Ар деко эпоха: Ар-деко и стилевой параллелизм в архитектуре 1930-х

Содержание

Ар-деко и стилевой параллелизм в архитектуре 1930-х

0 Советская архитектура 1930-х гг была стилистически крайне разнообразна и терминологический аппарат в ее описании еще находится в стадии становления. Однако ряд отечественных исследователей готов обозначить в качестве одного из направлений эпохи 1930-х – советскую версию ар-деко, подчеркивая близость художественных проявлений в СССР и за рубежом. Таков подход, высказанный в монографиях и статьях – И.А. Азизян, А.В. Бокова, А.Ю. Броновицкой, Н.О. Душкиной, А.В. Иконникова, И.А. Казуся, Т.Г. Малининой, Е.Б. Овсянниковой, В.Л. Хайта и др. И именно использование термина «ар-деко» позволяет рассматривать советский стиль 1930-х в контексте зарубежной архитектуры. И первые примеры этого стиля, как представляется, возникают еще до Первой мировой войны.
Однако каково было проявление стиля ар-деко в советской архитектуре 1930-х? Цель данной статьи попытаться кратко ответить на данный вопрос.

Межвоенное время стало подлинным расцветом искусства и архитектуры по всему миру – это была «эпоха джаза», «эпоха небоскребов» и «эпоха выставки 1925 г в Париже».[1] Так по наименованию «Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности», проведенной в 1925 в Париже, а точнее в связи с 40-летним юбилеем ее открытия, термин «ар-деко» с 1960-х вошел в искусствоведческую науку и принял на себя, в первую очередь, хронологическое обобщение памятников межвоенного времени.

Кульминацией развития стиля ар-деко стали высотные здания, выстроенные в городах Америки на рубеже 1920-30-х. Однако стилистически они были крайне разнообразны. Таковы были даже постройки одного архитектора, Р.Худа, Ф.Крета и др. Декоративность небоскребов могла принимать самые различные формы – от геометризации историзма и пластической фантазии, до аутентичной неоархаики или предельной, абстрактной аскезы.

И тем не менее, небоскребы 1920-30-х предстают цельной, узнаваемой стилистикой. Общим для них было характерное сочетание неоготического «ребристого стиля» и неоархаических уступов.[2] И впервые эту ребристо-уступчатую стилистику продемонстрировал проект Сааринена на конкурсе Чикаго Трибюн 1922 г. Здание это было в итоге построено по проекту Р.Худа в аутентичной неоготике, восходящей к башням Руана. Однако после конкурса Худ следует за Саариненом, в 1924 г в Нью-Йорке он создает шедевр ар-деко – Радиатор билдинг. Оно стало первым, доступным нью-йоркским архитекторам, воплощением трансформации архитектурной формы. Это был отказ от аутентичного воспроизведения мотивов (в данном случае, готики), и одновременно новое понимание традиции. Эстетика геометризованного историзма (ар-деко) была предъявлена.

Варьируя ребристость и уступчатость, архитекторы ар-деко стремились воспроизвести один, поразивший всех образ – проект Сааринена на конкурсе Чикаго Трибюн 1922 г. Причем эта новая эстетика возникает в работах Сааринена еще в работах 1910-х, начиная со знаменитой башни вокзала в Хельсинки. В 1922 г Сааринен сенсационно соединяет неоготическую ребристость с неоархаическими уступами, таким будет архетип небоскреба ар-деко. Так были решены высотные здания в городах Америки и проекты Б.М.Иофана – Дворца Советов, Наркомата тяжелой промышленности в Москве, павильонов СССР на международных выставках 1937 и 1939 гг. Это был ответ мастера зданию Рокфеллер-центра, только что выстроенному Р.Худом в Нью-Йорке. И именно в ребристом стиле (ар-деко) была задумана целая серия работ отечественных мастеров 1930-х, таковы проекты и постройки 1930-х – А.Н.Душкина, И.Г.Лангбарда А.Я.Лангмана, Л.В.Руднева, К.И.Соломонова Д.Ф.Фридмана, Д.Н.Чечулина и др.

Московским шедевром ребристого стиля (ар-деко) должен был стать Дворец Советов по проекту Б.М.Иофана (1934). Так был решен и проект американского архитектора Г.Гамильтона (получивший одну из первых премий на конкурсе 1932 г), и итоговый образ, спроектированный в 1934 г группой Б.М.Иофана, В.А.Щуко и В.Г.Гельфрейха. Дворец Советов должен был стать самым высоким зданием в мире (415 м), и превзойти только что построенное здание Эмпаер-стейт-билдинг (380 м). Конкуренция в высоте требовала конкуренции в стиле. И именно ребристый стиль позволял эффектно и в короткие сроки решить фасад грандиозной высоты.[3] Проектирование Дворца Советов в виде ребристого небоскреба стало ярчайшим доказательством развития в СССР собственной версии ар-деко, и Дворец Советов стал вершиной этого стиля.

1. Проект Дворца Советов, арх. Б.М. Иофан, 1934

Предоставлено журналом Проект Байкал

2. Проект здания Чикаго Трибюн, арх. Э.Сааринен, 1922

Предоставлено журналом Проект Байкал


Архитектурные приемы ар-деко не просто проникали сквозь «железный занавес», но они намеренно импортировались (и так было и с автомобильной модой). [4] И потому термин «ар-деко», как синоним ребристого стиля небоскребов и Дворца Советов, позволяет обобщать и сопоставлять стилевые проявления 1920-30-х в США, Европе и СССР. Так в ар-деко, как отмечают исследователи, были созданы наиболее яркие и одаренные образы советского искусства середины 1930-х – павильон СССР на выставке в Париже, увенчанный скульптурой «Рабочий и колхозница» В.И.Мухиной и станции метро А.Н.Душкина, «Маяковская» и «Дворец Советов».[5]

Ребристый стиль высотных зданий 1930-х можно было бы анализировать и помимо вопросов этимологии и семантики термина «ар-деко». Уже конкурс на здание Чикаго Трибюн 1922 г, прервав монополию историзма, впервые показал все возможные варианты небоскреба – и ретроспективные, и решенные в ар-деко (фантазийно-геометризованные). И тем не менее использование стиля парижской выставки в декоративном оформлении американских небоскребов связало оба явления, и во множестве исследований дало башням 1920-30-х стилевое определение. Однако архитектура межвоенного времени предстает не единым стилем, но параллельным развитием нескольких течений, групп.

Такова была стилевая картина в межвоенные годы и в США, и в СССР и Европе (Италии), ее можно представить, как своего рода «многожильный провод» различных тенденций и идей. И в этом период расцвета ар-деко напоминает рубеж XIX-XX веков, разнообразие течений эпохи модерна.

И впервые ключевые приемы стиля ар-деко – геометризация форм историзма и увлечение архаикой – заметны еще в целой череде памятников, созданных до выставки 1925 в Париже. Таковы постройки Л.Салливена и Ф.Л.Райта, ступообразные башни Э.Сааринена 1910-х и первые нью-йоркские небоскребы в стиле ар-деко – здания Барлай-Везье билдинг (Р.Уалкер, с 1923) и Радиатор билдинг (Р.Худ, 1924), а также известные работы Й.Хоффмана (дворец Стокле, 1905) и О.Перре (театр Елисейских полей, 1911) и др. Таков был круг памятников раннего ар-деко.

3. Юнити темпл в Чикаго, арх. Ф.Л.Райт, 1906

Предоставлено журналом Проект Байкал

4. Дворец Стокле в Брюсселе, арх. Й.Хоффман, 1905

Предоставлено журналом Проект Байкал


Высотные здания эпохи ар-деко воплотили в себе уникальный сплав неархаических и средневековых приемов, композиционных и пластических. И если в США их уступчатость была определена законом о зонировании 1916 г, то использование уплощенных барельефов было уже ответом искусству Мезоамерики и пионерам национальной архитектуры – Л.Салливену и Ф.Л.Райту, открывшему для ар-деко неоархаическую, неоацтекскую эстетику в уникальной по художественной силе церкви Юнити темпл в Оак парке (1906) и стиле особняков в Лос-Анжелесе начала 1920-х. И именно через призму собственного наследия – древнего и актуального, работ Салливена и Райта – был воспринят в США стиль парижской выставки 1925 г.

Ар-деко предстает не только ребристым стилем, но развитием нескольких течений.[6] И общим в этом разнообразии американских небоскребов был мощный неоархаизм, композиционный и пластический. И хотя в Европе и СССР подобных башен в 1930-е не возводили, тем не менее и здесь ключевые приемы ар-деко – геометризация форм историзма и увлечение архаикой – нашли свое архитектурное воплощение. Таково было, например, использование неоегипетского карниза-выкружки в работах И.А.Голосова, Д.Ф.Фридмана и Л.В.Руднева.[7] Подобный карниз в Москве можно было увидеть еще в доме А.М.Михайлова (арх. А.Э.Эрихсон, 1903), и его источником были древние храмы Египта и Древнего Рима (гробница Захарии). В Лондоне подобным неоегипетским карнизом было завершено здание Адалаида хаус (арх. Т.Тайт, 1924). Так так были решены и жилые дома И.А. Голосова на Яузском бульваре и Садовом кольце, здание Наркомата обороны Руднева на Арбатской.[8] Такие стилевые параллели способен зафиксировать термин «ар-деко».

5. Аделаида хаус в Лондоне, арх. Т.Тайт, 1925

Предоставлено журналом Проект Байкал

6. Здание Высшей школы профсоюзов, арх. И.А. Голосов, 1938

Предоставлено журналом Проект Байкал


Конкурс на Дворец Советов развернул поиски нового советского стиля в архитектуре, однако уводя их от авангарда, он не ограничил их аутентичной классикой. В мае 1933 года победа на конкурсе Дворца Советов была присуждена проекту Б.М.Иофана, выдержанному в ребристом ар-деко. И.А.Голосов выбирает для своего проекта Дворца Советов образ римского мавзолея Цецилии Метеллы, однако после конкурса он избегает неоклассических прообразов и создает некий новый стиль, он был декоративен и монументален. И потому близок эстетике ар-деко, знаковые памятники авангарда подобных мотивов не имели.

Поиск альтернативы классическому ордеру начался еще в 1910-е, и общеевропейский характер этого явления был обусловлен общим для мастеров классическим наследием и отказом от его канонов. Так в покрытых кессонами, монументальных творениях Л.В.Руднева можно было бы увидеть пример т. н. тоталитарной архитектуры. Однако подобные образцы можно обнаружить и в Европе, таково, например, здание Зоологического института в Нанси (арх. Ж.Андре, 1932). И пластические приемы этого стиля – геометризованный ордер и окна-кессоны возникают впервые в практике европейских мастеров 1910-20-х. Таковы были работы О.Перре (театр Елисейских полей, 1911) и предложения Дж.Ваго на конкурсах Чикаго Трибюн (1922) и Лиги наций (1928). Ставший характерным приемом И.А.Голосова 1930-х, мотив прямоугольного портала, рамы можно обнаружить в застройке и Лондона (здание Дейли телеграф, арх. Т.Тайт, 1927), и Милана (здание Центрального вокзала, У.Стаккини, 1915-31). Подобные геометризованные детали и фасадные приемы казалось были в СССР реализацией некой «пролетарской эстетики», однако их можно встретить и в европейской практике 1920-30-х. Так стиль Дома культуры издательства «Правда» в Москве (1937) вторил итальянским постройкам эпохи Муссолини, например, почте в Палермо (1928) или дворцу Юстиции в Латине (1936). Таков был феномен стилевого параллелизма между отечественной и зарубежной практикой 1910-30-х, и его можно проследить на целой череде примеров.

7. Здание Академии РККА им М.В. Фрунзе, арх. Л.В.Руднев, В.О.Мунц, 1932-37

Предоставлено журналом Проект Байкал

8. Здание Зоологического института в Нанси, арх. Ж.Андре, 1932

Предоставлено журналом Проект Байкал

9. Конкурсный проект здания Чикаго Трибюн, арх. Дж.Ваго, 1922

Предоставлено журналом Проект Байкал

10. Проект Наркомата обороны на Арбатской, арх. Л.В.Руднев, 1933

Предоставлено журналом Проект Байкал


Различные геометризованные детали, окна–кессоны и ордер без баз и капителей – все эти приемы стиля 1930-х возникают впервые еще до Первой мировой войны.[9] Но это были новации европейской архитектуры и мотивы их появления были абстрактны, визуальны. Это было воздействие общемировой стилевой тенденции – геометризации архитектурной формы. И потому стилевой параллелизм в 1930-е не удивителен, но логичен. Такова была общемировая мода на наследие архаики, новации 1910-х и мотивы раннего ар-деко.

Символом эпохи 1920-30-х стали небоскребы США, однако вовлечена была в орбиту ар-деко и ордерная архитектура. Так павильоны выставки 1925 в Париже были крайне разнообразны, и если первые из них повлияли на стиль американских небоскребов, то вторые воплотили в себе новую трактовку ордера. Лестница Гранд Пале на выставке в Париже 1925 г (арх. Ш.Летросне) была решена вытянутым антовым ордером и, восходя к новациям Хоффмана и Перре, безусловно сформировала стиль библиотеки им. В.И.Ленина. Барельефный фриз портика Щуко вторил и другому павильону выставки – Дому Коллекционера П.Пату.

Так, международный интерес межвоенного времени к ордеру 1910-х, воплощенный в павильонах выставки 1925 в Париже, позволяет рассматривать работы И.А.Фомина и В.А.Щуко, И.Г.Лангбарда и Е.А.Левинсона (и архитекторов Муссолини), не только как национальное явление, но как проявление большой волны стилевых изменений – геометризации архитектурной формы. И она начала свое действие до и помимо революции 1917 г, таков ордер в работах Й.Хоффмана, Г.Тессенова, П.Беренса и О.Перре. Геометризованный ордер 1910-30-х был аскетичен, то есть близок уже не к классической традиции, но к суровой архаике и абстракции модернизма. И именно эта двойственность подчеркивает его схожесть с методами ар-деко.

11. Театр Елисейских полей, О.Перре 1911

Предоставлено журналом Проект Байкал

12. Полиграфический комбинат имени В.М. Молотова., архитектор М.Л. Зильберглейт. 1939

Предоставлено журналом Проект Байкал


Основные признаки ар-деко в архитектуре – геометризация форм историзма, пластический и композиционный неоархаизм, двойственность (т.е. работа на стыке традиции и авангарда, декорации и аскезы), обращение к новациям 1910-х – были характерны и для стиля американских небоскребов, и для геометризованного ордера 1910-30-х.[10] Это позволяет рассматривать значительную часть ордерной архитектуры 1910-30-х не как упрощенную, изуродованную классику, но увидеть в ней некое новое содержание, понимая под ар-деко не только ребристый стиль высотных зданий, но широкий диапазон компромисса между полюсами аутентичной классики и абстракции авангарда. И примеры этой группы памятников – этой неоклассической ветви ар-деко – можно встретить в Риме и Париже, Ленинграде и Москве.

Эта трансформация в духе ар-деко была разнообразна – от роскошной (библиотека им. В.И.Ленина), до аскетичной (дом «Динамо»). Однако было у этой группы памятников и важнейшее объединяющее начало – отказ от классического ордерного канона и часто даже от самой монументальности, введение фантазийно–геометризованных деталей. Так были решены многочисленные здания в Италии эпохи Муссолини, павильоны, выстроенные в Париже к выставке 1937 г.[11] Вершиной ленинградского ар-деко стало творчество Е.А.Левинсона. Межстилевой геометризованный ордер позволил мастерам 1920-30-х выразить свое время и дать ответ новациям раннего ар-деко.

Стиль межвоенного времени широко применял новации 1900-10-х – восходящий к архаике ордер без баз и капителей, а также канеллированные пилястры Хоффмана 1910-х. В 1930-е подобная архитектура, созданная на стыке ар-деко и неоклассики, стала активно развиваться и в США, и в СССР. Достаточно сравнить корпус Лефковица в Нью-Йорке (арх. В.Хогард, 1928) с московским домом СТО (арх. А.Я.Лангман, 1934). Стиль же библиотеки им. В.И.Ленина в Москве (1928) вторил двум вашингтонским постройкам Ф. Крета, созданной в те же годы Шекспировской библиотеке (1929) и зданию Федерального резерва (1935).

Возведение небоскреба Дворца Советов было прервано началом Великой отечественной войны, и иных ребристых башен в 1930-е осуществлено в Москве не было. Однако и отрицать существование ребристого стиля (а значит и ар-деко) в СССР невозможно. Незадолго до и сразу после победы на конкурсе Дворца Советов стиль Гамильтона и Иофана был осуществлен в целой череде зданий, расположенных в самом центре Москвы.[12] Это напоминающие Центральное здание почты в Чикаго (1932) работы А.Я. Лангмана – дом СТО (с 1934) и жилой дом работников НКВД с канелированными лопатками, а также здание Госархива (1936) и Дома Метростроя (1934), причем Д.Ф. Фридман в 1930-е был автором целой серии проектов и построек в ребристом стиле.[13] Такими были остроконечные ребра корпуса НКВД (А.Я. Лангман, 1934) и АТС Фрунзенского района (К.И. Соломонов, 1934), уплощенные лопатки Наркомата Сухопутных войск (Л.В. Руднев, с 1939), и именно такие московские здания помогают реконструировать вероятное впечатление от Дворца Советов Иофана.

13. АТС Фрунзенского района К.И. Соломонов, 1934

Предоставлено журналом Проект Байкал

14. Гос архив РФ, Вохонский А.Ф. 1936-38

Предоставлено журналом Проект Байкал


Эпоха 1930-х гг предстает периодом острого архитектурного соперничества различных стилевых течений, так было и в СССР, и в США. Это требовало от мастеров искать и использовать самые яркие мотивы и впечатляющие художественные средства. И конкурировать Москве с архитектурными столицами Европы и США позволяли оба премированных на конкурсе Дворца Советов направления – и ар-деко, и неоклассика (историзм). В городах Америки это соревнование двух стилей продолжалось все 1920-30-е гг. , такова, например, застройка Центр-стрит в Нью-Йорке. Монументы двух стилей вырастали рядом, и так же как в Чикаго высотное здание Биржи в ар-деко соседствовало с неоклассическим Муниципалитетом, так и в Москве для очного сопоставления заказчиком неопалладианское творение Жолтовского, дом на Моховой было возведено в 1934 году одновременно и рядом с ребристым домом СТО А.Я.Лангмана.

Советская архитектура 1930-50-х не была стилистически монолитна, так довоенная эпоха содержала значительный компонент ар-деко. Впрочем получала поддержку власти и неоклассика, неоренессанс. Стиль И.В.Жолтовского был академичен, и можно сказать старомоден, но современен, аналогичен неоклассическому стилю США, призванному достичь высот европейской культуры. Подобные мотивы были и в СССР, только Иофан должен был превзойти башни Нью-Йорка, Жолтовский – ансамбли Вашингтона.

Дом Жолтовского на Моховой был одним из самых заметных памятников московской неоренессансной школы. Однако в постройках мастера ощутима не только опора на мощную итальянскую культуру, но и знакомство с опытом США (например, грандиозным зданием Муниципалитета в Чикаго). И потому в контексте победы на конкурсе Дворца Советов варианта Иофана, как образца мировой архитектурной моды, Жолтовскому было необходимо подчеркивать не только палладианские корни своего стиля, но и заокеанские. Примером для московской неоренессансной школы становится американская архитектура 1900-10-х, застройка Парк авенью в Нью-Йорке, работы фирмы «Мак Ким Мид Уайт». Архитектура США провоцировала, убеждала заказчика в художественной эффективности его неоклассического выбора.

Архитектурное соперничество с небоскребами США оказало значительное влияние и на стиль Дворца Советов Б.М.Иофана, и на московские высотные здания рубежа 1940-50-х. И поэтому их фасадные приемы были призваны конкурировать не только с национальным наследием, но с мировым. Так высотное здание МИД стало наиболее выразительным и близким к стилю ар-деко. И проектируемое первоначально без шпиля оно в точности совпадало по высоте со своими заокеанскими визави – неоготическими небоскребами Галф билдинг в Хьюстене и Фишер билдинг в Детройте. О принадлежности здания МИД к ар-деко говорит характерное сочетание неоготической ребристости и неоацтекского тектонизма, гипертрофия фантазийно-геометризованных деталей. Так симбиоз разных традиций – мотивов допетровской Руси и неоготической ребристости, неоархаической уступчатости и неоклассических элементов, частично уже воплощенный в небоскребах США, сформировал стиль послевоенных высотных зданий.

15. Здание МИД на Смоленской площади, В.Г. Гельфрейх, М.А. Минкус, 1948-53

Предоставлено журналом Проект Байкал


Московские высотные здания стали кульминацией инициированного властью возврата к историзму, позволявшего конкурировать с дореволюционной архитектурой и зарубежной. И именно своеобразная, отличная от ордерной архитектуры эстетика ар-деко стала для советских мастеров 1930-50-х основным художественным соперником и формальным источником вдохновения. Ар-деко убеждало советских архитекторов и заказчиков в допустимости и успешности казалось бы рискованного, эклектического сочетания традиционных, классических и трансформированных, сочиненных приемов. Стиль Дворца Советов и московских высотных зданий напоминал заокеанские образцы, и потому ар-деко, можно сказать, оказалось стилистической основой т.н. сталинского ампира.[14]

Таким образом, именно термин «ар-деко» позволяет зафиксировать примеры стилевого параллелизма, наблюдаемого в советской и зарубежной архитектуре как до начала Великой отечественной войны, так и после ее окончания. И только в такой системе координат, не изолированно, а в широком мировом контексте ощутимы достоинства и преимущества предвоенной отечественной архитектуры. Выявленные стилевые параллели в архитектуре 1930-х не удивительны, но аналогичны тому, как в России получили свое воплощение мировые архитектурные стили иных эпох – барокко, классицизм, эклектика и модерн. Так отечественную версию обрела и стилистика ар-деко.

Два стиля – неоклассика и ар-деко – сформировали художественный диапазон 1920-30-х по всему миру, они главенствовали в международной архитектурной практике. Такова была стилистика выставок в Париже 1925-1937 годов, застройка 1930-х в Нью-Йорке и Вашингтоне, Риме, Ленинграде и Москве. И именно она позволяла советским архитекторам достичь и превзойти свершения дореволюционной и зарубежной архитектуры их же средствами – стилевыми приемами неоклассики и ар-деко.

