что после прочтения этой статьи вам может показаться, что я пытаюсь отговорить вас регистрироваться вInstagram, но это не так.

Я сама виновата в том, что у меня ничего не получилось. Я не уделяла достаточно времени своему аккаунту и не пыталась решить проблемы платформы. На самом же деле, каждый художник может добиться успеха в Instagram – и вот что для этого нужно делать.

Часто постить фотографии

Если вы будете выкладывать снимки каждый день или через день, вы найдете свою аудиторию. Конечно, вряд ли это произойдет быстро, но главное – не опускать руки и генерировать контент регулярно.

Взаимодействовать с другими художниками

Я не пыталась влиться в творческое сообщество. Я не общалась с другими художниками, а они не общались со мной. Лайкайте, комментируйте и подписывайтесь на страницы своих коллег, чтобы вас увидели.

Делать то, что понравится людям

Если людям не будет нравится ваша работа, вы далеко не уйдете. Найдите определенный стиль и придерживайтесь его. И вас заметят.

Instagram ни плох и ни хорош для художников – все зависит только от вас. Нехватка усилий с моей стороны превратила для меня платформу во врага, но если вы вынесете уроки из этой статьи, у вас все получится.

Источник.


Материалы по теме:

Как Instagram возрождает поэзию

Эксперимент: чего я добилась, целый месяц притворяясь #инстаблогером

Как сделать инстаграм визуально приятным

10 вещей, которые не следует делать в Instagram

Как начать сотрудничество с галереями

Вы достигли той стадии в творчестве, когда у вас много работ. Всерьез думаете, чтобы их продавать, и следующий шаг видите в выставке. С чего начать, если хочется быть представленным в галерее? Важно знать, что подразумевает собой работа с галереями и как к ним подступиться. Как только вы поймете суть процесса, проблем не возникнет.

Оригинал статьи опубликован на сайте  www.thoughtco.com. Перевод: Liza Pchelinceva

Комментарии, отмеченные курсивом, даны представителями российских галерей.

Как галереи работают с художниками?

Прежде чем связаться с галереей, поймите, как они работают. Разумеется, организации будут немного отличаться друг от друга и у многих собственная внутренняя политика, но в целом они работают одинаково.

“Сотрудничество с галереей, как и любое другое сотрудничество, начинается с идеи. Если есть интересная идея выставки, можно начинать переговоры. Мы открыты для переговоров об организации выставки как с художниками, так и с кураторами.

Для нашей галереи важна актуальность проекта и четкое представление о идее, которую мы совместно с куратором и художником хотим донести до зрителя. И конечно, бюджет проекта” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Работы отбирает, как правило, искусствовед или куратор галереи. Иногда, при организации большой сборной, например, молодежной или республиканской выставки, конкурса собирается выставком или жюри с участием именитых мастеров.

Художник должен показать свои работы, биографию (когда начал рисовать, какое учебное заведение закончил, есть ли образование по специальности или нет… хотя образование решающего значения не имеет), список участия в выставках, награды (если есть)” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

“Художников мы выбираем сами на молодежных выставках, либо рассмотрев представляемые художником работы. Рекомендации не имеют для нас значения. По знакомству мы никого не принимаем. В наших проектах участвуют и известные художники, со многими мы сотрудничаем с момента основания галереи” (Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Комиссионные или прямая продажа?

Есть два способа продавать работы через галерею — либо на основе комиссии, либо галерея выкупает работу авансом.  Большинство договоров между галереей и художником бывают на основе комиссии.

Это значит, что ваша работа находится в галерее определенное время. Ни вы, ни галерея не получаете деньги, пока работу не купят. Затем вы разделите полученное в соответствии с договором.

Средняя комиссия с продажи?

Обычно галереи берут 30-40 процентов. Где-то больше, где-то меньше, зависит от галереи и состояния местного арт-рынка.

Художникам бывает сложно принять тот факт, что галереям тоже нужно зарабатывать. Больно видеть, как 40 процентов уходят кому-то еще, но нужно помнить, что ваши партнеры тоже несут издержки. Галереям надо оплачивать коммунальные услуги, аренду, сотрудников, а также налоги и маркетинг. Они занимаются маркетингом в ваших интересах, чтобы вашу работу увидели. И если сделают его хорошо, вы получите выгоду.

Кто определяет цену?

Опять же, в каждой галерее по-разному, но в общем галеристы работают с художниками, стремясь достичь цены, которая устраивала бы всех. Вы можете сказать, сколько хотели бы получить после комиссии, аони поделятся мнением, чего стоит работа на арт-рынке.

Назначение цены редко бывает сильной стороной художника и может быть одним из самых щекотливых разговоров (почитайте статью в помощь).

Не стоит забывать, что владельцы галерей знают состояние местного арт-рынка, благодаря годам опыта.

“Если художник ранее не имел продаж, то цены на его работы устанавливает галерея. Если же художник уже был представлен на рынке, стоимость мы устанавливаем совместно. С каждым из наших художников мы заключаем индивидуальное соглашение” (Александр Шаров, основатель 11.12 GALLERY)

“Стоимость определяет художник, галерея берет комиссию с продажи. Конечно, начинающим художникам мы можем оказать помощь в формировании стоимости работы” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Цена согласовывается с художником, учитываются все нюансы. Обязательно составляется договор и акт о приеме работ с указанием цен.

Желательно, чтобы художник объективно оценивал себя и свое творчество. С такими людьми легче работать и общаться” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства “Облака”)

“Галерея занимается продажей работ, цена зависит от творческой биографии художника и устанавливается совместно с автором. Продажа работ в первую очередь зависит от ситуации в стране, от известности художника, от того где находятся его работы, от активности, частоты выставок и т.д.” (Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Есть много прекрасных галеристов и не очень прекрасных тоже. Ваша работа — отсеять плохих и ненадежных. Оставайтесь бдительны, не соглашайтесь на что-либо, если чувствуете, что нужен совет со стороны.

Продадут ли мои работы?

Никогда нет гарантии, что работы продадут. Многое зависит от того, каких покупателей галерея привлекает, от маркетинга и от того, скольким людям понравятся ваши работы так сильно, что они захотят забрать их домой.

“Предсказать продажи не в наших силах. Думаю, что это зависит от эффективной совместной работы галереи и куратора выставки” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Предугадать, насколько быстро продастся, непросто. Это зависит и от вкуса потенциального покупателя, и от цели приобретения им работы. Кто-то покупает картину для себя, кто-то для подарка, есть коллекционеры, но это особая категория покупателя” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

Одни художники хорошо продаются в галереях. Они тщательно выбирали галереи, соответствующие стилю их работ, назначили подходящие цены и предлагают конечную презентацию работы, обрамление, которое нравится покупателям.

Другие не имеют большого успеха в галереях и находят, что личное взаимодействие, например, на арт-ярмарках, для них лучше (почитать статью о ярмарках искусства)

Сколько нужно работ?

В некоторых галереях есть ограничения, и они требуют определенное количество работ за определенный период. В других галереях более свободные условия и вас попросят работы в зависимости от имеющегося пространства или каких-либо еще факторов.

Лучше всего иметь разнообразную подборку работ, когда вы связываетесь с галереей. Это позволит им выбрать наиболее подходящие для своей базы покупателей, а вам даст больше возможностей продать. Одной-двух работ — если только они не внушительного формата — будет недостаточно.

“Как правило, художник присылает нам портфолио, которое содержит все, что он наработал за много лет, как в магазин. Или же, наоборот, всего одну-две работы. И в том и в другом варианте в подборке нет системности, а потому она заведомо проигрышная” (Александр Шаров, основатель 11.12 GALLERY)

“По моему мнению, для начинающих свой путь художников, не обязательно сразу делать «Solo Exhibition». Лучше принять участие в совместных выставках с другими художниками разного уровня известности. Это сразу придает статус работам, а художнику дает неоценимый опыт для движения вперед” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

Как мне связаться с галереей?

Когда вы готовы работать с галереей, есть несколько способов это организовать. Вам может быть неловко просить принять ваши работы, но не стесняйтесь. Галеристы ищут новых художников и новые работы для экспозиции. Худшее, что может случиться: вам скажут «нет», но, как говорится, пока не спросите, не узнаете.

Два наиболее распространенных способа — прийти лично с фотографиями работ или написать / позвонить заранее и назначить встречу.

Если пишете, к письму прикрепите несколько фотографий ваших работ или добавьте ссылку на свой сайт (хотя, чтобы получатель просмотрел сайт, письмо должно быть достаточно заманчивым).

“С нашей галереей для начала лучше связаться по электронной почте или через сообщения в соц.сетях. Обязательных требований у нас нет. Все индивидуально. Нужно прислать краткую информацию о себе, описание идеи проекта и фотографии экспонатов” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Связываться с галереей лучше в наше рабочее время (11.12 GALLERY работает со вторника по воскресенье с 12 до 20. 00). Лучше всего писать нам на электронную почту. Художнику следует сделать интернет-рассылку своего портфолио. Так же большую роль играют рекомендации. Художник должен предоставить СV, BIO и фото своих работ. По сути это и есть его портфолио” (Александр Шаров, основатель 11.12 GALLERY)

“Как правило, художник звонит, заходит в галерею или присылает на электронную почту письмо и фотографии своих работ – это первоначальный контакт. Мы учитываем рекомендации и рассматриваем работы художника, и, если они соответствуют нашему формату, принимаем их. Часто ищем таланты сами. Если художник обращается к нам со стороны, обязательно общаемся с ним, смотрим работы и принимаем, если они выполнены на хорошем профессиональном уровне. Бывают случаи, когда принимаем работы, не вполне отвечающие профессиональному уровню, но в которых есть самобытность, «изюминка», просматривается будущее художника” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

“Художник может всегда связаться с галереей – либо по электронной почте, либо лично. Он должен представить свои работы в электронной форме, описать свои проекты (желательно), представить биографию. Обязательные требования – яркая художественная индивидуальность, интересные идеи, принадлежность к современному искусству” (Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Многие художники находят «старомодный» способ — просто прийти в галерею — лучшим методом. Так вы познакомитесь с владельцем галереи или менеджером и получите шанс расположить их к себе и своим работам.

Если у вас оригинальные, хорошо исполненные работы, скорее всего, они уделят вам время.

— Не появляйтесь на выходных или вечером. Выберете не такое занятое время, например, в будни днем.

— Не приносите с собой оригиналы работ. Может, неплохо оставить пару небольших картин в машине, но будет выглядеть не очень, если вы появитесь в дверях с холстами. Лучше принесите портфолио или несколько копий работ.

— Внешний вид и первое впечатление играют большую роль в мире искусства, и вы продаете себя в той же степени, что свое искусство. Одевайтесь опрятно, но не бойтесь быть эксцентричным.

— С крупными галереями разумнее созвониться и договориться о встрече загодя. Иначе тот, кто должен вас принять, может оказаться занятым. Лучше не полагаться на то, что у них будет время поговорить.

Также неплохо было бы разведать обстановку заранее. Просто прийти в галерею и посмотреть представленные работы. Еще лучше — перекинуться парой слов с галеристами и посетителями. Это даст вам понимание общей клиентуры и совпадают ли представленные работы с тем, что вы делаете (пейзаж не подойдет для галереи, которая сосредоточена на абстрактном искусстве).

Что стоит знать о контрактах с галереями

Галереи подписывают соглашения с художниками, чтобы защитить обе стороны и чтобы все знали, что от них ожидается. В больших галереях обычно очень официальные контракты, а в маленьких, по типу сувенирных лавок, могут быть более простые. В любом случае важно, чтобы вы поняли все в соглашении, прежде чем подписывать его.

Несколько вопросов, на которые у вас должны быть ответы:

— Сколько времени работа будет представлена в галерее?

— Когда нужно будет забрать работы?

— Ваша работа будет находиться в постоянной или временной экспозиции?

— Кто ответственен за повреждения, пока работа в экспозиции?

— Сколько составляет комиссия?

— Сколько займет времени получить деньги после продажи?

— Что будет с непроданными работами?

— Предоставляет ли галерея скидки и как это отразится на вашем проценте?

— Можете ли вы выставляться одновременно в других галереях или ваш контракт эксклюзивен?

— Что, если покупатель захочет заказать картину у вас лично?

— Как галерея будет продвигать вас?

— Что вы должны сделать для маркетинга?

— Получите ли вы отчет с описью работ? (не покидайте галерею без списка работ, которые вы там оставили и цен продажи/суммы после комиссии).

Если контракт кажется слишком сложным, проконсультируйтесь с юристом. Прочитайте все очень внимательно, так как условия, написанные мелким шрифтом, могут сильно подпортить впечатление от работы с галереями.

“Самое важное, что надо знать художнику, это то, что следует соблюдать условия договора с галереей. Следует продавать работы через галерею, согласовывать свою деятельность с галереей. Не следует сбивать ценовую политику галереи, продавая свои работы самостоятельно по заниженным ценам”(Ирина Филатова, галерист, куратор современного искусства, галерея “Файн Арт”)

Отслеживайте, что происходит с вашими работами

Что будет, если галерея закроется? Как вы об этом узнаете и что будет с вашими работами? Арт-бизнес довольно нестабилен и даже самые надежные галереи могут внезапно выйти из игры.

К сожалению, иногда они просто оставят ваши картины на произвол судьбы. Сомнительная практика, но такое случается. Каждому художнику важно знать, где их работы и поддерживать контакт с галереями на всякий случай.

“Галерейный мир связан. Думаю, что художнику порекомендуют куда обратиться, и помогут если будет такая возможность у галереи. Ведь всех нас объединяет любовь к искусству” (Регина Дрозд, куратор галереи “Формограмма”)

“Мы очень доброжелательно и уважительно относимся к другим галереям и, конечно же, к художникам. Если по каким-то причинам работы нам не подходят, и мы не можем их принять, то обязательно рекомендуем художнику, в какую галерею ему можно обратиться” (Ирина Зиновьева, искусствовед Центра современного искусства «Облака»)

Почитать еще:

— «12 шагов к тому, чтобы ваши работы заметили в галереях»:  https://goo.gl/ynmuzz

— «Как добиться ПЕРВОЙ ВЫСТАВКИ в галерее:  http://bit.ly/gallery3post

— «Как галереи выбирают художников» (одна из великих тайн арт-бизнеса): https://goo. gl/NacfX6 

Продажа своих работ в галереях: все, что необходимо знать

Оригинал: jennamartinphotoblog.com. Перевод: Александра Архипчук

Необходимо узнать многое, если вы надеетесь продавать свои работы в галереях. Как установить контакт с галереей, и в случае, когда вы уже добились собеседования, что говорить? Что они ищут? И если спросят портфолио, как оно должно выглядеть? Кто должен назначать цену за работу? Вы или галерея? Какой размер комиссии допустим? И так далее, и так далее…

Где мне взять всю эту информацию?

За свою карьеру я выставлялась в нескольких галереях, но большую часть полезной информации я почерпнула на биеннале «Фотофест». Попытаюсь ответить на подобные вопросы и не только. Все в одной статье. Пожелайте мне удачи.

Ищите правильные галереи

Если вы попадете в галерею, но она не подходит вам, вы потеряете время и деньги. Приведу несколько вещей, которые нужно сделать прежде, чем начинать переговоры с галереей по поводу выставки:

Проверьте их сайт. Обновляется ли он? Есть ли у них фото и описания текущих выставок/художников?

Любая галерея, с которой вы собираетесь сотрудничать, должна иметь сильное присутствие в интернете. Это означает, что у них должен быть календарь мероприятий, обновленная биография артистов и их портфолио, фотографии нынешнего интерьера, а также добавлены кнопки социальных сетей и подписка на рассылку.

Вы должны видеть, что с ними легко связаться. Чем меньше шагов вынужден сделать покупатель, чтобы купить произведение искусства, тем лучше.

Также посмотрите, как выглядит галерея. Она светлая или темная и тусклая? Чистая и просторная или выглядит загроможденной и неряшливой? Заставлены ли их столы и столешницы миллионами безделушек, задрапированы ли какие-нибудь работы (боже, только не это)? Есть ли свободное пространство между объектами?

Вам необходимо, чтобы посетители меньше отвлекались. Люди приходят, чтобы увидеть ваши работы, а не копаться среди дешевых вещей, как на блошином рынке.

Продают ли они что-то еще, кроме предметов искусства? (вот примеры: кофейня, мебельный магазин, ресторан)

Значит, их основной бизнес – не продажа предметов искусства, а продажа чего-то другого. Если ваши работы выставлены, например, в мебельном магазине/мебельной галерее, вы понимаете, что большая часть людей приходит сюда, чтобы купить диван и комод, не картину. Ничего плохого в том, чтобы выставлять работы в таких комбинированных галереях/в других видах бизнеса, но это так же может влиять на размер комиссии, которую с вас будут брать после каждой продажи (к этой теме вернемся чуть позже).

Посетите галерею лично. Как персонал встретит вас?

Если вы вошли в галерею и владелец, сидя где-то вдалеке, между разговором со своим другом махнул вам рукой, а после, вы, очертив полный круг по галерее, на выходе слышите дежурное: “Спасибо, что зашли”, – это не то место, где вы захотите представлять свои работы.

Наверняка вы хотите, чтобы кто-то встретил вас, спросил, как прошел ваш день и предложил помощь. А представьте, вы просматриваете чью-то экспозицию, и вам говорят: “Правда, у него невероятные работы? Вы должны увидеть его следующую выставку “Уровни памяти”, она будет открыта в следующем месяце 21-го числа. У него есть несколько образцов на его сайте (вам вежливо протягивают визитку с адресом сайта). Я был бы рад показать вам что-то еще, если вам интересно”.

Важно знать, как они будут работать, когда ваши картины висят в галерее. Вы действительно хотите выставляться в пространстве, где кто-то просто сидит в уголке и треплется со своими приятелями? Нет. Вы хотите работать с теми, кто общается с каждым посетителем, который зашел в эти двери, как с потенциальным покупателем, потому что каждый посетитель — потенциальный покупатель.

Какие именно работы они продают?

Если вы специализируетесь, скажем, в сюрреалистическом портрете, то галерею, выставляющую исключительно фотографии цветов, не заинтересует ваше портфолио. Даже не пытайтесь уговаривать их. Они знают, что им нравится, и это не вы.

Какая у них ценовая категория?

Если стоимость работ, выставленных в галерее, превышает 30.000 долларов, а вы до этого ничего не продавали, поищите еще. Эти работы продаются по такой цене, потому что они созданы известными художниками. А вы определенно неизвестный художник… или зачем тогда вы читаете эту статью?. Найдите галерею, которая продает произведения искусства по близкой вам цене.

Переговоры с галереей

Они кажутся чем-то страшным, но на деле… страшны лишь настолько, насколько вы воображаете..

Владельцы галерей такие же люди, и они охотнее возьмут инициативного воодушевленного художника, чем неуверенного в себе, который понятия не имеет, чем они занимаются.

Так что соберитесь и сделайте следующее:

Личный подход

Если надеетесь назначить встречу с владельцем галереи, идите лично. Все что вам необходимо сделать – спросить проводят ли они собеседования с художниками или портфолио-ревю. Не приносите портфолио в галерею. По сути это говорит: «Я так невероятно талантлив, что захочется бросить все дела и взглянуть». Высокомерно и самонадеянно. Возьмите визитку в заднем кармане, а портфолио оставьте в машине.

Вам ответят что-то из этого:

  1. Нет, в настоящее время мы не ищем новых художников.

  2. Нет, мы не назначаем личных встреч, но можно подать заявку онлайн.

  3. Да, мы проводим портфолио-ревю, которые стоят столько-то и пройдут в такой-то день и время.

Если вы спрашиваете о портфолио-ревю, знайте, что необходимо будет заплатить за него. Их время так же ценно, как и ваше, и они не делают обзоры в благотворительных целях. Портфолио-ревю – отличный способ показать свои работы. Вам либо дадут полезные советы либо, если им понравится, заведут речь о будущей выставке.

Онлайн-заявка

Вероятнее всего, вас попросят выслать заявку онлайн. Обычно она расположена на сайте галереи и имеет особые требования к заполнению.Выполняйте инструкции. Они не случайно здесь, и есть вероятность, что если вы не будете точно им следовать, ваша заявка будет отклонена. Нет времени валять дурака.

Обычно просят предоставить резюме, ваш список работ (названия, материал [тип бумаги для фотографий], размер, тираж, цена), контактную информацию, ссылки на ваши работы и, возможно, несколько работ для примера в небольшом разрешении.

Ваше художественное резюме, по сути, не будет отличаться от любого другого резюме. Разместите в нем контактную информацию, сайт, короткую биографию и описание вашей деятельности. Затем добавьте все, что уместно: образование, связанное с искусством/фотографией; награды; публикации, в которых вы участвовали; опыт преподавания; ваши последние выставки. Поищите «резюме художника» в интернете, и вы увидите большое количество примеров.

Размер, тираж и цена

Размер

Каждый вид искусства тяготеет к определенным размерам, но есть одно общее правило. Каждый владелец галереи говорил мне: делать работы не более чем в трех размерах. Причина проста: это позволит избежать ненужных хлопот с другими галереями.

Давайте представим гипотетическую ситуацию. Скажем, вы используете квадратный формат для фотографий, который представлен в 5 размерах: 10 x 10, 20 x 20, 30 x 30, 40 x 40 и 50 x 50 (в дюймах). Отлично.

Предположим, вы подаете заявку в 20 разных галерей, двум из них вы нравитесь, и они хотят сотрудничать с вами. Одна хочет экспонировать ваши работы в январе-марте, вторая – в апреле-июне. Первая галерея предпочитает размер 30 x 30, вторая – 20 x 20. Это означает, вы должны заплатить за печать, оформление и доставку всех работ (что может стоить больше, чем 3.000 долларов). Ограничение в размерах не приведет к тому, что галерея откажется работать с вами. Если вы понравились второй галерее, но можете предложить только работы 30 x 30 вместо 20 x 20, они возьмут, что есть. Это поможет сэкономить вам целое состояние на подготовке двух разных выставок в двух разных размерах.

Размеры должны быть разнообразны. Это может быть один маленький размер (10 x 10), который удобно держать в руках. «Маленькая жемчужина» – объяснили мне кураторы.

Затем у вас может быть основной размер (30 x 30). Он достаточно большой, чтобы выигрышно смотреться в любом доме. Его же вы можете предоставлять в галереи. Большой размер (50 x 50) специально предназначен для коллекционеров и сдачи работ в аренду. Обычно это наибольший размер, который вы можете распечатать без потери качества. Возможно, ваши работы в большом размере будут выглядеть несколько комично, но в этом и суть – броский необычный вариант.

Ограниченный тираж

Вам не обязательно тиражировать свои произведения, но, стоит сказать, я еще ни разу не встречала кого-то, кто был бы против. А ограниченный тираж увеличивает стоимость ваших работ: покупатели платят не только за произведение искусства, но и за эксклюзивность. Тираж может варьироваться от 3 до 500 экземпляров, зависит от вида искусства, в котором вы работаете. Например, фотограф, печатающийся в одном размере, может делать 25 копий. Это означает, что он может продать только 25 экземпляров одной фотографии, на этом все. После того, как тираж закончится, больше нельзя продавать отпечатки этой фотографии (правда, возможно переиздание тиража, например, если вы невероятно знамениты или…. если вы умерли).

Звучит сложно? Возможно, да.

На самом деле, вы не всегда будете распродавать свои тиражи, но они создают ощущение эксклюзивности и побуждают к покупке. Тираж так же должен уменьшаться при увеличении размера, что придает больший вес вашим работам.

Для своих работ я использую следующую схему:

Размер (в дюймах):

  • 10 x 10, тираж: 15 экземпляров

  • 30 x 30, тираж: 7 экземпляров

  • 50 x 50, тираж: 3 экземпляра

Цена

Ценообразование может быть сложным вопросом. В качестве отправной точки пригодится формула: затраты на чужой труд + затраты на производство + расходы на печать и доставку + прибыль = цена.

Важно также исследовать местный рынок, чтобы понять, за сколько продают похожие работы. Пусть можно продать что угодно по любой цене, я считаю, разумно знать, что делают конкуренты.

Например, рынок искусства в Монтане [штат на границе с Канадой] очень отличается от Нью-Йорка. Если бы я продавала свои работы в Монтане по ценам Нью-Йорка, ко мне едва ли бы относились серьезно.

Я так же принимаю во внимание мнение галереи по поводу стоимости. Они знают рынок лучше, чем кто-либо, и знают, какую сумму готовы потратить постоянные клиенты.

Галереям необходимо, чтобы ваши цены были достаточно высокими, чтобы показать значимость работ, но и достаточно низкими, чтобы они были сопоставимы с картинами других художников, которые выставлялись ранее.

Если вы оцениваете себя так же, как знаменитый художник, чьи работы были показаны в этой галерее недавно, но у вас нет и близко такого послужного списка, это затруднит продажу. Галереи должны защищать свой авторитет и репутацию. Продавать работы, исходя только из их возможного потенциала, они не могут, поэтому оценивайте стоимость соответственно.

Издержки и комиссия

Издержки

Как правило, художник оплачивает все расходы на организацию выставки. Сюда относится печать, транспортировка и оформление.

Поскольку вы продаете свои фотографии как произведение искусства, они должны быть напечатаны на сертифицированной архивной бумаге. Обычно галереи сами развешивают работы. Важно участвовать в этом процессе.

Для своих работ я, как правило, использую паспарту, багет и они могут быть закреплены на стене или подвешены. Так, часть моих подводных фотографий была закреплена, а часть подвешена на леске, и их легкое покачивание и колебание имитировало течение воды.

Комиссия

У каждой галереи комиссия отличается. Иногда комиссия 40% и очень редко бывает больше 50%.

Некоторые галереи устанавливают маленький процент взамен ежемесячного платежа. Скажем, вы платите 300 долларов в месяц за размещение в выставочном зале и в случае продажи всего 30%. Если у вас есть возможность, не стоит связываться с таким типом галерей.

Лучше выставляться в галерее, которая зарабатывает деньги только при продаже ваших работ. А начисление ежемесячной платы, по сути, покрывает все расходы выставочного зала. Галерея не обеспокоена продажей произведений искусства, у них отсутствует стимул для продвижения ваших работ. Если вы ничего не продаете, их это не сильно волнует, они уже покрыли все свои издержки с помощью ежемесячного платежа, понимаете?

Рассмотрим идею комбинированных галерей – пространств, где есть совершенно другой отдельный бизнес, и при этом там демонстрируют предметы искусства для продажи.

Такие места должны взимать не более 30% комиссии. Вот почему: комиссия галереи – это плата за все, что они делают. Сюда входит привлечение новых покупателей, контакты постоянных клиентов, которые могут быть заинтересованы вашей работой, мероприятия и другое. Вся рекламная кампания направлена на продажу ваших работ, и это стоит 50% комиссии.

У магазинов, которые выставляют предметы искусства, на привлечение потенциальных покупателей может отводиться лишь небольшая часть бюджета. Например, если это кофейня, то их маркетинг и промоушен ориентирован на то, чтобы стимулировать людей покупать кофе. Если кто-то случайно придет и купит арт-объект – классно, но они не преследуют эту цель. Поскольку только 20% их дохода идет на продвижение предметов искусств в их магазине, то они и должны получать только 20% комиссии.

Контракты (могут быть довольно сложными)

Существует много моментов, которые стоит обсудить с юристом. По крайней мере, обратите внимание на следующие вещи:

  • Сколько вы должны будете платить и когда. Обычно это процент комиссии и дата, когда эту комиссию необходимо заплатить, как правило, конец месяца.

  • Срок действия контракта. Часто контракты заключают на 3 месяца. Если контракт можно пролонгировать, то большинство галерей в этом случае требуют новые работы для экспозиции в новом периоде.

  • Какое количество работ будет показано. Идеально, если будет экспонироваться вся ваша серия целиком или хотя бы половина. Некоторые галереи показывают только часть серии, но затем меняют работы на протяжении всего периода действия контракта. В этом случае вам нужно знать, какое количество ваших работ будет одновременно показываться в выставочном зале.

  • Как быстро вас известят о продаже. Меня необходимо уведомлять в течение 24 часов после продажи. Это чрезвычайно важно, чтобы вы не продали больше, чем это возможно, и чтобы клиент получил то, что ему пообещали.

  • Кто отвечает за ущерб, пока работы в галерее. Если в галерее произойдет пожар и ваши работы будут уничтожены, галерея должна покрыть ваши убытки. Некоторые выставочные залы требуют, чтобы у вас была собственная страховка, способная покрыть все риски, пока ваши работы находятся на экспозиции. Но, честно говоря, сложно подавать страховое требование на произведения искусства, которые вы не видели 2 месяца. Если они находятся в галерее – это ответственность галереи.

  • Как расторгнуть договор. На случай если произойдет что-то непредвиденное, необходимо знать, какой будет штраф за расторжение контракта с обеих сторон. Вы можете быть привлечены к ответственности, если заберете свои работы до окончания контракта, так же как и галерея, если она не демонстрирует ваши работы весь контрактный период.

  • Кто может продать ваши произведения. Разрешено ли еще кому-то продавать ваши произведения искусства, включая вас самих? Например, если это персональная выставка, вам могут запретить публиковать какие-либо изображения в интернете или выставлять свои работы где-то еще. Если вы продадите свои картины самостоятельно, без договоренностей с галереей, они могут прекратить с вами сотрудничество… что будет справедливо.

Подумайте о том, что они тратят свои силы на раздачу визиток, отправляют потенциальных покупателей на ваш сайт, а затем покупатель связывается с вами, и вы проводите продажу вне галереи. Получается все, что они сделали со своей стороны, было напрасно.
На этот случай стоит иметь дополнительное соглашение. Если покупатели приходят к вам после того, как познакомились с вашими работами в галерее, вам следует вернуть их обратно, чтобы галерея могла получить свою комиссию. Это может показаться сложным (особенно, когда ваша прибыль от продажи сокращается вдвое), но это правильное решение, простое и честное. Чем лояльнее вы относитесь к галерее, тем лучше галерея будет работать над вашим продвижением, они будут знать, что вам можно доверять и отправлять к вам потенциальных покупателей.

Спросите отзывы у художников. Я выставлялась в галерее, чьи принципы противоречили моим (не хочу называть имен или что-то еще). Если бы я поговорила с предыдущими художниками о том, как там ведут бизнес, вероятно, я бы не выставляла там свои работы. Урок был усвоен.

Продажа работ на открытии

Один из самых стрессовых моментов для любого художника – продажа работ на открытии. Предстоит убедить большое количество людей купить ваши произведения, в противном случае у вас будет хороший шанс стать к концу месяца бездомным.

Для тех, кто боится даже допустить мысль о том, что придется говорить о себе целых 4 часа с абсолютно незнакомыми людьми, вот небольшой сценарий:

  • Шаг 1: Представитесь, благодарите всех за то, что они пришли, скажите, что вы готовы ответить на любые вопросы.

  • Шаг 2: Ответьте на любой вопрос, который вам зададут, развернуто и подробно.

  • Шаг 3: Приводите в качестве примера свои работы.

  • Шаг 4: Ответьте на следующий вопрос, который вам зададут, развернуто и подробно.

Это все. Серьезно.

Вам стоит отвечать на каждый вопрос подробно, потому что чем больше знают посетители о ваших работах, тем больше они хотят купить их. Они не хотят вещь, которую можно просто повесить в прихожей, они хотят вещь, которую можно показать гостям и рассказать, насколько она необычна.

Ваш диалог с клиентом может выглядеть примерно так:

Я: «Здравствуйте! Спасибо, что нашли время и пришли сегодня. Если у вас возникнут какие-либо вопросы, не стесняйтесь спрашивать, я с удовольствием отвечу!»

Клиент: «Большое спасибо! Вы тоже художник?»

Я: «Да! Эта картина моя, она называется «Бессонница».

Клиент: «О, я вижу! Я смотрел здесь на корни деревьев, выглядит очень интересно!»

Я: «Спасибо! На самом деле мне пришлось взять их из другой фотографии. На то, чтобы добиться такого эффекта, ушло около 100 часов на редактирование».

Клиент: «Ого, это не укладывается в голове. Эй, дорогая, ты знаешь, что это заняло более 100 часов работы?»

Супруга клиента: «Да ты шутишь!».

Я: «Серьезно! А эта работа, она называется «Хранитель весны», заняла около 80 часов. Это комбинация из 46 отдельных фотографий».

Клиент: «С ума сойти! Как вы это делаете?»

Я: «Сначала я устанавливаю штатив и делаю первую фотографию, затем…»

Видите? Вместо того, чтобы просто смотреть на интересную работу, посетители думают обо всех элементах, которые входят в нее. Они чувствуют волнение и хотят, чтобы кто-то еще почувствовал его, когда они перескажут вашу историю.

Заключение

Работа с галеристами пугает, но важно сделать первый шаг и понять, что они тоже люди. Они попали в этот бизнес, потому что любят искусство, и в любом случае хотят помочь вам.