 
[1] Триумфом ар-деко стали небоскребы Нью-Йорка и Чикаго, однако в годы своего расцвета их стиль получал иные, не прижившиеся наименования. Современники называли архитектуру ар-деко «зигзаг-модерном» и даже «джаз-модерном», [11:7][2] Термин «ребристый стиль» в данной статье понимается, конечно, не как «большой стиль», но как общность определенных архитектурных приемов группы проектов и построек. На смену классическому ордеру в 1920-30-х приходят каннелированные пилястры и плоские лопатки без баз и капителей, вытянутые, узкие ребра и другие остроконечные неоготические формы. Так наряду с уплощенными рельефами, ребристость стала основным архитектурным приемом ар-деко Америки.[3] И потому Иофан, работавший над проектом Дворца Советов, как самого высокого здания в мире, взял за основу стиль уже построенных американских высоток. Однако импорт архитектурных образов требовал и импорта технологий строительства. С этим была связана, осуществленная в 1934 г, поездка в США советских архитекторов, победителей конкурса ДС. Зарубежный опыт изучался и при проектировании московского метро. Как указывает Ю.Д.Старостенко, в начале 1930-х для ознакомления с опытом строительства метро за границу был командирован главный архитектор Метропроекта С.М.Кравец.[8:126][4] Напомним, что зарубежная архитектура 1920-30-х гг. была известна отечественным мастерам и по иностранным журналам, и по издавшемуся в СССР журналу «Архитектура за рубежом», отдельным статьям в «Архитектуре СССР». Уже в 1935 году из США возвращается В.К.Олтаржевский, в период с 1924 года он учился и работал в Нью-Йорке. [5] По мнению А.В.Бокова, к советскому ар-деко можно отнести станции московского метро, в том числе «Сокол», «Динамо», «Аэропорт», «Маяковская», «Дворец Советов» (ныне «Кропоткинская»). Схожую позицию высказывают И.А.Азизян, Т.Г.Малинина, Ю.Д.Старостенко [3:89, 6:254-255, 8: 138][6] В рамках архитектуры ар-деко можно насчитать несколько самостоятельных течений. В этом, как указывают Ш. и Т. Бентон и Г. Вуд, и состоит отличие ар-деко от традиционных исторических стилей. Как пишут Б. Хилльер и С. Эскритт, стиль ар-деко стремился быть «роскошным и аскетичным, архаичным и современным, буржуазным и массовым, реакционным и радикальным». (10: 112) (12: 16)[7] Советская версия ар-деко была также разнообразна. Так по мнению В.Л. Хайта «наиболее ярко московский вариант ар-деко проявился в работах В.А.Щуко, И.А.Фомина, Л.В.Руднева, Б.М.Иофана, Д.Ф.Фридмана, Д.Д.Булгакова, И.А.Голосова.» [9:219][8] Так авторы архитектурного путеводителя «Архитектура Москвы 1920-1960» отнесли к советской версии ар-деко следующие памятники – здание Библиотеки им. В.И.Ленина, Даниловский универмаг, кинотеатр «Родина», здания Академии РККА им. М.В.Фрунзе и Наркомата обороны на Арбатской пл., жилой дом Д.Д.Булгакова на Садовом кольце. См. [3][9] Отметим, что и ребра, каннелированные пилястры и плоские лопатки, и окна-кессоны, как приемы стиля ар-деко 1910-30-х, были популярны и после Второй мировой войны. И стали характерными фасадными мотивами монументов 1970-х и в США, и в СССР.[10] В этой двойственности и состоит сложность стиля 1920-30-х. Ар-деко, как отмечают Ш. и Т. Бентон и Г. Вуд, было эпохой широкого художественного спектра, включавшего в себя и примеры «модернизированного историзма», и «декорированного модернизма». [12:245][11] Эти стилевые параллели между отечественной архитектурой 1930-х и стилем выставки в Париже 1937 года отмечает и В.Л. Хайт. [9:221][12] Как пишет А.В. Боков, «Иофан и Гамильтон выглядят на конкурсе Дворца Советов как представители одной компании» [2: 89][13] Напомним, что новации 1910-х, опыт немецкого экспрессионизма и американского ар-деко А. Я. Лангман видел вживую, учась в 1904-11 гг в Вене и побывав в 1930-31 гг в Германии и США.[14] Отметим, что исследователи советской архитектуры 1930-х стараются уже не использовать такие обобщения, как «сталинский ампир» или «тоталитарная архитектура». Ведь, как пишет И.А. Азизян, термин «сталинский ампир» несет в себе заведомо негативную ценностную оценку архитектуры 1930-50-х гг. [1:60] В то время как, духовная и творческая атмосфера 1930-х была чрезвычайно сложна, драматична и, тем не менее, способна к созданию настоящего искусства. Предвоенная эпоха была полна стремления к самореализации и утопической мечты, возникавшей вопреки цензуре и репрессиям. Вот как это формулирует А.И. Морозов – «Революционная утопия дала стимул и искусству циничной пропагандист­ской агрессии, и искусству чистой веры, и искусству, по-своему как бы «заговаривающему боль».». [7: 83]
 

Литература:

1. Азизян И.А. Инобытие ар-деко в отечественной архитектуре // Архитектура сталинской эпохи: Опыт исторического осмысления М. : КомКнига, 2010.
2. Боков А.В. Про ар-деко. // Проект Россия. – 2001. — №19
3. Броновицкая А.Ю., Броновицкая Н.Н. Архитектура Москвы 1920-1960 «Жираф», М., – 2006.
4. Зуева П.П. Небоскребы Нью-Йорка 1900-1920 годов. // Архитектура и строительство РААСН. – № 4. -2006.
5. Искусство эпохи модернизма. Стиль ар-деко. 1910-1940 / Сборник статей по материалам научной конференции НИИ РАХ. Отв. ред. Т.Г.Малинина. М.:Пинакотека. 2009.
6. Малинина Т.Г. Формула стиля. Ар Деко: истоки, региональные варианты, особенности эволюции. – М.: Пинакотека, 2005.
7. Морозов А.И., Конец утопии. Из истории искусства в СССР 1930-х годов. – М.: Галарт, 1995.
8. Старостенко Ю.Д. Ар-Деко московского метро 1930-1940-х годов // Проблемы дизайна – 3. // Сборник статей НИИ Теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств. 2005 г.
9. Хайт В.Л. «Ар-деко: генезис и традиция» // Об архитектуре, её истории и проблемах. Сборник научных статей/Предисл. А.П. Кудрявцева. – М. : Едиториал УРСС, 2003
10. Хилльер Б., Эскритт С. Стиль Ар Деко – М.: Искусство – XXI век, 2005.
11. Bayer P. Art Deco Architecture. – London: Thames & Hudson Ltd, 1992.
12. Benton C. Art Deco 1910-1939 / Benton C. Benton T., Wood G. – Bulfinch, 2003.
13. Borsi F. The Monumental Era: European Architecture and Design 1929-1939 Rizzoli, 1987
14. Weber E. American Art Deco. – JG Press, 2004
 



Аннотация

Архитектура 1930-х годов была стилистически крайне многоообразна, и таковы были ключевые свершения стиля ар-деко – павильоны выставки 1925 года в Париже, высотные здания, выстроенные на рубеже 1920-30-х в городах Америки. Разнообразны были и исторические источники этого стиля. И тем не менее ар-деко предстает цельной, узнаваемой эстетикой. И ее примеры можно обнаружить и советском архитектурном наследии 1930-х, именно этому посвящены отдельные работы отечественных исследователей. Ар-деко предстает мировой архитектурной модой межвоенного времени. Данная статья призвана кратко описать феномен стилевого параллелизма, наблюдаемый в отечественной и зарубежной архитектуре 1930-х гг.

Ар деко. — Красота в деталях. — LiveJournal

    Эпоха джаза и сухого закона на киноэкране смотрятся необыкновенно элегантно – во многом благодаря стилю ар деко. Он диктовал не только оформление стен и мебели, но и форму серег, холодильников и точилок для карандашей…
   
Тамара де Лемпицка. Автопортрет в зеленом «бугатти». 1929. Дерево, масло. 

    Буквально несколько лет понадобилось рожденному в Париже стилю Ар Деко, чтобы приобрести популярность в Голливуде под именем «стиля звезд» и превратиться из чисто французского явления во всемирно признанный символ эффектности. Термин «Арт деко», более удобный для обозначения декоративного искусства в период между двумя мировыми войнами, обозначает стиль, сочетающий в себе классичность, симметричность  и прямолинейность.
    Как художественное течение он оформился в 1908-1912 годы и достиг расцвета межу 1925 и 1935. Своим возникновением он обязан влиянию таких различных источников, как Art Nouveau (Арт Нуво), кубизм и Баухауз с одной стороны и древние искусства Египта, Востока, Африки и американских континентов с другой.
    Легкость и изящество, заложенные в основу новаторской идеи ар деко, навеянной балетными «Русскими сезонами», вскоре переродились в выражение невероятной простоты и умеренности новой жизни в век машин. Представители всех направлений современных изобразительных искусств искали способ выражения скорости и напора, с которым автомобили, поезда, аэропланы, радио и электричество изменяли существующий мир — старались найти цвета и формы, которые были бы отчетливее и сильнее тех, что они применяли ранее.
    Как художественный стиль ар деко  впервые получил признание в Европе, но очень быстро его влияние охватило Соединенные Штаты Америки, где его огромной популярности в немалой мере способствовало всеобщее увлечение голливудской кинопродукцией. Костюмы и декорации картины «Клеопатра» (1943г.) студии «Парамаунт» вызывали прямые ассоциации с орнаментом и горгульями нового нью-йоркского небоскреба Крайслер-билдинг, а Грета Гарбо в костюме Маты Хари из фильма «МГМ»(1932г.) выглядела, как статуэтка Ар деко из бронзы и дерева.

Крайслер-билдинг                                               Грета Гарбо
    
    Термин «Ар деко» происходит от названия Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных декоративных искусств и ремесел 1925 года в Париже, на которой в полном объеме были представлены достижения декоративно -прикладных искусств того времени. Однако сам термин возник много позже — в 1966 году, во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts Decoratifs (Музее декоративных искусств).
    Эта композиция возвестила о возраждении интереса к декоративным искусствам того периода, когда все они процветали под общим названием «модерн», но в силу естественного развития художественных стилей, были вытеснены еще более популярным и универсальным «интернациональным» стилем — безорнаментной архитектурой выразительных конструкций, заключавших динамическое пространство в закрытом объеме массы. Ар деко был также известен как «джазовый модерн», «зигзаг модерн» и «обтекаемый модерн» — последний термин относится к формам, базировавшимся на обтекаемых силуэтах автомобилей, кораблей и самолетов.  
  Ар деко формировал сам  образ жизни в межвоенные годы, их манеру одеваться, разговаривать, путешествовать, работать и отдыхать. В его власти находились индустрия развлечений и сферы искусства — его дух чувствовался в кинотеатрах, доходных домах, небоскребах, композициях внутренних интерьеров и узорах драгоценных украшений, в дизайне курительных и питейных аксессуаров, кухонной посуды и уличных фонарей, в скульптурах и плакатах, в книжных и журнальных иллюстрациях, в тканях, картинах, в общественных зданиях и сооружениях.

Обложка журнала Vogue 1922 года. Выпуск посвящен Домам Моды, основанным русскими эмигрантками.
      Мосты, туннели, бензоколонки, рестораны быстрого обслуживания и неподражаемый символ того времени — неоновая реклама, всё создавалось в стиле «модерн», а точнее «ар деко». Школы, дворцы юстиции, магазины, муниципальные здания и павильоны всемирных ярмарок строились в стиле, сочетавшем одновременно неоклассицизм и обтекаемость, грациозность и игривость, монументальность и элегантность.
 По всей стране люди смотрели фильмы в кинотеатрах, украшенных роскошными фасадами, неоновыми вывесками и и изысканными интерьерами в стиле ар деко. В Нью-Йорке стилизованные орнаменты над порталами зданий, неоклассические скульптуры Рокфеллеровского центра, арочный стиль Крайслер-билдинг, характерная башня Эмпайр Стэйт -билдинг и алюминиевая выколотка парадных входов и легких пристроек особняков сформировали одновременно доступный и неповторимый облик города.

Эмпайр Стэйт-билдинг 1931г.
     Во Франции ар деко ориентировался в первую очередь на рынок предметов роскоши. Он охватил все сферы дизайна: живопись, графику, театральный дизайн, ювелирное искусство, дизайн интерьеров, архитектуру и т.д.
     Сегодня общества ар деко во многих городах работают над сохранением наследия Деко, но нет сомнения в том, что наиболее яркими памятниками этого архитектурного направления остаются здания знаменитых кинодворцов с их грандиозными фасадами и причудливыми неоновыми вывесками, свидетельствующие о том, что лучшие и наиболее эффектные образцы этого стиля сочетали в себе отпечаток общественной полезности и красивости.
    Ар деко считают первым среди стилей XX века и одновременно последним из всех известных художественных стилей в мире.
            Франция.
            Мебель в стиле ар деко.
     Дизайн мебели был той областью, в которой развился французский интернациональный стиль. Мебель ар деко отличается использованием таких дорогостоящих материалов, как эбеновое дерево, гонкало с инкрустациями из слоновой кости, черепахового панциря и кожи. Полированный меалл, стекло и зеркала присутствуют во многих дизайнерских проектах. Такие дизайнеры, как Рене Лалик и художники фирмы «Даум», сделали стекло своим любимым материалом для изготовления чаш, ваз и ламп. Их ранние работы в стиле ар нуво теперь приобрели формы ар деко.

Рене Лалик
       Мебель Жака Эмиля Рульманна создавалась из дорогих материалов искусными мастерами, точно также, как и предметы обстановки в традиционном стиле. Луи Сю в партнерстве с Андрэ Маром приступили к производству похожей мебели с акцентом на дорогие материалы, но в упрощенном виде.

Жак Эмиль Рульманн. Интерьер в стиле арт деко.
              Жан Дюнан был видным представителем ар нуво до Первой мировой войны, но в 1920-х годах обратился к ар деко с его геометрическими формами. Он создал фабрику, где производил ширмы, шкафы, кресла и столы, поверхности которых обычно покрывались лаком. Он также работал как декоратор, оформляя интерьеры для богатых клиентов, которые могли служить достойной декорацией для его мебели.
             Морис Дюрфен также перешел от ар нуво к ар деко. Он пользовался широкой известностью и влиянием благодаря своим сочинениям, преподавательской работе, а также своим дизайнерским проектам мебели, изделий из текстиля, стекла, металла и целых интерьеров.
             Жан Мишель Франк разработал направление в ар деко, которое обращается к таким новым течениям в современном искусстве, как сюрреализм. Его диван в форме губ изображен на картине Сальвадора Дали. В 1932 году он открыл в Париже мастерскую, где с его мебелью могли познакомиться английские и американские дизайнеры, такие как Сири Моэм и Френсис Элкинс.
            Эйлин Грей занималась дизайном ширм и других предметов мебели, а также целых интерьеров, часто используя лакированные панели. Ее мебель отличалась оригинальностью, выдумкой и была кубистической по характеру.
    
            Ковры, ткани и обои.
      
        Значение ковров, тканей и обоев стало расти после 1925 года, когда возникла необходимость «освежить» цвета и текстуру интерьеров, становившихся все более аскетичными. Мода на цвета менялась быстро: от ярких оттенков до приглушенных тонов, предлагавшихся, в частности, монохроматической природой кубизма. Интерес к рисункам, нанесенным на ткань, сменился увлечением к структуре тканного материала.
          Производители текстиля и ковров выпускали изделия, удовлетворявшие спрос на ар деко. Некоторые из них прибегали к услугам ведущих дизайнеров, другие просто просили своих штатных дизайнеров разрабатывать образцы в этом стиле. Естественная мягкость и красота нитей подчеркивалась лучшими ткачихами Баухауза Анни Альберс и Гюнтой Штадлер-Штольц.
        Большой известностью  пользовалась художница Соня Делоне, которая занималась дизайном текстиля, произодившегося на мануфактуре в Лионе в 1922г.
 
   
              Французкая керамика.
       В наибольшей степени классические мотивы французского ар деко в керамике проявлялись в произведениях  «для особого случая». Э.Декёр, О.Дэлареш и Анри Симман прославились глазурованными и керамическими сосудами. Керамика Эмиля Ленобля украшалась гравировкой, живописными сюжетами или барельефным узором из завитков и геометрических мотивов и стилизованными цветами. Одним из замечательных французских художников по росписи керамики считался Рене Буто. Он нача расписывать керамику в 1919году. Излюбленным декоративным приемом было покрытие живописи потрескавшейся глазурью. Мужчины и женщины изображались Буто,в основном, в современном ему стиле неоклассицизма.
       На северной мануфактуре работали известные художники и дизайнеры, в том числе Ж.-Э. Рульманн и Рауль, Жан Дюфи. Наиболее привлекательные образцы, выпускаемые на мануфактуре Хавиланд, в Лиможе — это чайный и кофейный сервизы в форме птиц и животных, шкатулки и графины работы скульптора Эдуарда Марселя Сандоца.
    Изделия из стекла в стиле французского ар деко создавали Морис Мариино и Рене Лалик, первый специализировался на своеобразных изящных сосудах, а второй изготавливал разнообразные изделия массового производства . Мариино получил образование художника в начале 1920гг. стал создавать произведения из дутого стекла. Его толстенные вазы, флаконы и кувшины с внутренним декором и простыми формами ценились за красоту, оригинальность и мастерство.
    Рене Лалик в период массового производства изделий из стекла не имел себе равных в этой области. Его первые попытки были в технике cire-perdue (литье по выплавленным моделям). С 1910 года он начал выпускать флаконы для духов с парфюмером Франсуа Коти. За исключением редких образцов cire-perdue, вазы Лалика изготавливались из дутого стекла или выдавливались в форму. Они делались из прозрачного матового, одноцветного стекла, с узорами из накладного или вставного стекла, с опалово-молочным отливом и синевато-желтым блеском или окрашенные цветовыми пятнами с наружной стороны. Часто вазы украшались стилизованным цветочным и лиственным орнаментом или выразительным абстрактным рисунком, таков его Turbillions (вихри). Он выпускал и столовую посуду, талисманы для машин, письменные и туалетные столы, курительные принадлежности, осветительные приборы и архитектурные элементы.
  

 Украшения для радиаторных решеток автомобилей.
Victoire Car Mascot (Spirit of the wind — Victorie) Дух ветра.
Литое аметистовое стекло. Известны также варианты в прозрачном стекле, прозрачном сатинированном, топазовом и др.
Бесполая человеческая голова, с открытым то ли в крике, то ли в судорожном полувздохе ртом,  «оперённая» клином струящихся по ветру волос- олицетворение мощи и скорости автомобиля. 
Система подсветки позволяла менять их цвет во время поездки – это считалось невероятным шиком. Во всем мире известно всего около 30 этих маленьких шедевров и коллекционеры скупают их по цене золота как минимум. 
        В 1920-30гг. популярным стало производство pate-de-verre, разновидности полупрозрачного стекла, которое широко применялось для украшений изделий из стекла, как один из мотивов ар деко. Парижский мастер Габриель Аржи-Руссо украшал таким способом свои яркие вазы и чаши из тонкого стекла экзотическими, классическими или вызывающими фигурами. В 1920-30гг, братья Даум в основном создавали толстостенные сосуды и лампы, украшая их сплошным геометрическим или стилизованным природным орнаментом в технике кислотного травления.

техника pate-de-verre
      
            Мастера по металлу, скульпторы, мастера по эмалям, лакировщики и заводы по выпуску металлоизделий создавали предметы из металла в стиле ар деко. Французские мастера приуспели в создании изделий, как в традиционном, так и в новаторском стиле. 
            Ведущим французским мастером по металлу был Эдгар Брандт — его гигантские ворота и каминные экраны, украшенные цветочным, лиственным орнаментом и завитками, которые декорировали фигуры из бронзы или живописные панели.
Одна из его работ — лампа «Кобра» 1925г.

 
 
      Раймонд Сьюбе изготавливал мебель, часы, лампы и другие изделия для парижских салонов. В 1930-е годы появились предметы из стали и алюминия, а его завитки и другие элементы декора упростились, приобрели большие размеры, несколько абстрактные очертания. Поражающие своим великолепием работы парижского скульптора Альберта Шёре были выполнены в стиле ар деко, например каминные часы в форме египетского головного убора.
     В период ар деко промышленный дизайн достиг огромного размаха. Кроме изделий из керамики и металлоизделий, выпускались предметы массового производства. Например, в период между войнами выпускалось огромное количество декоративных компактных пудрениц. Талантливые ювелиры Картье и Бушерон украшали их золотом и драгоценными камнями, в огромном количестве выпускались косметички из цветных металлов с эмалевыми покрытиями, дерева, пластмассы и других недорогих материалов. Их выпускали Эванс, Волупте и Элгин (в США) и Страттон ( в Великобритании).  
Ювелиры предлагали изделия в стиле ар деко.
      Не лишним будет отметить, что знакомство широкой публики с ар деко состоялось когда в 1920-30х гг. в этом стиле стали оформляться интерьеры ресторанов, отелей и огромных океанских лайнеров. Французский пароход «Нормандия» стал детищем французских архитекторов, декораторов, художников и ремесленников. Ответственность за оформление «Нормандии» была возложена на Ричарда Боуэнса и Роджера Экспера. Хотя некоторые проекты они разработали сами, для выполнения всего объема работ они привлекли других французских художников и декораторов, в том числе Раймонда Сьюбе, Жана Дюнана. Их совместная работа над проектом была своеобразным манифестом ар деко.




                                                          Соединенные Штаты Америки.
        Некоторые американские дизайнеры, работавшие в стиле ар деко, были иммигрантами из Европы. Поль Франколь родился и получил образование в Вене, но большую часть своей жизни провел в Соединенных Штатах. Именно он обратил внимание на ступенчатую форму американских небоскребов и применил ее в дизайне, в так называемой «высотной» мебели, выпускавшейся  1930-х гг. Полки делались навесными, что позволяло продемонстрировать фанеру, современный материал, который заменил собой дерево, которое ипользовалось  в прошлом.
       Йозеф Урбан, также получил образование в Вене, приехал в Америку в качестве художника — оформителя. Работая в стиле ар деко, он в свою очередь обратился к дизайну мебели и интерьеров. Интерьеры, проектируемые для Новой Школы Социальных Исследований в Нью-Йорке (1930), являются прекрасными образцами его творчества.
     Фредерик Кислер, в родной Вене работавший художником-оформителем, прежде, чем перебраться в Америку в 1926году, провел некоторое время в Нидерландах, где познакомился с понятием «Стиль». Первым его проектом в Америке, было небольшое здание кинотеатра в Нью-Йорке, «Филм Голд Синема» на 8-й стрит. Здесь он создал один из первых современных интерьеров для широкой публики. Его творчество в основном было связано со скульптурой, но он был также известен как теоретик и футурист, в основном благодаря его не воплощенному в жизнь проекту криволинейного Бесконечного дома, сохранившегося в рисунках и моделях.

          Обтекаемые силуэты новой мебели, выглядевшие так, словно были машинами или даже сами были машинами, пользовались огромной популярностью. Распространению обтекаемого стиля способствовало использование подобной мебели при съемке голливудских фильмов.
          Люди хотели покупать мебель, которая бы смотрелась на уровне обстановки особняков знаменитых голливудских кинозвезд, таких как Рита Хэйуорт.
          Хотя количество предметов мебели ручной работы было ограничено, для удовлетворения общественного спроса был налажен выпуск огромного потока недорогих изделий ар деко.
          Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов изогнутой фанеры. Ручки изготавливались из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев.
          Популярны были сочетания черного и светлого лака. Жизнь в новых небоскребах предполагала в целях экономии места использование многофункциональной мебели. Возник девиз «чем компактнее, тем лучше». Созданный по заказу магазина «Лорд и Тейлор» письменный столик со скамеечкой изготовлен из покрытого красным лаком дерева с хромированной металлической фурнитурой, а его необычные наклонные тумбы в 1931 году могли привлечь лишь очень смелого покупателя. Он в точности повторяет форму столика работы парижского мебельщика Леона Жалло, выставленного на Осеннем салоне 1928г. в Париже.
          В некотором смысле промышленная элегантность кресла Марселя Бройера, изготовленного из хромированных стальных трубок, крашенного дерева и парусины ознаменовала окончательный разрыв с традициями, конец эпохи ар деко и приход «интернационального» стиля. Как сказал сам Бройер: «наша работа безжалостна и не позволяет оглядываться назад, она презирает традиции и установившиеся нормы. » 

И все же для этого кресла, спроектированного Бройером в 1928 году и воплощенного в материале в 1933г., нашлось место в истории ар деко. Его обтекаемые линии не противоречат принципам ар деко.
                        
                         Американская керамика.
     В период ар деко многие американские фирмы изготавливали керамику. Наибольшим успехом пользовались изделия Futura 1928, выпускаемые гончарной мастерской Roseville Pottery в Занесвилле. Там создавались угловатые вазы и чаши, покрытые матовой глазурью, поразительных цветовых сочетаний.
 
      Среди наиболее новаторских предприятий была мастерская Кована Поттери близ Кливленда, которая с середины 1920-х гг. до 1931 выпускала яркую глазурованную керамику. Наиболее популярны изделия ограниченного тиража, созданные по проектам художников или скульпторов, в том числе Виктора Шрекенгоста, чаша с его росписью «Джаз» примечательна рельефной глазурью.
       В 1920-е гг стекольный завод Steuben Glass Works Корнинга в Нью-Йорке под руководством Фредерика Кардера, начала выпускать изделия из стекла. Серии Cintra и Cluthra  — толстостенные сосуды, укршенные пузырьками и другим декором, серию «Интарсия» под влиянием стекла Graal Оррефора и вазы шестиугольной, яйцеобразной и других форм, выполненные методом кислотного травления. Большой популярностью пользовалось стекло, получаемое методом «депрессии» и выпускаемое для массового производства Анкором Хокингом, компанией «Даймонд» и «Федеральной стекольной» компанией.
 

Фредерик Кардер. Steuben Glass Works.
          Значительными примерами американского промышленного дизайна являются столы для радиоприемников с передней частью из стекла. Уолтер Дорвин Тиг — автор «Модели 517» с круглым передним фасадом из голубого зеркального стекла и хромированного металла, а также модель «Патриот Аристократ 400» для компании Эмерсон.

Emmerson 517

«Patriot 400» Emmerson
   
        Великобритания.
    В Великобритании ар деко не получил широкого распространения и как правило ипользовался в интерьерах театров, гостиниц и ресторанов.
    Британская мебель
    Мебель в стиле ар деко создавала Бетти Джоэль, в выставочном зале в Лондоне продавались мебель и ковры ее работы. Для ее произведений характерна мягкая изогнутость форм, в качестве декоративных мотивов часто использовались волокна древесины, как и в произведениях Амброуза Хилла.
    Богато украшенную мебель создавал русский по происхождению архитектор Серж Чермаефф, работавший в Великобритании, в 1933г. он переехал в США. Богатую мебель изготавливал архитектор Эдвард Моф, известен его стол из камфорного и черного дерева. Компания «Изокон» (1932-1939) выпускала в основном мебель, изготовленную по проектам Марселя Брейера и Вальтера Гропиуса из клееной фанеры.
   
Бетти Джоэль. Daybed.

Мебель работы Сержа Чермаеффа. 1930гг.
      Керамика.
    Британское ар деко связано с творчеством Кларисс Клифф. За ее яркими произведениями причудливой геометрической формы, 1928-1937, последовали Fantasque, Biarritz и другие жанры. Клифф создавала много керамических изделий и обычно расписывала их от руки яркими сочетаниями желтых, оранжевых, красных и, синих и других цветов. Изделия декорировались геометрическим орнаментом и стилизованными растениями и животными. Серия «Век Джаза», 1930г., расписана изображениями джазовых музыкантов и танцоров.

Clarice Cliff 
            Среди заводов по выпуску керамики в стиле ар деко можно отметить Уилшо и Робинсона, где выпускались Карлтонская керамика, Пулльская керамика Картера, Стэблера и Адамса.

Stabler and Adams
    Среди британских фирм, выпускающих в 1920-300е гг. примечательные изделия из стекла, был завод Монкрифа в Перте, Шотландия, где изготавливалось стекло типа Монарт. Выполненные в этой технике толстостенные сосуды украшались изнутри во французском стиле. Влияние модернизма ощущается в изделиях из серебра, позолоченных и посеребренных, созданных британскими ювелирами. Лондонские мастера Уэйкли и Уиллер выпускали качественные изделия из серебра и других металлов с галванопокрытием.
    По изготовлению ковров, в Великобритании выделялись три мастера Эдвард Мак-Найт Кауффер, известный графическими работами, его жена Марион Дорн в 1934г. возглавила ею же созданную компанию по изготовлению ковров по индивидуальным заказам и Бетти Джоэль выпускавшая по своим проектам мебель и ковры. Творчество Сержа Чермаефф оказывало влияние на рисунок и композицию ковров.
    Интерьеры британских океанских лайнеров таких как «Королева Мери» и «Мавритания» были оформлены в стиле ар деко.
Публика сталкивалась с ар деко в лондонском метро, дизайн которого разрабатывался под руководством Фрэнка Пика.
 
    И в заключении, проанализировав и объединив  всё вышесказанное, хочется подвести итог и ответить на вопрос: «Что представляет собой этот потрясающий, роскошный, утонченно элегантный, немеркнущий стиль «Ар Деко»»?
 
      Обострившийся вкус к жизни, осознание бренности бытия и жажда красоты породили ар деко – стиль, который стал воплощением утонченной роскоши, блеска и элегантного комфорта. При этом он оказался невероятно восприимчивым к новым веяниям времени. Аэродинамические очертания новых роллс-ройсов и бентли породили моду на мебель с обтекаемым углами. Ломаные силуэты нью-йоркских небоскребов вдохновили создателей шкафов и секретеров ступенчатых очертаний. Успехи металлургии и промышленный авиационный дизайн вызвали к жизни ручки, спинки и ножки из хромированной стали и использование металла в инкрустациях. Прекрасная технологическая база ремесленников стиля модерн пришла на службу новой эпохи – изделия получались столь же качественными и продуманными, но – безусловно современными. Поэтому сегодня новейшие образцы аудио- и видеотехники становятся непременными атрибутами интерьеров в стиле ар деко. Плазменные панели, домашние кинотеатры великолепно сочетаются с мраморными столешницами и богатыми бархатными драпировками. Деревянная мебель с хромированными ручками, стеклянные поверхности и дорогая кожа, олицетворяющие современный автомобильный и авиационный дизайн, – вот источники вдохновения этого стиля. Плюс всевозможные драгоценные украшения, курительные и питейные аксессуары, хромированная кухонная посуда. Ар Деко – это полет фантазии и воплощение роскошной функциональности.
       Интерьер в стиле ар деко может современно и необычно сочетать восточные или индейские мотивы, элементы старины с совершенно новыми шедеврами искусства. Используя одновременно неоклассические формы и обтекаемость, грациозность и игривость декора в стиле модерн, ар деко является воплощением монументальности и элегантности. Сегодня этот стиль по праву считается синонимом роскоши и эффектности. Приверженцы этого стиля игнорируют массовое промышленное производство товаров, они выбирают эксклюзивное изготовление предметов. В фаворе изделия из ценных и дорогих материалов — змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина. Излюбленные аксессуары – необычные произведения египетской, африканской, китайской и других экзотических культур. Интерьер в стиле ар деко может быть как элегантно-классическим, так и экспрессивно-этническим. Главное – это эффектность, яркость и роскошь смелых сочетаний. Интерьеры, оформленные в стиле ар деко, часто не имеют законченной композиции, а представляют сумму отдельных составляющих, причем каждая из них – эксклюзив или предмет искусства.
            Любимые приемы ар деко: контраст темно-коричневого или черного с позолотой; соединение текстуры ценных пород дерева с безупречной геометрией форм. Авторы мебели вдохновлялись открытиями аэродинамики: скругленные линии добавляют автомобилям и самолетам лучше характеристики скорости, почему бы не использовать это в дизайне. Плавные очертания носов аэропланов и даже револьверных пуль стали отличительной чертой многих интерьерных объектов. В поверхностях активно используется цвет – лаки и эмали. Широко применяются экзотические кожи – скат, акула, угорь. Стиль любит цитировать экзотические темы: ведь именно в эту эпоху была найдена гробница Тутанхамона и в моду, благодаря африканским статуэткам, вошел кубизм. Но при всей страсти к новизне и экспериментам, ар деко никогда не забывал о функциональности и комфорте (это наследие модерна, который возвел быт в культ). Восхищение вызывает синтез тонкой роскоши и конструктивной ясности – в силуэтах мебели нет ничего лишнего, а диванные подушки при этом уютно мягки.
     Ар деко показал миру новые образы, сочетая при этом абсолютно несочетаемые вещи: утонченность красоты мира и неприличную роскошь буржуазной прослойки общества.
     Ар деко – стиль, который для многих кажется немного парадоксальным и ироничным, однако игра его символов и образов позволила ему стать востребованным как в годы его становления, так и после. Несмотря на прошедшие десятилетия, он остается все еще востребованным в интерьере, благодаря своей элегантности и холодной красоте. Стиль ар деко подарил миру множество невероятно красивых вещей.
       Драматичный по своей природе стиль Ар деко не теряет способности придавать всем своим проявлениям блистательную ауру Голливуда, и пока современная культура продолжает хранить память о мифах и символах, созданных на белом экране, ар деко будет сохранять свою силу.

     Sincerely yours, Julia….
     

Ушедшая эпоха ар-деко в макияже 20-х годов

Как известно, человеческая история циклична. После «темных» периодов всегда наступает эпоха возрождения. Так произошло и в 20-х годах ХХ века: после Первой мировой войны человечеству, соскучившемуся по простым (и не очень) радостям, оставалось только наверстывать упущенное. Так родился стиль ар-деко, ставший главной визитной карточкой начала нового тысячелетия и главным «скандалом» для всех консерваторов. 

Архитектура, живопись, театр, литература, мода – этот стиль внес изменения во все существующие области культуры нового мира. Каноны женского образа не стали исключением. На смену пышногрудым роковым соблазнительницам пришли озорные и яркие «флэпперы» («хлопушки»), как называли юных чаровниц, с ума сходящих по танцам, шампанскому и автомобилям. Женщина перестает быть чопорной хранительницей очага и требует абсолютного равноправия: теперь дамы не стесняются курить в общественных местах, не знают меру в алкогольных напитках, носят откровенные наряды, работают не меньше мужчин и водят машины. Женщины могут все – и это естественным образом отражается на их внешнем виде.

 

 

С легкой руки знаменитых актрис Мэри Пикфорд, Бебе Дэниелс и Клары Боу женщины меняют претенциозно длинные локоны на короткие стрижки «a la garconne». Челки тоже в моде: прямые и косые, они неизбежно закрывают половину лица, придавая своей обладательнице вид загадочный и неимоверно таинственный. 

В это же время входит в моду стрижка «боб»: короткие волосы, чуть прикрывающие мочки ушей, девушки завивают горячими щипцами, создавая ту самую «голливудскую волну», актуальную до сих пор.

 

 

 

Именно в это время входит в моду яркая помада. Если раньше девушки предпочитали наносить на губы лишь косметический вазелин, подчеркивающий естественную пигментацию, то в эпоху ар-деко красные губы-сердечки стали неотъемлемой частью имиджа любой модницы. Особым шиком считалось выделять изгиб верхней губы, придавая ему остроконечную форму. В сочетании с драматичными темными тенями, неизменными спутниками женского образа 20-х, такие губы придавали лицу несколько страдающее и томящееся выражение.

 

 

 

Важный нюанс – брови. Тонкие, как нитка, и неимоверно длинные, они тоже вносили долю театральности в образ юной леди. Кстати, юными должны быть все: в 20-е годы рождается тот самый «культ молодости» (поклонниками которого мы являемся до сих пор), и даже зрелые и умудренные опытом дамы стремились как можно дольше сохранять подвижное очарование. В этом нелегком деле им очень способствовала мода на запредельную худобу: узкие бедра, маленькая грудь, острые плечи и колени – таким было представление об идеальной женской фигуре в это время.

 

 

Богини декаданса должны были иметь матовую кожу и драматичный взгляд из под полуопущенных век. Наверное, именно ревущие двадцатые стали эпохой расцвета косметической индустрии. Max Factor выпускает специальные тональные средства, отличающиеся от театрального грима, закупоривающего поры и вызывающего серьезную аллергию, появляется первая помада в стике, удобные пудреницы с зеркалом и, конечно же, легендарная тушь Maybelline, ставшая первым средством для ресниц для ежедневного использования. Женщины пользовались темной жирной подводкой для глаз, растушевывая ее по верхнему веку, а затем наносили тени. Особенной популярностью пользовались бирюзовые и зеленые оттенки. 

 

Масла в огонь женской сексуальной раскрепощенности подлила Коко Шанель, в 1921 году выпустившая свой знаменитый Chanel №5. Этот абстрактный составной  аромат, разлитый в подчеркнуто лаконичные флаконы, моментально стал самым вожделенным парфюмерным творением своего времени. Впрочем, его успеху не уступало восточное сандаловое звучание Shalimar от Guerlain. 

 

 

Аромат Shalimar от Guerlain

 

Всему этому великолепию было суждено закончиться в 1929 году. Биржевой крах привел к Великой депрессии, и миллионы людей лишились средств к существованию. Сложившаяся экономическая ситуация заставила женщин забыть о беззаботном образе «хлопушки», стремящейся к развлечениям и пропагандирующей модные наряды. Однако те перемены, произошедшие в индустрии красоты, остались в копилке смелых и эмансипированных особ – не зря отголоски стиля ар-деко с завидной регулярностью мы можем встретить не только в кино, но и коллекциях современных дизайнеров и в бьюти-индустрии.

 

Фото: архив пресс-служб, @kinopoisk

Стильные мира сего: как европейский ар-деко пробрался в советское искусство | Статьи

Весна 1925 года, когда в Париже открылась выставка декора, считается датой рождения стиля ар-деко, во многом определившего эстетику межвоенных лет. Эта новая эстетика была следствием усталости европейцев от тягот и ужасов Первой мировой. Она была отражением духа времени и проникла в самые разные сферы искусства, приобретая довольно причудливые черты. Добралась она и до Советского Союза, хотя не все захотели это признать. Подробности — в материале «Известий».

Главное здание Военной академии имени М.В. Фрунзе в Москве

Фото: РИА Новости/Тихомиров

Соединение несоединимого

Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (Exposition Internationale des Arts Dеcoratifs et Industriels Modernes) открылась в столице Франции в последних числах апреля 1925 года. Ее роль в рождении нового стиля оказалась столь значительной, что и название он получил по первым буквам краткого названия выставки: Arts Dеcoratifs. Впрочем, осознание стилистического единства пришло не сразу.

В Париже были представлены совершенно разные виды художественного творчества, от архитектуры и дизайна до декоративно-прикладного направления — скульптуры малых форм, мебели, часов, светильников, текстиля, одежды и модных аксессуаров. И уже на выставке довольно неожиданно выяснилось, что в работах самых актуальных современных художников есть много общего — прежде всего в эстетике и мироощущении. Люди вдохновлялись схожими вещами, они стремились к красоте в каждой мелочи, к новым решениям, к ярким цветам и неожиданным материалам, где-то даже к показной роскоши — скорее отражающей безукоризненный вкус и стиль, нежели демонстрирующей богатство владельца.

С конца XIX века Европа искала новые формы. Отражением этого стали вариации в модерне и неоклассике, причудливая эклектика, импрессионизм и символизм, авангардные кубизм и футуризм. Перечесть все стили и течения, существовавшие в начале ХХ столетия, просто невозможно. А потом случилась мировая война. Она как бы подвела черту, на время остановила бесконечную творческую дискуссию. Но едва наступил мир, и художественные искания продолжились, правда, уже в новой реальности. Взгляд художников изменился вместе с окружавшим их миром, они словно вернулись на родину после долгой отлучки и по-новому увидели привычные вещи. Эпоха свободных артистов Монмартра ушла в прошлое, в свои права вступала эра индустриализации.

Выставка «Эрте — гений ар-деко: возвращение в Петербург» в Государственном Эрмитаже

Фото: ТАСС/Петр Ковалев

Ар-деко стал своего рода попыткой совместить высокое искусство с вполне прикладными потребностями общества, желание создать эстетический шедевр из утилитарных вещей — светильника, абажура, настенного панно или настольной статуэтки, обычного шкафа или кресла, дверной ручки, вентиляционной решетки, окна, сумочки, бижутерии. .. И, конечно, в рекламе. Во всем, что окружает человека, должны быть стиль, изящество и красота. В своем роде это была попытка «ремесленников», коими тогда считали мебельщиков, декораторов, мастеров художественной ковки, модельеров, стилистов, доказать, что их творения могут быть произведениями искусства даже в условиях промышленного производства.

Источников вдохновения у творцов ар-деко было великое множество. От египетских и критских древностей или неожиданных образцов африканского и доколумбова американского искусства до художников-экспрессионистов или европейского модерна, прежде всего ар-нуво. Стиль ар-деко полифоничен и разнообразен, он чужд четким канонам, в то же время всегда легко узнаваем. В нем больше настроения и духа, чем обязательных атрибутов. Не случайно самыми идейно близкими к ар-деко музыкальными явлениями были джаз и танго, также построенные на эмоциях, импровизации и красоте в каждой ноте или жесте.

Люди нового стиля

Идеологическим центром выставки стал павильон «Отель Коллекционер», построенный архитектором Пьером Пату и оформленный Жаком-Эмилем Рульманном. Внешне здание выглядело образцом эклектики: тут вам и ступенчатый прямоугольный зиккурат, и египетские колонны, и «античный» барельеф на фризе над изящной застекленной ротондой. Гипертрофированные декоративные детали придавали строению особый шик. Внутренним убранством павильона, который полностью отвечал имевшимся в названии словам «отель» и «коллекционер», занимался «последний краснодеревщик» и «первый дизайнер» Франции Рульманн. Изысканная цветовая гамма, тонко подобранная фактура отделочных материалов, свет — всё было идеально. Рульманн стал настоящим гуру стиля ар-деко, впрочем, не он один. Эгоистичные по духу столпы этого направления никогда не объединялись в сообщества или кружки, поэтому можно говорить лишь о стилистической и идеологической принадлежности к этой культуре. Тем не менее были «иконы стиля», влияние которых оказалось особенно заметно.

Если говорить об архитектуре, то, конечно, нельзя обойти работы Робера Малле-Стивенса — наверное, самого авторитетного архитектора 1920-х наряду с Ле Корбюзье. В Париже он даже застроил целую улицу (она названа его именем) в 16-м округе, по сей день остающуюся единственной в своем роде. На выставке 1925 года архитектор представил павильон туризма.

Во всем, что касается работы с металлами и художественной ковки, мировым лидером стал Эдгар Брандт — можно сказать, основатель ар-деко в металле. К 1925 году он уже был признанным мастером и стал одним из кураторов Парижской выставки. Брандт активно использовал новые способы ковки и автогенную сварку, что позволило упростить и разнообразить технологический процесс. Его работы были весьма востребованы, он удачно совмещал индивидуальную ручную работу с массовым производством. Занятно, что писал мастер правой рукой, а с железом работал левой.

Возможно, самый загадочный и яркий персонаж той эпохи — Эрте, он же Роман Петрович Тыртов. Родился в Петербурге в 1892 году в генеральской семье. Брал уроки хореографии у дочери Мориса Петипа и учился живописи у Ильи Репина. На 18-летние Роман Тыртов попросил у родителей единственный подарок — оформить ему загранпаспорт — и с твёрдым намерением стать модельером отправился в Париж. Он знал, что на финансовую поддержку отца (начальника Морского инженерного училища) рассчитывать не приходилось, но упорно шел к своей цели.

Выставка «Эрте — гений ар-деко: возвращение в Петербург» в Государственном Эрмитаже

Фото: ТАСС/Петр Ковалев

И Эртэ своего добился — еще до войны его узнал весь мир парижской моды. Эрте работал для Vogue, Cosmopolitan, Ladie’s Home Journal, The Sketch и других иллюстрированных изданий. Двадцать лет Harper’s Bazaar каждый месяц выходил с графической цветной картинкой художника. Он писал заметки о моде, вел светскую хронику, делал зарисовки костюмов, аксессуаров, шляп, туфель, украшений, интерьерного дизайна. А еще он делал костюмы для «Русских сезонов» Сергея Дягилева, оформил несколько танцевальных номеров для труппы великой балерины Анны Павловой. Он не раз делал сценографию для Лондонского оперного театра и парижской Гранд опера, балетной труппы Монте-Карло и мюзик-холла «Фоли-Берже». Эрте потом переехал в Америку, много работал для Голливуда, до конца своих дней оставаясь непререкаемым авторитетом в вопросах вкуса и стиля. А прожил он, между прочим, почти сто лет!

А еще были гениальный скульптор Деметер Чипарус и его статуэтки из бронзы и слоновой кости, блистательный конкурент Брандта мастер по металлу Поль Кисс, который никогда не подписывал свои творения, считая, что их должны узнавать по руке мастера. Великолепные Жан Денан, Жюль Лелё, Поль Фолло, Жан-Жак Рато, Эйлин Грей — они по-разному видели искусство, но идеологически были близки к ар-деко.

«Девушки» румынского скульптора Деметера Чипаруса

Фото: TASS/Zuma

Кто-то был более функционален, кто-то более эстетичен и даже гламурен, кто-то делал упор на тонкие линии и совершенство фирмы, другие использовали сложные декоративные материалы и старались подчеркнуть их натуральную красоту. Наверное, в этом разнообразии и есть одна из прелестей ар-деко — стиля многоликого, но очень емкого, эстетского и радостного.

Заокеанский «стримлайн»

Через несколько лет ар-деко пересек океан и покорил Штаты. Здесь стиль приобрел новые черты, ориентированные прежде всего на технологичность и скорость. В Америке стиль стали называть Streamline Moderne — «аэродинамический модерн». На смену угловатым кузовам-коробам автомобилей начала века пришли плавные лини Chrysler Airflow или Lincoln Zephyr, на океанские просторы выходят многопалубные лайнеры с великолепными салонами, самолеты из неуклюжих «этажерок» превращаются в скоростные монопланы. Американцы видят особый шик в энергичности и выверенности линий, в совершенстве каждой детали, в великолепии материала из которого она сделана. От автомобилей мода распространяется на радиоприемники, холодильники, батареи отопления, предметы интерьера… Это тоже ар-деко, хотя и несколько более индустриально ориентированный, чем в Европе.

Особой страницей в развитии ар-деко стали американские небоскребы, своего рода архитектурный маркер стиля. 300-метровая высотка компании «Крайслер», 400-метровый «Эмпайр-стейт-билдинг», построенный всего за год, стали олицетворением совмещения достижений технического прогресса и эстетского изящества. Это был новый этап в развитии культуры потребления, рассчитанной на достаточно широкие слои активного населения, стремящегося жить в окружении доступной роскоши. А рядом прятались шикарные ночные клубы, размножившиеся в годы «сухого закона»: мужчины в смокингах, эмансипированные дамы в экстравагантных нарядах с короткими стрижками и неизменным длинным мундштуком — это тоже дух ар-деко. Если для Европы тяга к роскоши стала естественным ответом на тяготы пережитой войны, то для Америки — способом забыться в период Великой депрессии.

Под маской постконструктивизма

А что же СССР? На выставке 1925 года первое государство рабочих и крестьян было представлено павильоном, сделанным в духе конструктивизма Константином Мельниковым. В то время активно шли поиски нового революционного искусства, и авангардный конструктивизм виделся многим его воплощением. Но к началу 1930-х ситуация в стране изменилась. Подробнее об этом рассказывает историк архитектуры, старший научный сотрудник Музея Москвы Александра Селиванова:

Автор цитаты

«В СССР новый стиль пришел резко и, можно сказать, внезапно. Усталость от бескомпромиссности и жесткости авангарда 1920-х, совпавшего с надрывной индустриализацией, интриги партийных деятелей в области искусства и раскол внутри профессионального сообщества привели к тому, что в начале 1930-х авангард (во всех его видах — формализм, конструктивизм, рационализм) был подвергнут жесткой критике с трибун и передовиц газет. В архитектуре поворотным моментом стал конкурс на главное здание страны — Дворец Советов в Москве на месте храма Христа Спасителя. В резолюции конкурса на здание Дворца в 1932 году как руководство к действию были прописаны черты будущего стиля, который должен был соединять в себе лучшее из наследия и лучшее из современных технологий, а главное, быть монументальным».

Фото: РИА Новости

Павильон СССР на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств. Архитектор Константин Мельников

Автор цитаты

«Всё, что создавалось в СССР в 1933–1936 годах, носит совершенно особые черты и вовсе не вписывается в общепринятые представления о «сталинском ампире» или пришедшем на смену авангарду «соцреализме». Экстравагантные, зачастую странные, сложные формы и образы, наполненные аллюзиями и ассоциациями, проникали в кино («Строгий юноша» Абрама Роома по сценарию Юрия Олеши), театр (постановки, оформленные Акимовым, Дмитриевым, Рындиным), архитектуру, распространяясь по всей стране, от Хабаровска до Минска, в формах сюрреалистических ассирийских, крито-микенских, египетских бань, жилых комбинатов, кинотеатров и школ, полностью подчинив себе проекты первых станций Московского метрополитена (Душкина, Чечулина, Фомина), в дизайн книги. О последнем феномене Владимир Кричевский недавно издал книгу «Типографика в терминах и образах».

Четырехэтажный дом, расположенный по адресу: улица Осташковская, дом 9, корп. 1. Изначально он входил в историческую застройку подмосковного города Бабушкин, который в 1960 году присоединился к составу Москвы. Здание относится к «сталинкам» — оно было построено в 1937-м

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Дом 10, расположенный на улице Осташковской, — также входит в историческую «сталинскую» застройку 1937-го и отличается украшенными лепниной фасадами

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Варшавское шоссе, дом 10, стр. 2, — бывшие казармы Даниловской мануфактуры, еще дореволюционной постройки. Это здание вместе с соседними входит в ансамбль самой Даниловской мануфактуры

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Дом 107 на Ярославском шоссе оформляет угол прилегающей Федоскинской улицы. Считается, что он был построен в 1948-м, однако здание можно увидеть на картах аэрофотосъемки 1942 года

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Двор дома 107 на Ярославском шоссе

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Красное украшенное лепниной здание по адресу: улица Руставели, дом 3, корп. 2, было возведено в 1947 году пленными немцами. Оно входит в уникальный ансамбль так называемых «немецких» домов Бутырского хутора. Всего таких ансамблей было выстроено в районе три — каждый из них окрашен в свой цвет: красный, желтый и зеленый

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Во дворе «немецкого» дома на улице Руставели

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Дом 15, корп. 2 во 2-м Кожуховском проезде был построен в 1950-м и имеет статус ценного градоформирующего объекта. Дом был включен в реестр недвижимого культурного наследия города, которое подлежит сохранению

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Жилой дом по адресу: Варшавское шоссе, дом 4, также входит в ансамбль Даниловской мануфактуры — он был построен еще до революции для рабочих предприятия и недавно отремонтирован

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Дом 10 на улице Боженко в Кунцево — один из ансамбля домов, построенных по индивидуальным проектам. Возведенные в 1952-м (тогда — в городе Кунцево), дома строили по единому архитектурному плану и располагали замкнутыми кварталами

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Во дворе дома 9, стр. 1 на Кунцевской улице — одного из зданий 1950-х годов, попавших в программу реновации

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

В середине 1930-х годов, с началом строительства столичного метро, на востоке Москвы начали возводить Метрогородок для строителей. Сначала там в основном располагались деревянные бараки, позднее немецкие военнопленные возвели на их месте капитальные дома с высокими потолками. На фото: дом, входящий в ансамбль Метрогородка, расположенный по адресу: Ярославское шоссе, дом 126, построен в 1938 году

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Здание на Осташковской улице, дом 8, — один из домов исторической «сталинской» застройки, возведен в 1936 году, изначально входил в состав подмосковного города Бабушкин

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Дом 2 в 3-м Павелецком проезде был возведен в 1953 году специально под пожарную часть и общежитие для ее сотрудников — пожарная часть располагается в нем и сегодня Редакция благодарит движение «Архнадзор» за предоставленную информацию о зданиях

Фото: ИЗВЕСТИЯ/Зураб Джавахадзе

Автор цитаты

«Этот стиль, это явление до сих пор как будто ускользает от внимания искусствоведов, лишь иногда проблескивая в виде упоминаний «постконструктивизма», «стиля 1935 года», «стиля второй пятилетки» (1933–1937 годы) и даже — невероятно — «советского ар-деко». Нет никакого сомнения в том, что советские дизайнеры, режиссеры, графики и живописцы, архитекторы были хорошо знакомы с тем, что происходило в США и Европе. В первой половине 1930-х еще очень активны творческие поездки, обмены, выписываются зарубежные журналы и устраиваются выставки. Железный занавес еще не опустился, и, несмотря на всё более активное внедрение власти и лично Сталина в художественные процессы, сквозняк носил одни идеи и приемы. Но за внешней схожей оболочкой прятался разный скелет. Мастера европейского ар-деко выросли из модерна, ар-нуво, сецессиона. Функционализм развивался рядом с ними, иногда подпитывая их идеями, но никогда не становясь идеологией, методом художественной работы. Поэтому западный ар-деко скорее декоративен. В СССР же он стал новой страницей, новым слоем; ар-деко — лишь игра для вчерашних конструктивистов: для Моисея Гинзбурга, Ивана Леонидова, Ильи Голосова, Якова Корнфельда. Вопреки общепринятой точке зрения, я берусь утверждать, что они ни секунды не изменяли себе, прежнему, привычному для них, формальному, аналитическому методу проектирования. Они играли с наследием, они жонглировали арками, кессонами, колоннадами, кронштейнами, превращая эти классические элементы в такие же абстрактные фигуры, как прежние свои цилиндры, призмы и кубы. Графические дизайнеры, конструкторы мебели, художники по текстилю и керамике делали то же самое: в жесткий каркас авангардной композиции (супрематической, конструктивистской) они вводили фигуративные изображения, которые всего лишь усложняли и дополняли первоначальную структуру, но не ломали ее».