Не будьте напористы, думая, что это будет преимуществом. Пусть ваши работы говорят сами за себя. Я получила первую выставку, просто придя в галерею и показав фотографии на мобильном телефоне. Это реальная история.

Если вы знаете кого-то, кому мог бы пригодиться этот пост, не стесняйтесь поделиться им! 

Неголодный художник — Это Кавказ

Художник голодным быть не должен. Да и вообще никому ничего не должен, кроме честной творческой работы. И, оказывается, за эту работу можно получать деньги, даже если ты провинциальная девочка с Кавказа, считает Елена Романовская из Нальчика. Самая дорогая из проданных ею картин «Пиршество на торжество» уехала за границу, принеся своей создательнице 2 400 долларов. При этом скандальным художником Елену не назовешь. И называться она предпочитает именно художником, несмотря на кажущийся флер феминизма в творчестве. Никакого эпатажа ради эпатажа, только искренность, фантазия и чистый цвет. А еще — умение правильно заявить о себе.

Уехать, чтобы вернуться

Фото: Татьяна Свириденко

За плечами Елены Романовской колледж дизайна Кабардино-Балкарского госуниверситета, Северо-Кавказский институт искусств, несколько фестивалей «Таврида-арт», работа в Нальчике, Краснодаре и снова в Нальчике. Но известна она стала сначала за пределами этих городов. Ее картины экспонировались на выставках, онлайн и оффлайн, в Москве, Краснодаре, Сочи, в Крыму, за рубежом, работы есть и в частных галереях, и коллекциях в Греции, Великобритании, Франции, США. Елена занимается и иллюстрированием книг — на ее счету несколько учебников, изданных в Штатах, а сейчас она работает над еще одной американской книгой и говорит, что это позволит ей выйти в творчестве на новый уровень.

А началось все с того, что в какой-то момент Елена поняла, что ей тесно в Нальчике, и уехала в Краснодар.

— Там я, конечно, не сразу смогла полностью уйти в искусство, стала работать в сфере относительно близкой к живописи — графический дизайн. Но не переставала писать картины, искать свой стиль.

Елена искала разные способы реализовываться как художник и продвигать свое творчество — какое-то время даже делала авторскую вышивку на носках. И через несколько лет поняла, что готова вернуться в Нальчик. Место перестало иметь значение.

— Сегодня тебе совершенно неважно, в каком городе ты живешь, если для работы тебе нужен акрил, кисти, планшет, интернет и отделение Почты России, чтобы пересылать заказы, — рассуждает Лена. — Я вернулась в Нальчик и вдруг поняла, что меня все здесь сейчас устраивает. Разве что немного не хватает какой-то творческой тусовки.

Продвинуть и продать

Чтобы работать где угодно и не бедствовать, Елена выбрала, возможно, хлопотный, но действенный, как показала практика, метод.

— Нельзя останавливаться, надо смотреть и слушать лекции, знакомиться с новыми тенденциями, ходить на выставки, подаваться в максимальное количество онлайн-галерей, — перечисляет она.

Ее работы выставлены на популярных онлайн-площадках: Gallarty, Artfinder, Saatchi Art. Продавать и покупать можно не только картины, но и принты. Это дешевле и позволяет сразу нескольким людям обзавестись изображением понравившейся картины легально, не пиратствуя.

— На тот же самый Artfinder надо стараться ежедневно выкладывать новые работы. Если нет больших, пиши маленькие, — продолжает Елена. — Я вот, например, сейчас написала пять маленьких, и, считай, неделю у меня есть что выкладывать. Если не ежедневное, то хотя бы еженедельное пополнение магазина важно, чтобы ты оставался актуальным. Естественно, надо продвигать себя в соцсетях. И ездить на форумы типа «Тавриды», чтобы заявлять о себе не только в виртуальном мире.

Важно верно выбрать площадку для онлайн-продаж работ. Многие галеристы считают минусом наличие магазина на Etsy. Выставлять свое искусство среди вязаных салфеток и самодельных брошей считается дурным тоном. Но художники все равно это делают: продает площадка хорошо. Галереи типа Artfinder и Saatchi Art — гораздо более удачный выбор, если говорить о престиже. Первая помогает в продвижении и собирает дайджесты из самых просматриваемых и интересных художников, еще больше повышая интерес к ним. Елена в такие попадала не раз. Цель Saatchi — найти молодые таланты и помочь им раскрутиться.

Фото: Татьяна Свириденко

Сложный путь

Основной проблемой художников из регионов Елена считает невозможность лично посещать крупные галереи Москвы и Санкт-Петербурга и вливаться в художественное и искусствоведческое сообщество.

— Наш успех зависит не только от качества картин, но и от тусовки, так это назовем. Надо быть всегда на виду, на слуху, чтобы о тебе знали, потому что художников много, — поясняет она. — Это как у нас в Нальчике: кто-то кого-то подтягивает, знакомит с кем-то, работает сарафанное радио. Мне приходится делать это онлайн, участвовать в опен-коллах. Непосредственно выставки еще не приносили мне денег, кроме одного аукциона. Но они важны для резюме: часто смотрят, в скольких и в каких выставках ты уже участвовал, всероссийские они или международные.

Пытаться продаваться через галереи — путь более долгий, чем идти в интернет. Здесь сначала надо получить признание.

— Тогда твои картины будут стоить дороже. Мне для этого пока не хватает теории, поэтому я сейчас прохожу индивидуальный курс по продвижению и развитию, чтобы прокачать свои сильные стороны, сделать свое искусство острее, заметнее, — рассказывает художница. — Пока я пишу картины интуитивно. Однако здесь, как в любом виде искусства, талант — это хорошо, но когда ты изучаешь правила, механизмы, тенденции, то ненужное отсекается, и остается ограненный бриллиант. Я задалась целью научиться отсекать ненужное и развивать нужное.

Все, кроме нечестности

— Глядя на мои картины, люди порой думают, что я беру образы с потолка, но это не так, — объясняет Лена. — Это всегда реальный человек, реальный образ, который преломляется в моем воображении.

Елена, по ее признанию, больше всего любит писать портреты — знакомых, малознакомых, незнакомых людей, знаменитостей. Иногда сразу получается выхватить главные черты, иногда — нет. Но спрос на такие работы стабильный.

— Я пару раз делала что-то вроде краудфандинга. Например, недавно, когда обставляла мастерскую в Нальчике. Я называю это «Меценаты Романовской». Люди скидывали мне символическую сумму и свое фото, из которого они бы хотели сделать портрет, — рассказывает Елена. — Я делала диджитал-портрет в своем стиле. Его можно превратить во что угодно — от аватарки в интернете до принта на стене или на шопере. Какие-то портреты я видела, едва взглянув на фото, над несколькими пришлось серьезно поломать голову. Так или иначе, каждый из них — это мое честное видение человека. И да, я люблю писать портреты, но на потоке это все же выматывает.

Честность и искренность — главное в искусстве, считает Елена. Активный маркетинг с ними сочетается, но не должен приходить на замену. В числе картин Елены есть и такие, которые на Северном Кавказе вполне могут потянуть на звание если не скандальных, то эпатажных, но созданы они не ради реакции зрителей. Романовская называет картины цветами, и они стали результатом прохождения очередного курса — по принятию своего тела. А то, как их оценивают, художника не смущает: каждый волен видеть в произведении искусства то, что ему близко.

Фото: Татьяна Свириденко

Фото: Татьяна Свириденко

Фото: Татьяна Свириденко

Фото: Татьяна Свириденко

Фото: Татьяна Свириденко

Фото: Татьяна Свириденко

Персональная выставка «Портрет налицо»

Не воздушное создание

Лето-2021 для Елены выдалось насыщенным: прошла ее первая персональная выставка «Портрет налицо» в Нальчике, затем были очередная «Таврида», поездка в Башкирию и личная арт-резиденция в Подмосковье.

— У меня появилась возможность пожить и поработать в доме с видом на лес, — рассказывает Лена. — Русский такой лес: березы, сосны, красота… И борщевик, которого я ужасно боюсь. Правда, по лесу я не гуляю — работаю с утра до ночи. После поездки в деревню моего детства, где я не была уже лет 15, я полна идей. Делаю проект, связанный с деревенским миром, а точнее, моим его видением.

Общение с людьми, совершенно иные традиции, отличные от привычных кавказских, детали быта, другой горизонт, другие звезды, солнце, воздух — все это не могло не оставить свой след в творчестве. Скетчи, небольшие картины, фотографии появлялись в соцсетях девушки в режиме нон-стоп.

— Вообще, я сейчас делаю два проекта, — говорит она. — Помимо деревенского в работе есть еще один — «Мистер Икс», я сейчас договариваюсь с московской галереей, чтобы его выставлять.

«Мистер Икс» — это про слияние слова и визуального образа. От нескольких человек, работающих в разных сферах, Елена получила словесные описания людей, чьих имен она не знает.

— Описание героя, чье имя сохраняется в тайне, погружает художника в поток ассоциаций, лирических связей и воображения, выплеснутых на холст, — рассказывает художник. — Картины и текст все еще не раскрывают тайны имени персонажа, и зрителю предоставляется возможность стать повествователем своей версии, разгадывая «Мистера Икс» на портрете. Надеюсь, скоро зрители встретятся с этим проектом, так сказать, лицом к лицу.

Фото: Татьяна Свириденко

Елена признается, что ее задевает точка зрения, что художники — это воздушные создания, порхающие то туда, то сюда. Это точно такая же работа, как любая другая, уверена она.

— Я действительно чуть ли не от рассвета до заката пишу. Это работа. Приятная, но тяжелая.

Дарья Шомахова

Художник Джама Джурабаев — о работе со Спилбергом и Гаем Ричи

Дизайнер Джама Джурабаев бежал от последствий войны из родного Таджикистана, переехал в Турцию, где изучал программирование, постил работы в интернете, а затем внезапно получил предложение о стажировке от английской компании. Сейчас Джурабаев живет и работает в Лондоне, он создавал героев Lucasfilm и Стивена Спилберга. В интервью «Газете.Ru» художник рассказал о военном детстве, работе в Голливуде и о том, как виртуальный мир изменит человечество.

— Вы родились в творческой семье. Мама работала в театре художником по свету, отец — танцовщиком балета. Как в целом складывалось ваше детство?

— Я помню, что много часов осознанного детства проводил в кукольном театре. Наблюдал за сценой, за тем, как актеры управляют куклами. Никогда не понимал, как дети, которые смотрели постановку из зрительского зала, на это покупались. Тем не менее мне было интересно, хотя я не большой любитель всего этого. В самые лучшие детские времена хочется гонять во дворе, а мне приходилось проводить время в театре.

У меня никогда не было цели связать свою жизнь с искусством. Мой папа мне всегда говорил: «Не иди в это все». Несмотря на это, меня воспитывали свободно. Никакого давления не было, напротив — родители дали мне карт-бланш на то, что делать дальше. Главные преграды в моей карьере связаны с тем, что я поздно начал. В моем окружении этим никто не занимался, не было школ. Пришлось столкнуться с большим отставанием, но благодаря воспитанию мне удавалось двигаться дальше.

— В 1992 году началась гражданская война в Таджикистане. Что тогда произошло с вами и вашей семьей?

— Мы были затронуты ужасным образом. Сектор искусства, в котором работали мои родители, пострадал еще при развале СССР. Артисты были никому не нужны. Поскольку я был ребенком и уже смутно помню события, то сейчас смотрю видео на тему гражданской войны и пытаюсь восстановить хронологию.

Однажды меня остановили на площади и сказали: «А что это у тебя за стекло? Ты собираешься кого-то там убить». Я говорю: «Ребят, мне 11 лет, кого я буду убивать?» Страшно, когда большое скопление людей, перестрелки. В каждом районе собирались мужчины и делали блокпосты от всех. Было не только противостояние между двумя сторонами, но и мародерство.

Мой брат увлекался восточными единоборствами, фехтованием и сам смастерил себе как бы меч ниндзя. В итоге с ним на защиту местного населения ходил мой отец.

Не знаю, как он собирался им защищаться, но мужики пользовались всеми подручными средствами: у папы меч, у кого-то — молоток. Моя мама очень сильно переживала, потому что ночью стреляли. На этой волне было логичным переехать куда-то. Тогда люди уезжали без плана.

— Как у вас получилось выбраться с территории военных действий?

— В английском языке есть такое выражение — «пуля пролетела над головой». В 1993 году я поступил в турецкий лицей. В школу пришли преподаватели из училища и сказали единственное, что мне нужно было услышать: там будут компьютеры.

Я прихожу вечером домой и говорю маме: «Я поступаю в лицей». Я даже не представлял, что это интернат. Если бы я знал, что самые задорные подростковые годы обмениваю на жизнь там, то не пошел бы никогда в жизни. Но сейчас я вообще не жалею, потому что это было самым правильным решением. На момент конфликта это было, наверное, единственное место, где преподавали, где были уроки, книги. Родители переехали в Узбекистан, где жила моя сводная сестра. Брат остался в Таджикистане.

— В 13-14 лет вы самостоятельно принимаете решение уехать из семьи. Как вы взяли на себя такую ответственность, будучи в юном возрасте?

— Это было неосознанно. Война набирала обороты, родителям было тяжело. Они и так проводили все время с нами. А в лицее мы практически жили — там не было войны.

У нас был компьютерный класс, я там потихоньку начинал какие-то вещи делать и подумал: «Вот это мое, я люблю компьютеры, значит, мне нужно делать что-то с ними дальше в жизни».

Потом я поступил в один из лучших университетов Турции на компьютерного инженера, но после полутора лет учебы понял, что мне это не нравится, так как не хватает терпения. Затем я вспомнил о своей любви к самолетам и перешел на факультет авиакосмических технологий. Но и там был какой-то ад: мне нравилось рисовать самолеты, а факультет на деле оказался очень математическим.

— «Я помню постоянное безденежье. Казалось, это никогда не закончится». Этой фразой вы описываете учебу в институте. Что это было за время?

— Это было ужасно. У меня была стипендия, но ее хватало только на оплату квартиры. Я провалил один курс, и мне пришлось после окончания вуза остаться еще ненадолго в Турции. У меня не было средств для существования, поэтому я устроился в интернет-кафе в одном из злачных районов Анкары. Наигравшись во все эти игры, я начал копаться в Photoshop и сильно им заинтересовался. Узнал, что можно рисовать в компьютере.

— Ваши работы достаточно темные, устрашающие. Может быть, это отражение того, что вы пережили в прошлом?

— У меня есть шутка, которую я обычно использую: «Ребята, шесть лет гражданской войны зря не прошли». Но на самом деле я не думаю, что это отразилось. Психология — очень сложная наука, где-то какие-то вещи резонируют до сих пор, но

я по жизни очень веселый человек, мне просто нравится рисовать страшные, темные картинки. Вот и все.

close

100%

«Мандалорец» (2019)

Lucasfilm Ltd.

— Когда вы поняли, что пришли к своей цели?

— Для этого потребовалось большое количество времени. Когда я вернулся домой, процесс самообучения продолжился. Я пытался понять, куда мне интереснее двигаться. Я работал у брата. Это был тот период, когда родители еще не вернулись, у нас не было дома. У меня даже не было квартиры, я жил у родственника.

Далее я начал постить свои работы в интернете. На удивление я сделал очень хороший ход – выкладывал не в рунете, а в англоязычном пространстве. Там совершенно другая аудитория.

Была определенная поддержка, и мне показалось, что мои работы кому-то нравятся. Это придало мотивацию. Меня наняли на работу, когда мое портфолио уже вышло на тот уровень, на котором делали ребята на Западе. На меня вышла английская компания Moving Picture. Они позвали меня в Англию на пробный проект. Я приехал туда практически десять лет назад. И по сей день живу здесь и работаю.

В Англии колоссальный объем работы, в эту профессию невозможно попасть случайно. Это очень комплексный набор навыков: тут есть и рисование как инструмент, и дизайн, и общее мировоззрение. Много векторов, которые невозможно просто купить или родиться с ними.

— Вы долгое время сотрудничали с компанией Disney. Как это произошло?

— Туда меня тоже пригласили по работам, которые я постил, и через знакомых в индустрии. В Industrial Light&Magic, подразделение Disney, я попал в 2016 году.

— Вы придумали образ Джинна для фильма Гая Ричи «Аладдин». Как это было?

— У меня была проблема с Джинном. Работа осложнялась тем, что Джинн был в формате диснеевской анимации. Было необходимо очеловечить персонажа и сделать его похожим на Уилла Смита. Задача была сложная, было много технических аспектов. В анимации сделать легко: растянуть, вытянуть, лопнуть. Моя же работа — не просто придумать образ, но и воплотить его в реальности и графике, сделать так, чтобы это выглядело убедительно. Имея эти входные, мы сняли Смита на телефон, как он танцует, создали по нему 3D-модель, а потом ее перекрасили.