Станция московского метрополитена «Маяковская», созданная в эпоху «сталинского ампира», может быть причислена к стилю ар-деко. Открыта 11 сентября 1938 года. Архитектор Алексей Душкин

Фото: РИА Новости/Роман Галкин

Автор цитаты

«Финалом советского ар-деко стали 1936–1937 годы: волна репрессий заставила навсегда замолчать многих авторов, для других же это был момент перелома, от которого они так и не смогли оправиться. Провозглашенный на самом верху метод социалистического реализма не предполагал использования каких-либо инструментов авангарда; новый метод художественного творчества можно определить словом «эклектика». То, что нам осталось — в эскизах театральных постановок, в оформлении станций московского метро, в архитектуре начала 1930-х многих городов, в скульптуре и книгах, — это Атлантида, которую еще предстоит открывать и исследовать, находить связи и параллели с западными явлениями, обнаруживать отличия и любоваться».

Чтобы сегодня погрузиться в мир нашего ар-деко, достаточно спуститься на станцию «Маяковская» столичного метрополитена и внимательно присмотреться к ее оформлению. И сразу будут видны и стремительные стальные линии американского «стримлайна», и вычурная изысканность светильников, окружающих панно художника Александра Дейнеки. Или прекрасные бронзовые статуи и причудливое сочетание разных сортов мрамора в вестибюле станции «Площадь Революции» архитектора Алексея Душкина (он же автор «Маяковской» и «Новослободской»), или великолепные бронзовые светильники и вентиляционные решетки на станции «Белорусская-радиальная».

А еще знаменитый дом Ильи Голосова на Яузском бульваре, здание ВЦСПС архитектора Александра Власова, Даниловский универмаг Георгия Олтаржевского или «Дом специалистов» в Петербурге, построенный Григорием Симоновым и Борисом Рубаненко. Ар-деко, пусть и инкогнито, проник в нашу культуру и стал частью того исторического наследия, которым мы гордимся. Не пора ли вернуть ему настоящее имя?

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ

Стиль Арт-Деко в архитектуре и дизайне

Грибулина А.

Стиль Арт-Деко родился в Париже в 1908 г. Его детство продолжалось до 1912 г., а пора наибольшего расцвета пришлась на десятилетие между 1925 и 1935 гг. Источниками новорожденного стиля стали Арт-Нуво, кубизм, Баухауз, искусство Древнего Египта, Африки и Мезоамерики.

 

Арт-Деко − это стиль декоративного искусства, сложившийся между двумя мировыми войнами. В статье будут рассмотрены его проявления в дизайне и архитектуре.

 

Несмотря на свое французское происхождение Арт-Деко не является исключительно европейским стилем. Почти сразу же после возникновения он перепрыгнул на американский континент, где стал очень популярен в среде голливудских актеров.

 

Считается, что Арт-Деко явился продолжением модерна в искусстве. Его даже иногда называли «обтекаемый модерн», поскольку он сочетает в себе авангардистскую простоту и экзотическую оригинальность. Этот неповторимый синтез относит стиль Арт-Деко к эклектике.

 

Сам термин Арт-Деко появился после парижской международной выставки, прошедшей в 1925. Ее название по-французски «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes» и стало источником названия «ар декоратиф» − французская транскрипция, Арт-Деко – новый стиль визуальных искусств.

 

 

 


Вид парижской международной выстваки. Фото: 1925 г.

 

 

Концом существования стиля стала Вторая Мировая война, лишения которой сделали невозможным наслаждение чистой роскошью Арт-Деко. Кроме того в мировой экономике в 1950-1960-е гг. начался подъем массового производства, ставившего функциональность во главу угла в противовес эстетике межвоенного десятилетия.

 

 

Арт-Деко в архитектуре

 

 

Изучать научные основы формирования Арт-Деко в искусстве начали с 1960-х гг.

 

Арт-Деко считают первым среди стилей XX в. и одновременно последним из всех известных художественных стилей в мире. В нем гармонично переплетаются обтекаемость модерна и неоклассицизм, легкость и грация, элегантность и монументальность. Архитекторы, работавшие в стиле Арт-Деко умело сочетали в своем творчестве прямые линии, классику и симметричность, а также волнистость, которая возникает неожиданно при переплетении экзотики и некоторых мифических персонажей. Стиль этот показал миру новые образы, сочетая при этом абсолютно не сочетаемые вещи: эстетическую утонченность природы и буйную урбанистическую роскошь буржуазии.

 

Одним из известнейших архитекторов Арт-Деко во Франции был Робер Малле-Стивенс – он застроил в Париже целую улицу, которую назвали его именем. В США популярным архитектором рассматриваемого направления был Джозеф Урбан, который выстроил в стиле Арт-Деко павильоны на выставке «Век прогресса», проходившей в 1933 г. в Чикаго. Символом американского признания стиля стало здание Крайслер-билдинг в Нью-Йорке. В 1930-м г. Уильям ван Аллен построил этот небоскреб для знаменитого автомобильного концерна. На уровне 59-го этажа над городом парят эмблемы «Крайслера» – хромированные стальные головы орлов.

 

 

 


Улица Малле-Стивенс в Париже. Фото: 1927 г.

 

 

В России стиль Арт-Деко нашел отражение в архитектуре так называемого сталинского ампира, ярким примером которого являются московские высотки, построенные по образу и подобию американских небоскребов 1930-х гг. Конечно, советские мастера Арт-Деко этот термин никогда не применяли (возможно, по идеологическим соображениям), изобретая иные наименования − «пролетарская классика», «сталинский ампир» и др. Наиболее ярко московский вариант Арт-Деко проявился в работах В. А. Щуко, И.А. Фомина, Л.В. Руднева, Б.М. Иофана, Д.Ф. Фридмана, П.А. Голосова (Филичева Н.В. Арт Деко — стиль времени // Серия “Symposium”, Российская массовая культура конца XX века, Выпуск 15 / Материалы круглого стола 4 декабря 2001 г. Санкт-Петербург: Санкт-Петербургское философское общество, 2001. C.177).

 

 

 


Здание Министерства иностранных дел в Москве – одна из сталинских высоток

 

 

Необходимо отметить, что истоки стиля следует искать все же на европейском континенте. Именно здесь − в Австрии, Германии и Нидерландах в 1900-1910-х гг. были предприняты первые попытки синтезирования нового архитектурного стиля из художественного материала Арт-Нуво. В «суровом» культурном климате этих стран живописное фантазийное изобилие модерна в указанный период начинает подвергаться структурированию по законам классической прямолинейной симметрии. Эта тенденция ярко проявляется в работах архитекторов Чарльза Ренни Макинтоша, Йозефа Хоффмана, Коломана Мозера, Отто Вагнера, Йозефа Марии Ольбриха и венского ателье Wiener Werkstätte. Во многих произведениях той эпохи поэтика Арт-Нуво в интерьере соседствует с торжественностью архитектуры Арт-Деко.

 

 

 


Церковь Святого Леопольда в Вене. Архитектор Отто Вагнер. 1904-1907 гг.

 

 

В 1905-1911 годах в Брюсселе, в столице европейского Арт-Нуво, австрийский архитектор Й. Хоффман возводит особняк для бельгийского финансиста Адольфа Стокле, который впервые выводит на архитектурную авансцену «зарифмованную» геометрическую форму. Архитектор в сотрудничестве с мастерами ателье Wiener Werkstätte проектирует также все декоративные элементы и предметы обстановки интерьера: от мебели, разнообразных люстр и до столового серебра. Дворец Стокле известен также и своими уникальными мозаиками из мрамора, стекла и полудрагоценных камней, выполненными Леопольдом Форстнером по эскизам Густава Климта.

 

 

 


Дворец Стокле. Брюссель

 

 

После Первой Мировой архитектурный Арт-Деко мигрирует во Францию и там обретает свое законченное воплощение. Разрушенные во время Великой войны города восстанавливаются в эстетике Арт-Деко. Так в Реймсе на протяжении 1920-х гг. возводится множество частных и муниципальных строений: знаменитая своим роскошным убранством библиотека американского филантропа Эндрю Карнеги, церковь Св. Никасия, здание Промышленной палаты, вилла Андре Дуса и т.д. В Париже по проекту Альберта Лапраде строится музей колониальной истории и иммиграции – «Дворец золотых ворот», кинотеатр Le Grand Rex.

 

 

 


Парижский Le Grand Rex

 

 

После знаменитой парижской Международной выставки декоративного искусства и промышленности 1925 г., на которой, как говорилось выше, утвердилось официальное название этого стиля, он стал стремительно распространяться по всему миру: сначала по Европе – Бельгии, Португалии, Испании и Великобритании, затем проник в Северную Африку и все англо-саксонские страны (США, Канаду, Новую Зеландию, Индию, Филиппины и т.д.), и, наконец, подчинил себе вкусы центральных городов Мексики, Вьетнама, Китая и Японии. В США стиль Арт-Деко лег в основу течения Streamline Moderne, определившего архитектурную и интерьерную моду 1930-х гг.

 

Как указывалось ранее, в мире, в своем чистом виде, стиль Арт-Деко существовал недолго, всего 15 лет, до начала Второй Мировой войны. Но он оказал огромное влияние на дальнейшее развитие архитектуры – именно на его базе возник и развился как конструктивизм, так и современный постмодернизм.

 

Важно подчеркнуть, что в США Арт-Деко продержался дольше, чем в других странах и, развиваясь по своему особому уникальному пути, достиг значительных высот как в прямом, так и в переносном смысле – практически все знаменитые небоскребы первой половины прошлого столетия построены в стиле Арт-Деко. Американские архитекторы творчески развили основные принципы стиля, внеся в него присущую Новому свету монументальность и рациональную роскошь.

 

Особенностью Арт-Деко в США являются характерные элементы стиля, поднятые высоко над землей – часто главные архитектурные элементы дома можно заметить, только высоко подняв голову. Фасад многоэтажного дома может выглядеть простым и ровным вплоть до 20-го или даже 30-го этажей, а выше будет богато и затейливо декорирован.

 

Американские архитекторы периода Арт-Деко часто бывали преднамеренно скупы и прагматичны в оформлении фасадов, но расточительны и креативны в оформлении интерьеров: подъездов, холлов, коридоров, лифтов и вестибюлей, апартаментов, гостиничных номеров и офисов, затрачивая на это значительные средства, используя дорогие материалы и современные технологии, творческую фантазию и художественное мастерство.

 

Многие американские здания стиля Арт-Деко некоторым образом напоминают египетские пирамиды. По всей видимости, влияние на архитекторов оказывало то, что в 1922 г. весь мир потрясло открытие гробницы Тутанхамона. Архитекторы, строившие в стиле Арт-Деко тот час же увлеклись архитектурными мотивами Древнего Египта (пирамидами) и Месопотамии (зиккуратами).

 

Примечательно в этом отношении здание Мэдисон Белмонт, архитектура которого – классический Арт-Деко. В нем находится старый выставочный зал и офисы компании Cheney Silk Company в Нью-Йорке. Архитектор Уитни Уоррен из Warren & Wetmore, изучавший Арт-Деко непосредственно во Франции, снабдил свое детище великолепным входом, выполненным в соответствии с канонами стиля. Компания Cheney тоже имела тесные связи с Францией, откуда импортировала шелк, с которым впоследствии работала. Фасад проектировала французская металлургическая компания Ferrobrandt. Так здание Madison Belmont с 1925 г. стало первым знакомством жителей Нью-Йорка с Арт-Деко.

 

 

 


Здание Мэдисон Белмонт

 

 

Технические средства для строительства высотных зданий − стальные конструкции и железобетон − к моменту появления небоскребов в стиле Арт-Деко уже были хорошо освоены, «стильность» Арт-Деко придавали ступенчатые силуэты и неконструктивные декоративные элементы, а совсем не высота, новые материалы и технологии. Для стиля характерно также использование дорогих материалов и различных фактур, что объясняется стремлением обогатить фасады здания, в том числе и за счет применения природных материалов, не прибегая к использованию орнамента или специальных декоративных элементов.

 

В отличие от авангарда архитектурный стиль Арт-Деко не имел своей разработанной теории и методологии, у него не было какого-либо явного социального или политического обоснования, он, в первую очередь, был выражением духа эпохи через призму художественного восприятия. В то же время, отсутствие собственной теории или какой-либо явной социальной обусловленности Арт Деко породило проблему идентификации стиля, столь разнообразного формально и неоднозначного в своих прочтениях. Несмотря на указанные проблемы, основные элементы архитектуры Арт-Деко хорошо изучены и легко определимы, если знать его особенности, а еще лучше год возведения здания.

 

 

Арт-Деко в дизайне

 

 

Как указывалось выше, Арт-Деко начался с упоения архитекторов роскошью и орнаментом, но впоследствии изменил направление в сторону большей функциональности, когда чисто эстетические элементы начали соседствовать с исключительно практическими, утилитарными предметами. Функциональный дизайн Арт-Деко бы разработан и применен Баухаузом, во время, когда немецкие дизайнеры прибыли в Америку, спасаясь от преследований в фашистской Германии, и внесли свои идеи в американскую школу Арт-Деко. В 1930-40 гг. США охватила мода на «модерн» в стиле Арт-Деко. Обтекаемые силуэты новой мебели, в точности такой как в голливудских фильмах (ведь Голливуд первым ассимилировал новый стиль), пользовались огромной популярностью. Дизайнерские изделия в стиле Арт-Деко не делались вручную, зато был хорошо налажен выпуск огромного потока недорогих товаров (предметов интерьера), доступных почти каждому. Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов из гнутой фанеры. Ручки изготавливали из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака.

 

 

 


Буфет в стиле Арт-деко

 

 

В эпоху, когда развивался Арт-Деко в обществе назрела необходимость в многофункциональной компактной мебели. Именно такой компактный силуэт характеризует многие предметы, выполненные известным дизайнером Арт-Деко П. Т. Франклом. Прямоугольные очертания соотносятся в его творчестве с модернистскими направлениями, в то время как использование драгоценных пород дерева напоминает о традициях французских краснодеревщиков.

 

 

 


П. Т. Франкл. Письменный стол и книжный шкаф. 1928 г.

 

 


В 1933 году Марсель Бройер, будучи членом Баухауза, создал первый обтекаемый стул из стальных трубок. Его проект был задуман еще в 1928 г. Находясь под впечатлением от руля своего велосипеда, Бройер первым применил стальные трубки в производстве мебели. Свободнонесущая конструкция кресла, делающая ненужными ножки, для того времени была революционной. Популярность этой формы, некогда считавшаяся величайшим достижением конструкторов, привела к бесконечному ее повторению и копированию. Поэтому сейчас она выглядит совершенно обыденно. В некотором смысле, это кресло, изготовленное из хромированных стальных трубок, крашенного дерева и парусины, ознаменовало окончательный разрыв с традициями, конец эпохи Арт-Деко и приход «интернационального» стиля (Стерноу С. А. Арт Деко. Полеты художественной фантазии. М., 1997. С. 64).

 

 

 


Марсель Бройер, сидящий на созданном им стуле из стальных трубок

 

 

Главной чертой Арт-Деко в интерьере и дизайне – акцент на строгой геометрии. Четкие линии, ступенчатые формы, энергичные широкие линии, зигзаг в сочетании с обтекаемыми изгибами – здесь нет места природным мотивам и романтичным орнаментам. Еще один характерный элемент – имитация солнечных лучей, особенно часто воплощаемая в сияющих оправах круглых зеркал. Лак и глянцевая краска, полированное дерево и металл – в Арт-Деко все сияет и блестит. Обилие стекла и зеркал создает изысканную игру отражений. Причем дизайнеры, работавшие в этом стиле, использовали как большие зеркала в богатых рамах, так и зеркальную плитку и даже зеркальную мебель. Чем больше отражающих поверхностей, тем ближе был рассматриваемый образец к классическому Арт-Деко.

 

Развитие технического прогресса на пике популярности Арт-Деко привело к внедрению искусственных покрытий в отделке. Так стали появляться довольно дорогостоящие предметы интерьера из пластика, искусственного камня, синтетической ткани. Поэтому некоторое время стиль называли кричаще поддельным. Сегодня же такие материалы более доступны, чем натуральные, но внешне они довольно схожи. Конечно, ламинат легко отличить от паркета, но каменную поверхность можно и перепутать, поэтому современные дизайнерские решения в рассматриваемом стиле довольно популярны.

 

Вообще, Арт-Деко в дизайне отрицает какое-либо проявление аскетизма и минимализм, он часто ориентирован на идеалы прошлого с их роскошью и гармоничным сочетанием классических традиций художественного оформления с экзотическими и примитивистскими мотивами.

 

В текстильных решениях приоритет отдается гладким дорогим тканям с графическими принтами. Шелк, сатин, тафта, бархат, парча, натуральный мех в сочетании с золотом и зеркалами создают непередаваемую атмосферу роскоши и вечного праздника, столь характерную для Арт-Деко. Шкуры зебры и пони, слоновая кость, кожа рептилий, перламутр и другие экзотические материалы; восточные орнаменты, египетские мотивы – также являются характерными признаками стиля.

 

Черный и белый – основная цветовая палитра Арт-Деко, всегда актуальная, как знаменитый жакет от Шанель. Помимо монохромной гаммы Арт-Деко характеризуют яркие насыщенные «драгоценные» тона: золото, рубин, сапфир и изумруд.

 

Стены в исторических интерьерах, выполненных в стиле Арт-Деко, представляют собой ненавязчивый фон для изысканной мебели и скульптуры, поэтому обои с рисунком практически не использовались. Чаще всего присутствовали покрашенные однотонной краской стены с ярким трафаретным бордюром из геометрических фигур – окружностей, треугольников, прямоугольников, зигзагов. Один из самых популярных узоров 1930-х г. – так называемый египетский полукруг, символизирующий восходящее солнце. Цвет в Арт-Деко в основном мягкий, пастельный для стен и темный, почти черный для мебели. Яркие сочные цвета – оранжевый, зеленый, красный присутствуют по большей части в орнаментах.

 

Еще одна интересная особенность стиля – строгая симметрия. Интерьер всегда тщательно продуман, гармоничен и самодостаточен.

 

Интерьеры в стиле Арт-Деко представляют собой сложную многоуровневую систему освещения, задающую загадочную и волнующую атмосферу. Блестящие полированные светильники геометрических форм выполнялись из хромированной стали, меди, стекла.

 

Арт-Деко нередко называют авангардным и кубическим, экзотическим и кричаще безвкусным, шикарным и благородным. Кто-то считает, что это продолжение модерна, но, возможно, несколько штрихов этого стиля и не означает тесную связь между направлениями. Тем более что модерн имел в себе философию жизни с ее динамичностью, кроме того, это направление в искусстве продвигало социальную утопию. Сегодня Арт-Деко остается лишь стилем оформления интерьеров.

 

 

Автор: Грибулина А.

 

 

 

 

 

 

Понравилась статья? Отправьте автору вознаграждение:

РОСКОШНЫЙ АР-ДЕКО. Кино-путешествие в стиль

  /   Стиль и цвет

РОСКОШНЫЙ АР-ДЕКО. Кино-путешествие в стиль

Вместе с Натальей Зориной, декоратором и искусствоведом, мы путешествуем по стилям и кинофильмам.

01.11.2016, Стиль и цвет

Роскошь светской жизни

Стилистика Ар-деко, как и любой иной «тотальный» стиль, не сформировалась в один день. Квинтэссенцией идей, присущих этому стилю, стала Международная выставка декоративного искусства 1925 года.

Сам термин «Ар-деко» прижился намного позже – в 60 гг. Современники описывали характерные новинки дизайна по-разному: «модернизм», «джаз-модерн», «зигзаг». Объединяющим звеном всех стилистических изысков 20-30-х годов была их современность.

Кадр из фильма »Артист» (The Artist), 2011 год. Режиссёр: Мишель Хазанавичус. Наряду с радикальным функционализмом и неоклассицизмом, активно развивавшимися в данные годы, стилистика Ар-деко получила большее распространение также благодаря использованию современных технологий. Кроме того, Ар-деко, обладая эстетикой «машинного века», был весьма декоративен. Возможно, он был более меркантильным, чем модернизм в целом, это и вызывало критику со стороны современников.

Вот как описывает стилистику Канн 30-х годов писатель-юморист Осберт Ланкастер: «Обилие стекла персикового цвета, усыпанного как песком, неясным кубическим узором, настенной живописью с золотым фоном в манере Хосе Мария Серта и гобеленами, которым далеко до Люрса. На этом фоне парадом выступает невиданная коллекция пэров, сутенеров, повес, крупных магнатов, кинозвезд, модных манекенщиц, американских князей и супруг австралийских раджей».

Несмотря на такую оценку, Ар-деко был очень популярен в 20-30-х гг. прошлого века и, просуществовав вплоть до 40-х гг., позже находил своих поклонников в 80-е и 2000-е годы. Объяснением тому служит повсеместное распространение новой стилистики, ее международное признание. Родившись в Париже, своего апогея стилистика Ар-деко достигла в Нью-Йорке, в облике небоскребов Крайслер-Билдинг, Эмпаир-Стейт-билдинг, отеля «Астория» и мьюзик-Холла Радио-Сити. Кроме того, Ар-деко стал стилем, сумевшим объединить архитектуру, декоративное искусство и производство бюджетных товаров широкого спроса.

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман Характерными чертами данного стиля являются четкие, геометрические формы предметов интерьера и отделки в сочетании со стилизованными растительными орнаментами, использующимися как на барельефах, так и в обивке мягкой мебели.

Наличие этнических мотивов в изгибах мебели или рисунках тканей – следствие бурного интереса к искусству востока и Египта, волновавшее Европу после открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона.

Также для стиля Ар-деко характерно как обилие дорогих роскошных материалов и богатых фактур: редкие породы дерева и кожи, инкрустации, эмали, витражи, детали из латуни – так и аскетичных, стали или алюминия. Используемые ткани: шелк, бархат, изысканный сатин, парча, кожа и мех.

Цвет стиля – присутствует много охристых оттенков – золото во всем многообразии в сочетании с контрастным черным и цветом слоновой кости. Также уместны насыщенные винные оттенки, пурпурный, фиолетовый и темно-синий.

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман

Кадр из фильма »Жизнь в розовом цвете» (La môme), 2007год. Режиссёр: Оливье Даан.

Кадр из фильма »Полночь в Париже» (Midnight in Paris), 2011год. Режиссёр: Вуди Аллен.

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман

Кадр из сериала »Подпольная империя» (Boardwalk Empire). Режиссер: Тимоти Ван Паттен, Аллен Култер, Джереми Подесва.

Кадр из сериала »Подпольная империя» (Boardwalk Empire). Режиссер: Тимоти Ван Паттен, Аллен Култер, Джереми Подесва.

Кадр из сериала »Подпольная империя» (Boardwalk Empire). Режиссер: Тимоти Ван Паттен, Аллен Култер, Джереми Подесва.

Одним из символов Ар-деко является изображение солнца, обильное использование этого мотива отражено в зеркалах с расходящимися от центра лучами в многочисленных орнаментах и декоре.

Остальные орнаменты имеют явную геометрическую синхронность: различные зигзаги, квадраты со скругленными углами, круги и шевроны.

Часто встречается стилизованное изображение фортепианных клавиш – от геометрической формы до контрастных черно-белых изображений. Так называемая «стремительная троица» – три линии, расположенные на одинаковом расстоянии друг от друга, – также характерная черта декора.

В целом, данный стиль можно охарактеризовать как дорогой, комфортный и элегантный. Это, безусловно, функциональные интерьеры, в которых изысканная отделка сочетается со всеми новинками технического прогресса.

Кадр из фильма »Полночь в Париже» (Midnight in Paris), 2011год. Режиссёр: Вуди Аллен.

Кадр из сериала »Подпольная империя» (Boardwalk Empire). Режиссер: Тимоти Ван Паттен, Аллен Култер, Джереми Подесва.

Кадр из фильма »Великий Гэтсби» (The Great Gatsby), 2013 год. Режиссёр: Баз Лурман


Получайте полезные рассылки от WilliZ

Ар Деко | Ecletti

Стиль, который уходит и возвращается

Каждая эпоха отличается поиском своего эстетического идеала, а определенный период – поиском особого ритма, который бы наилучшим образом отображал ход времени. Нередко облик текущих реалий основывается на упрощении прошлых традиций и создании чего-то нового, но не менее сложного. Снимая новые мерки для «идеального кроя» современности, история создает неожиданные образы, в которых текущая действительность уже оказывается за рамками традиции, становясь чем-то новым не только в отношении прошлого, но и в отношении своего времени.
Вряд ли этот стиль был сразу принят или даже понят. Его расценивали как «причудливое выражение моды», называли «поддельно-роскошным» и даже ассоциировали с фильмами noir. Это был некий интеллектуальный эпатаж, который проявил подлинную суть стиля как такового.

Состаренное зеркало в стиле Ар Деко от Arte Veneziana (стилизация по мотивам Serge Roche)

Неповторимый синтез искусств, дикой экзотики, архаичных артефактов и джазовых ритмов.
Наиболее эклектичный, не растиражированный и роскошный.
Стиль, который уходит и возвращается, –
«Модернистик», «Джаз Модерн», «Зигзаг Модерн», «Стиль Пуарэ», belle epoque, или просто –
Ар Деко.

Коллекция «Luna» от Giorgio Collection (living)

Сохранив дисциплину композиционной симметрии, но заменив орнаменты и плавучие линии конструктивными формами и беспокойным темпом, период Ар Деко предложил свой эстетический идеал.
«Официально» дефиниция «Art Deco» возникла в период известной парижской выставкой 1925 года – «Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industries Modernes».

«Все работы должны быть современными, и никакие исторические стили не позволяются» – это были главные правила выставки, в то время как ее основная тематика была сосредоточена на том, чтобы показать дизайн интерьеров «в новом стиле». Французские дизайнеры представили роскошную мебель, освещение, ковры, изделия из стекла и керамики, текстиль и другие аксессуары. Новыми источниками вдохновения становились современная живопись и скульптура, оригинальная интерпретация неоклассической мебели и мода, а также сенсационные на то время балеты Дягилева.

Павильон Рульманна

Новый стиль не был чем-то «статичным» и однородным, он не имел определенной «униформы» – казалось, будто он «коллекционировал» разные и часто противоречащие друг другу стили, сочетая модернистские направления, дорогие материалы и лучшие ремесленные традиции. Дизайн изделий отличался геометрией кубистов, колористикой фовистов, экзотическими мотивами индийской культуры, египетского искусства и древними архаическими формами. Дизайнеры вдохновлялись идеями «высокой моды» того времени, что нередко выражалось в новой геометрии, использовании мотива шеврона, зигзагов, ломаной линии и других элементов. Также эстетика Ар Деко была основана на технологических новшествах того времени – речь идет об активном развитии машиностроения и появлении океанских лайнеров. Интеграция дизайна и экспериментальных форм машиностроения привела к возникновению эстетики аэродинамических объемов и направления «Streamline».

Rembrandt Bugatti, «Panthère marchant» (1904)

Но неотъемлемой частью дизайна интерьеров «в новом стиле» становится использование эксклюзивных, редких материалов. Сложный «крой» Ар Деко удивительным образом поместил роскошные материалы в модернистские формы, освободив дизайн от строгой функциональности. Стиль Ар Деко главным образом был ориентирован на моду и выражение индивидуальности: каждый мог выбрать для себя то, что бы соответствовало его эстетическим предпочтениям, вкусу и статусу. Также концепция стиля Ар Деко может быть дополнена мыслью Nancy Troy о том, что «дизайнеры того времени сознательно стремились к менее «согласованной» эстетике, в которой разнообразие цвета, текстуры и формы – отображали разобщенный характер и беспокойный темп, которые наиболее ассоциировались с опытом современной урбанистичной жизни».
Весь мир был ошеломлен подобной выходкой дизайна. В скором времени Ар Деко становится влиятельным направлением начала ХХ века, а к 30-м годам – набирает популярность во всем мире. Этот стиль быстро выходит за рамки исключительно предметного дизайна, и становится неподражаемым культурным феноменом, который уходит и возвращается, оставаясь актуальным вне своего времени.

Жак-Эмиль Рульманн. Кресло

Ар Деко и мода: «Моде необходим тиран»

Этот период кардинально изменил представление о моде. «Трехмерный» образ женщины, похожей на изваяние, переходит в плоскость «двухмерной абстракции». «Моде необходим тиран» – провозгласил Поль Пуаре. Объемные платья были сняты, а женщина становилась стройной и могла проявить свою чувственность. Ее изящный  силуэт становился «восточным мифом». Женщина теперь могла проявить индивидуальность — как в стиле, так и в образе жизни.

Sorbet, a skirt and tunic (1912). Fancy Dress Costume (1911). Evening Dress (1910). Opera Coat (1912). (via V&A; via The Metropolitan Museum of Art)

Платья Поля Пуаре были скроены по мотивам греческого хитона или японского кимоно – это были фасоны одежды, основанные на форме прямоугольника. Шелка Пуаре отличались простыми узорами из розовых и серебристо-белых нитей, которые напоминали лучистые лепестки на черном фоне, и были ограничены лишь повторением упрощенных ромбовидных и округлых форм. Смелые и противоречивые сочетания цвета были вдохновлены экспрессивной сценографией Русских балетов 1910 года, а именно – «Шехерезады». Поль Пуаре вводит в моду женские «гаремные» штаны, создает «тунику-абажур» и изысканный тюрбан. Также его эскизы были основаны на свободе движения и более тесном взаимодействии между одеждой и телом. В то время это было шокирующим явлением.

Кроме того, дизайнер акцентировал на том, чтобы одежда гармонировала с обстановкой интерьеров. В оформлении каталогов того времени можно было увидеть, что выбор платьев гармонировал со стульями, портьерами, коврами и обоями и другими деталями интерьера. Молодые художники «вместо того, чтобы сделать искусство модным, превратили моду в искусство» (журнал «Vogue», 15.06.1914). Отметим также, что именно на парижской выставке был создан павильон «Элеганс», где были представлены работы женщин-кутюрье – Мадам Пакен, сестер Калло, Мадлен Вионне, Габриэль Шанель.

Ар Деко и архитектура

В это период были созданы наиболее узнаваемые и «знаковые» здания. Речь идет о нетрадиционной архитектурной эстетике, которая была создана для того чтобы показать престиж “через высоту, форму, цвет и драматическую иллюминацию в ночное время”. Речь идет о небоскребах.

«Chrysler Building» (фрагмент)

«Chrysler Building» (1927-1930, William Van Allen) становится «иконой» архитектуры в стиле Ар Деко. Вершина этого здания «коронована» стальным шпилем (который становится стилизованным мотивом «sunburst») и декорирована стальными горгульями (элемент готической архитектуры). Chrysler Building также является уникальным образцом архитектуры того времени, поскольку это – одно из первых зданий в мире, для внешнего оформления которого так интенсивно используется металл.

«Chrysler Building»

В интерьере лобби мы можем увидеть красный марокканский мрамор (оформление стен), для оформления напольного покрытия использовались оникс и окрашивание с применением сиены. Египетские мотивы в декорировании лифтов сочетаются с фресками Эдварда Трамбалла (изображение технического прогресса и деятельности человека).

«Chrysler Building» (интерьер)«Chrysler Building» (детали лифта)

Это была некая квинтэссенция уникального синтеза интерьера и архитектуры, предметного дизайна и инновационных технологий того времени, подлинных ремесленных традиций и безошибочного чувства стиля.

Palais de la Porte Dorée (1931)

Одним из наиболее ярких примеров архитектуры Ар Деко во Франции становится здание Palais de la Porte Dorée (1931, Albert Laprade, Léon Jaussly, Léon Bazin). Внешний фасад был полностью покрыт барельефами со сложными сюжетами, а интерьер лобби отличался уникальным паркетом с удивительными геометрическими узорами, стены же были декорированы фресками Луи Буке.

Palais de la Porte Dorée (интерьер)Palais de la Porte Dorée (фрагмент внешних барельефов)

Еще одной знаковой тенденцией периода Ар Реко был уникальный дизайн кинотеатров, которые создавались для того, чтобы вместить большую аудиторию. В 20-е годы в оформлении кинотеатров нередко использовались экзотические элементы. Например, дизайн театра Grauman’s Egyptian Theatre (1922) был вдохновлен формами египетских пирамид, а в интерьере огромного зала мы можем увидеть удивительную стилизацию на мотив «sunburst» (расходящихся солнечных лучей).

Grauman’s Egyptian Theatre (1922)Grauman’s Egyptian Theatre (1950-е)Grauman’s Egyptian Theatre

Сцена Radio City Music Hall (1932) была быстро переоборудована в здание кинотеатра, который был рассчитан на более чем 6-тысячную аудиторию. Над созданием его интерьера работал Donald Deskey. Уникальный дизайн этого кинотеатра был создан с использованием алюминиевых и хромированных поверхностей, инновационного на то время бакелита и кожи. Это было особое помещение, созданное для «красочного побега от реальности».

Radio City Music Hall

Bryant Park Hotel (1924, Raymond Hood и André Fouilhoux) является одним из наиболее загадочных небоскребов. До 1998 года это здание называлось «American Radiator Building». Архитектура этого небоскреба отличается уникальным сочетанием готики и современного направления.

Bryant Park Hotel (1924)

Облицовка фасадов выполнена с применением черного кирпича (что символизировало «уголь») – это создавало эффект массивности здания. Остальные части фасада были декорированы кирпичом с золочением, что создавало особый изысканный контраст, а также символизировало «огонь». В оформлении центрального входа мы можем увидеть мрамор и черные зеркала.

Bryant Park Hotel (детали фасада)

Появление океанских лайнеров стало еще одним уникальным феноменом ХХ века (30-е годы). Кроме внешней эстетики, особое значение имели интерьеры, которые создавались под стать лучшим отелям мира. Например, настоящими легендами стали лайнеры «Normandie» (1932) и «Queen Mary» (1935).

«SS Normandie»

Это были «корабли-небоскребы» или «плавучие замки». О процессе создания интерьеров «Нормандии» говорили, что «в таком количестве» французские художники-декораторы собирались только на парижской выставке в 1925 году. Вскоре возникла вовсе неожиданная тенденция – роскошные отели всего мира начали «подражать» интерьерам лайнера «Normandie».

SS Normandie (the Dinning Room)«SS Normandie» (The Grand Salon, «History of Navigation» mural panels by Jean Dupas)

Нередко форма предметов мебели также могла напоминать дизайн современных автомобилей. В связи с этим в период ар деко возникает новое направление, основанное на эстетике аэродинамических объемов. Речь идет о стиле океанских лайнеров, или «Streamline Moderne», или «Streamline», который был известен во Франции как «Style Paqueboat» или «Ocean Liner Style». Скругленные углы и продолговатые горизонтальные линии, усиленные бетонные конструкции, обтекаемые формы – становятся главными чертами архитектуры этого периода.

Первые интерьеры в стиле Ар Деко

Новый стиль не отрицал ремесленных техник прежнего стиля, поэтому нередко дизайн мебели в стиле Ар Деко был основан на оригинальной ре-интерпретации Ар Нуво. Так, в работах Армана Альбера Рато плавучие лиственные формы были упрощены до спиралей или арабесок, а хрупкие контуры изящных оленей были «настолько же не такими, как и блуждающие изгибы ар нуво». Арман Альбер Рато создавал эксклюзивные изделия из бронзы, дизайн которых отличался особым флером старины и мотивами египетского искусства.

«Dressing Table» (1925) Armand-Albert Rateau (via The Metropolitan Museum of Art)

Для изготовления предметов мебели в этот период используются эксклюзивные материалы – эбеновое дерево, панцирь черепахи и кожи рептилий, инкрустации слоновой костью, комбинации зеркальных, стеклянных и хромированных поверхностей.
Квинтэссенцией первых интерьеров в стиле Ар Деко являются «Grand Salon» Эмиля Рульманна и «Курительная комната» Дюнана. Эмиль Рульманн представил «Hôtel du Collectionneur», или «Отель Коллекционера» – это была некая отдельная структура, которая состояла из нескольких интерьеров.

Жак-Эмиль Рульманн, «Hôtel du Collectionneur» (Salle à manger)

Интерьер «Grand Salon» был создан в комнате овальной формы с высотой потолков выше 6 метров. Композиция огромной люстры, которая напоминала фонтан, состояла из концентрических колец и бесчисленных «лент из стеклянного бисера».

Жак-Эмиль Рульманн, «Grand Salon» («Hôtel du Collectionneur»)

Напротив камина был размещен монументальный буфет, который создал Жан Ламбер-Рюкки в мастерской Жана Дюнана. Для этого изделия были характерны ступенчатые контуры, глянцевые лакированные поверхности, гравировка «hendgehog» с мотивами анимализма и массивный облик.

Буфет, дизайн от Jean Lambert-Rucki, мастерская Jean Dunand — для Ruhlmann’s «Grand Salon» («Hôtel du Collectionneur»)

Центральным объектом комнаты было пианино в отделке Macassar ebony. Изгибы изделия по контурам были созвучны с формой опорных элементов, инкрустированных слоновой костью. Над мраморным камином можно было увидеть огромную картину «Les Perruches» (Жан Дюпа), на которой были изображены женские образы. Некоторые девушки были вовсе оголенными, некоторые – частично одетыми, либо накрытые тяжелыми атласными простынями или парчовыми тканями. На заднем плане был изображен пейзаж с пышными фруктами, листвой и весьма пухлыми птицами. Картина была не просто декоративным предметом в интерьере, a дополняла обстановку: например, цветовая гамма полотна гармонировала с мраморными текстурами камина. Эта картина будто олицетворяла тот облик изобилия и чувственного удовольствия, великолепия и роскоши, которые составляли внутреннее содержание интерьера Grand Salon.

«Grand Salon» Жак Эмиль Рульманн. Пианино

Более сложным и необычным был интерьер «Курительной комнаты», дизайн которой создал Жан Дюнан. Это была квадратная комната «со скошенными углами», что создавало форму восьмигранника. Композиция многоярусных ступенчатых потолков была похожа на пирамиду, или ассоциировалась с формой зиккурата. Общая тональность интерьера усиливалась лакированной отделкой стен в глубоком черном оттенке.

«Smoking Room» by Jean Dunand

Потолок же был окрашен в серебристый цвет с контрастными угловыми акцентами в красном цвете. В центре комнаты были расположены квадратный стол и кресла, геометрия которых была проявлена с помощью черных контуров в отделке композиционных элементов. В оформлении дверного проема можно было увидеть облицовку с абстрактными узорами. Интерьер «Курительной комнаты» отличался геометрической строгостью и некой «формальной элегантностью».

«Smoking Room» by Jean Dunand«Smoking Room» by Jean Dunand (настенные панели с абстрактными геометрическими узорами)

Для этой обстановки был характерен особый ритм и взаимосвязь между архитектурой пространства и мебели. Усиленное чувство прямых линий не имело ничего общего с чувственными формами природы, а общая тональность олицетворяла ощущение «психологической удаленности, мало чем отличаясь от чего-то отчужденного».

Детали в стиле Ар Деко

Жан Дюнан также был известен тем, что создавал уникальные вазы «dinanderie». Эти аксессуары, как правило, изготавливали из меди или латуни, а затем декорировали с помощью разных техник патинирования и нанесения эмалей. Если раньше с помощью техники «repoussé» мастера воссоздавали рельефные формы и узоры по мотивам флористики, то Дюнан экспериментировал с органическими формами, которые отличались уже более правильными контурами, а иногда это были даже классические пропорции или архаические узоры, основанные на простых геометрических элементах и ритмичном их повторении.

Jean Dunand, Ovoid vase (1925)Мы можем видеть пару монументальные ваз Жана Дюнана, которые были впервые представлены на Парижской выставке в 1925 году. На фото – интерьер Grand Salon в резиденции Ив Сен-Лорана.

В 1912 году Жан Дюнан начинает экспериментировать с техниками нанесения лака на деревянные и металлические поверхности, обучаясь у японского мастера Seizo Sugawara. Это была очень кропотливая работа, в результате которой удавалось создать уникальные аппликации и сложные слоистые поверхности с поразительной тонкостью. Отметим, что уникальные изделия были созданы в коллаборации «Жан Дюнан и Эжен Притц». Эжен Притц также изготавливал эксклюзивные изделия, декорированные металлическими аппликациями с уникальными художественными деталями.

Jean Dunand, Eugène Printz. Бар (фото via Drouot)

Среди общих работ Дюнана и Притца – узнаваемы эксклюзивные комоды и ширмы с мотивами японского, африканского и восточного искусства в сочетании с абстрактными геометрическими узорами, экзотическими пейзажами, птицами и животными. Для этих изделий нередко характерны смелые оттенки, аппликации в технике «яичная скорлупа» (broken eggshell inlay), что контрастировало с отполированными поверхностями.

«Panther» (Jean Dunand, Paul Jouve, 1924), The Metropolitan Museum of Art

Жак-Эмиль Рульманн экспериментировал с неоклассическими формами мебели. Это была виртуозная работа с использованием наиболее редких материалов. Например, это древесина амбойны (amboyna) из Лаоса, Macassar ebony из Индонезии, инкрустации слоновой костью, шагрень. Рульманн показал, как использовать кожу акулы, ската или игуаны в качестве ценных инкрустаций. А также он впервые продемонстрировал сочетания классики и конструктивизма, использовал комбинации стекла, металлических поверхностей и хромированных покрытий. Рульманн проявил текстуру редкой древесины в качестве самостоятельного композиционного элемента.

Буфет «Chariot» (1919, Macassar Ebony, Махагони, слоновая кость, мрамор Portor). Жак-Эмиль РульманнЖак-Эмиль Рульманн, Буфет (никелированная сталь, стекло, оникс, зеркальные поверхности)

Эрте, которого еще называли «эльфом Ар Деко», ввел в моду этого стиля бронзовые скульптуры. Такие изделия он изготавливал в уникальной манере с применением холодного или горячего патинирования, филиграни и чеканки, золочения, удивительных эмалей и драгоценных материалов. Эрте создал новые составы и оттенки, применяемые в патинировании, – это «Verdi green» и «Mauve». Все свои бронзовые статуэтки он создавал в технике «утраченного воска», которая использовалась еще в Древнем Китае. Известно, что главным его излюбленным образом была женщина – зыбкая, тонкая, нежная… будь то ассирийская принцесса или греческая богиня, робкая рабыня или редкая птица…

Erté. «Opening Night». «L’Amour du vin». «Deco». «Je l’aime». «Ecstasy».

Ар деко и Русские Балеты

Любой разговор о периоде ар деко будет неполным без упоминания еще одного культурного феномена – «Русских балетов» Дягилева, которые в свое время «перевернули Францию». Как однажды написал Анри Геон, это было «чудо восхитительного равновесия между движениями, звуками и формами». Начиная с премьеры 1910 года, балеты Дягилева стали уникальным явлением, отправной точкой которого был некий абсолют в поиске новых форм. Балет как таковой превратился в синтез искусства танца, актерского мастерства, живописи и сценографии. Танец становился «живым проявлением театральной декорации».

Вацлав Нижинский, «Синий Бог» («Le dieau Bleau». Париж, 1912)

Декорации и костюмы для балетов Дягилева создавали культовые художники того времени – Пабло Пикассо, Андре Дерена, Анри Матисс, Антуан Певзнер, Габриэль Шанель, Поль Пуаре и другие.

Costume for the Chinese Conjuror from Parade, designed by Pablo Picasso, 1917. Victoria & Albert Museum, Lomdon (image via V&A)

Беспрецедентная хореография основывалась на эксперименте с танцевальными формами Нижинского, а Мясин – добавил специфические «ломанные и вычурные формы». Нота как таковая была освобождена от понятия «лада» и «тональности», что позволило воплотить в балете эксперимент с ритмом.

Нижинский, «Послеполуденный отдых фавна» (1912)

Неоднозначно воспринятым явлением стала хореография Нижинского – с приземленными движениями, которые нарушали устоявшееся представление о сольном мужском танце. Речь идет о совершенно новой пластике, или «эуритмике», которая больше напоминала «театр поз», нежели классический балет. Так, в балете «Послеполуденный отдых фавна» (1912) появился «неподходящий фавн», с «отвратительными движениями», которые больше напоминали жесты «эротической животности» (Гастон Кальмет, Le Figaro от 30. 05.1912). Он говорил о присутствии «животной действительности» вместо подлинного балета.


Но Огюст Роден констатировал, что Нижинский «никогда еще не был так хорош”, а именно – «нет больше никаких танцев, никаких прыжков – ничего, кроме положений и жестов полусознательной животности». «Он идет скорченный, выпрямляется, отступает движениями то медленными, то резкими, нервными, угловатыми. Его глаза дрожат, он протягивает руки… и поворачивая голову он продолжает выражать желание с намеренной неуклюжестью, которая кажется естественной. Форма и мимика – неразрывно связаны с его телом…» (Le Figaro, 31.05.1912).

Нижинский, «Послеполуденный отдых фавна» (1912)

Таким образом, этот «неподходящий фавн» показал архаичный жест – спонтанный, импровизированный и интенсивный. Настолько же примитивный и несдержанный, как и первобытный жест настоящего фавна «в состоянии сладострастного пыла». Он не был выдумкой, он был реальным.

NIJINSKI (1912), скульптура Огюста Родена (via Musée Rodin)

Декорации балетов Дягилева также повлияли на моду. Если же это был балет «Шехерезада», то Париж погружался в аутентичную восточную атмосферу – с экзотичными нарядами, полуобнаженными телами и яркими цветовыми сочетаниями. Так, становятся популярными шаровары и тюрбаны, насыщенные ярко-оранжевые оттенки, сочно-голубые, глубокие зеленые цвета.

Вера Фокина, «Шеререзада» (1910)

Даже цветовая гамма в постановках Дягилева была подобрана таким образом, чтобы цвет обретал собственный ритм – дикий, животный, спонтанный и непредсказуемый – первобытный. Цвет будоражил воображение зрителя, вызывая спонтанные эмоции.
Балеты Дягилева наилучшим образом показали душу эпохи Ар деко – первобытную, незнакомую, экзотичную, дикую. Поэтому часто такой интерьер вызывает смятение – ведь он обладает собственным ритмом – ломанным и несогласованным, а его атмосфера – древняя и современная, первобытная и роскошная одновременно.

Атмосфера Ар Деко

Стиль Ар Деко ориентирован на эклектику. Поэтому нередко сначала такие интерьеры не производили впечатления целостной композиции, а ассоциировались больше со скоплением ценных вещей. Это воспринималось как «павильон коллекционера» или «ателье художника». Но атмосфера Ар Деко выражала абсолютный гедонизм – удовольствие и возможность «наслаждаться жизнью здесь и сейчас». Таким интерьерам свойственна некая театральность, сценический жест и даже гротескные формы. Например, кресла или стулья с нарочито вытянутыми, очень высокими спинками – это классика Ар Деко.

Коллекция «Ellelux» от Lanpas (мы можем видеть пару стульев с «вытянутыми» высокими спинками)

Этому стилю свойственна экспрессивность и некий иррациональный подтекст, который проявляется в специфическом сочетании разных фрагментов реальности – как в натуральном виде, так и «парадоксально деформированном». Атмосфера Ар Деко строится на контрасте и наслоении ритмов, состояний статики и динамики, которые постоянно замещают друг друга. Поэтому для этого стиля характерна некая фрагментарность – фрагментарность восприятия такой атмосферы и пребывания в ней. Тем не менее, такой интерьер несет важное эмоционально-психологическое содержание – ведь он позволяет полностью дистанцироваться от индустриализации и проникнуться эстетикой, которая выражает индивидуальность в высшей мере.

Коллекция «Belle Epoque» от Soher
Источники Ар Деко

Дикая экзотика, а именно образы и формы животных, – является одним из основных источников стиля Ар Деко. Любые элементы анимализма олицетворяют особую пластику, воплощение разных состояний в материале. Например, это может быть состояние покоя или стремительного движения. Без такого элемента этот стиль не был бы «самим собой». Поэтому в интерьере Ар Деко присутствуют скульптуры диких животных (пантер, ягуаров, бизонов, ланей, птиц, образы оленей и другие).