Опять же, насколько он должен быть синим? Если он слишком синий, то это выглядит, как краска. Если слишком не синий, это выглядит так, будто он бледный. Если слишком яркий — как инопланетянин. В конце концов я сделал несколько картинок, которые понравились Гаю Ричи. Их утвердили и в итоге по прототипу этих картинок сделали.

close

100%

«Аладдин» (2019)

Walt Disney Pictures

— Еще вы работали со Стивеном Спилбергом. С кем было сложнее сотрудничать?

— Сложно сказать, со всеми по-особенному.

Я работал с Ричи только на «Аладдине» и на «Короле Артуре». Он довольно специфичный. Он не очень понимает рисунки от руки, наброски. Ему нужно увидеть, чтобы все это было фотореалистично.

Со Стивеном Спилбергом я сотрудничал дольше. Практически три года с перерывами я работал над фильмом «Первому игроку приготовиться». Спилберг — тот человек, который точно знает, чего хочет.

— Сейчас на Западе популярна так называемая новая этика. Отражалось ли это на вашей работе как творца, художника?

— Лично меня это напрямую никак не касалось. Сложный вопрос. Я не боюсь на него ответить, но могу сказать, что на самом деле многие вещи мне не были понятны, пока я не приехал на Запад. Я не скрываю, что всю свою осознанную жизнь прожил в очень гомофобной среде. Во-первых, мусульманская страна, во-вторых, постсоветское наследие. Переехав в Англию, мне потребовалось достаточно много времени, чтобы пересмотреть свои взгляды.

В Лондоне, например, фактически нет гетто или же их очень грамотно распределяют. Вы можете видеть коммунальное жилье, где живут люди, которые не могут себе позволить что-то дороже. А на соседней улице могут стоять дорогие автомобили. Правительство старается этот вопрос как-то уравновесить.

Еще пример — проблемы чернокожих. Очень легко говорить об этом, когда они тебя не касаются.

Когда вы переезжаете, то видите, что люди действительно делятся по цвету кожи, хотя на дворе 21-й век. Конечно, живя в своей стране, я не мог представить, насколько это может быть драматично, но все это существует.

То же самое с движением «MeToo» (движение против сексуальных домогательств — прим. «Газета.Ru»). В нашей индустрии очень мало женщин, особенно в концепт-арте. Интересно, что в России, где я преподаю, намного больше девочек, которые хотят обучиться этому направлению. Но опять же, у некоторых возникает вопрос: «А как девушка будет рисовать страшных монстров?» А почему бы и нет?

Я думаю, мы еще едем с этим постсоветским багажом. У нас большое количество предубеждений, отголосков, которым мы следуем. На Западе с этим иначе. Чтобы понять, как это здесь работает, нужно здесь пожить.

close

100%

«Первому игроку приготовиться» (2018)

De Line Pictures

— У вас есть опыт сотрудничества с российскими компаниями. Что нужно сделать, чтобы уровень русской мультипликации перешел на более высокую ступень?

— Я думаю, в России с мультипликацией и CGI (computer-generated imagery, или «изображения, сгенерированные компьютером» — прим. «Газета.Ru») уже давно все хорошо. Но лично мое субъективное мнение, что здесь немного туговато с идеями. Однако у меня абсолютно нет к этому никаких претензий. Сейчас в России очень много проектов, которые просто копируют какие-то западные формулы — например, сделать свой Marvel. Это вполне нормальный процесс. Мы все через это проходим. Нельзя придумать образы из пустоты, нужно от чего-то отталкиваться.

— А что нам мешает? Может быть, мы боимся своих идей?

— Возможно. Голливуд диктовал формулу, как правильно делать, поэтому нам кажется, что это единственный способ. Но я думаю, со временем мы сможем найти свой голос и делать так, как нам нравится. Я вижу, что фильмы стараются делать максимально ориентированными на коммерческий успех. А когда вы делаете такие проекты, очень сложно выходить за рамки.

В России и на всем постсоветском пространстве есть крутые художники. Я с ними общаюсь, и, мне кажется, что все будет хорошо.

Недавно я давал интервью западному изданию, меня спросили: «Почему из 10 художников, которых мы видим онлайн, самые креативные, самые сумасшедшие из России?»

Мне кажется, причина в том, что мы — художники — не очень ориентированы на коммерческий успех. Я часто встречаю ребят, которые делают крутые штуки, а на вопрос, зачем они это делают, они отвечают: «Мне просто нравится. Я работаю в сотовой компании, а по вечерам сижу и рисую для себя. И поэтому у меня есть возможность делать сумасшедшие вещи». На Западе все очень сильно заточено на коммерческий успех, поэтому у них, вероятно, нет возможности экспериментировать.

— Многие скептически относятся к современному искусству. Каких вы придерживаетесь взглядов на этот счет?

— Я стараюсь видеть положительную сторону. Всегда можно сказать, что раньше было лучше, но сейчас столько интересных векторов появляется. Искусство на холсте — это, конечно, огромное достижение, но у нас есть виртуальные, аргументированные реальности. Мы еще даже не открыли эту завесу, хотя там можно делать столько интересного.

Если мы говорим о виртуальной реальности, которая существует в цифровом пространстве, то в будущем она изменит наше взаимодействие с миром. Например, в системе образования каждый ребенок сможет не просто прочитать в книге о Солнечной системе, а надеть очки или другой девайс, чтобы увидеть, как эта Солнечная система появляется у него перед глазами.

Для меня, художника, это все очень интересно, потому что эти миры кто-то должен будет создавать. Мы всего 10 лет пользуемся смартфонами, и я не могу представить, насколько круто это все будет выглядеть лет через 30. Если мы, конечно, все не поджаримся от глобального потепления.

Как-то я работал над проектом, идеей которого было создание такого виртуального мира, который бы помогал реабилитироваться людям с посттравматическим синдромом. За основу был взят вымышленный персонаж, у которого была очень сильная травма, к примеру, смерть в семье. Его погружали в виртуальный мир, где он работал на некой станции вокруг Юпитера. Его уводили в этот виртуальный мир. Как будто бы мнимая кома, в которой он потихоньку восстанавливал свои силы.

Думаю, в быту система виртуального мира нам также сильно поможет. Допустим, когда вы едете в машине, вам каждый раз приходится отвлекаться на навигатор, что иногда приводит к не очень хорошим последствиям. Благодаря виртуальной реальности маршрут может быть спроецирован на сетчатку. Мнимая голограмма появится перед вами, и вы сможете видеть, куда вам ехать, какая у вас скорость.

— По вашим расчетам, когда это может быть выпущено?

— Когда все это только начало набирать обороты в 2015-2016 годах, я думал, что это довольно быстро раскрутится, но, к сожалению, сейчас мы упираемся в технологические нюансы. Есть довольно сложные аспекты — разрешение экранов, мощность компьютеров и так далее. Еще не все могут позволить себе такую технику.

Второй нюанс: если вы хотите виртуальный мир, то вам нужно надевать шлем на голову. Я не представляю эту картину в электричке в Химках — это довольно смешно. Но если вы надеваете очки или вставляете линзы, то это уже другой разговор. Все это — не из области фантастики.

Представьте ситуацию: хирург живет где-то в Германии, он оперирует пациента, который находится где-нибудь на другом конце света. То есть хирург фактически делает это в виртуальном мире, но через интернет все его команды передаются роботизированному механизму, который на самом деле делает операцию.

Раньше я бы мог только прочитать о таком в фантастических книгах, но сейчас, мне кажется, это вопрос времени.

— Как вы считаете, эта система может научиться интеллекту и стать соперником человеку?

— С одной стороны, есть риск, что искусственный интеллект приобретет разум и что-то с нами сделает. Например, как в фильме «Терминатор»: будущее, машина едет по черепам. Исчезнут многие профессии, это неизбежно.

В ILM (дочерняя компания Disney), где я работал, были ребята постарше меня. Я спросил их: «А вы помните времена, когда не было компьютеров?» И тогда мой коллега ответил: «Да, я работал в Disney, рисовал гуашью задний фон для мультфильмов». Потом вышел Photoshop, но не все приняли его — кто-то остался приверженным традиционному подходу. И он в шутку говорил: «Да, был Бен, который не захотел учиться Photoshop». «А что стало с Беном?» — спросил я. — «А он сейчас водителем автобуса работает».

— Чем вы планируете заниматься дальше?

— Сейчас мы создаем с ребятами 3D-модели для художников — базу данных, библиотеку, чтобы они могли создавать свои образы. Помимо этого, мне очень интересна виртуальная, аргументированная реальность. Я общаюсь с разработчиками, пытаюсь им как-то посоветовать, куда дальше двигаться. Параллельно я работаю над фильмами. На данный момент я занят в «Звездных войнах». Думаю, в ближайшие 5-10 лет у меня запала хватит, а дальше — мечтаю вернуться в традиционное искусство.

Как раскрутиться молодому художнику: все способы — Новости шоу бизнеса

На Андреевском занимают место с утра, в галереи картины не возьмут без корочки вуза, но можно уговорить за €300.

Молодым «мытцям», чтобы заработать себе имя, а соответственно и спрос на свои работы, приходится самим прокладывать себе дорогу в арт-мир. Мы решили пройти путем начинающего художника, который с нуля пытается пробиться в высший эшелон украинского искусства. В спутницы себе я пригласила 25-летнюю художницу Анастасию Беспальчую. Она рисует со школьных лет, закончила Республиканскую художественную школу им. Шевченко, работает в стиле декоративный сюрреализм (когда комбинации разных образов выглядят чудновато и странно, но вместе с тем декоративно и ярко). Дома сбрасываем на диск фотографии ее работ и вперед — покорять художественные вершины. Заранее с галеристами не созваниваемся, ведь при таком раскладе нам наверняка скажут просто высылать работы на адрес или электронную почту, а личная встреча в любом случае будет эффективнее. В выходной день идем на Подол — район, где размещается едва ли не самое большое на весь Киев количество галерей.

На Андреевском спуске находим галерею «36». Там, в небольшом помещении, нас встречают двое мужчин, один из них — худрук галереи Александр Миловзоров. После объяснений о том, кто мы такие, мужчины устало переглядываются. «Высшее образование у вас есть?» — первым делом спрашивает Миловзоров. Услышав, что нет, недовольно кивает головой. «Самородки, конечно, случаются, но очень редко, — объясняет. — В любом случае художнику требуется образование». «Кажется, от меня открестились, даже не видя работ», — шепчет мне на ухо Настя, пока галеристы открывают диск с ее работами. Просмотрев, просят оставить его на какое-то время — для подробного изучения. Интересуюсь, часто ли к ним так, с улицы, приходят молодые авторы. «Не то чтобы толпами ходят, но бывает, — рассказывает Александр. — У нас устроить выставку обойдется примерно в 300 евро за две недели. Это — цена аренды помещения». «А если работы откровенно плохие, но автор готов заплатить?» — уточняю. «Прямо не отказываем, но находим, к чему придраться, — смеется Миловзоров. — Например, если человек не член Союза художников — это уже повод отказать».

В «Я Галерея» нас встречает улыбчивая девушка-администратор. Выслушивает и… «Работы всех желающих выставиться у нас просматривает лично владелец галереи, — объясняет. — Высылайте ему на e-mail. Если работы заинтересуют — с вами обязательно свяжутся». Не дождавшись ответа, на следующий день звоним владельцу — Павлу Гудимову, он же экс-гитарист группы «Океан Эльзы». Наши работы он еще не успел просмотреть: «Слишком много писем приходит, времени не хватает». Но заверил, мол, «лишь бы что» точно выставлять не будет. «Мы не сдаем помещение в аренду, иначе любой человек мог бы прийти к нам с деньгами и заявить, что он хочет выставляться, — сказал нам Павел. — У меня глаз наметан — из всего того, что мне присылают, сам могу выбрать достойных авторов. Пишу письма в ответ, даю советы. Если через какое-то время вижу прогресс, то спустя год-полтора могу пригласить этого человека в галерею».

Гудимов не скрывает: «Очень хороший принцип для художника, чтобы пробиться — знакомства. Автор не должен сидеть и ждать, что к нему кто-то придет за его талантом. Нужно знакомиться с кураторами, налаживать личные контакты, показывать разным людям свои работы».

Наладить контакт с владельцем галереи «Карась» у нас не получилось — на двери помещения висела табличка «Ремонт». Пришлось звонить по телефону. Выслав работы на e-mail, уже через полчаса услышали в трубке их оценку. «Заметно, что автор без образования, — сказал нам владелец галереи Евгений Карась. — Нужно обращаться к специалистам, советоваться, вырабатывать свою стилистику».

Вообще, по словам Евгения, если художник интересен — его рано или поздно заметят. «За талантливым автором галеристы сами в очередь будут выстраиваться. Многие молодые художники стесняются, боятся показывать свои работы — это большая ошибка. Лучше показывать картины на любой стадии, советоваться с авторитетами. Бытует мнение, что существует какой-то определенный круг художников, в который невозможно попасть. На самом деле он существует только потому, что пока нет никого лучше. Но, честно говоря, если ко мне художник приходит и говорит: «Можно у вас выставиться?», я часто просто ухожу. Потому что этого автора выставка интересует больше, чем творческий рост, а это неправильно».

Что касается цены вопроса, то Карась уверяет: «В хороших галереях художник не должен платить за аренду. Тем более не сможет выставить плохие работы даже за деньги, ведь галереи ценят свое имя».

Вывод — в первую очередь от молодого художника требуют образованности, аматорство и «самородничество» маститых искусствоведов не особо интересуют. Выставиться за деньги сложно, но можно — если не для арт-критиков, то хотя бы свое самолюбие потешить. А надоедать галеристам с просьбами рассмотреть именно ваши работы вне очереди подобных вам — большей частью бесполезно, если вас заметят, то сами на вас выйдут.

НА АНДРЕЕВСКОМ: 50 ГРН ЗА МЕСТО И ФЕН-ШУИСТЫ


Орнелла Мути гуляла по спуску. Фото: А. Яремчук

Чтобы нести искусство в массы, не обязательно бегать по галереям или арт-конкурсам. Есть еще один весьма богемный способ — пойти со своими работами на «украинский Монмартр», то есть Андреевский спуск, который издавна считается местом паломничества не только украинских мастеров, но и тех, кто интересуется живописью, а значит шанс если не запомниться, то как минимум продать свою работу, достаточно велик.

О том, что поджидает молодого автора на Андреевском спуске, нам рассказала художница Александра, которая несколько дней торговала там своими картинами: «Место нужно забивать с утра — кто пришел раньше, тот и занял выгодную позицию, где проходит больше людей. Я в первый день пришла поздно, где-то в обед, но знакомые художники «забили» мне неплохое место под Андреевской церковью, где много туристов. Но там не было деревьев, спрятаться от солнца было невозможно, я моментально сгорела». К слову, денег на место Александра не тратила, но, как шепнули нам местные художники, новенькие тут обычно платят «смотрящим» за день гривен 50—100.

«На следующий день пошла туда раньше, часов в 10 утра, заняла место на самом Андреевском, — продолжает Саша. — Мне повезло — рядом со мной мужчина торговал креслами, плетеными из лозы, вот и дал мне одно из них, я весь день сидела, как на троне. Вообще конкуренции на Андреевском не чувствуется. Может, потому что там практически не общаются, художникам скучновато, некоторые выпивают. Но обычно все всегда знают, кто что продал. Из минусов — художникам на спуске негде поставить картины. Нужно либо тащить мольберт, либо раскладывать работы прямо на асфальте, но это некрасиво. Подруга привезла мне крепкие нитки, и мы привязали картины к подвальному окну, возле которого я торговала».

За два дня торговли Саша продала две картины — за 200 и 250 грн. «Гости Андреевского присматривались, спрашивали цену, но покупать не спешили, — вспоминает девушка. — А еще там бывает много странных персонажей. Например, одна фанатка фен-шуя настойчиво советовала мне не продавать одну из картин, а повесить ее в западной части дома — это якобы будет к деньгам. Говорят, она часто там гуляет». Впрочем, встретить на Андреевском можно не только фриков, но и знаменитостей — например, Орнеллу Мути и Жан-Клода Ван Дамма, которые прогуливались по спуску во время своих приездов в Киев.