Коллекция «Animals» от Ceramiche Trea

Также анимализм выражен и в использовании шкур диких животных, кожи рептилий и других ценных инкрустаций. Нередко отделка обеденного стола, бара или комода – может быть выполнена с применением таких материалов. Либо же мы можем видеть обивку стульев или кресел с использованием «окраски» тигра (например, это может быть искусственный мех в такой расцветке).

Жак-Эмиль Рульманн. Банкетка (Macassar Ebony, серебрение)

Стилистика сценографии балетов Дягилева, а именно – эскизы костюмов и декорации Леона Бакста – оказали огромное влияние на интерьеры Ар Деко. Нередко такая обстановка напоминает не столько стиль интерьера, сколько – определенный «жест». Геометрия Ар Деко устроена таким образом, что любые ритмы и гармония на первый взгляд кажутся – хаотичными и несогласованными, ломанными, но при этом жест Ар Деко в интерьере – всегда выражен в виде уникальной композиции с определенным внутренним содержанием.

«Decò» от Smania. Прямоугольная декоративная панель с деревянным обрамлением wengè. (Коллекция Master Collection)

Ритмы джаза, мотив клавиш рояля («черное-белое») – также становятся ключевой особенностью атмосферы Ар Деко. Джаз представляет собой синтез европейской и африканской культур, поэтому нередко такая музыка кажется импровизированной, состоящей из изощренных, неровных ритмов, которые основаны на смещении, несовпадении ритмических акцентов. «Пунктирный» ритм джаза задает специфическую внутреннюю динамику в интерьере Ар Деко, что проявляется не только во внутренней атмосфере, но и во внешних элементах.

Коллекция «Art Deco» от Vismara

Так, мы видим присутствие «клавиш рояля», или применение редких видов древесины с уникальными текстурами «в полоску» (палисандр, макассар, зебрано), либо чередование черного и белого, черного с золотом, черного с серебром – это обязательно будут контрастные полосы, которые занимают автономную позицию в интерьере, либо же присутствуют в декоре предметов мебели. Также «ритмы джаза» в интерьере Ар Деко будут подкреплены многочисленными контурами, обрамлениями, пунктирами.

Коллекция «Next Deco» от Arte Veneziana. Буфет. Лакированная древесина Ebony и черное стекло с гравировкой ручной работы (серебро)

Поэтому следует отметить еще одну специфическую черту ар деко – это «рамочность» и «контурность», которые присутствуют повсюду, – даже в оформлении декоративной шкатулки. Поверхность любого предмета – как будто состоит из контуров, обрамлений и контрастных по цвету линий, которые повторяются в заданном ритме. Такие элементы обязательно будут дополнены ступенчатыми формами – например, это может быть ступенчатое основание изделия (стола, комода, шкатулки и др.), перегородки или торцевые элементы изделий. Этот элемент происходит от формы «зиккурата» – многоступенчатого сооружения, которое было типичным для шумерской, ассирийской и вавилонской архитектуры.

«Femme Bras Levés» от Lalique (хрусталь и Black Ebony)

Еще один обязательный элемент любого интерьера Ар Деко – это мотив «sunburst», или образ «расходящихся солнечных лучей». Как правило, этот мотив используется в композиционном оформлении зеркал или изголовья кроватей. Полосы, линии любой формы (прямые, вертикальные или заостренные) – расходятся пышным каскадом лучей под разными углами, что как будто «взрывает» и останавливает причудливые, постоянно повторяющиеся и смещенные «джазовые» ритмы интерьера.

Состаренное зеркало в стиле Dèco по мотивам Serge Roche — от Arte Veneziana

Влияние древних культур и примитивных искусств значительно влияет на стилеобразование Ар Деко. Например, это могут быть египетские, африканские и ацтекские мотивы, элементы крито-микенской культуры. Нередко в интерьере Ар Деко можно увидеть аутентичные аксессуары: это могут быть африканские маски, статуэтки, вазы, текстиль с особыми орнаментами и другие ремесленные изделия.

орнаменты световых панно из коллекции «Glass Eyes» от Vismara
Геометрия Ар Деко

В то же время, Ар Деко прекрасно сочетает элементы живописи экспрессионистов, сюрреалистов, постимпрессионистов – с формами примитивных искусств, элементов стиля ампир и эстетикой аэродинамических объемов, вдохновленной дизайном океанских лайнеров, локомотивов и автомобилей. То есть, речь идет не только о синтезе искусств, но о слиянии совершенно противоположных культурных явлений.
Колористика фовизма привносит в атмосферу ар деко особую «дикую» выразительность, основанную на контрасте, чистоте и резкости цвета. «Фацеточные», или граненые формы кубистов – проявляются в особой геометрии Ар Деко. Это в некоторой степени геометризиррованные условные формы, эффект «раздробленности» объектов, который переходит в более сложную парадигму.

Кофейный столик «Gerard» от Epoca

Круги и эллипсы, зигзаги, квадраты и прямоугольники, трапеция, линия – энергично чередуются, накладываются друг на друга, образуя единый «пунктирный ритм». Граненные, фацеточные и кристаллические формы, трапеции – присутствуют в архитектонике предметов мебели и аксессуаров. Трапециевидное основание обеденного стола или консоли – это классика Ар Деко. Особая геометрия этого стиля также проявляется за счет использования редких видов древесины: так, уникальные природные фактуры макассар, палисандра, зебрано – позволяют проявить в обстановке зигзаги и ромбы.

Коллекция «Luna» от Giorgio Collection (dinning)

Интенсивность цвета и текстур, контрасты, графичность линий и контуров, блеск стали и хромированных поверхностей, сопоставление хроматических плоскостей – все эти сложные переходы позволяют наиболее отчетливо проявить геометрию Ар Деко, задав общую тональность джазовым ритмам. А расходящиеся солнечные лучи от зеркала, сверкание драгоценных камней, теплые оттенки золота и анималистичные мотивы – уравновешивают и смягчают этот сложный темп. Изгиб дикой кошки или грациозное движение лани, лепесток экзотического цветка – каждая из этих деталей проявляется в полной мере, открывая новые грани лабиринта Ар Деко.

Arte Veneziana. Деталь буфета. Лакированная отделка древесины Ebony и черное стекло с гравировкой в серебре.
Мебель в стиле Ар Деко

Сегодня известные мировые бренды представляют прекрасные коллекции мебели или аксессуаров, выполненных в манере Ар Деко, либо с элементами этого стиля. Например, это эксклюзивная мебель от Lalique. Или же это изысканные коллекции «Panther» и «Belle Epoque» от Soher. Коллекция «Privilege Collection» от Fimes также отличается особой эстетикой Ар Деко. Фабрика Giorgio Collection является одной из немногих, кто представляет уникальные коллекции в манере Ар Деко, полностью выдерживая каноны этого стиля и адаптируя его к современности (линейки «Daydream», «Absolute», «Paradiso», «Luna», «Coliseum» и др.). Бренд Lanpas представил коллекции «Ellelux» и «Blue Diamond» с элементами этого стиля. Изделия, выполненные в манере Ар Деко, мы можем увидеть в коллекциях фабрики Arte Veneziana («Next Déco»). Также речь идет об уникальной репродукции бара Рульманна — с центральной гравюровкой, основанной на рисунках Alfred Janniot.

Arte Veneziana. Бар. Репродукция изделия Рульманна с гравировкой по рисункам Alfred Janniot.

Бренд Vismara представляет уникальные системы для домашних кинотеатров и эксклюзивную мебель, в которой присутствуют элементы Ар Деко – это удивительный декор в виде примитивных орнаментов и пирамидок, изысканные цветовые контрасты и особая композиционная организация (коллекции «Eyes», «Art Deco», «Piramid»). Epoca представляет роскошные коллекции мебели в стиле Ар Деко, которые отличаются особой геометрией и эксклюзивными материалами (коллекции “Ebony”, “Art Deco”).

Коллекция «Piramid» от Vismara (фрагмент декоративных пирамидок)

 

Коллекция «Panther» от SoherЖак-Эмиль Рульманн

Author: Marina Schultz

Источники, использованные для написания эссе:

  • David Raizman. A History of Modern Design: Graphics and Productions Since the Industrial Revolution
  • Charlotte & Peter Fiell. Design of the 20th Century
  • John Pile. A history of interior design, 2nd edition
  • Софиева Н. Дизайн интерьера: стили, тенденции, материалы.
  • Erik Knowles. Art Deco
  • Koda, Harold, and Andrew Bolton. “Paul Poiret (1879–1944)” In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art (September 2008)
  • Harold Koda and Andrew Bolton, with contributions by Nancy J.Troy. Poiret (2007)
  • New York Architecture. Chrysler Building
  • Le Figaro, 30 May 1912 // Gallica BnF
  • Le Figaro, 31 May 1912 // Gallica BnF

Источники фотографий:

  • Первое фото: Erté, «Realy for the Ball» // Erté
  • Состаренное зеркало в стиле Ар Деко от Arte Veneziana (стилизация по мотивам Serge Roche) // Arte Veneziana
  • Коллекция «Luna» (living) от  Giorgio Collection // Giorgio Collection
  • Коллекция «Ellelux» от Lanpas // Lanpas
  • Коллекция «Belle Epoque» от Soher // Soher
  • Коллекция «Animals Collection» от Ceramiche Trea // Ceramiche Trea
  • «Decò» от Smania. Прямоугольная декоративная панель с деревянным обрамлением wengè. (Коллекция Master Collection) // Smania
  • Коллекция «Art Deco» от Vismara // Vismara
  • Коллекция «Next Deco» от Arte Veneziana. Буфет. Лакированная древесина Ebony и черное стекло с гравировкой ручной работы (серебро) // Arte Veneziana
  • Femme Bras Levés Bar от Lalique (хрусталь и Black Ebony) // Lalique
  • орнаменты световых панно из коллекции «Glass Eyes» от Vismara // Vismara
  • Кофейный столик «Gerard»от  Epoca // LuxDeco
  • Коллекция «Luna» от Giorgio Collection (dinning) // Giorgio Collection
  • Arte Veneziana. Деталь буфета. Лакированная отделка древесины Ebony и черное стекло с гравировкой в серебре // Arte Veneziana
  • Arte Veneziana. Бар. Репродукция изделия Рульманна с гравировкой по рисункам Alfred Janniot // Arte Venrziana
  • Коллекция «Piramid» от Vismara (фрагмент декоративных пирамидок) // Vismara
  • Коллекция «Panther» от Soher // Soher
  • International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts: The Art Deco Exposition (Arthur Chandler)
  • Rembrandt Bugatti, «Panthère marchant» // Rembrandt Bugatti Sculpteur
  • Jacques-Émile Ruhlmann — мебель и редкие фото // Ruhlmann — About the master Art Deco furniture designer
  • Поль Пуаре: Heilbrunn Timeline of Art History. Paul Poiret (1879–1944) // The Metropolitan Musem of Art
  • Поль Пуаре: Introduction to 20th-Century Fashion // Victoria and Albert Museum
  • Поль Пуаре: Business of Fashion Fashion History – Paul Poiret // Eco Fashion Talk
  • Поль Пуаре: Paul Poiret (1879-1944) // The Red List
  • Armand-Albert Rateau, «Dressing Table» (1925): Dressing Table. Armand-Albert Reteau.Work of Art. Heilbrunn Timeline of Art History // The Metropolitan Musem of Art
  • Жак-Эмиль Рульманн, «Hôtel du Collectionneur», Salle à manger // L’histoire par l’image.
  • Жак-Эмиль Рульманн, «Hôtel du Collectionneur», Piano // Maxime Old
  • Жак-Эмиль Рульманн, «Grand Salon» // Art Deco Style
  • Буфет, дизайн от Jean Lambert-Rucki, мастерская Jean Dunand — для Ruhlmann’s «Grand Salon» («Hôtel du Collectionneur») // Ruhlmann — About the master Art Deco furniture designer
  • «Smoking Room» by Jean Dunand: Laquered smoking room, Ambassade Francaise, Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925 //ARCHITECTURE.COM by RIBA
  • «Smoking Room» by Jean Dunand (настенные панели с абстрактными геометрическими узорами): Unique and important pair of wall-panels, designed for the smoking room // MutualArt
  • Jean Dunand, Ovoid vase (1925) // Galerie Marcilhac
  • Пара монументальных ваз Жана Дюнана, которые были впервые представлены на Парижской выставке в 1925 году. На фото – интерьер Grand Salon в резиденции Ив Сен-Лорана: Revisiting Yves Saint Laurent’s Paris Apartment // Architectural Digest
  • Jean Dunand, Eugène Printz. Бар (фото via Drouot) // Drouot
  • «Panther» (Jean Dunand, Paul Jouve, 1924): Panther // The Metropolitan Museum of Art
  • Erté. Скульптуры // Erte. Sculpture
  • Вацлав Нижинский, «Синий Бог» («Le dieau Bleau». Париж, 1912): Diaghilevs Russian Seasons // Viola.bz
  • Costume for the Chinese Conjuror from Parade, designed by Pablo Picasso (1917): Diaghilev and the Ballets Russes. Victoria & Albert Museum, London // V&A
  • Нижинский, «Послеполуденный отдых фавна» (1912): The New York Public Library Digital Collections // NYPL Digital Collections
  • Вера Фокина, «Шеререзада» (1910): Diaghilevs Russian Seasons // Viola.bz
  • NIJINSKI (1912), скульптура Огюста Родена (via Musée Rodin) // Musée Rodin
  • «Chrysler Building» (фрагмент): Chrysler Building, Detail of the stainless steel roof, New York City, USA // History of Architecture and Urbanism in New York City
  • «Chrysler Building» // Cogent
  • «Chrysler Building» (детали лифта) // 6sqft NYC real estate and architecture news
  • «Chrysler Building» (интерьер) // Jake Rajs
  • Palais de la Porte Doreé (1931) // Cyril Sancereau
  • Palais de la Porte Doreé (interior) // Association Artistique et Culturelle de Villemomble AACV
  • Grauman’s Egyptioan Theatre (1922) // Historic Hollywood Photograph Collection
  • Grauman’s Egyptioan Theatre (1950-е) // SFO Museum
  • Grauman’s Egyptioan Theatre // Cinema Series, Franck Bohbot
  • Radio City Music Hall // The New Yourk Pass Blog
  • Bryant Park Hotel (1924) // Tablet
  • Bryant Park Hotel (детали фасада) // Luxury Dream Hotels
  • «SS Normandie» // Arzamas
  • «Normandie» interiors (The Grand Salon and The Dinning Room) // The Magazine Antiques. Celebrating the ‘Decodence’ of the SS Normandie.

Ар-деко — концепции и стили

Начало ар-деко

К концу 19 -го -го века во Франции многие известные художники, архитекторы и дизайнеры, сыгравшие важную роль в развитии стиля модерн стиль признал, что он становится все более устаревшим . В конце века, когда произошла промышленная революция, современная жизнь сильно изменилась по сравнению с несколькими десятилетиями ранее. Пришло время для чего-то нового, чего-то, что кричало бы «20 -й век» со стильных модернистских крыш.

Общество художников-декораторов Франции

Стремясь двигаться в новый век в ногу с инновациями, а не ностальгией, группа французских художников-новаторов сформировала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs (Общество художников-декораторов). художников-декораторов). В состав группы входили как известные деятели, такие как дизайнер и гравер в стиле модерн Эжен Грассе, так и архитектор в стиле модерн Эктор Гимар, а также начинающие художники-декораторы и дизайнеры, такие как Пьер Шаро и Франсис Журден. Французское государство поддерживало и поощряло это направление художественной деятельности.

Одной из основных целей новой группы было бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая отводила художникам-декораторам более низкий статус, чем более классическая живопись и скульптура. Известно высказывание Журдена: «Поэтому мы решили вернуть декоративному искусству, с которым бесцеремонно обращались как с Золушкой или с бедной родственницей, допущенной к трапезе со слугами, на то важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во все времена». из стран земного шара.» План крупной выставки, представляющей новый вид декоративно-прикладного искусства, был первоначально задуман для 1914 года, но его пришлось отложить до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам отложить до 1925 года.

Выставка, которая официально открылась движение

Французское правительство, устроившее выставку между эспланадой Златоглавого Дома Инвалидов и входами в Малый и Большой Дворцы по обеим сторонам Сены, стремилось продемонстрировать новый стиль. На выставке представили свои работы более 15 000 художников, архитекторов и дизайнеров. За семь месяцев выставки более 16 миллионов человек посетили множество отдельных экспонатов. Эта выставка стала катализатором начала движения.

Ар-нуво и ар-деко

Арт-деко был прямым эстетическим и философским ответом стилю модерн и более широкому культурному феномену модернизма. Ар-нуво начал выходить из моды во время Первой мировой войны, поскольку многие критики считали, что сложные детали, тонкий дизайн, часто дорогие материалы и методы производства этого стиля не подходят для сложного, неустроенного и все более механизированного современного мира.В то время как движение ар-нуво черпало свои замысловатые, стилизованные формы из природы и превозносило достоинства ручной работы, эстетика ар-деко подчеркивала обтекаемость машинного века и гладкую геометрию.

Ар-деко и модернизм

Международная выставка объединила не только работы в стиле ар-деко, но и поместила изделия ручной работы рядом с образцами авангардной живописи и скульптуры в таких стилях, как кубизм, конструктивизм, баухаус, де стиль и футуризм. . К 1920-м годам ар-деко был буйным, но в значительной степени мейнстримным, противовесом более интеллектуальной эстетике Баухауза и Де Стейла.Все трое разделяли акцент на чистых, четких линиях как организующем принципе дизайна. Практикующие ар-деко использовали технологические инновации, современные материалы и механизацию и пытались подчеркнуть их в общей эстетике самого стиля. Практики также заимствовали и учились у других модернистских движений. Ар-деко стали ценить поклонники, которые шли в ногу с дальновидными перспективами современных авангардных движений. По иронии судьбы, модернистская живопись и скульптура играли на выставке второстепенную роль, за исключением советского павильона и павильона Ле Корбюзье Esprit Nouveau .

Ар-деко после Великой депрессии

Начало второй фазы ар-деко совпало с началом Великой депрессии. На самом деле строгость может быть основной эстетикой как по прагматическим, так и по концептуальным причинам для этого второго развития ар-деко. В то время как архитектура ар-деко, например, была вертикально ориентирована с небоскребами, взбирающимися на высокие высоты, более поздние здания в стиле ар-деко с их в основном неукрашенным экстерьером, изящными изгибами и горизонтальными акцентами символизировали прочность, спокойное достоинство и устойчивость.В худшие годы экономической катастрофы, с 1929 по 1931 год, американский ар-деко перешел от следования тенденциям к их установлению.

Streamline Moderne

Streamline Moderne стал американским продолжением европейского движения ар-деко. Помимо серьезных экономических и философских влияний, эстетическим источником вдохновения для первых структур Streamline Moderne были здания, спроектированные сторонниками движения «Новая объективность» в Германии, которое возникло в результате неформального объединения немецких архитекторов, дизайнеров и художников, сформировавшегося в начале XX в. -20 век.Художников и архитекторов Новой Объективности вдохновлял тот же трезвый прагматизм, который заставлял сторонников Streamline Moderne устранять излишества, в том числе эмоциональность экспрессионистского искусства. Архитекторы новой объективности сосредоточились на создании структур, которые можно было бы рассматривать как практичные, отражающие требования реальной жизни. Они предпочли, чтобы их проекты адаптировались к реальному миру, а не заставляли других приспосабливаться к непрактичной эстетике. С этой целью архитекторы New Objectivity даже первыми внедрили технологию сборных домов (помогая быстро и эффективно разместить бедняков Германии).

Архитектура Streamline Moderne, лишенная орнамента, отличалась чистыми изгибами, длинными горизонтальными линиями (включая полосы окон), стеклянными кирпичами, окнами в виде иллюминаторов и цилиндрическими, а иногда и морскими формами. Больше, чем когда-либо, особое внимание уделялось аэродинамике и другим проявлениям современных технологий. Более дорогие и часто экзотические материалы ар-деко были заменены бетоном, стеклом и хромированной фурнитурой в Streamline Moderne. Цвет использовался умеренно, так как не совсем белый, бежевый и землистые тона заменили более яркие цвета ар-деко. Стиль был сначала представлен архитектуре, а затем распространен на другие объекты, подобно традиционному стилю ар-деко.

Ар-деко назван задним числом

Первоначально термин «ар-деко» использовался уничижительно известным недоброжелателем, архитектором-модернистом Ле Корбюзье, в статьях, в которых он критиковал стиль за его орнаментацию, характеристику, которую он считал ненужной. в современной архитектуре. В то время как сторонники стиля приветствовали его как упрощенный модернистский ответ на чрезмерное украшение, особенно по сравнению с его непосредственным предшественником, модерном, поскольку любое украшение было для Ле Корбюзье излишним.Только в конце 1960-х годов, когда интерес к этому стилю возродился, термин «ар-деко» был положительно использован британским историком искусства и критиком Бевисом Хиллером.

Ар-деко и США

В США восприятие стиля ар-деко развивалось по другой траектории. Герберт Гувер, министр торговли США в то время, постановил, что американские дизайнеры и архитекторы не могут выставлять свои работы на Международной выставке, поскольку он утверждал, что страна еще не придумала отчетливо американский стиль искусства, который был бы удовлетворительно «достаточно новым». .В качестве альтернативы он отправил делегацию во Францию, чтобы оценить предложения на выставке, а затем применить увиденное к современному американскому художественному и архитектурному стилю. В контингент эстетических эмиссаров, посланных Гувером, были важные фигуры из Американский институт архитектуры, Метрополитен-музей и The New York Times . Миссия вызвала почти немедленный бум художественных инноваций в США

К 1926 году уменьшенная версия французской ярмарки под названием «Избранная коллекция предметов». из Международной выставки «Современное, промышленное и декоративное искусство» путешествовал по многим Ю.S. городов, таких как Нью-Йорк, Кливленд, Чикаго, Детройт, Сент-Луис, Бостон, Миннеаполис и Филадельфия. Американские всемирные выставки в Чикаго (1933 г.) и Нью-Йорке (1939 г.) широко демонстрировали дизайн в стиле ар-деко, в то время как Голливуд принял эстетику и сделал ее гламурной по всей стране. Даже такие американские корпорации, как General Motors и Ford, построили павильоны на Всемирной выставке в Нью-Йорке.

Среди самых известных примеров американского стиля ар-деко — небоскребы и другие масштабные здания.Фактически, американская итерация ар-деко в проектировании зданий была названа зигзагообразным модерном из-за его угловатых и геометрических узоров в виде сложных архитектурных фасадов. Однако в целом американский ар-деко часто менее декоративен, чем его европейский предшественник. Помимо четких линий и сильных изгибов, смелых геометрических форм, насыщенных цветов и иногда богатого орнамента, американская версия более урезана. По мере того как важные влияния, такие как новая объективность и международный стиль архитектуры, а также серьезные экономические неудачи конца 1920-х и начала 1930-х годов начали оказывать влияние на эстетику ар-деко, стиль стал гораздо менее щедрым.Например, это преобразование может быть символизировано заменой золота хромом, перламутра бакелитом, гранита бетоном и т. д.

Американский стиль ар-деко развивался как торжество технического прогресса, включая возрождение веры в социальный прогресс. По сути, эти достижения можно было бы считать отражением национальной гордости. В 1930-х годах при Управлении прогресса работ Рузвельта (WPA) многие из созданных работ были в стиле ар-деко, от муниципальных структур, таких как библиотеки и школы, до массивных публичных фресок.WPA была призвана дать толчок послевоенной экономике США, создав рабочие места на общественных работах, и стремилась служить обществу, создавая рабочие места и прививая американские ценности в дизайне. Таким образом, использование американского ар-деко привело к выражению демократии через дизайн. Некоторые материалы, часто используемые в творчестве ар-деко, были дорогими и поэтому недоступными для среднего человека. Однако использование недорогих или новых материалов позволило производить широкий ассортимент доступных товаров и, таким образом, по-новому привнесло красоту в общественную сферу.Арт-деко вдохновил на дизайн и производство множества предметов — от обложек журналов и красочной рекламы до функциональных предметов, таких как столовые приборы, мебель, часы, автомобили и даже океанские лайнеры.

Глобальный рост ар-деко

Стиль ар-деко прижился в самых разных столицах мира, таких как Гавана, Куба, Мумбаи и Джакарта. Гавана может похвастаться целым районом, построенным в стиле ар-деко. Железнодорожная система лондонского метро в значительной степени включает этот стиль. Порт Шанхая содержит более пятидесяти сооружений в стиле ар-деко, большинство из которых были спроектированы венгром Ласло Худеком.От военных памятников до больниц, города, такие как Сидней и Мельбурн в Австралии, также впитали феноменальный стиль.