ПИНЧУК: «НАЧИНАЙТЕ С ГАЛЕРЕЙ И ТУСОВОК»


Скульптор. На первое интервью Олег одолжил свитер у брата. Фото: С. Николаев

Скульптор Олег Пинчук говорит, что сейчас в галереях выставляется редко — предпочтение отдает музеям и большим салонам. А вот на первых порах, наоборот, старался светиться как можно больше — и в галереях, и на тусовках. «Самореклама — вот главный двигатель, — считает Пинчук. — Когда я только начал выставлять свои работы, то подключал друзей, которые могли бы мне обеспечить выход на ТВ. А для первого телеинтервью одолжил свитер у брата — у меня тогда даже подходящих не было. Я сам подавал свои фотографии на обложки глянцевых журналов, и старался, чтобы они были более яркие, может, даже провокационные». Началось же все для Пинчука с выставки, организовать которую ему помог Союз художников. «А мою первую работу — бронзовых рыб — купило Министерство культуры», — рассказал нам скульптор.

Что касается финансов, то Пинчук считает так: «Чтобы сразу не браться за заказухи, а раскрутить свое имя, я работал на заводе — жить же за что-то надо. А в перерывах между работой ходил на выставки, интересовался чужими работами, трудился сам. Вообще для того, чтобы выбиться в первый эшелон, нужно набираться опыта, учиться, а со временем создавать свой собственный бренд, стиль и не упускать возможность пиариться».

ЧИЧКАН: «ЭПАТАЖ И АКТУАЛЬНЫЕ ТЕМЫ»


Илья. Говорит, что эпатировать — его естественное поведение. Фото: А. Яремчук

Художник Илья Чичкан хорошо знает, как можно запомниться публике не только своими работами. О его знаменитых рисованных обезьянах (их Чичкан рисовал даже на денежных купюрах разных стран вместо политических деятелей) знают практически все, а если кто и не знает имени автора — все равно часто видит его в светской хронике, где Чичкан то ползает по полу, то прилюдно облизывает барышень. Но сам Чичкан себя эпатажным художником не считает. «Все лепят ко мне это слово «эпатаж», а что во мне эпатажного? — сказал нам Илья. — Мне это неинтересно. Шокировать публику — я за этим не стремлюсь, это просто мое естественное поведение. Я больше задумываюсь не о том, как это выглядит со стороны, а о том, что я создаю».

Вообще, по словам Чичкана, главное для молодого художника — попасть в струю, то есть использовать в творчестве актуальные темы, которые не останутся незамеченными обществом. «Я когда-то выехал на теме Чернобыля, это было интересно и мне, и публике», — вспоминает Чичкан (с его подачи в социальной рекламе сняли пару в защитных костюмах, которая занимается любовью в пустом городе в чернобыльской зоне).

ГАПЧИНСКАЯ: «САМА ОТКРЫЛА ГАЛЕРЕЮ»


Художница не хочет зависеть от кого-то

Художница Евгения Гапчинская вспоминает, что на первых порах в галереях ее принимали совсем неохотно. «Я рисовала большей частью для себя, долгое время никому работ не показывала, — рассказала нам «поставщица счастья №1″, как называют Евгению за ее рисунки детей и ангелочков. — Хотя в некоторые галереи я все же забегала, но меня оттуда отваживали. Говорили, что не формат, тем более я была не вхожа в круг художников. А подалась в художники я от нищеты, хотела денег заработать».

В итоге Гапчинской пришлось… открыть собственную галерею, чтобы показывать и продавать свои картины. «Бесконечно унижаться ведь невозможно, — сказала нам художница. — Так что проще было один раз поднапрячься и открыть свою галерею, а потом зарабатывать на ней деньги, чем просить кого-то поспособствовать этому». Хотя, по словам Гапчинской, это действительно не так уж просто, но все же выгоднее, чем зависеть от галеристов. «А в тот самый круг художников я до сих пор так и не зачислилась, остаюсь такой себе выскочкой, которая работает сама по себе, — сказала нам художница. — Вообще мой главный совет молодым художникам — не слушать ничьих советов. Это действует лучше, чем авторитетные знакомства и даже деньги». Цена вопроса — стоимость квартиры, которую можно будет арендовать под галерею, плюс ремонт и зарплата сотрудникам.

ПОЯРКОВ: «НЕ БОЙТЕСЬ КРИТИКИ»


Сергей Поярков советует «не быть дураком». Фото: А. Яремчук

У художника Сергея Пояркова насчет того, как молодому автору сейчас можно добиться успеха, есть три пункта: «Не быть дураком, не быть истеричкой и не выпивать водку вечером». «А если серьезно, то в большинстве случаев сила характера — важнее, чем талант, — сказал нам Поярков. — Если бы в Академии мы рисовали так, как Марк Шагал — нас бы оттуда повыгоняли всех. Или возьмите, к примеру, Дэмиена Херста — он вообще рисовать не умеет, но он великий художник, потому что несет то, что хочет сказать. А если неудачи вас обламывают, если вы боитесь быть непонятым — сидите лучше дома, потому что вы действительно неудачник. Критика, отказы должны только заводить, только так можно добиться успеха».

Поярков не скрывает, что и у него не сразу получилось о себе заявить. «Конечно, неудачи на первых порах у меня случались, а у кого их не бывает? — сказал нам художник. — Но нужно работать головой, включать все свое упорство, нужно стучаться в другие двери — тогда будет успех. И сейчас миллионные поместья есть далеко не у всех украинских художников, разве что у Пояркова, Пинчука и Гапчинской. Поэтому я критики не боюсь, каждое такое слово от недоброжелателей — кирпичик в мой особняк».

5 СПОСОБОВ, КАК МОЖНО РАСКРУТИТЬСЯ

Чтобы вас заметили, нужны влиятельные товарищи, провокации, финансы, стоящие работы и везение.

ТАЛАНТ И ПИАР. Авторитетные арт-критики наперебой уверяют: если вы действительно талантливы, рано или поздно вас заметят. Но, естественно, если свой талант вы сами же не будете продвигать — домой к вам за картинами никто не придет. Если вам есть что показывать — демонстрируйте. Правда, при этом стоит адекватно оценивать собственные возможности, ведь талант таланту все-таки рознь.

ДЕНЬГИ. Вкладывать финансы в собственное развитие — едва ли не самый простой способ раскрутиться. При условии, что необходимых финансов у вас достаточно. Если в галереях выставлять вас не хотят даже за деньги, можно пойти путем попроще — открыть собственную. Правда, этот способ годится больше для того, чтобы потешить собственное самолюбие, а не заработать имя. А обойдется это в несколько тысяч долларов, плюс аренда помещения.

УДАЧА. Если звезды сойдутся в нужном месте и вы попадетесь на глаза арт-критику или в хорошем расположении духа — вас заметят, похвалят и, может быть, возьмутся за вашу протекцию. Стоит учесть — в галереях не скрывают, что работы художников хоть и принимаются, но совсем не обязательно рассматриваются и обсуждаются. Если в ваших правилах полагаться на удачу — никто не мешает вам проверять ее таким способом.

ЗНАКОМСТВА. Принцип «замолвить словечко» никто не отменял даже в сфере искусства. Хотите популярности — обзаводитесь нужными знакомствами, налаживайте личные отношения с кураторами, галеристами, другими художниками. В любом случае ваше имя должно быть у них на слуху. Если при этом вы еще и дружите, вместе посещаете различные выставки, а то и устраиваете шумные приятельские гулянки — будьте уверены, что «по-дружески» вас рано или поздно пропиарят.

ЭПАТАЖ. Даже если талант у вас не ахти, а остаться замеченным очень уж хочется — тут прямая дорога в провокаторы. Правда, удивить чем-либо искушенных арт-критиков сейчас сложно, но попробовать стоит. Подключите к этому бурную фантазию — вспомните хотя бы художника Олега Кулика, который в творческом порыве представал в образе «человека-собаки», бегал голым и лаял на окружающих. Если о ваших работах и не заговорят, то, по крайней мере, вас запомнят.

Читайте также:

Диалог с художниками: арт-группировка «Труба зовёт» о жизни и искусстве за полярным кругом

Довольно часто от художников из регионов можно услышать что-то вроде «это вам там в Москве и в Питере легко, а у нас ни галерей, ни сообщества… как нам развиваться?».  О том, как создавать совриск даже в условиях вечной мерзлоты арт-группировка «Труба зовёт!» рассказала корреспонденту ART Узла Екатерине Сальниковой. 

Текст: Екатерина Сальникова

Расскажите, как появилась ваша арт-группировка и почему именно в Воркуте?

Все участники арт-группировки «Труба зовёт!» либо родились, либо выросли, либо живут в Воркуте сейчас. У каждого своя уникальная история. Кто-то перебрался с юга, кто-то из столицы или области, кто-то с Урала. Нас объединяет любовь к маленькому городу за северным полярным кругом и желание развеять стереотип о том, что Воркута – это только заключённые, шахты и адский мороз.  

Занятный момент. Некоторые подписчики пишут нам: «Парни, здорово делаете!», – хотя состав нашей команды не ограничивается мужским полом. 

Мы сформировались как арт-группировка в апреле 2020 года. Название придумали сразу – в честь труб всех промышленных предприятий города. На данный момент нашим символом выступает ТЭЦ-1, дым которой чёрным знаменем перемен расстилается над городским ландшафтом. Но речь, конечно, не только об этом. «Труба зовёт!» — это и про флейту водосточных труб, на которой можно сыграть ноктюрн, и про иерихонские трубы, которые рушат стены между художником и зрителем, и про время, которое бежит вперёд и за которое нужно браться. 

Что нас объединило? У некоторых участников команды интерес к истории и культуре Воркуты сформировался закономерным образом как результат наблюдения за средой, в которой они жили – таких большинство. Кто-то оказался в Воркуте, например, из-за работы и со временем начал пробовать себя в различных художественных практиках – так и познакомились. 

В момент, когда всю страну закрыли по домам, у нас появилось больше времени для чтения, и мы наткнулись на подборку стихотворений воркутинских поэтов. Это были произведения как современников, так и заключённых ГУЛАГа. Стихотворения показались нам важным историческим документом, и мы решили поделиться им со всеми. Мы вооружились распечаткой, краской, оставшейся после ремонта, и отправились на Рýдник. Рудник – это ныне заброшенный посёлок, с которого началась история города, знаковое место для жителей Воркуты. Сейчас это руины, куда ходят гулять сталкеры, дети, семьи, люди, родившиеся и выросшие здесь. Это был наш первый опыт. Никто из группы до этого ничего не делал на улице. Мы рисовали в два дня и были довольны результатом и реакцией жителей.  

После мы сделали ещё одну работу на Руднике. Мы нашли группу в Вконтакте, посвящённую посёлку (ну, знаешь, такие мёртвые паблики, в которых последние сообщения датируются 2010 годом). Люди делились там своими воспоминаниями в обсуждениях. Мы распечатали эти весточки из прошлого, наклеили их на еженедельную газету «Моя Воркута» и развесили газетные листы на разрушенные здания Рудника. Это было важное для нас размышление о времени от лица людей, которые здесь родились, жили, выросли и были вынуждены покинуть это место – свою малую родину. 

Две первые работы определили вектор нашего творчества. Мы осмысляем частную и коллективную память, жизнь пространств в присутствии и отсутствии человека и жизнь людей в этих пространствах. 

А дальше пошло-поехало. У нас появилась идея делать бумажные коллажи, оставлять их в городе (на данный момент мы вышли за пределы Воркуты) и вообще работать с городским пространством.   

Да, судя по вашему Инстаграму, пока вы занимаетесь текстовыми интервенциями в уличное пространство. Почему вы выбрали такой способ коммуникации с городом? Ведь ваши работы иногда даже достаточно незаметны, что уменьшает возможность охвата широкой аудитории.   

Мы работаем с эмоциями зрителей за счёт размера. Мы не хотим помещать слона в комнату. Перекодирование пространства малыми формами построено на принципе «не навреди и создай территорию смыслов». Жизнь наших работ, выполненных в коллажной технике, чаще всего кратковременна и эфемерна. Как и жизнь Воркуты, которую покидают с каждым годом всё большее число людей и где время замерло в советских вывесках и социалистических лозунгах на крышах домов.

Коллаж на здании ЗАГСа в Воркуте

В дальнейшем планируете практиковать ещё какие-нибудь творческие методы? 

Да, мы пробуем себя в разном. У нас была инсталляция с элементами саунд-арта «Хрупкость», выполненная на мосту. Мы собрали во дворах Воркуты 9 бутылок, оставленных местными жителями, разукрасили и подвесили одной ночью на Руднинский мост. Бутылки бились друг о друга, создавая звук. Таким образом, любой человек мог прийти на мост послушать, как звучит хрупкость. Через несколько дней кто-то из посетителей моста разбил бутылки (судя по характеру осколков, скорее всего, расстрелял из травматического оружия), и на верёвочках остались висеть только горлышки. Это была кульминация работы и совместный опыт нас – художников – и зрителей. 

Иногда у нас случаются поездки по России личного или рабочего характера, и мы оставляем коллажи в других городах. Наши работы побывали в Нижнем Новгороде, Твери, Сочи, Москве, Перми и Петербурге. 

Одна из последних работ – арт-пикет в поддержку лени в парке Никола-Ленивец (Калужская область).  

Арт-пикет в поддержку лени в парке Никола-Ленивец

Недавно вы подкрепили свою практическую художественную деятельность публикацией «Манифеста уличного искусства» в Инстаграме. В тексте вы употребляете термин «актуальное искусство». Я крайне редко встречаю его, поскольку чаще употребляется словосочетание «современное искусство», и разница между периодами XX и XXI вв. (modern & contemporary art – в английском) стирается. Считаете ли вы важным разработку терминологического аппарата? И нужно ли делить искусство на жанры, направления и периоды или это только ограничивает творческую свободу художника?

Под актуальным искусством мы подразумеваем искусство эксперимента, которое создаётся художниками на злобу дня. Жанры, направления и периоды не могут ограничить творческую свободу, потому что художник создаёт что-то не с целью попасть в тот или иной жанр, а потому что он не может не создавать, делает это по наитию, во имя идеи, в результате творческого порыва. Деление искусства на направления и периоды необходимо для обозначения духа времени, выявления процессов, тенденций и настроений. Для художника это важно, но не первично, если мы говорим именно о творческом процессе.

Также вы пишите, что «настоящий художник не закрасит работу другого художника». Но ведь на улице, в общественном пространстве сложно контролировать процесс соблюдения авторских прав. Тем более один стрит-райтер может решить, что работа его коллеги по цеху не несёт художественной ценности, и забаффить её. Как вы предлагаете решать этот вопрос, обычными призывами «давайте будем грамотны и вежливы»?

Баффинг может дать почву для конфликта, за которым интересно наблюдать (война Роббо и Бэнкси тому яркий пример), но мы живём в месте, где уличного искусства мало, и для его развития нужно, как нам кажется, сотрудничать и создавать позитивный диалог. Мы призываем не уничтожать работы друг друга. Это наш подход. В то же время мы не видим ничего страшного в дополнении и переосмыслении работ коллег по цеху. Вспомни работу Тимофея Ради «Я бы обнял тебя, но я просто текст» и ответ художника Ильи Мозги «Я бы забыл тебя, но я просто текст». 

Контролировать процесс соблюдения авторских прав на улице невозможно, потому что уличное искусство возникает и развивается спонтанно, но мы и не ставим перед собой такую цель.  Мы работаем с пространством, практикуем различные подходы и создаём смыслы. Уважение к работам друг друга кажется нам продуктивнее и результативнее, чем уничтожение. 

Возможна ли помощь государства в этом вопросе? Мы с вами позже ещё обратимся к вопросу о роли государства в среде искусства, но касательно уличных художников: стоит ли разработать законы, регулирующие правовые отношения в стрит-арт-коммьюнити?

Для таких вещей больше подходят исследователи уличного искусства, региональные проекты, школа стрит-хантеров, институт стрит-арта, художники и эксперты. Государство в этом вопросе некомпетентно. Оно не может разработать законы, которые не допустят войну между уличными художниками, потому что государство само ведёт войну с уличными художниками. У нас, в некотором смысле, своё государство.

«Настоящий художник […] не нарисует на памятнике, не испортит архитектурный облик города», – тоже из вашего Манифеста. Я одно время жила в Германии, и мне тогда бросилось в глаза буйство граффити и муралов, нарисованных как на станциях метро, например, так и на постройках, принадлежащий церкви. Последнее меня особенно удивило, тем более церковь была не заброшенная, а вполне себе действующая; граффити располагались на заборе, принадлежащем церкви и, соответственно, являющемся частью архитектурного ансамбля. Я тогда не знала, как отнестись к этому явлению, впрочем, не знаю и до сих пор. Вы думаете, сделавшие это уличные художники просто «невоспитанны» или же всё-таки возможно мирное сосуществование стрит-арта и культурных объектов?

Вопрос спорный. Паломники, например, исписывали святыни своими именами ещё в древние времена – это ведь не значит, что они «невоспитанные».

У церкви может быть, как бы абсурдно это не звучало, светский подход. Анненкирха, евангелическо-лютеранская церковь в Санкт-Петербурге, использует в своём интерьере элементы современного искусства, инсталляции, проводит фестивали, концерты и вечера кино.

Не знаем художников, которые осмелились бы нарисовать граффити на фасаде или заборе православной церкви в России. У нас особая культурная политика, отношение к вере, её свободе и несвободе. Это зависит от внешней среды и её отношения к уличному искусству. Если граффити для Германии – уже привычная часть городского ландшафта, то для России (в особенности для удалённых её частей) это ещё диковинно и неизвестно. Русский человек ещё не готов к таким интервенциям.

Что же касается нашего манифеста, то он был разработан для уличных художников Воркуты. Сталинский ампир и немногочисленные дома, имеющие историческую ценность, – то постсоветское наследие, которым мы гордимся и которое хотим сохранить как можно дольше. У нас не так много памятников, но большое количество заброшенных зданий, которым можно придать интересный облик. Воркута является знаковым местом не только для жителей России, но и для зарубежных граждан. 

Церковь Святой Гертруды в Эссене, Германия

Как думаете, русские люди, живущие в более-менее крупных городах, знают о том, что представляет собой «искусство Севера России»? 

Мы говорим про уличное искусство? Наши знакомые, живущие в крупных городах, на вопрос про стрит-арт за полярным кругом, вспомнили только про проект Стенографии в Новом Порте и Мысе Каменском. Люди не знают о том, что представляет собой уличное искусство в таких холодных местах, и одна из наших задач – это исправить. 

Что касается искусства народов севера, это довольно специфичная тема для особо интересующихся. Нам видится, что в целом этнотуризм плохо развит и предпосылок для этого мало, хотя поле деятельности велико. Нам интересны некоторые проявления культуры ненцев (у нас в Воркуте именно ненцы), и сейчас мы делаем первые шаги в творческом осмыслении их мира.  

Насколько русский народ, по вашим ощущениям, интересуется родной культурой?  

В контексте Воркуты люди интересуются своей родной культурой в неразрывной связи с историей страны: к нам приезжают люди, которым небезразлично прошлое своих предков. Они наводят справки в местном архиве, посещают памятные места (к слову, так возник проект «Сверхзадача – выжить». Это выставка, которую показывали в Городском выставочном зале под руководством Государственного центрального театрального музея им.А.А.Бахрушина).  

Воркута – это абсолютная консервация советской эпохи: сталинский ампир, вывески, лозунги; причём это всё без соседей-новостроек. 

Мы знаем, что к нам в город приезжает много иностранных туристов, которым интересны памятники советского прошлого; про аналогичный интерес со стороны граждан России нам неизвестно. 

Далёк ли человек из глубокой провинции от искусства? И как развить в нём тягу к прекрасному? 

Тяга к искусству и запрос на зрелища есть везде – и в глубинке, и в столице. Другое дело, когда к нам попросту не приезжают выставки современного искусства, перформативные проекты, авторское кино. Об искусстве мало говорят. Об уличном искусстве люди либо не знают, и потому не замечают его, либо не понимают и отказываются понимать.

Мы хотим, чтобы жители читали и видели искусство, чтобы город был вовлечён в процесс и помогал создавать смыслы. В наших планах вовлечь жителей в несколько проектов, провести интерактивные беседы и лекции про стрит-арт и всё, что с ним связно.

Когда стены становятся холстами, город начинает жить, как галерея. Появляются свои маршруты, экскурсоводы, интерпретаторы. Появляются новые практики и традиции. Это значимо для всех. 

Строителям Севера посвящается. Уличная живопись

С какими трудностями вы сталкиваетесь, продвигая ваше творчество в Воркуте?  

Маленький город. Всё, что мы делаем – это возможная правовая ответственность. Работы недолговечны. Но это всё пустяки.

Мы ещё не работали с городским пространством зимой. Предполагаем, что это будет трудно из-за холода и пурги. Снега выпадает много, и нужно думать о том, как не потерять диалог с жителями. С другой стороны, это ведёт к экспериментам с материалами и техниками.

Как государство могло бы помочь вам и другим художникам, работающим в небольших и, главное, небогатых городах? И в принципе должно ли оно оказывать какую-либо поддержку?

Наша арт-группировка – пассионарии места. Мы создаём работы, поскольку в городе мало культурной повестки и мы в ней сами нуждаемся.

Уличное искусство может внести изменение в среду города без глобального и дорогостоящего вмешательства в инфраструктуру.  Развитие и поддержка городских интервенций, выстраивание диалога, создание фестивалей уличного искусства и конкурсов паблик-арта – это неплохой путь; а создание работ, реализованных при городской и институциональной поддержке в городской среде – интересный опыт. Мы же считаем, что чаще всего государству лучше оставаться наблюдателем и не вмешиваться в уличное искусство. Однако если государство хочет оказать поддержку, то главное, чтобы при этом учитывалась свобода творчества и самовыражения (возможность уйти от политической пропаганды) и контекст места.

А как оно могло бы помочь людям, чтобы мотивировать их культурно обогащаться?  

Создание программ, способствующих реализации творческого потенциала горожан. В Воркуте есть люди, которым небезразлично искусство. У многих жителей есть инерция к изменениям пространств, – лебеди из шин и игрушки во дворах. Беспощадный жэк-арт и партизанинг существуют потому, что у людей есть мотивация менять место, где они живут. Энергию горожан можно и нужно задействовать для позитивного изменения облика города.  

Хрупкость. Инсталляция с элементами саунд-арта

Нужно ли сегодня нестоличным художникам обязательно перебираться в Москву или Питер, чтобы «раскрутиться» или это успешно можно сделать в  родном городе? 

Кроме Москвы и Петербурга, есть ещё Пермь и Екатеринбург, где творческие тенденции не менее сильны. Нужно перебираться в крупные города ради известности или нет – это зависит от того, какие задачи ставит перед собой художник.

Для нас цель «раскрутиться» – не первична. Гораздо важнее именно создавать, наше творчество – это дань уважения месту. Воркута – особенный город со своей повесткой и территориальной идентичностью. Нам интересно работать с недостатками среды, болевыми точками там, где мы живём. Получится ли у нас заявить о себе, вывести город на культурную карту и сделать его туристически знаковым благодаря нашей деятельности, – покажет время. 

Мы общаемся с другими городами и заявляем о себе пока что дистанционно. В этом году мы стали участниками Третьяковской премии, вошли в шорт-лист в номинации «Проект года», а также поучаствовали в фестивале уличной культуры «Арт-крафт». Мы хотели бы съездить в Екатеринбург, например, на «Карт-бланш». Не с целью раскрутиться, а чтобы выйти за пределы своего стиля, поэкспериментировать, поработать с другим городским пространством и главное – получить опыт.  

Во многих интервью знаменитостей, гастролирующих по отдалённым уголкам страны, я слышу слова о том, что «там» и есть настоящая Россия и истинных дух нашего народа. Вы на практике знакомы с заполярным бытом, менталитетом и проч. Согласны ли вы с этой мыслью? 

Воркута уникальна своей историей, природой и территориальной удалённостью, – и мы часть чего-то большого. Тундра и горы Полярного Урала действуют магнетически, дарят ощущение совершенности открытых пространств, которое невозможно поймать в крупных городах. Здесь голубое небо поверх снежной пустыни, паутина рек и ручьёв, мускусный запах на оленьих пастбищах и северное сияние, как источник света в полярную ночь. И среди всего этого – Воркута. 

Не знаем, насколько справедливо рассуждать о настоящей России, гораздо важнее чувствовать себя настоящим. 

Ещё часто высказывания о «настоящей русской душе» сопровождаются фразами об «особенном пути России», соединяющей в себе Запад и Восток. Поддерживаете ли вы эту концепцию? 

Про особенный путь России ничего сказать не можем. Мы находимся вне основного потока. На периферии вихри других порядков. Мы думаем про Север и живём Севером. 

Какие, на ваш взгляд, особенности есть у изобразительного искусства России, отличающие его от искусства других стран? С чем они связаны?

Одна из особенностей русского искусства заключается в его региональном многообразии. Наша страна объединяет много различных культур, что постоянно ставит вопрос о локальной идентичности.

У русского человека есть большой интерес к каллиграфии, леттерингу и советскому прошлому. Многие уличные художники активно используют текст в своих работах, потому как русские люди словоцентричны. В своих работах они часто используют иронию и гиперболизацию. Российские уличные художники не боятся работать с болевыми точками, остросоциальными темами и громко высказаться на  политические темы.

Должно ли государство стараться уравнять население всей России, чтобы нейтрализовать такой резкий контраст между столицей и остальными регионами, или не стоит разрушать уже романтизированный образ бедной провинции?

Если мы говорим об экономическом уравнивании, то оно нецелесообразно. Государство создаёт определённые стимулы на разных территориях — это инструмент реализации внутренней политики. Мы за уравнение в культурном контексте. Нам очень не хватает выставочных проектов, экспериментального театра, перформативных практик, авторского кинематографа. Так что ждём творцов в гости!

Кстати, как вы относитесь к романтизации панелек, хрущовок, разбитых дорог и проч.? 

Как к закономерному процессу. Романтизация однообразных массовых застроек происходит за счёт ностальгии. Люди родились в этой среде, росли в ней и вросли в неё. Это организм города. Пока бóльшая часть населения продолжает жить в панельных домах, мы будем свидетелями этой романтизации. Мы воспринимаем панельные дома и подобные атрибуты как действительность, которые стали весомой частью русской жизни.

Айдентика страны:

Панелька + Плохая дорога + Памятник Ленину = Россия

Может ли искусство «спасти Россию», помочь ей «встать с колен»? 

«Есть такая история: один человек спасает другого из огромной глубокой лужи. ..»

Искусство отражает действительность подобно зеркалу и возникает как реакция на дух времени. В нашем случае это не средство спасения, а руководство к действию и протянутая рука, так что зритель сам решает – выйти на диалог или пройти мимо.

 Что вы видите идеальным результатом своей творческой деятельности? 

Перво-наперво это, конечно, высказывание и диалог. Мы уже сейчас получаем реакции и обратную связь от жителей. Нам это очень важно. Нас отмечают, нам пишут. К идеальным результатам можно отнести и дальнейшее развитие. У нас много планов. Мы бы хотели участвовать в фестивалях уличного искусства, привлекать жителей к созданию проектов, приглашать коллег по цеху из других регионов в наш заполярный город.

3 способа убедиться, что вы всегда растете как художник

« In Defiance of Erebus » Эллен Купер получила
приз зрительских симпатий и первое место.

 

После участия в панельной дискуссии о карьерных целях художников на конференции Портретного общества Америки в этом году я хотел поделиться еще несколькими советами, которые я использую, чтобы мое искусство росло и развивалось каждый день.По крайней мере, это то, к чему я стремлюсь.

Верьте : Вы должны верить во что-то большее, чем то, что изображено на холсте. Искусство — это то, как вы его выражаете, но идея должна быть больше, чем вы сами. Одна из моих любимых духовных цитат: «Я не знаю, куда Он ведет, но я знаю, кто мой проводник». Вы не можете создавать хорошее искусство масляной живописи в долгосрочной перспективе без постоянно возобновляемого источника вдохновения и поддержки. Так что верьте во что-то, что даст вам основу, независимо от того, какие успехи и неудачи, триумф и душевная боль приземлятся у вашей двери.

Взгляд на горизонт : Не гонитесь за предыдущими мгновениями вдохновения — идите к Источнику. Великое искусство рождается, когда вдохновение встречается с усилиями. И вдохновение должно исходить из источника, а не путем повторения предыдущих условий вдохновения. Таким образом, это также требует постоянного роста и развития и дальновидного мышления. Вдохновение противоположно тому, чтобы делать что-то наизусть. Он по своей природе всегда оригинален. Вдохновение приходит быстрее всего, когда вы работаете на грани своего комфорта, в момент между компетентностью и риском.Теперь художественные галереи всегда хотят, чтобы вы делали одно и то же и предоставляли им неизменно востребованный материал. Однако лучшие дилеры художественных галерей также знают, что подлинное чувство невозможно подделать. Итак, постарайтесь найти баланс между постоянством, целостностью и ростом.

Всегда совершенствуйтесь : Никогда не переставайте пытаться улучшить свою работу посредством учебы. Мой друг Джон Морра, известный художник-натюрмортист, недавно провел несколько месяцев, работая над тарелками Барга, потому что хотел отточить свои навыки рисования. Лучшие художники никогда не слишком гордятся тем, что возвращаются к исходной точке. Возьмите год и копируйте старых мастеров, освежите свои техники масляной живописи, нарисуйте фигуру с натуры, изучите литой рисунок. Никогда не поздно. Долгосрочное планирование карьеры включает оценку ваших способностей и выделение времени для приобретения навыков, необходимых для достижения успеха.

– Патрисия

Дополнительные инструкции по рисованию от Патрисии можно найти на ее последнем DVD Рисунок: реалистичный оттенок кожи .

Как расширить онлайн-аудиторию для вашего арт-бизнеса

Как художнику может быть страшно видеть мир, полный возможностей, но не знать, как ориентироваться в нем, чтобы найти потенциальных клиентов.

Цифровой маркетинг используется во всех отраслях и играет ключевую роль в расширении бизнеса, даже в мире искусства.

Поэтому неудивительно, насколько сильным может быть сильное присутствие художника в Интернете. В частности, социальные сети сокращают разрыв между художниками и покупателями.

То, как вы продвигаете свои работы среди аудитории, определяет их успех в поддержании фан-базы и создании новых.

Вот шесть советов, которые помогут художникам начать работу на быстро растущем онлайн-рынке изобразительного искусства.

Проверьте свои возможности, но сузьте фокус.

Социальные сети — мощный инструмент для повышения популярности вашей работы. Вы, наверное, слышали, что вам следует создавать учетные записи в Facebook, Instagram, Pinterest и Twitter и оставаться активными, общаясь с фанатами.

Единственная проблема в том, что это часто превращается в полноценную работу. И что еще хуже, оставшиеся без ответа сообщения и заброшенные аккаунты часто могут негативно сказаться на вашем арт-бизнесе.

Если вы не уверены, какой канал вам подходит, выберите один или два и работайте с ними хорошо. Instagram стал лучшим выбором для многих художников, так как это самый простой способ публиковать фотографии прогресса, показать свою жизнь как художника и пообщаться с коллекционерами.

Создание профессионального портфолио своих работ в Интернете — это также отличный способ поделиться отточенным и всеобъемлющим набором работ со своей аудиторией в социальных сетях. Вы можете сделать это одним нажатием кнопки на таких сайтах, как Artwork Archive.Вы должны демонстрировать свой профессионализм, а также общаться со своими поклонниками.

Поощрение пользовательского контента

Контент, созданный пользователями, определяется как контент, созданный покупателем вашего продукта и общедоступный для других потенциальных клиентов. В этом контексте это может означать, что клиенты продвигают ваши работы с помощью изображений, отзывов, твитов, сообщений в блогах, хэштегов и т. д., чтобы побудить потенциальных клиентов просматривать ваши работы.

По данным Easil, 92% клиентов во всем мире говорят, что доверяют сарафанному радио больше, чем рекламе.

Имея это в виду, попробуйте попросить клиентов написать отзывы о вашей работе и поделиться ими на своем сайте или в социальных сетях. Вы также можете запустить конкурс в Instagram, который требует, чтобы пользователи репостили изображение вашего произведения искусства, и один счастливый победитель забрал это произведение домой. Это отличный и недорогой способ заставить поклонников искренне взаимодействовать с вашим брендом и делиться вашими работами в своих сетях.

Вы можете увидеть другие способы, которыми люди делают это в Интернете. Алекс Парди — чрезвычайно популярный художник в Instagram. В одном из своих постов он упоминает работу коллеги-художника Грега Ароновица и очень высоко отзывается о его творчестве. Так что не надо все время думать только о себе! Участвуйте в сообществе и дайте немного назад. Вы должны дать немного, чтобы получить немного. Хорошая карма проходит долгий путь.

Кроме того, это интересный способ пообщаться с другими артистами и немного снять напряжение, связанное с необходимостью постоянно чувствовать маркетинговый стресс, связанный с публикацией «о бренде».

Поделиться специальными предложениями и акциями

Специальные предложения и рекламные акции — проверенный и надежный способ увеличить продажи и привлечь новых энтузиастов искусства. Сделать что-то необычное, например опубликовать ограниченный код скидки, провести однодневный онлайн-аукцион новой работы или попросить людей поделиться скриншотом вашей работы для розыгрыша лотереи — это свежий и привлекательный способ привлечь внимание. клиенты.