Ар-деко: концепции, стили и тенденции

Основные визуальные характеристики ар-деко основаны на повторяющемся использовании линейных и геометрических форм, включая треугольные, зигзагообразные, трапециевидные и шевронные формы. Подобно своему предшественнику, ар-нуво, когда представлены такие объекты, как цветы, животные или человеческие фигуры, они сильно стилизованы и упрощены, чтобы соответствовать общей эстетике ар-деко.Характер и степень стилизации, упрощения или упрощения варьируются в зависимости от региональной версии стиля. Например, такая фигура, как The Firebird (1922) французского дизайнера Рене Лалика, элегантно стройна и ослаблена, в то время как Atlas Ли Лори (1937) за пределами Рокфеллеровского центра является прочным и крепким с подчеркнуто линейной мускулатурой, хотя оба являются считаются прекрасными представителями стиля деко.

В соответствии с акцентом движения на современные технологии художники и дизайнеры ар-деко использовали современные материалы, такие как пластик, бакелит и нержавеющая сталь.Но когда требовался всплеск богатства и утонченности, дизайнеры использовали более экзотические материалы, такие как слоновая кость, рог и шкура зебры. Как и в случае с ар-нуво и движениями «Искусство и ремесла», стиль ар-деко гораздо меньше применялся к традиционно высокопоставленным формам визуального искусства: живописи и скульптуре.

Дизайн

Стиль ар-деко оказал свое влияние на графику таким образом, что в нем прослеживается влияние итальянского футуризма с его любовью к скорости и обожанием машин. Художники-футуристы использовали линии для обозначения движения, известные как «усы скорости», которые выходили из-под колес быстро движущихся автомобилей и поездов. Кроме того, практикующие ар-деко использовали параллельные линии и сужающиеся формы, которые предполагают симметрию и обтекаемость. На типографику повлияло международное влияние ар-деко, и шрифты Bifur, Broadway и Peignot сразу же вызывают в памяти этот стиль.

С точки зрения изображения, простые формы и большие области сплошного цвета напоминают японские гравюры на дереве, которые стали основным источником влияния для западных художников, особенно во Франции, после окончания изоляционистского периода Эдо в 1868 году.Последующий приток искусства из Японии в Европу оказал огромное влияние. В частности, художники нашли в формальной простоте гравюры на дереве образец для создания своих собственных отчетливо современных стилей, начиная с импрессионизма.

Мебель

До конца 1920-х годов авангардный дизайн мебели во Франции представлял собой в основном вариации стиля модерн, но упрощенные и менее криволинейные. По прошествии десятилетия Эмиль-Жак Рульманн стал выдающимся дизайнером мебели (у Рульмана был собственный павильон на выставке 1925 года).В то время как его проекты были в основном вдохновлены изделиями 18 9005-го -го века, выполненными в неоклассическом стиле, он устранил большую часть орнамента, по-прежнему используя экзотические материалы, предпочитаемые дизайнерами в стиле модерн, такие как красное дерево, черное дерево, палисандр, слоновая кость и панцирь черепахи. . Конечно, его произведения часто были слишком дорогими, чтобы их мог приобрести кто-либо, кроме самых богатых.

В отличие от роскошных проектов Рульмана, которые, казалось, сочетали в себе стили ар-нуво и ар-деко, дизайнером мебели в стиле ар-деко во Франции был Жюль Лелеу.Он был традиционным дизайнером, пока новый стиль не вытеснил ар-нуво, и известен дизайном большой столовой Елисейского дворца в Париже и роскошными каютами на палубе первого класса элегантного парохода «Нормандия».

В отличие от Лелеу и Рулмана, Ле Корбюзье был сторонником очень урезанной, лишенной орнамента версии стиля ар-деко, часто создавая мебель, подходящую для строгих интерьеров собственных архитектурных сооружений. Его намерением было разработать прототипы, особенно стульев, которые можно было бы производить серийно и, следовательно, сделать доступными для более широкого рынка.Также следует отметить, что дизайн интерьера известной достопримечательности Нью-Йорка, Radio City Music Hall, выполненный Дональдом Дески, является прекрасным примером дизайна мебели в стиле американского ар-деко, который до сих пор сохранился в своем первоначальном виде.

Архитектура

Архитектура в стиле ар-деко характеризуется резкими, часто богато украшенными конструкциями, подчеркнутыми блестящими металлическими акцентами. Многие из этих зданий имеют вертикальный акцент, построенный таким образом, чтобы привлекать взгляд вверх. Прямоугольные, часто блочные формы расположены геометрически, с добавлением шпилей на крыше и / или изогнутых декоративных элементов для создания обтекаемого эффекта.Небоскребы Нью-Йорка и здания Майами в пастельных тонах считаются одними из самых известных американских образцов, хотя этот стиль использовался в самых разных строениях по всему миру.

В Соединенных Штатах Управление прогресса работ помогло архитектуре в стиле ар-деко стать мейнстримом. Интересно, что слияние ар-деко и классицизма изящных искусств, наблюдаемое во многих общественных работах эпохи депрессии, стало известно как PWA Moderne или Depression Moderne.

Более поздние разработки — после ар-деко

Ар-деко вышел из моды в годы Второй мировой войны в Европе и Северной Америке, а суровость военного времени сделала этот стиль всегда безвкусным и декадентским.Металлы использовались для изготовления вооружений, а не для украшения зданий или внутренних помещений. Мебель больше не считалась статусным объектом. Дальнейшие технологические достижения позволили удешевить производство основных потребительских товаров, вытеснив потребность и популярность дизайнеров в стиле ар-деко.

Движение, которое во многих отношениях стремилось оторваться от прошлого, теперь стало ностальгической, любимой классикой. С 1960-х годов наблюдается постоянный интерес к этому стилю. Отголоски ар-деко можно увидеть в дизайне модерна середины века, который продвигает обтекаемую эстетику деко и пересматривает чистую простоту Баухауза. Деко также вдохновил Memphis Group, движение дизайна и архитектуры, сосредоточенное в Милане в 1980-х годах. Мемфис также черпал вдохновение из поп-арта и китча в качестве источников для своих красочных, сознательно постмодернистских дизайнов.

Период ар-деко — стиль ар-деко 1920-х и 1930-х годов —

Стиль ар-деко и его влияние от Чарльза Ренни Макинтоша до Йозефа Хоффмана, Кларисы Клифф и Ле Корбюзье.

Всегда популярный стиль ар-деко – это архитектурный и декоративно-прикладной стиль, популярный с 1910 по 1940 год.

Арт-деко характеризуется сильно стилизованными природными и геометрическими формами и орнаментами, которые обычно строго симметричны.

Выдающимися американскими примерами ар-деко являются Крайслер-билдинг и Радио-сити-мюзик-холл в Нью-Йорке.

Некоторые из самых значительных художников века, такие как Пабло Пикассо, Фернан Леже, Соня Делоне и Василий Кандинский, создавали работы в стиле ар-деко, как и многие дизайнеры мебели, текстиля, украшений и рекламы.

В парке Бальбоа здание Форда (ныне Аэрокосмический музей) является примером промышленного дизайна в стиле ар-деко.

Высокая круглая башня покрыта синими ребрами, разделяющими гигантские зубья шестерни. Намек на зубчатое колесо и отсылка к прогрессу человечества за счет механизации.

Архитектор Уолтер Тиг спроектировал здание как «Выставочный завод» для Калифорнийско-Тихоокеанской международной выставки 1935 года.

Темы ар-деко часто представляли собой классические мотивы, сведенные к геометрическим стилизациям.

Эдгар Брандт украсил кованые экраны симметричными фонтанами; Эмиль Рулман инкрустировал шкафы из черного дерева слоновой костью, чтобы изобразить цветочные композиции с геометрической точностью; Рене Лалик запечатлел в хрустале или матовом стекле такие сцены, как грациозно шагающая самка с волкодавом или газелью; а Жан Пуифорка и Даум изображали абстрактные геометрические формы.

Термин ар-деко был придуман в 1960-х годах, когда возродился интерес к этому стилю, и был получен из L’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes.

Эта парижская выставка 1925 года стала промежуточным этапом в развитии ар-деко и стала окончательным отображением стиля. В то время арт-деко также был известен как «модерн» или «модерн»; позже его назвали «Джазовый паттерн» или «Модерн небоскреба».

В то же время развивался интернациональный стиль в архитектуре, который после 1925 г. существенно повлиял на завершающую фазу ар-деко.

Наряду с кубистической живописью и немецкой школой Баухаус работа Ле Корбюзье и других архитекторов международного стиля привела к переходу от более ранней, более декоративной фазы ар-деко к более простому и смелому подходу, типичному для 1930-х годов.

Арт-деко возник как реакция на модерн.

Двумя предшественниками стиля ар-деко были Чарльз Ренни Макинтош из Шотландии и Йозеф Хоффманн из Вены.

Оба мужчины были реформаторами излишеств стиля ар-нуво, и их работы около 1900 года были указанием на то, что должно было появиться в следующие несколько десятилетий.

Строгий Дворец Стокле в Брюсселе (1905-1911) Гофмана с его мозаичными фресками Густава Климта был удивительно передовым для своего времени и ознаменовал собой переход от ар-нуво к ар-деко.

В 1903 году Хоффман основал Wiener Werkstatte, мастерскую, в которой были созданы одни из самых ранних дизайнов в стиле ар-деко.

В 1910 году эти понятия были представлены в Париже на луврской выставке декоративно-прикладного искусства из Мюнхена и Вены.

На выставке был представлен новый стиль, основанный на упрощении неоклассического стиля бидермейера начала XIX века и крестьянского искусства, или народного творчества, которое было почти антитезой модерну.

Еще одно знаменательное событие произошло в Париже в 1910 году; Представление Русского балета Сержа Дягилева «Шахерезада».

Леон Бакст состряпал восточные декорации и костюмы в ослепительных, варварских тонах; это вызвало спрос со стороны мира моды на экзотику, на который ответил кутюрье Поль Пуаре.

В 1912 году Пуаре создал собственную школу дизайна Atelier Martine, чтобы расширить свои идеи в стиле ар-деко.

К 1920-м годам эффект кубистической живописи в стиле ар-деко был замечен в рекламе и дизайне товаров.

Коко Шанель использовала кубистические цвета и формы в создании женской одежды, которую она украшала украшениями в стиле ар-деко.

Африканская скульптура и искусство древних египтян и юго-западных американских индейцев оказали свое влияние на ар-деко в этом десятилетии, как и архаичное греческое искусство.

После 1925 года влияние Баухауза и интернационального стиля вывело ар-деко на заключительный этап развития, отражающий индустриальную эпоху.

Достижение примирения искусства и машинного производства, которое беспокоило художников и дизайнеров с начала промышленной революции.

Предметы коллекционирования в стиле ар-деко являются одними из самых популярных среди всех дизайнов 20-го века.Не только за красоту, но и за изысканное качество изделий.

Объяснение стиля ар-деко: с 1920 года до сегодняшнего возрождения

Содержание Контекст и происхождение ар-деко

В начале 20 века ар-деко охватывал архитектуру, ювелирные изделия, дизайн мебели и многое другое. Тем не менее, это направление декоративно-прикладного искусства по-прежнему очень влиятельно и сегодня, вдохновляя дизайнеров, художников и архитекторов по всему миру!

Статьи по теме: Искусство века в 26 мощных течениях – 20 современных художников, которых вы должны знать – Искусство как активизм: откройте для себя 20 политических художников – 15 знаковых произведений искусства в стиле ар-деко

Ар-деко — вневременное направление в декоративном искусстве, зародившееся в начале 20 века.Это оказало постоянное влияние на многие различные области на протяжении многих лет. На самом деле, рожденный как праздник прогресса, капитализма и машин, ар-деко до сих пор оказывает сильное влияние на многие области.

В этом художественном стиле столько всего…

Что такое ар-деко?

Стиль ар-деко впервые появился примерно в 1908 году. Он быстро распространился по Западной Европе в 1920-х годах и в Соединенных Штатах в 1930-х годах. Стиль ар-деко стал чрезвычайно популярным, распространившись на различные художественные дисциплины.С этого момента, хотя он и был признан отдельным стилем только в 60-х годах, он повлиял на изобразительное и декоративное искусство, моду, архитектуру, фильмографию и дизайн продукции.

Первое появление ар-деко обычно связано с « Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes », которая проходила во Франции в 1925 году. Однако ар-деко по-настоящему рассматривался как отдельный стиль только в 1960-х годах с возрождением капитализма и торговли.Взяв за основу школу Баухаус, движение искусств и ремесел и модерн, цель этого движения состояла в том, чтобы поднять декоративное искусство в соответствии с функциональной эстетикой.

Однако знаменитый архитектор Ле Корбюзье был одним из первых, кто описал этот новый стиль как «деко», поскольку он контрастировал с его проектами. Фактически, проекты школы Баухаус были чрезвычайно упрощены и функциональны, и в них были устранены все декоративные и орнаментальные аспекты.

В стиле ар-деко созданы предметы, отражающие современный прогресс, представляющие современный взгляд на традиционные декоративные ремесла.. Его внимание было сосредоточено не на изобразительном искусстве, а на прикладном искусстве, как функциональном, но также красивом и роскошном.

 

Тамара де Лемпицка, «Автопортрет в зеленом Bugatti», 1929 год. Via Widewalls.

Откройте для себя все доступные работы Тамары де Лемпицка.

Контекст и происхождение ар-деко

Незадолго до Первой мировой войны промышленное производство в Европе быстро росло. Этот период также ознаменовал собой последние годы Belle Époque, где господствовала эстетика ар-нуво.Когда модерн вышел из моды, возникла потребность в другом стиле. Инновационные инструменты, материалы и методы производства вызывали растущий интерес к возможностям, которые они могли предложить. Люди были настроены оптимистично, обращаясь к достижениям последних лет и переосмысливая современную жизнь. Это привело к тому, что эти новые методы стали центральными.

Поскольку технологии и дизайн становятся все более доминирующими и доступными в повседневной жизни, это движение сделало декоративное и индустриальное в своей основе, демонстрируя интерес к продуктам, изготовленным машинным способом.

 

Эмиль Жак Рульманн, стол, 1923 г., предоставлено Музеем Виктории и Альберта © Музей Виктории и Альберта, Лондон, 2021 г.

 

Как узнать этот стиль?

Каковы основные характеристики стиля ар-деко?

Можно утверждать, что ар-деко нельзя рассматривать как единый стиль. Охватывая украшения в стиле ар-деко, мебель в стиле ар-деко, архитектуру в стиле ар-деко и даже стиль живописи и скульптуры в стиле ар-деко, это чрезвычайно широкое движение, которое объединяет различные влияния из комбинации различных источников.Фактически, это было описано как «Пастиш».

Ар-деко был непосредственно вдохновлен цветами фовизма и формами кубизма, конструктивизма, баухауза, де стиля и футуризма. В частности, эта «стилизация» стилей имеет особенно сильную связь с кубистскими произведениями искусства с геометрическими формами, сильными углами и яркими цветами.

Кроме того, помимо сочетания исторических европейских течений и современного авангарда, он также заимствовал русские балеты, традиционное народное искусство, иконографию и мотивы различных культур.

В частности, художники ар-деко заимствовали древние мотивы, особенно из египетской культуры после открытия гробницы Тутанхамона в 1922 году. Фактически, глядя на предметы, рисунки, гравюры и произведения искусства, созданные в этот период, мы можем четко распознать декоративные узоры из Египта. , месопотамское, азиатское, месоамериканское и африканское искусство.

Несмотря на множество различных влияний и отсылок, Арт-деко имеет четко узнаваемую эстетику, прямо отсылающую к городским образам эпохи машин.Взяв за основу различные движения, он отражает скорость, время и пространство, используя смелые геометрические формы и яркие оттенки.

Предметы, созданные машинным способом, стали основным источником вдохновения для ар-деко благодаря простым поверхностям, симметричным композициям и повторяющимся темам. Особенности произведений искусства в стиле ар-деко отражали те, которые обычно приписываются механическим объектам и серийному производству. Однако изделия в стиле ар-деко редко производились серийно.

Арт-деко славится тем, что простота воспринимается как роскошь.Это был праздник прогресса в соответствии с современной эстетикой, представляющей 20 век.

Основное внимание уделялось декоративным элементам: геометрии, симметрии, непрерывным вертикальным линиям, фрагментарным формам и абстракции – декоративным элементам с простыми формами и формами с четкими геометрическими линиями.

 

Дизайн сэра Эдварда Брантвуда Мауфе и изготовление У. Роуклиффа, письменный стол, 1925 г., предоставлено Музеем Виктории и Альберта © Музей Виктории и Альберта, Лондон, 2021 г.

 

Арт-деко по своей сути был орнаментальным и декоративным. Тем не менее, поскольку он был тесно связан с другими художественными движениями и даже принимал различные культурные влияния, чистые формы ар-деко, яркие насыщенные цвета и использование дорогих материалов демонстрируют тесную связь с разрывом модернизма с прошлым.

Прежде всего, ар-деко явно отражал потребность в том, чтобы его рассматривали отдельно от такого же декоративного движения ар-нуво . Разделяя акцент на декоративном и второстепенном искусстве, в чем разница между ар-деко и ар-нуво?

Ар-деко vs.Модерн

Ар-деко — это ответ на стиль модерн. Это реакция, но также и ее близкий родственник.

Для стиля модерн характерны извилистые, плавные формы. Он стремился имитировать Природу через органические формы. В противоположность этому философский и эстетический разрыв с природой отстаивали художники ар-деко. Произведения искусства в стиле ар-деко были разработаны, чтобы отражать линии, формы и формы предметов машинного производства. Это стало центральным элементом эстетики ар-деко: вместо того, чтобы возвышать Природу, продвигал Машину.

Отдельная форма ар-нуво, характеризующаяся природными элементами и плавными мотивами, эта новая эстетика была более смелой и более индустриальной, становясь все более популярной на международном уровне. Хотя ар-деко продолжал использовать органические мотивы, такие как цветы, животные или человеческие фигуры, как ар-нуво, он их стилизовал.

В целом, отражая общий сдвиг в сторону потребительства и серийного производства, ар-деко был дизайнерским движением, которое затронуло каждую творческую среду.

Ар-деко в разных областях

Дизайн в стиле ар-деко для дома

Этот стиль декоративного искусства придал новый модный вид обычным вещам, особенно в 1920-х годах. Это возвышало декоративность часов, стульев, стаканов и керамических чайников.

Принимая во внимание понятия удовольствия, гламура, роскоши и эскапизма, дизайнеры мебели в стиле ар-деко исследовали роскошные поверхности и материалы, создавая уникальные экземпляры.Мебель в стиле ар-деко включает промышленные элементы, такие как алюминий, хром или более дорогие материалы.

Предметы представляли собой контрасты с гладкими полированными поверхностями ярких, но минимальных контрастных цветов. Они подчеркивали современность и дополняли строгий вид зданий, построенных в то время.

Известный французский дизайнер мебели в стиле ар-деко Эмиль Жак Рульманн (1879-1933) был особенно известен своими элегантными линиями и деревянным шпоном. Жак Эмиль Рульманн, считающийся экспертом в высококачественных интерьерах ручной работы, которые он называл своими «драгоценными предметами», использовал высококачественную древесину, сочетая различные поверхности и объединяя громоздкие изогнутые формы. Его проекты были гладкими, геометрическими и элегантными.

Сэр Эдвард Моф также внес значительный вклад в эту область. Одним из творений британского архитектора и дизайнера стал письменный стол. Стол ручной работы из красного дерева с поверхностью из белого золота, с деталями из слоновой кости, камня и шелка.Роскошь в стиле ар-деко, которая по-прежнему несет промышленные и декоративные отсылки.

 

Дизайн Эрика Слейтера и производство Shelley Potteries, чайный сервиз Vogue, 1930 г., предоставлено Музеем Виктории и Альберта © Музей Виктории и Альберта, Лондон, 2021 г.

 

Мода в стиле ар-деко

Ткани в стиле ар-деко, аксессуары в стиле ар-деко, ювелирные украшения в стиле ар-деко… Этот художественный стиль, проникнув в повседневную жизнь, оказал невероятно сильное влияние на моду 1920-х и 1930-х годов.

Длинные платья, прямой крой, плавность и детали – это мир гламурной моды в стиле ар-деко.

Он стал отражением утонченного образа жизни, который становился все более популярным в эти годы, «украшая» людей и их дома. Одежда, ткани, аксессуары и украшения, созданные в период ар-деко, были яркими, но в то же время практичными, непринужденными и стильными.

Раймон Темплиер объяснил: «Когда я иду по улицам, я повсюду вижу идеи для украшений, колес, автомобилей, современного оборудования» в 1930 году.Действительно, смелые абстрактные узоры французского ювелира предполагают динамичность, отражающую современную городскую жизнь.

Российская художница Наталья Гончорова работала в «Русском балете» Сергея Дягилева, создав невероятные костюмы. Жанна Ланвин разработала вечерние платья с длинными, плавными, простыми линиями и геометрическими формами, что является прямым влиянием кубизма. Платья были изготовлены из таких материалов, как атлас, и в результате они были блестящими и элегантными.

 

Жанна Ланвин, вечернее платье, 1935 год. Предоставлено Музеем Виктории и Альберта © Музей Виктории и Альберта, Лондон, 2021 г.

 

Репродукции в стиле ар-деко

Гравюры и плакаты той эпохи не были исключением под влиянием ар-деко.В графическом дизайне влияние было огромным.

Эта область черпает вдохновение, в частности, из футуризма, наряду с его превознесением скорости и технологий. Как и в случае с футуризмом, принты в стиле ар-деко отличаются смелыми геометрическими формами, острыми углами и насыщенными цветами. Находя удовольствие в современности, оба стиля отражали темы стремительной городской жизни.

Кроме того, художники-плакаты в стиле ар-деко были в значительной степени вдохновлены японскими гравюрами на дереве с их массивными блоками ярких цветов.

В графическом дизайне, благодаря этим влияниям, художники ар-деко экспериментировали с использованием линий для имитации той же скорости и с повторяющимися геометрическими формами, которые привлекали внимание людей и передавали ощущение «высокого стиля».

Пострадала даже типографика: появилось множество шрифтов Bifur, Broadway и Peignot. Графические дизайнеры в то время были заинтересованы в использовании изображений наряду с языком и текстом, создавая мощный и коммуникативный стиль с иллюстративными изображениями, геометрическими стилизованными линиями.

Например, Эрнст Дойч использовал упрощенные формы и человеческие фигуры, а также яркие и блочные цветовые палитры — типичные для художников нового «плакатного стиля». Вскоре Эрнст стал проектировать для Коко Шанель, автомобилей Bugatti и других клиентов высокого класса.Он даже работал в Голливуде костюмером на киностудии 1930-х годов. Его работы стали образцом для роскошных изделий.

Плакаты и гравюры в стиле ар-деко поистине культовые, они глубоко меняют вкус того времени.

 

Роберт Бонфилс, плакат на дереве, 1925 г., предоставлено Музеем Виктории и Альберта © Музей Виктории и Альберта, Лондон, 2021 г.

 

Архитектура ар-деко

 Здание в стиле ар-деко представляет собой все, что у нас ассоциируется с модернизмом.И большинство из тех, что связаны с этим периодом, вероятно, выполнены по стандартам этого стиля.

Из гаражей, аэропортов, океанских лайнеров, кинотеатров, бассейнов, офисных зданий, универмагов, электростанций и заводов… 

На самом деле, архитектура, вероятно, была одной из областей, на которую это новое движение оказало наибольшее влияние, продолжавшееся до 80-х годов. Многие из этих зданий были связаны с развлечениями, такими как рестораны или отели, с роскошными и гламурными интерьерами, полными света и зеркал.

В целом для архитектуры ар-деко характерны вертикальные линии, подчеркивающие ее великолепие, устремляющие взгляд вверх. С блочными геометрическими фигурами и формами, такими как зигзаги, шевроны и стилизованные формы животных и растений, а также со шпилями на крыше и / или изогнутыми декоративными элементами, часто на стенах пастельных тонов.

Во всей архитектуре в стиле ар-деко используются четкие линии и минималистичные, но сложные декоративные элементы. Окна были очень характерны, выглядели как пробитые отверстия, квадратные или круглые, но все же пропускали достаточно света, чтобы усилить внутреннее очарование здания.А использование зеркал отражало свет, подчеркивая элегантную атмосферу.

 

Крайслер-билдинг в Нью-Йорке, построенный в 1930 году по проекту Уильяма Ван Алена, предоставлено Britannica.com ©PHB.cz Richard Semik/Shutterstock.com.

 

Период ар-деко был переходным этапом между традиционными и современными подходами к строительству. Привнося архитектуру в 20-й век, этот художественный стиль все еще можно найти в зданиях некоторых крупных городов Америки, особенно в Нью-Йорке.

Район ар-деко в Майами имеет одну из самых больших концентраций архитектуры ар-деко — образцовую. Этот район в стиле ар-деко, также называемый историческим районом Старого Майами или архитектурным районом Майами-Бич, насчитывает более 800 исторических зданий.

Крайслер-билдинг в Нью-Йорке был новаторским. Спроектированное в 1930 году Уильямом ван Аленом, Крайслер-билдинг было самым высоким зданием в течение первого года своего существования, а в 1931 году заняло второе место в мире. Сейчас это пятое по высоте здание в Нью-Йорке.На его фасаде 3862 окна и 4 ряда по 8 лифтов. Объявленный Национальным историческим памятником в 1976 году, он демонстрирует силу и возможности доступных технологий.