Суть в том, чтобы добавить их в свою обычную смесь.Вы же не хотите уменьшать ценность своей работы, постоянно обесценивая ее. Но, найти забавные способы заинтересовать людей в сделке или новом ограниченном издании или продукте.

Использовать интерактивные функции

Если вы собираетесь на мероприятие, делитесь своим процессом или делаете показ художественных работ, полезно публиковать обновления содержимого мероприятия в прямом эфире. Это позволяет вам начать разговор вокруг события и дает ответ на вашу работу.

Facebook, Instagram и Snapchat имеют возможности для создания мгновенного контента в режиме реального времени.Этот тип взаимодействия считается аутентичным и закулисным и помогает вам оставаться на связи со своей виртуальной аудиторией.

Создание обучающих видео на YouTube

Если вы не хотите использовать живые функции и хотите что-то, что будет иметь более длительный срок годности, рассмотрите возможность создания руководств на YouTube. Это может быть особенно хорошим вариантом, если у вас есть высокоразвитый навык или уникальная техника.

Краткое руководство о том, как создать замысловатое произведение искусства с использованием процессов, которые вы используете для его создания, заинтересует вашу аудиторию и заинтересует конечным результатом. Это поднимает планку для вас как художника, поскольку вы готовы поделиться своим творчеством с широким кругом людей.

Видео иллюстратора Марка Крилли о том, как нарисовать реалистичный глаз, было просмотрено более 24 миллионов раз, и зрители продолжают возвращаться, чтобы посмотреть, что он сделал.

Поделитесь своими блогами

Еще один отличный способ поделиться техниками и своим художественным опытом — блог. Как и видео, вы привлечете внимание людей в Интернете, которые ищут учебные пособия, советы по искусству и все, что связано с вашей художественной практикой.

Если читатель может понять историю произведения искусства, он, скорее всего, купит его. История всегда делает искусство более привлекательным и популярным.

Нужно вдохновение? Дженис Тантон и Кристен Киффер — два примера художников, которые доносят свое искусство до аудитории через письменное слово.

Вам не нужно делать все это. Вам нужно сделать это хорошо.

Используйте эти идеи в качестве отправной точки для создания своей онлайн-аудитории.Если вы больше увлечены одной платформой, чем другой, начните с . Это хороший показатель того, насколько вы будете преданы процессу. Не думайте, что вам нужно делать все, а сосредоточьтесь на том, что, по вашему мнению, вы можете делать хорошо.

Ищете место, где можно не только продемонстрировать свое онлайн-портфолио, но и организовать свой художественный бизнес? Попробуйте Artwork Archive бесплатно в течение 30 дней.

9 вещей, от которых нужно отказаться, чтобы стать успешным художником

Нам, художникам, часто говорят использовать любую возможность, которая появляется на нашем пути.

Вы никогда не знаете, кто может присутствовать на следующем открытии галереи, какие связи вы найдете на этом мероприятии или что может привести к будущим возможностям.

Но иногда дело не столько в том, чтобы сказать «да», сколько в том, чтобы знать, что можно сдаться.

Привычки, как вы, вероятно, знаете, если вы когда-нибудь грызли ногти, бывает невероятно трудно сломать. Наши невидимые ментальные привычки преодолеть может быть еще труднее, но из-за этого еще важнее.

Итак, разрешите себе бросить все это. И дайте себе время и терпение, чтобы избавиться от привычек.

Откажитесь от «недостаточно» Настрой

Успешные художники не обрамляют вещи словами «недостаточно». Всегда не хватает времени, денег, уверенности, чего бы то ни было в данный момент, чтобы сделать или сделать то, что нужно, чтобы стать успешным художником.

«Все они указывают на лежащий в основе страх быть недостаточным», — говорит художественный наставник и создатель «Работающего художника» Криста Клотье. «И как только вы сможете справиться с этим скрытым страхом, другие проблемы встанут на свои места».

Отказаться от сравнений

Вот что касается сравнений: в чем-то ты всегда будешь лучше других, а в чем-то хуже. Зацикливание на них ни к чему не приведет.

Сравнение себя с кем-то, кто уже двадцать лет занимается своей карьерой, может задушить ваш творческий потенциал, если вы сравниваете свою работу с тем, кто только начинает свою карьеру.

Вместо того, чтобы сосредотачиваться на том, как вы выглядите рядом с кем-то еще, вложите эту энергию в сравнение вашей недавней работы с работой, которую вы сделали шесть месяцев назад, год назад и пять лет назад. Вы выросли? И где вы хотите видеть себя через шесть месяцев, год и пять лет в будущем?

Сравнивайте себя только с собой.

Откажитесь от оправданий

Если вы хотите стать успешным художником, вы должны проявить себя. Вы должны сделать работу.

Если вы похожи на любого другого артиста в мире, вы, вероятно, когда-то говорили себе что-то вроде: «Я не могу сегодня пойти в студию, потому что я слишком занят / слишком разбит горем / моя семья нуждается в меня слишком много/ [вставьте здесь любое оправдание.]”

И знаете что? Приятно это делать. Это кажется оправданным и разумным, и вы делаете то, что нужно для себя.

Но художница Сьюзи Бейкер говорит, что это «о нашем СТРАХЕ, маскирующемся под Сопротивление; та вещь, или идея, или работа, или нетфликс, или неуверенность в себе, или прокрастинация, или неприятие, которые мешают нам появляться и создавать наше искусство»

Когда вы перестанете оправдываться, вы сможете начать владеть направлением, в котором вы идете, и, если потребуется, проявить силу воли, чтобы изменить это направление.

Откажитесь от постоянной работы

Конечно, вы должны появляться в студии, даже если вы не хотите делать работу. Но вы также должны знать, когда уйти и когда уделить время заботе о своем теле, здоровье, эмоциональном и социальном благополучии.

Вы не сможете добиться наилучших результатов, если не вложите средства в свое тело и разум.

Мы видели, как художники жертвовали и тем, и другим во имя своего ремесла.Но вам нужно ваше тело на самом базовом уровне, чтобы создавать свою работу. Успешные артисты знают, что их успех — это марафон, а не спринт, поэтому вам нужно поддерживать свое здоровье, чтобы оставаться в игре.

Выделите время в своем расписании, чтобы размяться, заняться спортом, прогуляться, приготовить здоровую пищу и пообщаться со сверстниками, семьей и друзьями.

Не принимайте близко к сердцу несведущие советы
  • «Когда ты устроишься на настоящую работу?»
  • «Когда ты вырастешь?»
  • «В какой момент художник понимает, что он недостаточно талантлив, чтобы «сделать это»»
  • «Должно быть, приятно не работать.
  • «Должно быть приятно работать только тогда, когда вам этого хочется».

Художник и создатель The Savvy Painter Антрез Вуд указывает на то, что эти ядовитые отношения мешают художникам реализовать свой потенциал.

Но знаете что? Мы можем выбирать, кого слушать и к какому совету прислушаться. Возможно, вы слышали поговорку о том, что мы — это сумма пяти человек, с которыми мы проводим больше всего времени.

Проведите его с теми, кто подталкивает вас к успеху, теми, кто добился успеха как художник, и теми, кто вдохновляет вас на это.

Не все советы одинаковы.

Откажитесь от перфекционизма

Это идет рука об руку со страхом неудачи. Художники, зацикленные на необходимости сделать все идеально, часто боятся неудачи. Но ирония в том, что они ничего не публикуют.

Единственный путь к росту — это донести свою работу до всеобщего сведения. Жестокая реальность такова, что вы, вероятно, потерпите неудачу в ходе своей художественной карьеры (как бы вы это ни определяли).Вы не получите грантов, у вас будет шоу, которое провалится, у вас будет отличная идея, которая просто не воплотится в жизнь. Утешительной частью этого является то, что так будет со всеми остальными.

«Вера в то, что «это» должно быть совершенным, будь то навыки, талант, образование, веб-сайт или заявление, заставит вас бесконечно крутить колеса», — говорит Бонни Глендиннинг из The Thriving Artist.

«Неудача просто означает, что вы учитесь», — добавляет Бонни. «Продолжай терпеть неудачи, потому что ты будешь учиться всю свою карьеру.

Откажитесь от чувства эгоизма

Каждый вносит свой вклад в мир.

Нам нужны врачи, юристы и учителя, но нам также нужны художники, ремесленники и творческие люди, которые делают наш мир интересным, ярким и приятным.

Ваша задача состоит в том, чтобы выяснить, что вы представляете собой в своей основе, а затем сделать это.

«Творчество — это не эгоистичный поступок или погоня за вниманием со стороны актера.Это подарок миру и каждому существу в нем. Не обманывайте нас своим вкладом. Дайте нам то, что у вас есть», — пишет Стивен Прессфилд в своей новой книге «Война искусства: прорвитесь сквозь блоки и выиграйте свои внутренние творческие битвы».

Художники часто чувствуют себя виноватыми из-за того, что у них нет «настоящей» работы и что они должны вносить больший вклад в семейный доход. Затем они либо чувствуют себя виноватыми, когда находятся в студии вдали от своей семьи, либо вне студии и не работают.

Но чувство вины контрпродуктивно. Если вы обнаружите, что чувствуете себя так, напомните себе, что ваша работа важна и нужна — это то, что делает вас целостным и способным вносить более полноценный вклад в вашу семью, когда вы там.

Откажитесь от потребности в похвале

Возможно, вы хотите, чтобы ваша работа всем нравилась, но этого не произойдет. И, на самом деле, лучше, чтобы твоя работа не всем нравилась.

«Очень страшно выставлять себя напоказ, особенно когда ваша работа настолько личная, а затем позволять миру смотреть на нее, судить и критиковать», — говорит художница Серен Моран.

Неуверенность в себе определенно играет свою роль, но знание того, что не всем понравится ваша техника или предмет, может придать сил, и это нормально. Это означает, что вы получаете что-то интересное и что-то другое.

Как художник, вы не должны продавать самые массовые полотна в Target. Ваша задача — что-то сказать и достучаться до кого-то.

Спросите себя, сделали бы вы работу, которую делаете сегодня, если бы ее никто никогда не увидел.Вы бы стали рисовать, лепить или рисовать это, если бы не могли никому это показать?

Легко увлечься хвалебными отзывами в социальных сетях и наплывом множества лайков на материале, который вы разместили в сети. Но успешные художники знают, что их рост идет изнутри, а не из внешней похвалы.

Откажитесь от мифа о рассеянном гениальном художнике

Успешные художники знают, что им нужна организованность, чтобы двигаться вперед.

Часто художники пытаются увернуться от этого, говоря что-то вроде «Я художник, а не бизнесмен» или «Я плохо разбираюсь в технологиях.Кори Хафф, создатель The Abundant Artist, говорит: «Это оправдание того, что вы слишком ленивы, чтобы освоить базовые навыки, необходимые для ведения арт-бизнеса».

Организованность не только снижает стресс, связанный с художественной карьерой, но и помогает представить себя профессионально.

Знание того, где находится ваше произведение искусства, кому вы продали каждое произведение и как быстро получить любую важную информацию, является жизненно важной частью достижения успеха в качестве художника.Практически невозможно сконцентрироваться на создании текущей работы, если вы постоянно ищете информацию.

Очень часто художники случайно продают через Интернет произведение, которое также находится в галерее, просто потому, что у них не было системы.

Вот почему в Artwork Archive мы создаем инструменты, которые нужны художникам, чтобы избавиться от хаоса в своей художественной карьере. Инвентаризация, бизнес-отчеты, консигнация и счета-фактуры, планирование, контакты, отслеживание и многое другое.

Попробуйте сегодня и узнайте, как Artwork Archive может улучшить ваш художественный бизнес и помочь вам на пути к успеху в карьере.

5 способов, которыми художники могут развивать свой бизнес

от приглашенного блогера Гейба Нельсона

Работать художником и одновременно развивать успешный бизнес может быть невыносимо. Используйте эти советы, чтобы оставаться сосредоточенным, последовательным и мотивированным.

 

 

Быть независимым художником сопряжено с множеством проблем. Вы не всегда можете предсказать, когда что-то будет продано, и это может расстроить вас, когда придет время платить по счетам.Это не означает, что ваш выбор стать профессиональным художником был ошибкой. Я всего лишь намек на то, что вам нужно активизировать свою маркетинговую игру.

Сейчас художникам доступно множество новых инструментов, которых не было несколько десятилетий назад. Это означает, что всегда есть новый способ рекламировать себя и развивать свой бизнес. Просто не всегда легко понять, как использовать эти инструменты и какие варианты лучше всего подходят для вас. Ничего страшного, если поначалу это покажется вам ошеломляющим. Существует множество ресурсов, которые помогут вам как деловому человеку, так и художнику.

Вы можете использовать все, от социальных сетей до блога, в котором подробно рассказывается о вашей творческой жизни. Люди всегда больше интересуются изобразительным искусством и тем, как оно создается, чем вы думаете. Не знаете, что поможет вам развивать свой арт-бизнес? Эти пять советов помогут вам начать работу в правильном направлении:

1.
Разумно используйте социальные сети

На данный момент было бы огромной ошибкой полностью отказаться от использования социальных сетей. Люди ожидают, что смогут найти ваше искусство в Интернете и узнать о вас больше, когда будут искать вас на этих платформах.Это неплохо, но вы должны разумно относиться к тому, что вы делаете в социальных сетях. Не совершайте ошибку, пытаясь угодить каждой платформе.

Если вы не будете осторожны с социальными сетями, которые вы используете, вы получите работу в социальных сетях на полный рабочий день и не сможете вернуться к тому, что вы любите, то есть к созданию искусства. Итак, будьте разборчивы в отношении платформ социальных сетей, которые вы собираетесь использовать. Instagram — отличный вариант для художников, который сочетает в себе взаимодействие с пользователями и возможность сосредоточиться только на публикации фотографий или коротких видеороликов.

Убедитесь, что выбранные вами платформы подходят лично вам. Если вы не понимаете, как работает Pinterest, пропустите это. Если вы считаете, что ваша целевая аудитория находится в Facebook больше, чем в Twitter, перейдите на Facebook и пропустите Twitter. Идея состоит в том, чтобы убедиться, что вы используете социальные сети, но не позволяете им стать вашим единственным фокусом.

 

 

2. Не бойтесь выходить в эфир

Задумывались ли вы когда-нибудь, как знаменитый в истории художник создавал свои работы? Тогда было невозможно увидеть, как это было сделано, но у вас есть шанс показать своим поклонникам, как вы делаете вещи сейчас.Многие платформы предлагают возможность выйти в эфир и показать своей аудитории, как вы работаете. Если вы давно расхваливаете картину, пусть они некоторое время увидят, как вы работаете.

Во время прямого эфира вы можете отвечать на вопросы зрителей. Они могут захотеть узнать, как вы выбрали цвета, почему выбрали именно этот дизайн или даже что-то случайное о вас как о человеке. Дайте им возможность пообщаться и увидеть, как вы создаете что-то удивительное. Это связь, которую они не забудут, и она может легко трансформироваться в продажи.

Единственное предостережение с этой конкретной стратегией заключается в том, что вы захотите объявить, что вы будете в прямом эфире и где, до того, как это произойдет. Вы не можете ожидать, что просто включите камеру и приступите к работе. Люди должны знать, что это происходит и как это найти, иначе вы будете транслироваться на камеру и больше ни на кого. Назначьте дату, распространите информацию и заставьте аудиторию говорить о вашей предстоящей живой художественной презентации.

3. Знайте свой бренд и хорошо его представляйте

Кураторы галерей умные.Они знают, что художники переходят в социальные сети и размещают свои работы онлайн на всеобщее обозрение. Это означает, что вы не можете публиковать свои самые слабые картины или работы в Instagram. Ваши каналы должны быть всегда полны ваших лучших работ. Он также должен соответствовать вашему «бренду» художника.

Не выбрасывайте картину, которая не соответствует вашей эстетике, без объяснения причин и ожидайте, что кураторы или даже ваши поклонники ее получат. Придерживайтесь своего фирменного стиля, когда дело доходит до того, что вы публикуете в социальных сетях (особенно в Instagram), потому что это имеет значение.Кураторам нужно знать, что они получают, когда предлагают вам место в галерее.

Если ваше искусство представляет собой беспорядок стилей и «искусство терпит неудачу», они пройдут мимо вас ради ленты Instagram со сплоченным искусством, которое имеет смысл для их галереи. Сделайте своим приоритетом представить свой бренд в лучшем виде.