Здание Восточной Колумбии в Лос-Анджелесе было построено в 1930 году по проекту известного архитектора из Лос-Анджелеса Клауда Билмана. Это здание кричит о гламуре и роскоши благодаря часам, золотым деталям, неоновым буквам, бирюзовым оттенкам и вертикальным линиям. Все детали способствуют созданию ощущения роскоши, типичного для стиля ар-деко.

За гранью ар-деко

Эффект ар-деко был распространен во многих областях. Он включал в себя печать, моду, архитектуру… возвращаясь даже после Второй мировой войны. И не только в декоративно-прикладном искусстве. На самом деле, даже в изобразительном искусстве мы можем найти работы, которые представляют аспекты ар-деко.

Празднование модерна, ар-деко, без сомнения, является одним из самых популярных и популярных стилей в 20-м веке. А с начала 1900-х годов ар-деко находит отклик в дизайне.

 

Роджер Бродерс, плакат Marseille Porte de l’Afrique du Nord, 1920 г., предоставлено Музеем Виктории и Альберта © Музей Виктории и Альберта, Лондон, 2021 г.

 


Изображение на обложке: Здание Истерн Колумбия, Лос-Анджелес. Через Medium 

Автор Зои Ривас Занелло

Оставайтесь с нами в журнале Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства

 

Спустя столетие после рождения ар-деко дизайнеры говорят, что нас ждет возрождение. как арт-деко.

Спустя сто лет после того, как наступили 1920-е годы, фирменная эстетика той эпохи продолжает вдохновлять как дизайнерских снобов, так и обычных людей. Ар-деко — этот знакомый стиль искусства, архитектуры и дизайна с иногда причудливой смесью исторических и футуристических влияний — по-прежнему любим. И если верить предсказателям трендов, мы созрели для полномасштабного возрождения ар-деко.

История продолжается под рекламой

В конце концов, 2020 год в некотором смысле очень похож на 1920 год.Столетие назад антииммиграционные настроения были высоки, белый национализм был на подъеме, а быстрый технологический прогресс коренным образом изменил мир в течение жизни одного поколения. Затем дизайн в стиле ар-деко стал обнадеживающим бальзамом для глобальной неопределенности.

Тенденции в дизайне, как правило, цикличны, и дизайнеры интерьеров и законодатели моды предсказывают возрождение этого стиля в течение последних нескольких лет. Сегодняшние заголовки устрашающе перекликаются с заголовками прошлого, поэтому неудивительно, что отсылки к стилю ар-деко кажутся повсюду: они в изысканных интерьерах и мебели дизайнеров Кена Фулка, Индии Махдави, Жозефа Дирана и студии Dimore. Этот период повлиял на домашнюю мебель от массовых розничных продавцов, таких как Restoration Hardware, West Elm и Anthropologie. Этот стиль даже прорвался через Конгресс: в январе пользователи Твиттера были взволнованы, когда член палаты представителей Александрия Окасио-Кортес объявила через историю в Instagram, что она назвала своего щенка французского бульдога Деко в честь стиля дизайна, который она назвала одним из своих любимых. Она написала, что движение «вдохновлено темами оптимизма, социального и технического прогресса и является неотъемлемой частью культовой архитектуры Нью-Йорка.

Крайслер-билдинг, самый известный образец архитектуры того времени, находится в процессе реконструкции. В прошлом году знаковый небоскреб на Манхэттене был куплен RFR Holding и австрийской компанией по недвижимости Signa Holding, и в настоящее время в нем проводится реконструкция интерьера, чтобы обновить его и переосмыслить величие в стиле ар-деко для нового поколения.

Арт-деко достиг своего апогея в 1920-х и 1930-х годах, вырос из стиля модерн. Но там, где ар-нуво отличался извилистыми изгибами и стилизованными цветами, ар-деко был основан на симметрии и геометрии.Он быстро распространился по нескольким дисциплинам, включая искусство, мебель, моду, графический и промышленный дизайн. «Деко — не первый период в дизайне, который сделал это, но он был первым, когда это было сделано особенно хорошо, поэтому это гораздо более заметно», — говорит Стив Найт, президент Вашингтонского общества ар-деко.

История продолжается под рекламой

Стиль получил свое название от Международной выставки современного, декоративного и промышленного искусства 1925 года в Париже. Дизайнеры черпали вдохновение в таких влияниях, как дизайн Баухауза, кубизм, русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также экзотика того времени; Гробница Тутанхамона была только что обнаружена, поэтому египетские мотивы были в моде. Дизайн был смелым и драматичным, и люди не видели ничего подобного. «Деко приходит в момент оглядывания на традиционные мотивы и одновременного поиска нового словаря дизайна», — говорит Стивен Харрисон, куратор отдела декоративного искусства и дизайна Кливлендского художественного музея. «После Первой мировой войны люди ностальгировали по прошлому и надеялись на будущее».

Невзгоды Первой мировой войны зажгли желание двигаться вперед. Внутри страны женщины только что получили право голоса, и преобладал дух оптимизма.Эта надежда встречается в некоторых повторяющихся темах ар-деко. Солнечные лучи означали рассвет современной эпохи; полуголые резвящиеся нимфы прославляли недавно завоеванные социальные свободы женщин; символы скорости отражали новые виды транспорта; и геометрические формы представляли увлечение периода машинами.

Ранний ар-деко вырос из европейских традиций изобразительного и декоративно-прикладного искусства. Изготовленные вручную из лучших материалов — слоновой кости, оникса и даже изумруда — эти роскошные, сделанные на заказ предметы предназначались для самых богатых членов общества.Но после краха фондового рынка в 1929 году более сдержанная, обтекаемая версия, называемая современным искусством, приобрела в Америке гораздо больше поклонников, потому что была доступна каждому.

В каком-то смысле ар-деко был оригинальным дизайном, который всегда был в пределах досягаемости. «Это определенно первый случай в истории, когда тенденции в значительной степени просачивались от богатых к обычным людям, затрагивая все жанры, от моды до декоративно-прикладного искусства», — говорит Харрисон.

В начале 20 века произошел значительный прогресс в области технологий.Первые пластмассы и другие инновационные материалы удешевили производство продукции. Технология хромирования придала утилитарным предметам, таким как тостеры и миксеры, гладкую, зеркальную поверхность, которая казалась роскошной. Промышленные дизайнеры Рэймонд Лоуи и Норман Бел Геддес стали знаменитостями, оптимизируя предметы от телефонов до столовых приборов. «Они взяли объекты, которые выглядели устаревшими и совершенно пугающими, уделили внимание эстетике и сделали что-то визуально ошеломляющее и привлекательное», — говорит Найт.

История продолжается под рекламой

Массовое производство сделало хороший дизайн более эгалитарным. «Внезапно у вас появилась возможность получить то же самое, что у кого-то другого, из серебра в смешанном металле, который выглядел как серебро и был очень дешев в производстве», — говорит Харрисон. Фабричная бижутерия имитировала настоящую, а более дешевые породы дерева имитировали вид дорогих за счет использования шпона.

Индустриализация была не единственным достижением, которое принесло ар-деко в дома людей.«Этот стиль появился в то время, когда был большой всплеск средств массовой информации, включая радио, журналы и фильмы, поэтому его было легче распространять по всему миру», — говорит Найт. Это было быстро развивающееся мировое явление, даже без помощи Интернета.

«Из-за пленки его легче узнать; мы можем увидеть Фреда Астера и Джинджер Роджерсин в «Цилиндре» и сразу же назвать период», — говорит Найт. Съемочные площадки оказали огромное влияние на то, чтобы познакомить кинозрителей с роскошным стилем, особенно работа арт-директора Седрика Гиббонса, который отвечал за внешний вид таких фильмов, как «Поцелуй» (1929) и «Ужин в восемь» (1933).Представление о том, как будущее должно выглядеть в кино, тоже зародилось в эпоху деко. Элементы стиля спустя годы можно увидеть в таких научно-фантастических фильмах, как «Бегущий по лезвию», «Бразилия» и даже «Звездные войны». Посмотрите, как выглядит всеми любимый привередливый дроид C-3PO, как будто он забрел со съемок «Метрополиса» Фрица Ланга (1927).

История продолжается под рекламой

К 1939 году, когда началась Вторая мировая война и начались глобальные беспорядки, стало ясно, что век машин не решит проблемы общества. Блеск ар-деко начал немного тускнеть, и образ вышел из моды. Он периодически появлялся в элегантной неоновой эстетике закусочных 1950-х годов, в стиле космической эры 1960-х и в движении дизайна Мемфиса 1980-х, которое напрямую отсылало к формам ар-деко и Баухауза и пережило собственное возрождение в последние годы.

Сегодня отсылки к стилю ар-деко заполняют страницы дизайнерских журналов и вдохновляют интерьеры шикарных ресторанов и отелей от Сан-Франциско до Парижа.«В этом есть вневременность, которая кажется ужасно романтичной и притягивает вас», — говорит дизайнер интерьеров Кен Фулк, работающий над исторически значимыми проектами в стиле ар-деко на восточном и западном побережьях.

Арт-деко так привлекателен отчасти потому, что он напоминает о более изысканном и цивилизованном мире. «Мы очень долго были в той эпохе, когда повседневная жизнь была названием игры, и теперь люди снова интересуются гламуром и формальностью», — говорит Шеннон Дэвис, креативный директор Selamat, которая недавно выпустила коллекцию домашней мебели. вдохновленный ар-деко.

История продолжается под рекламой

Еще одно возможное объяснение стойкости стиля: мебель в стиле ар-деко удивительно хорошо сочетается с мебелью других периодов. «Мы использовали произведения в стиле деко как в современной обстановке, так и в стиле Старого Света», — говорит Фулк. «Одна из вещей, которая делает его универсально привлекательным, заключается в том, что он может жить в других средах; это не статично». Стиль работает с минимализмом, максимализмом и всем, что между ними. «Внешний вид довольно адаптируемый; Вы можете смешивать и сочетать эти вещи…. и не похоже, что вы нарушаете какие-либо правила», — говорит Дэвис.

Упаковка с передовым дизайном в доступной и легко усваиваемой обертке может стать ключом к непреходящей популярности ар-деко. Дизайнерский эквивалент розового, этот стиль в прошлом подвергался критике за слишком широкую привлекательность. «Люди будут принимать современные или прогрессивные идеи до тех пор, пока они уходят корнями в более традиционную основу, и я думаю, что это именно то, что сделал ар-деко: он взял старые, классические мотивы и радикально обновил их для более широкой аудитории». говорит Харрисон.«Арт-деко выживает, потому что он находится на грани между традиционным и современным дизайном».

То, что этому стилю удается быть старомодным и футуристическим, имеет смысл, поскольку он отражает переходный мир. «Десятилетие, предшествовавшее 1920-м годам, создало водоворот для подъема стиля деко», — говорит Меган Мартинелли, помощник куратора поместья, музея и садов Хиллвуд, которая планировала выставку моды, украшений и декоративного искусства эпохи джаза Марджори. Почта Мерриуэзер. «Я думаю, что это стиль, к которому мы часто возвращаемся после периодов неопределенности.”

История продолжается под рекламой

В трудные времена ар-деко олицетворяет веру в то, что оптимизм, красота и творчество могут выжить и даже процветать. «В геометрических линиях чувствуется комфорт, а в отсылках к историзму есть что-то знакомое», — говорит Мартинелли. «Это создает ощущение счастливого порядка, к которому, я думаю, притягиваются люди».

Говорит Фулк: «Наша жизнь так часто рушится из-за новостей, что мы хотим чувствовать себя воодушевленными тем, что нас окружает. Если когда-либо и было для этого время, то сейчас; это момент деко.

Мишель Бруннер пишет о дизайне, стиле и недвижимости. Она живет в Вашингтоне.

BBC — Дома — Дизайн

Арт-деко зародился в Европе, особенно в Париже, в первые годы 20-го века, но не прижился до окончания Первой мировой войны. Второй мировой войны.

В этой статье


Это было не только для элиты. К 1930-м годам массовое производство означало, что каждый мог жить в стиле деко. Путешествия стали популярными. Африканские сафари были в моде, и дома стали появляться шкуры животных, слоновая кость, перламутр и панцирь черепахи. После того, как была обнаружена гробница Тутанхамона, все украсили египетские пирамиды и сфинксы.

Style

  • геометрические и угловатые формы
  • хром, стекло, блестящие ткани, зеркала и зеркальная плитка
  • стилизованные изображения самолетов, автомобилей, круизных лайнеров, небоскребов
  • природные мотивы — ракушки, рассветы, цветы
  • — полированное дерево и глянцевый черный лак в сочетании с атласом и мехом

Влияния

  • ар-нуво — деко сохранил природные мотивы своего предшественника, но отказался от плавных органических форм и пастельных тонов в пользу более смелых материалов и цветов, таких как хром и черный
  • кубизм – такие художники, как Пикассо, экспериментировали с пространством, углами и геометрией
  • ранний Голливуд – гламурный мир серебряного экрана, просочившийся в дизайн с использованием блестящих тканей, приглушенного освещения и зеркал. Коктейльные шкафы и курить атрибутика стали очень модными

Имена

  • Eileen Grey
  • Raymond Templier — ювелирные изделия
  • Clarice Cliff — China
  • René Lalique — стекло и ювелирные изделия

В то время

    • 1912 RMS Titican Payls
    • 1922 TutankhaMun’s Gobs открыта
    • 1922 Улисс Джеймс Джойс опубликован
    • 1931 Empire State Constate
    • 03
    • кинозвезды — Грета Гарбо, Марлен Дитрих, Джинджер Роджерс и Фред Астер
    • Чарльстон и танго — последние увлечения танцами, рождение джаза и певица Жозефина Бейкер волнует Париж

    Получить взгляд 9000 Мебель

    — выбери ул. ong, обтекаемые формы для мебели и в отдельных предметах, а не наборах.
  • Ткани — наклейте на однотонные ткани или ткани с геометрическими рисунками и расставьте акценты с помощью подушек, также выполненных в одном цветовом блоке.
  • Полы — полированный паркет идеально подходит для полов. Также типичны линолеум с абстрактным рисунком или черно-белая виниловая плитка в шахматном порядке.
  • Коврики — полы должны быть покрыты большим ковром с геометрическим рисунком. Их часто изготавливали вручную такие художники, как Дункан Грант (известный Bloomsbury Group).
  • Камины — камины должны быть прямоугольными и жирными. Окружение часто облицовывалось розовой, зеленой или бежевой плиткой. Они были сделаны из бетона, и немногие сохранились до наших дней.
  • Цвет — для прихожих подходят смелые цветовые решения, такие как серебристый, черный, хром, желтый и красный. Кремовый, зеленый и бежевый или устричный и цвет «вода-де-ноль» подходят для гостиных и спален.
  • Шкафы — шкафы, платяные шкафы и т.д. должны быть из светлого шпонированного дерева и иметь простые формы, обеспечивающие ощущение легкости и воздушности.
  • Дизайн — ступенчатый профиль является воплощением формы ар-деко, встречающейся повсюду, от светильников вверх до рамок для картин. Также ищите зигзаги, шевроны и молнии.
  • Освещение — светильники с изображением женских фигур, держащих шар лампы, являются типичными и имеют множество хороших репродукций. Также ищите хром, совершенно новый материал в то время, и стекло. Стекло скорее травили, подвергали пескоструйной обработке или эмалировали, чем окрашивали.

Что бы инвестировать в

  • Керамика Susie Cooper и Clarice Cliff
  • Оригинальные Art Deco Rugs
  • Оригинальные плакаты с участием Bugatti Cars etc

Где можно увидеть

  • Hoover Factory, Middlesex
  • Savoy, London
  • Burgh Island Hotel, Bigbury-on-Sea, Devon
  • Eltham Palace, London
  • Miami Beach, Florida

Дополнительная литература

  • Интерьеры в стиле ар-деко: классика декора и дизайна 1930-х годов и 1920-х годов Патриция Байер (Thames & Hudson)
  • Ар-деко: полеты фантазии Сьюзен А. Стернау (Tiger Books International)
  • Контрольный список антиквариата: ар-деко Эрика Ноулза (Митчел Бизли)

Авторское право на изображение:
Ткань в стиле ар-деко Изображение предоставлено School House Quilts Shoppe
Чайный сервиз Shelley Изображение предоставлено базой данных Antiques Roadshow 90 655 Изображение танцора с керамическим веером предоставлено базой данных Antiques Roadshow

Декопанк | Эстетика Вики | Фэндом

Декопанк

Плакат с эстетикой

Связанные СМИ

BioShock, Бэтмен: мультсериал, Дик Трейси, Тень

Декопанк — это недавнее подмножество панк-научно-фантастических жанров (в частности, дизельпанка), основанное на художественных стилях ар-деко и модерн, которые были популярны в бурные 20-е и оставались в моде до 1950-х годов.У него более гладкая и блестящая эстетика по сравнению с дизельпанком, который имеет тенденцию быть более суровым и мрачным. Часто Decopunk будет использовать немного более современные технологии по сравнению со временем, которое он должен вызывать, например, кассеты VHS.

Визуальный

Декопанк имеет много общего с эстетикой дизельпанка, но с большим акцентом на стиль ар-деко, который был популярен в то время. Прекрасным визуальным примером эстетики Decopunk может быть оригинальная видеоигра BioShock .

Мода

Большая часть моды Decopunk имеет тенденцию опираться на аналогичные влияния Dieselpunk, но определенно больше внимания уделяется тому, чтобы выглядеть модно и классически презентабельно, чем суровости, которую можно найти в жанре Dieselpunk. Определенно ожидайте больше костюмов зут, платьев и более дорогой моды в кругах декопанка, чем вы найдете в жанре эстетики дизельпанка.

Музыка

Плейлист Spotify

Поджанры

Есть две точки зрения на декопанк.Это пикрафтианцы и оттенсовцы.

Пьекрафтиан Декопанк

Piecraftian Decopunk имеет тенденцию сосредотачиваться на эстетике, популярной во время Первой и Второй мировых войн, и обычно фокусируется на том, как человеческая культура будет развиваться перед лицом постоянных широкомасштабных войн. Это может привести к тому, что пьекрафтианский декопанк несколько перетечет в дизельпанк, поскольку пьекрафтианский декопанк больше ориентирован на выживание, чем на эстетическую эволюцию. Примеры Piecraftian Decopunk включают такие фильмы, как оригинальный фильм «Безумный Макс», а также «1984» Джорджа Оруэлла, «Wolfenstein: The New Order» и эксклюзив для PS3 «Killzone».

Оттенский декопанк

Ottensian Decopunk сосредоточен на эстетике и декадансе бурных двадцатых. Это приводит к предположениям о том, как бы он развивался, если бы его полностью не прервал рыночный крах 1929 года (черный вторник), который привел к Великой депрессии или мировой войне, и в целом он имел бы более утопическое видение будущего (аналогично отношениям между Соларпанк и Киберпанк) и является скорее версией ретро-футуризма. Примеры художественной литературы, работающей под лейблом Ottensian Decopunk, включают «Ракетчик» , « Небесный капитан и мир завтрашнего дня» и (задним числом) произведения Айзека Азимова .

Окраина

Другие художественные произведения, связанные с декопанком, включают произведения Х.П. Лавкрафт и нуар, такие как Касабланка и LA Noire.

Галерея

В СМИ

Анимация

  • Суперсемейка
  • Метрополис (2001)
  • Бэтмен: мультсериал

Живое действие

  • Ракетчик (1991)
  • Дик Трейси (1990)

Видеоигры

  • Биошок
  • Ближе к солнцу

Хлопушка | Эстетика Вики | Фэндом

Предупреждение о содержании: упоминает об алкоголе, курении и сексе.


Заслонка

Ключевые цвета

Черный, бежевый, коричневый и белый в сочетании с яркими декоративными элементами фиолетового, нефритового и металлического цветов

Ключевые значения

свобода
культура потребления


Флапперы были молодыми западными женщинами 1920-х годов, которые вели свободный образ жизни. Они были известны своими короткими юбками (здесь имеется в виду длина до колен) и волосами выше плеч. Еще они слушали джаз.Курение, пьянство, вождение автомобиля и случайный секс были еще одной частью Flappers. По сути, Флапперы заявляли о своем презрении к социально приемлемому женскому поведению.

История

Флэпперы появились в результате растущей свободы в 1910-х годах. Из-за большого количества мужчин, сражавшихся в Первой мировой войне, значительное количество женщин вошли в состав рабочей силы, предоставив им свободы, которые многие хотели сохранить. Свободы женщин были дополнительно расширены с принятием 19-й поправки, дающей им право голоса.Улучшение контроля над рождаемостью также способствовало росту свободы женщин. [1]

Потом мужики вернулись с войны. Как Фредерик Льюис Аллен говорит в « Only Yesterday »: «(Женщины) ожидали, что они освоятся в однообразной рутине американской жизни, как будто ничего не произошло, примут моральные предписания старейшин, которые, как им казалось, все еще живут в поллианская страна розовых идеалов, которую война убила для них Они не могли этого сделать, и очень неуважительно об этом говорили. » [2]

Мода

Таким образом, хлопушки бросили вызов предыдущим нормам, надев короткие юбки, макияж и короткие волосы.

Примеры хлопковой одежды включают:

  • Прямые платья прямого кроя, длиной до колена или выше, прямые, без декольте
    • Для дня: Плотная шерсть и твид
    • На ночь: Мех, бархат, стеганый атлас, мерцающий/блестящий фактурный шелк/искусственный шелк
  • Очень заметные, прозрачные, светлые чулки из шелка/вискозы, застегивающиеся чуть выше колен с кружевными подвязками
  • Туфли Мэри Джейн высотой 2–3 дюйма с застежкой на пуговицы черного, золотого, серебряного или телесного цвета
  • Колоссальные сверкающие серьги-люстры
  • Мундштуки для сигарет
  • Стрижка «каре-каре» с челкой или короткая стрижка итон (современный эквивалент — стрижка «пикси»)
  • Плотно прилегающие шапочки-колокольчики со спущенными вниз головками для фиксации прически
  • Руки штанги с браслетами, надетыми на каждую руку
  • Длинные нити из жемчуга или стеклянных бусин
  • Плотно прилегающие шапочки с бусинами
  • Колпаки с гигантскими искусственными цветами или вышивкой бисером
  • Узкие блестящие шарфы, которые носят по типу галстука или вокруг головы, завязывая сбоку
  • Шалевый воротник, пальто с запахом
  • Пальто из бархата/меха
  • Палантин из лисы/норки в комплекте с головой и глазами
    • Горжетка из перьев является приемлемой заменой, если вам неудобно носить мех
  • Маленькие сумки из бисера
  • Очки в роговой оправе
  • Подведенные глаза, темно-малиновые губы в форме банта купидона и яркие щеки с ярко-красным румянцем

Key Designers

  • Коко Шанель — трикотаж
  • Жанна Ланвин
  • Эдвард Молинье
  • Jean Patou – важно для вязаных купальников и женской спортивной одежды
  • Поль Пуаре
  • Эльза Скиапарелли — трикотаж
  • Калло Сёрс
  • Madeleine Vionnet – моделирует естественно подчеркнутые формы женского тела

Мероприятия

Танцы 1920-х годов с участием чарльстона, пибоди, индюшачьей рыси и др.

  • Танцы
    • Чарльстон, Блэк Боттом и Шимми были популярны. [3]
  • Алкоголь
  • Вождение автомобиля
  • Секс
  • Курение

Местонахождение

Это список основных мест, куда ходили Флэпперы. [4]

  • Джаз-клубы
  • Спикизи
  • Водевиль показывает

Известные личности

  • Клара Боу
  • Луиза Брукс
  • Жозефина Бейкер
  • Коллин Мур
  • Джильда Грей
  • Зельда Фицджеральд
  • Дайанна Купер
  • Нэнси Кунард
  • Тамара де Лемпицка
  • Таллула Бэнкхед

СМИ

Книги

Художественная литература
  • По эту сторону рая Ф.Скотт Фицджеральд (а также многие другие его книги)
  • Спаси меня вальс Зельда Фицджеральд
  • Забытый хлопушка: роман об Олив Томас Лэйни Джайлз
  • Flappers (сериал) Джиллиан Ларкин
  • Джентльмены предпочитают блондинок и Но джентльмены женятся на брюнетках от Anita Loo
  • Девочки в клубе Kingfisher от Женевьев Валентайн
  • Эпоха невинности Эдит Уортон
Документальная литература
  • Хлопушки: шесть женщин опасного поколения Джудит Макрелл
  • Flapper: Сумасбродная история о сексе, стиле, знаменитостях и женщинах, которые сделали Америку современной

    Фильмы

    • Чикаго (2002)
    • Пылающая юность (1923)
    • Он (1927)
    • Ящик Пандоры (1928)
    • Некоторые любят погорячее (1959)
    • Великий Гэтсби (2013)

    Pinterest

    Музыка

    Flappers были известны тем, что слушали джаз.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.