Это не значит, что ты должен быть совершенным. Просто не забывайте постоянно делиться своими лучшими работами в социальных сетях, пока вы работаете над развитием своего арт-бизнеса. Ваш социальный профиль должен представлять собой набор работ, которые вы с гордостью представляете и которые выглядят профессионально.

 

 

4. Будьте гибкими

То, что работает для маркетинга вашего искусства и развития вашего бизнеса сегодня, может не работать завтра. Ваше преимущество в том, что вы индивидуальный художник, а не галерея. Если что-то изменится, вы можете легко приспособиться и заставить новый план работать на ваше искусство. Ваша способность изменить ситуацию, не рискуя потерять все, является преимуществом в быстро меняющемся мире.

Имея это в виду, важно следить за тенденциями и видеть, где другие художники добиваются наибольшего успеха в продаже своих работ.Это онлайн? Какие сайты? Они создают свои собственные страницы или используют такой сайт, как Etsy? Все эти вопросы вы можете задать себе, когда начнете видеть падение продаж. Небольшая корректировка может означать, что вы вернулись туда, где должны быть.

5. Будьте настойчивы

То, что какой-то метод не работает у вас сразу, не означает, что он не будет работать вообще никогда. Когда вы появляетесь на новой платформе, нужно время, чтобы приступить к работе. Всегда есть кто-то, кто был там дольше, чем вы, и у них будет больше поклонников.Как бы тяжело это ни было, помните, что это не личное дело.

Чем настойчивее вы будете и чем усерднее будете работать над распространением своего искусства, тем больше оно окупится. Вы не всегда будете самым новым художником в Instagram. Вы не всегда будете самым новым каналом, предлагающим мастер-классы на YouTube. Требуется время, чтобы утвердиться. Не сдавайтесь только потому, что вы не набираете тысячи подписчиков за один день. Это случится. Потерпи.

 

 

Хотите быть в курсе последних статей о бизнесе от Artsy Shark, а также статей для художников и приглашения на следующий конкурс художников? Подпишитесь на наши обновления два раза в месяц и получите бесплатную электронную книгу «Где продавать искусство в Интернете» прямо сейчас!

10 лучших способов стать художником

«Портал :: Работа в процессе — Коллекция Гвайи Хаанас» © 2012 Дженис Тантон.Масло на холсте. 72″х96″.

1. Игнорируйте все авторитеты «не артистов».

Будь то ваш лучший галерист, присяжные заседатели, грантодатели, ваш величайший коллекционер, ваша мать, ваш супруг или ваши дети. В конце концов, вам нужно игнорировать то, что они говорят. Если они не художники — игнорируйте их мнение о работе. Хорошо или плохо.

Если они не творят, значит, они не в той зоне, в которой вы оцениваете свой рост как художника. Будьте чисты в своей миссии творить.Вы эксперт по себе и только вам.

2. Взгляд на приз :: Окружите себя талантом лучше, чем ваш собственный.

Оцените свои навыки. Критически взгляните, где вы слабы. Ходите на семинары, учитесь и становитесь учениками у художников, которые лучше вас. Читайте книги по искусству, смотрите демонстрационные видео. Учитесь у них. Если вам нравится видение художника — скажите ему. Открывайте диалог и участвуйте! Если вы реалист, загляните в журнал American Painting Video Magazine, в котором рассказывается о некоторых из лучших современных реалистов.

3. Будьте аутентичны и прозрачны.

Положите его все там с уверенностью. Если вы чего-то не знаете, признайтесь в этом. Если сделаете — поделитесь. Это требует большой храбрости. Действуй. Никто никогда не рос из страха. Отпусти ситуацию. Завтра ты все еще будешь стоять.

4. Создайте привычку создавать.

Делать вещи. Много всего. Если это не закончено, кого это волнует. Просто сделай это. Окружите себя большим количеством незавершенной работы.Имейте сразу дюжину работ и рисуйте каждый день в течение 6-8 недель или дольше. Наращивайте его до тех пор, пока не будете создавать что-то каждый день.

5. Загрузка «Отказ» и «Успех» ВЫКЛ острова.

Игнорировать их. В жизни творца нет места неудачам или успехам. На самом деле, для количественного измерения того и другого мало места. Есть только акт творения – процесс. Рисуйте из всего, что вы знаете, отпустите все это и сделайте что-то новое… не думая.Не осуждайте — в любом случае. Нет «хорошего» или «плохого». Есть только то, что вы делаете.

6. Сосредоточьтесь на процессе, а не на результате.

Наслаждайтесь каждым моментом процесса создания своей работы. С того момента, как вы просыпаетесь и наливаете кофе, чтобы отправиться в студию, вы творите. Считают, что. Наслаждайтесь каждым шагом — не спешите, пока не будете готовы перейти к следующему шагу. Рассматривайте каждое действие «сделать» как прекрасный, завершенный момент творения сам по себе. Не думайте о результате.Просто делать.

7. Никогда не извиняйтесь.

Будьте чисты в каждом высказывании своей работы, от действия мазка до артикуляции произведения. Никогда не «извиняйте». Если вы будете честны в своем творчестве на каждом этапе, вы будете учиться, творить и расти за пределами своих самых смелых мечтаний.

8. Убирайся к чертям из Dodge!

Серьезно – убирайтесь из города! Совершите путешествие далеко от родного города и студии. Посетите музеи, картинные галереи и библиотеки.Найдите культуру, полностью отличную от вашей, и будьте любопытны. Задавайте вопросы – учитесь и бросайте вызов своим собственным убеждениям. Выберите что-то настолько отличающееся от вашего «обычного ритма», что вас это напугает.

9. Доля. Делиться. Делиться.

Поделитесь всем, что вы знаете, независимо от темы, со всеми, кто будет слушать. Вы узнаете, в свою очередь. Поделитесь своими неудачами. Поделитесь сюрпризом, успехом, своим днем ​​​​рождения, своей семьей … поделитесь всем этим. Делясь своими историями, мы обнаруживаем наши общие черты и наши различия.Вот из чего делается «искусство»!

10. Определите свое пространство. Поднимите свой капитал.

Это означает физическое, эмоциональное, социальное, психологическое и финансовое пространство, которое позволит вам сделать 3 1-9. Настройте себя на успех, имея достаточно капитала, чтобы полностью посвятить себя работе во всех этих областях. Если вы ищете помощника, обратите внимание на Элисон Б. Стэнфилд. Здесь много невероятных советов и мастер-классов по художественному бизнесу! Нужна помощь с вашим блогом? Свяжитесь с удивительным Кимом Брюсом. Она только что сохранила этот блог для меня!

___________________________________________

Есть еще идеи или ресурсы? Помните #9 – Делитесь, делитесь, делитесь!

______________________________________

Люди, которые вдохновляют:

Джерри Фрезия – Аутентичный импрессионизм
Элисон Б. Стэнфилд – Artbizcoach.com
Ким Брюс – Artbiz.ca
Скотт Уодделл
Grand Central Academy
Джейкоб Коллинз
Бо Бартлетт

 

Ключ к постоянному творческому росту

Как профессиональные художники, в какой-то момент нашей карьеры мы почувствуем, что достигаем плато в нашей работе и не развиваемся.В этой статье вы узнаете, как продолжать расти и раскрывать свой наибольший потенциал, преодолевая творческий застой.

Одна из самых желанных вещей в жизни — чувствовать, что мы растем и делаем успехи. Особенно при работе в мире искусства.

«Жизнь похожа на неправильную дорогу по движущемуся тротуару: идешь и остаешься на месте, стоишь на месте — идешь назад. Чтобы продвинуться вперед, нужно торопиться», — братья Фаррелли

Работа художником очень похожа на жизнь.Если вы останетесь на месте и станете пони с одним трюком, в конце концов этот трюк исчезнет, ​​поэтому очень важно, чтобы ваша работа продолжала двигаться вперед и улучшаться, иначе вы отстанете. Я уверен, что все мы были там; сидеть без дела в затишье, без вдохновения и редко задумываться о том, куда движется ваша работа. То, что когда-то было страстью, теперь кажется рутиной, и это становится менее увлекательным, потому что мы не растем. Рост часто является фундаментальным фактором, определяющим личный успех и успех в индустрии искусства.В этой статье я расскажу о лучших способах, которые я обнаружил, чтобы опережать игру, и которые помогли мне создать работу, о которой я всегда мечтал.

Не бойся оглянуться

Все мы с чего-то начинали, и все мы когда-то были неудачниками, но когда мы смотрим на наше текущее портфолио, может показаться трудным понять, как далеко мы продвинулись с самого начала. Так что не бойтесь копаться в архивах и сравнивать свою работу несколько лет назад с вашей работой сейчас. Уверяю вас, что вы выросли намного больше, чем вы думаете.Это одна из самых важных вещей, которые я делаю, чтобы поддерживать свое вдохновение.

Никогда не довольствуйтесь своей работой

Одна из самых больших вещей, которая тормозит чей-то рост, — это самоуспокоенность в своей работе. В мире социальных сетей, когда в тренде определенный стиль, легко запрыгнуть на фургон и стрелять в этом стиле. Это может работать какое-то время, и кажется, что вы получаете лайки, но в конце дня ваша работа становится шаблонной и может показаться, что вы просто делаете одно и то же снова и снова.Но если подумать, действительно ли ваша работа растет и улучшается настолько, насколько могла бы? Не совсем. Лайки могут быть обманчивыми и привести к тому, что наша работа выйдет на плато в нашей оригинальности, потому что наши фотографии сосредоточены на съемке, чтобы доставить удовольствие аудитории, а не нам самим.

Стреляй сам

Когда вы зарабатываете на жизнь фотографией, очень легко увязнуть в потребностях клиентов и вашей онлайн-аудитории, но не менее важно заниматься своим личностным ростом и делать снимки для себя.Даже если вам посчастливилось быть забронированным с работой с клиентом, очень важно найти время для заказа съемок, которые соответствуют вашему видению, а не видению кого-то другого. Старайтесь снимать личные работы как можно чаще. Что касается меня, то я стараюсь снимать не реже двух-трех раз в месяц, просто ради оттачивания своего мастерства. Ключ к успеху при работе над личными проектами — просто получать от этого удовольствие. Пробуйте все, что хотите, без каких-либо ограничений, пробуйте новые методы освещения, новые позы и новые стили редактирования, не испытывая при этом жестких, а иногда и ограничивающих ожиданий от работы с клиентом.Работы, которые я публикую в своих социальных сетях и на веб-сайте, в основном состоят из личных снимков. На этих съемках я вручную выбираю модели, создаю концепцию и, в конечном счете, имею полный творческий контроль и свободу в отношении результата. С таким менталитетом я могу привлекать новых клиентов на основе стиля, который я им представляю. Не выделив должное время на личную работу, вы в конечном итоге застрянете в рутине угождения людям, и это остановит творческую эволюцию ваших изображений.

Всегда учись

Один из лучших способов развиваться – действовать. Смотреть видео на YouTube — это здорово, но эти советы становятся практичными только тогда, когда вы выходите и используете их. Очень важно, чтобы вы выполняли работу, которая находится вне вашей зоны комфорта, подталкивая вас к поиску творческих решений существующих проблем. Все великое приходит с большим объемом упорной работы. Вы не будете двигаться вперед, если не будете постоянно стремиться к лучшему и хотеть стать лучше. Просто создание чего-то ради создания чего-то и постоянная практика неизбежно приведут к тому, что каждый раз вы будете делать лучшие снимки.Иногда съемка бывает неудачной, но важно, чтобы следующая съемка преодолела этот горб неудачи.

Помощь другим фотографам

Более практичный способ максимально ускорить свой рост и быть активным учеником – помогать другим фотографам в их съемках. Вы узнаете больше за одну съемку, чем часами просматривая видео и уроки. Когда вы являетесь ассистентом, вы снимаете нагрузку, связанную с выполнением поставленных задач, и позволяет вам просто впитать все это и открыть для себя новые способы ведения дел.В течение первых трех лет своей карьеры, когда я хотел участвовать в мероприятиях, я помогал местному фотографу мероприятий и снял с ним более пятидесяти мероприятий. Помогая ему, я из первых рук узнал, как стать лучшим владельцем бизнеса, и мои фотографии с мероприятий значительно улучшились. По сей день я все еще ищу любую возможность помочь всем, чем могу, будь то установка светового стенда или настройка фона. Я всегда ухожу вдохновленным и стремящимся стать лучше. Если вы не можете помочь, найдите человека, на которого вы равняетесь в Интернете или лично, который будет постоянно выталкивать вас из зоны комфорта.

Будьте вдохновлены

 Легче сказать, чем сделать, но для поддержания стабильного роста крайне важно постоянно вдохновляться и знакомиться с работами других художников. Когда дело доходит до фотографии и бизнеса, меня больше всего вдохновляет Клэй Кук. Каждый раз, когда я смотрю на его работы, это вдохновляет меня пойти и попробовать что-то новое и следовать своим мечтам.

Я надеюсь, что эти советы помогли вам преодолеть это плато и помочь вам раскрыть свой наибольший потенциал. Если у вас есть какие-либо способы, которые помогают вам продолжать расти и вдохновляться, поделитесь ими в комментариях ниже!

Три способа, которыми колледжи изящных искусств помогут вам стать художником

Фрида Кало не училась в художественном колледже.Джаспер Джонс так и не закончил. Жан-Мишель Баския даже не окончил среднюю школу.

Если бы вашим героям не требовалось высшее образование в области изящных искусств, чтобы стать потрясающими художественными провидцами, которыми они стали, не так ли?

Стало несколько модным отмахиваться от художественного колледжа как от пустой траты времени и денег для «серьезного» художника. В своих поисках пути после окончания средней школы, который поможет вам расти как художнику, вы, вероятно, сталкивались со статьями, предупреждающими, что ваши деньги лучше потратить на расходные материалы, книги и путешествия.Или что вы можете получить все необходимое художественное образование, сидя за компьютером.

Мы не можем отрицать, что некоторые из величайших художников мира никогда не учились в художественном колледже. И это правда, что количество отличных онлайн-ресурсов для обучения искусству растет. Верно также и то, что выход в мир для посещения художественных галерей и студий, а также для общения с другими работающими художниками имеет важное значение для развития вашего личного художественного видения.

Но подумайте о том, что значит для вас стать художником.Вы занимаетесь изобразительным искусством, потому что вам есть что сказать, рассказать историю — о себе, о своем сообществе, о мире. Для вас искусство — это способ внести свой вклад в нашу культуру.

Для начинающего художника, движимого стремлением к личностному росту и изменению мира, нет лучшего места, чтобы провести следующие четыре года своей жизни, чем колледж изящных искусств.

И вот почему:

1. Сообщество растет вместе

Даже Ной Брэдли, который часто пишет о том, как стать художником, не посещая художественную школу, признает: «Очень легко оказаться запертым в своей комнате, работая над изучением своего искусства, совершенно забывая, что вам нужно также выйти и познакомиться с некоторыми людьми!»

Художники, создающие значимое и эффектное искусство, редко появляются из ниоткуда.Они появляются из сообщества художников, на них влияют и совершенствуют благодаря постоянным обсуждениям, критике и, да, конкуренции.

Когда вы поступаете в художественный колледж, вы не просто записываетесь на курсы и комнату в общежитии. Вы получаете доступ к яркому сообществу коллег-художников, охватывающих широкий спектр знаний, дисциплин, целей и уровней опыта.

Цитата Стивена Гуарначчиа, профессора Новой школы дизайна Парсонса, резюмирует это:

«Я думаю, что самым большим преимуществом посещения художественной школы является общий опыт открытия, обсуждения и практики своего ремесла и представления об искусстве с группой сверстников, под опекой опытного наставника, т. е.д., учитель».

2. Пространство для исследования, инструменты для открытия

Знаете ли вы, как (и где) обеспечить круглосуточный доступ к хорошо освещенным художественным студиям для совместной работы, в которых достаточно места для размещения вашего самого большого холста? А как насчет слесарного цеха или сварочного цеха? Если бы вы хотели погрузиться в инновационный новый мир цифрового искусства, могли бы вы позволить себе программное обеспечение и вычислительную мощность?

Хорошая программа колледжа изящных искусств предоставляет все эти передовые инструменты и возможности в пределах вашей досягаемости.Когда вы не заперты в тесном уголке дешевой подвальной студии или не обходитесь дрянным подержанным оборудованием, ваше творчество может быть свободным.

3. Междисциплинарная перспектива

Чтобы быть художником, которому действительно есть что сказать, вам необходимо расширить свой взгляд за пределы мира искусства. Великие художники исследуют и участвуют в социальном и историческом контексте, в котором происходит их творчество.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.